Schumann Quartett Landscapes

Haydn | Takemitsu | Bartók | Pärt

 Joseph Haydn
string quartet in B-flat major, op. 76/4,
Hob. III:78 (No. 4) “Sunrise”
01 I. Allegro con spirito 7:52
02 II. Adagio 5:20
03 III. Menuetto 3:42
04 IV. Finale 4:14
-
Toru Takemitsu
05 Landscape I for string quartet 07:47

Béla Bartók
string quartet No. 2, Sz. 67
06 I. Moderato 10:18
07 II. Allegro molto capriccioso 7:34
08 III. Lento 8:39

Arvo Pärt
09 Fratres
Joseph Haydn is a conscientious revolutionary. His “Sunrise”
Quartet op. 76 No. 4 is littered with idiosyncrasies. Just as
you are thinking you can get the hang of this music, it slips
away from you again.
The Schumann Quartet is hooked on Joseph Haydn! There’s a rea-
son for this addiction, of course; without Haydn, the “string quar-
tet” genre would be like a string instrument without a bow. True,
the composer is still – somewhat disrespectfully – called “Papa
Haydn”, whether to stress his place in the evolutionary chain link-
ing Johann Sebastian Bach and Wolfgang Amadé Mozart or be-
cause his works allegedly lack the inquisitiveness of a Mozart or
the philosophical profundities of a Ludwig van Beethoven. Joseph
Haydn has yet to recover from such false assessments. And it is
abundantly clear from the “Sunrise” Quartet op. 76 No. 4 just how
false they are. It may not be obvious to the listener, because it is not
at all easy listening. All our expectations of the four-movement
form are fulfilled, but the work is littered with idiosyncrasies.
Some of them are right at the beginning of the composition, when
the first violin responds to the sustained notes of the remaining
instruments by describing a discursively rising and then falling
pattern. Is it sombre? Is it encouraging? Is it playful? Perhaps it all
depends on the listener’s reaction to it. The final movement, put-
ting everything in a new light with its minor-key interpolations,
shows how careful one must be not to stuff Haydn into a pigeon-
hole.
Joseph Haydn ist ein behutsamer »Revoluzzer«. Das »Son-
nenaufgangsquartett« op. 76 Nr. 4 ist mit Eigenarten übersät.
Gerade als man denkt, diese Musik greifen zu können, wird
sie sich erneut entziehen.
Nach Joseph Haydn ist das Schumann Quartett süchtig! Natürlich
liegt diese Sucht nahe, die Gattung »Streichquartett« ohne Haydn
wäre wie ein Streichinstrument ohne Bogen. Zwar wird der Kompo-
nist noch immer – leicht despektierlich – »Papa Haydn« genannt, sei
es, weil er als historisches Bindeglied zwischen Johann Sebastian
Bach und Wolfgang Amadé Mozart herhalten muss, oder weil seine
Werke angeblich nicht die Experimentierfreudigkeit eines Mozart
oder die philosophischen Abgründe eines Ludwig van Beethoven
besitzen. Noch immer muss sich Joseph Haydn von solchen »Rezep-
tionsflausen« erholen. Dabei macht gerade das »Sonnenaufgangs-
quartett« op. 76 Nr. 4 überdeutlich, dass dem nicht so ist. Es mag sich
dem Zuhörer entziehen, es ist alles andere als gefällig. Zwar werden
alle Erwartungen an die viersätzige Form erfüllt, aber das Werk ist
übersät mit Eigenarten. Diese finden sich gleich zu Beginn der Kom-
position, wenn nämlich die erste Violine zu den gehaltenen Tönen
der übrigen Instrumente eine schweifend aufsteigende und zuletzt
wieder absinkende Bewegung beschreibt. Ist das düster? Ist das er-
munternd? Ist das verspielt? Vielleicht kommt das auf den Zuhörer
an. Gerade der letzte Satz, der mit seinen Moll-Einschüben alles in
ein neues Licht rückt, zeigt, wie sehr man sich davor hüten muss,
Haydn in eine Schublade zu zwängen.
“Landscape I” by To- ru Takemitsu is powerful music. It am-
bushes its listeners, begins to hypnotize them, telling the
tale of the contrast between sound and emotion. It is a med-
itation, a provocation.
It is like an endless figure of eight and it challenges its audience!
T ru Takemitsu, the most important composer to appear from Ja-
pan, created music in his 1960 piece “Landscape I” that sends the
listener into a meditative state. A single theme is repeated fourteen
times. The first notes emerge as if from nothingness, only to be
heartily interrupted. Open fifths evoke emptiness, gradually coa-
lescing into a crystalline sonic atmosphere. The background of
stillness – of silence – is all-pervading. “In Japanese music it is the
