reedição

especial
ed#01

aNo 03 . reeDIção 01
ZUPI . r$ 14,00
 START

Jorge Galvão . www.flickr.com/jorgegalvao . Brasil

VISITE > www.zupi.com.br
> envie seus trabalhos
> submit your artworks
check: www.zupi.com.br/revista/colabore.php
FILL UP WITH IDEAS
(english)
Imagine a company focused on art and culture. The first step to
disseminate this concept was through the creation of an online Portal.
The second step, a bolder one, was creating a Design Conference
based on creativity: The Pixel Show. References, cultural interchange,
knowledge, nearness with the artists and that’s it! ... In the year of 2006,
Zupi’s audience was already formed, present at the events and adding
over 30 thousand visits each month to the Portal.
Imagine that Zupi’s boldness went further, by elaborating an
independent magazine about experimental art and design. After 10
issues, the magazine has selected over 400 artists, 40 interviewed,
thousands and thousands of letters and colors. Add to it hundreds of
requests, phone calls and mails from an audience fanatic about one
very simple thing: the Zupi #1 historical reedition.
After this many bold acts, Zupi thanks the people who touch this
pages, take the Pixel Show seats and paint our walls. It seems like our
prayers (and yours) were answered!
ABASTEZCA CON IDEAS
(español)
Imagine una empresa focada en el arte y cultura. El primer paso
para diseminar el concepto fue a través de la creación de un Portal
online. El segundo, mas osado, fue crear una Conferencia de Diseño
focada en creatividad: el Pixel Show. Referencias, intercambio cultural,
conocimiento, proximidad con los artistas y listo! ... En el año 2006, el
público de Zupi ya estaba formado, presente en los eventos y sumando
casi 30 mil visitas al mes en el Portal...
Imagine que esa osadia de Zupi fue más allá, al elaborar una revista
independiente sobre diseño y arte experimentales. En solamente 10
ediciones, la revista ya seleccionó 400 artistas, 40 entrevistados, miles
y miles de letras y colores... Sume a iso las centenas de pedidos,
llamadas y e-mails de un público fanático por una cosa muy sencilla: la
reedición histórica de la Zupi #1.
Después de tantas osadias, Zupi rende gracias al público que maneja
estas páginas, ocupa las sillas del Pixel Show, baila en nuestras fiestas
y pinta nuestros murales. Parece que nuestras súplicas (y las tuyas)
fueran atendidas!
 EDITORIAL > by Allan Szacher

ABASTEÇA COM IDÉIAS

Imagine uma empresa focada em arte e cultura. O primeiro
passo para disseminar o conceito foi através da criação
de um Portal online. O segundo, mais ousado, foi criar
uma Conferência de Design voltada à criatividade: o Pixel
Show. Referências, intercâmbio cultural, conhecimento,
proximidade com os artistas e pronto! ... No ano de 2006,
o público da Zupi já estava formado, presente nos eventos
artwork: Estúdio Deveras < www.estudiodeveras.com >

e somando cerca de 30 mil visitas por mês em seu Portal.

Imagine que essa ousadia da Zupi foi além, ao elaborar uma

revista independente sobre design e arte experimentais.
Em apenas 10 edições, a revista já selecionou mais de 400
artistas, 40 entrevistados, milhares e milhares de letras e
cores... Some isso às centenas de pedidos, telefonemas
e e-mails de um público fanático por uma coisa muito
simples: a reedição histórica da Zupi #1.

Após tantas ousadias, a Zupi agradece ao público que toca

estas páginas, ocupa as cadeiras do Pixel Show, dança em
nossas festas e pinta nossos murais. Parece que as nossas
preces (e as de vocês) foram atendidas!
 CARTAS
A revista Zupi não traz as seções básicas do portal, como
reedição cartas, eventos, concursos etc. Encontre este conteúdo em
especial www.zupi.com.br
ed#1 - ano#3
Mande para a Zupi suas críticas e sugestões:
submit@zupi.org

REVISTA ZUPI ESPECIAL > #01 tripulação

conteúdo ALLAN SZACHER
editor / idealizador
JULIA BOLLIGER > MTB 49351-SP
jornalista responsável

SÍMON SZACHER DAVID PLASSA

diretor executivo estagiário de redação
CARNE FRESCA pág 08
criaturas subterrâneas e ZUPI DESIGN DINA ROZENBOJM
heróis antropomórficos direção de arte revisão

PORTFOLIO pág 10
a cidade como tela para Os Gêmeos conselho editorial
Ana Starling, Artur Rangel a.k.a Kjá, Flávio Samelo, Glauco
ARTISTA CONVIDADO pág 24 Diógenes, Luciano Cian, Mário Fontes e Tati Tacla
Lulu*PlasticPirate: desenhar
bem está na moda COLABORADORES
Ana Starling, Apolo Torres, Carlos Asencio Fiol a.k.a chensio,
AMBIENTE pág 32 Daniel Hogrefe, Danilo Rodrigues Silva, Eduardo Burger, Estúdio
3 ambientes escolhidos pela Zupi Deveras, Fellipe Martins, Fernando Freitas, Fernando e Humberto
Campana, Gabriel Silva a.k.a Artebiel, Greg Tocchini, Guilherme
GALERIA pág 38 Marconi, Henrique Bittencort a.k.a Tempo, João Filho, Jorge
trabalhos de 28 artistas Aragon a.k.a Jork, Jorge Galvão, Leandro Demetrius, Luciano
do mundo inteiro Scherer, Lulu*PlasticPirate, Mathias Crémadez, Mauro Pucci,
Melissa Oliveira Costa da Silva, Miguel Bandeira, Murilo Silva,
PRODUTO pág 68 Nicolas Sagredo Duarte, Os Gêmeos, Paula Padilha da Costa,
a originalidade dos Irmãos Campana Rafael Oliveira Lucchesi Cunha, Raul Teodoro, Reberson Alexandre,
Renato Zaca, Ricardo Akn, Sylvia Yasmine Miguel, Tavis Coburn,
Tiago Americo, UiU e Verónica Mejía Acevedo
BATE-PAPO pág 76
Tavis Coburn, o novo garoto retrô AGRADECIMENTOS
Alexandre Soma, André Furhman, Guilherme Marconi (anúncio 4a
TOP SITES pág 88 pág.), Jonathan Croes (UXUS), Marcelo Giannini (Loja), Meghan
os 6 melhores sites do momento Burns (Adams & Knight), Patrícia Greijal e Paula Cohn
escolhidos pela equipe da Zupi

LIVROS pág 90 DINAP 11 3037-6635 ASSINE A REVISTA

o primeiro best-seller da Zupi distribuição Brasil www.zupi.com.br/revista
+55 11 3926-0174
Traduções | Traducciones | Translations pág. 94 PANCROM
gráfica PUBLICIDADE
INSPIRAÇÃO pág 104 simon@zupi.com.br
o ato de observar de Ana Starling +55 11 3926-0174

ENDEREÇO
> setembro 2008 Rua Conde de Irajá 297
> reedição especial VIla Mariana - 04119-010
> issn: 1809-5534 São Paulo - SP - Brasil

Os artigos assinados são de responsabilidade dos autores e não refletem

CAPA necessariamente a opinião da revista. É proibida a reprodução total ou
Os Gêmeos parcial de textos, fotos e ilustrações, por qualquer meio, sem prévia
autorização dos artistas ou do editor da revista.
ILUSTRAÇÃO (à direita)
Apolo Torres . www.flickr.com/apolotorres A ZUPI é um espaço aberto para novas idéias, tendências artísticas e
experimentos. Para colaborar envie seu material por correio ou no e-mail
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APOIO
ABRA Zupi é Marca Registrada ® Todos os direitos reservados.
 CARNE FRESCA

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fellipe
martins
> lea este texto en español en la página 94
> read this article in English at page 94

obras: Fellipe Martins

São criaturas subterrâneas, heróis antropomórficos e vilões

ao mesmo tempo enigmáticos e bem-humorados. Troque
os adjetivos usados para definir esses seres e uma nova
combinação dará vida a mais personagens e à fantástica
imaginação do ilustrador paulistano Fellipe Martins, 25.

Atualmente trabalhando na área de quadrinhos (cor

e capas), Fellipe começou a desenhar ainda criança,
como todo bom artista ou designer. “Nenhuma criança
nunca desenhou, mas poucas acabam continuando. Eu
continuei.” O gosto pelos quadrinhos e jogos de videogame
levou-o a, desde sempre, inventar personagens e histórias
mirabolantes. O artista garante que temática e inspiração
em nada foram alteradas após esse longo período, apenas
a maneira de se expressar.

Formado em Artes Plásticas, Fellipe entrou no mercado

de trabalho no último ano do curso, através de um antigo
amigo conhecido em um fórum de internet, Ken Wong.
Diretor de arte de um estúdio de games em Shangai, Wong
contou que estavam precisando de artistas de diferentes
partes do mundo para a criação da identidade visual de um
novo jogo. Durante seis meses, Fellipe e outros “concept
designers” da Austrália, Coréia e México desenharam
diversos personagens e ambientes como base para os
futuros artistas do projeto. O tema era “Contos de fadas
dos Irmãos Grimm”, mas de um lado mais sombrio. “Foi
um ótimo começo. Tive que desenhar e pintar muita coisa,
em um tempo muito curto”, lembra o ilustrador.

Embora formado em um curso superior, o artista atribui

seu conhecimento muito mais ao que aprendeu por conta
própria e com os amigos que conheceu durante essa
trajetória. “Em determinado momento do aprendizado
acadêmico todas as linguagens se cruzam. No entanto
nunca consegui justificar meu trabalho enquanto arte. Era
ilustração e pronto!”, explica Fellipe.

Mesmo com prazos tão curtos, o artista ainda encontra

momentos para produzir suas próprias ilustrações,
segundo ele, um ou dois desenhos por semana. São
trabalhos ligados à cultura pop, devido a sua ligação com
a indústria do entretenimento. “Saio para ver um filme,
volto e desenho um personagem. O mesmo vale para
jogos, livros ou algum artista que me inspire. Tudo isso
reflete-se no trabalho pessoal.”

>> nationpoo.blogspot.com

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 PORTFOLIO

os gêmeos
Dois irmãos, idênticos na aparência e no amor pelo graffiti.
Gustavo e Otávio já coloriram muros de diversos países com seus
incríveis personagens e têm obras espalhadas por galerias dos
cinco continentes. Mas o brilhantismo destes artistas brasileiros
só pode ser verdadeiramente reconhecido por aqueles que têm a
oportunidade de entrar em contato pessoal com eles. Foram cerca
de três horas de bate-papo e incontáveis folhas de papel decoradas
pelos dois. Nem mesmo a mesa de madeira, ao redor da qual
estávamos sentados, escapou à sede de criar dos Gêmeos.

Enquanto contavam histórias e davam opiniões sobre temas

variados, de cultura à política, as quatro mãos não pararam por um
segundo de produzir letras, novos personagens e como não poderia
deixar de acontecer, desenhos para ilustrar suas narrativas. A pausa
nessa incrível e frenética geração de arte só se deu no momento
em que surgiu uma caixa de sapatos repleta de álbuns com fotos
de seus trabalhos espalhados pelo mundo. O olhar paternal intenso
sobre as imagens clicadas na África, Holanda, Inglaterra, Canadá,
Estados Unidos, Brasil... Na seqüência foi a vez das fotos digitais,
milhares delas, todas devidamente separadas e identificadas em
pastas específicas no computador. Nada porém que se compare
à experiência de ter acesso ao catálogo da memória dos Gêmeos,
através do qual é possível conhecer pelo menos parte destes 31
anos de vida, 20 deles dedicados ao graffiti e que, de certa forma,
temos o privilégio de partilhar através desta entrevista. >

> lea este texto en español en la página 94 Texto: Paula Cohn

> read this article in English at page 95 Obras: Os Gêmeos

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Raízes

O primeiro contato que tivemos com arte foi através da
nossa família. Já vivíamos numa atmosfera ligada a essa
coisa de arte. Nosso irmão, que é mais velho, pintava e nós
sempre o víamos desenhar, desde pequenininhos. Nosso
pai também ficava desenhando conosco um caminhão de
bombeiro, porque nessa época gostávamos de ir ver os
bombeiros da vida... Pegávamos papel, desenhávamos,
fazíamos desenho em quadrinhos. Estávamos sempre
pintando. Lembro que nosso pai sempre nos levava
ao bairro da Liberdade para comprar aqueles Mangás,
sabe? Pegávamos os Mangás e ficávamos copiando
para aprender. Sempre fomos ligados a desenho. Nossos
pais sempre nos incentivavam.

A primeira vez

Tudo começou no bairro do Cambuci, onde nascemos.

No começo dos anos 80 era bem forte essa coisa da
cultura hip-hop e tinha um pessoal em frente de casa que
ficava até bem tarde da noite dançando, ouvindo um som
e desenhando. E nós ficávamos brincando na rua, todos
os dias, com os caras. Brincando de carrinho, pondo
fogo no lixo das vizinhas e os caras dançando. Assim
conhecemos também o hip-hop. Lembro que a primeira
vez que vimos os caras grafitando na rua estávamos
com nossos pais. Quando saímos à noite, eles estavam
pintando em frente à nossa casa. Então falamos para
nossa mãe: “Queremos fazer isso aí, compre um spray”.
Ela comprou e com ele fomos descobrindo, inventando
para ver como é que era e deu nisso! >

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Detalhes que ficam

É legal que, antes do graffiti em si, o jeito de brincarmos

na rua já tinha a ver com o nosso trabalho de arte de
hoje. Tínhamos os brinquedos Play Mobil e construíamos
uns prédios. Ficávamos um mês inteiro trabalhando em
cima para montar um prédio e usar todas as pecinhas...
Depois púnhamos fogo! Fazíamos a coisa real! Isso tem
a ver com nosso trabalho de hoje. Usávamos muitos
detalhes nos brinquedos. >

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Vida internacional

Começamos a ser reconhecidos em 1993, quando o Barry

McGee (renomado artista californiano) veio para São Paulo
e viu nosso trabalho. Ele gostou e passou a divulgar-nos lá
fora, tornou-se nosso amigo mesmo. Agora, os convites para
exposições só começaram a aparecer em 1999. Um artista
alemão viu nosso trabalho e chamou-nos para participar de
uma mostra lá... Desde então viajamos bastante, ficamos
um tempão fora, fazendo exposições. O mais legal é que
hoje em dia tem, se é que já não apagaram, muitas paredes
com desenhos nossos em países como: Alemanha, França,
Espanha, Portugal, Estados Unidos, África do Sul, Cuba,
Austrália, Grécia, Chile Argentina... O legal mesmo é fazer
arte para o povo ver.

Culturas diferentes

Em cada lugar que passamos aprendemos uma coisa

diferente. É muito bom poder levar um pouco da nossa
história e fazer essa troca de experiências com outros artistas
de outros países. Sempre temos muito a aprender...

Inspiração

Tudo serve de inspiração, depende muito do dia, do humor,

do que está acontecendo ao nosso redor. A vida é uma
inspiração, o que é ao mesmo tempo bom e ruim. Não tem
explicação, é algo que acontece na hora, dá vontade de
pintar e pintamos.

Temas e Estilo

Não temos nenhum tema específico no qual trabalhamos

sempre. Os temas são baseados na nossa vivência, em
tudo que interfere na nossa vida, no dia-a-dia. Temos nosso
mundo paralelo. Gostamos muito de cultura regional, de
festa junina, carnaval e de misturar coisas brasileiras por
isso procuramos por um pouco disso em nosso trabalho.
Depende muito do momento. A linguagem é a mesma em
todos os trabalhos. O que muda é que a rua está aberta a
tudo. Encaramos a cidade inteira como uma tela. A cidade
nos usa, então temos que usar a cidade! Não podemos ver
uma parede que já queremos parar para desenhar. E assim
nascem os nossos personagens. Não estudamos arte, mas
sempre tem alguém que diz que um ou outro trabalho nosso
lembra um artista famoso. Inventamos na hora mesmo, não
ficamos pensando em algo ou alguém.

