Unidad I

La invención de la escritura ​/ Prehistoria / mesopotamia / sumerios / Egipto

Alfabetos / Aporte Asiático / Edad media y los manuscritos iluminados

La invención de la escritura

Prehistoria

*Hombre evolución : Mano, pulgar oponible

Posición erguida
Creación de ​instrumentos​, herramientas,
*Primeros indicios de un ser pensante -- creación de aldeas y comunidades.

*El habla - Comunicación

La escritura es el equivalente visual del habla y del pensamiento táctico (palabra hablada).
Las palabras escritas aportan la permanencia de información de la comunicación oral.
esto solo hasta la era electrónica (Ahora podemos grabar mensajes de voz)
LENGUAJE VISIBLE.

Comunicación visual​ ​en la prehistoria

Las primeras huellas se hallan en la región de Europa (Pinturas rupestres)

Este es el principio de la comunicación visual, son dibujos que se hacían con fines utilitarios,
o rituales.Estos pueden ser mirados por otros hombres en otro momento de la historia .
Transmision de informacion en el tiempo.

PICTOGRAMAS:
Dibujos primarios básicos y elementales que transmiten con fuerza una idea.
IDEOGRAMAS:
Símbolos que representan ideas o conceptos de carácter abstracto Ej: El sol para
representar el día o la luz, y la luna para representar la noche´o la oscuridad.
PETROGLIFOS:​ Símbolos o figuras grabadas en piedras, pictogramas e ideogramas.

La evolución de los pictogramas derivó en:

-Arte Pictórico:​ Se comienza a representar el mundo registrado con fidelidad.
-Escritura: ​Base de la escritura, las imágenes se convierten en símbolos del lenguaje
hablado. Se reducen a tal punto de abstracción que se parecen a “letras” símbolos.

LOS SUMERIOS

Fueron los que comenzaron a trabajar en la escritura.

La religión domina la ciudad, surge la necesidad desde los sacerdotes, de guardar registros
de los ritos, de almacenamiento de alimentos y orden general del pueblo.
El soporte para la escritura era una tablilla de barro, en ella se ilustraban los pictogramas y
se trabajaba con una cuña.

Este sistema fue evolucionando a lo largo de los siglos. Se paso de la escritura horizontal a
la vertical. Se cambió la herramienta para trabajar más rápido, se comienzan a generar
trazos. A partir de estos cambios nace la escritura cuneiforme (signos abstractos tallados a
cuña).

Los sumerios siguen evolucionando la investigación de la escritura.

En un determinado momento estos comenzaron a tener problemas en representar sonidos,
ideas y nombres que les era muy difícil de ilustrar por medio de los pictogramas, fue así
que reformaron su medio de escritura. Los símbolos gráficos comienzan a representar el
sonido y no el objeto en sí.
Aquí su escritura cuneiforme se transforma en la escritura jeroglífica.
El máximo avance de la escritura cuneiforme fue el uso de signos abstractos para
representar sílabas, que son sonidos que se emiten al combinar más sonidos elementales.

EDDUBA/ “UDELAR” de la época, se enseñaba a escribir, también conocida como “Casa de

tablillas”Las personas que sabían ejercer la profesión eran respetados y obtenían cierto
estatus dentro de la sociedad.

La explosión del conocimiento que posibilitó la escritura:

- Surgen las bibliotecas las cuales contenían miles de tablilla sobre, religion, matematica,
historia, derecho,medicina y astronomía.
A partir de esta formas de almacenamiento de información permanente, surge la literatura,
pudiendo relatar mediante la escritura mitos y leyendas.
Así también nace, la narración de la historia, las tablillas de historia describen los hechos
ocurridos durante el reinado de cada monarca, la especificación de los pesos y medidas
usados, y los códigos legislados eran otros de los textos que se podían encontrar en estas
bibliotecas.

2 Consecuencias importantes que nacieron a partir de la escritura dentro de la cultura

aldeana:
-Tenencia de propiedades privadas, por ejemplo, marcar el ganado
-Identificar el autor de una tablilla cuneiforme de arcilla , es decir firma del fabricante Ej:
tablilla de arcilla con la firma de “Cueva 3”.

Las tablillas, certificarán contratos y demostrara la autoridad de las proclamas religiosas y

reales

Los sellos cilíndricos mesopotámicos proporcionaron un método a prueba de falsificaciones

para sellar documentos y demostrar su autenticidad.
Se llevaban atados a la muñeca o cuello del propietario (medio cédula).
En el 538 a.c Babilonia y Mesopotamia cayeron en poder de los persas, luego fue provincia
de Grecia y más tarde de Roma.La cultura mesopotámica comenzó a deteriorarse y solo
quedaron ruinas.Su legado de la escritura paso a continuación a Egipto y Fenicia.

EGIPTO

Cuando el rey Menes unificó el territorio de Egipto y creó la dinastía en torno al 3100 a.c,
había llegado a egipto varios inventos sumerios como el sello cilíndrico, los diseños
arquitectónicos en ladrillo, y los fundamentos de la escritura.
A dif de los sumerios los egipcios conservaron la escritura cuneiforme abstracta por medio
de jeroglíficos.

Durante 15 siglos, no se podía comprender el significado de los jeroglíficos.

Fue recién en el 1820 cuando Champollion descubrió que algunos de los símbolos eran
alfabéticos, algunos eran silbáticos y algunos eran determinantes, es decir símbolos que
determinaban cómo había que interpretar los glifos anteriores.

Los jeroglíficos eran pictogramas que se representaban objetos o seres y se combinaban

para designar ideas reales, fonogramas que denotaban sonidos y determinantes que
indicaban categorías.

Los egipcios tenían un extraordinario sentido del diseño y eran sensibles a las cualidades
decorativas y texturales de sus jeroglíficos. Con ellos cubría el interior y exterior de templos
y tumbas, los muebles, los ataúdes, la ropa, las joyas, los utensilios, los edificios,TODO . Ya
sea con fines decorativos o a modo de inscripción.

La evolución del ​papiro​ supuso un importante paso para las comunicaciones visuales
egipcias.Se cultiva a orillas del Nilo y se fabrica el “papel” todo en el Nilo.

Los primeros manuscritos ilustrados

Los egipcios fueron el primer pueblo en generarlos.Se combinaban palabras e ilustraciones

para transmitir información. También comenzaron a producir los textos de los sarcófagos.
(Mitos y plegarias relacionadas con la vida del faraón en el más allá)

Surgen con estos manuscritos dos tipos de trabajos:El escriba y el ilustrador.

Primero se dibujan los diseños y luego se escribía el texto.Se utilizan mucho los colores
azules y verdes, por el nilo y su vegetación.
Los jeroglíficos, los papiros y los manuscritos son el legado de su comunicación visual.
 ALFABETOS

Pictogramas cretenses

Alfabeto: Conjunto de símbolos o caracteres que se utilizan para representar sonidos

elementales de un lenguaje hablado, se pueden unir y combinar para establecer
configuraciones visuales que signifiquen sonidos, sílabas y palabras pronunciadas.

Creta:
Redujeron los 700 símbolos de la escritura cuneiforme a 30.

Fenicios:
Hacían barcos y navegaban mucho y es por esto que adquieren diferentes escrituras de
distintos lugares, desarrollan una nueva variedad de la escritura.

Desarrollan un alfabeto de 22 caracteres con una estructura de derecha a izquierda.

Escritura septentrional.

Alfabeto Arameo:
22 letras, pluma a 45 grados, se lee de derecha a izquierda.
Esta lengua comandó todo Oriente Medio y conformó varias escrituras.

Alfabeto Griego:
Sentó las bases de muchos logros del mundo occidental: Ciencia, arte, arquitectura,
filosofía,etc. Cambiaron el alfabeto Fenicio. Lo hicieron más estético y equilibrado.
Al principio se lee de derecha a izquierda, luego adoptaron el bustrófedon y
finalmente de izq a derecha.Aparece la caligrafía uncial.
El alfabeto desempeñaba un papel importante en la democracia. Gracias a él podrán usarse
fichas de distribución cuando se hacían elecciones de los ciudadanos para ocupar cargos
públicos. Orden público, desarrollo, Pollis

Alfabeto Latino:
Llegó hasta los romanos desde Grecia a través de los antiguos etruscos.
El alfabeto latino contenía 21 letras a b c d e f g h i j k l m n o p q r s t v y x.
Tras la conquista romana se añadieron la letra griegas y y z al final del alfabeto latino,
porque los romanos se estaban apropiando de las palabras griegas que contenían esos
sonidos.

Roma estaba muy orgullosa de los logros y las conquistas de su imperio y creó formas de
letras monumentales para las inscripciones arquitectónicas en homenaje a los jefes militares
y sus victorias.Estas inscripciones estaban escritas en Capitalis monumentalis (mayúsculas
monumentales)
Estas se trataban con trazos gruesos y finos con líneas rectas y curvas unificadas
orgánicamente. Cada letra se diseñaba con la intención de que se transformara en una
forma.Una inscripción romana se convertía en una secuencia de formas geométricas
lineales adaptadas a partir del cuadrado, el triángulo y el círculo.

Capitalis quadrata (Mayúsculas cuadradas)

Trazadas cuidadosamente con una pluma plana, las mayúsculas cuadradas tenían una
proporciones majestuosas y una legibilidad clara. Quedaba mucho espacio entre la letras
pero no entre las palabras.

Capitalis Rustica (Minúsculas rústicas)

Se escriben con mayor rapidez.

Diseño, estudio del signo:

- formas y contraformas “melodia gráfica”,
- noción de interletrado, espaciado,
- remates, Serifa (surge del gesto tanto por el trazo de la pluma como por los remates
del cincel sobre la piedra para “limpiar” el final de una letra.)
- Condensación de los signos, diferencias entre anchos y proporciones para ajustar la
información al formato.
- legibilidad clara
Cartelería, letreros en las calles, comercios.
Códices (libros) y pergaminos (rollos): durabilidad, permanencia, practicidad ( mas
almacenable, reproducible y económico) --- Proceso del pergamino en el libro (megs)

Legado del imperio romano: Arquitectura, ingeniería, lengua, derecho, literatura. El alfabeto
se convirtió en la forma de diseño de las lenguas visibles del mundo occidental.

Alfabeto coreano
Hangul, lo invento el coreano Sejong.
Son 14 caracteres consonánticos y 10 vocálicos. Sencillo para que todos los ciudadanos
coreano tuvieran acceso al alfabetismo.
La gran diferencia con la escritura latina es que el sistema no se escribe siguiendo un orden
lineal, sino que se agrupan caracteres alfabéticos para construir sílabas horizontal y
verticalmente. Con esas 24 letras se forman más de dos mil sílabas comunes que utilizan a
diario. Escritura democrática, sociedad alfabetizada. se pierde el monopolio del
conocimiento.

El aporte Asiático
Algunas innovaciones de la antigua china que cambiaron el curso de los acontecimientos
humanos:
Brujula - exploración y navegación
Pólvora - aunque se invento con fines de celebración y fiesta en forma de fuegos artificiales,
luego modificó la naturaleza de la guerra.
El papel - soporte espléndido, económico para transmitir info.
Imprenta, amplia difusión de pensamientos y obras.
Europa occidental tomo varios de estos descubrimientos para apoderarse y conquistar
buena parte del mundo, je.

La Caligrafía china.
El sistema chino es puramente visual, no es alfabético y cada símbolo está compuesto por
una cantidad de líneas y formas diferentes dentro de un cuadrado imaginario.
Según la leyenda el primero en escribir fue Tsang Chieh inspirado en las marcas de las
garras de las aves y las pisadas de los animales (propio).
Los chinos se saltearon el realismo o literalidad de los jeroglíficos y fueron de una a diseños
más abstractos, aunque fáciles de descifrar.
Logogramas- Símbolo gráficos que representan una palabra entera.
NO hay una relación directa entre el chino hablado y el escrito. Los dos sistemas son
independientes para transmitir ideas. Un sonido de la boca a la oreja, y un símbolo de la
mano al ojo.
Surgimiento de la escritura relacionado a lo ritual, el arte de la adivinación.
Desp de la muralla china, se unifica el imperio y su manera de escribir. Potenció el
desarrollo. unifico pesos, medidas, leyes.

Rasgos interesantes de su caligrafía: ​gestualidad, armonía, composición, espacios en

blanco, sensibilidad.
Se considera la forma artística suprema en china, incluso por encima de la pintura. (aunque
iban muy de la mano y se combinaban ya que ambas eran en tinta negra sobre papel).
Muy asociada a lo espiritual, puede expresar estados sensibles y sentimientos profundos
mediante el gesto de la pincelada. Conexión con el​ tao ​(espíritu cósmico que actúa por todo
el universo en los objetos animados y los inanimados).
Pintaban con una tinta lograda a partir de disolver en agua unas barras de un pigmento que
previamente elaboraban con una solución gomosa y hollín.
El papel, no solo como soporte de escritura sino también para usos cotidianos como la
higiene (servilletas, ph) y la estética (cubrir paredes, envolver regalos)

DESCUBRIMIENTO DE LA IMPRENTA
La primera forma fue impresion en relieve, como un sello transferido, que queda grabado en
el papel.
2 teorias:
1 -Se tallaba sobre una superficie plana de jade, plata, oro o marfil, se entinta y se sacaban
infinitas copias en papel y otros tejidos.
2- Se tallaba sobre piedra, y era un embole nada práctico en su almacenamiento y fragil.
Empezaron a imprimir el dinero, cambios del sistema financiero. Inflación y devaluación.
Hicieron libros, popularizaron el conocimiento y la cultura. Renacimiento del saber
Crearon los naipes.
La invención de los tipos móviles (Gutenberg careteó, Asia primero)
Xilografía, tallado en madera de yb6 cada carácter caligráfico. Tipos móviles que se
colocaban en una plancha agrupados, se entintan y se impriman.
Eran tantos símbolos y caracteres de las lenguas asiáticas, que archivarlos y recuperarlos
resultaba muy complicado. Más de 54 mil caracteres estamos hablando. Inventaron una
especie de bandeja giratoria para la colocación de los tipos. donde se podía girar y poner al
alcance el carácter deseado más rápidamente.
Los avances se difundieron lentamente hacia el oeste y llegaron a Europa justo en el
comienzo del Renacimiento.

