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CÓDIGO 20201016025
Docente
TABLA DE ILUSTRACIONES
En el trabajo a continuación se presenta un análisis de una pregunta base en la historia del arte ¿es
posible que la obra de arte haga surgir un sentimiento? Para resolver la pregunta se verán con la ayuda
de varios autores la situación del sentir en el arte, un comparativo con las otras artes, casos como
ejemplos de esta situación y cómo funciona nuestro cuerpo ante una obra de arte
2. REFERENTES BIBLIOGRÁFICOS
Este libro elaborado por el estadounidense James Elkins (crítico e historiador del arte) hace una mirada
al controversial tema del sentir en las artes plásticas por medio de la obra de arte, muestra este tema
tan criticado por muchos historiadores como algo posible, cita ejemplos reales desde una experiencia
puramente verdadera y hace un al análisis buscando el porqué de estas reacciones, enfocándose
directamente en el sentimiento de llorar, de la tristeza ente una obra de arte ya que lo expone como el
sentimiento máximo y más real de todos.
Este artista proveniente de letonia fue uno de los grandes exponentes del expresionismo abstracto en el
arte en el siglo XX. Fue muy reconocido por la reacción que sus obras daban a los espectadores, con una
simplicidad única y que siempre fue de gran controversia expresaba directamente sentimientos del
pintor y así mismo reacciones que no esperaba.
2.4. Teoría estética e historia del arte
Este libro realizado por Parra, L. (2012) acerca del pensamiento de Kant y wolfflin acerca de la critica del
arte y los criterios que se deben tener en cuenta a la hora de analizar y realizar una critica de arte. Muestra
las cosas que se deben tener en cuenta, como unas pautas basados en una experiencia histórica.
Marina Gutiérrez De Angelis autora de este ensayo hace una muestra de la situación de las emociones
en las obras de arte en la edad media. Conociendo que los movimientos de ese momento no se
aventuraban todavía a las expresiones en la pintura se plantea la pregunta de ¿por qué esta situación?
El documento inició con una experiencia personal base en la que en la contemplación de una obra de
arte los sentimientos afloraron
¿Qué es el arte?
Aunque es un tema bastante debatible el arte desde un inicio ha sido desde una vista evolutiva un
medio, un vehículo de expresión del pensamiento, el intento base de los antiguos sapiens por documentar
lentamente a lo largo del tiempo, siguiendo la transformación misma del hombre, ha hecho perdurar de
una magnifica manera los hechos históricos y diferentes problemáticas que nuestra sociedad ha pasado
desde hace cientos de años a pesar de las diferentes situaciones que han hecho perder esta documentación.
En ese debate contante sobre qué es el arte y a qué se le puede llamar arte, la percepción del
mismo es la que decide qué es y qué no en este campo tan amplio. Sobre todo, en la contemporaneidad,
podemos encontrar que en la historia han surgido diferentes movimientos artísticos en los que se intenta
abordad lo que desde su perspectiva es arte, hasta llegar a un momento en el que no podemos decir
certeramente qué es. la diversidad de pensamiento, la gran masa humana con una pluralidad de
pensamiento deja una división (en una mirada general) entre lo que nosotros consideramos arte, es decir
desde nuestro criterio, el cual está relacionado con nuestras experiencias, o por otro lado tomaremos por
arte aquello que la sociedad de momento muestra como arte (teniendo en cuanta que la realidad social
Pensar en esa ambigüedad devela la libertad que hay en el arte. Por otro lado, se muestran tres
posturas evidentes. La del artista, la del espectador, y la que está en tendencia. En este caso solo abordaré
siguientes aspectos: El contexto social, el pasado histórico, ideologías, creencias, la vida por la que ha
pasado, entre otras cosas. Algo muy parecido sucede con el espectador, pero esos aspectos construyen su
criterio frente a la materialización del artista. Esto quiere decir que la percepción del arte es muy distinta
respecto al pensamiento del artista o el espectador; aunque con las mismas bases buscan cosas distintas.
Un cuestionamiento común entre las personas al ver una obra de arte es: ¿hay algo más allá de lo
estético?
En las experiencias de las personas al ver las obras de arte, como veremos algunos ejemplos más
adelante, se observa que de una manera indirecta encuentran algo más allá de la obra algo invisible, algo
intangible como menciona Marina Gutiérrez de Angelis en De lo visible a lo invisible: Las Imágenes y las
En el libro de Parra, L. (2012). Teoría estética e historia del arte. Kant, Wölfflin, Warburg. Ideas
y valores. Kant nos da pasos para juzgar una obra de arte correctamente partiendo de la estética para
llegar luego al concepto. Y en uno nos explica cómo el concepto y la estética deben estar juntos.