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ZUPI 24

lulu*plasticpirate
Ilustrações com estética retrô, feitas pelo
casamento da aquarela com o mouse: o
resultado elegante recebe o nome de arte
fashion. A ilustradora alemã Lulu Plasticpirate
abusa deste recurso há alguns anos, criando
traços simples, tão e somente. De tão simples,
estes traços foram responsáveis pelo título
conferido à Lulu de um dos 100 maiores talentos
da Alemanha, no ano de 2006 e também por
captar a atenção da Zupi! Desenhar bem está
na última Moda.
[Zupi] Conte-nos um pouco sobre sua vida
profissional desde que você era estudante.
Comecei fazendo ilustrações enquanto estudava
design. Depois de fazer minha tese final, comecei
a trabalhar 24 horas como profissional. Apesar do
trabalho, ainda estudei ilustração na University of
Fine Arts (Universidade de Belas Artes) em Berlim.
Desde então, os dias são completos de ótimos
trabalhos e sempre tento encontrar tempo para
trabalhar com novos estilos e diretrizes.
ilustrações: Lulu*PlasticPirate
> www.plasticpirate.com
representado por CWC-I
> www.cwc-i.com
ARTISTA CONVIDADO
[Zupi] Como você se lançou como artista e
designer?
Estudei design, como já mencionei e era muito
focada em conceitos de design gráfico. Mas ainda
não tenho certeza da diferença entre trabalhar
como designer e como artista. Trabalhando como
artista, você nunca tem uma descrição detalhada
do que a outra pessoa quer. O cliente normalmente
tem algo em mente e quer que a idéia se torne
trabalho artístico. Isso é mais um trabalho de
design do que de arte.
[Zupi] Por quê você decidiu abrir seu próprio
estúdio de design? Como consegue seus
clientes?
Comecei a trabalhar em meu próprio estúdio há 3
anos. Trabalhos eram raros no começo, então passei
a enviar minhas obras para revistas. Desenvolvi um
estilo durante os trabalhos que fazia para clientes
que ia conseguindo. >
> lea este texto en español en la página 96
> read this article in English at page 97
ZUPI 25
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ZUPI 28
[Zupi] Existe uma equipe que trabalha com
você?
Eu chamaria meus agentes de minha equipe.
Perto de mim tenho um assistente que me
ajuda, durante algumas horas da semana, a
cuidar dos impressos e responder a muitos
e-mails. Posso me imaginar trabalhando com
uma equipe no futuro, mas baseada mais em
direção de arte.

[Zupi] Qual a maior atração no seu

trabalho?
Não posso dizer – isso é algo que sempre
esteve ali. Preciso colocar minha idéias dentro
de imagens e cores. >

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 [Zupi] Conte-nos sobre seu estilo, se houver um
específico.
No início fazia vetores gráficos, mais do que desenhar com
as mãos. Estava apenas acostumada a praticar este estilo,
embora fizesse colagem e outros trabalhos de arte. Após
algum tempo, passei a combinar os estilos e criar algo
novo. Agora estou treinando todos os estilos, algo de que
realmente gosto pois não sou como um computador que
está programado para apenas uma coisa, sempre.
[Zupi] O que a inspira?
Uau, muitas coisas! Brechós, livros antigos, revistas e
bagagem dos anos 50. Viajar é minha coisa favorita, mas
nunca estive no Brasil. Adoraria ir a um país tão bonito
e maravilhoso.
[Zupi] Quem são os artistas ou outros profissionais que
inspiram seu trabalho?
Acho que idéias podem ser tiradas de todo bom trabalho. É
inspirador para mim ver o trabalho de Andy Warhol ou Egon
ZUPI 30
Schiele. Como ilustradores, adoro Antonio Lopez que foi o
mais importante ilustrador fashion dos anos 70. Rene Gruau
que fez o trabalho de arte da Dior nos anos 50. E agora,
adoro as obras da Stina Persson, ela é realmente demais!
[Zupi] Conte-nos sobre as tendências visuais. Onde
você encontra suas referências?
Livrarias são o melhor lugar para se encontrar inspiração.
Tenho uma coleção imensa de livros. Os anos 70
influenciaram e inspiraram muitas coisas.
[Zupi] Você possui algum novo projeto que possa nos
contar?
Estou trabalhando em um personagem que lançarei em
breve! Adoraria lecionar e trabalhar com estudantes.
[Zupi] Você acha que o design do seu país possui um
estilo único?
Não, não mais. Talvez o design gráfico dos anos 50 fosse único
mas nos dias de hoje todo mundo é influenciado por muitas
culturas! As pessoas viajam e estudam em países diferentes
por todo o mundo. Depois, voltam com estilos novos.
[Zupi] Você tem uma maneira característica de desenhar
coisas com um toque feminino. É difícil ser uma garota
nesta área específica?
Não. Para cada categoria de ilustração sempre há garotos
e garotas trabalhando. Existem mais garotos fazendo
ilustração fashion e fico feliz com o fato de que agora,
mais do que nunca, mulheres trabalham neste campo
e exploram outros temas de ilustração, como o modo
técnico-arquitetural.
[Zupi] Você considera necessário estudar para se tornar
um bom designer?
A maioria dos bons designers estudaram, mas sempre há
gente realmente talentosa que consegue prosperar. Sempre
gostei de aprender com meus professores e pessoas com
quem trabalhei.
[Zupi] É difícil encontrar um agente que busque novos
clientes para você? O quê você recomenda a qualquer
artista para que possa encontrar um agente?
Nos primeiros dois anos eu não tinha um agente, mas depois
de alguns projetos encontrei alguém em Nova Iorque. Com
a concorrência, consegui um contrato com meus agentes
japoneses que agora cuidam de tudo para mim, em termos
globais. Isso tem muito a ver com ser dependente e fazer
trabalho de qualidade. Nunca desista de divulgar seus
trabalhos, este é meu conselho.
[Zupi] Você fez muitas ilustrações para revistas de todo
o mundo. Como explica seu sucesso?
Trabalho pesado e muita diversão ao trabalhar durante a
noite.
[Zupi] Algum comentário para seus fãs brasileiros?
UAU FÃS! EU TENHO FÃS…?
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 AMBIENTE

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Loja
fotos: Felipe Gaspar

Publicidade, Propaganda e Criação: um trabalho

que envolve o universo criativo com o foco em
vendas. Como vender seu peixe de forma criativa,
a começar pela sua própria agência? O publicitário
brasileiro Marcelo Giannini encontrou a solução
para este briefing.

Após anos à frente da criação de grandes agências

de publicidade do eixo Rio-São Paulo, Giannini
resolveu reunir todo o conhecimento acumulado
ao longo da sua bem sucedida carreira e partir
para um novo desafio. Quem passar pelo bairro
de Laranjeiras no Rio de Janeiro e deparar-se
com a fachada da Loja Comunicação, questionará
se está diante de uma loja de móveis ou feira de
antiguidades de estética marroquina. No entanto,
Giannini possui slogan mais estratégico: a Loja é a
primeira Hot Shop (Boutique Criativa) carioca.

Procurando desvincular-se dos conceitos

batidos relacionados ao modelo de “agência”,
a Loja Comunicação visa estabelecer-se como
empresa de comunicação para geração de idéias
mercadológicas que tenham como substância a
convergência, interatividade, emoção, experiência,
vivência e valor de marca. Curiosos? As portas da
Loja estão abertas para vocês!

>> www.lojacomunicacao.com

> lea este texto en español en la página 97

> read this article in English at page 97

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Adams & Knight
fotos: Woodruff / Brown

Localizada na cidade de Avon, no estado

norte-americano de Connecticut, a agência de
comunicação de marketing integrado Adams &
Knight atua nas áreas de publicidade, marketing
digital e relações públicas.

Com 47 funcionários, a agência criou um espaço

cercado por uma grande área verde. São 50 jardins,
ótimos para uma caminhada após uma refeição ou
até um passeio de bicicleta. A idéia foi proporcionar
um lugar onde um bom trabalho possa ser produzido
e no qual clientes tenham interesse em visitar.

E se o exterior da empresa é um dos destaques da

Adams & Knight, o design de interiores do prédio
ganha em sofisticação. Utilizando elementos em
estilo vintage, o ambiente é uma verdadeira fonte de
inspiração para os profissionais criativos. Cartazes
de cinema e publicidade, mascotes e logos famosos
do final da década de 50 dão o aspecto retrô e
inusitado do ambiente de trabalho da agência. Até
bombas de gasolina da época são utilizadas como
adornos pelos corredores.

Mas o grande atrativo do local é o refeitório situado

no centro do prédio. Uma releitura das clássicas
lanchonetes norte-americanas do período pós-
Segunda Guerra, feita em aço inoxidável. Até uma
máquina vintage da Coca-Cola e um Jukebox
marcam presença no espaço.

>> www.adamsknight.com
ZUPI 35
ZUPI 36
Uxus
fotos: Mathijs Wessing

Era uma vez a Uxus. Uma agência criativa

multidisciplinar holandesa com uma área ampla de
atuação (arquitetura, branding, embalagens, entre
outras). Um belo dia, os habitantes desse escritório
decidiram dobrar o tamanho do local (atualmente
com 135 x 275m) e, junto com a ampliação, todo
o design do ambiente também passou por uma
interessante renovação.

Inspirado no mundo das fábulas, o interior da

agência cria uma atmosfera misteriosa e poética.
Histórias como “O gato de botas” e “Chapeuzinho
Vermelho” são exemplos de contos que estimulam
a imaginação de qualquer um. Sendo uma agência
criativa, a Uxus propõe um ambiente de trabalho
que agregue essa função no dia-a-dia dos
profissionais que por lá passam.

O ambiente explora os espaços vazios e fortalece

a unidade visual do local através de móveis e
luminárias de aspecto contemporâneo. A forma
desses elementos e de outros com caráter mais
decorativo foi trabalhada para fortalecer a alusão
ao universo rico e imaginativo de uma boa fábula.
E eles viveram felizes para sempre!
>> www.uxusdesign.com

ZUPI 37
ZUPI 38 GALERIA >> Daniel Hogrefe . www.flickr.com/danielhogrefe . Brasil
galeria : gallery
envie seus trabalhos
(português)

A Galeria é mais um local disponibilizado pela

Zupi para exibir trabalhos artísticos de qualidade.
Aceitamos trabalhos de ilustração, fotografia, artes
gráficas, design, 3D, animação, motion, tipografia,
pintura, graffiti, moda, entre outros.

Confira os temas para as próximas edições:

. ed #11 - Novembro/08 > tema livre
. ed #12 - Fevereiro/09 > tema livre
. ed especial #02 - Abril/09 > tema Erotika

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pedindo seus dados e a arte em 300 dpi.

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The Gallery inside Zupi Mag is another place where

quality artworks are exposed. We accept works such
as illustration, photography, graphic arts, design,
3D, animation, motion, typography, painting,
graffiti, fashion, among others.

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. issue #11 - November/08 > free subject
. issue #12 - February/09 > free subject
. special issue #02 - April/09 > Erotika subject

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La Galería de la Revista Zupi es otro local en que

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Aceptamos trabajos de: ilustración, fotografía, artes
gráficas, diseño, 3D, animación, motion, tipografía,
pintura, graffiti, moda, entre otros.

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. ed #11 - Noviembre/08 > tema libre
. ed #12 - Febrero/08 > tema libre
. edición especial #02 - Abril/08 > tema Erotika

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pidiendo sus datos y el arte en 300dpi.

ZUPI 39
ZUPI 40 GALERIA >> Danilo Rodrigues Silva . danmp4@hotmail.com . Brasil
GALERIA >> Jorge Aragon a.k.a Jork . www.mediawork.ws . Argentina ZUPI 41
ZUPI 42 GALERIA >> Eduardo Burger . www.eduardoburger.com . Brasil
GALERIA >> Fernando Freitas . fernandofreitas.carbonmade.com . Brasil ZUPI 43
ZUPI 44 GALERIA >> Gabriel silva a.k.a artebiel . www.behance.net/artebiel . Brasil/Spain
GALERIA >> greg tocchini . www.gregtocchini.blogspot.com . Brasil ZUPI 45
ZUPI 46 GALERIA >> Renato Zaca . renatojuvenal@oi.com.br . Brasil
GALERIA >> Henrique Bittencort a.k.a Tempo . www.henriquebittencort.blogspot.com . Brasil ZUPI 47
ZUPI 48 GALERIA >> Leandro Demetrius . www.flickr.com/leandro_demetrius . Brasil
GALERIA >> Luciano Scherer . www.flickr.com/incrivel . Brasil ZUPI 49
ZUPI 50 GALERIA >> João Filho . www.flickr.com/joao-filho . Brasil
GALERIA >> Mathias Crémadez . mathcz@gmail.com . France ZUPI 51
ZUPI 52 GALERIA >> Nicolas Sagredo Duarte . www.flickr.com/desligamiento . Chile
GALERIA >> Paula Padilha da Costa . www.estudioparalelo.com.br . Brasil ZUPI 53
ZUPI 54 GALERIA >> Raul Teodoro . mustaxd@gmail.com . Brasil
GALERIA >> Reberson Alexandre . reberson_@hotmail.com . Brasil ZUPI 55
ZUPI 56
GALERIA >> Ricardo akn . www.fotolog.com/agouro . Brasil ZUPI 57
ZUPI 58 GALERIA >> Tiago Americo . www.sputnikstudio.com.br . Brasil
GALERIA >> Sylvia Yasmine Miguel . sylviayasmine.carbonmade.com . Brasil ZUPI 59
ZUPI 60 GALERIA >> Verónica Mejía Acevedo . veronicamejia.blogspot.com . Colombia
GALERIA >> Carlos Asencio Fiol a.k.a chensio . www.chensio.es . Spain ZUPI 61
ZUPI 62 GALERIA >> Miguel Bandeira . miguelbandeira_rj@yahoo.com.br . Brasil
GALERIA >> Murilo Silva . www.flickr.com/cena8 . Brasil ZUPI 63
ZUPI 64 GALERIA >> Melissa Oliveira Costa da Silva . www.saltria.deviantart.com . Brasil
GALERIA >> UIU . www.uiu-uiu.com . Portugal ZUPI 65
ZUPI 66 GALERIA >> Mauro Pucci . www.flickr.com/dabliuponto . Brasil
GALERIA >> RAFAEL OLIVEIRA LUCCHESI CUNHA . rafaellucchesi.carbonmade.com . Brasil ZUPI 67
 PRODUTO

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mobiliário: Campanas
> www.campanas.com.br

irmãos
campana
Humberto e Fernando Campana, nascidos em uma
fazenda no interior de São Paulo, costumavam
fazer brinquedos de madeira e assistir a filmes
italianos. Hoje, vendem móveis para bancos e
museus europeus, criam móveis para a principal
marca italiana de design mobiliário, a EDRA, e
possuem um escritório no coração de São Paulo –
cidade pela qual são apaixonados. Essa mudança
radical de vida não mudou a forma de verem o
mundo, um pouco fantástico, como mostraram em
uma tarde agradável em seu ateliê.