Los manuscritos iluminados

El término hace referencia a todos los libros manuscritos ilustrados y pintados desde el final
del imperio romano hasta que los impresos los sustituyeron alrededor de 1450, es decir, la
edad media.
Se les denomina iluminados porque debido a las tintas doradas que se solían utilizar para
pintar y decorar las páginas, literalmente se iluminaba el rostro del lector.
Fueron 2 grandes tradiciones, la occidental y la oriental. Los textos eran de gran valor
Religioso (se desarrollaron en la islámica, cristiana, judía y musulmana).
Gran uso de adornos visuales acompañando los textos que producía mucho cuidado y
diseño delicado. La producción era costosa y requería mucho tiempo y recursos, tanto por
los materiales empleados como por el proceso técnico que había que realizar hasta tener
una sola copia de un libro.
Se copiaban a mano en el​ scriptorium, donde trabajaban en conjunto scrittori​ (especialista,
director artístico, diseñador, escritor muy culto), ​el copisti ​( escritores, copistas que
transcribian minuciosamente los textos)​ y el illuminator​ (dibujante, pintor). La palabra era lo
más importante, el arte de la escritura en sí misma.
Los manuscritos iluminados permitieron la preservación de la literatura clásica, los escribas
de los monasterios medievales inventaron la notación musical, una de las aportaciones más
importantes de la época medieval . En el siglo 4 Dc. se comenzaron a usar signos de
puntuación que se desarrollaron hasta llegar al pentagrama.
La portabilidad de los manuscritos permitió la transmisión de conocimientos e ideas de una
región a otra y de una época a otra. Se creó un gran vocabulario de formas gráficas,
diseños de página, estilos de ilustración, estructura y técnicas. Debido al aislamiento
regional las innovaciones se difundían con lentitud por lo que surgieron varios estilos
regionales identificables.
Solo unos pocos eruditos acceden al alfabetismo.

Estilo Clásico: ​Griegos y Romanos, se conservan pocos por el famoso incendio de la

biblioteca de alejandría. Rollos con numerosas ilustraciones pequeñas sencillas cuya
frecuencia crea una secuencia cinemática. Invención del pergamino, más duradero que el
papiro. Crean el formato de Códice, y abrieron puerta a nuevas formas del diseño y la
comunicación. 1er libro iluminado, Virgilio Vaticano poseía escrituras romanas, letras
capitulares, combinadas con ilustraciones con colores intensos, ilusión espacial. Se utilizó
mucho en los primeros manuscritos cristianos y caracteriza el diseño romano tardío de los
libros.

En 1476 cae el imperio romano, europa en ruinas, analfabetismo, pobreza, superstición

desolación, incertidumbre, ciudades se convierten en aldeas, funcionarios se van a las
fincas, se pierde el gobierno y la legislación, disminuye el comercio por peligro. Zonas
aisladas, lenguas regionales, se divide el mapa.
Se perdio el conocimiento y el saber del mundo clásico, se conservaron algunas escrituras
sagradas, Los monasterios eran centros culturales educativos e intelectuales. Evolución de
las letras en búsqueda de una fácil escritura y lectura, se crean mayúsculas (unciales) y
minúsculas (semiunciales).

El libro celta​. La paz relativa reino en la actual irlanda en la época de la caída del imperio
donde los bárbaros atacaban europa y los tiempos eran agitados. La cultura celta no fue
invadida y pudieron desarrollar un estilo de escritura muy propio hasta que llegó San
Patricio, misionero cristiano, para convertirlos y eso generó una mixtura de religiones. Los
diseños eran abstractos y sumamente complejos, motivos geométricos lineales llenan el
espacio de texturas visuales gruesas, colores brillantes y puros, en yuxtaposición. La
ilustración celta tuvo una gran influencia en la escritura de los monasterios. Libro de Kells
fue la obra maestra Celta, inconclusa por los enfrentamientos con los vikingos que derivaron
en la destrucción de los principales bibliotecas, donde se perdió gran parte de la información
desarrollada por esta cultura. La innovación de los manuscritos celtas consistió en dejar
espacios entre las palabras para que el lector pudiera distinguirlas en la sucesión de letras.

La renovación gráfica carolingia​. Carlo Magno, rey de los francos y gobernante principal
de europa central, emperador del sacro imperio romano. Intento recuperar la grandeza del
imperio romano en una federación germánica y cristiana. Introdujo un nuevo orden, el
sistema feudal, con nobles terratenientes y campesinos. Fomento el renacimiento del saber
y las artes. Con todo el material que se había perdido, había bajado mucho la calidad de los
manuscritos. Contratando escribas y juntando todo el material que se conservaba, el
emperador volvió a difundir por toda europa sus mandatos y los textos sagrados más
importantes. Logró reformar el alfabeto. Combinando con las innovaciones celtas, el nuevo
alfabeto se denominó minúscula carolingia, precursora del alfabeto de caja baja. También
hicieron mayúsculas Era fácil de escribir y recuperó la legibilidad. Interrumpió la pérdida de
escritos, restableció el orden.

El expresionismo pictórico español

Tras la invasión del ejército árabe mediante el estrecho de gibraltar a españa, por medio de
la orden del gobernador de Tánger, el ejército español fue aniquilado. Se produjo una
combinación de los motivos islámicos con las tradiciones cristianas, del diseño de
manuscritos. Formas planas, colores intensos y contrastantes. formas poligonales, motivos
florales. intensidad frontal producida por un contraste bidimensional de colores
desapareciendo la ilusión atmosférica. Geometría intrincada.
Contexto social-religioso:
Vida como preludio a la salvación eterna. Todavía se asignaban explicaciones
sobrenaturales a los fenómenos naturales incomprendidos. La gente vivía con miedo
constante debido a que la muerte estaba presente en el cotidiano ( esperanza de vida baja,
pestes, guerras, hambrunas, enfermedades ), obtuvo su apoyo y contención en lo religioso.
En españa, los manuscritos relacionados al apocalipsis eran comunes y la combinación de
las profecías cristianas con las influencias árabes de diseño, consiguieron de forma
admirable ilustrar acompañando los textos para transmitir información a los analfabetos.

Manuscritos Románicos y Góticos

Renovación de la religión y fortalecimiento del feudalismo
Cruzadas por la conquista de tierra santa. Apogeo del monacato época de mayor
rendimiento de los scriptoria Gran producción de libros litúrgicos, Biblias Evangelios y
Salterios. Primeras características del diseño universal, posibilitadas por ideas visuales que
viajaban de un lado al otro por rutas de peregrinación. Distorsión de figuras y dibujo lineal.
motivos con texturas y fondos con láminas de oro indican una mayor pérdida de la
profundidad espacial.
A mediados del s xii el periodo románico se volvió al gótico hasta el renacimiento en el Sxiv.
La aldea se transformó en ciudad, el comercio se volvió internacional y el dinero sustituyó a
la tierra como indicador de riqueza. la sociedad europea se fue transformando en gobiernos
más estables en comparación al desorden de la edad media. Aparición de la Caligrafía
gótica o de textura; práctica por sus trazos verticales. Ilustración y la literatura comenzaron
a caracterizarse por dar más importancia a los temas humanos animales y botánicos, o sea
que dieron un comienzo de la tendencia al antropocentrismo. Mayor preocupación de la
calidad de vida del hombre sobre la tierra.

Manuscritos Judaicos
La población judía de israel dejó de existir como ente político tras la revuelta con los
romanos. El pueblo, la religión y la cultura siguieron viviendo en la dispersión por todo el
mundo conocido. Los manuscritos producidos en esta época en Europa son preciadas
obras maestras del diseño gráfico Las ilustraciones están realizadas con gran sensibilidad,
la caligrafía ejecutada con maestría a menudo acompañada de iniciales en oro sobre placas
ornamentadas de un azul luminoso que ocupaban gran parte de la página. Los manuscritos
son escasos pero las copias que se conservan revelan una erudición sorprendente,
ilustraciones meticulosas y belleza caligráfica.

Manuscritos Islámicos
El islamismo, una de las grandes religiones del mundo, surgió de las enseñanzas de
Mahoma que se registran en el Corán. Este libro sagrado constituye la autoridad divina para
la vida religiosa, social y civil de las sociedades islámicas. Se han hecho centenares de
miles de copias manuscritas, desde pequeñas en tamaño de bolsillo hasta ediciones
imperiales con ilustraciones espléndidas. El amor a los libros está presente en la cultura
islámica. Las bibliotecas eran enormes y la producción mucho más prolífica que en europa
No solo abarcaron asuntos religiosos, se conservan más de diez mil manuscritos científicos
de aquella época.
Su decoración tuvo orígenes modestos. A lo largo de los siglos la ornamentación se fue
volviendo cada vez más minuciosa y los diseños geométricos y arabescos intrincados que
llenaban el espacio se convirtieron en expresiones trascendentales de la naturaleza sagrada
del Corán. Las formas geométricas que contienen caligrafía están rodeadas de diseños
orgánicos rítmicos que varían desde formas vegetales hasta arabescos abstractos.
Las Ilustraciones eran meticulosas, donde la línea encerraban zonas de color plano y la
arquitectura se define mediante planos geométricos.
Larga tradición, con numerosas escuelas, influencias y enfoques estéticos. Alcanzaron una
tradición de excelencia artística y se siguieron produciendo libros manuscritos mucho
después de que la impresión tipográfica sustituyera a este método de reproducción en el
resto del mundo.

Manuscritos iluminados a finales de la edad media

En las décadas de transición, la producción de manuscritos iluminados para uso privado se
fue volviendo cada vez más importante. El duque de Berry instaló un scriptorium en su
castillo y tenia una de las mayores bibliotecas privadas del mundo en aquella época con
ciento cincuenta libros. Los hermanos limbourg es probable que hayan tenido el scriptorium
más grande de París, y estaban a la vanguardia de la evolución en la interpretación de la
experiencia visual. Tendencia de la gótica hacía abstracción y estilización. Perspectiva
atmosférica y un esfuerzo sistemático para alcanzar la perspectiva lineal y el realismo
convincente. Mientras los Limbourg creaban libros hechos a mano, al mismo tiempo,
apareció en Europa un nuevo medio de comunicación visual: La Xilografía. La producción
de manuscritos continuó hasta las primeras décadas del siglo XVI, pero esta artesanía
milenaria que se remonta a la antigüedad, estaba condenada a desaparecer ante el libro
tipográfico

Unidad 2
El renacimiento Gráfico​ / llegada a Europa de la impresión / Gutenberg / el libro ilustrado Alemán
Diseño Gráfico Renacentista / Revolución gráfica de los siglos XVII y XVIII

LA LLEGADA A EUROPA DE LA IMPRESIÓN

Xilografia​: impresion de una superficie tallada en relieve que tuvo origen en Asia.
Tipografia​: impresion con trozos de metal o madera independientes móviles reutilizables.

Este invento desató nuevos horizontes para el diseño gráfico. a mediados del siglo xv.
La invención de la tipografía figura cerca de la creación de la escritura como uno de los
avances más importantes de la civilización. La escritura brindó a la humanidad un medio de
almacenar, recuperar documentar el conocimiento y la formación más allá del tiempo y el
espacio. Permitió la producción económica y múltiple de una comunicación alfabética. el
conocimiento se difundió con rapidez y el alfabetismo aumentó como consecuencia de este
invento.
Varios factores que favorecieron la presencia de la tipografía en Europa. Gran demanda de
libros, clase media instruida Universidades en rápida expansión tomaban el monopolio de la
educación por sobre el clero. inmenso mercado nuevo para el material de lectura. Se
comenzó a generar una división del trabajo y una cadena de montaje con especialistas para
hacer las letras, las iniciales decorativas, la ornamentaciones en oro, la corrección de
pruebas y la encuadernación. ni siquiera con esta explosión la producción de libros
manuscritos podía satisfacer la demanda. la fabricación del papel como soporte abundante
viajó lentamente desde china a europa. llegó a sicilia en 1102 y a españa, con los árabes, a
mediados del siglo xii.

El comienzo de la xilografía en Europa

La impresión en relieve llegó a europa detrás del papel. los naipes y las estampas religiosas
fueron las primeras manifestaciones. al igual que el papel, la impresión en relieve se
desplazó hacia el oeste desde china, Para antes del 1400 ya habia posiblemente una
próspera industria clandestina de la xilografía..
las primeras obras impresas que entraron en una cultura analfabeta,convirtiéndose así en la
primera manifestación europea de la capacidad democratizadora de la imprenta. permitieron
rápidamente el reconocimiento de símbolos, las secuencias y el razonamiento lógico. no se
sabe si el libro de bloque precedió al libro tipográfico. presentaban por lo general
ilustraciones sencillas, con predominio de los elementos visuales, se usaba para la
formación religiosa de los analfabetos. Apocalipsis era uno de los temas habituales. los
manuales sobre el arte de morir, aconsejaban al lector de cómo prepararse para la muerte.
la población europea fue diezmada por los ciclos de la peste bubónica cobrando la vida de
una cuarta parte de los habitantes del continente. La muerte era una preocupación
omnipresente.
Ejemplos precoces de la propaganda impresa, la biblia de los pobres como el ars moriendi.
son obras demuestran la capacidad gráfica de pintar a mano con capas fluidas de acuarela
para avivar la imaginería simbólica de una xilografía.