space, not the note, that is the most important,” Takemitsu has ob-
served. One need not be consciously aware of the three sections of
the work to be captivated by it; the constant repetition of the theme
blurs the boundaries, masking the sense of one’s place in the struc-
ture of the piece. In Takemitsu’s music, particularly in this piece,
influences from Impressionism, Serialism and the avant-garde are
enriched by what its creator has learned from traditional and con-
temporary Japanese music. “Landscape I” comes across like a loop
made up of fields of sound that then come into contention with the
feeling of the piece. It is not easy to make sense of, but always
worth the effort!
»Landscape I« von To-ru Takemitsu ist übergriffige Musik. Sie
befällt den Hörer, beginnt ihn zu hypnotisieren und erzählt
vom Gegensatz zwischen Klang und Emotion. Es ist eine
Meditation, ein Wagnis.
Es ist wie eine unendliche Acht und es fordert den Zuhörer her-
aus! T ru Takemitsu, bedeutendster Komponist aus Japan, hat
1960 mit »Landscape I« ein Stück geschaffen, das den Zuhörer in
eine Meditation versetzt. Ein Thema wird vierzehn Mal wieder-
holt. Wie aus dem Nichts tauchen die ersten Töne auf, die beherzt
unterbrochen werden. Durch offene Quinten herrscht Leere, die
nach und nach eine kristalline Klangatmosphäre erschafft. Der
Hintergrund der Stille, ja des Schweigens, ist allgegenwärtig. »In
der japanischen Musik ist das Wichtigste der Raum, nicht der
Ton«, hat Takemitsu dazu gesagt. Man muss die drei Abschnitte
des Stückes nicht bewusst wahrnehmen, um gefangen zu werden.
Die ständige Wiederholung des Themas lässt die Grenzen ver-
schwimmen, wo man sich in der Struktur des Stückes befindet. In
Takemitsus Musik, und gerade in diesem Stück, finden sich Ein-
flüsse des Impressionismus, des Serialismus und der Avantgarde,
sowie der traditionellen und der zeitgenössischen japanischen
Musik. »Landscape I« wirkt wie ein Loop aus Klangflächen, die
aber mit der Atmosphäre des Stückes in Kontrast treten. Genau
das auszuhalten ist nicht leicht, aber allemal gewinnbringend!
String Quartet No. 2 op. 17 by Béla Bartók succumbs to hor-
ror. After melancholy has given way to a devilish dance, total
gloom reigns. The two final pizzicati hang in the air.
The third and last movement of Béla Bartók’s String Quartet No. 2
op. 17, which terminates with two pizzicati, is a point of conclusion
that could not possibly be drearier. This second, remarkably Ex-
pressionist quartet was written during the First World War. Al-
though in only three movements, it has a playing time of half an
hour, recalling the expressiveness of turn-of-the-century Vienna.
Bartók was obliged to interrupt his fieldwork during World War I
and so had time to transcribe the research material on Hungarian
folk music that he had collected with the aid of a walking-stick,
music paper and a phonograph. The first movement, “Moderato”,
is based on a wide-ranging theme in just this folkloric tradition. Its
chromatics and its eloquent suspensions shape the melancholy of
the opening. Its style too is post-Romantically expressive. The sec-
ond movement offers a virtuosic counterbalance to the outer
movements, albeit not in an aggressive sense. It is like a diabolical
dance often conducted in galant triple time, before the last move-
ment returns to the already melancholic atmosphere of the first
and plunges it into pitch blackness.
Das Streichquartett Nr. 2 op. 17 von Béla Bartók liefert sich
dem Schrecken aus. Nachdem die Melancholie einem dia-
bolischen Tanz weicht, herrscht absolute Düsternis. Die zwei
letzten Pizzicati hallen noch lange nach.
Der dritte und letzte Satz von Béla Bartóks Streichquartett Nr. 2 op.
17, mit zwei Pizzicati endend, ist ein Schlusspunkt, der düsterer
nicht sein könnte. Das zweite, auffallend expressionistische Quar-
tett entstand in den Jahren des Ersten Weltkriegs. Obwohl nur drei-
sätzig, kommt es auf eine Spieldauer von einer halben Stunde, was
noch auf die Expressivität der Wiener Jahrhundertwende zurück-
verweist. Bartók musste seine Reisen aufgrund des Ersten Weltkrie-
ges unterbrechen und hatte so Zeit, seine Recherchematerialien
zur ungarischen Volksmusik, die er mit Spazierstock, Notenpapier