Acredita-se que os irmãos Campana ainda

possuam um princípio completamente original
dentro de um universo criativo rápido demais.
Analisados e adorados por grandes entendedores
de cultura, a dupla se revela como produto
genuinamente brasileiro, a despeito dos rótulos
tupi-guarani. Conectados às formas urbanas de
nossas metrópoles e materiais de uso cotidiano,
esbanjam um carisma invejável, mostrando a alma
de uma simples cadeira e os segredos de duas
personalidades únicas... >

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A CADEIRA VERMELHA
Estamos procurando criar novos estofamentos, para revestir o que já é um
ícone: a cadeira. É claro que, por trás disso, existe uma construção, uma
engenharia que às vezes parece ser muito casual, mas não é. A cadeira de
cordas vermelhas foi a primeira peça nossa produzida na Itália e que nos
projetou. Sempre fazemos pesquisa de materiais. Um dia compramos um
rolo de cordas e trouxemos para o escritório. Ao jogá-lo sobre a mesa, ele
se desfez. Nós nos olhamos e dissemos: “É a cadeira que a gente queria
fazer!”. Sempre quisemos trabalhar com desconstrução e o Brasil é um país
assim: toda essa fusão de raças, não possui uma ordem. Quisemos fazer
uma coisa que refletisse essa essência. >

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 OPINIÃO
Nosso trabalho é minucioso mas é
muito imperfeito também. Trabalhamos
com a imprecisão, sem muitas regras,
procurando sempre contaminar os outros
com o novo. A regra é dar liberdade para
quem quiser fazer, rever a produção
industrial, humanizar o design, não
sendo mais aquela coisa de plástico que
parece sempre feita pelo mesmo autor. A
cadeira já foi inventada, seria pretensioso
inventá-la de novo, por isso a peça tem
que emocionar. Você corre o risco de seu
móvel ser taxado de não muito confortável
e muitas vezes não é mesmo, mas deve
ousar. Não basta apenas ser bonito,
elegante, se não acrescenta nada. A gente
está no ano 2006 e nota-se muita coisa
italiana made in Brazil, mas o que há de
novo em pesquisa ou investigação nas
raízes do país, nas culturas?
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INFÂNCIA
Dá para identificar em nossos trabalhos,
os objetivos que tínhamos na infância.
Aprendemos criando nossos próprios
brinquedos com bambu, barro - na
época usávamos lata, sequer alumínio.
Somos do interior e era engraçado porque
nosso pai nos trazia para o Mappin todo
Natal. Eram os anos 60 e a loja tinha um
monte de brinquedos importados. Mas
aqueles carrinhos de controle remoto
não tinham graça, depois de meia hora
já não importava. Pois o mundo de lá
era diferente, tinha cavalos, riozinhos,
fazíamos casas nas árvores, pontes de
bambu, uma casa ligada à outra... e havia
o cinema também, que era a janela para
o mundo: passava Polanski, Felini, Kubrik,
“A Laranja Mecânica”. Você precisava ver
o bom gosto que havia naquela época! Isso
deu-nos uma base muito boa: ligar a raiz
brasileira da fazenda com a sofisticação
italiana, de espaços, do móvel mesmo.
TRABALHO INSPIRAÇÃO
O Fernando é designer industrial e já é São Paulo, o jeito que vivemos, as
muito mais prático do que eu. Sou mais mudanças radicais que toda hora temos
onírico. Deixei o curso de Direito quando que enfrentar são o que nos inspira. Essa
vi que não tinha nada a ver comigo, que fragilidade que é o Brasil, não se pode ter
estava perdendo meu tempo e que só fazia segurança em nada, desde sair na rua até
aquilo por estar acomodado, por querer os políticos, a democracia frágil. O medo
agradar minha família. Queria mesmo do que pode acontecer até uma próxima
era ser artista plástico, escultor. Sempre eleição do Lula... São os elementos que
trabalhei com as mãos. Resolvemos fazer incentivam nossa criação.
as coisas juntos há 22 anos atrás. Eu
tinha o ateliê aqui em São Paulo, quando
o Fernando veio fazer uma entrega de
Natal e viu um potencial de trabalho ali.
Começamos a fazer objetos em mármore,
pesquisar granilitos e agora temos uma
equipe que produz algumas coisas -
ainda que em pequena quantidade,
pois queremos manter a qualidade e a
essência do trabalho aqui no estúdio. O
legal é conviver com isso de mostrar e ser
honesto, sabe? Por exemplo, não queria
ver nosso espaço branquinho, bonitinho
com móveis de outros designers. Acho que
essa é a nossa história, nosso laboratório
de provas.

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ilustrações: Tavis Coburn

> www.taviscoburn.com

tavis
coburn
Tavis Coburn é norte-americano, ilustrador e viciado em
livros antigos. Está constantemente atarefado diante dos
computadores, onde faz trabalhos digitais usando softwares
como 3D, Cinema 4D, Maya, Z-Brush e Photoshop. Nas
horas vagas, flerta com atividades de DJ, pratica hockey e
skateboard. Quando pequeno, migrou muitas vezes pelos
Estados Unidos e Canadá, trazendo o karma do “garoto
novo” de toda vizinhança que viria a freqüentar.

Inevitável não associar a arte de Tavis ao estilo retrô, muito

em voga nos dias de hoje na música, vestimentas e arte.
Suas ilustrações são um brechó cultural de idéias e estética
prestando uma homenagem ao universo do passado, à
poesia e ao desgaste visual.

Por essas e outras, o “garoto novo” foi longe. De tão longe,

tornou-se “garoto velho”.

Ops, velho não. Retrô. >

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[Zupi] Como foi a infância no Canadá?
Nasci em London, Ontario (CA), em 1975. Meu pai era
banqueiro e minha mãe dona de casa. Enquanto meu
pai subia nos ranquings com sua empresa, mudamo-nos
pelo Canadá algumas vezes. Eu era, constantemente, o
“garoto novo” da escola. Considero Toronto minha cidade
natal pois foi a últitma parada de todas as mudanças.
Tive uma infância típica no Canadá, joguei hockey a nível
competitivo até os 17 anos de idade. Também reunia-me
muitas tardes após a escola para jogar o outro esporte
preferido do Canadá: road hockey - similar ao hockey
mas sem o gelo e substituindo o disco por uma bola de
tênis. Ironicamente, meu verdadeiro amor nos esportes
foi o skateboard, que praticava quase todos os dias e até
construí uma rampa em minha garagem.

Após graduar-me no colégio, matriculei-me no Ontario

College of Art e detestei. Não era o que estava procurando.
Por capricho fiz um requerimento ao Art Center College of
Design, em Los Angeles (EUA). Era a escola dos sonhos,
para mim, grandes ilustradores que admirava graduaram-
se lá e eu sentia que poderia fazer arte/design/ilustração
(como queira chamar) uma carreira bem sucedida. Não
tinha idéia se meu trabalho estava de acordo com seus
padrões, de qualquer forma, eles viram algo em meu
portifólio, pois meu pedido foi aceito e mudei-me para
Los Angeles em 1994.

[Zupi] Você se lembra do primeiro contato que teve

com a arte?
Hm, pergunta difícil. Não tenho certeza, mas lembro-me
de apaixonar-me por ir à biblioteca quando era criança.
A seção infantil não me interessava e eu partia para a
seção de “livros grandes” e aprofundava-me em tudo:
de ciência ao kung-fu e, meu favorito, maquinaria militar.
Não era pelas palavras, mas pelas imagens e ilustrações.
O segundo contato foi com meus brinquedos, pois cresci
em uma era maravilhosa de brinquedos. Meu primeiro
amor foram os carros, tanques e veículos militares
Matchbox. Não apenas os veículos diecast mas também
a arte das embalagens. Star Wars foi uma obsessão,
logo após veio G.I. Joe e, por último, The Transformers.
Com isso passei longas noites de inverno imerso em
minha imaginação. Meus brinquedos tornaram-se meus
amigos e adversários enquanto eu navegava por estes
mundos estranhos que criava. Amava esta arte pois ela
trazia objetos inanimados à vida. Permitia-me assumir
o controle a partir do ponto que a arte deixava a caixa.
Aqueles tornariam-se a faísca para que a história se
desdobrasse. O argumento final e provavelmente mais
importante foram os quadrinhos. Fui basicamente um
“rato” dos quadrinhos quando novo. Comprava um monte
de quadrinhos e começava desde a primeira página do
topo da pilha, refazendo cada quadro, cada vilão e herói.
Qualquer chance que tivesse de trabalhar em um livro de
quadrinhos ou personagem, eu faria. >

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[Zupi] Podemos associar seu trabalho aos
posters soviéticos e à estética publicitária nos
anúncios do pós-guerra norte-americano?
Sim, totalmente. Ambos alimentaram-me com
aprendizagem em design, inspiração, processo e
espanto. Os artistas e designers daquela época
tinham ferramentas muito básicas comparadas
ao que temos agora para criar e imprimir aqueles
posters. Talvez usar menos ferramentas tornasse
suas vidas mais fáceis e simples. Eles eram muito
talentosos, não estou certo de que meu trabalho
esteja à altura ainda. Por sinal, espero que leve
minha vida toda para chegar a um lugar onde tudo
o que se cria seja perfeito e poderoso - isso me dá
razão para acordar todos os dias. Tentei, a todo
o tempo, fazer coisas simples e limpas. Diretores
de arte, especialmente os mais novos, sempre
querem pôr mais coisas em uma obra. É como
se pensassem que o público é burro e precisa
ser condicionado a este conceito. Meu trabalho
sempre se ferra por causa de caras como estes.
Um dia, gostaria de fazer uma apresentação de
todos os meus sketches rejeitados. De qualquer
forma, é definitivamente um elogio ser comparado
àqueles designers, portanto, obrigado.

[Zupi] Esta arte retrô (ou vintage) está muito em

voga nos dias de hoje. Você acha que isso pode
depreciar seu estilo?
Acho que não. Meu trabalho parece antigo por
muitas razões. O processo é a primeira delas. O
amor e admiração pelos artistas que citei na última
questão são a segunda. E a terceira é a soma
de aprendizado que tive, relacionado ao fazer
artístico, dos anos que passei no Art Center. Tive
grandes instrutores como Rob e Christian Clayton,
Jason Holley, Jim Heimann e David Mocarski.
Devo muito a estes caras. Aprendi igualmente
estudando ilustradores e designers de 1900 a
1960, o que não precisei forçar. Quando pintava,
tudo saía como uma ilustração dos anos 50 ou
60, e quando fazia design, parecia um poster de
propaganda ou anúncio da revista Fortune (dos
anos 40). As pessoas sempre perguntam por que
meu trabalho é assim. Eu digo a elas que nasci no
século errado. Na verdade, eu apenas não penso
nisso. Começa com uma imagem em minha mente
e as mãos fazem o possível para recriá-la. Por
vezes, meu assistente me pergunta: “Por que você
colocou aquela forma ali?”. Geralmente respondo:
“Não sei. Parecia certo colocá-la ali”. Se alguém
estiver tentando fazer sua arte parecer antiga - pois
isso soa como uma tendência na arte comercial e
propaganda, e fará sua arte mais comercializável -
é uma escolha pobre. As pessoas podem ver além
disso. Isso deve vir da sua alma. >

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ZUPI 84
[Zupi] Seus trabalhos estão conectados à
estética da publicidade antiga. Como associar
publicidade e mercado a um estilo tão autoral?
Bem, esta é uma questão que os artistas que estão
fazendo a maioria de seus trabalhos para clientes,
ao invés de si mesmos, devem estar se perguntando
a todo tempo. É a parte mais difícil do meu trabalho.
Não sou realmente um artista plástico. Artista sim,
designer sim, ilustrador sim. Mas os tópicos de meu
trabalho estão baseados em palavras de escritores
ou na necessidade de uma peça de arte legal para
vender algo. Respeito o graffiti e artistas de rua,
pois eles têm de mostrar ao mundo sua arte sem
que qualquer cliente ou diretor de arte contamine-
os com idéias. Eles criaram um corpo de trabalho
com conceitos próprios e, quando as empresas
ligam, permitem que eles tenham um pouco mais
de reinado livre. As empresas sentem que podem
nos intimidar um pouco mais. Talvez cobremos um
pouco mais, por conhecermos o mercado, e eles
sentem que devem fazer valer seu dinheiro. É legal
que a arte urbana tenha tido esse ressurgimento na
última década. E ela apenas vai crescer mais e mais,
especialmente com todo o destino e obscuridão
que parece estar no horizonte. >

ZUPI 85
ZUPI 86
[Zupi] Isso significa que a sociedade esteja tão
inserida na sociedade de consumo que o próprio
consumo já seja uma forma de arte?
Sim, é mais ou menos como eu ia dizendo
anteriormente. A linha entre estes dois está
evoluindo de forma constante. Os artistas que estão
trabalhando com estas 500 empresas sortudas,
estão se tornando parte de nossa cultura popular.
De muitas formas, o produto e as empresas acabam
ficando famosos: as pessoas identificam um e outro
por meio de objetos materiais. Onde você vive, o
que dirige, o que veste... nós estamos marcados
com logos de empresas, com pacotes específicos.
A maior parte desta imagem é gerada por artistas
e designers dessas empresas: quem tira dinheiro
de pessoas que querem ter um óculos da Channel.
Caso você mostre a alguém na rua, em qualquer
lugar do mundo, um tênis da Nike, 99% das
pessoas dirão que é um Nike. Caso você pergunte
às mesmas pessoas quem foi que o desenhou,
quase ninguém saberá. Sim, é um dos logos mais
reconhecidos do mundo. Nós (artistas e designers)
que criamos arte para estas empresas precisamos
sentar no banco de trás nesta máquina que dirige
a necessidade da arte popular, e sentir orgulho
do fato de meio milhão de pessoas terem visto
algo que criamos. Pouquíssimas pessoas podem
dizer isso. Em minha opinião, o mundo das artes
plásticas é diferente. As pessoas sentem como se
precisassem saber tudo sobre a pessoa que criou a
arte, pois os ajuda a dissecar e entender o sentido
da obra: entendendo o sentido, pode-se entender
a arte.

[Zupi] Por seu estilo, que ferramentas utiliza

para desenhar?
Meu estilo é um híbrido de alguns elementos.
Obviamente a vanguarda russa, os posters
americanos dos anos 40 e 50, ilustrações dos anos
30 até os anos 70. Pintores como Caravaggio,
Sargent, Bacon, Warhol, Basquiat, Motherwell.
Designers como Saul Bass, Paul Rand, Art Paul...
e não me faça começar a listar os designers
mobiliários pelos quais fui influenciado! A lista iria
longe. Misture as coisas que amo visualmente e
você terá meu estilo. Alguém já descreveu meu
trabalho como modernista. Eu estava pintando,
fazendo gravuras e desenhando de forma bem
modernista quando cheguei aos processos que os
ilustradores já usavam há anos. Escolhi um outro
caminho para criar minha arte. Parecia bastante
pomposo e eu não era o único cara tentando
pegar este influxo de computadores e aplicar ao
meu trabalho de modo a fazê-lo parecer real e
não “gerado por computadores”. Meu trabalho é
completamente digital, exceto por um passo. No
começo, pintava todos os elementos à mão, com
guache e levava-os ao scanner. Construía formas
vetoriais no Illustrator e exportava todas as peças
como filme. Após isso, revelava telas de silk screen
a partir dos filmes e re-imprimia a ilustração em
4 cores (CMYK). Hoje meu processo leva menos
tempo, mas ainda é bastante complicado. Todos
os meus elementos são inicialmente criados em
programas de 3D, Cinema 4D, Maya e Z-Brush.
De pessoas à foguetes, todos são construídos em
programas de CG. Os elementos orgânicos são
todos feitos nestes programas, e depois usados
como referência para pintar no Corel Painter.

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 TOP SITES

J-exhibit
http://www.j-exhibit.com

A home page traz os trabalhos do caricaturista venezuelano J. Leal. Não apenas uma
simples apresentação do trabalho do artista, mas uma exposição interativa produzida
em flash. Com um clique é possível acessar uma espécie de controle e escolher as
ilustrações. Através de uma lupa é possível dar zoom sobre a figura e detalhar a técnica
utilizada por J. Leal.

Angry-Gram
http://www.angry-gram.com

Um belo cheeseburguer pode saciar a fome de muita gente, como também faz aparecer
aqueles quilinhos a mais. Mas a rede de lanchonetes Burguer King resolveu usar seu
tradicional sanduíche Whooper para outro fim. Com uma animação bem-humorada, o
lanche será encarregado de mandar mensagens para qualquer pessoa, de uma forma um
tanto quanto descontrolada.

Axe Saone
http://www.axesaone.fr

O site da agência francesa de arquitetos paisagistas Axe Saone é uma aula de como
comprimir muitas informações com uma solução gráfica simples e dinâmica. A
interatividade da navegação permite um acesso rápido e fácil e se desenrola por um
ambiente bem clean, criado através de grafismos que expressam o foco ambiental dos
projetos da agência.