La tipografía móvil en europa

Teniendo en cuenta la disponibilidad del papel y la demanda creciente de libros, los
impresores de alemania holanda francia e italia trataron de mecanizar la producción de
libros con medios como el tipo móvil.
Johann Gutenberg​ fue el primero que reunió los complejos sistemas y subsistemas
necesarios para imprimir un libro tipográfico en torno al año 1450. Gutenberg se dedicaba a
la impresión. y debido a una incesante seguidilla de problemas legales y administrativos
tardó diez años para hacer su primera impresión y veinte para imprimir el primer libro
tipográfico: la llamada biblia de las cuarenta y dos líneas.
la impresión tipográfica había sido investigada por la cultura asiática por que les resultaba
impensable mantener en orden los más de cinco mil caracteres básicos que poseía su
escritura, por l que prefirieron continuar tallando las páginas sobre tacos de madera. La
impresión de textos con tipos independientes, móviles y reutilizables resultaba muy
conveniente en occidente. Gutenberg eligió el estilo de letra textura o letra gótica.para el
diseño tipográfico de su obra de la biblia de las 42 líneas. Lo fundamental del invento de
gutenberg era el molde tipográfico, que servía para moldear las letras por separado.
La prensa y el sistema de gutenberg se utilizaron durante cuatrocientos años con pequeñas
mejoras. esta máquina de precisión permite una velocidad de impresión tremenda y una
calidad constante en contraste con el método de tampones manuales utilizado en oriente y
por los primeros impresores en bloque europeos.
Gutenberg y Johann Fust Establecen una sociedad para la producción de libros, partiendo
de la idea de Gutenberg de imprimir la Biblia. Aquella Biblia fue el primer libro tipográfico, y
uno de los mejores ejemplos del arte del impresor. Con 1282 páginas, una tipografía de 290
caracteres distintos y su incremento de dos líneas por columna permitió el ahorro de
numerosas páginas. La gran cantidad de caracteres alternativos y ligaduras permitió el
alcance de una gran riqueza a la variedad de una página manuscrita.
Fue posible una justificación rigurosa de las columnas, abreviando las palabras latinas con
facilidad utilizando símbolos de abreviación.
En 1455 Fust demandó a Gutenberg por falta de pago de préstamos y los intereses
generados de los mismos. Fust tomó, como acto seguido, la posesión del equipo de
impresión de Gutenberg y del trabajo que se estaba realizando. A Gutenberg se le prohibió
el acceso a su taller.
Peter Schoffer, diseñador experto en iluminacion y escriba de la universidad de parís, puede
que fuera el primer diseñador de tipografías, se unió a Fust para crear Fust y Schoffer
imprenta que en su momento llegó a ser la más importante del mundo. La nueva sociedad
acometió la finalización de la Biblia de cuarenta y dos líneas en el año 1456.
La Biblia no tenía portada, páginas numeradas ni ninguna otra innovación que la
distinguiera de un libro manuscrito.
En 1457, Fust y Schoffer publicaron un Salterio en latín. Este salterio de formato
monumental, con famosas iniciales decoradas en dos colores que fueron una gran
innovación de la época, compiten con las páginas de los manuscritos más bellos.
Salterio en latín fue también el primer libro que lleva el pie de imprenta h el sello del
impresor, la fecha de publicación impresa y el colofón. En 1459 ​“Explicación del
significados de los oficios divinos”​ fue el primer libro tipográfico que utilizo un estilo de
tipografía en minusculas, para aprovechar espacio y aumentar la cantidad de texto por
página; esto suponía un ahorro significativo en trabajo de imprenta, tinta y pergamino.
Sobre el deber de cicerón (1465) fue la primera impresión de un clásico de la antigüedad.
La impresión tipográfica incrementó el interés por la cultura de la Grecia y la Roma antiguas.
El conocimiento del mundo antiguo y la época medieval comenzó a difundirse mediante la
palabra impresa, la fusión llegó a ser un catalizador para la creación del mundo moderno.
Durante algunos años, Maguncia fue el centro de la impresión con figuras como, Fust
Schoffer y Gutenberg.
Se desató una rápida difusión de la imprenta, Luchas de poder estallaron en una guerra
declarada a la nobleza alemana. Adolfo de Nassau cayó sobre Maguncia en 1462 y saqueó
la ciudad.
Numerosos comerciantes y artesanos de Maguncia pudieron salir huyendo, motivo por le
cual no tardaron en establecerse imprentas en lugares tan alejados como Francia e Italia.

El grabado en planchas de cobre.

En la misma època y en la misma zona de Europa, un artista anónimo llamado “el Maestro
de los naipes” creo los grabados en planchas de cobre más antiguos que se conocen.
Grabar es imprimir a partir de una imagen trazada en hueco o en relieve sobre la superficie
de impresión. La mejor obra del Maestro de los naipes es una baraja con imágenes de aves
animales y hombres salvajes. Los estudiosos han especulado que tal vez Gutenberg había
participado de la investigación y el desarrollo del grabado en planchas de cobre. Las
imágenes del Maestro de los naipes se asocian con los iluminadores de Maguncia, entre los
cuales figuran artistas que participaron en los trabajos de impresión de Gutenberg durante
la década de 1450. Esta evidencia circunstancial plantea posibilidades diversas,
Se estaba esforzando Gutenberg por perfeccionar la impresión de la ornamentación e
ilustración de los manuscritos medievales?
Se estaba promoviendo el grabado como método para imprimir ilustraciones en las páginas
tipográficas?
Estaba probando Gutenberg el uso de planchas como moldes para que las ilustraciones se
pudieran imprimir en conjunto con los tipos?
La investigación de Gutenberg podría haber llevado al libro impreso en una dirección
distinta de la que siguió posteriormente.

El Libro ilustrado alemán.

El término incunables fue adoptado por los escritores del s VII para designar los libros
impresos desde que Gutenberg inventó la tipografía hasta el final del s XV.
La imprenta se difundió con rapidez, en 1500 se imprimía en más de ciento cuarenta
ciudades. se calcula se hicieron más de treinta y cinco mil ediciones para un total de nueve
millones de libros.
Gran material de materiales diversos, como tratados religiosos breves , panfletos y pliegos.
Estos pliegos sueltos impresos por una cara se convirtieron posteriormente en carteles,
anuncios y periodicos impresos.
El auge de este oficio provocó superproducción y la proliferación de empresas.
Algunos sectores opusieron resistencia a la imprenta.
Algunos bibliófilos sostenían que la tipografía era inferior a la caligrafía y no era digna de
estar en sus bibliotecas.
Bajo el costo de los libros, y se paso de la escasez de los mismos a la abundancia.
no se pudo detener la marea del progreso y la producción de los manuscritos fue
decayendo.
Alfred Whitehead. “los grandes avances de la civilización son procesos que prácticamente
arruinan la sociedad en la que se producen”.
La tipografía es el gran avance de las comunicaciones entre la invención de la escritura y
las comunicaciones electrónicas masivas del sxx y desempeño un papel fundamental en los
trastornos sociales, económicos y registros que se produjeron durante los sxv y xvi.
Vigoroso espíritu de nacionalismo acrecentado y esparcido con rapidez por toda Europa y
condujo a la guerra de la independencia estadounidense y la revolución Francesa de finales
del siglo xviii.
Tipografía como vehículo de ideas sobre los derechos humanos y la soberanía popular. La
imprenta estabilizó y unificó lenguas.
El francés, el inglés y el alemán se convirtieron en medios tipográficos de comunicación de
masas que llegaban a un público de un tamaño sin precedentes con una sola voz.
Analfabetismo, comenzó su descenso lento, pero constante.
Las novelas románticas y la proliferación de los pliegos sueltos convirtieron la literatura en
algo deseable, y necesario para los ciudadanos del Renacimiento.
La tipografía supuso un cambio radical para la educación. El aprendizaje como proceso
particular, más que comunitario.
El diálogo humano se vio ampliado gracias a la tipografía.
Comenzó a tener lugar a una escala mundial, salvando tiempo y espacio.
El invento de Gutenberg como primera mecanización de luna artesanía cualificada, puso en
marcha, los procesos que desembocarían en la revolución industrial. Sin la tipografía, es
poco probable que se hubiese producido el movimiento protestante de la época de la
Reforma.

Los innovadores del renacimiento crearon dos sistemas visuales.

La pintura:​ mundo natural sobre superficies planas, única fuente de luz y uso de luces y
sombras, punto de vista fijo y perspectiva lineal.
La tipografía: ​ordenamiento secuencial y repetible de la información y el espacio.
Pensamiento lineal y la lógica hacia una categorización y un registro de la información como
base para la investigación científica empírica. Fomentación del individualismo, un aspecto
dominante de la sociedad occidental desde el Renacimiento.
Al finalizar el periodo de los incunables ya había imprentas en toda Europa.
Aunque la imprenta sustituyó a los copistas en la producción de texto continuo, se mantuvo
la misma división de trabajo que había en el scriptorium.
La decoración y la iluminación de los primeros incunables se hacían casi siempre a mano.
La innovación del diseño tuvo lugar en alemania, donde los xilógrafos y los impresores
tipográficos se combinaron para desarrollar el libro ilustrado y el pliego. En Italia, los estilos
heredados de los manuscritos dieron paso a un método de diseño único para el libro
tipográfico.
A medida que la impresión se difundió desde Maguncia, lo mismo ocurrió con el uso del pie
de imprenta como identificador visual.
Se usaban modelos hechos por los escribas y artistas, así como manuscritos para la
realización de libros impresos. El colofón del escriba se vio sustituido por uno hecho con
tipos

EL DISEÑO GRÁFICO RENACENTISTA

Renacimiento - S XIV - S XV
Transición del mundo medieval al moderno.
El espíritu de la época: ​El temor y superstición se iban erradicando. El alejamiento de las
creencias medievales y el acercamiento a un nuevo interés por el potencial y el valor
humanos, caracterizaron al humanismo renacentista. Se define al hombre como un ser
capaz de emplear la razón y la investigación científica para alcanzar conocimiento tanto del
mundo como de sí mismo.
Clásico pero renovado, ​en este periodo se buscó resurgir los valores estéticos clásicos
con esta nueva concepción del hombre sobre la tierra.

DISEÑO GRÁFICO RENACIMIENTO ITALIANO

Incorporación de números en impresión en vez de rubricar.
Jenson​ - Tipografía con gran legibilidad. Con un excelente manejo del espacio entre letras
y las contraformas, creaba un tono parejo en toda la página. Utilizó emblemas para firmar
libros, inspirados en jeroglíficos.
A los renacentistas ​les encantaba la decoración floral, las aplicaban a los muebles, la
arquitectura y los manuscritos.
El trabajo de impresión siguió siendo una colaboración entre el impresor tipográfico (en el
periodo de los incunables también denominado “escritura artificial”) y el iluminador que
añadía a mano las iniciales y los ornamentos.
Erhard Ratdolt:​ Imprimir todo, no solo las tipos, sino también ornamentos iniciales e
ilustraciones. Crea Marcos e iniciales xilografiadas y las implementa al sistema de impresión
con tipos móviles. también publicó el primer catalogo tipográfico, en el que figuraba toda su
gama de cuerpos y estilos tipográficos. Esto desencadenó que varios impresores
venecianos adoptaran su estilo.
La época tuvo gran Influencia antigua occidental y cultura islámica. El estilo de líneas
delgadas se popularizó en Italia.
Francesco Griffo​ - Creó la Itálica o bastardilla, ocupaba menos espacio!
Aldo Manunzio -​ Investigó con fin de crear una tipografía romana más auténtica, mejor que
Jenson. Modificó las astas ascendentes mayúsculas para corregir mancha óptica.
En 1501, publicó por primera vez un Libro de bolsillo. Hechos con tipografía Itálica, que
colaboraron a la popularización de la lectura.
Aunque el libro llegó desde Alemania, ​Italia aportó las innovaciones de diseño,
definiendo el formato básico del libro tipográfico.

MAESTROS DE ESCRITURA ITALIANO

El aumento del alfabetismo provocó una gran demanda de maestros de escritura para
enseñar esta habilidad fundamental y la expansión del gobierno y el comercio demandó
calígrafos expertos para redactar documentos oficiales y comerciales importantes.
Se expande educación para promover escritura
1522 - Muerte del ​scriptorium​ como tal,​ tras la publicación del libro de ​Arrighi​ “Aprender
a escribir con letra cancilleresca” cuyas instrucciones eran tan claras que el lector aprendía
a escribir en pocos días. Dejó de ser un conocimiento de eruditos.
Carlos V - Saquearon Roma y parece que ahí en ese kilombo mataron a Arrighi

LA INNOVACIÓN SE TRASLADA A FRANCIA

S XVI​ LA ÉPOCA DORADA DE LA TIPOGRAFÍA FRANCESA
La ​censura, ​se convirtió en un problema cada vez más grave. La iglesia y el estado con el
afán de controlarlo y de imponer su autoridad procuraban afianzarse. Buscaban propagar
ideas mediante la impresión.
Geoffroy Tory​- Introdujo apóstrofe, tilde y cerilla.También publicos manuales como ​“ el arte
y la ciencia de las verdaderas proporciones de las letras antiguas”.​ La ​Marca de la taza rota
fue su sello característico. ​Diseño de iniciales acompañadas por puntillismo, adornos y
cabeceras Sus ornamentos conviven bien con la Garamond.
Colines​ Impuso estilo de la época. Libros de Horas - Hito del diseño gráfico. Nueva claridad
del pensamiento, actitud innovadora respecto a la forma y amonia precisas de los distintos
elementos (texto, iniciales, marcos decorativos e ilustraciones).
GARAMOND - ​Primer grabador de punzones con independencia de las imprentas.
Diseñó tipografías con gran dominio visual, proporción ajustadas que permitía reducir
espacio entre palabras y lograr diseño armonioso. Fue uno de los motores generadores del
desprendimiento de los estilos góticos de las cajas de los compositores de todo europa,
salvo alemania, alrededor del 1510. Se pierde influencia de la escritura como modelo, ya
que las tipos de garamond se construyen en base al modelo del tipo metálico de manera
matemática y racional, en lugar de ser creada por la forma del gesto de la herramienta con
la que fue trazada a mano.
El sueño de polifilo,​ es un hito. Fue publicado en 1499 por Manunzio y en 1546 por Kerber
Manunzio ​- Utilizaba un juego de iniciales ornamentales y pequeños adornos estrellados
Kerber​ - Variedad de cuerpos tipográficos, uniformidad de estructura y tono, elegancia
discreta y claridad ordenada, finas piezas ornamentales y florones que embellecian la
página.
Los Libros Parisinos fueron Primer estilo de diseño tipográfico marcado, que fue
preponderante en S. XVI

