AUF CD: 4 SONGS + 7 WORKSHOPS D: € 6,90 · A: € 7,90 · B: € 8,10 · L: € 8,10 · E: € 9,50 · I: € 9,50 · CH: SFR 12,00

Heft Nr. 234 Ausgabe 11/2019 das magazin für gitarristen und bassisten

B 41248 F
Songs
Yardbirds
Shapes Of Things
Goodbye June
Joan&Dylan
Pink Floyd
Money
The Meters
Chicken Strut

VINTERA
SERIES
’50s, ’60s & ’70s
TELECASTER

Test & Technik Workshops Interviews & Storys

TAYLOR 522ce 12-Fret MESHUGGAH AIRBOURNE
DANELECTRO 59X12 Die Urväter des Djent THE MENZINGERS
LTD RM-600 BMS ALTER BRIDGE
DIO ROBERT RANDOLPH
OVATION Elite B7785TX-5 FLYING COLORS
Last In Line
LICHTLAERM Gehenna LAGWAGON
ENGL Cabloader THIN LIZZY KILLSWITCH ENGAGE
u. v. m. Bad Reputation TITO & TARANTULA
 INTRO

Strom weg, Gitarre gut

L
iebe Leser, „in the
summertime, when
the weather is hot“
und so, dass ist jetzt
wohl erstmal gelaufen,
wenn man aus dem
Fenster schaut. Bevor
jetzt aber jemand den
Herbst-Blues kriegt, empfiehlt
unser redaktionsinterner „Dr.
Laidback“ (Marcel) eine kleine
Runde „Amp mal ohne Board“.
Schleppt doch der Marcel sein
komplettes Geraffel durch die
Gegend, nur um dann mitten
im Song ohne Board da zu stehen. Strom war
weg, wahrscheinlich die Dreier-Steckdose …
Und dann muss man eben wieder zurück zu
den Ursprüngen: Gitarre rein in den Amp und
gib ihm!
Das funktioniert, und wenn einem dann
der Amp von hinten in die Kniekehle tritt,
dann weiß man wieder, warum man das alles
macht – weil es Spaß macht, weil man den
Alltag hinter sich lassen kann und weil man
so zumindest dem Herbst-Blues entgeht! Auch
ganz ohne gesundheitsgefährdende Mengen
trockenen Rotweins. Fragt mal
Johnny Depp …
Wenn ihr fertig seid mit
dem praktischen „Durchpu-
stenlassen“, dann empfehlen
wir spannende Lektüre in Form
der neuen guitar, die mit The-
men wie Meshuggah, Thin
Lizzy und Vivian Campbells
Gitarrenarbeit auf dem zweiten
Dio-Album euch ebenfalls die
Friese auf links bürstet, zumin-
dest rein theoretisch und so.
Also, lassen wir das Gerede,
schnappen wir uns eine Gitarre
und legen los. Übrigens, wer Bock auf eine
schicke Tele hat, dem seien die drei Titel-
schönheiten aus dem Hause Fender ans Herz
gelegt, Test ab Seite 100.
Viel Spaß beim Schmökern und Spielen
euer Stephan

PS: Checkt unbedingt unser aktuelles Sonderheft

guitar Special – Made in Germany! 50 Porträts
und intime Einblicke in die Werkstätten großartiger
Künstler und Handwerker, die bei euch um die Ecke
erstklassige Instrumente fertigen. Und das sind bei
weitem nicht alle, so viel sei verraten. Am Kiosk oder in
unserem Shop unter www.ppvmedien.de

@ Social Media:
Facebook: Instagram: Youtube:
guitarmagazin guitarmagazin guitar Magazin
 Inhalt 11 2019

Interviews/Stories
22 Airbourne
26 Alter Bridge
30 Lagwagon
32 The Menzingers
34 Flying Colors

22 60
36 Halestorm
40 Robert Randolph
42 Goodbye June Airbourne Tone-Trademarks: Meshuggah
46 Killswitch Engage
48 Tito & Tarantula
52 Creeping Death
54 Endseeker
56 Samantha Fish
58 Robert Phersson’s Humbucker

Workshops
60 Tone-Trademarks: Meshuggah
68 Masterpiece: Dio – Last In Line
68 76
Masterpiece: Dio – Last In Line Masterpiece: Thin Lizzy – Bad Reputation
76 Masterpiece: Thin Lizzy – Bad Reputation
84 Riffalong: Muse
90 Generation Shred: Joe Satriani
94 Bluescafé: Tampa Red –
„Boogie Woogie Dance“
96 Lazy Guitar: Details

Songs
144 The Yardbirds – „Shapes Of Things“
151 Goodbye June – „Joan&Dylan“
161 Pink Floyd – „Money“
172 The Meters – „Chicken Strut“
112 114 116 118 120
LTD RM-600 Danelectro Taylor LTD Ovation Elite
59X12 522ce 12- Stream-1004 B7785TX-5
Fret V-Class
4 11/19
 INHALT

Test & Technik

100 Guitar-Dreams: Fender Vintera Series
’50s Telecaster, ’60s Bigsby Telecaster & ’70s
Telecaster Deluxe
106 Guitar-Dreams: Vahlbruch Effects Xroads,
OptoTrem, Chorus & Spacetime
110 Guitar-Dreams: Furch Guitars
Limited 2019 GSc-LC
112 LTD RM-600 BMS

Fender Vintera Serie '50s, '60s & '70s Telecaster 100 114 Danelectro 59X12
116 Taylor 522ce 12-Fret V-Class
118 LTD Stream-1004
120 Ovation Elite B7785TX-5
122 DigiTech Trio+ Band Creator
124 Lichtlaerm Gehenna
126 Randale Pedale Buzztard & White Lake City
130 Pushking Ironfinger
132 Fame DC12, DC5x3 & Voltor 8
Vahlbruch Effects Xroads, OptoTrem, Chorus & Spacetime 106 134 Engl Cabloader
136 DiMarzio Pre-Wired Pickguards

Furch Limited 2019 GSc-LC
Pickup – zu gewinnen: Danelectro ’64XT
Rubriken
3 Intro
6 guitar-CD + Downloads
7 CD-Booklet
10 guitar-News: Aktuelles & Verlosungen
110 14 Tourdaten
16 Rezensionen: CDs, DVDs
21 guitar-Abonnement
89 Pickup – zu gewinnen: Danelectro ’64XT
140 Händlerverzeichnis
89
142 Charlys Bluestalgia/Anzeigenindex/Impressum

5
 CD-INHALT & DOWNLOADS

Songs zum Mitspielen

LSONG LASSIC LASSIC
ORIGINA GUITAR-C GUITAR-C

The Yardbirds Goodbye June Pink Floyd The Meters

„Shapes Of Things“ „Joan&Dylan“ „Money“ „Chicken Strut“
Live Yardbirds: Featuring Community Inn The Dark Side Of Struttin’ (1970)
Jimmy Page (1971) (2019) The Moon (1973) Tracks 16 – 24
Tracks 2 – 6 Seite 144 Tracks 7 – 8 Seite 151 Tracks 9 – 15 Seite 161 Seite 172

Workshops zum Mitspielen Download

Um wirklich allen Wünschen

gerecht zu werden, findet ihr
alle Soundfiles (Songs und
Workshops) auf der beiliegenden
guitar-CD und zum Download
unter www.guitar.de.
Das Download-Passwort für
diese Ausgabe lautet:

dingesformen

Wie geht’s?
TONE-TRADEMARKS: MASTERPIECE: auf www.guitar.de gehen
Meshuggah Dio – Last In Line In der oberen Menüleiste
Tracks 25 – 35 Seite 60 Tracks 36 – 40 Seite 68 „Download“/„Heft-Downloads“
anklicken
Ausgabe „10/2019“ eingeben
Passwort „rosenrot“

GENERATION SHRED:
Joe Satriani
Tracks 52 – 56 Seite 90

BLUESCAFÉ: Tampa Red –

„Boogie Woogie Dance“
Tracks 57 – 60 Seite 94

MASTERPIECE: RIFFALONG: LAZY GUITAR:

Thin Lizzy – Bad Reputation Muse Details
Tracks 41 – 46 Seite 76 Tracks 47 – 51 Seite 84 Tracks 61 – 66 Seite 96

+2 Bonussongs zum Download Abo-Bonussong

Iron Maiden
Bullet For My „Can I Play With
Valentine Eric Clapton Madness“
„Hand Of Blood “ „I Shot The Sheriff“ Seventh Son Of A
Hand Of Blood 461 Ocean Boulevard Seventh Son
(2005) (1974) (1988)

Noten/TABs + Soundfiles zum Download (nicht auf der CD!) Nur für Abonnenten

6 11/19
 CD-BOOKLET

CD-Booklet

Das Booklet der guitar-CD könnt ihr

ausschneiden oder auch im Netz unter
www.guitar.de downloaden!

euer persönlicher
Gitarrenlehrer

11
Orlando Pellegrini
ist mit seiner jahrzehn-
telangen Erfahrung als
Studiomusiker und Gi- 2019
tarrenlehrer der Häupt-
ling der guitar-CD und THE YARDBIRDS
euer persönlicher Gi- „Shapes Of Things“
tarrenlehrer. Auf der CD und im Down-
load-Paket (www.guitar.de/download/heft- GOODBYE JUNE
downloads) zu dieser Ausgabe findet ihr „Joan&Dylan“
die zugehörigen Soundfiles zu allen Wok-
shop-Beispielen und vier komplette Songs. PINK FLOYD
Neben Stücken, die unser CD-Team um „Pelle“
„Money“
extra für euch eingespielt hat, sind zumeist
auch ein oder zwei Songs in ihrer vom Künst- THE METERS
ler aufgenommen Originalversion enthalten.
„Chicken Strut“
Ihr erkennt sie am Label „Originalsong“. Ein
„guitar-Classic“ rundet die Song-Abteilung
ab.

