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oSoyMásRápido#LesLuthiers//
domingo, 17 de noviembre de 2019
Elvis Presley: The Searcher [2018]
Es cierto que se ha hablado y escrito hasta el cansancio sobre su vida y obra, sin
embargo hay un par de razones por las que la producción de HBO "Elvis Presley: The
Searcher" debe ser considerada como el documental definitivo acerca del célebre Elvis
Presley. La primera de ellas es lo completo del material incluido y la claridad de los
enfoques de la narración que deambula libre de artificios, entre los compases del idilio
entre el country, el R&B y el bluegrass, entre otros ritmos. La segunda y quizás la más
importante, es cómo sin dejar de lado los lineamientos básicos que dicta el género, va
acomodando cada una de las piezas que le permiten dimensionar la trascendencia del
protagonista a nivel histórico, mientras emerge vestido de evocación, el lado más
entrañable del joven de Memphis lleno de sueños, y que prevalece hasta cuando
comienza a ser consumido por las implicaciones del show, reduciendo su protagonismo a
esos momentos en que en sus canciones es más evidente aquello que las hacía únicas,
el gozo y el profundo vínculo que tenía con sus raíces. Es así que mientras escuchamos
los testimonios de Priscilla Presley y su amigo de la infancia Red West, además de los de
músicos como Tom Petty y Bruce Springsteen, acompañados de una selección musical
que con mucho sentido dramático sirve como telón de fondo, asistimos tanto a sus
procesos creativos que develan la inteligencia con que aquel joven funcionaba rompiendo
las reglas, como a su afinidad por detectar las reacciones del público hasta hacer de éstas
una herramienta para llevarlos por los caminos que les va dictando con sus canciones.
"Elvis Presley: The Searcher" es un imprescindible documento fílmico de más de tres
horas de duración que presenta un relato completo de la pasión, el control, el drama
visceral y la maestría de Elvis Presley.
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Elvis Presley: The Searcher [2018]
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[Subforo | Foro de Subtítulos]
Publicado por Biciman a las 21:11

Etiquetas: Películas para la bici
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Tristeza
> Por Biciman.©
Antipasión / lateral sin centro

pena mal cobrada / la mano de vos
sudario de vos / suplente de arquero
la raya del miedo / córner sin balón
frenesí bombero / maladelantada
tu pierna en mi cara / peligro de vos
el casigol / el palo y afuera
el que patee cualquiera / total nunca entra
orsai de la vida / cabezazo a la nada
alma hecha pelota / fuori della copa
tristeza uno / alegría cero.

Etiquetas: Fotos para la bici, Poesía para la bici
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Amazing Grace [2018]
Nacida en Memphis en 1942, Aretha Louis Franklin creció en una familia bautista, y es
gracias a dicho credo que dio sus primeros pasos en el mundo de la música. En 1967, la
hoy legendaria "Respect" la convirtió en un nombre imprescindible. Le seguirían grandes
éxitos de la talla de "Chain of Fools" o "I Say a Little Prayer". Desde entonces, jugó con
géneros como el jazz ("Satisfaction"), disco ("La Diva"), pop ("Love All the Hurt Away") o
R&B ("Through the Storm"). En 1972, con una veintena de álbumes grabados, dio un giro
decididamente góspel a su carrera con "Amazing Grace". Durante la grabación de ese
álbum, Warner Bros Pictures encargó al por entonces director de moda Sydney Pollack el
rodaje del que sería uno de los acontecimientos musicales de la década. Aretha Franklin,
quien por entonces tenía treinta años, ya se había constituido en una de las más
celebradas artistas de R&B y soul de la historia. En lo que la propia Franklin concibió
como un regreso a sus orígenes artísticos, la cantante se unió al pastor y músico James
Cleveland y al Coro Comunitario del Sur de California para grabar en directo, durante dos
intensas noches, el que pasaría a ser uno de sus álbumes históricos. Desgraciadamente,
diversos problemas técnicos impidieron que este evento se estrenara en su momento.
Fuentes cercanas a Pollack saben que llevó la espina clavada hasta sus últimos días.
Ahora, una década después del fallecimiento del autor en 2008, el productor Alan Elliott,
acompañado de figuras de la talla de Spike Lee, recuperan este documento
imprescindible: el trabajo en vivo de una artista y su sintonía con el público.
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Amazing Grace [2018]
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La bici de Michael
- ¿Por qué caemos, Bruce?
- Para aprender a levantarnos.
[Michael Caine]

Etiquetas: Fotos para la bici
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Hi-Fidelity Dub Sessions XIII
>Tracklist
01- Vaticaen Box - Nawak British

02- Atlantis Dub - Manwel T
03- Optimism Oxygen [Feat. David Lynch & Lee Scratch Perry] - Dubblestandart
04- Tribal Ground - Mad Professor
05- La Vita - Kukan Dub Lagan
06- Time - Panda Dub
07- Plan sur la comète - Jean Paul Dub
08- Emergent Resurgence - Globular
09- Homage To The Dub Masters - Zoungla
10- Technofari [3rd Ear Remix] - Soundaholix
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Hi-Fidelity Dub Sessions XIII

Etiquetas: Música para la bici
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Ocio
> Por Rainer Maria Rilke.
Con frecuencia me pregunto si esos días en que nos vemos obligados a permanecer
ociosos no son, justamente, los días en los que nos involucramos en la actividad más
profunda; si nuestras acciones, aún a pesar de suceder en algún momento posterior, no
son sino las últimas reverberaciones de un vasto movimiento que se produce en nuestro
interior en los días de ocio. Como sea, es fundamental entregarse al ocio con confianza,
con devoción, incluso, tal vez, con alegría. Los días en que ni siquiera nuestras manos se
mueven son tan increíblemente silenciosos que apenas es posible levantarlas sin que
oigamos un ruido atronador.