BASILEA (suiza) y LYON (francia)

Fueron grandes centros de diseño de la época
Froben - ​Tipografías romanas fuertes y sólidas, a diferencia de sus contemporáneos
alemanas.
Peste S XIV - Arte como recordatorio de la muerte.
Muere​ ​Froben y ​Oporinus ​se vuelve principal impresor de Basilea.
De Humanis Corporis Fabrica​ - Anatomía. - Libro pirateado, fotocopiado, impreso y
traducido por toda europa. Primer libro que tuvo éxito con ilustraciones grabadas.
Lyon​ 1442 - ​Jean de Tournes ​Considerado mejor impresor de S XVI, comenzó a utilizar
tipos Garamond y diseños de iniciales de Tory. Más tarde contrató a un gran diseñador
llamado ​Robert Granjon​ - Libros en itálicas Delicadas que mostraban hermosas
mayúsculas ornamentadas italicas. En sus viajes de designer trató de añadir un cuarto estilo
tipográfico, los ​Caracteres Civilité, ​una versión tipográfica que imitaba la manuscrita
secretarial francesa, cuyo aspecto era muy extravagante, y por su escasa legibilidad se dejó
por el camino como un capricho pasajero.
1 marzo 1562 - 40 años de guerra religiosa, se pudrió todo y eso supuso el Fin de edad de
oro tipográfica francesa.
De Francia tipógrafos y diseñadores huyen a los Países Bajos - Amberes y Amsterdam
Plantin ​- Junto con Tournes, considerados los mejores impresores del siglo XVI. Compraron
los tipos de garamond tras su muerte. El uso de grabados en planchas de cobre en lugar de
bloques de madera para ilustrar sus libros fue su principal aporte.
Imprimieron la Segunda gran biblia políglota - 1569 - 1572 0 8 volúmenes, una adaptación
más ornamentada y pesada que el diseño francés.

S XVII
Período tranquilo para la innovación del diseño gráfico, sin embargo se produjeron grandes
obras literarias, así como textos de conocimiento científico.
La impresión llega colonias de USA. Anne, primer impresora de la colonia Cambridge
Estudios independientes de grabado - combinación de aguafuerte.
Libros como gran producto de exportación.

UNA ÉPOCA DE GENIO TIPOGRÁFICO

1692​ - Rey Francés Luis XIV ordenó el diseño de nueva tipo para la imprenta Real, Francia.
Debía seguir principios científicos. Jaugeon, matemático.
Romana del Rey​ - Aumentaba contraste entre trazos gruesos y finos, remates horizontales
y definidos, y la forma de cada letra bien equilibrada. Estaban hechos con planchas de
Cobre y Sólo se podía utilizar para impresiones reales. Nueva categoría de caracteres
llamada ​Romanas de Transición​.

ROCOCÓ
1720 - 1770 Estilo Francés. Los adornos Floridos intrincados, Curvas en formas de S y C,
colores pasteles claros, blanco marfil y oro y formas vegetales derivadas de la naturaleza
llenaban las páginas de los libros de esta época.
Las Medidas de los caracteres eran “Caóticas” - Cada fundidora de tipos tenía su propio
tamaño. En 1737 ​Fournier​ propone estandarización de proporciones. En 1742
Publicó su primer catálogo tipográfico donde presentaba 4600 caracteres. Debido a sus
estilos y variables desarrolladas surge la idea de ​Familia Tipográfica. ​El catálogo contenía
Romana, itálica, cursiva y estilos de tipos decorativos, filetes y adornos..
En 1764 publica otro Manual tipográfico basado en el punto (en lugar de la linea y punto)
Sistema de medición mejorada.
Proyectaban la psicología de la época Rococó que mostraba a los ricos llevando una vida
extravagante en un mundo de ensueño, ajenos a la creciente pobreza de la época.
John Pine​ fue el mejor grabador de la época, principal grabador de sellos para el Rey.
Revolución Francesa ​acabó con el Rococó en 1789.

CASLON Y BASKERVILLE
Carlos II exigió que la cantidad de impresores se redujera a 20, taba hevy la iglesia.
William Caslon​ en 1722 crea la tipo ​Caslon Old Style​ en Londres. Prácticamente todo lo
que se imprimía en inglés salia con esta tipo, explotó su popularidad. Era cómoda, ligera y
agradable a la vista. Incremento ligero de contrastes entre gruesos y finos, Generando una
textura irregular y rítmica.
Baskerville​ diseñaba, moldeaba y componía tipos. Apogeo del estilo de transición, salvan
distancias entre diseño antiguo y moderno. Inventó tipos más anchas y más contraste,
cambia la colocación de la parte más gruesa de la letra. Dió un nuevo​ ​tratamiento de
remates, con sus puntas refinadas. Fue el primero en publicar un​ Libro puramente
tipográfico​, considerado muy innovador, con un diseño exquisito y elegante.
Diseño elegante del libro como objeto de calidad. Desarrolló una tinta de aceite de linaza +
resina negra + pigmento negro = brillo casi púrpura. Libros satinados. Hacía prensar el
papel en caliente antes de imprimir para obtener una superficie más limpia y refinada.
Resultó gran influencia para Bodoni (ITA) y Didot (FRA)

ORIGEN DE LA INFOGRAFÍA
Surgieron mediante la necesidad de visualizar de manera veloz y de fácil codificación, un
volumen grande de información. Descartes, indican Coordenadas cartesianas
1786 - Playfair - Diagramas gráfico lineal y de barras - Creó categoría del diseño gráfico -
Infografía. En 1801 surge el Diagrama circular.
LOS DISEÑOS IMPERIALES DE LOUIS RENÉ LUCE
1740 - 1770 - ​Creo Tipos estrechos y condensados, que dieron ese carácter imperial.
Publicó Ensayo sobre una nueva tipografía, donde exponía sus logros. Todos los diseños
reales perdieron relevancia luego de la revolución francesa.

EL ESTILO MODERNO
Bodoni ​- ITALIA - Le pidieron que se hiciera cargo de la estampería real. Impresor de la
corte. Desarrolló tipografías y diseños de página nuevos.
Impulsor inicial de la tipografía moderna - Remates finos y rectos - ​Roman du Roi
Rechazo de ornamentos y uso generoso del espacio.
Otra tendencia del estilo moderno fue el diseño de formas de letras más estrechas y
condensadas, que hizo que las letras tuviesen un aspecto más alto y geomètrico.
Por otra parte estas tendencias fueron alentadas por un tono tipográfico más ligero.
En 1790 bodoni ​rediseño letras románicas​ para darles un aspecto más geométrico y
matemático. Reinvento remates convirtiéndolos en líneas más delgadas, suprimiendo flujo
en disminución del remate hacia el trazo vertical de las romanas antiguas. Redefinió su ideal
de diseño como “​LIMPIEZA​”. Diseño alrededor de 300 tipos y en 1918 manual tipográfico
en 2 volúmenes (por orsi)
Bodoni buscaba buen gusto, encanto y regularidad, dada por la estandarización de las
unidades en una era de la mecanización. La tipografía iba en función de su
reproductibilidad, su economía y legibilidad. Esta estandarización se podía medir y construir,
y enmarco la Desaparición de la caligrafía y la escritura como fuente de inspiración de
diseño de tipos.
Altura de x menor y astas y descendentes más largas​. En algunas tipografías, las letras
se moldeaban en metal extra grande para que el tipo no quedara demasiado grande, en
consecuencia quedaba un interlineado generoso. Realizó muchas reediciones de los
clásicos griegos y romanos. También obras de virgilio, que representan la gran expresión
tipográfica del neoclasicismo.
1713 ​DIDOT, ​fue una dinastía familiar que estableció una empresa de impresión en París
Desarrolló un estilo de tipos fino y velaba por los mismos ideales de construcción que
bodoni (influencia mutua). Fue quien creó la nomenclatura de puntos, sistema que se
adaptó en alemania y en 1886 fue adoptado como medida de referencia.
Influencia de Baskerville, sus tipos eran más ligeras y geométricas.
Invención de estereotipia - se pueden imprimir mayores tiradas.
Bodoni y Didot eran rivales y espíritus afines, comparaciones acerca de quién innovaba y
quien imitaba, compartían referencias. Ambos trataban de impulsar el estilo moderno y
perfección neoclásica.
Se reconoce a bodoni más habilidad como diseñador e impresor pero Didot eran más
eruditos. Los Didot emplearon su nuevo proceso de estereotipia para hacer numerosas
ediciones de libros económicos para grandes públicos.

WILLIAM BLAKE - Impresión iluminada

Fue Contrapunto a la tipo sería de Bodoni y Didot. Realizaba a mano las páginas Ilustradas
en relieve de sus libros de poemas. Acercamiento a Lettering - Portada de los cantos de la
inocencia. integraba ilustración y letra (grabados monocromo posteriormente pintados con
acuarelas.
Estaba en contra del neoclasicismo y de sus convenciones de la belleza. Fue un Heraldo
del romanticismo del S. XIX, inspirado en las emociones y la introspección como fuentes de
su trabajo. Colocó sus esfuerzos en trascender lo material del diseño gráfico y la impresión
para alcanzar una manifestación espiritual. El libro como pieza artística única.
Utilizaba Colores brillantes precursores del expresionismo, modernismo y arte abstracto.

EL FIN DE UNA ÉPOCA

En inglaterra 1786 - Se crea una imprenta que intenta imitar las letras finas y afiladas que
usan los impresores franceses e italianos. ​Un par de fichas del final de la época:
- Thomas Bewick - padre de la xilografía mega crack
- William Bulmer público con piezas de Bewick, las obras dramáticas de Shakespeare
El Siglo XVII concluyó con violentas revoluciones en Francia. Revolución industrial en
Inglaterra

Unidad 3
Puente del siglo XX /​ impacto en el diseño de la revolución industrial / Industrialización de las técnicas de producción /
Fotografía / Diseño gráfico en la época victoriana / Infografía / diseño publicitario estadounidense.

Diseño gráfico y la revolución industrial

Se produjo por primera vez en Inglaterra entre ​1760​ y ​1840​, pero más que un perìodo
histórico, fue en realidad un proceso de cambio social económico.
La ​energía​ fue un impulso importante para la transformación de una sociedad agrícola a
una industrial.
1780 ​James Watt perfeccionó el ​motor a vapor​.
Surgió un sistema fabril con fabricación a máquina y ​división de trabajo​. Aparecieron
nuevos materiales (hierro y acero), las ciudades crecieron drásticamente (metrópolis). El
poder político se alejó de la aristocracia y se acercó a los fabricantes capitalistas, los
comerciantes y hasta la clase obrera. El capitalista sustituyó al terrateniente como la fuerza
más poderosa. La gran demanda de una población urbana en rápido crecimiento y con un
poder adquisitivo en expansión, permitió la fabricación en serie (incrementaba la oferta y
reducía costes). Estimuló mejoras tecnológicas.
El diseño gráfico desempeñó un papel importante en el proceso de comercialización.
Los trabajadores cobraban salarios míseros y vivían en edificios sucios y en condiciones
sanitarias precarias. De todos modos, en general el nivel de vida en europa mejoró
considerablemente. La civilización estaba ​perdiendo interés por los valores humanistas​.
La mayor oferta, provocó una demanda insaciable, y así nació la era de la ​comunicación
de masas.
Las artesanías decayeron considerablemente al aparecer la unidad entre diseño y
producción.
La ​variedad de cuerpos y estilos tipográficos​ se disparó.
La ​invención de la fotografía​, y posteriormente los medios para imprimir imágenes
fotográficas, expandieron el sentido de la documentación visual y la información gráfica.
La ​litografía en color​ le dio experiencia estética al conjunto de la sociedad y no sólo a unos
privilegiados.
Las innovaciones en tipografía
La demanda de una escala mayor, logró importantes innovaciones en el diseño. Se podría
decir que el primer William Caslon fue el abuelo de esta revolución.
Cottarell​ fue el primero que moldeó en arena letras decorativas grandes y negras para
carteles.
Otros fundidores diseñaron y moldearon letras más gruesas, de modo que se llegó a la
invención de los ​caracteres ultra gruesos​, letras romanas con más contraste y más peso.
Thorne​ (1803)
En 1815, ​Figgins​ ya mostraba una gama completa de estilos modernos, antiguos, egipcios
y tridimensionales.
Las ​Egipcias​ (segunda gran innovación del diseño tipográfico del S XIX) transmiten una
sensación enérgica y mecánica, con remates planos y rectangulares. El mismo peso en
toda la letra y astas ascendentes y descendentes cortas.
1845, se registran los derechos de una egipcia modificada llamada ​Clarendon​. Eran
Egipcias condensadas con mayor contraste en los trazos y remates más discretos.
Figgins también presenta la primer versión de letras de estilo ​toscano​ del S XIX, se
caracterizaba por remates alargados y curvos, la cual pasó por muchas variables a lo largo
del siglo.
Presentó un estilo que proyectaba la ilusión de tres dimensiones. Fue un recurso de mucho
éxito, y comenzaron a aparecer versiones para todos los estilos de tipografía en 3D.
(perspectivas, sombreados, perfiles, inversión, expansión, condensación)
Al ser más económico, los diseñadores disfrutaban de la complejidad del diseño y agregaba
decoraciones, motivos vegetales y adornos.
La tercer innovación tipográfica fue la ​tipografía de palo seco​ expuesta en 1816 por
William Caslon IV. Se parecía a la tipografía egipcia, pero sin remates “Egipcia Inglesa de
dos líneas”. Tuvieron un comienzo experimental, las primeras eran pesadas y se usaban
para subtítulos y material descriptivo.
En 1830, varios fundidores de tipo introdujeron nuevos estilos de palo seco. Cada diseñador
le puso un nombre diferente a su tipografía. Figgins la llamó ​Sans Serif
Los impresores alemanes Schelter y Giescke introducen en 1830 el primer ​alfabeto en
minúscula ​de tipografía palo seco.