01. Intro
TONE-TRADEMARKS RIFFALONG
11/19 Nr. 234 The Yardbirds · Goodbye June · Pink Floyd · The Meters

THE YARDBIRDS Meshuggah Muse

CD-Booklet

„Shapes Of Things“
02. Info
03. Song ................................(132 bpm)
04. Solo....................................(90 bpm)
05. Playalong L/R ...................(132 bpm)
06. Playalong no Bass ............(132 bpm)
GOODBYE JUNE
„Joan&Dylan“
07. Info
08. Song ................................(126 bpm)
PINK FLOYD
„Money“
09. Info
10. Song ................................(122 bpm)
11. Solo 1...............................(136 bpm)
12. Solo 2...............................(136 bpm)
13. Solo 3...............................(136 bpm)
14. Playalong L/R ...................(122 bpm)
15. Playalong no bass ............(122 bpm)
Michael Putland/Hulton Archive via Getty Images
25. Bsp. 1.1 ...........................(120 bpm)
26. Bsp. 1.2 ...........................(120 bpm)
27. Bsp. 2.1 ...........................(220 bpm)
28. Bsp. 2.2 ...........................(160 bpm)
29. Bsp. 3.1 ...........................(160 bpm)
30. Bsp. 3.2 ...........................(125 bpm)
31. Bsp. 3.3 ...........................(130 bpm)
32. Bsp. 4.1 ...........................(160 bpm)
33. Bsp. 4.2 ...........................(220 bpm)
34. Bsp. 4.3 ...........................(125 bpm)
35. Bsp. 4.4 ...........................(125 bpm)
MASTERPIECE
Dio – The Last In Line
36. Bsp. 1 ..............................(155 bpm)
37. Bsp. 2 ................................(80 bpm)
38. Bsp. 3 ................................(75 bpm)
39. Bsp. 4 ..............................(100 bpm)
40. Bsp. 5 ..............................(120 bpm)
47. Bsp. 1 ................................(80 bpm)
48. Bsp. 2 ..............................(155 bpm)
49. Bsp. 3 ................................(93 bpm)
50. Bsp. 4 ..............................(120 bpm)
51. Bsp. 5 ..............................(128 bpm)
GENERATION SHRED
11/19 Nr. 234 Meshuggah · Dio · Thin Lizzy · Muse
Joe Satriani
52. Bsp. 1 ..............................(148 bpm)
53. Bsp. 2 ..............................(220 bpm)
54. Bsp. 3 ..............................(160 bpm)
55. Bsp. 4 ..............................(125 bpm)
56. Bsp. 5 ..............................(160 bpm)
BLUESCAFÉ
Tampa Red –
„Boogie Woogie Dance“
57. Song & Begrüßung
58. Bsp. 1 ................................(80 bpm)
59. Bsp. 2 ................................(80 bpm)

THE METERS
„Chicken Strut“
16. Info 1
17. Song ................................(104 bpm)
18. Teil C ..................................(74 bpm)
19. Teil G ..................................(74 bpm)
20. Info 2
21. Teil C, ternär & binär ...........(74 bpm)
22. Groove, ternär & binär ......(104 bpm)
23. Playalong L/Bass ..............(104 bpm)
24. Jamtrack ..........................(104 bpm)
MASTERPIECE
Thin Lizzy – Bad Reputation
41. Bsp. 1 ..............................(131 bpm)
42. Bsp. 2.1 & 2.2 ..................(127 bpm)
43. Bsp. 2.3 ...........................(127 bpm)
44. Bsp. 3 ..............................(170 bpm)
45. Bsp. 4 ..............................(130 bpm)
46. Bsp. 5 ..............................(145 bpm)
60. Bsp. 3 ................................(80 bpm)
LAZY GUITAR
Details
61. Bsp. 1 ..............................(130 bpm)
62. Bsp. 2 ..............................(110 bpm)
63. Bsp. 3 ................................(85 bpm)
64. Bsp. 4 ..............................(120 bpm)
65. Bsp. 5 ..............................(120 bpm)
66. Bsp. 6 ..............................(110 bpm)
67. Outro

7
 NEWS
WOCHENKALENDER FÜR HÖCHSTLEISTUNG
& MUSIKLEGENDEN AN DEINER WAND
20 Jahre Musik- FENDER PRÄSENTIERT
Produktiv-Messe ANDY SUMMERS
LIMITED EDITION
Das deutsche Musikgeschäft Musik Produktiv
feiert dieses Jahr bereits die zwanzigste Mu-
sik-Produktiv-Messe. Die Messe findet vom
8. bis 10. November 2019 bei Musik Produk-
tiv in Ibbenbüren, Nordrhein-Westfalen statt.
Über 150 Aussteller präsentieren auf 5000
Quadratmetern eine reiche Auswahl rund ums
Musikequipment. Außerdem werden wieder
viele deutsche und internationale Stars aus
der Musikszene anzutreffen sein. Wer Interes-
se hat, kann auch an einem der ausgewählten
Mitmach-Workshops teilnehmen.
www.musik-produktiv-messe.de
10 11/19
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eine Idee, welches Material du als nächstes üben kannst? Wir helfen dir! Unsere
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außerdem eine schnelle Übersicht aller Daten und Feiertage und pro Woche er-
wartet dich ein emotionales Bild deiner liebsten Vorbilder. Der Kalender kann so-
wohl aufgehängt, als auch aufgestellt werden und passt natürlich auch auf einen
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und für das richtige Feeling in deinen vier Wänden zu sorgen. Dabei gibt es die
Kalender der Redaktionen guitar, guitar acoustic und DrumHeads!! sowie den
Gibson-Les-Paul-Kalender und die Meisterwerke des Geigenbaus für die Klassik-
Liebhaber! Nicht nur für dich selbst sondern auch als Geschenk ein echtes High-
light! Sichere dir noch heute einen Wochenkalender im Musikfachgeschäft oder
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NEUE
G-45
SERIES
COLLECTION
Gibson veröffentlich die
neue, in Bozeman, Montana
gefertigte G-45 Series Colle-
ction. Die Akustikgitarren der
G-45-Serie verbinden traditio-
nelle Gitarrenbautechniken wie
gewölbte Deckenverstrebungen
mit modernen Features wie
dem schlankeren Korpus
und dem Hals-Profil.
Die Zargen und der
Masterbuilder Dennis Galuszka aus dem Fen- Boden sind aus Walnuss
der-Custom-Shop hat The-Police-Gitarrist und die Decke aus Sitka,
Andy Summers ein eigenes Custom-Modell beides vollmassiv. Zu-
gebaut. Der Korpus ist mit monochromen sätzlich ist die Gitarre
Fotos lackiert, die der begeisterte Fotograf mit einem Fishman-
Summers im Laufe der Zeit mit seiner Lei- Sonitone-Pickup aus-
ca-M-Kamera aufgenommen und aus seiner gestattet.
privaten Kollektion veröffentlicht hat. Die Gi- Die G-45 ist zusam-
tarre gibt es zusammen im Set mit der Leica men mit der günstigeren
Summicron-M f/2 35mm ASPH. Studio-Version ab November erhältlich.
www.fender.com www.gibson.com
 NEWS

VERLOSUNG · VERLOSUNG
GURT DES MONATS
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pflanzlich gegerbtem und hand-
geöltem Rindsleder.
Der widerstandsfähige,
schwarze Gurt ist sechs Zentime-
ter breit und in seiner Länge von
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bis zum 20.11.2019 das Teilnahmeformular
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nen Brief/eine Postkarte bis zum 20.11.2019
(Datum des Poststempels) an PPVMEDIEN
GmbH, Redaktion guitar, Stichwort „Gurt
des Monats 8/19“, Postfach 57, 85230
Bergkirchen.

CORT Mitarbeiter der PPVMEDIEN GmbH und deren Angehörige dürfen

nicht teilnehmen; der Rechtsweg ist ausgeschlossen. Der

PRÄSENTIERT Gewinner wird schriftlich benachrichtigt.

NEUEN BASS HUGHES & KETTNER

CORT GB74-GIG
Der E-Bass ist mit aktiven Voiced-Tone-Tonab- VERÖFFENTLICHT BLACK
nehmern, bestehend aus Humbucker und Split-
coil ausgestattet und kann über einen 2-Band-
Equalizer angesteuert werden. Bei Bedarf lassen
SPIRIT 200 FLOOR
sich die Tonabnehmer per Push/Pull-Poti auch
passiv betreiben. Laut Hersteller soll die Elektro-
nik J-Style- und P-Style-Sounds ermöglichen.
Für den Korpus verwendet Cort Erle, Ahorn für
Hals und Griffbrett.
Der GB74-GIG ist ab Oktober in der Farbe
„Lake Placid Blue“ für 649 Euro erhätlich.

www.cortguitars.com

Der saarländische Verstärkerhersteller Hughes & Kettner veröffentli-

cht mit dem Black Spirit 200 Floor den dritten Verstärker der Black-
Spirit-200-Reihe. Dieser zeichnet sich als „All-In-One-Floor-Amp“
durch seinen programmierbaren Prozessor aus, der laut Hersteller mit
seiner analogen Schaltung die Vielseitigkeit, den Sound, das Spiel-
gefühl und den Sound eines echten Verstärkers bieten soll. Mit vier
Kilogramm Gewicht bietet er 200 Watt Leistung, optional auf 20 oder
2 Watt begrenzbar, zahlreiche Anschlussmöglichkeiten inklusive Red
Box AE# DI-Outs, mit denen herkömmliche Boxen aber auch PAs oder
In-Ear-Monitoren angeschlossen werden können. Die digitale Multi-
effekt-Sektion beinhaltet Reverb, Tap-Delay, Flanger und viele weitere
Effekte. Per seriellem FX-Loop und zweier serieller True-Bypass-Pre-
Loops lassen sich auch weitere Effekte in den Verstärker einschleifen.
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www.hughes-and-kettner.com

12 11/19
 20 JAHRE
NEWS

ROYAL REPUBLIC MARCO POGO VON TITO VON TITO &

Rock Antenne, viel Spaß bei eurer
Celebration zum
20. Geburtstag! We wish you
all the best!
TURBOBIER TARANTULA
Servus, liebe Rock Antenne. Ich Happy Birthday Rock Antenne!
wünsche euch alles, alles Gute zum
20. Geburtstag. Trinkt´s a Bier

MARCEL THENÉE
oder mehr! Prost!