Burst Labs
http://www.burstlabs.com

A produtora de áudio Burst Labs desenvolve trilhas sonoras para o mercado publicitário,
cinema, videogames, entre outros. Na web page desse estúdio é possível acessar um
acervo de músicas separadas de acordo com os mais variados critérios. A seleção é feita
através de pequenos discos que trazem os nomes das trilhas e podem ser ramificados da
maneira que o interessado deseja.

The Secret Location

http://www.thesecretlocation.com

Secret Location é o nome de uma agência integrada de mídia. O site da empresa apresenta
logo de início um filme onde o usuário poderá explorar o conceito e conhecer melhor o
trabalho da agência. A interatividade é conquistada a partir das decisões que o internauta
fizer durante a história que se desenrola.

Yolk
http://www.yolk.com.sg

A home page da agência interativa cingapuriana Yolk é a pura tradução do que seus
membros desejam passar aos usuários de Internet. Com um aspecto bem simples e
fora dos padrões convencionais, a navegação pode ser feita tanto pelo arrastar do
mouse como pelas setas do teclado. O resultado é uma página dinâmica, atraente e
bem objetiva.

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 LIVROS > by Allan Szacher

ONESTO
Editado pela Zupi Design e Editora Ltda.
ISBN 13: 978-85-61464-00-4
144 pgs
Uma crew de 72 personagens para dar voz a um
artista. Onesto foi a escolha, o mais antigo. Há
15 anos, corpos e rostos arredondados, braços
e pernas finas chamam os olhares para muros,
paredes e becos das cidades. Mostram o estado
de espírito de Alex Hornest.

O livro intitulado ONESTO é o primeiro livro

de arte da Editora Zupi. A obra inaugural
apresenta o trabalho do artista urbano Alex
32 33

Hornest sob o primeiro pseudônimo que usou

para pintar nas ruas.

Hornest é pintor, escultor e artista multimídia.

Desde 1992 expõe obras no mundo todo e
continua a pintar nas ruas. O livro contém 144
páginas, traz uma compilação de seus melhores
trabalhos e narra sua trajetória até os dias de
hoje, em que trabalha sobre suportes inusitados,
sempre procurando captar a essência humana
e o cotidiano caótico das grandes cidades.
Inspirado por tudo o que lhe cerca, foca sua
arte na produção de instalações que possam ter
interação com o público.

A obra ONESTO aborda as temáticas mais

apontadas no trabalho do artista: urbanas, cidade tiradentes . sp . 2007

lúdicas e introspectivas. É a primeira

publicação da série de livros de arte da Zupi 38 39

que visa estimular estudantes e profissionais,

contribuindo para o fomento da arte e o registro
histórico deste tipo de expressão global.
vila madalena . sp . 2005

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ZUPI 91
 ASSINE VISITE
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A REVISTA LOJA

ZUPI

A única revista brasileira focada em design

artístico e experimental. Uma revista
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 fellipe martins (español)
008 | 009
Son criaturas subterráneas, héroes
antropomórficos y villanos, enigmáticos y
bien humorados al mismo tiempo. Cambie los
adjetivos usados para definir a esos seres y una
nueva combinación dará vida a más personajes
y a la fantástica imaginación del ilustrador
paulistano Fellipe Martins, de 25 años de edad.
008 | 009 Trabajando actualmente en el área de historietas
(color y tapas), Fellipe comenzó a dibujar
aún niño, como todo buen artista o designer.
“Ningún niño nunca dibujó, pero pocos siguen
haciéndolo. Yo seguí.” El gusto por las historietas
y juegos de video lo llevó a, desde siempre,
inventar personajes e historias aparatosas. El
artista garantiza que en nada se alteraron la
temática ni la inspiración después de ese largo
período, tan sólo la manera de expresarse.
Formado en Artes Plásticas, Fellipe entró al
mercado de trabajo en el último año del curso,
por medio de un antiguo amigo conocido en
un foro de Internet, Ken Wong. Director de arte
en un estudio de games en Shangai, Wong
contó que estaban precisando artistas de
diferentes partes del mundo para la creación de
la identidad visual de un nuevo juego. Durante
seis meses, Fellipe y otros concept designers
de Australia, Corea y México dibujaron diversos
personajes y ambientes como base para
los futuros artistas del proyecto. El tema era
“Cuentos de hadas de los hermanos Grimm”,
pero con una visión más sombría. “Fue un
excelente comienzo. Tuve que dibujar y pintar
muchas cosas, en un tiempo muy corto”,
recuerda el ilustrador.
Aunque esté formado en un curso superior,
el artista atribuye su conocimiento mucho
más a lo que aprendió por cuenta propia
y con los amigos que conoció durante esa
trayectoria. “En determinado momento del
aprendizaje académico todos los lenguajes
se cruzan. Sin embargo nunca logré justificar
mi trabajo en cuanto arte. Era ilustración y
listo!”, explica Fellipe.
Aun con plazos tan cortos, el artista todavía
encuentra momentos para producir sus
propias ilustraciones, según él, uno o dos
dibujos por semana. Son trabajos ligados a
la cultura pop, debido a su conexión con la
industria del entretenimiento. “Salgo para ver
una película, vuelvo y dibujo un personaje.
Lo mismo vale para juegos, libros o algún
artista que me inspire. Todo eso se refleja en el
trabajo personal.”
>> nationpoo.blogspot.com
fellipe martins (english)
008 | 009
They are underground creatures,
anthropomorphic heroes and villains at the same
time enigmatic and good-humored. Switch the
adjectives used to define these beings and a
new combination will give life to more characters
and the fantastic imagination of the Brazilian
illustrator from São Paulo - Fellipe Matins, 25.
Currently working in the comic book market
(color and covers), Fellipe started to draw
when he was still a child, like any good artist
or designer. “There is not a single kid that never
drew, but very few continue doing it. I continued.”
The taste for comics and videogames made
him, since forever, invent amazing character and
stories. The artist guarantees that themes and
inspiration have not been altered at all after such
a long period, only the form of expression.
A fine arts graduate, Fellipe entered the work
field on his senior year, through an old friend
he met in an Internet forum, Ken Wong. Art
director of a game studio in Shangai, Wong told
him they needed artists from different parts of
the world to create the visual identity of a new
game. During six months, Fellipe and other
concept designers from Australia, Korea and
Mexico drew a number of diverse characters
and sceneries as a base for the future artists of
ZUPI 94
the project. The theme was “Grimm Aborther’s
Fairy Tales”, but seen from an obscure point of
view. “It was a great beginning. I had to draw
and paint a lot of stuff, in very little time.” Recalls
the illustrator.
Even though he is an university graduate, the
artist links his knowledge much more to what
he learnt on his own and through friends he
encountered during his journey. “At some
determined point in academic learning all
language forms cross. However, I could never
justify my work as art. It was illustration, period!”,
explains Fellipe.
Despite the very short deadlines, the artist still
finds moments to produce his own illustrations,
according to him, one or two drawings a week.
The works are linked to the pop culture, due
to his bond with the entertainment industry. “I
go out to see a movie, come back and draw
a character. The same goes for games, books
or an artist that inspires me. All this reflects on
personal work.”
>> nationpoo.blogspot.com
os gêmeos (español)
010 | 023
Dos hermanos, idénticos en su apariencia y
su amor por el graffiti. Gustavo y Otávio ya
colorearon muros de diversos países con sus
increíbles personajes y tienen obras distribuidas
por galerías de los cinco continentes. Pero la
brillantez de estos artistas brasileños solo
puede ser verdaderamente reconocida por
aquéllos que tienen la oportunidad de entrar
en contacto personal con ellos. Fueron cerca
de tres horas de charla e incontables hojas
de papel decoradas por los dos. Ni siquiera
la mesa de madera, alrededor de la cual
estábamos sentados, escapó a la sed de crear
de los mellizos.
Mientras contaban historias y daban opiniones
sobre temas variados, desde cultura hasta
política, las cuatro manos no pararon por un
segundo de producir letras, nuevos personajes
y como no podría dejar de ocurrir, dibujos para
ilustrar sus narraciones. La pausa en esa
increíble y frenética generación de arte sólo se
dio en el momento en que surgió una caja de
zapatos repleta de álbumes con fotos de sus
trabajos distribuidos por el mundo. La mirada
paternal intensa sobre las imágenes sacadas
en África, Holanda, Inglaterra, Canadá,
Estados Unidos, Brasil...Enseguida fue el
turno de las fotos digitales, miles de ellas,
todas debidamente separadas e identificadas
en carpetas específicas en la computadora.
Sin embargo, nada que se pueda comparar a
la experiencia de tener acceso al catálogo de
la memoria de los Mellizos, a través del cual es
posible conocer por lo menos parte de estos
31 años de vida, 20 de ellos dedicados al grafiti
y que, de cierta forma, tenemos el privilegio de
compartir gracias a esta entrevista.
Raíces
El primer contacto que tuvimos con arte fue
gracias a nuestra familia. Ya vivíamos en una
atmósfera ligada a esa cosa del arte. Nuestro
hermano, que es mayor, pintaba y nosotros
siempre lo veíamos dibujar, desde pequeñitos.
Nuestro padre también se quedaba dibujando
con nosotros un camión de bomberos,
porque en esa época nos gustaba ir a ver a
los bomberos del barrio. Tomábamos papel,
dibujábamos, hacíamos dibujos en historietas.
Estábamos siempre pintando. Recuerdo que
nuestro padre siempre nos llevaba al barrio de
Liberdade para comprar esos Mangás, ¿vio?
Tomábamos los Mangás y nos quedábamos
copiando para aprender. Siempre estuvimos
ligados al dibujo.
Nuestros padres siempre nos incentivaban.
La primera vez
Todo comenzó en el barrio de Cambuci donde
nacimos. A principios de los años 80 era muy
fuerte esa cosa de la cultura hip-hop y había
una gente enfrente de casa que se quedaba
hasta muy tarde por la noche bailando,
oyendo música y dibujando. Y nosotros nos
quedábamos jugando en la calle, todos los
días, con los tipos. Jugando con autitos,
metiéndole fuego a la basura de las vecinas
y los tipos bailando. Así conocimos también
el hip-hop.
Recuerdo que la primera vez que vimos a los
tipos haciendo grafitis en la calle estábamos
con nuestros padres. Cuando salimos a la
noche, ellos estaban pintando enfrente de
nuestra casa. Entonces le dijimos a nuestra
madre: “Queremos hacer eso; compra un
aerosol”. ¡Ella lo compró y con él fuimos
descubriendo, inventando para ver como era
y salió esto!
Detalles que permanecen
Es bárbaro que, antes del graffiti en si, la
manera en que jugáramos en la calle ya tenía
que ver con nuestro trabajo de arte de hoy.
Teníamos los Play Mobils y construíamos
unos edificios. Nos quedábamos un mes
entero trabajando sobre eso para montar un
edificio y usar todas las piecitas. ¡Después le
prendíamos fuego! ¡Hacíamos la cosa real!
Eso tiene que ver con nuestro trabajo de hoy.
Usábamos muchos detalles en los juguetes.

Vida internacional
Comenzamos a ser reconocidos en 1993,
cuando Barry McGee (renombrado artista
californiano) vino a São Paulo y vio nuestro
trabajo. A él le gustó y empezó a divulgarnos
afuera, se tornó nuestro amigo de verdad.
Ahora, las invitaciones para exposiciones sólo
comenzaron a aparecer en 1999. Un artista
alemán vio nuestro trabajo y nos llamó para
participar en una muestra allá. Desde entonces
viajamos bastante; nos quedamos un montón
de tiempo fuera; haciendo exposiciones.
Lo mejor de todo es que hoy día hay, si no
es que ya las borraron, muchas paredes
con dibujos nuestros en países tales como:
Alemania, Francia, España, Portugal, Estados
Unidos, Sudáfrica, Cuba, Australia, Grecia,
Chile, Argentina... Lo mejor, de veras, es hacer
arte para que el pueblo lo vea.
Culturas diferentes
Por cada lugar que pasamos aprendemos
una cosa diferente. Es muy bueno poder
llevar un poco de nuestra historia y hacer
ese intercambio de experiencias con otros
artistas de otros países. Siempre tenemos
mucho que aprender.
Inspiración.
Todo sirve como inspiración; depende mucho
del día, del humor, de lo que está ocurriendo a
nuestro alrededor. La vida es una inspiración,
lo que es al mismo tiempo bueno y malo.
No hay explicación, es algo que ocurre en el
momento; dan ganas de pintar y pintamos.
Temas y Estilo
No tenemos ningún tema específico en el cual
trabajamos siempre. Los temas están basados
en nuestra vivencia, en todo lo que interfiere
en nuestra vida, en el día a día. Tenemos
nuestro mundo paralelo. Nos gusta mucho
la cultura regional, las fiestas de junio, el
carnaval y mezclar cosas brasileñas; por eso
intentamos poner un poco de eso en nuestro
trabajo. Depende mucho del momento.
El lenguaje es el mismo en todos los trabajos.
Lo que cambia es que la calle está abierta a
todo. Encaramos la ciudad entera como una
tela. ¡La ciudad nos usa, entonces tenemos
que usar a la ciudad! No podemos ver una
pared sin querer parar para dibujar. Y así
nacen nuestros personajes. No estudiamos
arte, pero siempre hay alguien que dice que
uno u otro trabajo nuestro le recuerda a un
artista famoso. Inventamos en el mismo
momento, no nos ponemos a pensar en algo
o en alguien.
os gêmeos (english)
010 | 023
Two brothers, identical in their appearance and
in their love for graffiti. Gustavo and Otávio
have painted the walls of a wide variety of
countries with their amazing characters and
own works that are spread out in galleries in all
of the five continents. However, the brilliance
of these Brazilian artists can only be truly
recognized by those who have the opportunity
of being face to face with them. It was about
three hours of chitchat and uncountable
sheets of paper decorated by both. Not even
the wooden table, we sat around, escaped the
twin’s thirst for creation.
While they told us stories and gave opinions
on a variety of themes, from culture to politics,
the four hands did not stop, even for a second,
producing letters, new characters and what
they could not help happening, drawings
to illustrate their narratives. A pause in this
incredible and frenetic rhythm of art generation
only happened when a shoebox filled with
photo albums of their works that are spread
all around the world appeared. An intense
paternal look over the images photographed in
Africa, Netherlands, England, Canada, United
States, Brazil… right in the sequence we
were shown the digital photos, thousands of
them, duly separated and identified in specific
folders on the computer. However, nothing that
compares to the experience of having access
to the twin’s memory catalog, through which
it is possible to get to know at least a part of
these 31 years of life, 20 of them, dedicated
to graffiti and that, in some way, we have the
privilege of sharing through this interview.
Roots dependent on the moment.
The first contact we had with art was within
our family. We already lived in an art related
atmosphere. Our older brother painted and
ever since we were little children we saw him
drawing. Our father would also draw fire trucks
with us, at the time we liked to go see the
fireman… We would take paper, draw, we made
our drawings into comics. We were always
painting. I remember our father would take
us to Liberdade ( a Japanese neighborhood
in Sao Paulo) to buy those Mangás, you
know? We would take the Mangás and copy
them to learn the techniques. We were always
connected to drawing.
Our parents always encouraged us.
The first time
We were born in the Neighborhood of Cambuci,
where everything started. In the beginning of
the 80’s the hip-hop culture was very strong
and there were a few guys who would stay out
late dancing, right in front of our house, hearing
some music and drawing. And we would play
on the street, everyday, with the guys. Playing
with our cars, setting the neighbor’s trashes on
fire and the guys were dancing. Thus we were
introduced to hip-hop as well.
Traduções | Traducciones | Translations
up in 1999. A German artist saw our work and
called us to participate in a show there… since
then we have traveled a lot, we spend a lot of
time out of the country, doing exhibitions.
The coolest thing is that nowadays there
are, if they haven’t yet been erased, a lot of
walls with our drawings on them in countries
like: Germany, France, Spain, Portugal, USA, 010 | 011
South Africa, Cuba, Australia, Greece, Chile,
Argentina… The greatest thing is making art
for the people to see.
Different Cultures
Everywhere we go we learn something
different. It is very nice being able to take some
of our story with us and trade experiences with
other artists in other countries. We always have
a lot to learn… 012 | 013
Inspiration
Everything serves as inspiration. It all
depends on the day, the humor, on what is
happening around us. Life is an inspiration,
what is at the same time good and bad.
There is no explanation, it is something that
happens at the time, it makes us feel like
painting so we paint.
014 | 015
Themes and Style
There is no specific theme we always work
on. The themes are based on our experiences,
on everything that interferes in our life, on our
routine. We have our parallel world. We really
like the regional culture, the typical parties,
carnival and mixing Brazilian elements so we
search for some of this in our work. It is very
016 | 017
The language is the same in all our works.
What changes is that the street that is open
to everything. We view the whole city as a
canvas. The city uses us, so we have to use
the city! We cannot see a wall, if we do, we
already want to stop and draw on it. This is
how our characters are born. We did not study
art, but there is always someone who says
this piece of ours or that one resembles the 018 | 019
work of a famous artist. We actually make it
up on the spot, we don’t think of something
or someone.
020 | 021

I remember the first time we saw the guys 022 | 023

“graffiting” on the street we were with our
parents. When we went out at night, they were
painting across the street from our house. So
we told our mom: We want to do that, buy
some spray. She did and with them we started
discovering, inventing to see what the thing
was and now you have the result!