Los carteles impresos con tipos de madera

Los tipos metálicos grandes, resultaban carísimos, frágiles y pesados.
En 1827, Darius Wells inventó una ​fresadora lateral​ que posibilitó la fabricación en serie, a
un precio económico de tipos decorativos de madera, y además eran más duraderos. Se
expande la fábrica de tipos de madera por todo europa, y a mediados de siglo las empresas
estadounidenses también.
En 1834, William Leavenworth combina ​pantógrafo​ con la ​fresadora​, que hizo de los tipos
de madera aún más económicos.
Como consecuencia de la creciente demanda, aparecieron empresas especializadas en
material tipográfico decorativo, donde no intervenía un diseñador gráfico en el sentido que
se le dio en el S XX, sino que era el cajista (oficial de imprenta) quien seleccionaba y
componía la tipografía, los filetes, ornamentaciones e ilustraciones. Había una gama infinita
de variables, y la filosofía del diseño era que ​había que usarla​. Debido a la necesidad de
trabajar bien los elementos en la prensa, en el diseño se hacía hincapié en lo horizontal y lo
vertical, y esto se convirtió en el ​principio de organizador básico​.
En 1870, las empresas de tipos decorativas comienzan a decaer como consecuencia de la
mejora en impresión litográfica, que hacían que los carteles fueran más gráficos y coloridos.
Debido al aumento de revistas y periódicos con espacios para publicidad, y restricciones
legislativas para la fijaciones de carteles, las comunicaciones comerciales se alejaron de los
anuncios colgados.

Una revolución en la impresión

Los inventores aplicaron la teoría mecánica, y las piezas de metal a la prensa de metal,
aumentando su eficacia y tamaño de impresión.
En 1800, Stanhope crea la ​prensa hecha totalmente con hierro fundido​, que se
necesitaba menor fuerza manual para imprimir que con la de madera, y se duplicaba el
tamaño de la hoja impresa.
En 1810, Köing inaugura la ​prensa a vapor.​ Además del motor a vapor, en sus
innovaciones figuraba un método para entintar los tipos mediante un rodillo (en lugar de
entintar a mano)
John Walter II del ​TIMES​ de Londres, encargó a Köing la construcción de dos prensas de
vapor bicilindricas, lo cual produjo un ahorro en el taller de composición. Se podían imprimir
noticias de modo que llegaran a los lectores varias horas antes.
En 1815, William Cowper - prensa para imprimir con planchas de estereotipia curvas
enrolladas alrededor de un cilindro, aumentando aún más la velocidad.
El periódico siguió perfeccionando la técnica, hasta imprimir 4.000 hojas por hora, por
ambas caras.
En 1803, funcionaba la ​primer máquina de producción de papel​.

La mecanización de la tipografía
Componer a mano seguía siendo un proceso lento y costoso. Se hicieron muchos
experimentos para perfeccionar una máquina de componer tipos.
En 1825, se registró la primer patente para componer tipos.
En 1886, se perfecciona la ​linotipia​, que era una ​especie de màquina de escribir con
teclado, ​y en consecuencia baja el precio del periódico.
La publicación de libros se expandió con rapidez.
La piratería de diseños era desenfrenada, se moldeaban y vendían los tipos a partir de
matrices faltas, y para tratar de estabilizar la industria, se formaron ​consorcios​. Por
ejemplo, en 1892 se fusionaron catorce fundiciones para constituir la ​American Type
Founders Company.
Se produjo una difusión mundial de palabras e imágenes, y comenzó la era de las
comunicaciones masivas​.

LA FOTOGRAFÍA, el nuevo instrumento de las comunicaciones

Crear representaciones gráficas y preparar planchas de impresión para reproducirlas, hacer
la matriz, siguieron siendo procesos manuales hasta la llegada de la fotografía.
La ​cámara oscura​, dispositivo utilizado para hacer procesos fotoquímicos ya se conocía en
la antigüedad en el siglo IV a. C. Los artistas la han usado para dibujar durante siglos. El
único elemento adicional necesario para ​fijar​ o hacer permanente la imagen proyectada
dentro de la cámara oscura, era un material ​fotosensible​, capaz de captar esa imagen.

Los inventores de la fotografía

El francés Joseph Niepce, primero que obtuvo una imagen fotográfica, comenzó a investigar
la manera de transformar automática los dibujos en planchas de impresión. Era un litógrafo
de imágenes religiosas populares y buscaba formas de preparar las planchas sin tener que
dibujarlas.
En 1822, cubrió una lámina de peltre con un asfalto fotosensible llamado betún de judea,
que se endurece cuando se expone a la luz. A este invento, lo llamó ​grabado solar​.
En 1826, Niepce amplió su descubrimiento, y tomó la ​primer fotografía​ que se conserva.
Por otra parte, Daguerre había estado llevando una investigación similar, y en 1839
presentó su proyecto perfeccionado a la academia francesa de ciencias, que se le llamó
Daguerrotipos​.
De un salto gigantesco, se llegó a la tecnología necesaria para hacer imágenes a máquina.
En un año se hicieron en París medio millón de daguerrotipos, aunque tenían limitaciones.
En 1833, al mismo tiempo en Inglaterra, Talbot comenzó una serie de experimentos con
papel, tratado con compuestos de plata, que era sensible a la luz, y al resultado de estas
imágenes hechas sin cámara, la llamó ​dibujos fotogénicos​ (en la actualidad lo conocemos
como fotogramas a las imágenes hechas manipulando con objetos fotosensibles, la luz que
incide en el papel fotográfico) ​Sería como una fotocopiadora, o un escáner…
En 1835, Talbot creaba imágenes fotográficas en las que las zonas claras aparecían
oscuras, y las zonas oscuras aparecían claras. (​imágenes invertidas)
En 1839, Herschell se entera de esta investigación y comparte sus conocimientos para
resolver el problema de la imágen invertida, imprimiendo esta en otra hoja de papel
sensibilizado, a la luz del día. De este modo, llamó ​negativo​ a la imagen invertida, ​positivo
al contacto, y ​fotografía​ a la técnica.
Aún así, la impresión en positivo quedaba un poco borrosa. ​Le daba una impresión similar a
la del dibujo en carboncillo​. Se empezó a buscar un vehículo adecuado para adherir
material fotosensible al vidrio, para poder hacer ​diapositivas proyectables​ negativas y
positivas, sumamente detalladas.
En 1850, Archer (escultor) anunció un proceso de plancha humedecida, que fue adoptado
por fotógrafos en todo el mundo, pero esta plancha no tardó en ceder paso al método de
plancha seca a partir de 1880.
En 1888, George Eastman puso el poder de la fotografía al alcance del público general,
presentando su cámara ​Kodak​.

La aplicación de la fotografía a la impresión

Como los bloques de madera tenían la misma altura que los tipos y se podían enganchar en
la prensa e imprimir al mismo tiempo (mientras que los grabados en planchas de cobre y en
acero o las litografías se tenían que imprimir por separado), ​el grabado en madera
predominaba en la ilustración​ de libros, revistas y periódicos, sin embargo resultaba
costoso y comenzaron la búsqueda iniciada por Niépce para hallar un proceso económico y
fiable de ​fotograbado​ para preparar planchas de impresión.
En 1871, el neoyorquino Calvin Moss fue pionero en un método de fotograbado
comercialmente viable para convertir ilustraciones en línea en planchas de metal para
impresión tipográfica.
Gracias al proceso de fotograbado, se redujeron el coste y el tiempo necesarios para
producir bloques de impresión y se consiguió mayor fidelidad al original.
Entre 1860 y 1870 (antes que las fotografías se pudieran copiar), los grabados en madera
dibujados a partir de fotografías eran muy frecuentes en las comunicaciones de masas, esto
nos ayuda a comprender que nuestra historia se formó con la inmediatez intemporal de la
fotografía.
Durante la década de 1850, Talbot experimentó con un tamiz como forma de descomponer
los tonos en puntos de diferentes tamaños, y en 1880 el ​New York Daily Graphic ​imprimió la
primera reproducción de una fotografía con toda la gama tonal en un periódico.
En 1881, Ives desarrolló un proceso primitivo de tramas y trabajó en la primera producción
comercial de planchas de impresión de semitonos. La suma de todos los puntos minúsculos
creaba la ilusión de tonos continuos. Las primeras ilustraciones fotomecánicas a color se
imprimieron en ese mismo año en la revista parisiense ​L'ILlustration.
Este proceso de reproducción más barato, comenzó a dejar obsoletos a los artesanos que
transferían las ilustraciones manuales.

Definir el medio
Algunos fotógrafos del s XIX ampliaron las fronteras estéticas y comunicativas del nuevo
medio y no se conformaron con reproducir un momento.
Uno de los primeros intentos de introducir la preocupación por el diseño en la fotografía
comenzó en 1843, con el pintor escocés David Octavius Hill haciendo retratos.
Hill y Adamson, crearon también fotografías de paisajes que imitan el orden visual de las
pinturas paisajísticas de la época.
En 1864, ​Margaret Cameron​ amplió el potencial artístico de la fotografía a través de
retratos, que registraban “fielmente la grandeza del hombre interior como también del
hombre exterior”.
El francés Nadar, hizo una ​aportación vital​ en la fotografía, que retrató actores y artistas, y
tiene una sencillez directa y digna que constituyen un documento histórico inapreciable.
En 1886, se publicó la ​primer entrevista fotográfica​, tomada por el hijo de Nadar.

Fotografía como reportaje

El fotógrafo de estudio neoyorkino ​Brady​, demostró que la fotografía puede proporcionar un
registro histórico y definir la historia humana para generaciones venideras, y fotografió la
Guerra de Sucesión de EE.UU., lo cual afectó profundamente el ideal romántico sobre la
guerra, y se sumaron a los bocetos de los artistas como material de referencia para las
ilustraciones xilográficas que se publicaron en periódicos y revistas.
Después de la guerra, la fotografía se convirtió en un documento importante de
documentación y comunicación en la exploración de nuevos territorios y la conquista del
oeste norteamericano.
Muybridge fue pionero en la evolución de la fotografía de imagen en movimiento, cuando
fotografió en 1877 y 1878 un caballo en movimiento con una batería de 24 cámaras delante
de un fondo intenso con obturadores de cierre rápido provistos de resortes y bandas
elásticas que los cerraban de golpe a medida que un caballo al trote iba rompiendo los hilos
sujetos a los obturadores. Las secuencias de movimiento de fotografía que obtuvo, captó el
movimiento del caballo en el tiempo y el espacio.
En el S. XIX, inventores como Talbot, documentalistas como Brandy, y poetas visuales
como Cameron, tuvieron un impacto colectivo importante en el diseño gráfico.
La fotografía fue monopolizando poco a poco la documentación objetiva, impulsando al
ilustrador hacia la fantasía y la ficción.

El diseño gráfico popular de la época victoriana

El reinado de victoria en el reino unido de gran bretaña e irlanda a partir del 1837, abarcó
dos tercios del S. XIX.
La época victoriana fue un periodo de fuertes creencias, morales y religiosas, y mucho
optimismo.
Se solía decir: “Dios está en el cielo y todo va bien en el mundo”.
Los victorianos buscaban un espíritu de diseño para expresar su época. Enfoques y
filosofías del diseño a menudo contradictorias. Había una fuerte afición por lo gótico, Gran
ejemplo de esto fue el arquitecto inglés Pugin. que diseño los detalles ornamentales del
parlamento británico. Pugin, fue el primer diseñador del S. XIX que formuló una filosofía del
diseño, definiendo tal como un acto moral que alcanzaba la categoría de arte a través de los
ideales y las actitudes del diseñador. Creía que la integridad y el carácter de una civilización
estaban vinculados con su diseño. Pugin se fijaba en los periodos anteriores, el gótico
particularmente, mas que nada en busca de un principio. La consecuencia de su influencia
fue una amblia imitación de la arquitectura, los ornamentos y los tipos góticos.

Owen Jones, diseñador escritor y experto en color, llegó a ejercer una influencia importante
sobre el diseño a mediados del siglo. Tras un estudio sistemático del diseño islámico, el
joven Jones introdujo la ornamentación árabe en el diseño occidental.
1856: se comenzó a usar la palabra “victoriano” como nueva conciencia de espíritu, la
cultura y los valores morales de la era industrial.
La Gran exposición de 1851, mejor conocida como la “Exposición del palacio de Cristal” fue
una recapitulación importante del progreso de la revolución industrial y un catalizador de los
avances futuro, 6 millones de visitantes pasaron revista los productos de 13 mil expositores.
El diseño Gráfico victoriano transmitía el sentimentalismo, la nostalgia y el canon de belleza
idealizada. Se desarrolló un fuerte sentido de los valores tradicionales del hogar, la religión
y patriotismo.
El medio de producción popular de la época victoriana era la cromolitografía, una innovación
de la revolución industrial..

El desarrollo de la litografía
La litografía significa literalmente “impresión en piedra”. Fue un invento del escritor Aloys
Senefelder en 1776: Buscando un método barato para imprimir sus obras dramáticas, los
experimentos de Senefelder culminaron con la invención de la impresión litográfica,
La litografía parte de un principio químico tan sencillo como que el aceite y el agua se
repelen. Se hace un dibujo sobre una superficie plana de piedra, Y luego se coloca la hoja
de papel sobre la imagen dibujada y se usa una prensa de imprimir para transferir al papel
la imagen entintada..
Los impresores alemanes fueron la punta de la lanza litográfica en color y en 1837 el
impresor francés Engelmann patentó un proceso llamado “cromolitografía”.
El impresor separaba los colores en una serie de planchas de impresión y se imprimía cada
uno de los colores por separado. La llegada de la impresión en color tuvo amplias
ramificaciones sociales y económicas.