Herausgeber, guitar Magazin

Liebes Team Rock
Antenne, das ganze
guitar-Team wünscht
euch alles Gute und
Happy Birthday zum
Zwanzigjährigen! Wir

HEIDI VON PRISTINE

hier in der guitar-
Redaktion freuen

LACRIMAS
Happy Birthday Rock Antenne for 20 uns jeden Monat
über News und Input, den wir von euch
years Rock non-stop!

PROFUNDERE
bekommen und euch natürlich auch
als Printmacher geben können. Macht

ALEXANDER POZNIAK
weiter so! Ihr seid das geilste Radio-
Rock Antenne we wanna wish you a Team, das wir uns vorstellen können!
Musikredaktion, guitar Magazin very, very lovely 20th anniversary!
Ich höre kein Radio
– das hat auch gute
Gründe. Sie heißen
Capital Bra und
Helene Fischer. Lady
Gaga is‘ ok. (Die hat
mit „Alejandro“ sogar
unsere heimliche
Liaison musikalisch verewigt; mit leicht
abgeänderten Namen versteht sich.)
In unserem Band-eigenen Blues-
Mobil aber, da läuft eben doch Radio.

Welches? Rock Antenne natürlich!
Und warum? Weil da einfach ständig
irgendjemandes Lieblingssong läuft.
„Oh geil, mach das mal lauter!“ kommt
dann von den billigen hinteren Plätzen.
Insofern wünsche ich alles Gute zum
20-Jährigen, und bedanke mich für viele
versüßte Stunden auf der Autobahn.“
BEYOND THE BLACK
Wir wünschen Rock Antenne, alles,
alles Liebe zu 20 Jahren Rock non-
stop! Keep on rocking!
MASSIVE WAGONS
Wishing a very Happy Birthday
to your one and only Rock-radio-
station. Thanks for rocking with us
here. We promise to keep the good
tunes comin'.

13
 TOURDATES
LaBrassBanda
11.12.20 Berlin, Verti Music Hall
12.12.20 Frankfurt
13.12.20, Köln, Palladium
16.12.20 Stuttgart, Porsche Arena
LaBrassBanda &
Seiler und Speer
10.12.20 Hamburg, Sporthalle
15.12.20 Leipzig, Haus Auensee
18.12.20 München
Seiler & Speer
22.11.19 Köln, Live Music Hall
23.11.19 Zofingen, Stadtsaal (CH)
25.11.19 Berlin, Columbia Theater
26.11.19 Saarbrücken, Garage
27.11.19 Frankfurt, Batschkapp
28.11.19 Nürnberg, Löwensaal
29.11.19 Würzburg, Posthalle
30.11.19 Stuttgart, Wagenhallen
01.12.19 Heidelberg, Halle02
02.12.19 Augsburg, Kongresssaal
04.12.19 Kempten, kultBox
05.12.19 Regensburg, Eventhall Airport
06.12.19 Deggendorf, Stadthalle
Steel Panther
28.01.20 Berlin, Huxleys
29.01.20 München, Backstage Werk
Subway To Sally
13.03.20 Goslar, Miners Rock
14.03.20 Andernach, Juz Live Club
20.03.20 Magdeburg, Factory
21.03.20 Rostock, MAU Club
27.03.20 Uelzen, Jabelmannhalle
28.03.20 Wilhelmshaven, Pumpwerk
17.04.20 Jena, F-Haus
18.04.20 Vacha, Vachwerk
23.04.20 Wiesbaden, Schlachthof
24.04.20 Memmingen, Kaminwerk
25.04.20 Wien, Simm City (A)
30.04.20 Karlsruhe, Substage
01.05.20 Krefeld, Kufa
Status Quo
Backbone-Tour 2020
05.11.20 Sporthalle, Hamburg
11.11.20 Olympiahalle, München
15.11.20 Jahrhunderthalle, Frankfurt
17.11.20 Haus Auensee, Leipzig
18.11.20 Swiss Live Hall, Hannover
20.11.20 Mitsubishi Electric Hall,
Düsseldorf
21.11.20 Max Schmellinghalle, Berlin
14 11/19
Kaizaa
16.01.20 Hamburg, Headcrash
17.01.20 Essen, Turock
18.01.20 Hannover, Lux
23.01.20 Berlin, Cassiopeia
24.01.20 Rostock, Mau Club
25.01.20 Dresden, Club Puschkin
31.01.20 Heidelberg, Halle02
01.02.20 Köln, MTC
06.02.20 Augsburg, Spectrum
07.02.20 Nürnberg, Club Stereo
TYLER CHILDERS
08.02.20 Karlsruhe, Substage
Glen Hansard
09.11.19 München, Circus Krone
Hot’n’Nasty
25.10.19 Kamen, FZ Lüner Höhe
26.10.19 Velbert, Kunsthaus Langenberg
08.11.19 Rees, Buena Ressa
09.11.19 Rheine, Hypothalamus
22.11.19 Braunschweig,
Barnaby's Blues Bar
23.11.19 Nienburg, Jazzclub
07.12. Dortmund, Blue Notez THE ARISTOCRATS
Dragonforce HENRIK FREISCHLADER BAND
06.02.20 Köln, Essigfabrik
07.02.20 Karlsruhe, Substage
High South
17.10.19 Dornbirn, Wirtschaft (A)
18.10.19 Lenzburg, Baronessa (CH)
19.10.19 Hinwil, corporate event (CH)
20.10.19 Baden Baden, Rantastic
21.10.19 Kufstein, Kulturquartier (A)
Monster Truck
29.11.19 Karlsruhe, Substage
01.12.19 Dresden, Beatpol STEEL PANTHER
The Blue Stones
05.11.19 Berlin
06.11.19 Jena
07.11.19 Köln
08.11.19 München
15.11.19 Dresden
The Bros. Landreth
23.11.19 München, Orangehouse
24.11.19 Hamburg, Nochtwache
27.11.19 Berlin, Auster Club
28.11.19 Köln, Luxor
The Aristocrats Aren & Chima The Intersphere
19.11.19 München, Technikum 08.11.19 Aachen, Musikbunker
19.10.19 Frankfurt, Brotfabrik
20.11.19 Hamburg, Fabrik 10.11.19 Aachen, Musikbunker
21.11.19 Bensheim, Musiktheater Rex 05.12.19 Aarau, Kiff (CH)
23.11.19 Winterbach, Strandbar Tyler Childers 06.12.19 St. Gallen, Grabenhalle
24.11.19 Dortmund, Musiktheater Piano 28.01.20 Berlin, Frannz Club 13.12.19 Münster, Sputnik Cafe

Laurence Jones
28.10.19 Bonn, Harmonie
30.10.19 Dortmund, Piano
31.10.19 Erfurt, Museumskeller
01.11.19 Hamburg, Nochtspeicher
03.11.19 Berlin, Privatclub
Black Star Riders
12.11.19 Hamburg, Markthalle
13.11.19 Köln, Kantine
14.11.19 Dresden, Tante Ju
AIRBOURNE
15.11.19 Aschaffenburg, Colos-Saal
18.11.19 München, Backstage Halle
19.11.19 Nürnberg, Hirsch
21.11.19 Leipzig, Anker
Wishbone Ash
30.01.20 Osnabrück, Rosenhof
31.01.20 Worpswede, Music Hall
03.02.20 Bonn, Harmonie
04.02.20 Regensburg, Alte Mälzerei
05.02.20 Augsburg, Spectrum
06.02.20 Pratteln, Z7 (CH)
07.02.20 Tübingen, Sudhaus
08.02.20 Konstanz, Kulturladen
Rock Meets Classic
03.03.20 Passau, Dreiländerhalle
05.03.20 Kempten, bigBOX
SUBWAY TO SALLY 07.03.20 Nürnberg,
Arena Nürnberger Versicherung
08.03.20 München, Olympiahalle
10.03.20 Berlin, Tempodrom
11.03.20 Bamberg, brose Arena
13.03.20 Würzburg, s. Oliver Arena
14.03.20 Frankfurt, Jahrhunderthalle
15.03.20 Regensburg, Donau-Arena
17.03.20 Neu-Ulm, ratiopharm Arena
19.03.20 Ludwigsburg, MHP Arena
20.03.20 Dresden, Messe Halle 1
21.03.20 Ingolstadt, Saturn Arena
D-A-D
02.12.19 Pratteln, Z7 (CH)
06.12.19 Wien, Szene (AT)
08.12.19 Salzburg, Rockhouse (AT)
10.12.19 München, Backstage Werk
HIGH SOUTH 11.12.19 Ludwigsburg, Rockfabrik
12.12.19 Bochum, Zeche
13.12.19 Mannheim,
MS Connexion Complex
14.12.19 Osnabrück, Hyde Park
15.12.19 Berlin, Huxleys
17.12.19 Nürnberg, Hirsch
18.12.19 Hamburg, Docks
Queen Machine
16.01.20 Hamburg, Gruenspan
17.01.20 Berlin, Lido
18.01.20 Flensburg, Max
23.01.20 Braunschweig, Westand
24.01.20 Essen, Zeche Carl
THE BROS. LANDRETH
25.01.20 Nürnberg, Hirsch
TOURDATES
Kadavar
10.11.19 Hannover, Capitol
20.11.19 Wiesbaden, Schlachthof
21.11.19 Nürnberg, Hirsch
22.11.19 München, Backstage Werk
23.11.19 Wien, Arena (A)
24.11.19 Dresden, Beatpol
27.11.19 Stuttgart, LKA Longhorn
28.11.19 Köln, Essigfabrik
29.11.19 Hamburg, Große Freiheit
30.11.19 Berlin, Columbiahalle
New Model Army
24.10.19 Freiburg, Jazzhaus
25.10.19 München, Backstage
26.10.19 Stuttgart, LKA
27.10.19 Nürnberg, Hirsch
29.10.19 Dresden, Beatpol
30.10.19 Frankfurt, Batschkapp
31.10.19 Losheim, Eisenbahnhalle
Everlast
20.11.19 Jena, F-Haus
Erik Cohen
22.11.19 Düsseldorf, Zakk
23.11.19 Hannover, Lux
13.12.19 Berlin, Cassiopeia
14.12.19 Kiel, Räucherei
20.02.20 Dortmund, FZW
21.02.20 Wiesbaden, Schlachthof
22.02.20 München, Backstage
Emil Bulls
29.11.19 Hamburg, Docks
30.11.19 Leipzig, Täubchenthal
06.12.19 Wiesbaden, Schlachthof
07.12.19 München, Backstage Werk
13.12.19 Köln, Carlswerk Victoria
14.12.19 Berlin, Astra
Quaker City
Night Hawks
24.10.19 Berlin, Musik & Frieden
26.10.19 Köln, Luxor
27.10.19 Frankfurt, Nachtleben
28.10.19 München, Folks
Airbourne
01.11.19 Leipzig, Haus Auensee
03.11.19 München, TonHalle
07.11.19 Berlin, Columbiahalle
09.11.19 Wiesbaden, Schlachthof
10.11.19 Köln, E-Werk
Devin Townsend
18.11.19 Hamburg, Grünspan
27.11.19 Berlin, Astra
15
 REZENSIONEN