Details that remain

It’s cool that, before the graffiti itself, the way
we played on the streets already had something
to do with our art today. We had Play Mobils
and constructed buildings. We’d spend a whole
month working on a building, using every single
piece… then when it was ready, we’d set it on
fire! We made the thing real!

This has everything to do with our work today.

We cared and used a lot of detail on our toys.

International Life
We started being recognized in 1993, when
Barry Mcgee (renowned Californian artist)
came to Sao Paulo and saw our work. He
liked it and started disseminating us outside,
he became a real friend of ours. Now, the
invitations for exhibitions only started showing

ZUPI 95
 lulu* (español)
024 | 031
Ilustraciones con estética retro, hechas por
el casamiento de la acuarela con el mouse:
el resultado elegante recibe el nombre de
arte fashion. La ilustradora alemana Lulu
Plasticpirate abusa de este recurso desde
hace algunos años, creando trazos simples,
solamente. De tan simples, estos trazos
fueron responsables por el título otorgado a
024 | 025 Lulu de uno de los 100 mayores talentos de
Alemania, en el año 2006 y también por captar
la atención de Zupi y ocupar nuestro primer
Portfolio. Dibujar bien está de última moda.
[Zupi] Cuéntenos un poco sobre su
vida profesional desde que usted era
estudiante.
Comencé haciendo ilustraciones mientras
estudiaba design. Después de hacer mi tesis
026 | 027 final, comencé a trabajar veinticuatro horas
como profesional. A pesar del trabajo, además
estudié ilustración en la University of Fine Arts
(Universidad de Bellas Artes) en Berlín. Desde
entonces, los días están llenos de excelentes
trabajos y siempre intento encontrar tiempo
para trabajar con nuevos estilos y directrices.
[Zupi] ¿Cómo usted se lanzó como artista
y designer?
028 | 029 Estudié design, como ya mencioné y era muy
concentrada en conceptos de design gráfico.
Pero todavía no estoy segura de la diferencia
entre trabajar como designer y como artista.
Trabajando como artista, usted nunca tiene
una descripción detallada de lo que la otra
persona quiere. El cliente normalmente tiene
algo en mente y quiere que la idea se torne
trabajo artístico. Eso es más un trabajo de
030 | 031 design que de arte.
[Zupi] ¿Por qué usted decidió abrir su
propio estudio de design? ¿Cómo consigue
sus clientes?
Empecé a trabajar en mi propio estudio hace
tres años. Los trabajos eran raros al principio,
entonces empecé a enviar mis obras para
revistas. Desarrollé un estilo durante los
trabajos que hacía para clientes que iba
consiguiendo.
[Zupi] ¿Existe un equipo que trabaja con
usted?
Yo llamaría a mis agentes mi equipo. Cerca
de mí tengo un asistente que me ayuda,
durante algunas horas de la semana, a ver los
impresos y responder a muchos e-mails. Puedo
imaginarme trabajando con un equipo en el
futuro, pero basada más en dirección de arte.
[Zupi] ¿Cuál es la mayor atracción en su
trabajo?
No lo puedo decir, eso es algo que siempre
estuvo allí. Necesito colocar mis ideas dentro
de imágenes y colores.
[Zupi] Cuéntenos sobre su estilo, si hubiera
uno específico.
Al principio hacía vectores gráficos, más que
dibujar con las manos. Estaba solamente
acostumbrada a practicar este estilo,
aunque hiciera collage y otros trabajos de
arte. Después de algún tiempo, empecé a
combinar los estilos y crear algo nuevo. Ahora
estoy entrenando todos los estilos, algo que
realmente me gusta pues no soy como una
computadora que está programada sólo para
una cosa, siempre.
[Zupi] ¿Qué la inspira?
¡Uy, muchas cosas! Tiendas de ropa usada,
libros antiguos, revistas y bagajes de los años
50. Viajar es mi cosa favorita, pero nunca
estuve en Brasil. Me encantaría ir a un país tan
bonito y maravilloso.
[Zupi] ¿Quiénes son los artistas u otros
profesionales que inspiran su trabajo?
Creo que las ideas se pueden sacar de todo
buen trabajo. Es inspirador para mí ver el
trabajo de Andy Warhol o Egon Schiele. Como
ilustradores, me encanta Antonio López que
fue el más importante ilustrador fashion de
los años 70. Rene Gruau que hizo el trabajo
de arte de Dior en los años 50. Y ahora, me
encantan las obras de Stina Person, ¡ella es
realmente bárbara!
ZUPI 96
[Zupi] Cuéntenos sobre las tendencias
visuales. ¿Dónde usted encuentra sus
referencias?
Las librerías son el mejor lugar para encontrar
inspiración. Tengo una colección inmensa de
libros. Los años 70 influenciaron e inspiraron
muchas cosas.
[Zupi] ¿Usted posee algún nuevo proyecto
que pueda contarnos?
¡Estoy trabajando en un personaje que lanzaré
en breve! Me encantaría dar clases y trabajar
con estudiantes.
[Zupi] ¿Usted cree que el design de su país
posee un estilo único?
No, no más. Tal vez el design gráfico de los
años 50 fuese único, pero en los días de
hoy todo el mundo está influido por muchas
culturas. Las personas viajan y estudian en
países diferentes por todo el mundo. Después,
vuelven con estilos nuevos.
[Zupi] Usted tiene una manera característica
de dibujar cosas con un toque femenino.
¿Es difícil ser una muchacha en esta área
específica?
No. Para cada categoría de ilustración siempre
hay muchachos y muchachas trabajando.
Existen más muchachos haciendo ilustración
fashion y me pone feliz el hecho de que ahora,
más que nunca, las mujeres trabajan en este
campo y exploran otros temas de ilustración,
como el modo técnico-arquitectural.
[Zupi] ¿Usted considera necesario estudiar
para tornarse un buen designer?
La mayoría de los buenos designers
estudiaron, pero siempre hay gente realmente
talentosa que logra prosperar. Siempre me
gustó aprender con mis profesores y personas
con quienes trabajé.
[Zupi] ¿Es difícil encontrar un agente que
busque nuevos clientes para usted? ¿Qué
le recomienda usted a cualquier artista para
que pueda encontrar un agente?
En los primeros dos años yo no tenía un
agente, pero después de algunos proyectos
encontré alguien en Nueva York. Con la
competencia, conseguí un contrato con mis
agentes japoneses que ahora administran
todo para mí, en términos globales. Eso tiene
mucho que ver con ser dependiente y hacer
trabajo de calidad. Nunca desista de divulgar
sus trabajos, éste es mi consejo.
[Zupi] Usted ha hecho muchas ilustraciones
para revistas de todo el mundo. ¿Cómo
explica su éxito?
Trabajo pesado y mucha diversión al trabajar
durante la noche.
[Zupi] ¿Algún comentario para sus
admiradores brasileños?
¡Uy! Admiradores. ¿Yo tengo admiradores?
> www.plasticpirate.com
lulu* (english)
024 | 031
Illustrations as retro esthetics, made through
the marriage of the watercolor and the mouse:
the elegant result is given the name of fashion
art. The German Illustrator Lulu Plasticpirate
has been abusing this resource for some time,
creating merely simple traces. So simple, these
traces were responsible for the title awarded to
Lulu as one of the 100 best German talents, in
2006 and also for capturing Zupi’s attention.
Drawing well is the latest fashion.
[Zupi] Tell us a little about your professional
life since your were a student.
I began illustrating while I studied design. After
presenting my final thesis, I began working 24
hours as a professional. Despite working, I still
studied illustration in the University of Fine Arts
in Berlin. Since then, the days are filled with
excellent work and I always seek time to work
with new styles and directions.
[Zupi] How was your launch as an artist and
designer?
I studied design, as I’ve mentioned earlier
and was very focused on concepts of graphic
design. But I am still unsure of the differences
between working as a designer and as an
artist. Working as an artist, you are never given
a clear description of what the other person
wants. The client generally has something on
his mind and wants it to become artistic work.
This is more a designer’s work than art.
[Zupi] Why did you decide to open your
own design studio? How do you find your
clients?
I began working in my own studio 3 years ago.
Work was rare at first, so I began sending my
work to magazines. I developed a style during
the production of my work for the clients that
started to come up.
[Zupi] Is there a team that works with you?
I would call my agents my team. Close to me
I have an assistant that helps, during some
hours of the week, handle print outs and
answer many e-mails. I can imagine myself
working with a team in the future, however,
more focused on art direction.
[Zupi] What is the biggest attraction in your
work?
I can’t say - that is something that has always
been there. I have to put my Ideas Inside
Images and colors.
[Zupi] Tell us about your style, if there is one
specifically.
At first I made vector graphics, more then
hand drawings. I was only used to practicing
this style, even though I made some collages
and other types of artwork. After some time,
I started working with combinations of styles
to create a new one. Now I am practicing all
styles, something I really like because it differs
me from a computer that is programmed for
the same thing, always.
[Zupi] What inspires you?
Wow, many things! Vintage shops, antique
books, magazines and baggage from the 50’s.
Traveling Is my favorite thing, but I have never
been to Brazil. I would love to go to such a
pretty and wonderful country.
[Zupi] Who are the artists or other
professionals who inspire your work?
I find ideas can be taken from any piece of
good work. It Is Inspiring for me seeing the
work of Andy Warhol or Egon Schiele. As for
Illustrators I love Antonio Lopez who was the
most important fashion designer of the 70’s.
Rene Gruau responsible for Dior’s artwork
in the 50’s. Today, I love the work of Stina
Persson, she is really fantastic!
[Zupi] Tell us about visual tendencies.
Where do you find your references?
Bookstores are the best places to find
inspiration. I have an immense book collection.
The 70’s influenced and inspired many things.
[Zupi] Do you have a new project you can
tell us about?
I am working on a new character I will launch

