“Se rebela contra el hecho de tener que consumirse dentro de los límites de su propia vida, dentro

de los límites transitorios y casuales de su propia personalidad”

En la introducción se explica que el hombre busca el arte como manera de identificación y de

llenado o expansión de su propia vida, al mismo tiempo quiere captar y reproducir las formas de
arte dentro de su vida cotidiana.

“Sabe que sólo puede alcanzar la plenitud, la totalidad si toma posesión de aquellas experiencias de
los demás que puedan ser potencialmente suyas”

A través del arte el hombre ve reflejada su capacidad de obrar en el mundo, de sus posibilidades y
posibles experiencias

Más adelante se presenta la otra cara de la idea, en el que el hombre no se ve identificado con el arte
sino que se presenta alejado u opesto a ella, aunque también a través de ella puede tener control de
la realidad y esto lo excita

El artista no se deja llevar por un momento paroxístico de sus emociones sino que con conciencia
busca la manera de moldear una emoción y poder expresarla en su realidad, con esto es capaz de
“dominar a la naturaleza” o sea a su realidad y así desprenderse de esa emoción

“Aristóteles, tan incomprendido, consideraba que la función del arte consiste en purificar las
emociones, en vencer el terror y la piedad, de modo que el espectador, identificado con Orestes o
Edipo, se libere de esta identificación y se eleve por encima del destino ciego.

Nuestros sentimientos nos impelen al máximo esfuerzo de razonamiento y nuestra razón purifica
nuestros sentimientos.”

En la realidad actual el arte no solo se busca como medio de identificación sino de despertar hacia
la acción

“La raison d’étre del arte nunca es del todo la misma”

“todo arte está condicionado por el tiempo y representa la humanidad en la medida en que
corresponde a las ideas y aspiraciones, a las necesidades y esperanzas de una situación histórica
particular. Pero, al mismo tiempo, el arte va más allá, supera este límite y, en cada momento
histórico crea un momento de la humanidad, susceptible de un desarrollo constante”

En este párrafo se presenta la idea de que el arte sin importar la época en que es creado siempre
tiene el eco de las necesidades, deseos y preocupaciones de la sociedad actual y venidera.

“ … en el arte condicionado por el tiempo penetran los rasgos constantes de la humanidad”

En la magia se combinaban en forma latente –germinalmente, por así decirlo– la religión, la ciencia
y el arte.

Antes el arte era considerada una herramienta mágica a través de la cual podíamos hacer dominio
el mundo, actualmente se trata más de clarificación de las relaciones sociales, un utensilio que nos
permita conocer y modificar la realidad social, sin embargo el arte siempre deberá tener este
aspecto mágico, pues es parte de su idiosincrasia

Es indudable que la función esencial del arte para una clase des- tinada a cambiar el mundo no
consiste en hacer magia sino en ilustrar y estimular la acción

Pero tanto si el arte alivia como si desvela, tanto si ensombrece como si ilumina, nunca se limita a
una mera descripción de la realidad. Su función consiste siempre en incitar al hombre total, en
permitir al “yo” identificarse con la vida de otro y apropiarse de lo que no es pero que puede llegar
a ser.

LOS ORÍGENES DEL ARTE

“El arte es casi tan antiguo como el hombre. Es una forma de trabajo y el trabajo”

Marx: El hombre toma posesión de la naturaleza transformándola. El tra- bajo es la transformación

de la naturaleza

LOS INSTRUMENTOS

La mano es el órgano esencial de la cultura, la iniciadora de la humanización.

Se expone al instrumento como todo aquel paso intermedio entre el hombre y el trabajo, es un
conducto que fue capaz de realizar y perfeccionar secundario al desarrollo de sus características
anatómicas, dentro de las cuales la más importante para el proceso humano fue la mano.

Los que diferenció al hombre del animal fue que transformó el instinto en experiencia y no solo se
bastó de sus capacidades físicas para llegar a sus fines, sino que creo las herramientas a partir del
medio en el que se desarrollaba y las fue perfeccionando a través de la capacidad para discernir
entre los grados de eficiencia de los objetos.

También se realza éste cambio de pensamiento que tuvo el hombre sobre los medios y los fines,
pues ya comenzaban a hacer transito de los objetos ocasionales donde el punto de partida es el fin,
hacia los objetos estandarizados donde el punto de partida es el objeto mismo que ya poseé una
función concreta, un fin comenzó a existir primero en la imaginación que en la realidad.