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Dylda [2019]
Una respiración entrecortada, un paréntesis en el tiempo, con la mirada perdida en un

pasado que, cada minuto de cada día de cada instante vivido, se intenta olvidar, sin
conseguirlo. La película comienza con un respiro cortado, una asfixia recurrente, un
sonido inolvidable. ¿Cómo superar el trauma que ha dejado una ciudad sitiada durante
una guerra? Inspirada por la novela, "La guerra no tiene rostro de mujer", de la Premio
Nobel de Literatura 2015, Svetlana Aleksándrovna Aleksiévich, el cineasta ruso, Kantemir
Balagov, que ya había arrasado con "Tesnota", presenta su segunda película, "Dylda"
(también conocida como "Beanpole" o "Una gran mujer"), aún más intensa, fascinante y
luminosa. Leningrado en 1945 no era una fiesta. La Segunda Guerra Mundial lo ha
devastado todo: la ciudad, el cuerpo y las almas de sus habitantes. Dos jóvenes, Iya y
Masha, que se conocieron durante el asedio de la ciudad, han sobrevivido a duras penas.
Una de ellas, dejó a cargo de su amiga lo más preciado de su vida. Pero nada es eterno,
y ante su desaparición, ambas tratan de encontrar un sentido vital, las fuerzas para seguir
viviendo y la esperanza de construir algo que motive su futuro. Un inmenso drama, como
en las grandes novelas de Fiódor Mijáilovich Dostoyevski, con los recovecos del alma
rusa a flor de piel que el cineasta ha convertido en un instante luminoso. Frente a las
duras circunstancias de la situación, Kantemir Balagov utiliza una paleta cromática cálida
y envolvente: unos rojos sedosos, verdes exultantes y naranjas armoniosos, como el
deseo de unas jóvenes que con 24 años desean volver a soñar. Si ya en su ópera prima,
el director mostraba una joven combatiente que reivindicaba su voz y defendía sus
opiniones, en esta ocasión, gracias a las imágenes de Svetlana Aleksándrovna
Aleksiévich, por fin, la guerra se aleja de la mayoritaria narración masculina. Todo lo
contaban los hombres, las mujeres callaban. Fue la misma guerra, pero con versiones
muy distintas. Una magnífica película a la altura del gran talento de su director.
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Dylda [2019]
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Nuevo Proyecto: SUBFORO
"Subforo" es un proyecto colectivo de traducción de subtítulos de películas
independientes y documentales de arte difíciles de conseguir en la red, incluso mediante
pago, ya que la mayoría no tiene distribución digital o comercial en países de habla
hispana por no contar con traducción al español. En la web de "Subforo" se puede editar,
descargar y debatir sobre los subtítulos compartidos, además de sugerir nuevos títulos a
buscar y traducir. La página incluye un tutorial para colaborar con la traducción de los
subtítulos de forma comunitaria, un listado de los subtítulos disponibles para traducir o
descargar, y un foro para preguntar, recomendar y discutir las cuestiones relacionadas a
las ediciones y las descargas. Apelamos al sentido comunitario para el uso y la
compartición de esta herramienta colaborativa para que se expanda y perdure lo más
posible. A quienes tengan el suficiente interés cultural y espíritu solidario (y tiempo) para
participar en este proyecto: ¡bienvenid@s!
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Subforo | Foro de Subtítulos

Etiquetas: Proyectos para la bici
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For No Good Reason [2012]
"For No Good Reason" es un recorrido por la obra del artista Ralph Steadman, uno de los
ilustradores británicos más representativos de la cultura de los años 70, particularmente
conocido por sus trabajos con el periodista y escritor estadounidense Hunter S.
Thompson. De hecho, sus dibujos y su tipografía ayudaron a configurar la imagen de
Raoul Duke, el alter ego de Thompson en "Miedo y Asco en Las Vegas". Hunter S.
Thompson fue el inventor del periodismo gonzo que implicaba dejar a un lado la
aburridísima y dudosa objetividad de la prensa académica. El gonzo de Thompson y
Steadman comenzaba eligiendo un evento deportivo de renombre como el Derby de
Kentucky, la pelea entre Alí y Foreman o la Marathon de Honolulu. También podían salir a
la búsqueda desesperada del “sueño americano” y terminar en ese simulacro obsceno
perpetrado en el desierto de Las Vegas. Una vez allí se sumergían en el acontecimiento
empapados en alcohol y otros narcóticos. El evento terminaba perdiendo toda importancia
y ellos se convertían en protagonistas. Tras la sátira descarnada de sus colaboraciones
con Thompson, Steadman utilizó su arte como un arma política contra la nefasta
administración Nixon o la guerra en Vietnam, El Salvador o Biafra. Steadman también
ilustró textos de William S. Burroughs, autor de "El almuerzo desnudo", como, por
ejemplo, la oración por el día de Acción de Gracias dedicada a John Dillinger. Treinta
años después, Johnny Depp y el director del documental, Charlie Paul, le rinden
homenaje en esta pieza donde se incluyen entrevistas a Terry Gilliam y Richard E. Grant,
con música de Slash, All American Rejects, Jason Mraz, James Blake, Ed Harcourt y
Crystal Castles.
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For No Good Reason [2012]
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Milagro
> Por Biciman.©
Una ausencia
está hecha de pasado
le sobra futuro
no tiene presente.
Una presencia
a veces
está hecha de milagro
del más allá
que ahora está acá.