und Phonograph gesammelt hatte, zu transkribieren. Der erste
Satz, »Moderato«, beruht auf einem weit ausschwingenden Thema
in diesem folkloristischen Sinn. Es prägt mit Chromatik und ex-
pressiven Vorhalten den melancholischen Charakter des Beginns.
Auch im Stil wirkt es nachromantisch-ausdrucksvoll. Der zweite
Satz gibt den Ecksätzen ein virtuoses Gegengewicht, allerdings
nicht im aggressiven Sinn. Er ist wie ein diabolischer Tanz, der teil-
weise im galanten Dreierrhythmus voranschreitet, bevor der letzte
Satz die bereits melancholische Atmosphäre des ersten Satzes wie-
deraufnimmt und ins Pechschwarze rückt.
From left to right: Erik Schumann, Ken Schumann, Arvo Pärt, Liisa Randalu, Mark Schumann
“Fratres” is music that falls like a drop of ink into a glass of
water, spreading and unfurling without losing its identity. It is
an idea that is not assigned to any instrument. Various scor-
ings have interpreted Arvo Pärt’s idea since 1977.
“Fratres” is music that has long been in existence and has been re-
corded by various instruments and groupings. This music is not
confined to any instrument in particular, rather it is the idea of mu-
sic that exists, to be expressed by its various interpreters. The sur-
prising thing is that it has less of a spiritual character than one
might expect of the Estonian composer Arvo Pärt, with its title
“Brothers” focusing on companionship in itself. The piece consists
of six variations of 3 + 3 bars separated by a fifth, which, assigned
here to the second violin, stands for eternity. Parallel to this all-
embracing eternity, the rest of the ensemble goes off in all direc-
tions. Each variation is extended by one note. Seen as a whole, the
piece traverses the entire vertical plane, commencing in the upper
register and descending to the deepest bass. Pärt’s personal style,
his sugary soundscapes, keep the piece in constant motion. “Fra-
tres” begins at a source that shuns one thing above all else: stasis.
»Fratres« ist Musik, die wie ein Tintentropfen in ein Glas Was-
ser fällt, sich ausbreitet und ausdehnt, ohne an Kontur zu
verlieren. Es ist eine Idee, die keinem Instrument zugeordnet
ist. Verschiedene Besetzungen interpretieren den Gedanken
von Arvo Pärt seit 1977.
»Fratres« ist Musik, die schon lange existiert und von unterschied-
lichen Besetzungen aufgenommen wurde. Diese Musik ist keinem
bestimmten Instrument zugeordnet, vielmehr existiert die Idee
der Musik, die von unterschiedlichen Interpreten ausgedrückt
werden soll. Verwunderlich ist, dass »Fratres« weniger einen spiri-
tuellen Charakter hat, was man beim estnischen Komponisten
Arvo Pärt erwartet, sondern der Titel »Brüder« die Verbundenheit
an sich ins Zentrum stellt. Das Stück besteht aus sechs Variationen
à 3 + 3 Takten mit einer Quinte dazwischen, die, gespielt von der
zweiten Geige, für die Ewigkeit steht. Parallel zu dieser über allem
stehenden Ewigkeit, durchläuft das restliche Ensemble eine Ent-
wicklung in sämtliche Richtungen. Jede Variation dehnt sich um
einen Ton aus. Im Ganzen betrachtet durchschreitet das Stück die
komplette vertikale Möglichkeit, beginnend im oberen Register
bis zum tiefsten Grund. Pärts Personalstil, seine süßlichen Klang-
flächen, halten das Stück in ständiger Bewegung. »Fratres« beginnt
bei einem Ursprung, der vor allem eines scheut: Stillstand.
SCHUMANN QUARTET
The three brothers Mark, Erik and Ken Schumann, who grew up
in the Rhineland, have been playing together for five years. In 2012,
they were joined by violist Liisa Randalu, who was born in the Es-
tonian capital, Tallinn, and grew up in Karlsruhe, Germany. Those
who experience the quartet in performance often remark on the
strong connection between its members. The four musicians enjoy
the way they communicate without words: how a single look suf-
fices to convey how the other wants to play a particular passage.
Although the individual personalities clearly manifest themselves,
a common space arises in every musical work in a process of spir-
itual metamorphosis. The quartet’s openness and curiosity may be
partly the result of the formative influence exerted on it by teach-
ers such as Eberhard Feltz, or partners such as Menahem Pressler.
CD publications, study with the Alban Berg Quartet, a residency of