soon! I would love to lecture and work with
students.
[Zupi] Do you think your country’s design
has an unique style?
No, not anymore. Maybe the graphic design
In the 50’s was unique but today everyone is
influenced by many cultures! People travel
and study in different countries all around the
world. Then they come back with new styles.
[Zupi] You have a very characteristic way
of drawing with a feminine touch. Is it hard
being a girl In this specific area?
No. For every category of illustration there are
always boys and girls working. There are more
men doing fashion Illustration and It makes me
happy that in fact now, more the ever, women
work in this field and explore other themes of
Illustration, like technical architectural forms.
[Zupi] Do you find it necessary to study to
become a good designer?
Most of the good designers studied, but there
are always very talented people that manage
to prosper. I have always liked to learn from my
teachers and people I worked with.
[Zupi] Is it hard to find an agent that
prospects new clients for you? What do you
recommend to any artist so one can find an
agent?
The first two years I did not have an agent,
but after some projects I found someone in
New York. With the competition, I got myself
a contract with my Japanese agents that now
look after everything for me, in global terms.
This has a lot to do with being Independent
and producing quality work. Never give up
disseminating your work, this is my advice.
[Zupi] You have made many illustrations for
magazines from all over the world. How do
you explain your success?
Hard work and a lot of fun as I work during
the night.
[Zupi] Any comments for your Brazilian
fans?
WOW FANS! I HAVE FANS...?
> www.plasticpirate.com
loja (español)
032 | 033
Publicidad, Propaganda y Creación: un
trabajo que involucra al universo creativo con
la concentración en ventas. ¿Cómo vender su
producto de forma creativa, empezando por
su propia agencia? El publicitario brasileño
Marcelo Giannini encontró la solución para
este briefing.
Después de años al frente de la creación de
grandes agencias de publicidad del eje Rio-
São Paulo, Giannini resolvió reunir todo el
conocimiento acumulado a lo largo de su muy
exitosa carrera y partir hacia un nuevo desafío.
Quien pasa por el barrio de Laranjeiras en
Rio de Janeiro y se depara con la fachada
de la Loja Comunicación, cuestionará si está
delante de una tienda de muebles o una feria
de antigüedades de estética marroquí. Sin
embargo, Giannini posee un eslogan más
estratégico: la Tienda es la primera Hot Shop
(Boutique Creativa) carioca.
Tratando de desvincularse de los conceptos
repetidos relacionados al modelo de
“agencia”, la Tienda Comunicación
trata de establecerse como empresa
de comunicación para la generación de
ideas mercadológicas que tengan como
sustancia la convergencia, la interactividad,
la emoción, la experiencia, la vivencia y el
valor de marca. ¿Curiosos? ¡Las puertas de
la Loja están abiertas para ustedes!
> www.lojacomunicacao.com
loja (english)
032 | 033
Publicity, Advertising and Creation: a job
that involves the creative universe focused
on sales. How to sell your fish creatively,
starting with your own agency? The Brazilian
Advertiser Marcelo Giannini found the solution
for this briefing.
After years ahead of the creative team of big
advertising agencies in the axis Rio-São Paulo,
Giannini decided to gather all the knowledge
acquired throughout his successful career and
go after a new challenge. Who ever passes
through the neighborhood of Laranjeiras in
Rio de Janeiro and runs into the facade of
the Loja Comunicação, will question weather
one is facing a furniture shop or an antique fair
with Moroccan esthetics. However, Giannini
possesses a more strategic slogan: the store is
the first Carioca Hot Shop (Creative Boutique
in Rio).
Attempting to free itself from the worn out
concepts of the original model of “agency”,
the Loja Comunicação aims to establish
itself as a company of communication for
generation of marketing ideas composed of
emotion, experience, change, interaction and
brand value. Curious? The store is open, come
on in!
> www.lojacomunicacao.com
adams & knight (español)
034 | 035
Localizada en la ciudad de Avon, en el estado
norteamericano de Connecticut, la agencia de
comunicación de marketing integrado Adams
& Knight actúa en las áreas de publicidad,
marketing digital y relaciones públicas.
Con 47 empleados, la agencia creó un
espacio cercado por una gran área verde. Son
50 jardines, excelentes para una caminata 032 | 033
tras un almuerzo o, inclusive, un paseo en
bicicleta. La idea fue proporcionar un lugar
donde se pueda producir un buen trabajo y al
cual los clientes tengan interés en visitar.
Y si el exterior de la empresa es uno de los
destaques de Adams & Knight, el diseño de
interiores del edificio gana en sofisticación.
Utilizando elementos de estilo vintage,
el ambiente es una verdadera fuente de 034 | 035
inspiración para los profesionales creativos.
Afiches de cine y publicidad, amuletos y
logotipos famosos del final de la década
del 50 dan un aspecto retro e inusitado al
ambiente de trabajo de la agencia. Inclusive
surtidores de gasolina de la época se utilizan
como adornos por los corredores.
Pero el gran atractivo del local es el comedor
situado en el centro del edificio. Una relectura
de los clásicos mostradores de cafeterías
norteamericanas del período pos Segunda
Guerra, hecho de acero inoxidable. Inclusive
una máquina vintage de la Coca-Cola y un
Jukebox marcan presencia en el espacio.
> www.adamsknight.com
adams & knight (english)
034 | 035
Located in the city of Avon, in the North
American state of Connecticut, is Adams
& Knight, a Marketing and Communication
Agency that acts in the areas of advertising,
publicity, digital marketing and public
relations.
Composed by 47 employees, the agency
created a space surrounded by a huge green
area: 50 gardens, great for a walk after a meal
or even a bicycle ride. The idea was to provide
a pleasant working environment where good
work can be produced and a place that clients
will be interested in visiting.
If the exterior of the company is one of the
highlights of Adam & Knight, the interior
design of the building wins in sophistication.
Using vintage style elements, the place is a
real fountain of inspiration for the creative
professionals. Movie and advertisement
posters, famous mascots and logos from the
50’s create a retro style and an unusual work
environment for an agency. Even gas pumps
from the time are used as adornments around
the corridors.
However, the big attraction of the place is the
cafeteria located in the center of the building.
An adaptation of the classic North American
diners, from the post World War II period made
of stainless steel. Even a vintage Coca-Cola
machine and a jukebox are present in the
diner.
> www.adamsknight.com
ZUPI 97
 uxus (english)
036 | 037
Érase una vez Uxus. Una agencia creativa
multidisciplinaria holandesa con una amplia
área de actuación (arquitectura, branding,
embalajes, entre otras). Un buen día, los
habitantes de esa oficina decidieron duplicar
el tamaño del local (actualmente de 135 m²
x 275 m²) y, junto con la ampliación, todo el
diseño del ambiente también pasó por una
036 | 037 interesante renovación.
Inspirado en el mundo de las fábulas, el
interior de la agencia crea una atmosfera
misteriosa y poética. Historias como “El gato
con botas” y “Caperucita roja” son ejemplos
de cuentos que estimulan la imaginación de
cualquiera. Al ser una agencia creativa, Uxus
propone un ambiente de trabajo que agregue
esa función al día a día de los profesionales
que por allá pasan.
El ambiente explota los espacios vacíos
y fortalece la unidad visual del local a
través de muebles y lámparas de aspecto
contemporáneo. La forma de esos elementos
y de otros con carácter más decorativo fue
trabajada para fortalecer la alusión al universo
rico e imaginativo de una buena fábula. ¡Y
ellos vivieron felices para siempre!
068 | 069
> www.uxusdesign.com
uxus (english)
036 | 037
Once upon a time there was Uxus. A very
creative Dutch multidisciplinary agency that
070 | 071 acts on a wide variety of areas (architecture,
branding, packaging, amongst others) One
fine day, the inhabitants of this office decided
to double its size (currently 135m² x 275m²)
and, along with this enlargement, all the
environment’s design also went through an
interesting renovation.
Inspired on the world of fairy tales, the inside
072 | 073 of the agency creates a mysterious and poetic
atmosphere. Stories like “Puss in Boots” and
“Little Red Riding Hood” are examples of tales
that stimulate anyone’s imagination. Being
a creative agency, Uxus proposes a work
environment that adds this element to the
routine of the professionals that go by there.
The environment explores the empty spaces
and reinforces the visual unison of the place
074 | 075 through the use of contemporary aspects
present in furniture and lamps. The shapes
of these elements and others with a more
decorative character were projected to
strengthen the allusion to the rich and
imaginative universe of a fable. And they lived
happily ever after!
> www.uxusdesign.com
ZUPI 98
irmãos campana (español)
068 | 075
Humberto y Fernando Campana, nacidos en
una estancia en el interior de San Pablo, solían
hacer juguetes de madera y ver películas
italianas. Hoy venden muebles para bancos
y museos europeos, crean muebles para la
principal marca italiana de design mobiliario,
EDRA, y poseen una oficina en el corazón
de San Pablo – ciudad por la cual están
encantados. Ese cambio radical de vida no
les cambió la forma de ver el mundo, un poco
fantástico, como mostraron durante una tarde
agradable en su taller.
Se cree que los hermanos Campana todavía
tienen un principio completamente original
dentro de un universo creativo demasiado
rápido. Analizados y adorados por grandes
entendedores de cultura, la dupla se revela
como producto genuinamente brasileño,
a despecho de los rótulos de tupí-guaraní.
Conectados a las formas urbanas de nuestras
metrópolis y materiales de uso cotidiano,
derrochan un carisma envidiable, mostrando
el alma de una simple silla y los secretos de
dos personalidades únicas.
OPINIÓN
Nuestro trabajo es minucioso pero es muy
imperfecto también. Trabajamos con la
imprecisión, sin muchas reglas, tratando
siempre de contaminar a los otros con lo
nuevo. La regla es dar libertad para quien lo
quiera hacer, rever la producción industrial,
humanizar el design, no siendo más esa cosa
de plástico que parece siempre hecha por el
mismo autor. La silla ya fue inventada, sería
pretencioso inventarla de nuevo, por eso la
pieza tiene que emocionar. Usted corre el
riesgo de que su mueble sea acusado de no
muy cómodo y muchas veces no es así, pero
debe ser osado. No basta tan sólo ser bonito,
elegante, si no agrega nada. Uno está en el
año 2006 y se notan muchas cosas italianas
made in Brazil pero, ¿qué hay de nuevo en
investigación en las raíces del país, en las
culturas?
LA SILLA ROJA
Estamos tratando de crear nuevos acolchados,
para revestir lo que ya es un ícono: la silla.
Está claro que, por tras de eso, existe una
construcción, una ingeniería que a veces
parece ser muy casual, pero no lo es. La silla
de cuerdas rojas fue la primera pieza nuestra
producida en Italia y que nos proyectó.
Siempre hacemos estudio de materiales.
Un día compramos un rollo de cuerdas y lo
trajimos para la oficina. Al tirarlo sobre la mesa,
se deshizo. Nosotros nos miramos y dijimos:
“¡Es la silla que queríamos hacer!”. Siempre
quisimos trabajar con des-construcción y
Brasil es un país así: toda esa fusión de razas,
no posee un orden. Quisimos hacer una cosa
que reflejara esa esencia.
INFANCIA
Es posible identificar en nuestros trabajos
los objetivos que teníamos en la infancia.
Aprendimos creando nuestros propios juguetes
con bambú, barro - en la época usábamos
lata, ni siquiera aluminio. Somos del interior
y era gracioso porque nuestro padre nos traía
para las tiendas Mappin todas las Navidades.
Eran los años 60 y la tienda tenía un montón
de juguetes importados. Pero aquellos carritos
con control remoto no tenían gracia, después
de media hora ya no importaba. Pues el
mundo de allá era diferente, había caballos,
riachos; hacíamos casas en los árboles,
puentes de bambú, una casa conectada a
la otra...y estaba el cine también, que era la
ventana para el mundo: pasaban Polanski,
Fellini, Kubrik, “La naranja mecánica”. ¡Usted
tenía que ver el buen gusto que había en
aquella época! Eso nos dio una base muy
buena: ligar la raíz brasileña de la estancia
con la sofisticación italiana, de espacios, del
mueble mismo.
INSPIRACIÓN
San Pablo, la forma en que vivimos, los
cambios radicales que en todo momento
tenemos que enfrentar son lo que nos inspira.
Esa fragilidad que es Brasil; no se puede tener
seguridad en nada, desde salir a la calle hasta
los políticos, la democracia frágil. El miedo a lo
que puede ocurrir hasta una próxima elección
de Lula. Son los elementos que incentivan
nuestra creación.
TRABAJO
Fernando es designer industrial y es mucho
más práctico que yo. Soy más onírico. Dejé
la carrera de Derecho cuando vi que no tenía
nada que ver conmigo, que estaba perdiendo
mi tiempo y que sólo hacía eso por estar
acomodado, por querer agradar a mi familia.
Lo que quería de veras era ser artista plástico,
escultor. Siempre trabajé con las manos.
Resolvimos hacer las cosas, juntos, hace
22 años. Yo tenía el taller aquí en San Pablo,
cuando Fernando vino a hacer una entrega
de Navidad y vio un potencial de trabajo allí.
Comenzamos a hacer objetos en mármol, a
estudiar granitos y ahora tenemos un equipo
que produce algunas cosas, aunque en
pequeña cantidad, pues queremos mantener
la calidad y la esencia del trabajo aquí, en
el estudio. Lo genial es convivir con eso de
mostrar y ser honesto, ¿sabe? Por ejemplo,
no quería ver nuestro espacio blanquito,
lindito con muebles de otros designers.
Creo que ésa es nuestra historia, nuestro
laboratorio de pruebas.
> www.campanas.com.br
irmãos campana (english)
068 | 075
Humberto and Fernando Campana, born in
a farm in the countryside of Sao Paulo, they
used to make wooden toys and watch Italian
movies. Today, they sell furniture to European
banks and museums, create furniture for
EDRA, the main Italian brand of designer
furniture, and have an office in São Paulo- city
they absolutely love. This radical life change
did not change the way they see the world, a
little amazing, as they showed us on a pleasant
evening in their workshop.
It is believed that the Campana brothers still
possess a completely original principle inside
a very quick creative universe. Analyzed and
adored by culture experts, the pair is revealed
as a genuinely Brazilian product, in despite of
Tupi-Guarani labels. Connected to the urban
forms of our metropolis and routines, owners
of an enviable charisma, showing the soul of
a simple chair and the secrets of two unique
personalities...
OPINION
Our work is extremely detailed and very
imperfect as well. We work with imprecision,
with very little rules, always trying to
contaminate others with the new. The rule is
to give liberty to whoever wants to do things,
review the industrial production, humanize
design, so it isn’t just that plastic thing that
always seems to have the same author. The
chair has already been invented, it would be
pretentious to invent it again, therefore it has

to bring out emotion. You run the risk of your
furniture being labeled as uncomfortable and
many times it really isn’t comfortable, but it
must be bold. It is not enough to be pretty,
elegant, if it does not add anything. We are in
2006 and the amount of Italian things made
in Brazil is notable, but what is in fact new in
research or investigation in the country’s roots,
culturally?
THE RED CHAIR
We are attempting to create new padding, to
fill what already is an icon: the chair. Of course
that, behind all this, there is a construction,
an engineering that sometimes seems to be
very casual, but it is not. The red rope chair
was the first of our pieces produced in Italy
and that projected us. We always research
materials. One day we bought a roll of rope
and brought it to the office. When we through
it over the table, it undid itself. We looked at
each other and said: “It’s the chair we wanted
to make!”. We have always wanted to work
with deconstruction and Brazil is the country
for this: the fusion of races does not have an
order. We wanted something that reflected this
essence.
CHILDHOOD
In our work one can identify, the objectives we
had in our childhood. We learnt our craft by
creating our own toys out of bamboo, mud – at
the time we used tin cans, not even aluminum.
We were from the countryside and it was funny
because every Christmas our dad would bring
us to Mappin (a very big department store in
the city). It was the 60’s and the store was
filled of imported toys. But those remote
control cars were no fun, after half an hour we
couldn’t care less about them. The world we
lived in was different, there were horses, rivers,
we made tree houses, bamboo bridges, one
house linking to the other…and there were the
movies too, a window overlooking the world:
it showed Polanski, Felini, Kubrik, “Clockwork
Orange”. You had to see the good taste of
the time! All this gave us an excellent base:
linking Brazilian roots from the farm to Italian
sophistication, for space, for actual furniture.
INSPIRATION
São Paulo, the way we live, the radical
changes we have to face all the time are what
inspire us. This fragility Brazil represents, one
can’t feel security anywhere, from walking on
the street to Brazilian politicians, the fragile
democracy. The fears of what can happen
until Lula’s next election… are elements that
stimulate our creation.
WORK
Fernando is an industrial designer and is much
more practical then I am. I am
more of a dreamer. I abandoned my law degree
when I realized it had nothing to do with
me, that I was wasting time and only going
through with it because I was accommodated,
because I wanted to please my family. What I
really wanted was to be a fine artist, sculptor.
I always worked with my hands. We decided
to do things together 22 years ago. I had a
workshop here in Sao Paulo, when Fernando
came to make a Christmas delivery and
saw work potential there. We began making
objects out of marble, researching granites
and now we have a team that produces some
things – still in small quantities, because we
want to keep the quality and essence of our
work here in the studio. What is cool is to live
with it showing it and be honest, you know?
For example, I wouldn’t want to see our space
all nice and white, filled with other designer’s
furniture. I think this is our story, our proof lab.
> www.campanas.com.br
tavis coburn (español)
076 | 087
Tavis Coburn es norteamericano, ilustrador
y enviciado en libros antiguos. Está
constantemente atareado frente a las
computadoras, donde hace trabajos digitales
usando softwares como 3D, Cinema 4D, Maya,
Z-Brush y Photoshop. En las horas libres,
coquetea con actividades de disc jockey,
practica hockey y skateboard. Cuando era
pequeño viajó muchas veces por los Estados
Unidos y Canadá, trayendo el karma del
“muchacho nuevo” de todo el vecindario que
llegaría a frecuentar.
Inevitable no asociar el arte de Tavis al estilo
retro, muy en boga en la música de los días de
hoy, en vestimentas y arte. Sus ilustraciones
son una feria americana cultural de ideas y
estética que presta homenaje al universo del
pasado, a la poesía y al desgaste visual.
Por esos y otros motivos, el “muchacho nuevo”
llegó lejos. De tan lejos que llegó, se transformó
en “muchacho viejo”.
Epa, viejo no. Retro.
[Zupi] ¿Cómo fue su infancia en Canadá?
Nací en London, Ontario (CA), en 1975. Mi
padre era banquero y mi madre ama de casa.
Mientras mi padre subía en las clasificaciones
en su empresa, nos mudamos por Canadá
algunas veces. Yo era, constantemente, el
“muchacho nuevo” de la escuela.
Considero Toronto mi ciudad natal pues fue
la última parada de todas las mudanzas. Tuve
una infancia típica en Canadá, jugué al hockey
a nivel competitivo hasta los 17 años de edad.
También me reunía muchas tardes después de
la escuela para jugar al otro deporte preferido
de Canadá: road hockey - similar al hockey
pero sin el hielo y sustituyendo el disco por
una pelota de tenis. Irónicamente, mi verdadero
amor en los deportes fue el skateboard, que
practicaba casi todos los días y hasta llegué a
construir una rampa en mi garaje.
Después de graduarme en el colegio, me
matriculé en el Ontario College of Art y lo
detesté. No era lo que estaba buscando. Por
capricho hice un requerimiento al Art Center
College of Design, en Los Ángeles (USA). Era
la escuela de mis sueños, grandes ilustradores
que admiraba se habían graduado allá y yo
sentía que podría hacer arte/design/ilustración
(como quiera llamarlo) una carrera exitosa. No
tenía idea si mi trabajo estaba de acuerdo con
sus patrones, de cualquier forma, ellos vieron
algo en mi currículo, pues me aceptaron el
pedido y me mudé para Los Ángeles en 1994.
[Zupi] ¿Usted se acuerda del primer contacto
que tuvo con el arte?
Mm, pregunta difícil. No estoy seguro, pero
me acuerdo de que me enloquecía por ir a la
biblioteca cuando era niño. La sección infantil
no me interesaba y yo iba para la sección de
“libros grandes” y profundizaba en todo: desde
ciencia a kung-fu y, mi favorito, la maquinaria
militar. No era por las palabras, sino por las
imágenes e ilustraciones. El segundo contacto
fue con mis juguetes, pues crecí en una era
maravillosa de juguetes. Mi primer amor
fueron los autos, tanques y vehículos militares
Matchbox. No sólo los vehículos Diecast, sino
también el arte de los embalajes. Star Wars fue
una obsesión, luego vino G. I. Joe y, por último,
The Transformers. Con eso pasé largas noches
de invierno inmerso en mi imaginación. Mis
juguetes se volvieron mis amigos y adversarios
mientras yo navegaba por estos mundos
extraños que creaba. Amaba esta arte pues ella
traía objetos inanimados a la vida. Me permitía
asumir el control a partir del punto en que el arte
dejaba la caja. Aquéllos se tornarían la chispa
para que la historia se desdoblara. El argumento
final y probablemente más importante fueron
las historietas. Fui básicamente un “junkie” de
las historietas cuando era joven. Comparaba
un montón de historietas y comenzaba desde
la primera página del tope de la pila, rehaciendo
cada cuadro, cada villano y héroe. Cualquier
oportunidad que tuviera de trabajar en un libro
de historietas o personajes, yo lo haría.
[Zupi] ¿Podemos asociar su trabajo a los
posters soviéticos y a la estética publicitaria
en los anuncios del período norteamericano
de pos-guerra?
Sí, totalmente. Ambos me alimentaron con
aprendizaje de diseño, inspiración, proceso
y espanto. Los artistas y diseñadores de
aquella época tenían herramientas muy básicas
comparadas a las que tenemos ahora para
crear e imprimir aquellos posters. Tal vez usar
menos herramientas tornase sus vidas más
fáciles y simples. Ellos eran muy talentosos;
todavía no estoy seguro de que mi trabajo 076 | 077
esté a su altura. A propósito, espero que lleve
toda mi vida llegar a un lugar donde todo lo
que se cree sea perfecto y poderoso, eso me
da razón para despertarme todos los días.
Intenté, todo el tiempo, hacer cosas simples y
limpias. Los directores de arte, especialmente
los más jóvenes, siempre quieren poner más
cosas en una obra. Es como si pensaran que el
público es burro y necesita estar condicionado
a ese concepto. Mi trabajo siempre se 078 | 079
jode debido a tipos como éstos. Un día me
gustaría hacer una presentación de todos mis
sketches rechazados. De cualquier forma, es
definitivamente un elogio ser comparado a
aquellos diseñadores, por lo tanto, gracias.
[Zupi] Esta arte retro (o vintage) está muy en
boga en los días de hoy. ¿Usted piensa que
eso puede depreciar su estilo? 080 | 081
Creo que no. Mi trabajo parece antiguo por
muchas razones. El proceso es la primera de
ellas. El amor y admiración por los artistas que
mencioné en la última pregunta son la segunda.
Y la tercera es la suma de aprendizaje que tuve,
relacionada al hacer artístico, de los años que
pasé en el Art Center. Tuve grandes instructores
como Rob y Christian Clayton, Jason Holley,
Jim Heimann y David Mocarski. Debo mucho
a estos tipos. Aprendí igualmente estudiando 082 | 083
ilustradores y diseñadores desde 1900 hasta
1960, lo que no necesité forzar. Cuando
pintaba, todo salía como una ilustración de los
años 50 ó 60, y cuando hacía diseño, parecía
un poster de propaganda o anuncio de la
revista Fortune (de los años 40). Las personas
siempre preguntan por qué mi trabajo es así.
Yo les digo que nací en el siglo equivocado.
En verdad, yo simplemente no pienso en eso.
Comienza con una imagen en mi mente y las 084 | 085
manos hacen lo posible para recrearla. A veces,
mi asistente me pregunta: “¿Por qué usted
puso esa forma allí?”. Generalmente respondo:
“No lo sé”. Parecía correcto colocarla allí. Si
alguien estuviera intentando hacer que su arte
parezca antigua - pues eso suena como una
tendencia en el arte comercial y la propaganda,
y hará su arte más comercializable - es una
elección pobre. Las personas pueden ver más
allá de eso. Eso debe venir desde su alma. 086 | 087
[Zupi] Sus trabajos están conectados a la
estética de la publicidad antigua. ¿Cómo
asociar publicidad y mercado a un estilo tan
autoral?
Bien. Ésta es una cuestión que los artistas que
están haciendo la mayoría de sus trabajos para
clientes, a revés de sí mismos, deben estar
preguntándose todo el tiempo. Es la parte
más difícil del mi trabajo. No soy realmente
un artista plástico. Artista sí, diseñador sí,
ilustrador sí. Pero los temas de mi trabajo
están basados en palabras de escritores o en
la necesidad de una buena pieza de arte para
vender algo. Respeto el graffiti y los artistas de
calle, pues ellos tienen que mostrar al mundo
su arte sin que ningún cliente o director de
arte los contamine con ideas. Ellos crearon
un cuerpo de trabajo con conceptos propios
y, cuando las empresas llaman, permiten que
ellos tengan un poco más de reinado libre. Las
empresas sienten que pueden intimidarnos un
poco más. Tal vez cobremos un poco más, por
conocer el mercado, y ellos sienten que deben
hacer valer su dinero. Es muy bueno que el
arte urbano haya tenido ese resurgimiento en
la última década. Y él tan sólo va a crecer más
y más, especialmente con todo el destino y la
oscuridad que parece estar en el horizonte.
[Zupi] ¿Eso significa que la sociedad está
tan metida en la sociedad de consumo que
el propio consumo ya es una forma de arte?
Sí, es más o menos como yo iba diciendo
anteriormente. La línea entre estos dos está
evolucionando de forma constante. Los artistas
que están trabajando con estas 500 empresas
ZUPI 99