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Astor Piazzolla: The Next Tango [2007]
"Astor Piazzolla: The Next Tango" es un documento fílmico firmado por el director José
Montes-Bacquer que reune tres interpretaciones en vivo del autor argentino y una
entrevista de 45 minutos realizada por Andrés Salcedo para la televisón alemana. En ella
nos encontramos con un Piazzolla íntegro, agudo, soberbio, autocrítico, honesto y feliz.
Casi a forma de monólogo e intercalando segmentos musicales ya sea solo, con orquesta
o con su quinteto, el artista habla de su encuentro con Arthur Rubinstein y de su osadía al
llevarle un “Concierto para piano”, que el polaco se encargó de aclarar que para ser
concierto le faltaban los arreglos para orquesta y que luego de tocarla en su presencia le
sugirió que estudiara y lo contactó para ello. Relata sus años de estudio con Ginastera y
la importancia en su vida (“mi segunda madre”) de Nadia Boulanger, quien prácticamente
le ordenó que se dedicara al tango. Su período con Troilo, los contratiempos por intentar
modificar una música popular como el tango, la historia del bandoneón, las distintas
técnicas para ejecutar el instrumento, su interpretación de lo que significa el tango en
cuanto a danza, citas a Borges y a Sábato y una autodefinición certera: “Yo no soy mi
música. Yo soy anti tango”. Acompaña al dossier el corto documental "Calle Descartes,
Número 16: Astor Piazzolla" producido por el canal argentino Encuentro, que retrata la
amistad entre Astor Piazzola y José Pons, un argentino residente en el número 16 de la
calle Descartes de París, en una casa convertida en epicentro y punto de encuentro de
algunos de los más brillantes artistas argentinos y franceses de la generación de los 70,
una amistad que cambiaría sus vidas, partiendo del archivo privado de grabaciones
inéditas, cartas, películas y fotografías recopiladas por la familia Pons durante décadas.
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Astor Piazzolla: The Next Tango [2007]
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La bici de Nicole
Me siento atraída por gente cautivadoramente imperfecta.
[Nicole Kidman]

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miércoles, 10 de julio de 2019
Jimi Hendrix: Electric Church [2015]
Casi cuatrocientas mil personas asistieron a la actuación más multitudinaria en la carrera
de Jimi Hendrix, la que tuvo lugar en la segunda edición del Atlanta Pop Festival en 1970.
Fue a unos cien kilómetros al sur de Atlanta, cerca de la ciudad de Byron, en el Estado de
Georgia, donde se celebró el también llamado "Woodstock del Sur" y valorado ahora
como el último gran festival de rock de Estados Unidos, con más 30 actuaciones
musicales entre las que se contaron las de Bob Seger, B.B. King y The Allman Brothers.
La actuación de Hendrix no sólo fue de importancia a nivel musical, sino también en
términos socio-políticos. Los organizadores querían contrarrestar la división cultural que
en el sur profundo de Estados Unidos era muy evidente. Asumían que el público rural no
recibiría de buen grado a las bandas de "pelo largo", y esos artistas negros y blancos no
podrían compartir fácilmente el mismo cartel; Atlanta Pop se propuso desafiar estas
creencias. La música y mensaje de amor universal de Hendrix lo convirtieron en el artista
ideal para representar esta visión, y, convenientemente, fue el primer artista contratado
para el festival. En el agobiante calor de Georgia, entre motoqueros intimidantes
contratados como seguridad, cientos de miles de jóvenes fans de la música llegaron a la
localización del festival, derribando vallas y no dejando a los organizadores más opción
que declarar el festival como un evento gratuito. Las fuerzas de la ley, que no estaban
equipadas para controlar tal cantidad de gente, adoptaron la política de no intervenir en el
control de la multitud, el uso de drogas y la desnudez. Contra todo pronóstico, el evento
resultó ser muy pacífico. Para cuando Jimi Hendrix Experience se subió al escenario la
tarde del 4 de Julio, el público había aumentado a más de trescientas mil personas. "Jimi
Hendrix: Electrical Church" presenta la historia de cómo la emergente cultura de festivales
de música rock descendió en masa al pequeño pueblo rural de Byron, Georgia, y fue
testigo de la inolvidable actuación de Hendrix.La película detalla el esfuerzo realizado por
el promotor de Atlanta, Alex Cooley, para crear el festival musical definitivo. Este
documento histórico incluye entrevistas con los miembros de la banda Experience de
Hendrix, Billy Cox y el fallecido Mitch Mitchell, y también de Paul McCartney, Steve
Winwood, Rich Robinson, Kirk Hammett, Derek Trucks, Susan Tedeschi, el organizador
del festival Alex Cooley y muchos otros. La película contiene impresionantes imágenes de
16mm en color de la actuación de Jimi Hendrix en el Día de la Independencia, a tan sólo
dos meses de su prematura muerte. Algunas de las interpretaciones destacadas incluyen
clásicos como "Hey Joe", "Voodoo Child", "Purple Haze" y extraordinarias versiones de
canciones como "Room Full Of Mirrors", "Freedom" y "Straight Ahead". Según Bill Mankin,
que trabajó en el armado del festival, "en el centro del remolino estaba el mago maestro
con su guitarra: la personificación de una vida vivida plena y salvajemente, sin barreras,
sin límites, y dirigiéndose hacia las estrellas a toda velocidad".
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Jimi Hendrix: Electric Church [2015]
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Los yetas
> Por Biciman.©
El derrame (una propina de pena) de la burguesía estandarizada hasta el agote

(pigmentados apenas) colesteriza la grasa centenaria de las capitales y fluye en fáctica
mente hacia un vertedero inviable cercado por las fallas randómitas de una falaz
prescindible innovación. Modernizar el sueño con un pasado setenta años mejor,
subterraneando la conciencia como si la historia fuera un caño que se anula por omisión,
es servil a las corporaciones de dudas que fabrican empanadas para todas las preguntas
y atragantan a los palo$ al bicho cuestionador. Las larvas son larvas por nuevas o por
viejas. Hay gusanos voladores y otros viven bajo tierra, subliminales carnadas de
poblaciones muertas. En la guerra de las dietas, los colmillos sin coronas se afilan en los
bordes con el hambre de respuestas. Las empanadas aguantan el retorcijón de los yetas.
La felicidad descongelada menudea la revuelta, al calor unánime de la originaria receta:
se acabó la resistencia, ¡ahora el contraataque!