Aussie-Power-Amp-Arschtritt Positiv-Punk

Platte
n
Mona des
ts

Airbourne The Menzingers

Boneshaker Hello Exile
(Vertigo/Universal) (Epitaph)

Einbrechende Röhren-Amps und eine schwitzende Band, die binnen 30 Eine knackige Mischung aus The Gaslight Anthem,
Minuten Spielzeit Riff-technisch alles umboxt. Airbourne haben noch nie The Clash und dem jungen Bruce Springsteen stürmt
ehrlicher, schnörkelloser und gnadenlos australischer geklungen. Und das einem entgegen, sobald The Menzingers aus den
alles, obwohl (oder besser gesagt genau weil) man in Produzent Dave Cobb Lautsprechern tönen. Hello Exile ist ein durch und durch
den perfekten Partner-in-crime gefunden hat. Noch nie zuvor hat es eine positives Album, bei dem intelligent auf Missstände aber
junge Band geschafft, näher an die Magie des Sounds der Alberts-Studios zu auch auf Chancen und Zuversichtliches im Amerika des
kommen (wo Kultalben wie Powerage oder Rose Tattoos Debüt entstanden) Jahres 2019 eingegangen wird. Harmonische Soli
– und das in Cobbs Studio RCA Studio A in Nashville. Im Geiste dieses Alberts- im Stile von Social Distortion und ein dynamisch
Sounds orientieren sich Joel O’Keeffe, Band und Cobb mit dampfenden Riff- geschwungener Open-Chord-Sound der alten Schule
Salven in Songs wie „Sex To Go“ „Blood In The Water“ oder „Switchblade sind ein Leckerbissen für alle, die anspruchsvolle
Angel“. Und wenngleich man sich bei Songs wie „She Gives Me Hell“ ein ums Punk-Rock-Gitarrenarbeit schätzen. Überhaupt klingt
andere Mal sehr an die Originale „anlehnt“, kauft man der Band einfach jedes die Band mittlerweile sehr erwachsen und groß. Erster
Riff, jedes Solo und alle Power auf diesem Album zu jeder Sekunde ab. Ich Anspieltipp wäre „America (You're Freaking Me Out)“.
sage es ungern, aber das hier ist das bis dato beste Airbourne-Album. Es wird Wer auch nur geringste Anzeichen eines Herbst-Blues
nicht leicht für die großen Vorbilder AC/DC, das hier noch zu toppen. Etwaige aufweist, sollte die Scheibe auflegen.
Wutbriefe nehme ich an dieser Stelle selbstredend gern entgegen.

mth phi

Classic-Rock/Glam-Rock Modern-Rock Rootsrock-Landschaft

Robert Pehrsson's Humbucker Alter Bridge Hellsingland Underground

Out Of The Dark Walk The Sky A Hundred Years Is Nothing
(High Roller Records) (Napalm/Universal) (Wild Kingdom Records/Sound Pollution)

Auf seinem dritten Album entwickelt sich Robert
Pehrsson konsequent fort. Sein eingängiger
'70s-Rock auf dem Erbe von Kiss und Thin Lizzy
wird neuerdings mit pumpenden '80s-Power-Riffs
und einer satteren Produktion aufgepeppt. Das
Ganze klingt dabei aufgrund der noch spendabler
und kraftvoller verteilten Satzgesänge zusätzlich
moderner – diese erinnern immer noch an den
skandinavischen Retro-Rock der frühen 2000er
wie die Hellacopters oder The Datsuns doch
wagt man sich auch an den Pop-Rock der selben
Zeit, wie etwa The Ataris, vor. Dennoch: gewagt,
revolutionär oder gefährlich beabsichtigt will diese
Mixtur nicht klingen – stattdessen bieten sich mei-
sterhafte Kompositionen nach den Regeln und mit
dem Verzauberungspotenzial der guten alten Zeit.
Mit dem sechsten Studioalbum verfolgt das
Quartett um Mark Tremonti und Myles Kennedy
den bewährten Weg weiter. Intro und 13 Tracks
liefern die klar erkennbare moderne Mischung
aus Hardrock und Metal. Das Album bietet eine
pralle Riffsammlung, geschmackvolle Refrains
und Melodien, durchweg große Gitarrenarbeit
und einen stets grandiosen Kennedy. Die
Vorabveröffentlichung „Wouldn't You Rather“ zün-
det sofort, aber auch die weiteren Titel sind auf
konstant hohem Niveau. Das Tempo ist über-
wiegend treibend, seltener im Uptempo-Bereich
(„In The Deep“). Neben den gewohnten Stärken
gibt es interessante Bend-Riffs auf „Native Son“,
punktuelle Popanleihen auf „Tear Us Apart“ oder
atmosphärische Ausflüge auf „One Life“.
Seit 2008 liefert die Band aus dem kleinen schwe-
dischen Städtchen Hälsingland in Sachen astrei-
ner Rootsrock musikalische Qualitätsware ab.
Mastermind Charlie Granbergs (v, g) Songwriting
orientiert sich an Einflüssen wie Neil Young,
Bob Dylan gepaart mit reichhaltigen Classic-
Rock-Einflüssen. (Bachman Turner Overdrive und
Doobie Brothers lassen bei Songs wie „From Here
To The Grave“ grüßen.) Bei diesem Album könnte
man buchstäblich in seine Kopfhörer hineinkrie-
chen, denn weite Soundlandschaften untermalen
die Songs. Die Produktion perlt glasklar und
erinnert ab und an sogar an diversen Dire-Straits-
Klangperlen. Ein Album für Leute, die erfahren
wollen, wie einem eine Platte mit jedem Durchlauf
mehr ans Herz wächst.

phi uk mth

16 11/19 = Geniestreich = Volltreffer = Durchschnitt = Netter Versuch = Puh ...