afortunadas, están tornándose parte de nuestra
cultura popular. De muchas formas, el producto
y las empresas acaban haciéndose famosos:
las personas identifican a uno y otro por medio
de objetos materiales. Dónde usted vive, qué
dirige, qué viste... nosotros estamos marcados
con logotipos de empresas, con paquetes
específicos. La mayor parte de esta imagen es
generada por artistas y diseñadores de esas
empresas: los que sacan dinero de personas
que quieren tener unos anteojos de Channel.
En el caso de que usted le muestre a alguien en
la calle, en cualquier lugar del mundo, un par de
zapatillas de tenis Nike, el 99% de las personas
dirá que es Nike. En el caso de que usted les
pregunte a las mismas personas quién fue el
que las diseñó, casi nadie lo sabrá. Sí, es uno
de los logotipos más reconocidos del mundo.
Nosotros (artistas y diseñadores) que creamos
arte para estas empresas debemos sentarnos
en el banco de atrás en esta máquina que dirige
la necesidad del arte popular, y sentir orgullo
por el hecho de que medio millón de personas
hayan visto algo que creamos. Poquísimas
personas pueden decir eso. En mi opinión, el
mundo de las artes plásticas es diferente. Las
personas sienten como si precisaran saber
todo sobre la persona que creó el arte, pues
las ayuda a disecar y a entender el sentido
de la obra: entendiendo el sentido, se puede
entender el arte.
[Zupi] Por su estilo, ¿qué herramientas utiliza
para diseñar?
Mi estilo es un híbrido de algunos elementos.
Obviamente la vanguardia rusa, los posters
americanos de los años 40 y 50, ilustraciones
de los años 30 hasta los años 70. Pintores como
Caravaggio, Sargent, Bacon, Warhol, Basquiat,
Motherwell. Diseñadores como Saul Bass, Paul
Rand, Art Paul... ¡Y no me haga comenzar a listar
los diseñadores mobiliarios que me influyeron!
La lista iría lejos. Mezcle las cosas que amo
visualmente y usted tendrá mi estilo. Alguien
ya describió mi trabajo como modernista.
Yo estaba pintando, haciendo grabados y
diseñando de forma muy modernista cuando
llegué a los procesos que los ilustradores ya
usaban desde hace años. Elegí otro camino
para crear mi arte. Parecía bastante pomposo
y yo no era el único tipo intentando agarrar
este influjo de computadoras y aplicarlo a mi
trabajo de modo de hacerlo parecer real, no
“generado por computadoras”. Mi trabajo es
completamente digital, excepto por un paso. Al
comienzo, pintaba todos los elementos a mano,
con guache y los llevaba al scanner. Construía
formas vectoriales en el Illustrator y exportaba
todas las piezas como película. Después de
eso, revelaba telas de silk screen a partir de las
películas y reimprimía la ilustración en 4 colores
(CMYK). Hoy mi proceso lleva menos tiempo,
pero todavía es bastante complicado. Todos
mis elementos son inicialmente creados en
programas de 3D, Cinema 4D, Maya y Z-Brush.
De personas a cohetes, todos son construidos
en programas de CG. Los elementos orgánicos
son todos hechos en estos programas, y
después usados como referencia para pintar en
el Corel Painter.
> www.taviscoburn.com
ZUPI 100
tavis coburn (english)
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Tavis Coburn is North American, illustrator
addicted to antique books. He is constantly
busy facing his computer, where he makes his
digital work using software like 3D, Cinema
4D, Maya, Z-Brush and Photoshop. In his
spare time, he flirts with DJ activities, practices
hockey and skateboarding. When he was a
child he migrated many times through the USA
and Canada, carrying with him the karma of
being “the new kid” of the neighbourhood.
It is impossible not to associate Tavis’ art to
a retro style, very fashionable nowadays, in
music, clothes and art. His illustrations are
a cultural vintage shop filled with ideas and
esthetics that are compliments to a past
universe, to poetry and to worn out visual
elements.
Due to all this, and some more, “the new kid”
went far. So far, he became “the old kid”.
Oops, not old. Retro.
[Zupi] How was your childhood in Canada?
I was born in London, Ontario (CA), in 1975. My
dad was a banker and my mom a housewife.
While my dad climbed the company’s rankings,
we moved around Canada a few times. I was
constantly “the new kid” at school.
I consider Toronto my hometown because it
was the last stop after all the moving. I had a
typical childhood in Canada, played hockey
at a competitive level until I was 17 years
old. I also got together with my friends after
school to play Canada’s second favorite sport:
road hockey – similar to hockey but with no
ice, and the puck is substituted by a tennis
ball. Ironically, my true love for sports lay in
skateboarding, which I practiced everyday, I
even built a ramp in my garage.
After I graduated from high school, I enrolled in
the Ontario Collage of Art and hated it. It was
not what I was looking for. On a whim I applied
to the Art Center College of Design, in Los
Angeles (USA). It was my dream school, the
great illustrators I admired all graduated there
and I felt that there I could make art/design/
illustration (as you wish to call it) a successful
career. I had no idea if my work followed their
standards, anyway, they saw something in my
portfolio, because my request was accepted
and I moved to LA in 1994.
[Zupi] Do you remember your first contact
with art?
Hmm, tough question.  I’m not sure which
came first but I remember falling in love with
going to the library when I was a kid.  The
children’s section didn’t interest me.  I would
wander off into the “big book” section, and just
dig into everything.  From science to Kung-Foo,
and my favorite, military hardware.  It wasn’t
the words but the pictures, and especially
the illustrations that got to me. The second
contact was my toys. I grew up in an amazing
era of toys.  My first love was “Matchbox”
cars, trucks and once again military vehicles.  yes, but the topics of my artwork are based on
It was not only the die-cast metal vehicles but
also the artwork on the packages.  Star Wars
was an obsession, and G.I. Joe came shortly
afterward, lastly followed by The Transformers.  without any client or art director contaminating
With them, I spent lots of long cold winter
nights diving deep in my imagination.  My toys
became my friends and foes as I navigated my
way through these strange worlds that I had
created.  I loved that art because it brought
that inanimate object to life.  It let me take over
where the art on the box left off.  Those would
become my spark for the story to unfold.  The
final and probably the most important contact
would be comic books.  I was basically a comic
book junkie at a very young age.  I would buy a
stack of comics and starting with the first page
of the comic on the top of the stack, re-draw
every panel, every villain, and every hero.  Any
chance I had to work on a comic book, I would
do so.   inserted in the consumption society that
[Zupi] Can we associate your work to soviet
posters and the advertising esthetics in the
North American post war ads?
Yeah totally.  Both provide me with design
knowledge, inspiration, process, and
amazement.  The artists and designers of
those times had very basic tools compared to
what we have now to create and print those
posters. Maybe having less tools to use made
their lives easier, simpler.  They were really
talented.  I’m not sure if my work is there yet. 
Actually I hope it takes my entire lifetime to get
to a place where everything you create is so
insanely perfect and powerful. It gives me a
reason to wake up everyday.  I try all the time
to make things simple and clean. Art directors,
especially young ones, always want more stuff
in the piece.  It’s like they think the audience
is dumb, and they need to be walked through
the concept.  My work gets fucked up all the
time because of guys like that.  I’m going to
have an exhibition one day of all of my rejected
sketches. Anyway, it’s definitely a complement
to be associated with those designers, so
thank you.
[Zupi] This form of retro art (vintage) is
fashionable at the moment. Do you think
that this can depreciate your style?
No I don’t think so.  My work looks old due to
many reasons.  My process is the first reason. 
The love, and admiration for the artists, that
we talked about in the last question is the
second. The third is the amount of knowledge
I gained about the art making process, from
my years at Art Center.  I had great instructors
like Rob and Christian Clayton, Jason
Holley, Jim Heimann, and David Mocarski.
I owe those guys a lot. I also learned an
equal amount from studying illustrators and
designers from the 1900’s to 1960’s.  I didn’t
have to force it.  When I painted everything
came out looking like an illustration from
the 50-60’s, when I designed something it
looked like a propaganda poster or an ad in
a 40’s edition of Fortune magazine.  People
always ask me why my work looks the way
it does. I tell them that I was just born in the
wrong century.  To be honest, I just don’t
think about it.  I really don’t force anything.  It
just starts with an image in my mind and my
hands do the best that they can to recreate
it. Sometimes my assistant will ask me,
“Why did you put that shape there?” I usually
answer, “I don’t know” it just feels right to put
it there.  I think if someone is trying to make
their art look vintage, because of a possible
trend in commercial art and advertising, and
they think it’s going to make their art more
marketable it is a very poor choice.  People
can see right through it.  It really has to come
from your soul. 
[Zupi] Your pieces are connected to
older esthetics of advertising. How do
you associate such a personal style to
advertising and the market?
Well, It’s a question that artist’s who are doing
the majority of their work for a client instead
of for them, must be asking themselves all the
time. It’s the toughest part of my job. It’s why
I have piles of rejected sketches I’m really not
a fine artist. Artist yes, designer yes, illustrator
a writers words or a need for a cool piece of art
to sell something.  I respect graffiti and street
artists, they get to show the world their art
their ideas.  They have created a working
body based on their own concepts, when the
company’s come calling, they have to let those
guys have a little more free reign.  Company’s
feel they can push us around a bit more. 
Maybe because we charge a little more also
because we know the market, and they feel
like they need to get their money’s worth. It’s
cool that all of the street art had such a big
reappearance in the past decade.  It will just
grow more and more, especially with all of the
doom and gloom that seems to be facing us
on the horizon. 
[Zupi] Does this mean that society is so
consumption itself has already become an
art form?
Yeah, it’s kind of what I was saying earlier. 
The line between the two is constantly
evolving.  The artists who are working with
these Fortune 500 companies, are becoming