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Shot! The Psycho-Spiritual Mantra of Rock [2016]
Crear una estrella es básicamente crear la imagen de una estrella. Mick Rock, el fotógrafo
protagonista del documental de Barnaby Clay, lo entendió perfectamente, y se dedicó
durante décadas a inmortalizar a algunas de las más célebres estrellas del rock, a
quienes supo dotar de una imagen única. El artista, nacido en Londres en 1948, pasó
primero por la Universidad de Cambridge, donde estudió Lenguas Modernas, para luego
incursionar definitivamente en la fotografía. Sus inicios fueron azarosos y un tanto
caóticos: comenzó tomando fotos casi como un juego, bajo los efectos del LSD. Su
amistad con Syd Barrett y una serie de retratos que le hizo al músico fueron el pasaporte
a la fotografía de figuras del rock, que rápidamente se multiplicarían. David Bowie, Iggy
Pop y Lou Reed fueron algunas de las celebridades que entonces posaron para su lente,
a los que se sumaron bandas como Queen y los Ramones. El consumo sistemático de
drogas y la práctica frecuente de yoga fueron sus principales fuentes de inspiración, y
fueron marcando el pulso de sus creaciones. En ese universo de creatividad, euforia y
excesos se sumergió Barnaby Clay con "Shot! The Psycho-Spiritual Mantra Of Rock",
proponiéndole al espectador una suerte de viaje a través de la vida y obra del fotógrafo. Al
igual que el protagonista de su película, Clay conocía de cerca el universo de las bandas
de rock cuando realizó el film, ya que se había desempeñado como director de videoclips
musicales de bandas como Yeah Yeah Yeahs y Dave Gahan, además de trabajar en
comerciales y cortometrajes. En su documental sobre Mick Rock cruzó relatos en primera
persona del propio Mick con imágenes de archivo, diversas fotografías que el artista fue
tomando con el correr del tiempo y la dramatización de uno de los momentos más duros
de su vida, cuando debió ser internado en un hospital y sometido a un cuádruple by-pass.
Mientras que lo primero es sumamente interesante, la dramatización de la internación de
Mick (interpretada por el propio fotógrafo) se detiene en los pormenores de la salud del
artista, en su adicción a la cocaína y en los modos en los que fue resolviendo diversos
problemas personales. Pero es, sobretodo, infinitamente fascinante conocer el proceso
que derivó en la tapa de Transformer, el célebre disco de Lou Reed; o acceder a la
historia de la portada del álbum de Queen "Queen II", cuya foto se inspiró en una imagen
de la diva cinematográfica Marlene Dietrich. Estos y algunos otros datos históricos son sin
lugar a dudas el fuerte de la película, que consigue reunir una buena cantidad de
información sobre los procesos creativos del universo del rock durante las décadas del
setenta y ochenta. Desde el ascenso del glam rock en Londres hasta el desarrollo del
punk neyorquino, todo está registrado por Clay de la mano de Mick Rock, en un film
valiosísimo por la cantidad y calidad de los testimonios y documentos que reúne.
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Shot! The Psycho-Spiritual Mantra of Rock [2016]
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La bici de Michelle
El matrimonio es una guerra de porcentajes.
[Michelle Williams]

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Funk Off Vol 7
>Tracklist
01- A New Funky Generation - The Messenger

02- Instrumental One - Prince
03- Chemical Funk - Da Damn Phreak Noize Phunk
04- The Original Sound - Low Fidelity Jet Set Orchestra
05- Make Your Mind Up - Instant Cities
06- Bitches & Friends - DJ Rodriguez
07- Instrumental Six - Prince
08- Fluid - Jestofunk
09- Four Channel Sound - Low Fidelity Jet Set Orchestra
10- At Home In Space - Fila Brazillia
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Funk Off Vol 7

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Insociable
> Por Arthur Schopenhauer.
El hombre inteligente tenderá, ante todo, a evitar cualquier dolor, cualquier molestia, y a
encontrar el reposo y el ocio; buscará pues, una vida tranquila, modesta, defendida de los
inoportunos, después de haber mantenido durante algún tiempo relaciones con lo que se
llama los hombres, preferirá una existencia retirada, y, si es un espíritu muy superior,
escogerá la soledad. Porque cuanto más posee en sí mismo un hombre, menos útiles le
pueden ser los demás. Así pues, la superioridad de la inteligencia conduce a la
insociabilidad.

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Nico, 1988 [2017]
El 22 de julio de 1988, cuatro días después de su muerte, The New York Times publicaba
un escueto obituario: "Nico, que cantó con el grupo pop Velvet Underground y se convirtió
en una de las estrellas del cine de Andy Warhol, murió el lunes tras caerse de una
bicicleta en la isla española de Ibiza. Tenía 49 años". Poco quedaba ya del ícono de los
60 y los 70, de aquella chica alemana que hablaba en inglés, cantaba en inglés y,
probablemente, pensaba en inglés -tuvo una relación complicada con su país de origen,
habiendo nacido en los albores de la Segunda Guerra Mundial- y que quiso convertirse en
modelo, cantante, actriz y musa de la subcultura sesentera. Lo consiguió. Y lo perdió por
culpa del enganche al ácido y a la heroína, y sumergida en sus últimos años en giras
decadentes al lado de grupos de segunda categoría, desapareció en la oscuridad de su
propia sombra en la soleada Ibiza. La directora italiana Susanna Nicchiarelli presentó en
2017 "Nico, 1988", una biopic centrada en los dos últimos años de vida de la artista, antes
de que una hemorragia cerebral acabase por llevársela. "He estado en lo más alto. He
estado en lo más bajo. Y los dos sitios están vacíos". En los últimos años de su vida, el
lóbrego escepticismo y la languidez marca Nico -si no impostada, al menos seductora
para el underground- degeneraron en un escepticismo real, en la estampa difícil de mirar
de una espiral de autodestrucción consciente, de picos de heroína en un tobillo marcado
por las agujas, de exabruptos erráticos humillantes y de pequeños momentos de lúcida
calidez, sobretodo hacia un hijo, Ari, trastocado por los mismos demonios que su madre.
La película de Nicchiarelli desmonta el mito para retratar a una mujer superada y rebelde,
que se maneja tan bien como mal cuando el foco se apaga. Es esa dicotomía, la de una
artista capaz de comportarse como una diva caprichosa y subversiva y la de una madre
que no sabe bien cómo amar a su hijo -que Alain Delon nunca reconoció como suyo-, deja
entrever esa fragilidad con la que es difícil no conectar. Una mujer que debe seguir
reconociéndose como Nico, la rubia lánguida de voz grave y pestañas infinitas, y como
Christa -su nombre real y por el cual la llaman sus conocidos-, una cincuentona
deteriorada por el abuso de drogas y en la que prácticamente es imposible reconocer al
mito de la moda de veinte años antes, que se arrastra por salas de mala muerte
consciente de que el interés que despierta es el de una leyenda caída. Una cantante
empeñada en quitarse la muletilla de "Nico, ¿la de la Velvet Underground?" y demostrar
ser una artista por derecho propio.
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Nico, 1988 [2017]
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La bici de Manu
La resignación es un suicidio permanente.
[Manu Chao]