Cineastische-Song-Filme
Robbie Robertson
Sinematic
(Universal)
Robertsons Songs finden sich atmosphärisch
irgendwo zwischen mal kühlem und dann wie-
der heißem Achtziger-Film-Noir-Vibe wieder. Der
Einfluss durch die Zusammenarbeit an Martin
Scorseses aktuellen Kinofilm The Irishman ist
nicht von der Hand zu weisen. Seine Stimme
gleicht der eines rauchigen Film-Noir-Erzählers,
der die Story besingt („Hardwired“, „Shanghai
Blues“). Dazwischen verdichtet Robertson die
Songs bei aller Achtziger-Atmosphäre durch seine
Gitarren-Themen. Für die einen mag sich das alles
zu anachronistisch anhören (weil alles stilistisch
schon mal von Robertson gesagt und gespielt
wurde), alle anderen sollten hier aber definitiv mal
ein Ohr riskieren.
mth
Southern-Rock
Black Stone Cherry
Black To Blues 2
(Mascot Records)
Mit Black To Blues 2 veröffentlicht die Southern-
Rock-Band Black Stone Cherry die Nachfolge-EP
zum 2017 veröffentlichten Vorgänger Black To
Blues. Wie der Name vermuten lässt, zelebrie-
ren Black Stone Cherry alte Bluesklassiker wie
„All Your Love (I Miss Loving)“ von Otis Rush,
Robert Johnsons „Me & The Devil Blues“ oder
Freddie King mit „Big Legged Woman“ im neuen
Gewand und schrecken auch nicht davor zurück,
starre Songpfade zu verlassen und einen eige-
nen Blickwinkel auf die Klassiker zu schaffen.
Produktionstechnisch schafft es Black To Blues 2
problemlos das Niveau der Vorgänger-EP zu halten
und vermittelt beim Hören beste Jam-Atmosphäre.
Schön, die Klassiker im neuen Gewand zu hören!
ost
REZENSIONEN
Melo-Rock
The 69 Eyes
West End
(Nuclear Blast)
Passend zum 30. Bandjubiläum kehren The 69
Eyes nach dem eher schroffen Universal Monsters
(2016) mit einem Signature-Sound-Album zurück.
West End könnte ohne weiteres irgendwo zwi-
schen Klassikern der Eyes-Diskographie wie
Waisting The Dawn (1999), Blessed Be (2000),
Paris Kills (2002) oder Devils (2004) erschienen
sein. Egal ob Songwriting, Arrangements, Bazies
Gitarrenläufe oder die charismatischen Vocals von
Jyrki 69 – alles klingt zu hundert Prozent wie zur
Hochzeit, anno Helsinki Vampires. Dabei sprin-
gen die Finnen gekonnt über das Selbstplagiats-
Fettnäpfchen, denn West End mutet auch dank
seiner zeitlosen Produktion nicht antiquiert an.
Darauf ein großes Glas schweren Rotwein!
cf
 REZENSIONEN
Thrash/Groove Metal
Exhorder
Mourn The Southern Skies
(Nuclear Blast)
Seit einigen Jahren erlebt der Thrash-Metal
deutlichen Aufwind. Eine der überraschenderen
Wiedervereinigungen sind dabei Exhorder aus
New Orleans. Der Band wird nachgesagt, deut-
lichen Einfluss auf Panteras Sound-Findung ge-
habt zu haben. Hat man damals deutlich gehört,
hört man immer noch. Mourn The Southern Skies
kann richtig was. Die rhythmische Betontheit der
Songs und die Blueslines sind aktuell hoch im
Kurs. Shouter Kyle Thomas liefert immer noch
ab wie anno dazumal. Hier und da plätschert die
Platte etwas dahin, ist dafür aber abwechslungs-
reich. Für jeden der die Truppe nicht kennt: Man
stelle sich Testament mit einer Prise Pantera und
einer schnodderiger NOLA-Attitüde vor. Objektiv
gesehen ein starker Silberling.
pz
Live-Blues
Joe Bonamassa
Live At The Sydney Opera House
(Mascot Label Group / Rough Trade)
Über 73 Minuten Spielzeit, neun Songs und JB
in Bestform! Obwohl Live At The Sydney Opera
House das bereits 17. Livealbum des 1977 in
New Hartford, New York geborenen Bluesrock-
Superstars ist, kommt man als Sammler an dieser
Aufnahme aus Down-Under nicht vorbei. Joe und
seine exquisite Backingband schmücken wieder
jede Komposition mit kleinen Jams, erweiterten
Soli und diesem speziellen, erhabenen Feeling einer
Bonamassa-Show aus. Ein herausragendes Juwel
der in Sydney gespielten Setlist ist ohne Zweifel
„Drive“, das im Gegensatz zur Albumversion knap-
pe drei Minuten länger daher kommt und mit einem
noch fesselnderen „Dark California“-Vibe den Hörer
auf eine einzigartige und coole Audioreise entführt.
cf
18 11/19
Southern-Rock
Whiskey Myers
Whiskey Myers
(Spinefarm Universal)
Dass die Truppe aus Texas das Potential hat, neben
Blackberry Smoke oder The Cadillac Three das
Erbe von Lynyrd Skynyrd anzutreten, zeichnete
sich ab. Für ihr fünftes Album haben sich die
Jungs nicht – wie zuletzt – auf Starproduzent
Dave Cobb (Chris Stapleton, Jason Isbell) ver-
lassen, sondern erstmalig selbst Hand an die
Klangregler gelegt. Das Resultat ist beachtlich:
Vom authentisch Südstaaten-warmen Sound bis
hin zum durchweg exzellenten Songwriting liefern
Whiskey Myers ihre reifstes Album ab und machen
zwischen US-Roots-verrückten Spätsechziger-/
Frühsiebziger-Stones und eben Skynyrd alles rich-
tig. Mit dem ebenfalls sehr starken Debüt der
Allman Betts Band darf man sich hiermit offiziell
um den Titel „Southern-Rock-Album des Jahres“
kloppen.
ft
Knack-Rock
Laura Cox
Burning Bright
(Earmusic / Edel)
Laura Cox' Zweitwerk Burning Bright ist
durch und durch eine zeitlose und vielschich-
tige No-Nonsense-Rock‘n‘Roll-Scheibe. Fette
Riffs, coole Licks, tighte Soli und gefühlvolle
Akustikläufe sind die Würze, mit der Cox ihre
knackigen Kompositionen durch die Boxen in die
Gehörgänge jagt. Dank der angewandten Finesse
hebt sich Laura mit Leichtigkeit von anderen
Youtube-Stars in der Kategorie über 60.000.000
Views ab. In Coverversionen zu glänzen ist eine
Sache, mit eigenem Material derart zu punkten
eine ganz andere Hausnummer. Burning Bright
setzt die Messlatte für Laura Cox' weitere Karriere
enorm hoch.
cf
 REZENSIONEN
Neon-Country
Jon Pardi
Heartache Medication
(Capitol/Universal)
Mit Heartache Medication gelingt Jon Pardi der
charmante Brückenschlag zwischen Modern- und
Retro-Neon-Country – sprich die 2010er treffen
auf Ende der '80er, Anfang der '90er. Alleine die
ersten drei Stücke der LP könnten nicht unter-
schiedlicher sein: „Old Hat“ besitzt einen starken
Florida-Georgia-Line-, der Titelsong „Heartache
Medication“ einen unverkennbaren George-Strait-
und „Nobody Leaves A Girl Like That“ einen old-
schooligen Jason-Aldean-Einschlag. Pardi erreicht
durch diesen „Trick“ mit seinem dritten Album
so ziemlich alle Zielgruppen populärer Country-
Musik. An der Songwritingfront sind neben Jon bei
den durchgängig hochklassigen Kompositionen
A-Lister wie Eric Church, Miranda Lambert, Natalie
Hemby oder Rhett Atkins vertreten.
cf
Polarisierender Stilwechsel
Leprous
Pitfalls
(Inside Out Music/Sony Music)
Mit Pitfalls gehen die norwegischen Prog-Metaller
einen radikalen Weg. Von den hart-verzerrten
Gitarren und gutturalen Growls von einst ist nichts
mehr zu hören. Stattdessen setzt man auf ange-
crunchte Arpeggio-Linien mit polyrhythmischen
Drehern und Klargesang zwischen Kopf- und
Bruststimme. Auch die Drums geben sich gemein-
sam mit dem Keyboard deutlich zugänglicher
und Ambient-lastig. Die rhythmische Verspieltheit
des Vorgängers Malina ist der Band etwa in
„By My Throne“ geblieben, doch mag die neue
Ausrichtung abschreckend auf alteingesessene
Fans wirken. Das Attribut „Progressive“ trifft in
Punkto Abwechslung und Komplexität noch voll
und ganz auf die sinfonisch anmutenden Songs zu.
Von „Metal“ sind aber kaum noch Spuren übrig.
lml
20 11/19
Singer-Songwriter
Steve Waitt
Another Day Blown Bright
(Make My Day/Indigo)
Another Day Blown Bright ist die Scheibe für
schrankenlose Singer-Songwriter im Herbst 2019.
Relaxte Westküstensounds treffen auf Breakbeats,
Gitarrenpop und Classic-Rock. Das ist allerdings nur
die Spitze des Eisbergs, denn mit jedem Durchlauf
entdeckt man neue Aspekte und geschickt ein-
gestreute Versatzstücke in den durchweg perfekt
ausgeklügelten Arrangements. Dabei ist Steve
Waitts Klangkosmos keineswegs überfrachtet oder
gar auf biegen und brechen künstlich extravagant
umgesetzt. Mit viel Fingerspitzengefühl geht er
mal reduziert, mal spektakulär mit viel instrumen-
taler Pyrotechnik zu Werke.
cf
New-Wave-Legenden
Fischer-Z
Swimming in Thunderstorms
(Pias/So-Real)
Obwohl Fischer-Z bereits mit den ersten drei
Alben (1979 bis 1981) ihre beste Phase hatten,
macht ihr Mastermind John Watts unermüdlich
weiter – mal solo, mal mit seiner Band, von deren
Ursprungsbesetzung nur noch er an Bord ist. Auf
dem nunmehr zwölften Studioalbum bieten Watts
& Co. die gewohnte musikalische Mischung aus
Wave-lastigem Gitarren-Rock mit melodischen
Keyboard-Sprenkeln, geflissentlich versteck-
ten Reminiszenzen (etwa an den ’50er-Jahre-
Rock’n’Roll) und einem Schuss Reggae, schalten
auch mal einen Gang zurück und legen wie immer
großen Wert auf große Melodien. Textlich bewegt
sich Watts wie immer zwischen Alltag und Politik,
wobei mittlerweile alterstypische Erinnerungen an
frühere Zeiten hinzugekommen sind.
je
Oliver Strosetzki (ost), Frank Thiessies (ft), Chris Franzkowiak (cf), Phil Zeppenfeld (pz), Philipp Opitz (phi),
Ulf Kaiser (uk), Jürgen Ehneß (je), Lukas Lautenbacher (lml), Alexander Pozniak (ap), Marcel Thenée (mth)
Blues/Soul
The Bros Landreth
’87
(Birthday Cake)
Das kanadische Blues-Soul-Duo The Bros.
Landreth, bestehend aus den Brüdern David
und Joey Landreth, veröffentlicht mit ’87 ihr
zweites Studioalbum. Der Nachfolger zum 2015er
Debütalbum Let It Lie lässt es ruhig angehen,
sehr ruhig. Während Bruder Joey Landreth auf
seinen Soloalben im Vergleich etwas mehr aus
sich herausgeht, setzen die Brüder bei ihren
Kompositionen auf künstlerisches Understatement.
Wenn man sich darauf einlässt, wird man mit
einem Album belohnt, das zum Abschalten und
Abschweifen einlädt, gleichzeitig aber auch keine
Note zu viel preisgibt. Laut kann gefühlt jeder, es
sind die leisen Töne die einiges an Fähigkeiten
abverlangen. So bleibt es bei der alten Weisheit:
Weniger ist manchmal mehr.
ost
DVD
Long Distance Calling
Stummfilm (Live from Hamburg)
(Inside Out Music/Sony Music)
Es braucht nicht
immer Worte für
eine gelungenen
Abend voller sphä-
rischer Musik. Allen
Fans instrumen-
taler Rockmusik
der Spitzenklasse
sei der neueste
Live-Mitschnitt der
Münsteraner ans Herz gelegt. Satte zwei Stunden
musikalischer Ekstase wurden in der Hamburger
Kulturkirche Altona mitgeschnitten und belegen,
dass Long Distance Calling mit zum Besten zählen,
was die hiesige Rockszene zu bieten hat. Klang-
und Videoqualität (der Blu-Ray) entsprechen dem
hohen musikalischen Standard des Quartetts und
sind in der Abmischung atemberaubend differen-
ziert und transparent. Besonders die Gitarren knal-
len fett und saftig aus den Boxen. Thematisch wid-
met sich die erste Hälfte der Setlist allen Phasen
der Bandgeschichte, während die zweite Hälfte
fast ausschließlich aus Songs des Klassikers Avoid
The Light besteht.
lml
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 STORY