La escuela de cromolitografía de Boston

Varios profesionales destacados promovieron una escuela de naturalismo fotográfico y

consiguieron la perfección técnica e imágenes de convincente realismo.
Richard m, hoe perfeccionó la prensa litográfica rotativa, apodada “la prensa relámpago” era
capaz de imprimir seis veces más rápidos que las prensas litográficas que se usaban
entonces, y fue un estímulo importante para la litografía, que compite con la impresión
tipográfica. E impresiones a color economicas, que abarcaban desde las reproducciones de
cuadros para la clase media hasta todo tipo de diseño gráfico publicitario, manaban en
abundancia de las prensas en millones de impresiones todos los años.

John H.Bufford, Fue el siguiente innovador de la cromolitografía en boston, dibujante genial

de realismo notable de su minucioso uso del color.
En 1840 se especializó en láminas de arte, carteles cubiertas e ilustraciones para libros y
revistas.
Cartel de 1867 (el cuarteto de cantantes suecos) como ejemplo, El dibujo tonal del mismo
se reprodujo con toda precisión sobre una piedra litográfica, logrando tonos carne, rojo,
amarillo azul en fondo gris pizarra y la reproducción de colores marrones, grises y
anaranjados con perfecto registro.
Bufford lograba dibujos casi fotográficos hechos con lapiz litografico. Dibujo tonal meticuloso
y convincente con integración de imagen y texto en un diseño unificado.
Luego de desarrollar su diseño gráfico en campañas políticas, empleando un vocabulario
rico en motivos patrióticos bufford cerró sus puertas en 1890.
L la litografía estadounidense conservó su herencia alemana. las excelentes piedras
litográficas bávaras, con artesanos que las preparaban para imprimir, fueron exportados
desde Alemania a todos los países del mundo.
La Academia de Arte de Dusseldorf, era la principal escuela de formación para artistas que
creaban imágenes para la impresión litográfica. Entre 1860 y 1900 se dio el apogeo de la
cromolitografía, que dominó la impresión a color.

Louis Prang,​ fue gran influyente a nivel internacional. Prang llegó a estados unidos en 1850
y se estableció en Boston. creó una empresa de cromolitografia con Julius Mayer en 1856.
convirtiéndose en L.prang and company en 1860 (dominio total de la empresa.).
La narrativa popular y la pintura romántica de la época victoriana estaban muy relacionadas
con la ilustración gráfica de los cromolitografías, como Prang.
Este último produjo literalmente millones de tarjetas llamadas “cromos”, Principales
pasatiempos victorianos. Flores silvestres, mariposas, niños, animales y aves de Prang
como máxima expresión de la afición de la época al sentimentalismo, la nostalgia y los
valores tradicionales.
“jl padre de la tarjeta de Navidad estadounidense” nombrado asi como pionero en el diseño
gráfico para fiestas. Década de 1880 L.Prang and Company produjo todos los años tarjetas
de Pascua, cumpleaños, San valentín y Año Nuevo. Se consiguió la calidad excepcional
cuando , se prefirió construir y realzar la imagen usando numerosas planchas de colores
sutiles. Los cromos evolucionaron hasta convertirse en tarjetas publicitaria en la década de
1870.
En las tarjetas comerciales altamente vendidas, los comerciantes o fabricantes podían
imprimir un mensaje publicitario al dorso o en un espacio en blanco en el anverso. Prang
dedicó mucha energía a desarrollar y publicar manuales de aprendizaje artístico para niños
o jóvenes estudiantes de bellas artes.

El lenguaje de diseño de la litografía.

Desde Boston, la cromolitografía no tardó en difundirse a otras grandes ciudades y para

1890 había más de ocho mil personas trabajando en setecientos talleres de impresión
litográfica.
A falta de tradiciones y sin las restricciones de la tipografía, los diseñadores podrían
inventar cualquier forma de letra que se les antojara y explotar una paleta ilimitada de
colores intensos y brillantes nunca antes disponibles para las comunicaciones impresas.-
La vitalidad de esta revolución gráfica surgió de los artistas talentosos que crearon los
diseños originales, y de los artesanos hábiles que copiaban la ilustración original en las
piedras. Las tintas coloreadas que se aplicaban a aquellas piedras encajaban en un
perfecto registro y recreaban cientos o hasta miles de copias espléndidas del original. el
merito de las cromolitografías se atribuía a la compañia litografica, se perdió el nombre de
muchos diseñadores.
Integración de la ilustración con los patrones decorativos, el patrón geométrico, fascinaban
a los artistas gráficos del siglo xix.
Complejos ornamentos y cintas tridimensionales como parte de la composición para unificar
el diseño, nueva libertad de rotulación: las líneas de texto se vuelve elásticas, corman arcos
o ángulos y llegan incluso a superponerse en las imágenes.
Las atracciones, como los circos y las ferias ambulantes así como los productores de
espectaculos de entretenimiento ordenaban carteles y ilustraciones para su publicidad. La
pasión por la alegoría y la personificación se volvieron importantes en el diseño litográfico
de la época.
Complejos diseños de montaje para promocionar espectáculos itinerantes obras literarias y
representaciones teatrales. Anuncios que estaban diseñados para ser vistos durante largos
tiempos, debido al ritmo más pausado de la vida del sxix y la falta relativa de otras fuentes
de información visual. Las etiquetas y los envases se convirtieron en ámbitos importantes
para la cromolitografía. Comenzaron los procesos de impresión por transferencia a
mediados del siglo. En 1875 se concedió al inglés Robert Barclay una patente para hacer
impresiones litográficas en offset sobre hojalata. Los envases de hojalata impresos para
alimentos y productos relacionados con el tabaco fueron muy usados en toda Europa y
América del Norte a finales del sxix y principios del xx.
A Finales del siglo, debido al cambio en los gustos del público y la evolución del
fotograbado, se estaba dejando obsoleto el uso de la cromolitografía, cuando prango
fusionó su empresa con la Clark Taber & Company, una imprenta especializada en la
reproducción de ilustraciones mediante el proceso nuevo de la fotografía.

La batalla de las carteleras.

A mediados del s xix, los carteles y los pliegos impresos con tipografía tuvieron que hacer
frente al desafío de un cartel más visual y gráfico, gracias a la litografía que dio un enfoque
más ilustrativo de la comunicación pública. Los impresores tipográficos hicieron esfuerzos
heroicos e ingeniosos para extender su medio nuevamente, se imprimieron grandes
xilografías por partes, que se montaban al colgarse
A partir de los 60 , el neoyorquino James Reilly diseño métodos ingeniosos para aumentar
el impacto gráfico del cartel tipográfico.. En Francia, los talleres de carteles tipográficos y los
litográficos colaboraron en la medida en que se pegaban ilustraciones litográfica color sobre
grandes carteles litografiados.

Imagenes infantiles

Antes de la época victoriana, en los países occidentales se solía tratar a los niños como
adultos jóvenes. La época Victoriana desarrollo una actitud más afectuosa. Varios ilustrados
ingleses produjeron libros bien diseñados e ilustrados, que usaban el color con mesura e
impusieron una visión del diseño gráfico para niños que sigue en vigor en la actualidad,
Walter Crane fue uno de los primeros y más influyentes diseñadores de libros ilustrados
para niños. Una larga serie de sus libros ilustrados rompió con las tradiciones del material
impreso para niños. Hasta entonces, el diseño gráfico infantil insistió en una finalidad
didáctica o moral. mientras que Crane solo pretende entretener, en vez de sermonear a los
niños. Fue altamente influido por las xilografías japonesas y las introdujo en el arte
occidental. Inspirado en en color plano y los contornos fluidos.
Crane, desempeñó un papel importante en el movimiento de Artes y Oficios, y tuvo una
influencia importante en la formación artística y de diseño. -
Caldecort, comenzó a exagerar el movimiento y las expresiones faciales tanto de las
personas como de los animales para llenar de vida su trabajo.Desarrolló un dibujo
humoristico que se convirtió en un prototipo para los libros infantiles y mas adelante, para
los dibujos animados.
Greenaway , poetisa e ilustradora, creó un pequeño mundo de felicidad infantil con siluetas
de imágenes y colores suaves. Creó páginas de gran encanto mientras que el uso del
espacio en blanco y el equilibrio asimétrico rompió con la tendencia victoriana al
abigarramiento. Mucha influencia en el diseño de moda infantil. para Greenaway, la infancia
se convirtió en un mundo de fantasía idealizado y la afición victoriana al sentimiento y la
idealización la convirtieron en una artista gráfica de fama internacional, cuyos libros se
siguen imprimiendo.

El surgimiento del diseño editorial y publicitario estadounidense.

A Mediados de siglo, Harper and brothers había llegado a ser la mayor imprenta y editorial
del mundo. Fletcher Harper (director de H & B) dio forma a la comunicación gráfica en
estados unidos durante medio siglo.
A raíz de la rápida expansión del público lector y de las economías resultantes de las
nuevas tecnologías, los editores se concentraban en las grandes tiradas y los precios bajos.
Durante la década de 1840, Harper And Brothers emprendió un proyecto monumental que
llegó a ser el mejor logro del diseño gráfico y la producción de libros de la joven nación
hasta la fecha.
Joseph A.Adams inventó un proceso de galvanotipia, que consistía en presionar el grabado
en madera sobre cera para hacer un molde, que a continuación se espolvorea con grafito
para volverlo electroconductivo.
La empresa inauguró la era de la revista gráfica en 1850, cuando se comenzó a publicar la
Harper's New Monthly Magazine. Posteriormente se sumó la revista semanal, Harper's
Weekly, a la que le siguieron Harper's young people. Harper's Bazaar tras un periodo de 30
años de éxito empresarial.
Thomas Nast comenzó su carrera como ilustrador en plantilla para Leslie's weekly cuando
tenía solo quince años. Harper lo contrató cuando tenía veintidós para hacer dibujos de los
campos de batalla durante la guerra de secesión. Lincoln lo llamó “ el mejor sargento de
reclutamiento” y el general U.S.Grant declaró que Nast había hecho tanto como cualquiera
para poner fin al conflicto.
Después de la guerra, Nast siguió trabajando para Harper's Weekly, sus profundas
inquietudes sociales y políticas lo impulsaron a dejar de lado los detalles y a introducir
símbolos y etiquetas para mejorar la eficacia comunicativa de su obra. Considerado por
muchos como el padre de las caricaturas políticas estadounidenses, los símbolos que Nast
popularizó incluyen imágenes como la de Santa Claus, John Bull ( símbolo de Inglaterra), el
elefante republicano, el Tío Sam y Columbia ( mujer simbólica que representa la democracia
y se convirtió en el prototipo para la Estatua de la Libertad).
Nast se dedicó a combatir la corrupción gubernamental que controlaba la política
neoyorquina desde los medios. Teed, dirigente político corrupto decía que los votantes no
sabían leer, pero “seguro veían los malditos dibujos”. El impacto de Nast en los medios
comunicativos políticos fue un éxito rotundo.
Nast declaró “ la política siempre ahoga a las personas” Roosevelt lo nombró cónsul
general en Ecuador como reconocimiento de la eficacia de los dibujos de Nast para el
Partido Republicano.
Charles Parsons fue nombrado director artístico de Harper and Brothers en 1863. Parsons
tenía muy buen ojo para los jóvenes talentos y contrató grandes ilustradores como Charles
Dana Gibson, cuyas imagenes de mujeres jóvenes y hombres de mandíbula cuadrada
impusieron un canon de belleza física en los medios de comunicación que duró décadas.
Otro gran ilustrador contratado para la H & B fue Howard Pyle, cuyo trabajo y
extraordinarias dotes de profesor lo convirtieron en un factor importante que impulsó un
periodo llamado “ La época dorada de la ilustración estadounidense”. Periodo de la historia
de la comunicación visual en EEUU entre las décadas de 1890 y 1940. Durante este
periodo el trabajo de los ilustradores eclipsaba los formatos tipográficos, que pasaron a ser
más bien rutinarios.
El impacto de la fotografía como La nueva herramienta de la comunicación, sobre la
ilustración gráfica se puede seguir en la carrera de Pyle, viendo cómo evolucionó con las
nuevas tecnologías de reproducción. El nuevo proceso fotomecánico de semitonos posibilitó
la conversión de blancos, negros y grises de la pintura al óleo y gouache de Pyle en
minúsculos puntos que el ojo humano funda para producir la ilusión de un tono continuo.
Grabadores e ilustradores tuvieron que decidir si cambiaban de la ilustración con pluma y
tinta a la tonal y pintada o se enfrentarían a un mercado decreciente en su trabajo. 1893,
Pyle hizo su primera ilustración con dos colores, la imagen se imprimió a partir de dos
fotograbados de semitonos.
De Vinne Desarrollo la Tipografía llamada Century, que se sigue usando mucho en la
actualidad. Por su gran altura de la C y sus caracteres ligeramente expandidos, se ha vuelto
muy popular para la lectura infantil El aumento del alfabetismo, la caída en picado de los
costes de producción y el incremento de los ingresos por publicidad llevaron la cantidad de
periódicos y revistas publicados en Estados Unidos de 800 a 5000 entre 1830 y 1860.
Durante la década del 70, las revistas se usaron ampliamente para la publicidad en general.
Estrechamente relacionado con el aumento de las revistas estuvo el desarrollo de las
agencias de publicidad. 1841, Volney Palmer de Filadelfia, inauguró la primer agencia de
publicidad; y para finales del siglo, había avanzado mucho y estaba preparado para ofrecer
una gama completa de servicios: redacción publicitaria, dirección artística, producción y
selección de medios.
Buena parte de las convenciones sobre la venta persuasiva se desarrollaron durante las
últimas décadas del S Xix. En una ilustración los grabadores ya solían adoptar la práctica
habitual de la cromolitografía: superponer las letras sobre la imagen gráfica.
1877, la prictorial printing company de chicago, lanzó un nuevo formato gráfico “periódicos
de historias”, tenían portadas de acción que representaban relatos de la guerra de secesión
y la frontera del Oeste. En los últimos los ilustradores comenzaron a crear imágenes que
producen mucho impacto visual en lo anaqueles de las tiendas de periódicos

La tipografía victoriana.