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Maria by Callas [2017]
¿Qué se sabe de la cantante de ópera Maria Callas que no se haya dicho?
Probablemente nada. Por eso con ella, como con tantos mitos que conocemos a través de
decenas de documentales, libros y hasta de biopics, quizás no quede otra que
seleccionar, recortar y pegar. Un trabajo que no quita dignidad a quien lo hace, siempre y
cuando lo haga con extraordinaria sensibilidad e inteligencia. Es lo que hizo el realizador y
fotógrafo francés Tom Volf en “Maria by Callas”, un documental que no deja de conmover
a lo largo y ancho del mundo por el retrato que hace de la soprano más popular y
trascendente del siglo XX. Se nota la sensibilidad visual de Volf, quien para hacer este
documental encaró uno de los trabajos de rastreo y selección más extraordinarios en
torno a la figura de Maria Anna Cecilia Sofia Kalogeropoúlos (1923-1977). No solo
recopiló cientos de fotografías, raras entrevistas televisivas, videos caseros y todo aquello
que tuviera que ver con ella. En el proceso sacó del polvo registros insólitos: Maria en el
yate de Aristóteles Onassis, Maria enojada con el director del Met, Maria oliendo flores o
respondiendo preguntas a los reporteros que la acorralan al bajar de un avión. Y entre
esos registros, la reveladora entrevista que le dio al británico David Frost, en 1970, que
fue televisada y que se creía perdida. Él la encontró y tomó de ella el eje estructurador del
relato: “Hay dos personas dentro mío. Me gustaría ser Maria, pero también está La Callas,
a la que tengo que responder. Así que debo lidiar con ambas lo mejor que puedo”, le dijo
a Frost esa vez la diva, y el documental sostiene estas dos dimensiones: ella fue una
mujer que supo crear un mito sobre sí misma, pero a la vez era una persona común, con
su costumbre de recortar recetas de cocina y pasear a sus perros. En este sentido, el
documental habla con una desnudez emocional que conmueve. El montaje de Volf es
perfecto y minucioso, ya que encontró la forma de que solo las palabras de “La Divina”
vayan articulando su historia. Y cuando no es ella misma, es Fanny Ardant quien lee sus
cartas (algunos la recordarán interpretándola en “Callas Forever”, de Franco Zeffirelli). En
una dimensión más amplia, este trabajo no deja de contar lo que significaba ella para la
cultura efervescente de los años de posguerra. Pero las secuencias más sensibles son
otras: cuando Volf descubre los puntos de contacto entre su biografía y las arias que
cantaba. Escuchadas en contraste con su vida, todo tiene nuevos significados. La música
es el lenguaje más poderoso y Volf lo sabe, y como la propia Maria nos dijo, toda su vida
está en su legado, y su legado fue la música. Si quisiéramos conocer realmente a Maria
Callas bastaría oírla en “Casta Diva” o “Ah non credea mirarti”. Ese es el testimonio más
fiel, y todo el resto será literatura. En este caso, de la buena.
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Maria by Callas [2017]
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Brillar
> Por Biciman.©
De tanto insistir
solo
brillando
el efecto
del afecto
va a causar
(preferiblemente de noche)
un gran apagón
de la soledad.