KNOCHENBRECHER-RIFFS IN NASHVILLE
Wenn man einen Termin mit Airbourne hat, ist keine Antwort einstudiert. Und nichts und
niemand hält Joel O’Keeffe davon ab, Gitarre zu spielen. Erst recht nicht, wenn Gibson
und Marshall netterweise ein wenig Werkzeug für die Aussie-Rocker parat haben. Das
Gute: die Jungs haben richtig Bock, über ihr neues Album Boneshaker zu plaudern.

W
ährend Harri Harrison, „der Neue“
an der Rhythmus-Gitarre, sich für
eine ES-335 entscheidet, greift
Joel final zu einer schwarzen SG.
Ob sie ein Stimmgerät gebrauchen
C Phil Zeppenfeld, Marcel Thenée, Liz Scarf, Marcus Robinson
der. Hier haben Legenden wie Elvis Presley
oder aktuelle Country-Stars und Songwriter
wie Sturgill Simpson, Jason Isbell oder Chris
Stapleton schon auf den ausdruckstarken
„Raumsound“ gesetzt – mit entsprechendem
uns Gedanken über Bilder der Stones oder
Elvis an den Wänden zu machen.“ Vier Wo-
chen später ist die Band wieder zurück in
ihrer Heimat Australien. Dort können die
Jungs gar nicht so recht glauben, dass die

können? „Nö, im Studio hatten
wir während der Aufnahmen auch
keins“, quittiert Joel trocken seine
Stimmaktivitäten.
Zufall? Wohl kaum. Die Einflüsse Airbour-
nes sind landläufig bekannt. Spontaneität
wird dennoch groß geschrieben, erst recht
beim neuesten Album Boneshaker, so geht
man mit dem neuen Produzenten gleich mal
in ein anderes Land. Daher findet sich die
komplette Airbourne-Crew plötzlich in Nash-
ville im RCA-Studio A von Dave Cobb wie-
Erfolg.
Andere Länder, andere Sitten, doch die
Chemie zwischen Band und Producer stimmt
vom ersten Moment an. „Ab dem ersten Tele-
fonat war klar, dass wir die gleiche Vorstel-
lung von einem neuen Airbourne-Album
hatten. Im Studio klickten wir noch schneller
zusammen. Dave liebt AC/DC – genau wie
wir. Es ist zwar schön, all die Stars wie Elvis
oder die Stones an der Wand zu sehen. Am
Ende verging die Session dort aber so schnell,
dass wir im Grunde wenig Zeit hatten, um
Zeit im berühmten RCA-Studio schon vorbei
ist. „Haben wir tatsächlich gerade unser
neues Album dort aufgenommen? Ja, wir
haben gerade ein komplettes Album mit Dave
Cobb aufgenommen. Und jetzt befindet es
sich schon im Mix“, schwärmt Joel noch
immer sichtlich begeistert, ob des Arbeitstem-
pos und -ethos' während der Aufnahmen.
Dass die Jungs in Dave Cobb genau den
richtigen Musik- und Sound-Enthusiasten
gefunden haben, wird schnell klar, wenn man
sich anschaut, wie liebevoll Cobb sich um das

22 11/19

historische Erbe seines Studios kümmert. „Er
sammelt all diese alten, historischen Bilder
von Künstlern wie Dolly Parton, den Stones
oder Elvis, auf denen oft Mikros und altes
Gear zu sehen ist, mit denen jene Stars im
„Cobb ist wie ein
Ninja im Studio“
RCA Studio aufgenommen haben. Dave ver-
sucht, wenn es irgendwie geht, an all dieses
alte Gear ranzukommen. Diese Liebe zum
historischen Detail hat uns echt imponiert.
Und irgendwie wird er durch seine Arbeit
selbst Teil der Geschichte“, gibt Harri, „der
Neue“ bei Airbourme, zu Protokoll.
Harri löste jüngst David Roads an der
zweiten Gitarre ab. Der hatte sich übrigens
statt für ein Leben als tourender Rocker für
Frau, Familie und das Leben als Farmer ent-
schlossen. Harri und die Airbourne-Boys
Airbourne STORY
Harri (l.) und
Joel mit guitar-
Herausgeber Marcel
(r.)
Das Video da
zu findet ihr
auf unserem
YouTube-
Kanal guitar
Magazin
kennen sich schon seit Jahren. Für den
Sprung in den Airbourne-Tourbus bedurfte es
am Ende nicht viel. Ähnlich reibungslos
ereignete sich die gemeinsame Studiozeit.
„Ich stieß zur Band, dann ging es direkt auf
gemeinsame Club-Tour durch Australien und
dann schon ins Studio zu Dave. Es war su-
percool, dass von Beginn an die Chemie
zwischen uns allen stimmte – wir als Freunde
innerhalb der Band und Dave als Fan, Enthu-
siast und Produzent“, erklärt Harri begeistert.
„Dave arbeitet mit uns wie der fünfte
Mann in der Band. Wir saßen gemeinsam im
Studio, jammten und spielten uns gegenseitig Wer zum Geier sind Spinal Tap!? Marshall-
Akkorde und Songteile vor, und irgendwann Amp-Einstellung á la Joel O’Keeffe
sagte Cobb nur: , … ok Jungs, das ist es. Lasst
uns diese Akkordfolge noch einmal akustisch
spielen und dann nehmen wir das direkt auf.' zurück ans Mischpult. Als wir ihm dann
Wir jammten die Parts dann mit der ganzen ,Sorry, Dave! Wir haben’s verkackt! Lass uns
Band so vor uns hin. Harri und ich schauten noch mal’ entgegen riefen, kam von ihm nur
uns gegenseitig an, und ließen meist nur mal aus der Gegensprechanlage der Spruch: ,Wie-
die Parts Schleife laufen. Cobb wuselte der- so Jungs? Ist doch alles schon passiert, der
weil zwischen uns umher, stellte ein paar Song ist im Kasten!’ Cobb ist wie ein Ninja
Mikros anders ein, und ging dann wieder im Studio. Er spielte uns dann die einzelnen
 STORY Airbourne
Joel …
Takes vor. Wir haben uns dann nur noch für
den einen oder anderen entscheiden müssen.
So war es auch mit meinen Soli. Ein Song
wie „Switchblade Angel“ entstand auf diese
Weise in nur einem Take“, erklärt Joel stolz,
während Harri noch ein paar entscheidende
Details zu der Entstehung des Songs einfal-
len: „Joels Gitarren-Solo ist komplett live,
und mitten im Song hört man noch einen
fetten Patzer von mir. Wenn man genau drauf
achtet, dann spiele ich da die Rhythmus-
Gitarre nicht bis zum Ende des Songs durch.
Dummerweise dachte ich mitten im Song,
dass wir da schon aufhören würden. Dem war
aber nicht so … der Take war um einiges
länger. Aus irgend einem verrückten Grund,
hat es aber super hingehauen. Und all das ist
bei „Switchblade Angel“ zu hören.“
Dave Cobb beflügelt die Jungs im Studio
zu immer mehr Risikofreude und Spontanität.
Herausgekommen ist ein Album, dass mit
seinen rund dreißig Minuten und dem rohem
Knurren der Marshalls Alben wie zu Zeiten
von AC/DCs Powerage, Rose Tattoos Debüt
und den Thin Lizzy der Siebziger Jahre nahe
steht. „Es war für uns entscheidend, dass man
auf der Platte hören kann, dass die Amps an
sind und nicht alles mit einem Gate abge-
würgt wird. Wir wollten den Geist und Sound
von Bands wie AC/DC und Rose Tattoo in das
Album einfließen lassen. Der „Alberts-
Sound“, den diese Bands zu Zeiten von Po-
werage und dem Debüt-Album der Tatts in
besagten Alberts-Studios festhielten. Das ist
etwas, das wir auf unseren Alben zuvor nie
24 11/19
… und Harri
so richtig geschafft haben. Aber wir wussten
sofort, dass Cobb dafür der richtige Mann ist.
Er ist einfach genauso besessen wie wir von
dem Alberts-Sound, den wir alle bei Airbour-
ne so lieben.“
Die Songs atmen Schweiß, Leidenschaft
und kommen allesamt im Spannungsfeld von
drei bis vier Minuten auf den Punkt. „Sex To
„Ist doch alles
schon passiert,
der Song ist
im Kasten!“
Go“ ist einer dieser Songs, der mit einer Län-
ge von unter drei Minuten extrem schnell
zündet. „Was Drums und Bass angeht, war
der Song direkt beim ersten Take im Kasten.
Und es war tatsächlich der einzige Song auf
der Platte, bei dem Ryan (O’Keeffe, dr) und
Justin (Street, b) es direkt eingenagelt haben,
und Harri und ich es komplett vergeigt haben
… Cobb hat uns nach dem Take direkt noch
auf den Arm genommen. Er sagte: ,Die
Rhythmus-Abteilung groovt wie Sau, aber
die beiden Gitarristen haben Scheiße gebaut
…' Aber das war der einzige Song, bei dem es
für die Gitarristen nicht so gut ausschaute“,
quittiert die Airbourne-Saitenfrakti-
on unter schallendem Gelächter die
Situation während der Aufnahmen
zu diesem Song. Dass die Live-At-
mosphäre in der das Album entstand
Fluch und Segen zugleich sein kann,
ist Joel durchaus bewusst: „Es ist
großartig, wenn dir schon im Studio
während der Aufnahmen klar wird,
dass die Songs live funktionieren
werden, weil man in einer Live-
Atmosphäre aufnimmt. Geschieht das
dann so fix wie bei uns, dann ist die
Kehrseite, dass wir selbst unsere
Songs erst noch mal lernen müssen“,
erklären Joel und Harri grinsend.
„Der Song „Blood in the Water“ ist
zum Beispiel so schnell und auf ge-
genseitigen Zuruf entstanden, dass
wir uns echt wunderten, als er plötz-
lich von Cobb als fertig angesehen
wurde. Und das bei einem Song, bei
dem wir uns im Studio buchstäblich
die Akkorde während des Spielens
zugeschrien haben. Aber wir hatten
dieses Riff, das hatte die richtige
Energie, das Tempo war auch cool
und dann kam Cobb schon wieder ins
Studio und sagte ,Jungs, der Song im
ist im Kasten!'“ Manchmal kommt die
Magie eines Songs eben dadurch
zustande, dass man nicht zu viel über
alles nachdenkt.
Equipment-technisch haben sich
die Jungs in Dave Cobbs Studio zwar
ordentlich ausprobieren können, am Ende
blieb der Schuster aber doch bei seinen Lei-
sten. „Wir haben uns im Studio natürlich
erstmal das ganze Vintage-Gear angeschaut
und eine Menge Gitarren und Amps auspro-
biert. Zuerst nahm ich eine alte 335 von
1959 oder 1960 her, von der wir dachten,
dass sie unglaublich klingen würde. Dann
machte Cobb einen Koffer mit einer brand-
neuen 335 auf – und die war es dann am
Ende“, erklärt Harri seine Hauptgitarre und
berichtet von einem entscheidenden Rat, den
er von Produzent und Partner-in-crime Cobb
bekam: „Der wichtigste Tipp von Dave war
für mich, dass er mir riet, das Volumen-Poti
mehr denn je einzusetzen. Davor war das
Volume für mich einfach nur komplett zu-
oder eben aufgedreht. Bei den Aufnahmen
haben wir nun das Volume beide extrem
häufig eingesetzt, um gezielt Akzente zu
setzen. Auf diese Weise sind sehr viel Rhyth-
mus-Spuren auf diesem Album entstanden,
bei denen das Volume nur auf sechs gedreht
war. So konnten wir den Sound etwas clea-
ner oder etwas dreckiger hinbekommen.“
Fragt man die Jungs nach ihren Verstär-
kern im Studio, so liegt ein Marshall zwar
auf der Hand, dennoch drucksen beide mit
einem Mal etwas um die Frage nach der
konkreten Wahl ihres Amps herum. Joel ist
der erste, der mit der Sprache herausrückt:
„Es waren natürlich einige Marshalls im
Einsatz, die wir aus Australien mit rüber
gebracht haben – darunter auch hier und da

