Colegio Nuestra Señora del Rosario – Bogotá

Caminando en calidad hacia la excelencia

EDUCACION
MUSICAL GRADO 509 PROFESOR.LUIS EDUARDO CASTILLO
NOMBRE Laura Catalina Poveda Ladino

EJE TEMÁTICO: ENTONACIÓN

La actividad para este eje temático es muy sencilla. Repasar y aprenderse la canción que hemos venido trabajado en
clase y que debes afianzar en casa. Para lo anterior todos tomaremos como referencia la canción “celebra la vida” de
Axel.

El instrumento que actualmente estoy trabajando es la Flauta, he repasado en casa con ayuda de mis papas.

Links de apoyo: https://www.youtube.com/watch?v=g0KdT_4flOs flauta

EJE TEMÁTICO. APRECIACIÓN MUSICAL

TRABAJO PARA PRESENTAR

En un documento Word realizar un resumen de los dos videos. El tema central es la orquesta sinfónica.

Observar el siguiente video:

Historia de la Orquesta Sinfónica https://www.youtube.com/watch?v=IpbpPF-g5XQ

Los instrumentos de la orquesta sinfónica. Ejemplos de sonidos https://www.youtube.com/watch?

v=_DzYNdlb4pw
 La orquesta Sinfónica

Historia de la Orquesta Sinfónica

Desde que existen los instrumentos, los músicos han estado juntándolos en distintas combinaciones, pero no
fue hasta hace 400 años en que estos músicos empezaron a formarlos en combinaciones fijas que derivarían
en la actual orquesta moderna. Por aquel entonces los músicos tocaban los instrumentos que tenían a su
alcance. A partir de 1500, en la época conocida como renacimiento, la palabra consorte se empezó a usar para
designar un tipo de instrumentistas que hacían música juntos o en concierto, pero un problema que se
presentaba era que los primeros compositores del renacimiento no sabían decir para que instrumento
estaban escribiendo; y esto no cambio sino hasta alrededor del año 1600, en Italia, en donde el compositor
Claudio Monteberdi quiso cambiar las cosas, sabiendo exactamente que instrumento quería para acompañar
su opera Orfeo, estrenada en 1607, dispuso que deberían tocar: 15 violas de diferentes tamaños, dos violines,
4 flautas, 2 Oboes, 2 cornetes, 4 trompetas, 5 trombones, un arpa, 2 clavelinas y 3 órganos pequeños.

Se puede ver que el artista del renacimiento de Monteberdí, ya estaba empezando a parecerse a lo que
consideramos una orquesta, instrumentos organizados en secciones, muchas cuerdas de arco y mucha
variedad.

En el siglo siguiente, hasta alrededor de 1700, en el tiempo de Juan Sebastián Bach, las orquestas se
desarrollaban más. La familia de violines (violín, viola, violonchelo y contrabajo) reemplazaron a las violas, y
este nuevo tipo de sección de cuerdas se volvió aún más central.

La dirección musical en la orquesta Barroca recayó en los instrumentos de teclado con el clavetinista organista
como líder, otros compositores dirigían con un bastón que golpeaban contra el suelo para marcar el pulso,
como es el caso de Jean Bautiste Lully encargado de la música en la corte francesa que por cierto murió a
causa de una herida causada por clavarse el bastón en el pie. Lully contribuyó a dar forma a la fiesta con su
agrupación llamada los 24 violinistas del rey. La orquesta barroca quedo entonces constituida y organizada por
varias secciones, cuerda, con violín, viola, violonchelo y contrabajo, que desempañaban un papel fundamental
en la orquesta; bajo continuo con el clavel que junto a la cuerda eran la base del artista y tocaba acordes que
rellenaban la armonía, se situaba en medio de la agrupación para dirigirla, aunque prácticamente se limitaba a
dar entradas; viento madera, con Oboes y fagotes y posteriormente con flautas traveseras que sustituyeron
las de pico y que fueron robándole protagonismo al Obeo en los solos; viento metal, con trompetas guturales
y percusión.