El hacer y el ser conscientes surgieron y se desarrolla- ron con el trabajo y sólo en una etapa
posterior apareció un propósito claramente identificable para dar a cada instrumento una forma y
un carácter específicos

EL LENGUAJE

“… el lenguaje apareció junto con los instrumentos”

“El lenguaje original era una unidad de palabras, de entonación musical y de gesto imitativo”

El lenguaje nace como una necesidad del hombre de poder señalar su trabajo e instrumentos,
comienza a despedazarse el mundo visto como una entidad indivisible y surge la categorización y
la diversidad de palabras para designar, todo comenzó desde la imitación sonora de la naturaleza y
se fue mejorando su articulación hasta la evolución de la conceptualización.

LA IMITACIÓN

La imitación le dio al hombre el poder de dominar la naturaleza, de reproducirla, mejorarla y

adaptarla según sus necesidades, con esto viene la sensación de poder sobre su medio, además a
partir de la imitación viene la clasificación de miles de cosas que comparten características y a su
vez l lenguaje junto con la imitación le da al hombre la oportunidad de trabajar de manera más
inteligente y coordinada

“denominación: con la atribución de un nombre, todos los miembros del colectivo pueden
reconocerlos y apropiarse de ellos.” (de los objetos)

“Con el uso de los instrumentos y con el proceso colectivo de trabajo se fue formando, pues, un ser
surgido de la naturaleza. Este ser –el hombre– fue el primero que se enfrentó con la naturaleza
como un sujeto activo. Pero antes de que el hombre fuera sujeto de sí mismo, la naturaleza se había
convertido en objeto para él. Una cosa natural sólo se convierte en objeto cuando es objeto o
instrumento del trabajo. La relación sujeto-objeto sólo surge con el trabajo.”

“el primer hombre que dio forma a una piedra para ponerla al servicio del hombre, fue el primer
artista. El primer hombre que dio un nombre a los objetos fue también un gran artista: singularizó
un objeto de entre la inmensidad de la naturaleza, lo domesticó atribuyéndole un signo y transmitió
esta criatura del lenguaje a los demás hombres, como instrumento de poder”

EL PODER DE LA MAGIA

La función decisiva del arte era, evidentemente, ejercer poder –poder sobre la naturaleza, sobre un
enemigo, sobre el compañero en la relación sexual, sobre la realidad, poder para fortalecer el
colectivo humano. En el alba de la humanidad el arte tenía muy poco que ver con la “belleza” y
nada en absoluto con el deseo estético: era un instrumento mágico o un arma del colectivo en la
lucha por la supervivencia.

Aquí se explica que gracias al arte y su esencia mágica el hombre fue empoderándose ante las
situaciones vividas, por eso buscaban el arte y se expresaban a través de él, para sentir poder e
inyectar más potencia a sus emociones y acciones.

Para dar sustento a su sentir, a su actuar

“El arte no era un producto individual sino un producto social”

El arte actuaba como un lazo de unión entre el individuo y la comunidad, para poder identificarse
dentro de ella y ser miembro participe, así todo el grupo de personas reafirmaba su poder sobre la
naturaleza.

EL ARTE Y LA SOCIEDAD DE CLASES

En esta parte comienza la separación en clases y por lo tanto el “caos o histeria” dentro del patrón
que cada hombre percibía de su realidad, pues pasan de la colectividad a la división del trabajo y
por tanto a la pérdida de la homeóstasis de su ser con la naturaleza y su poder sobre ella.

“La tarea del artista consistía en explicar el significado profundo de los acontecimientos a los demás
hombres, en hacerles comprender el proceso, la necesidad y las reglas del desarrollo social e
histórico, el resolver para ellos el enigma de las relaciones esenciales entre el hombre y la
naturaleza, entre el hombre y la sociedad”

El arte buscaba restaurar la perdida unidad del hombre.

Aunado a esto vino la introducción del dinero como un fin deseable y motivo de debilitación y
exponencial desunión de los hombres, con lo que incrementó el sentido de individualización

hasta que comprendemos que el arte es el camino que sigue el individuo para retornar a la
colectividad.