Airbourne von links nach rechts: Ryan O’Keeffe (d),
Joel O’Keeffe (v,g), Justin Street (b), Harri Harrison (g)
mein eigener Marshall JMP von 1979. Trace
Allen Davis von Voodoo Amps kam dann zu
uns ins Studio. Er schraubte etwas an den
Röhren unserer Amps. Er brachte auch einen
1982er JCM 800 mit, den er etwas „flei-
schiger“ machte. Den setzten wir ebenfalls
ein. Aber keine Pedale! Das Volumen-Poti
war unser wichtigster Effekt!“
Das bei aller Simplizität die Klangfülle
über Mikrofone nicht fehlen darf, liegt da auf
der Hand: „Cobb verwendete bei den Amp-
Aufnahmen meist ein Shure SM57, ein Nie-
renmikro und eins oder auch mehrere Raum-
mikrofone. Er legte dann beide Amp-Mikros
auf eine Spur ins Mischpult. Wir wollten uns
klar auf eine Spur festlegen, ohne Kompro-
misse. Wir hatten irgendwann diesen einen
guten Sound mit den Mikros und blieben
einfach dabei. Es war zu keinem Moment
eine Option, diesen Sound danach noch mal
zu hinterfragen. Das war Cobb enorm wich-
tig. Er mag es nicht, tausend Optionen zu
haben. Das hat am Ende auch den Mix sehr
vereinfacht.“
„Cobb mag es
nicht, 1.000
Optionen zu
haben“
Im Anschluss an unser Interview widmet sich
Joel noch einmal den zwei Marshall-Combos.
Den zugegeben etwas unglücklichen Versuch,
Joel zum Low-Kanal des 20-Watt-Combos zu
überreden, quittiert er trocken mit: „Low ist
doch clean, den benutzt keiner.“ Und um dem
guitar-Redakteur einen weiteren Stich zu
versetzen, schiebt er noch eine – rein rhetori-
Airbourne STORY
sche – Frage hinterher: „Du spielst schon
auch Gitarre, oder?“ Als Augenblicke später
Harri und Joel mit zwei voll aufgerissenen
Marshall-Studio-Classic-20-Combos den
Tagungsraum im achten Stockwerk von Uni-
versal Music zum Wackeln bringen, entnimmt
man den neugierig bis verschreckt drein-
schauenden Blicken einiger Universal-Kolle-
gen, dass das „Live-Sound“-Konzept von
Boneshaker ein voller Erfolg werden dürfte.
Marcel Thenée
BONESHAKER
Noch nie klangen
die Aussies so live,
so gefährlich und so
laut, wie auf diesem
Album
 INTERVIEW

MARK TREMONTI/ALTER BRIDGE

„MIR GEFALLEN DIE ECHTEN GERÄTE“
Seit dem Debüt One Day Remains 2004 hat das Quartett um drei ehemalige Creed-
Musiker und Myles Kennedy beachtliche 1,5 Millionen Alben verkauft. Das ist unter
anderem emsiger Livearbeit, vor allem aber dem immensen Potenzial von Mark Tremonti
geschuldet, der mit Myles Kennedy einen kongenialen Partner gefunden hat. Mit Walk
The Sky erscheint nun das sechste Studioalbum von Alter Bridge ...

26 11/19

Alter Bridge (v.l.): Mark Tremonti (g), Brian Marshall (b),
Scott Phillips (dr) & Myles Kennedy (g, voc)
M
ark, inwieweit haben du und
Myles gemeinsam an den neuen
Titeln gearbeitet?
Bisher haben wir unsere Ideen
immer gemeinsam ausgearbeitet.
Ein neuer Song bestand damit
aus Parts von Myles und mir, die
letztlich zusammenwuchsen. Dies-
mal jedoch war unsere Studiozeit begrenzt,
sodass jeder von uns für sich komplette
Songideen ausgearbeitet hat. Myles und ich
haben jeweils acht, neun Songs komponiert,
von denen wir die besten ausgewählt haben.
Das Ergebnis sind 14 Titel, etwa gleichwertig
verteilt. Genauer gesagt eher 13 Titel, denn
„One Life“ ist eher ein Intro. Das Album emp-
fanden wir so als stimmig.
Wie dokumentierst du deine Ideen?
In zwei Stufen: Die allerersten Einfälle zeich-
ne ich in einfachster Form in GarageBand
auf, eventuell zu einem Drum-Loop. Da will
ich schnell sein und sicherstellen, nichts zu
vergessen. Die eigentlichen Demos nehme
ich in Pro Tools auf. In diesem Fall komplette
Arrangements mit programmiertem Schlag-
zeug, Bass, Gesang und Texten. Das Ergebnis
habe ich der Band dann auf unsere Dropbox
hochgeladen.
Aber es gab schon auch eine Phase mit der
Band, um die Songs wachsen zu lassen?
In der Tat, ungefähr neun Tage. In dieser Zeit
haben wir uns soweit vorbereitet, dass wir
die Songs in einem Take spielen konnten. Das
war nötig, denn Scott (Phillips, Schlagzeug)
musste im Studio die Basis für die finalen
Aufnahmen legen.
Mark Tremonti/Alter Bridge INTERVIEW
Teils haben sich die Titel in dieser Phase
kaum verändert, wie etwa „Godspeed“. Teils
gab es deutliche Änderungen: So basiert
„Dying Light“ auf einer älteren Idee, erwachte
aber erst im Team mit der Band wirklich zum
Leben. Auch „Take The Crown“ hat in dieser
Phase eine neue Strophe und Melodie im
Refrain erhalten. Wir haben die Songs also
im Prinzip fertig eingebracht, waren aber für
Verbesserungen jederzeit offen.
„Wir hatten fünf
Wochen Studio-
zeit, was für uns
recht kurz ist“
Wie sieht es bei den Texten aus?
Ein wichtiges Thema von Walk The Sky ist
Achtsamkeit – Themen aus der Feder von
Myles, die etwa ein Drittel des Albums aus-
machen. „In The Deep“ oder „Wouldn't You
Rather“ befassen sich mit innerem Frieden
und fernöstlicher Philosophie. In dieser Hin-
sicht stellt das Album einen Gegenpol zum
dunklen AB III dar. Die anderen Titel stehen
eher für sich.
Wie teilt ihr euch die Gitarrenparts auf?
Zunächst einmal haben Myles und ich ja auf
unseren Demos alle Parts allein gespielt. Für
das Studio ergänzen wir dann unsere Ideen
über die vorhandene Basisstruktur des ande-
ren. Es gibt aber Fälle wie „In The Deep“, wo
es sich aufgrund der Riffs einfach anbot, dass
ich die Gitarren einspiele, obwohl die Kom-
position von Myles stammt. Ich habe also die
Heavy-Riffs gespielt, während er neben Riffs
ästhetische Elemente beisteuerte. Diese Ver-
teilung ändert sich aber mit jedem Song. Wir
waren da sehr offen.
Wie lange watd ihr dann noch im Studio?
Wir hatten fünf Wochen Aufnahmezeit, was
für uns relativ kurz ist. Schlagzeug und Bass
benötigen jeweils etwa eine Woche. Dann pro
Song etwa anderthalb Tage für die Gitarren,
wobei Myles und ich je zwei Gitarrenspuren
aufnehmen, und nochmals die gleiche Zeit
für den Gesang. Fehlen noch die Soli.
Wie geht ihr Soli an?
Meine Soli sind zu einem guten Teil vorab
komponiert, während Myles viel improvisiert.
Ich gehe nicht unvorbereitet in die Aufnah-
me, denn ich möchte bestimmte Elemente
oder Themen auftauchen lassen. Dennoch
gibt es Raum für kleine Improvisationen.
Ich nehme auch an, dass du mit unterschied-
lichen Stimmungen arbeitest?
Oh ja, wir haben wieder mit diversen Stim-
mungen gearbeitet. Auch ein Grund, warum
ich mich auf meine Soli vorbereiten muss.
Lass uns ein wenig über deine Instrumente
C Dan Sturgess, Getty Images
und Verstärker sprechen.
Auf dem Album ist meine PRS-Signature zu
hören, bei einigen tiefer gestimmten Titeln
alternativ mein Signature-Baritonmodell.
Myles hat neben PRS-Gitarren auch mit
Strats und Les-Paul-Modellen experimentiert.
27
 INTERVIEW Mark Tremonti/Alter Bridge