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Alejandra [2013]
La poeta argentina Alejandra Pizarnik (1936-1972) es un referente de la literatura
contemporánea latinoamericana y un mito acrecentado por su tragedia personal y
temprano suicidio. Fue un ser poco convencional, pero que hizo de la poesía su vida. "No
quiero ir / nada más / que hasta el fondo", escribió en la pizarra de su habitación antes de
ingerir 50 pastillas de seconal que le quitaron la vida. Era el 25 de septiembre de 1972 y la
poeta de 36 años había salido con permiso del hospital psiquiátrico de Buenos Aires,
donde se encontraba internada por un grave estado depresivo y dos intentos de suicidio.
Fue así que a poco de andar, no demoró tomarse su muerte como ingrediente para la
leyenda de poeta maldita. Aunque imitada en su escritura y en su forma de vestir (en su
velorio aparecieron chicas vestidas y peinadas como ella), es la forma en que trabajó el
lenguaje lo que le dio un papel relevante en la poesía latinoamericana. Flora Alejandra
Pizarnik nació el 29 de abril de 1936 en Avellaneda, al sur de Buenos Aires. Allí sus
padres se instalaron tras dejar Rovne, una aldea ruso-polaca. El matrimonio tuvo dos
hijas: Myriam y Flora, y se dedicó al comercio de joyas. Dos hechos marcaron la vida de
la poeta. La primera, la reiterada comparación que hacía su madre con su hermana
Myriam y por otro, su condición de inmigrante. Mientras su hermana crecía delgada,
bonita y femenina, Alejandra vivió una adolescencia con problemas de acné, los que se
sumaron a su tartamudez, asma y tendencia a engordar. Su pavor a la gordura fue tal que
la llevó a ingerir anfetaminas, que por entonces se conseguían fácilmente. En la
secundaria, Pizarnik fue una estudiante rebelde que escribía de noche en una pequeña
libreta negra mientras leía a Faulkner y Sartre, además de los franceses Artaud,
Baudeleire, Mallarmé, Rilke, Rimbaud, y se fascinaba con el surrealismo. En 1954 ingresó
a la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, donde se cambió
de la carrera de Filosofía a la de Periodismo, luego a Letras y finalmente al taller del pintor
Juan Batlle Planas, pero luego abandonó todo estudio formal. Allí conoció a Juan Bajarlía,
quien la acercaría a los movimientos de vanguardia y la ayudó a corregir su primer libro:
"La tierra más ajena", el cual costeó su padre y lo firmó con su nombre completo: Flora
Alejandra Pizarnik. La escritora soñaba con ir a Francia y pudo vivir en París durante
cuatro años (1960 -1964); años fundamentales para la evolución de su estilo y para poder
disfrutar una intensa vida social y cultural. Con el escritor Julio Cortázar mantuvo una
amistad hasta su muerte e incluso se llegó a decir que el personaje de La Maga de la obra
"Rayuela" se habría inspirado en ella, pero Cortázar, aunque no lo desmintió
públicamente, escribió a un amigo que cuando la conoció ya había terminado el libro. En
1964 regresó a Buenos Aires como una poeta madura. En lo personal, según sus amigos,
volvió más torturada y viviendo una agudización de sus tendencias obsesivas, hasta su
desenlace fatal en 1972. El film documental "Alejandra" de Virna Molina y Ernesto Ardito,
narra la vida de la Pizarnik, desde los principales conflictos que fueron dejando una
profunda marca en su obra, bajo el contexto de ruptura y vanguardia de los años 60’ y 70’.
Con un lenguaje cinematográfico intimista y sensorial, y un relato cargado de tensiones
psicológicas y pasionales, la puesta sumerge al espectador en el universo interno de
Alejandra, para comprenderla desde su núcleo creativo y humano. Así, sus diarios
personales, sus cartas, sus poemas, el relato de sus amigos y familiares; son la
herramienta que arrojan pistas sobre el misterioso camino que la llevó a su
autodestrucción. Hoy, luego de su muerte y tras ser censurada por la dictadura, fue
redescubierta por las nuevas generaciones, quienes la convirtieron en un mito, siendo la
poeta argentina más leída.
►M-Link
Alejandra [2013]
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La bici de Juliette & Giovanni
De joven moría de risa, ahora de melancolía.

[Juliette Lewis, con Giovanni Ribisi]

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miércoles, 1 de mayo de 2019
Autoluminescent: Rowland S. Howard [2011]
¿Cuál podría llegar a ser el equivalente musical de la prosa oscura de Edgar Allan Poe o
Lord Byron, del existencialismo nietzscheano o del cine expresionista alemán de Lang y
su heredero Herzog? Difícil es encontrarlo, pero en la figura de Rowland S. Howard
converge un poco de cada uno de estos referentes. El músico absorbió en sus jóvenes
años dramáticas influencias que naturalmente se plasmaron a lo largo de su carrera en
canciones de heridas abiertas provocadas por profundas espinas que jamás pudo
desenterrar. Ese fue su sello: poesía romántica y gótica, una escalofriante voz
melancólica que penetra bajo la piel y los huesos y una forma única y personal de tocar la
guitarra, que alojó su particular estilo en el no-virtuosismo. Lamentablemente, su legado
es reverenciado por unos pocos y desconocido por unos cuantos, aún en tiempos donde
todo se expande cibernéticamente. Quizás por ese motivo y con el fin de rendirle un
merecido tributo, salió en el 2011 el documental "Autoluminescent", co-dirigido por
Richard Lowenstein y Lynn-Maree Milburn. El film preserva con mucho cuidado las
frágiles memorias del cantante y guitarrista, recordado por su hermético círculo de íntimos
y admiradores (Nick Cave, Lydia Lunch, Mick Harvey, Genevieve McGuckin, Henry
Rollins, Thurston Moore, Nick Zinner, Bobby Gillespie, Kevin Shields, Douglas Hart).
Todos coinciden en que era un ser con una extraña vibra enigmática guardado al silencio
de las emociones, un romántico empedernido de personalidad enamoradiza, un sensible
introspectivo que tenía mejores migas con la compañía femenina que masculina. Howard
arrancó como un pretencioso adolescente de la Blank Generation en la escena post-punk
australiana, tocando en Young Charlatans para luego unirse en el ‘78 a la formación de
The Boys Next Door junto a Nick Cave y el baterista Mick Harvey. Ante el consejo de
muchos, la banda emigró hacia Londres para ‘estar en la cresta de la ola’, donde pasó a
llamarse The Birthday Party. Contrariamente a lo esperado, no hubo demasiada
aceptación de su música ni en la capital inglesa ni en Nueva York porque la tendencia
apuntaba hacia el synth pop y se consideraba a la propuesta demasiado violenta, visceral,
profana y aterradora. Entonces se trasladaron al oeste de Berlín, donde finalmente dieron
en el blanco, con un público con el que congeniaron, al que el cineasta Wim Wenders
describió como ‘personajes marginales vampirezcos salidos de la mezcla entre Nosferatu
y El Gabinete Del Dr. Caligari’. Allí las tensiones se empezaron a acentuar y las
búsquedas sonoras y líricas de Nick y Rowland se bifurcaron, dando por resultado la
separación del grupo en 1983 y el surgimiento de dos proyectos a partir del
desmembramiento: The Bad Seeds (con Blixa Bargeld de Einstürzende Neubauten) y la
reformación de Crime and the City Solution, que incorporó a Rowland y a Mick Havey a
sus filas. Pero es en su breve etapa solista donde se pueden resumir los aportes que trajo
a la música, con dos recomendables obras: el punto más elevado y maduro con "Teenage
Snuff Film" (1999) y "Pop Crimes" (2009). La película se vale de imágenes de archivo
monocromáticas, entrevistas y lecturas que J.P. Shilo hace del manuscrito inédito
"Etceteracide" de Howard para construir un retrato oscuro de belleza elegante y triste que,
entre niebla, cigarrillos y anécdotas, ensambla fielmente con la vida del músico. Se narran
desde sus días de experimentación musical, pasando por su período de adicción a la
heroína y el fuerte vínculo con sus ex parejas hasta llegar al momento de su partida, a los
50 años, a causa de un cáncer de hígado. Sin su legado sería inconcebible la idea de
bandas posteriores como Savages, The Jesus & Mary Chain, Pulp, The Horrors o hasta la
incursión de David Lynch en el mundo musical. "Autoluminescent" es una construcción
claroscura, emotiva y respetuosa hacia su persona. La imagen congelada del final habla
por sí misma: detrás de la triste y lúgubre mirada de príncipe dark de Rowland hay un
pequeño brillo, un destello interior de luminosidad y color que unos pocos conocen o
vieron y que queda inmortalizado hasta sus últimos días con este brillante film.
►M-Link
Autoluminescent: Rowland S. Howard [2011]
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Los miedosos
> Por Biciman.©
Tienen miedo. A Dios. Al otro. A la otra. A pensar distinto. Al esfuerzo de pensar distinto.
A no saber defenderse sin un arma. A no saber. A Dios. A la guerra. A la paz. A aburrirse.
A no tener a quién odiar. A que el otro gane más. A leer. A entender. A la verdad. A Dios.
A no saber defenderse sin Dios. A la cárcel de la soledad. A la muerte. A no poder matar.
A no vender. A no comprar. A Dios. A la televisión. A no poder ver la televisión. A lo que
no está en la televisión. A lo anormal. A que les saquen las normas. A las mujeres. A
sentir distinto. Al esfuerzo de sentir distinto. A Dios. A papá. A mamá. Y al hombre de la
Bolsa. Deberíamos ser astutamente comprensivos, ayudarlos y ayudarnos a estar mejor.
Pero a veces no. A veces te cagás en sus miedos. Porque sus miedos se cagan en vos.
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Eat That Question: Frank Zappa in His Own Words [2016]
El genio explicado en sus propias palabras. Palabras precisas, pausadas y armadas de