El nuevo “yo” surgió del viejo “nosotros”

“El arte puede elevar al hombre desde el estado de fragmentación al de ser total, integrado. El arte
permite al hombre comprender la realidad y no sólo le ayuda a soportarla sino que fortalece su
decisión de hacerla más humana, más digna de la humanidad. El arte es, en sí mismo, una realidad
social”

Cada artista se adapto dentro de las posibilidades de su genio y habilidad a su época, sin limitar su
pensamiento y deseo de expresión, está proyección estaba sujeta a las tendencias de la sociedad en
conjunto y no obedecía a las exigencias individuales de ciertos grupos, a través de esto pudo
escribir la historia de la realidad que vivía y plasmar en su obra el sentir dentro de ella.

“En una sociedad decadente, el arte, si es verdadero, debe reflejar la decadencia. Si no quiere perder
la fe en su función social, el arte debe mostrar el mundo como algo que se puede modificar. Y debe
contribuir a modificarlo.”

VAN GOGH

Nacido el 30 de marzo de 1853 en Zundert Holanda a Auvers-sur-Oise, 29 de julio de 1890, Vincent

Van Gogh fue un pintor, hijo de un pastor, por lo tanto fue criado bajo una atmósfera de religión y
esto influyó en sus primeros pasos en el mundo de la pintura, pues como se dice en el texto “el
hombre busca el arte como manera de identificación y de llenado o expansión de su propia vida, al
mismo tiempo quiere captar y reproducir las formas de arte dentro de su vida cotidiana.”

Para Van Gogh el arte siempre fue eso, una manera de identificarse y sentirse parte de una
“colectividad” sin dejar su individualidad y estilo a un lado, su arte era su medio para llenar las
carencias que sintió toda su vida, pues a pesar de no haber tenido una infancia desdichada su
personalidad siempre fue tendiente a la melancolía y la soledad, por lo que ocupo su obra como un
bálsamo para tranquilizar su sentir.

Al igual que en la evolución del arte Vincent Van Gogh se fue adaptando a su época sin dejar a un
lado su estilo y la verdadera imagen reflejada de la sociedad en la que se desarrollo y por la que su
pintura se transformó en lo que conocemos hoy en día, de hecho su adaptación a las nuevas época
fue tan exitosa que terminó siendo uno de los grandes exponentes y creadores del
postimpresionismo, esto después de pasar por el realismo y el impresionismo. Esta capacidad
lingüística de conceptualizar toda un movimiento artístico y poder identificar en el similitudes e
iitaciones de otros movimientos y técnicas teniendo así el poder para la categorización viene desde
los primeros pasos del arte, gracias a ellos él y sus contemporáneos tuvieron la capacidad de crear
un movimiento para trabajar más detalladamente y siguiendo un patrón común.

“…denominación: con la atribución de un nombre, todos los miembros del colectivo pueden
reconocerlos y apropiarse de ellos.”

Vincent evolucionó de una pintura más metódica, de imitación de sus ídolos y con una paleta de
colores más bien monocromática como se puede destacar en su primer obra representante, “Los
comedores de patatas”, a adoptar su ya famoso estilo lleno de colores y formas como en una de sus
primeras obras con este estilo y hoy en día una de las obras más reproducidas del artista “ Los
girasoles”, tal vez este desarrollo y proceso de auto identificación con su estilo le fue facilitado tras la
adaptación primaria que su psique tuvo que experimentar secundario a sus trastornos psiquiátricos
por lo que se vio orillado a buscar nuevas técnicas para seguir predicando su arte, de lo que no hay
duda es que él siempre tuve esa dirección de pensamiento que lleva al hombre a crear primero en
su imaginación y a través de las herramientas poder plasmar esto en la realidad, a pesar de haber
sido un pintor con carencia de reconocimiento a su increíble talento y atormentado por su propia
personalidad que si bien fue melancólica fue también profundamente apasionada, desarrollo su
obra a partir de un largo proceso de ensayo y error con su trabajo y sus instrumentos (tanto
inherentes como exteriores) para lograr no solo crear arte a través de un proceso de
individualización a pesar de no seguir siempre el que “El arte no es un producto individual sino un
producto social” sino de llegar a las grandes masa y que ésta se pudieran sentir identificadas y
sobrecogidas con su arte.

Vincent ocupó todas las capacidades y también las carencias físicas o psicológicas que pudo haber
tenido a su favor para crear su obra y revolucionarla, él amó su labor como pintor y en su mente
siempre tuve un fin más claro que cualquier otro: transmitir su sentir a alguien, poder ser
escuchado, comprendido y que las personas a través de sus cuadros se sintieran identificadas en
alguna emoción pero sobretodo que sintieran su emoción.