A medida que iban avanzando la época victoriana, el gusto por la ornamentación recargada
llegó a tener mucha influencia en el diseño de tipografías y letras, Las topografías
complejas de principios del Sxix se basaban en formas de letras con una estructura
tradicional. En la segunda mitad del siglo gracias a los avances de la tecnología industrial,
las fundiciones de tipos metálicos pudieron impulsar fuertemente la ornamentación, hasta
llegar a grados extremos. La cromolitografía, con sus letras desinhibidas, fue una de las
principales fuentes de inspiración para las fundiciones y los impresores tipográficos.
MacKellar, Smiths & Jordan desempeñó un papel fundamental para el diseño y la
producción de tipografías decorativas victorianas. Las tipografías estrafalarias y fantásticas
gozaban de gran popularidad y muchas marcas comerciales de la época reflejan la afición
victoriana por la complejidad ornamental.
El diseño gráfico popular de la época victoriana no surgió de una filosofía del diseño ni de
convicciones artísticas, sino de las actitudes y las sensibilidades primordiales de aquella
época.
Muchas convenciones de diseño victorianas aún se podían encontrar durante las primeras
décadas del xx, sobre todo en la promoción comercial.

Unidad 4
El fin del siglo XIX /​ Movimiento Arts and Crafts / Kelmscott press / Imprentas Privadas / Art Nouveau / consumo de masas /
El cartel moderno y la publicidad / cultura masiva, periódicos y semanarios populares/

El movimiento de Artes y Oficios y su herencia

A medida que el siglo xix transcurría, la calidad del diseño y producción de libros fue victima
de la revolucion industrial. La masiva producción y los tiempos acelerados hicieron que los
diseños se simplificarán y perdieran su creatividad, quedando en manos de ingenieros con
escasa preocupación estética (chakales).
Excepciones notables, como el inglés ​William Pickering​. Su pasión por el diseño lo llevó a
encargar nuevos ornamentos, iniciales e ilustraciones en bloque de madera y mantuvo el
control sobre el diseño de formato, selección de tipos y los demás aspectos visuales.
Revivió las tipos Carlson por su excelente legibilidad y rescató las formas góticas dándoles
un renacer que impregnó el siglo xix. Sus innovaciones en el diseño geométrico meticuloso,
el color y dinamismo de las estructuras anticipan el arte abstracto geométrico del siglo xx.

Renovación: El libro pasó a ser tratado como un objeto artístico de edición limitada y a
continuación eso volvió a influir en su producción comercial, eso se debió en gran medida al
movimiento Art and crafts, desarrollado más que nada en inglaterra las últimas décadas del
siglo XX.
Fue una reacción a la confusión social, moral y artística de la revolución industrial. Se
abogaba por el diseño y la vuelta a la artesanía, y se despreciaban los artículos baratos y
horribles de la época victoriana fabricados en serie.
Aparece​ Ruskin​ con ideas revolucionarias: Rechazo a la economía mercantilista, unión del
arte y trabajo al servicio de la sociedad. Recuperar los valores!
William Morris, figura esencial.​ Era cheto y se dedicó a muchas cosas antes de entrarle al
diseño (Clérigo, arquitectura, pintura). En 1861 crea una empresa de arte y decoración
“Morris, marshall, Faulkner and Company”. Fabricantes de muebles, tejidos, vidrieras
coloridas, baldosas. Morris diseñó más de 500 tejidos para papeles pintados, alfombras y
tapices. Preocupado por los problemas de la industrialización sostenía que había que reunir
el arte con la artesanía, que combinarlos podría crear objetos hermosos, desde edificios
hasta ropa de cama.
Revitalizar el entorno creado por el hombre, que había decaído hasta convertirse en
ciudades industriales con viviendas sucias y lleno de productos destartalados.
Estos movimientos entre 1880 y 1890 impulsaron una serie de sociedades gremiales
democráticas unidas por el bien común.(Morris, “Sociedad para la protección de edificios
antiguos”, “Sociedad para frenar los abusos de la publicidad pública”)
El gremio del Siglo: ​Todas las ramas del arte dejarán de pertenecer a la esfera del
comerciante para ser del artista.
La gente se reunía y comparte. Las actividades del gremio se ampliaron en 1884 cuando un
grupo formó la Combined Arts Society, y nombró a Walter Crane presidente, quien se
planteó patrocinar exposiciones. En ellas fluya el conocimiento y participaron genios de la
época como William Morris sobre tejidos, Crane sobre diseño y Emery Walker sobre diseño
e impresión de libros.
Mackmurdo​: primeras apariciones del art nouveau, incorporando al diseño influencias
japonesas. Muestran formas naturales como remolinos, florales entretejidos.
Precursor a favor de las imprentas privadas, un movimiento de diseño e impresiòn que
abogaba por el interés estético en el diseño y la producción de libros hermosos. Pretendía
recuperar los niveles de diseño, los materiales de alta calidad y el cuidadoso trabajo
artesanal de la impresión que existían antes de la revolución industrial.
Selwyn:​ (hippie) sostenía que todas las formas de expresión visual merecen la categoría de
arte. Que un inventor anónimo tallador de baldosas tiene tanto derecho a considerarse
artista como el pintor Rafael.
La kelmscott Press: ​Morris decidió dedicarse al diseño tipográfico y la impresión, y fundó
su empresa en una casa de campo con una prensa vieja manual. Esta se comprometía a
recuperar la belleza de los incunables. La meticulosa impresión manual, el papel hecho a
mano, los bloques de madera tallados a mano y las iniciales y marcos ornamentales
convirtieron aquella pintoresca casa en una máquina del tiempo. el libro se convirtió en una
forma de arte. Morris diseño 644 bloques de prensa entre los que figuran iniciales, bordes,
marcos ornamentales y portadas.
La paradoja es que al buscar refugio en la artesanía del pasado, dearrollo actitudes de
diseño que determinaron el futuro. Las siguientes generaciones adoptar sus actitudes para
unificar no el arte y la artesanía, sino el arte y la industria.
La fácil lectura sumada a un diseño elegante y complejo desencadenó una influencia para la
posterioridad.
En general hubo una fuerte Pasión por renacer el estilo gótico.

El movimiento de las imprentas Privadas

Charles R. Ashbee (1863-1942), Funda el Gremio de artesanos y más tarde una Escuela
de Artesanía, que no permaneció abierta muchos años pero donde se intentó restaurar la
experiencia holística el periodo de aprendizaje que había desaparecido con la subdivisión
del trabajo y producción mecánica.
De esta manera, y con la muerte de Morris y venta de la kelmscott Press, se desarrollaron
imprentas privadas con varios tipógrafos, xilógrafos, encuadernadores y diseñadores muy
profesionales que elaboraron obras sumamente complejas e innovadoras.

Renacimiento del diseño de libros.

A efecto largo plazo, las influencias de Morris la pegaron en todo el mundo. En alemania
inspiró a la aparición de muchas tipografías nuevas maravillosas y una mejora significativa
del diseño de libros.
Se revivieron las artes de la impresión mediante la vuelta a lo tradicional. Composiciones
simétricas, equilibrios tranquilos, cuidadas proporciones, márgenes y espaciados
adecuados y una impresión tipográfica excelente.Continuaron los estudios matemáticos y
técnicos de la escritura, perfeccionando y dando relevancia a su legibilidad y estética.
En Estados unidos, con fascinación por el trabajo de la Kelmscott, el diseño avanzó en
manos de Bruce Rogers y ​Frederic W Goudy. ​Interesado en un plano superior al mero
comercialismo, vendió su primera tipo “Camelot” por 10 dólares. Diseño 122 tipografías,
muchas de ellas contienen variables. Publicó libros sobre el alfabeto, la rotulación y la
construcción de tipos, que logró conectar a los impresores corrientes con william morris y
sus ideales.
Morris, el movimiento Art and Crafts y las imprentas privadas inspiraron una vigorosa
revitalización de la tipografìa. La pasión por las tipos victorianas comenzó a decaer en la
década de 1890, cuando resurgieron otros diseños de tipografías clásicas como Garamond,
Platin, Caslon, Baskerville y Bodoni, que fueron estudiados, vueltos a difundir y ofrecidos
para componer a mano y con teclado durante las primeras décadas del siglo xx
El Legado del Movimiento Artes y Oficios​ va más allá de lo meramente visual. Sus
actitudes respecto con los materiales, la función y el valor social llegaron a ser una fuente
de inspiración importante para los diseñadores del siglo XX.

El art Nouveau

El incremento del comercio y las comunicaciones entre los países asiáticos y los europeos
durante el final del siglo XIX provocó un choque cultural, en el que ambas culturas
experimentaron cambios como consecuencia de su influencia mutua (Fecundación cruzada)
La influencia: ​El arte asiático brindó a los artistas y diseñadores europeos y
norteamericanos, una nueva perspectiva con respecto al espacio, el color, las convenciones
del dibujo y los temas, totalmente diferentes de las tradiciones occidentales. Esto revitalizò
el diseño gráfico en la última década del siglo XIX.
Ukiyo - e​, o “pinturas del mundo flotante”, fue el movimiento japonés más influyente, en un
periodo que corresponde a la última fase de la historia japonesa tradicional (1603 - 1867),
un periodo de expansión económica, estabilidad interna y fortalecimiento de las artes
culturales. Escenas de los barrios de entretenimiento de las ciudades, escenas de actores
de teatro japonés, cortesanas y prostitutas. Libros ilustrados en xilografía, trabajados
minuciosamente en conjunto entre el editor, el ilustrador, el grabador y el impresor. Los
grabados eran completisimos y había una placa de madera distinta para cada color. Los
dibujos se pegaban en las placas y se tallaban con lo cual se perdía el original.
La estampa japonesa se destaca Suzuki Harunobu (1725-1770), con temáticas relacionadas
a la naturaleza y la expresión humana: imagenes de Mujeres de gran delicadeza y
hermosura, enfocadas en el gesto de la línea del dibujo y su expresión. Los japoneses
realizaron estudios de la naturaleza tanto de los paisajes con vistas de ríos, montañas,
cascadas y puentes, como estudios del natural de flores aves crustáceos y peces.
Los artistas del libro japoneses, desarrollaron un sentido exquisito del ritmo cinético del
libro, usando la escala, la densidad, la textura y la acción dramática para lograr una
secuencia dinámica.
Hokusai -​ · “el anciano loco por la pintura” estaba re salado, tremendos estudios de la
naturaleza, muy expresivos y sensibles. Ej. la serie Treinta y Siete vistas del monte Fuji
La majestuosidad de los dibujos evocan en forma simbólica a la energía vital que se
encuentra en el mar, los vientos, las nubes.
En 1853, Se dejaron de lado las políticas aislacionistas tradicionales, japón comenzó a
comerciar libremente con europa, y fue ahí donde se picó todo.

El Art nouveau, fue un estilo decorativo internacional que prosperó aproximadamente

durante las 2 décadas (1891 - 1910) en torno al cambio de siglo. Abarcaba todas las artes
del diseño (arquitectura, muebles, productos, moda, diseño, pintura) y por consiguiente
incluía carteles, envases, anuncios, muebles, marcos, fábricas, entradas de metro,
viviendas.
El término surge del nombre de una galeria de Paris, ​Salón de l´art nouveau,​ que inauguró
en 1895 con exposiciones de artistas y diseñadores de todo el mundo donde se presentaba
(además de arte japonés), el “arte nuevo”
La característica visual que identifica el Art Nouveau es una línea vegetal natural. Aves,
flores y la forma humana femenina eran motivos frecuentes a los cuales se adapta la línea
fluida.
Transición: ​Sirvió de puente entre el abigarramiento victoriano y el modernismo. Los
victorianos buscaban soluciones a través de métodos históricos establecidos, en cambio,
los modernistas adoptaron un nuevo estilo ornamental internacional, que a menudo se
distingue por sus líneas sueltas y graciosas. Como las formas y las líneas solían ser
inventadas, en lugar de copias de la naturaleza o del pasado, se produjo una revitalización
del proceso de diseño que apuntaba hacia el arte abstracto.
Se instaló una colaboración estrecha entre escritores y artistas visuales. El simbolismo
literario, condujo a los artistas a actitudes simbólicas y filosóficas. El arte se consideraba un
vehículo potencial para un rejuvenecimiento espiritual que parecía necesario, en un
contexto donde el racionalismo científico y el escepticismo estaban en alza.
Para algunos observadores, el Art Nouveau fue una manifestación de decadencia, para
otros es notoria la busqueda de valores espirituales y esteticos, reaccion a la regresion
materialista de aquella epoca.
Los artistas de la época, por su formación en bellas artes, conocían las y las formas de los
métodos artísticos desarrollados fundamentalmente por cuestiones esteticas y al mismo
tiempo, acogieron con entusiasmo las técnicas desarrolladas en los proceso de impresión,
con lo cual pudieron mejorar considerablemente la calidad visual de las comunicaciones de
masas.
El Art nouveau mezcla referencias variadas como William Blake, la ornamentación celta, el
estilo rococó, Art and crafts, el diseño decorativo japonés, los remolinos de vincent van gogh
y el color plano de Paul Gauguin.
1881, nueva ley en paris de libertad de prensa elimina restricciones y las calles se llenaban
de carteles. Se convirtieron en galerías de arte nacionales y los pintores respetados no se
avergonzaban de crear carteles publicitarios. movimiento Arts and craft había generado un
respeto por las artes aplicadas.