“Cuando se refiere a la configuración de una obra del arte bello, la posición de Kant es que el
valor formal debe conjugarse siempre con el contenido de la obra, pues el riesgo de un arte bello
exclusivamente forjado por la idoneidad formal será la posibilidad de que su contemplación termine
generando descontento en el ánimo de quien lo contempla. El antídoto para tales efectos es la vinculación
de lo formal en las bellas artes con contenidos que él llama “ideas morales”, para cuya representación
artística es preciso ir más allá de la pura belleza formal, adentrándose en consideraciones sobre los fines
de los objetos representados. Por la otra parte, un arte rico en contenidos espirituales corre el riesgo de
dejar de ser arte bello, y en él la imaginación desbordada y carente de ley anula la comunicabilidad
Entonces, ahora bien. Es correcto decir que una obra de arte es un balance entre concepto y
estética. O al menos eso es lo que se busca. La estética tiene unos alcances muy amplios. Tanto, así como
para haber estado mucho tiempo siendo la única de le daba valor a una obra.
La estética en la parte visual ha permitido que la admiremos hasta el punto de hacer dos posturas
sobre lo que nos transmite una obra de arte; están los que dicen que el arte está exclusivamente para ser
admirado o para mostrar alguna crítica o representación del contexto social o la expresión personal del
artista por medio del concepto. Y por otro lado los que logran sentir algo más allá de lo que muestra un
En las diferentes ramas del arte el arte plástico es el que nos hace pensar en esta controversial
cuestión ya que en las otras ramas es mucho más fácil transmitir y recibir un sentir.
Es muy difícil para las artes plásticas pensando en que las artes en general, transmiten
sentimientos o provocan una reacción, pero en el arte plástico el campo visual es el único campo del que
se dispone; estático. Mientras que la música, la actuación, la danza y hasta la literatura son diferentes.
Hay que ver cómo es que se utilizan el sonido y la imagen, la puesta en escena traspasando directamente
nuestros cuerpos, como lo hace la música. Uno de los grandes ejemplos es la ópera en la que se nos
muestra una combinación de estos campos. O el cine con el que se pueden sentir fácilmente diversas
emociones.
Una de las desventajas en las artes plásticas es el hecho de que es un medio inmóvil y no entra en
contacto con un sentir a parte de la visual. Aunque es el mismo caso en la literatura. Esta crea un paisaje
mental, sentimientos y personajes que se ligan a nuestro pensamiento por medio de palabras y en reacción
cerebral, como impulso es mucho más fácil tener una reacción directa a la obra.
¿Qué es lo que nos hace sentir? y ¿por qué es más difícil que esto suceda con una
obra plástica?
Normalmente asociamos nuestras experiencias con imágenes, recuerdos, sonidos, olores y cosas
en el subconsciente. Esta asociación hace que por medio de nuestros recuerdos, tengamos empatía,
aberración, repudio hacia una imagen o sonido, como se mencionaba anteriormente hay algo más allá de
El pasado con el que contemos hará mostrar nuestra reacción a una pintura. Un ejemplo
“En 2014, el columnista Martin Townsend publicó un artículo en el Sunday Express. «Cuando
era un niño, mis visitas a la National Gallery de Londres estaban entre las experiencias más profundas
de mi vida. Mi padre, que tenía depresión maníaca (o trastorno bipolar) tenía la costumbre de llevarme
cuando estaba colocado», recuerda. El hombre iba de arriba abajo con el «cerebro acelerado», en un
abrazo derretido de colores y formas. «En ese elevado estado de conciencia, algunas pinturas hacían que
aunque no era un hombre especialmente religioso, era Cristo ante el sumo sacerdote, del pintor holandés
por tanto la reacción. En las otras artes sentimos una conexión con historias ficticias teatrales, películas o
libros por la asociación de diferentes comportamientos en los personajes, situaciones o el hilo conductor
de la historia que hace que nosotros estemos atentos a la siguiente escena. Hace que nuestras funciones
esta todo centrado en ti, en tus experiencias por tanto la única historia que hace influencia es la tuya. Y tu
En el arte es el lugar en el que encontramos las obras de arte según james Elkins; el hecho de que
mientras que una obra de teatro, un concierto de música clásica lo ves en la oscuridad del teatro, o lees un
libro solo en tu habitación, ver una película desde tu sala o en la oscuridad de un cine estas acciones
disponen de una intimidad que nos permite un encuentro con las emociones y recuerdos más profundos.