Van Gogh vivió toda su vida en periodos cíclicos de depresión y demás problemas psiquíatricos,
padecimiento que fueron exponenciados gracias a su adicción al alcohol y al ya famoso hecho de su
lóbulo cortado por propia mano, que después le hizo ganador de una infección que atacó su cerebro
y empeoro su estado, mucho se dice que gracias a su locura hizo arte y muchos dicen que el arte
venía de su personalidad no nublada, lo cierto es que Van Gogh ocupó todas sus herramientas y
habilidades en la misma cantidad que ocupó sus carencias físicas y psíquicas para crear un leguaje
y comunicación a través del arte, el arte que él quiso. Siempre buscó refugió en su trabajo y el
perfeccionarlo para darse a enternder e integrarse en la sociedad, para poder comprender su
realidad y sobrevivirla, para cambiarla y hacer que cualquiera que viera a través de sus cuadros
pudieran ver una parte de su alma y pudieran mejorar a su vez la suya.”

“Por encima de todo, yo quiero llegar a un punto en que se diga de mi obra: este hombre siente
profundamente y este hombre siente delicadamente. A pesar de mi reconocida torpeza”
(Fragmento de Cartas a Theo).
A diferencia de Van Gogh, el trabajo de Francisco Toledo que fue un artista plástico y nació en la
Ciudad de México, México, 17 de julio de 1940 hasta su muerte el 5 de septiembre en Oaxaca, tiene
un trabajo en el que su principal fuente de inspiración y material de trabajo es la naturaleza, a
través de su obra llega al empoderamiento de su realidad a través del control de la naturaleza,
ocupa mucho la imitación apoyándose no solo en su medio natural sino en las influencias de otras
civilizaciones como la europea, este trabajo predominantemente manual se puede ver reflejado en
que no solo fue pintor, sino escultor, dibujante, ceramista e impresor.

Enfocó su trabajo en plasmar la realidad social sobretodo mexicana a través de diversas técnicas y
habilidades adquiridas en una larga trayectoria de estudio dentro de estos campos. Su obra fue
producto de una gran honestidad y tachado de irreverente, revolucionario, provocativo y hasta
transgresor, pero todas estos adjetivos solo apoyan la afirmación:

“En una sociedad decadente, el arte, si es verdadero, debe reflejar la decadencia. Si no quiere perder
la fe en su función social, el arte debe mostrar el mundo como algo que se puede modificar. Y debe
contribuir a modificarlo.”

A su vez trabajando en conjunto con su arte fue un difusor cultural muy apegado y convencido de
lo valioso de su medio. Y en comparación con el pintor holandés, Francisco Toledo muestra un
trabajo predominantemente comunitario y de unión, no en la individualidad, además de tener
latente en toda su obra el aspecto mágico que debe envolver el arte. Buscaba ir del yo al nosotros y
de subsanar esa perdida de unidad del hombre que el arte actual refleja. Buscaba una sociedad
identificada y unida, contextualizada y despierta.

Su obra deja ver constantemente el recurso híbrido entre el humano y los animales para
subsistencia mutua y convivencia necesaria, no nos permite olvidar que nuestra evolución y nuestra
adquisición de habilidades, la capacidad para el trabajo viene de la naturaleza misma y de las
experiencias que nuestros antepasados vivieron en ella, que les dio la oportunidad de trabajar y
destacarse. Todos estos aspectos los podemos ver claramente en trabajos como “Hombre con cabras”
(1976) o “Llegada de los egipcios” 1970.

“No sé si el arte puede transformar a la sociedad. Creo que el arte enriquece a la gente. Da, le abre
mundos; cambiar en el sentido de que nos haga mejores el arte, ahí sí no creo, no sé... Pero bueno,
creo que el que haya bibliotecas, exposiciones, conciertos, poesía, todo esto enriquece a la gente y es
bueno para la gente sensible..." Francisco Toledo

Toda la construcción que hizo a lo largo de la vida tiene importante repercusión en la sociedad que
lo vió vivir, su arte tenía la esencia de las primeras definiciones en que se decía que el trabajo de un
artista debía:

“explicar el significado profundo de los acontecimientos a los demás hombres, en hacerles

comprender el proceso, la necesidad y las reglas del desarrollo social e histórico, el resolver para
ellos el enigma de las relaciones esenciales entre el hombre y la naturaleza, entre el hombre y la
sociedad”

Esto no solo se pudo reflejar en su trabajo sino en su actitud que denegaba la división de clases y la
separación del hombre con su entorno.