Art nouveau Inglés

Cheret:​ se alejó de la complejidad victoriana, simplificar sus diseños y aumentó la escala de
sus figuras principales y su letras. Las influencias artísticas de cheret incluían la belleza
idealizada y estilo despreocupado pintados por Watteau y el color luminoso de Turner y el
movimiento sinuoso de Tiepolo, cuyas figuras expresaban magia y energía mediante torsos
retorcidos y extremidades extendidas En la década del 80 uso linea negra con los colores
primarios y consiguió vitalidad gráfica, y mediante una sobreimpresión ingeniosa, una gama
extensa de colores y de efectos. Las mujeres que pintaba pasaron a ser un modelo social, y
arquetipos de la mujer idealizada de la época. Las Cheretts, eran mujeres felices y seguras
de sí mismas. Disfrutaban la vida al máximo y llevaban vestidos escotados, bailaban ,
bebían vino y hasta fumaban en público ( :O )
Grasset:​ fue mucho más tradicional. Estudioso del arte medieval y aficionado al estilo
oriental exótico, logro impresiones a todo color con ideas de diseño innovadoras que
integran la ilustración a los textos en una unidad de diseño nueva, de modo que la tipografía
imprima sobre los cielos de la ilustración.
Beardsley​, murió a los 26 pero fue muy reconocido en sus años de vida. Su sintetización
del dibujo lo llevó a composiciones basadas en una forma negra predominante muy
llamativas. Mezcló el espíritu medieval de Morris, con un estrafalario espíritu pseudo
japonés grotesco. El estilo fue muy llamativo y terminó siendo tapa de la revista The Yellow
Black durante años, convirtiéndose así en símbolo de lo nuevo y lo escandaloso.

Art Nouveau Frances

Los cabarets y burdeles invaden francia del 1880 en lo que se llamó la ​Belle époque.
Muchos artistas se reunían en Le Chat Noir, donde se compartía el entusiasmo de las
impresiones a color. Lugar de reuniones de Grasset, Steinlen, George Aureol y Henri de
Toulouse-Lautrec. ​Este último,captó la vida nocturna desarrollando un estilo ilustrativo y
periodístico de la urbe francesa. Sus encargos se negociaban en las mesas de los bares, y
muchas veces dibujaba de memoria, sin bocetos.
Steinlen​, llegó a parís con 22 años y un gran amor por los gatos le dieron sus primeros
encargos de afiches para Le chat Noir. su radicalismo político y social lo llevaron a retratar t
representar la pobreza y la explotación de la clase trabajadora.
El sueco ​Alphonse Mucha​ (1860-1939) viajó a París con 27 años y tras años de estudio de
dibujo y al desarrollar gran habilidad comenzó a ser aceptado como ilustrador de confianza.
Por su complejidad y sus colores apagados, vista de lejos no causaba el impacto de la obra
de Cheret, pero al acercarse, los parisienses quedaron asombrados. Las curvas leves
imaginativas el rococó francés del siglo XVIII fueron un recurso especial en Francia. Mucha
fue la manifestación integral del art nouveau entre 1895 y 1900. Su tema dominante era una
figura femenina central rodeada de formas estilizadas derivadas de plantas y flores, el arte
popular moravo, los mosaicos bizantinos y hasta la magia y el ocultismo.
Las mujeres de mucha proyectan sensación arquetípica de irrealidad, son exóticas y
sensuales y no manifiestan ninguna edad, nacionalidad, ni periodo histórico en concreto.
Sus peinados estilizado fueron muy distintivos de la época. En 1909 volvió a
Checoslovaquia, luego de su independencia, a concentrarse en una serie de 20 grandes
murales, en representación a la historia del pueblo (idolo mundial).

El Art Nouveau en Estados Unidos

La revista Harper en 1892, encargaba a Grasset, diseños que fueron literalmente

importados ya que los trasladaban impresos desde París a Nueva York.
Louis Rheed​ (inglés), emigró a estados unidos en 1883 y adoptó el estilo de Grasset.
Conservo los aspectos formales del dibujo, pero prefirió combinaciones de colores más
vivas e inesperadas que las de el Francés.
Will Bradley​, se influenció por los ingleses. Utilizó de manera innovadora la fotomecánica
para producir imágenes repetidas y superpuestas. Encaró con inventiva el diseño abierto a
las normas establecidas. Convirtió a la tipografía en un elemento que había que encajar en
una columna estrecha o espaciar para que las líneas de muchas o pocas letras coincidieran
en una caja rectangular. Bradley diseño tipografías y ornamentos, llegó a ser asesor de
American Types Founders, hizo aportes importantes a la evolución del diseño editorial del
siglo XX.
Edward Peinfield​, incorpora por primera vez la cuestiones publicitarias. Ilustrando para
Harpers, personas comprando la revista. Eliminó el fondo para concentrar al espectador en
la figura y las letras.

Innovación en Bélgica y Países Bajos

La obra de pintores como Paul Gauguin y Van gogh alrededor de 1890, demuestra que los
artistas de los países bajos estaban a la vanguardia en el movimiento hacia el arte nuevo.
Van del Velde, ​escribió un ensayo importante en el que reclamaba un arte nuevo que fuera
contemporáneo en concepto y forma, pero que se poseyera la vitalidad y la integridad ética
de las grandes artes decorativas aplicadas al pasado. Su obra evolucionó a partir de formas
inspiradas por símbolos y por motivos vegetales hacia patrones lineales rítmicos. Se
convirtió en precursor de la pintura del siglo XX y predecesor de Kandinsky y la expresión
abstracta. Van de Velde atrae al espectador con formas simbólicas y colores. Para el el
ornamento no era un elemento decorativo, sino un medio de expresión que podía alcanzar
la categoría de arte.
A partir de 1895 la matemática empezó a considerarse una fuente creativa en sí misma, en
la que desempeñan un papel tanto la simetría como el racionalismo. Influencias indonesias,
y el interés por las formas naturales y matemáticas dieron lugar al desarrollo de libros de
instrucciones gráficas para construir formas abstractas basadas en la naturaleza. Teosofía -
Geometría principio ordenador del cosmos, fue popular en los países bajos en aquel periodo
También desarrollaron el Art Nouveau en el batik, que los acompañaba en sus tradiciones
neerlandesas tradicionales.

Jugenstil Alemán (juvenil)

Los alemanes tuvieron influencias francesas y británicas, aunque conservaron vínculos

sólidos con el arte académico tradicional, mantuvieron las góticas. diseñaron tipos nuevas
modernas adaptadas a partir de una fusión gótico/romana.
Su tendencia fue alejada de la fase floral para adoptar un enfoque geométrico y objetivo,
con lo cual cambiaron la línea y la forma naturales en espiral por un ordenamiento
geométrico del espacio.
La génesis del siglo xx

Cuando acaba un ciclo y empieza otro, los escritores y los artistas comienzan a
cuestionarse el saber convencional y a especular sobre nuevas posibilidades de cambiar las
circunstancias de la cultura.
Cuando finalizó el siglo xix y comenzó el xx, en diversas disciplinas en torno al arte, los
diseñadores buscaron formas nuevas de expresión y los avances tecnológicos e industriales
alimentaron estas inquietudes.
A partir del Art Nouveau se podían inventar formas nuevas, en lugar de copiarlas de la
naturaleza o de modelos históricos.
Algunos diseñadores partieron una búsqueda de una nueva filosofía estética que encarará
las cambiantes sociales, económicas y culturales de cambio del siglo, investigando el
potencial del dibujo y el diseño abstractos y reduccionistas.

Frank Lloyd Wright y la Escuela de Glasgow

El arquitecto Frank Lloyd Wright fue gran fuente de inspiración para los diseñadores que
evolucionaron del curvilíneo Art Nouveau hacia un enfoque rectilíneo de la organización
espacial. Wright rechaza el historicismo al optar por una filosofía de “arquitectura orgánica”.
Dirigio su enfoque en los espacios interiores dinamicos en los que las personas vivian y
trabajaban ? jaj Según Wright “algo en lo que la parte es al todo lo que el todo es a la parte
y que está totalmente dedicado a una única finalidad. idea fiel al método, fiel al propósito,
fiel al carácter”. El espacio era la esencia del diseño.
Se inspiró por la arquitectura y el diseño japoneses encontrando modelos de proporción
armoniosa y poesía visual. mientras que en la arquitectura y el arte precolombinos encontró
el ornamento vivaz contenido por la repetición matemática de divisiones espaciales
horizontales y verticales. La repetición de zonas rectangulares y el uso de una organización
espacial asimétrica fueron de gran influencia, y al comenzar el siglo, Wright se encontraba a
la vanguardia del movimiento moderno emergente.
En la escuela de Arte de Glasgow a principios de la década de 1890, Mackintosh McNair,
Margaret y Frances Macdonald, más conocidos como “la escuela de Glasgow “ ó
simplemente “los (fucking) cuatro”, grupo de jóvenes destacados unidos por la colaboracion
artistica y la amistad (que acabaron en matrimonios, McNair con Frances y Mackintosh con
Margaret) la estaban rompiendo básicamente.
Desarrollaron un estilo único de originalidad lírica y complejidad simbólica. Innovaron en un
estilo geométrico de composición, suavizando elementos florales y curvilíneos con una
sólida estructura rectilínea.
Los diseños de Los Cuatro se caracterizan por sus imágenes simbólicas y su forma
estilizada, líneas enérgicas y sencillas definen planos de color homogéneo.
The Studio rescató en dos artículos la pertinencia y particularidad del estilo nuevo de Los
Cuatro y gracias a estos artículos los artistas alemanes y austriacos se enterando que se
estaba produciendo en Glasgow un movimiento de oposición a la línea principal del Art
Nouveau. Alcanzaron notoriedad en el continente rápidamente. El principal tema de diseño
de Mackintosh son las líneas verticales ascendentes, a menudo son curvas suaves en los
extremos para atenuar el encuentro con las horizontales. Formas altas y delgadas y el
contrapunto de los ángulos rectos frente a ovalos, circulos y arcos.

Marion “The fuckin” King se inspiro en Los Cuatro. Su gracia, su fluidez y su romanticismo
tuvieron mucha influencia en la ilustración de ficción durante todo el s xx.
Llegó a ser director artístico de la editorial Blackie´s en Glasgow, Rápidamente se puso en
contacto con Los Cuatro y adoptó sus ideas, aplicando la división espacial geométrica y las
formas orgánicas líricas del grupo de Glasgow a las comunicaciones de masas. Contribuyó
de forma decisiva al presentar al público inglés las nuevas ideas y formas visuales de la
arquitectura y el diseño modernos.

La Secesión vienesa. (Sessionstil)

En Austria, La secesión vienesa, nació en 1897, cuando los miembros más jóvenes de la
Asociación Vienesa de Artistas Creativos presentaron su renuncia en señal de protesta. La
esencia del conflicto era el choque entre la tradición y las nuevas ideas procedentes de
Francia, Inglaterra y Alemania, además de que los artistas jóvenes querían exponer con
mayor frecuencia. Los arquitectos Olbrich, Josef Hoffmann y el ilustrador y diseñador
Koloman Moser fueron miembros fundamentales.
Al igual que la Escuela de Glasgow, la Secesión vienesa se convirtió en un movimiento de
oposición al florido Art Nouveau que prosperaba en otras partes de Europa. Este grupo tuvo
una rápida evolución desde el estilo alegórico ilustrativo de la pintura simbolista, pasando
por un estilo floral de inspiración francesa, hasta la forma madura de la Secesión, que se
inspiró en la Escuela de Glasgow. Varios ejemplos de diseños demuestran los rápido que se
asimilaron las figuras centrales idealizadas y las formas florales del Art Nouveau francés.
Una diferencia importante es el aprecio de la secesión por las letras limpias y sencillas de
palo seco, que van desde los bloques planos hasta las formas caligráficas fluidas.
Durante un periodo breve, al comienzo del sxx, Viena fue el centro de la innovación creativa
en el postrer florecimiento del Art Nouveau, y de 1898 a 1903 “Primavera sagrada” de la
secesión vienesa, era más que una revista, era un laboratorio del diseño.
Los artistas de la Secesión preferían el arte lineal enérgico y las tapas de la primavera a
menudo combinaban letras manuscritas con dibujos de línea vigorosos, impresos en color
sobre un fondo de color. Abundaban los elementos decorativos, los marcos ornamentales,
pero el formato general de la página era pulido y conciso, con márgenes amplios y
cuidadosa alineación horizontal y vertical de los elementos en un todo unificado.
Gracias al uso de Primavera del espacio en blanco en la composición de la página, de
material para imprimir liso y brillante y de métodos de producción poco habituales, alcanzó
una elegancia visual original. Los artistas de la Secesión no dudaban en experimentar.
Moser también desempeñó un papel destacado en la definición de un enfoque del diseño
gráfico.Moser llegó a grabar en relieve sobre un soporte blanco para imprimir liso y suave,
para conseguir el que posiblemente fue el primer diseño grafico grabado en blanco sobre
blanco, así como atino a combinar símbolos místicos con un espacio simplificado en dos
dimensiones, Pasando de su inspiración por la Escuela de Glasgow, llegó a la fascinación
por la geometría.
Cuando los artistas de la Secesión rechazaron el estilo floral francés, se volvieron hacia las
formas planas y una mayor sencillez. El diseño y la artesanía cumplieron papeles
importantes en la metamorfosis que culminó en un énfasis por los motivos geométricos y la
construcción de diseños modulares. Esa geometría no era mecánica ni rígida, sino arrítmica
en su composición y sutilmente natural.

Los Talleres de Viena.

Hoffman y Moser crearon los Talleres de Viena en 1903, esta continuación espiritual de los
talleres de Morris buscaba una unión estrecha de las bellas artes con las artes aplicadas
para el diseño de objetos de uso cotidiano. Formados en un principio para producir los
diseños de Moser y Hoffmann, los talleres de Viena prosperaron. Moser dejo los Talleres de
Viena y murió a la temprana edad de cincuenta años. A partir de 1910, Disminuyó en Viena
el impulso creativo y luego de haber sobrevivido al caos de la primera guerra mundial, los
Talleres de Viena cayeron en la época de la Depresión, cerrando finalmente en 1932.