En el arte plástico también funciona de esta manera, pero es menos probable presentar nuestro sentir en
Esta situación se ve porque el hombre, el sapiens, desde el inicio se vio obligado a hacer
conjuntos sociales, cooperar en grupo para sobrevivir, aún hoy que es mucho más común que las personas
estén cada una en su camino, para vivir necesitan la ayuda de todo un conjunto social con el que sin él, no
podría subsistir el individuo. Por lo tanto en temas más personales el hombre siempre ha tenido una
intimidad en la que se expresa, y que ante una sociedad tan dura mostrado como ser fuerte, oculta.
Otra cosa que puede jugar con nuestras percepciones es el color que estamos viendo. En la
sociedad los estados de ánimo se ven muy relacionados a los colores que estás viendo. Por eso la
azul de Sorolla; que por medio de los tonos azules nos transmite una nostalgia a la niñez en Pinturas de
O como la obra de Caspar David Friedrich “Wanderer above the Sea of Fog” (1818) en la
Este uso del color es usado por artistas que buscan directamente una reacción en el público
inconscientemente. Esperan que las emociones salgan a flote cuando se ven sus obras.
Algunos artistas
Un ejemplo es Mark Rothko que por medio de sus colores profundos trasmite emociones que a lo
Este es un artista fundamenta para el campo que se está abordando. Y que la paleta de colores
utilizada en sus obras es técnicamente monocromática, aun así, es capaz de transmitir algo más.
Es increíble pensar en que una obra de este tipo puede llegar a hacernos sentir algo, hasta se
puede pensar que la sociedad ha hecho una jugada más en la pasada de lo que es arte, tal vez, pero
experiencias cuenta cómo dependiendo de las experiencias de las personas; el vacío en los colores y la
gran magnitud de la obra sumerge a la persona en sus pensamientos y entra con un campo interno.
6) Capilla " Mark Rothko"
Aquí nos preguntamos si realmente es un tema en la obra del artista o solo fue una divulgación que
También un ejemplo un poco más actual y todavía vigente es el artista francés André Desjardins se
ha encaminado en la expresión del sentir y la búsqueda de las emociones en el espectador por medio del
Un ejemplo de aquí de Colombia es María Isabel Salazar De Lince. Que se enfoca en que el
espectador por medio de machas y colores encuentre su propio sentir. Combinando su trabajo con la
psicología
8) María Isabel Salazar De Lince " luz"
Todas estas se ven influenciadas por las vanguardias y el arte moderno que buscan más la
reacción del espectador para evocar emociones. Pero también hay artistas que expresan directamente lo
Un claro ejemplo es Bernini con sus expresivas esculturas, aunque en su momento hubiese estado
Conclusiones
En el análisis del tema abordamos perspectivas distintas y factores que se deben tener en cuenta si se va
a juzgar a una persona que está pasando por alguna clase de sentimiento. Las personas a la hora de
verse influenciadas por la obra para llegar a mostrar un sentimiento pasan por una recordación
inconsciente de sus vivencias, el contexto social en el que viven. El análisis de los dos enfoques tanto el
del espectador como el artista muestran que ambos se basan en la experiencia y las intenciones de cada
uno son distintas.
Por otro lado, vemos que hay una influencia del color añadido intencionalmente por los artistas que son
los que ayudan a evocar emociones en los espectadores, considerando que no todos sentimos lo mismo
ya que somos seres diferentes.
Es un tema que se ha desarrollado desde un inicio y en menor medida en el arte plástico a comparación
de las otras artes y es muy espontaneo.
Por todo esto lo debemos considerar y no pensar que el arte está meramente como un objeto de
contemplación, que es capaz de fomentar emociones, sentimientos. Desde la estética el arte es algo más
que bello y el concepto es algo más allá de concepto, sentimiento.
Bibliografía
• Parra, L. (2012). Teoría estética e historia del arte. Kant, Wölfflin, Warburg. Ideas y
valores, 61(150), 9-35.
• Célius, C. A., Raux, S., Venturi, R., & Elkins, J. (2015). Interview with James Elkins.
Perspective, (2).
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• Historia National Geographic. (2018, February 23). Panorámica del techo de la sala
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mayor-museo-arte-prehistorico_6471/1
· Elkins, James. 1999. Pictures of the Body: Pain and Metamorphosis. Stanford University Press.