coherencia con las que el compositor estadounidense Frank Zappa dispara contra la
industria discográfica, las drogas, el poder judicial, la política, la falsa moral. Palabras con
las que se explica a sí mismo. Palabras para expresar pasión por la música. Carisma.
Insubordinación. Extravagancia. Integridad. Vanguardismo. Autenticidad. Así es el Zappa
que presenta el documental francés "Eat that question", dirigido por Thorsten Schütte y
que ha contado con el apoyo de la familia del artista. Para su elaboración, el cineasta ha
recopilado varias actuaciones y entrevistas televisadas de Frank Zappa, desde su
juventud, cuando insistía en que podía hacer música utilizado una bicicleta como
instrumento, hasta su fallecimiento por un cáncer de próstata a los 52 años en 1993. No
hay narrador ni declaraciones de las personas que lo conocieron. Sólo él. Y sus
entrevistadores. Y su música. Y sus letras. Frank Zappa fue lo que hoy llamaríamos un
artista 360. Su carrera no sólo se centró en la composición musical: fue director de cine,
productor discográfico, cantante, guitarrista. Lo cierto es que durante su infancia
enfermiza nada hacía suponer una carrera similar. Fue un artículo en la revista Look lo
que le hizo fijarse en las composciones de Edgard Varèse, un episodio que despertó al
genio creativo. El artículo decía que en su pieza "Ionisation", no había "nada más que
batería, es disonante y horrible, la peor música del mundo", lo que llamó automáticamente
la atención del joven Zappa, que ya de adulto siempre citó entre sus primeras influencias
a Varèse, "La consagración de la primavera" del ruso Igor Stravinski y al autor
dodecafonista austríaco Anton Webern. Zappa, que detestaba las letras de amor (en su
opinión, estas letras dictan normas de conducta subconsciente), defendía que las
palabras de una canción son "ruidos vocales armonizados" al servicio del conjunto de la
pieza. La sexualización de sus temas le reportó fama de subersivo y, en 1985, se vio
obligado a testificar ante el Senado de EE.UU. para evitar que la censura del Parents
Music Resource Center, organismo del que formaba parte la mujer de Al Gore, etiquetara
sus discos alertando de su contenido sexual. En su lugar, Zappa denunció la "teocracia
fascista" de su país e incluyó esta advertencia en sus discos: "¡CUIDADO! Este álbum
contiene material que una sociedad verdaderamente libre nunca temería ni suprimiría. (...)
Esta garantía es tan real como la de los fundamentalistas que atacan la música rock en su
vano intento de transformar Norteamérica en una nación de estúpidos (en el nombre de
Jesucristo)". Zappa fue un compositor prolífico. Publicó más de sesenta álbumes en vida
(en solitario y con The Mothers of invention) y otros cuarenta póstumos. Su estilo
evolucionó con los años y tras el rock experimental y doo-wop iniciales, transitó por el jazz
y el pop para desembocar en el mar de la música sinfónica en la década de los noventa.
El director Thorsten Schütte hace el apoteósico intento de mostrar una obra monumental
en apenas hora y media de metraje. Y cuando este llega a su fin, tenemos la sensación
de conocer un poquito más sobre esta vibrante mente, quizá una de las más grandes de
la música del siglo 20, a la que no le importó no ser recordada (esos anhelos los dejaba
para Ronald Reagan y su "obscena forma de conseguir fama y fortuna") y que incluso
reconocía: "Soy famoso, aunque la mayoría de la gente no sabe qué hago".
►M-Link
Eat That Question: Frank Zappa in His Own Words [2016]
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La bici de Julie
El cuerpo cambia más rápido que la ropa.