many years at the Robert-Schumann-Saal in Düsseldorf, winning
the prestigious Concours de Bordeaux along with other awards,
various teachers and musical partners – it is always tempting to
speculate on what factors have led to many people viewing the
Schumann Quartet as one of the best in the world. But the four
musicians themselves regard these stages more as encounters, as a
confirmation of the path they have taken. They feel that their mu-
sical development over the past two years represents a quantum
leap. “We really want to take things to extremes, to see how far the
excitement and our spontaneity as a group take us,” says Ken
SCHUMANN QUARTETT
Seit fünf Jahren spielen die drei im Rheinland großgewordenen
Brüder Mark, Erik und Ken Schumann zusammen. 2012 ist die in
Tallinn geborene und in Karlsruhe aufgewachsene Liisa Randalu
als Bratschistin dazu gekommen. Immer wieder bemerken Außen-
stehende, wie stark die Bindung zwischen ihnen ist. Die Vier ge-
nießen die nonverbale Kommunikation, »ein Blick, und ich weiß,
wie er/sie die Musik in dem Moment spielen möchte«. Unter-
schiedliche Persönlichkeiten treten deutlich hervor, gleichzeitig
entsteht in jedem musikalischen Werk ein gemeinsamer Raum,
findet eine geistige Metamorphose statt. Vielleicht sind diese
Offenheit und Neugierde die entscheidenden Einflüsse von Leh-
rern wie Eberhard Feltz oder Partnern wie Menahem Pressler. Ver-
öffentlichungen, das Studium beim Alban Berg Quartett, die lang-
jährige Residency beim Robert-Schumann-Saal in Düsseldorf, der
Gewinn des renommierten Concours de Bordeaux, Preise, Lehrer,
musikalische Partner – gerne werden Stufen konstruiert, um her-
zuleiten, warum viele das Schumann Quartett heute zu den besten
überhaupt zählen. Die Vier fassen solche Daten eher als Begeg-
nungen auf, als Bestätigung für ihren Weg. Sie empfinden die mu-
sikalische Entwicklung der letzten zwei Jahre als Quantensprung.
»Wir haben Lust darauf, es bis zum Äußersten zu treiben, zu pro-
bieren, wie die Spannung und unsere gemeinsame Spontaneität
trägt”, sagt Ken Schumann, der mittlere der drei Schumann-Brü-
der. So ist das Schumann Quartett dort angekommen, wo alles
Schumann, the middle of the three Schumann brothers. With this
attitude the Schumann Quartet has reached a stage where any-
thing is possible, because it has dispensed with certainties. This
also has consequences for the listeners, who from concert to con-
cert have to be prepared for all eventualities: “A work really devel-
ops only in a live performance,” the quartet says. “That is the ‘real
thing’, because we ourselves never know what will happen. On the
stage, all imitation disappears, and you automatically become
honest with yourself. Then you can create a bond with the audi-
ence – communicate with it in music.” In order to transfer the
magic of the live situation into this recording, the quartet played
live in front of the audience on one of the two days in the studio in
Ludwigsburg.
möglich ist, weil man auf Sicherheiten verzichtet. Das schließt
auch die Zuhörer/innen mit ein, die sich Abend für Abend auf al-
les gefasst machen müssen: »So wirklich entwickelt sich ein Werk
nur live«, sagt das Quartett, »das ist the real thing, weil wir vorher
selbst nie wissen, was passiert. Spätestens auf der Bühne fällt jede
Imitation weg, man wird automatisch ehrlich zu sich selbst. Dann
kann man in der Musik eine Verbindung mit dem Publikum her-
stellen, kommunizieren.« Um die Magie der Live-Situation auch in
diese Aufnahme zu übertragen, spielte das Quartett an einem der
zwei Aufnahmetage im Studio in Ludwigsburg live vor Publikum.
ERIK SCHUMANN 1st Violin
KEN SCHUMANN 2nd Violin
LIISA RANDALU Viola
MARK SCHUMANN Cello

Tracks 1 – 8 recorded June 02 – 03, 2016

at Bauer Studios Ludwigsburg
Recording Engineer: Daniel Keinath

Track 9 recorded July 20 – 22, 2016

at Ev. luth. St-Jakob-Kirche in Viimsi
Recording Engineer: Tanel Klesment.

Mastering: Daniel Keinath

Photos: Kaupo Kikkas

Translations: Janet and Michael Berridge
Design: Gerd Schröder

Executive Producer: Sven Schuhmann

The Schumann Quartet likes to thank:

Nora and Arvo Pärt, Daniel Keinath, Tanel Klesment,
Kaupo Kikkas, Impresariat Simmenauer GmbH,
Berlin Classics, Schimmer PR, all friends and
supporters.