En el siglo XX se dio un resurgimiento a estos instrumentos y de la música barroca en general, formándose

orquestas barrocas tan importantes como la de Sevilla o la de Fririburgo. En el siglo XVIII, época de Mozart y
Haydn, las cuerdas eran la sección más importante y los instrumentos de teclado se vieron relegados a un
segundo plano, además los compositores empezaron a escribir para el instrumento especifico que tenían en
mente, esto significaba conocer el lenguaje individual de cada instrumento y saber qué tipo de música sonaría
mejor y se tocaría más fácilmente en el instrumento. El clarinete se incorpora a la orquesta durante este
periodo, este instrumento era uno de los favoritos de Mozart, gracias a su tonalidad dulce, le otorgó muchos
solos en sus obras. Con Beethoven los solos para instrumentos de viento madera se vuelven cada vez más
virtuosísimos.

El primer violinista, dirigía la actuación del artista desde su silla, pero a veces un director lideraba la parte de
actuación con gestos, usando un pedazo de papel blanco enrollado y que era fácil de ver para los músicos,
esto evolucionó en la batuta que los directores usan hoy en día, a partir del siglo XIX y a medida que el artista
se hacía más grande, los directores y compositores como Félix Mendenson empezaron a colocarse en un podio
y dirigir desde el frente.

Más tarde durante el siglo XIX, el artista alcanzó el tamaño y las proporciones que conocemos hoy e incluso
superó este tamaño. Algunos artistas como Berlioz, se dedicaron a escribir para grandes orquestas. El diseño y
la construcción de los instrumentos mejoraron notablemente, haciendo que instrumentos como el Piccolo y la
tuba fueran incluidos en la orquesta. Muchos compositores como Berlioz, Verdi, Wagner, Mahler, Strauss, se
convirtieron en directores. Sus experimentos con la orquestación mostraron el camino hacia el siglo XX.

El siglo XX ha sido un siglo de libertad y experimentación con la orquesta, también ha sido una época con
directos superestrellas que cada vez tienen más responsabilidad y protagonismo.

Hasta el momento, la orquesta ha mantenido más o menos la misma forma, una gran sección de cuerdas,
secciones más pequeñas para instrumentos de viento madera, instrumentos de viento metal, percusión, arpa
y tiempo.

APRECIACIÓN DEL VIDEO

El video nos muestra cómo han evolucionado las orquestas sinfónicas, en donde primero los artistas hacían
diferentes combinaciones con los instrumentos que tenían a la mano. Luego se reunieron para hacer música
juntos o conciertos, llamados consortes. Más adelante se presentó un problema y era que los artistas no
sabían para que instrumento escribían, pero más adelante artistas como, Claudio Monteberdi, cambió las
cosas, sabiendo exactamente que instrumento quería para acompañar su opera Orfeo. En el siglo XVIII, época
de Mozart y Haydn, los compositores empezaron a escribir para el instrumento especifico que tenían en
mente, esto significaba conocer el lenguaje individual de cada instrumento y saber qué tipo de música sonaría
mejor y se tocaría más fácilmente en el instrumento.

También nos habla de la dirección musical, en donde primero recayó en los instrumentos de teclado con el
clavetinista organista como líder, otros compositores dirigían con un bastón que golpeaban contra el suelo
para marcar el pulso, más adelante el primer violinista, dirigía la actuación del artista desde su silla,
posteriormente esto evolucionó en la batuta que los directores usan hoy en día.

Hasta el momento, la orquesta ha mantenido más o menos la misma forma, una gran sección de cuerdas,
secciones más pequeñas para instrumentos de viento madera, instrumentos de viento metal, percusión, arpa
y tiempo.

Los instrumentos de la orquesta sinfónica. Ejemplos de sonidos

En este video se mostraron diferentes instrumentos musicales, en donde se podía tratar de identificar el
instrumento por medio del sonido que producía, que componen la orquesta. A continuación, se muestran los
instrumentos que se muestran en el video, con su respectiva imagen.
NOMBRE INSTRUMENTO IMAGEN DEL INSTRUMENTO

VIOLÍN

VIOLA

VIOLONCHELO

CONTRABAJO

ARPA

PIANO

FLAUTA TRAVESA

CLARINETE

OBOE
FAGOT

TROMPA

TROMPETA

TROMBÓN

TUBA

TIMBAL

MARIMBA

ÓRGANO