[Julie Ordon]

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The Trip Hop Sessions Vol 13
>Tracklist
01- Who Am I [Animatrix Edit] - Peace Orchestra

02- Theme From Nowhere - The Prunes
03- See The Light [Feat. Junior Delgado] - Sofa Surfers
04- Fuck Dub [Reloaded Mix] - Tosca
05- Rendez Vous - Lemongrass
06- Ocean Air - Dzihan & Kamien
07- Rollin' On Chrome [Wild Motherfucker Dub] - Aphrodelics
08- In China - Black & Brown
09- White Noise - Sofa Surfers
10- Captain Webb - Baby Mammoth
►M-Link
The Trip Hop Sessions Vol 13

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Telegrama
> Por Rupi Kaur.
No quiero tenerte
para completar las partes vacías de mi misma
quiero estar completa yo sola.
Quiero estar tan completa
que pudiera iluminar una ciudad entera
y luego
quiero tenerte
porque los dos
combinados
la podríamos prender
fuego.

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Girl [2018]
Algunos productores tienen un ojo impecable para escoger los proyectos más arriesgados
y encontrar la aguja de oro en el pajar de millones de guiones, con una facilidad
sorprendente. Tras el éxito de "The Broken Circle Breakdown" (Alabama Monroe) en
2012, el mismo equipo de producción se lanzó, sin temor alguno, a una historia nada fácil,
que debía ser protagonizada por un casting casi imposible de encontrar, en las manos de
un joven realizador, Lukas Dhont, que se estrenaba en el largometraje. Acierto pleno,
"Girl" fue la verdadera protagonista del festival de Cannes del 2018 que le otorgó cuatro
premios: Cámara de Oro, premio de interpretación de Un Certain Regard al
resplandeciente Victor Polster, premio FIPRESCI de la crítica internacional y Queer Palm
2018. "Girl" (título perfecto) es una chica de 15 años, en el cuerpo de un niño, que hará
todo lo posible e imaginable para realizar su sueño: convertirse en bailarina. Los
esfuerzos y sacrificios que tenga que realizar no son una barrera para ella. Lara, su
nombre en la película, sabe que es una mujer y quiere que su cuerpo se adapte lo más
rápidamente posible a su realidad. El director belga Lukas Dhont consigue transmitir la
tensión, la angustia y el esfuerzo ilimitado de Lara para lograrlo. Raramente el espectador
percibe una tensión sorda pero tan intensa y continua en la gran pantalla. Las pequeñas
mezquindades de adolescentes en plena explosión hormonal, el sacrificio corporal exigido
por sus maestros de danza, el proceso médico que acompaña una etapa de tránsito son
pruebas que Lara afronta con su mejor sonrisa en el rostro, su aparente serenidad y su
tranquila elegancia. Los movimientos de cámara -libre, fluida, casi etérea que parece
abrazar cada movimiento de Lara, presente en casi la totalidad de escenas- es de una
belleza que corta el aliento. El protagonismo de Victor Polster es tan explosivo que no hay
que olvidar la inteligencia del guión. Así como "El ladrón de bicicletas" sería otra película
si no hubiese en su historia ese niño, que sigue las desventuras de su idolatrado padre,
Lukas Dhont ha imaginado de manera genial, la presencia de un padre, sin ninguna
referencia femenina en el ámbito familiar. Un equilibrio inesperado y una relación
hipnótica en una de las mejores películas del 2018.
►M-Link
Girl [2018]
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La bici de Marcello
La vejez es una condena sin derecho a recurso.
[Marcello Mastroianni]

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My Generation [2017]
Con los clásicos de Kinks, Beatles, Stones y Animals desfilando uno tras otro, el ícono del
cine británico Michael Caine coproduce y narra en primerísima persona esta historia de la
revolución eminentemente juvenil que atravesó todo el espectro cultural inglés –música,
cine, arte, moda– de los años 60. La película, sin embargo, no es sólo una crónica, con
cierto deleite nostálgico, de sus años mozos. Sobre un espectacular torrente visual de
imágenes de archivo, pósteres psicodélicos, minifaldas y peinados “escandalosos”, Caine
defiende la tesis de que aquella fue la primera vez que los jóvenes de extracción obrera,
como él mismo, osaron reclamar un papel protagonista en la floreciente cultura popular. Y
se rodea también de un lujoso elenco de voces en off de nombres clave del “swinging
London”: desde estrellas pop como Paul McCartney, Roger Daltrey, Sandie Shaw o Lulu
hasta adalides del pop art como Dudley Edwards, pasando por Marianne Faithfull, el
fotógrafo David Bailey, el productor cinematográfico David Puttnam, la diseñadora de
moda Mary Quant y modelos como Twiggy y Penelope Tree. "My Generation" es el relato,
muchas veces contado pero jamás de este modo, de una sacudida cultural que quiso
romper con la Inglaterra aburrida, gris y clasista de sus padres y abuelos, y que como
algunos protagonistas recuerdan, se fundamentó en una enseñanza pública de calidad.
►M-Link
My Generation [2017]
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[Por qué Torrent]

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Voladoras
> Por Biciman.©
Mire que hay formas y formas de atravesar el espacio, multiplicando las ganas por
cualquier número diferente a un binario. Dos piernas son menos que cuatro más todas las
ruedas que faciliten deslizarse apremiante por superficies no lisas con prisas y con
obstáculos. Mire que cansa, que las rutas no pasan se transan, y cada metro negocia un
segundo, un minuto más, con la conmovida y elástica voluntad. Mire que las señales
enseñan pero la decisión no tiene límites. Tarde o temprano hay que hacerlo bien o mal,
la inercia inventa moscas que se van a quedar. El movimiento se demuestra decidiendo lo
que no se puede pensar más, hay piso, piernas y ruedas; hay sillas, ventanas y puertas:
todo lo cuadrado no es natural. Y hay techos que protegen de lo natural. Pero mire que
los techos se caen. Y como el tiempo, el piso siempre está. Arriba o abajo está. Y si está
abajo, arriba está el cielo. Y la mirada más alta. Y siempre alta la guardia. Por si las
moscas se quedan. Por si las ruedas aprenden a volar.

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