part of our pop culture.  In a lot of ways the
product and companies end up being in the
spotlight.  People identify each other, for the
most part with material items.  Where you live,
what you drive, what you wear… we brand
ourselves with logos of corporations to fit in
a specific pack. Artist and designers for those
companies generate most of those images.
Who take money off of people wanting to own
a pair of Channel sunglasses.  If you were
to show someone on the street, anywhere
in the world a Nike swoosh I would imagine
you would get 99% percent of those people
telling you that it’s Nike. If you were to ask
the same people who was the person that
designed it, almost no one would know.  Yet
it’s one of the most recognized logos in the
world.  We (artist and designers) who create
art for these companies have to take the back
seat on the big machine that is driving the
need for cool hip art, and take pride in the fact
that half a million people have seen something
that we have created.  Very few people can
say that.  In my opinion, the fine arts world is
different.  People feel like they need to know
all about the person who created the art.  It
helps them dissect and make meaning of it.  una solución gráfica simple y dinámica. La
By understanding the person, the meaning,
you can understand the art.   acceso rápido y fácil y se desarrolla por un
[Zupi] For your style, what tools do you use
to draw?
Hmm, I would say that my style is an hybrid of
a few elements. Obviously the Russian Avant-
guard, and the American posers of the 40’s and
50’s, illustration from the 30’s all the way to the
70’s. Painters like Caravaggio, Sargent, Bacon,
Warhol, Basquiat, Motherwell etc. Designers
like Saul Bass, Paul Rand, Art Paul… and don’t
even get me started on furniture designers that
I’ve been influenced by, the list goes on!  Mix
all of the things I love visually and you end up
with my style.  Someone described my style
to me once as being Modernist. I re-defined
how illustration was created, I was painting,
and silk-screening, and designing in a very
modernist way when I came to the processes
that illustrators had used for years.  I chose a
different path to create my art.  It sounds really
pompous, and I wasn’t the only guy trying to
figure out how to take this influx of computing
power and apply it to our work to make it feel
real, and not “computer generated”. My work is
completely digital, except for one step. At first,
I painted all elements by hand, with gouache
and scanned them. Constructed vector forms
on illustrator and exported all the pieces as
color film plates. Then I’d expose those plates
onto silk screens and “re-print” the illustration
as a 4 color screen print (CMYK).  Phew!
Today my process is less time consuming, but
is still quite complicated. All my elements are
initially created on 3D programs, Cinema 4D,
Maya and Z- Brush. From humans to rocket
ships, they are all built, or sculpted in the
CG programs. The organic elements are all
created on these programs, and later used as
reference to paint on Corel Painter.
> www.taviscoburn.com
top sites (español)
088 | 089
www.angry-gram.com
Una buena hamburguesa puede saciar el
hambre de mucha gente, como también
hace aparecer esos kilitos de más. Pero la red
de restaurantes Burguer King resolvió usar
su tradicional sándwich Whooper para otra
finalidad. Con una animación bien humorada,
el sándwich estará encargado de mandar
mensajes para cualquier persona, de una
forma un tanto descontrolada.
www.yolk.com.sg
La página inicial de la agencia interactiva
singapurense Yolk es la pura traducción de lo
que sus miembros desean pasar a los usuarios
de Internet. Con un aspecto muy simple y fuera
de los patrones convencionales, la navegación
se puede hacer tanto por el arrastrado del
mouse como por las flechas del teclado. El
resultado es una página dinámica, atractiva y
muy objetiva.
www.axesaone.fr
El sitio de la agencia francesa de arquitectos
de paisajes Axe Saone es una clase de
cómo comprimir muchas informaciones con
interactividad de la navegación permite un
ambiente muy clean, creado a través de
grafismos que expresan el enfoque ambiental
de los proyectos de la agencia.
www.burstlabs.com
La productora de audio Burst Labs desarrolla
bandas sonoras para el mercado publicitario, el
cine, los videogames, entre otros. En la página
web de ese estudio es posible acceder a un
acervo de canciones separadas de acuerdo
con los más variados criterios. La selección se
hace mediante pequeños discos que traen los
nombres de las bandas y se pueden ramificar
de la manera que el interesado desee.
www.j-exhibit.com
La página inicial trae los trabajos del
caricaturista venezolano J. Leal. No sólo una
simple presentación del trabajo del artista, sino
una exposición interactiva producida en flash.
Con un clic es posible tener acceso a una
especie de control y elegir las ilustraciones.
A través de una lupa es posible aumentar la
figura y detallar la técnica utilizada por J. Leal.
www.thesecretlocation.com
Secret Location es el nombre de una agencia
integrada de medios. El sitio de la empresa
presenta desde el principio una película
donde el usuario podrá explorar el concepto
y conocer mejor el trabajo de la agencia. La
interactividad se conquista a partir de las
decisiones que el internauta haga durante la
historia que se desarrolla.
top sites (english)
088 | 089
www.angry-gram.com
A nice cheeseburger can satisfy the hunger
of many people, as it can also make those
unwanted extra pounds suddenly appear. But
the traditional fast food chain, Burger King
decided to use its traditional sandwich, the
whopper for a different reason. Through the
use of a good-humored animation, the snack
is in charge of sending messages to anyone, in 088 | 089
a slightly out of control manner.
www.yolk.com.sg
The home page of the interactive agency Yolk
from Singapore is the pure translation of what
its members wish to tell Internet users. With a
very simple aspect and outside conventional
patterns, the navigation can be done either
dragging the mouse cursor around or using
the arrow keys on the keyboard. The result is a
dynamic site, attractive and to the point.
www.axesaone.fr
The homepage of the French agency for
landscaping architects, Axe Saone is a lesson
on how to fit a lot of information into a simple
and dynamic graphic solution. The interactive
navigation allows for quick and easy access
and unrolls in a very clean environment,
created through graphics that express the
environmental focus of the agency’s projects.
www.burstlabs.com
The sound studio Bust Labs develops
soundtracks for advertisements, movies,
videogames, amongst other markets. On this
studio’s webpage it is possible to access
a wide variety of songs sorted by the most
diverse criteria. The selection of these songs is
made by clicking on small CD’s that represent
the tracks, once the cursor is over the CD the
name of the track appears, and can be linked
in any way or order the user desires to hear
them.
www.j-exhibit.com
The website shows the works of the
Venezuelan caricaturist J. Leal. The page is
not merely a presentation of the artist’s work,
but an interactive exhibition produced in
flash. With one click it is possible to access
a sort of control and choose the illustrations.
Through the use of an eyeglass it is possible to
zoom over a figure and learn the details of the
drawing and the techniques used by J. Leal.
www.thesecretlocation.com
Secret Location is the name of an integrated
media agency. A film introduces the site where
the user can get to know the agency’s work
better as well as explore the concepts used.
The interaction comes from the choices made
by the user as the story unrolls.
ZUPI 101
 onesto (español)
090 | 091
Editado por Zupi Design e Editora Ltda.
ISBN 13: 978-85-61464-00-4
144 páginas
Una crew de 72 personajes para dar voz a un
artista. Onesto fue la elección, el más antiguo.
Desde hace 15 años, cuerpos y rostros
redondeados, brazos y piernas finas llaman las
090 | 091 miradas hacia muros, paredes y callejones de
las ciudades. Muestran el estado de espíritu
de Alex Hornest.
El libro titulado ONESTO es el primer libro
de arte de la Editorial Zupi. La obra inaugural
presenta el trabajo del artista urbano Alex
Hornest bajo el primer seudónimo que usó
para pintar en las calles.
Hornest es pintor, escultor y artista de
multimedios. Desde 1992 expone obras
en todo el mundo y sigue pintando en las
calles. El libro contiene 144 páginas, trae una
compilación de sus mejores trabajos y narra
su trayectoria hasta los días de hoy, cuando
trabaja sobre soportes inusitados, siempre
tratando de captar la esencia humana y lo
cotidiano caótico de las grandes ciudades.
Inspirado por todo lo que lo rodea, concentra
104 | 105 su arte en la producción de instalaciones
donde se pueda interactuar con el público.
La obra ONESTO aborda las temáticas más
mencionadas en el trabajo del artista: urbanas,
lúdicas e introspectivas. Es la primera
publicación de la serie de libros de arte de
Zupi que busca estimular a estudiantes y
profesionales, contribuyendo con el fomento
del arte y con el registro histórico de este tipo
de expresión global.
onesto (english)
090 | 091
Edited by Zupi Design e Editora Ltda.
ISBN 13: 978-85-61464-00-4
144 pages
A crew of 72 artists to give voice to one artist.
Onesto was the choice, the most ancient. 15
years ago, rounded bodies and faces, thin
arms and legs attracted looks to the walls,
fences and alleys of the cities. Show the state
of mind of Alex Hornest.
The book called ONESTO is the first art book
edited by the Zupi Publishing Company.
The inaugural edition presents the work of
the urban artist Alex Hornest under the first
pseudonym he used to paint on the streets.
Hornest is a painter, sculptor and multimedia
artist. Since 1992 he has exhibited works all
around the world and continues to paint on
the streets. The book is 144 pages long and
contains a compilation of his best works and
narrates his journey until today, when he works
with unusual supports, always trying to capture
the human essence and the chaotic routine of
big city life. Inspired by all his surroundings,
he focuses his art on producing installations in
places the public will be able to interact with
them.
The book ONESTO reviews the most frequent
thematic in the artist’s work: urban, dreamy and
introspective. It is the first publication of the
series of Zupi art books and aims to stimulate
students and professionals, contributing to the
fomentation of art and to historically register
this form of global expression.
ZUPI 102
el acto de observar (español)
104 | 105
Tengo el hábito de observar. Mucho. Todo.
Todo el tiempo. Permanezco atenta a todo tipo
de información. Todo tipo de imagen.
Observo estímulos visuales y no visuales.
Con los ojos abiertos o cerrados. Y oídos
atentos. Siempre. Andando, comiendo, en
el tránsito, en el cine, en la panadería, en la
farmacia, oyendo música, mirando una tapa
de disco.
Noto sensorialmente que observo, aun sin
saber racionalmente lo que observo. Ese mirar
sin compromiso de ver tal vez sea la más
importante fuente de inspiración, pues es el
entrenamiento del mirar.
También me inspiro en las herramientas de
trabajo. En la tecnología. En mis sueños.
Creo que todo siempre puede ser observado,
percibido como una forma de alimento para la
creación.
Mi trabajo es muy digital, pero primero él
existe mentalmente. Normalmente el borrador
comienza en mi cabeza; acabo usando la
página en blanco de los programas como una
hoja de papel. Puedo borronear en una página
de Freehand o Illustrator como si estuviera
usando un tablet. Puedo también hacer un
dibujo en un papel y usarlo como base para
un dibujo vectorial o usarlo como dibujo hecho
a mano. Me gustan mucho los softwares, de
todo lo que hace referencia a lo digital y la
influencia de la tecnología en la estética, pero
todo se debe usar pensadamente.
Tengo también el hábito de investigar sobre
el asunto de un trabajo, personal o no, que
voy a desarrollar. Estudio textos, imágenes,
sonidos... es un proceso muy inspirador.
A veces las ideas surgen listas en mi cabeza,
de allí la investigación que entra en el proceso
de creación tan sólo en un segundo momento,
sea reforzando o cambiando completamente
la idea, pero siempre teniendo como punto de
partida el insight inicial.
Siempre que tengo un trabajo para hacer me
quedo con el asunto en la cabeza todo el
tiempo. Voy a bañarme y él está allá. Llego
al bar y él me ofrece un trago. A la hora del
café, el asunto surge, translúcido, en las gotas
del edulcorante. Incorporo el tema. Respiro
el asunto. Y así, naturalmente, el acto de
observar comienza a ser más orientado.
Experimentar es muy importante para
descubrir nuevos lenguajes visuales.
Los trabajos personales colaboran con el
ejercicio del pensar y para descubrir nuevos
recursos y métodos.
En mi opinión, cada designer debería tener el
hábito de, paralelamente al trabajo comercial,
desarrollar estudios y proyectos personales.
Experimentar es fundamental como ejercicio
creativo y también como un camino para
llegar a un estilo propio. Con la mirada
entrenada, esas nuevas informaciones pueden
ser insertadas en trabajos comerciales,
tornándolos más autorales. En ese proceso, el
único límite es el propio creador.
Y ése es, siempre, el mayor límite.
the act of observing (english)
104 | 105
I have a habit of observing. Everything. A lot.
All the time. I am always attentive to all type of
Information. All types of Images.
I observe visual and non visual stimulants.
With eyes open or shut. And ears aware.
Always. Walking, eating, in traffic, at the
movies, at the bakery, at the drugstore, hearing
music, staring at the cover of a record.
I perceive what I observe through my senses,
even without knowing rationally what I observe.
This uncompromised way of seeing is maybe
the most important form of inspiration, as it is
a way of practicing observation.
I also find inspiration in my work tools. In
technology. In my dreams.
I think everything can be observed, perceived
as a type of provision for creation.
My work is very digitalized, but firstly it exists
mentally. Normally the rough draft begins in
my mind, I end up using the blank pages of
the software’s as pieces of paper. I can sketch
on a page of freehand or Illustrator as If I were
using a sheet of A4. I can also draw on paper
and use this as the basis of a vector drawing
or use it as a hand made drawing. I really like
the softwares, everything that makes reference
to digital and the influence of technology on
esthetics, but everything must be thought out
and used rationally.
I also have the habit of researching about
the topics of work, personal or not, that I will
develop. I research texts, images, sounds… It
is a very inspiring process.
Sometimes the ideas arises ready in my mind,
then the research becomes a secondary part of
the creative process, reinforcing or completely
changing the idea, but always holding the
original insight as the starting point.
Every time I have a piece to develop, the topic
becomes a permanent thought. I go have my
shower and it’s there, I arrive at the bar and
it offers me a drink… At breakfast, the topic
arises, translucid, in the sweetener drops. I
incorporate the subject. Breath the theme.
And naturally, the act of observing becomes
more focused.
Experimenting is very important to discover
new visual languages. The personal works
collaborate with the exercise of thinking and to
discover new resources and methods.
In my opinion, every designer should have the
habit of, parallel to commercial work, develop
studies and personal projects.
Experimenting is fundamental as a creative
exercise and also as a path to reaching one’s
own style. With a trained look, these new
information can be inserted in commercial
work, making it more personalized, in this
process, the only limiting factor is the creator
himself.
And that is, always, the greater limit…
 vestibular | inscrições de 15/04 a 27/06/08 | prova 29/06/08

DvCM
ilustração . arleQuinal

graduação
extensão
design gráfico
pós-graduação belasartes.br
 INSPIRAÇÃO

O ato deobservar
texto e ilustração: Ana Starling
> www.anastarling.com
Tenho o hábito de observar. Muito. Tudo.
O tempo inteiro. Fico atenta a todo tipo de
informação. Todo tipo de imagem.

Observo estímulos visuais e não visuais.

De olhos abertos ou fechados. E ouvidos

atentos. Sempre. Andando, comendo,
no trânsito, no cinema, na padaria, na
farmácia, ouvindo música, olhando para
Às vezes as idéias surgem prontas na
uma capa de disco.
minha cabeça, daí a pesquisa entra no
processo de criação apenas num segundo
Percebo sensorialmente que observo,
momento, seja reforçando ou mudando
mesmo sem saber racionalmente o que
completamente a idéia, mas sempre tendo
observo. Esse olhar sem compromisso de
como ponto de partida o insight inicial.
ver talvez seja a mais importante fonte de
inspiração, pois é o treino do olhar.
Sempre que tenho um trabalho a fazer
fico com o assunto na cabeça o tempo
Também inspiro-me nas ferramentas de
inteiro. Vou tomar banho e ele está lá.
trabalho. Na tecnologia. Nos meus sonhos.
Chego no bar e ele oferece-me um
Acho que tudo sempre pode ser observado,
drink... Na hora do café, o assunto surge,
percebido como uma forma de alimento
translúcido, nas gotas do adoçante.
para a criação.
Incorporo o tema. Respiro o assunto. E,
assim, naturalmente, o ato de observar
Meu trabalho é muito digital, mas primeiro
passa a ser mais direcionado.
ele existe mentalmente. Normalmente o
rascunho começa na minha cabeça, acabo
Experimentar é muito importante para
usando a página em branco dos programas
descobrir novas linguagens visuais.
como uma folha de papel. Posso rascunhar
Os trabalhos pessoais colaboram para o
numa página do Freehand ou Illustrator
exercício do pensar e para descobrir novos
como se estivesse usando um tablet. Posso
recursos e métodos.
também fazer um desenho num papel e
usá-lo como base para um desenho vetorial
Na minha opinião, todo designer deveria
ou usá-lo como desenho feito à mão.
ter o hábito de, paralelamente ao
Gosto muito dos softwares, de tudo que
trabalho comercial, desenvolver estudos
faz referência ao digital e da influência da
e projetos pessoais.
tecnologia na estética, mas tudo deve ser
usado de forma pensada.
Experimentar é fundamental como
exercício criativo e também como um
Tenho também o hábito de pesquisar sobre o
caminho para se chegar a um estilo
assunto de um trabalho, pessoal ou não, que
próprio. Com o olhar treinado, essas novas
vou desenvolver. Pesquiso textos, imagens,
informações podem ser inseridas em
sons... é um processo muito inspirador.
trabalhos comerciais, tornando-os mais
autorais. Nesse processo, o único limite é
o próprio criador.
> lea este texto en español en la página 102
> read this article in English at page 102
E esse é, sempre, o maior limite...

ZUPI 104
 STOP

Jorge Galvão . www.flickr.com/jorgegalvao . Brasil