Setzt du immer noch auf Rectifier- und

Überschall-Modelle?
Ich bin ein echter Verstärker-Nerd! Mein Bo-
gner Überschall mit 6L6-Bestückung ist auf
diesem Album gar nicht zu hören. Und selbst
mein bevorzugtes Dual-Rectifier-Modell, die
Revision F, kam eher selten zum Einsatz –
ich spiele ihn aber auf Tour. Fast alle meine
Sounds auf diesem Album kommen aus dem
PRS MT-15 – Clean, Dirty, Lead. Gelegentlich
kamen auch mein Cornford RK100, ein Fen-
der Twin und ein Victory V40 zum Einsatz.
Meinen Dumble und die Bludotones nutze ich
zuhause, für die muss erst noch der richtige
Song kommen.

„Live nutze ich

nur einen Sound
für alles – von Cle-
an bis zum Solo“
Unterscheidet sich denn die Verstärker-
Zusammenstellung pro Song?
Teils wollten wir einen leicht angerauten
Sound. Da haben wir etwas experimentiert.
Aber für den Großteil der Heavy-Sounds
kommt bei mir eine Mischung aus MT-15
und Cornford RK100 zum Einsatz. Die EQ-
Einstellungen haben wir dabei dem Song
angepasst. Elvis (Michael Baskette), unser
Produzent arbeitet sehr genau und kennt sich
bestens aus. So manches Mal hat er meine
Verstärker vor der Aufnahme klanglich an-
gepasst. Und tatsächlich machte das in der
späteren Mischung immer Sinn. Die Aufnah-
men fanden auch in seinem Studio in Orlan-
do statt (Studio Barbarossa South).
Live sieht es bei mir ganz anders aus: Ich
nutze tatsächlich nur einen einzigen Sound
– von Clean bis zum Solo. Die Zerrintensität
variiere ich allein mit dem Lautstärkeregler
der Gitarre. Ich gebe aber zu: Ich wünsche
mir eine 100-Watt-Version meines Topteils.
Bei den Boxen setze ich seit jeher auf die
allererste gerade 4x12"-Box, die Mesa Boogie
jemals gebaut hat. Als wir damals erstmals in
größeren Hallen spielten, fragte ich danach,
denn ich mag die angewinkelten Boxen nicht.
Boogie produzierte keine solchen Modelle,
also bauten sie mir welche.
Wie sieht es bei Myles aus?
Myles setzt inzwischen auf eine Mischung
aus Diezel VH-4 und Herbert. Er kommt dabei
ohne Mikrofonierung aus und setzt stattdes-
sen das Ox von Universal Audio ein.
Hast du das für den Live-Einsatz jemals auch
erwogen?
Nein, mir gefallen die echten Geräte. Kemper
und Modeling-Amps sind ja sehr verbreitet,
aber ich meine, einen Unterschied zu hören.
Dazu liebe ich es einfach, echte Verstärker
und Boxen zu spielen. Der komplette Si-
gnalweg von meiner Gitarre zu den Boxen
ist analog. Ich nutze keine Sender und auch
keine digitalen Effektpedale. Meine Echos
stammen beispielsweise aus einem G-Lab
Analog Delay.
Gelten live andere Regeln für die Aufteilung
der Gitarrenparts?
Teils verändern wir die Zuordnung der Stu-
dioaufnahmen. Es kann also sein, dass ich
einen komplizierteren Teil spiele, weil Myles
dabei auf der Bühne gerade singen muss.
Umgekehrt wusste ich aber auch während der
Gitarrenaufnahmen zu „Waters Rising“ (vom
Album Fortress) noch nicht, dass ich diesen
Song singen würde. Hier spielt Myles nun die
Parts, die ich aufgenommen habe, während
ich mir ein einfacheres Pattern ausgedacht
habe, dass ich während des Singens gut spie-
len kann.
Wie regelmäßig spielst du abseits der Bühne
Gitarre?
Ich spiele ständig und versuche dabei auch,
von anderen Gitarristen zu lernen. Dazu
bemühe ich mich, zwischen verschiedenen
Mark hält sein Signal
komplett analog
Techniken zu wechseln. Derzeit höre ich viele
progressive Blues-Gitarristen wie Josh Smith
oder Shawn Tubbs. Aber natürlich liebe ich
auch die alten Aufnahmen von BB King.
Gelegentlich mache ich ein paar Demoauf-
nahmen für mich, aber im wesentlichen geht
es hierbei um die Improvisation.
Leider steht jedes Mal, wenn ich mich in
Sachen Blues verbessern möchte, ein neues
Album oder eine Tour in der Warteschlange –
wir haben in der Tat ziemlich viele Gigs pro
Jahr, mehr als 100. Aber wenn es einmal freie
Zeit gibt, dann versuche ich definitiv, noch
tiefer in die improvisierenden Genres einzu-
steigen.
Ulf Kaiser
WALK THE SKY
Gleichberechtige
Arbeitsteilung von
Mark & Myles – beim
Songwriting und den
Gitarrenparts

28 11/19
 IF IT DOESN’T HAVE SANSAMP™
IT’S NOT A FLY RIG®
Fly Rig 5 v2

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RK5 Signature
Fly Rig v2

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PL1 Signature
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 INTERVIEW

CHRIS REST/LAGWAGON
Feuertaufe bei Blitz & Donner

Mit eingängigem Pop-Punk spielten sich Lagwagon aus Südkalifornien in die Herzen
vieler Musikfans der Neunziger und Nuller Jahre. Noch heute kann das Quintett aus
Santa Barbara vom Ruhm dieser Jahre zehren und weltweite Tourneen unternehmen.
Inzwischen ist mit Railer der neunte Wurf erschienen. Im Interview erzählt Gitarrist
Chris Rest unter anderem wie er 1997 zur Band stieß.

C
hris, wie wurdest du Mitglied von
Lagwagon?
Chris Rest: Das hat mit meiner ersten
Band Rich Kids On LSD (RKL) zu tun.
RKL kommen wie Lagwagon aus Santa
Barbara, so kannte ich die Typen be-
reits. Joey Cape, unser Sänger, hatte
sich als Vokalist von RKL beworben,
als wir begannen, aber er fand, wir wären
nicht „Metal“ genug für ihn. (lacht) Anfangs
hatten Lagwagon Chris Flippin und Shawn
Dewey an den Gitarren. Als Dewey die Band
verließ, sagten sie mir, dass ich die erste Wahl
wäre. Sie standen kurz davor, das Double-
Plaidinum-Album aufzunehmen. Dann hör-
ten sie, dass Ken Stringfellow von The Posies
(später Tour- und Studiogitarrist von R.E.M.)
interessiert war. Joey Cape fand, Ken sei die
bessere Wahl, denn Stringfellow kann auch
singen. So spielte Ken an meiner Stelle auf
dem Album. Anschließend gingen sie mit
C Ilkay Karakurt, Getty Images
Studio in Chicago, das wir gemietet hatten,
gab es einen Stromausfall, so mussten wir im
Dunkeln proben – ohne Verstärker. Am näch-
sten Tag auf der „Warped“-Tour spielten wir
bei Blitz und Donner ...
... was man als Feuertaufe bezeichnen
könnte.
Das trifft es ziemlich genau! Erst eine akusti-
sche Probe auf E-Gitarren! Dann meine erste
Show mit Lagwagon bei krachendem Gewit-
ter. Wie sich heraus stellte, war es die letzte
Show dieser Show in Chicago. Vor uns hatten
Sugar Ray gespielt und nach uns kam nichts
mehr, weil es eben dieses heftige Unwetter
gab ...
Bei vielen Punkbands sind Gitarrensoli verpö-
nt, nicht so bei Lagwagon.
Wir haben fast immer Soli auf unseren
Platten, mit Ausnahme unseres vorletzten
Wer ist er?
Joey, er ist der Boss. Er gab Chris Flippin und
mir etwas Platz, um zu zeigen, was wir drauf
haben.
Wer sind die Gitarristen, die dich beeinfluss-
ten?
Als ich begann, war Rick Nielsen von Cheap
Trick mein Vorbild. Ich hatte keinerlei ältere
Brüder und Schwestern, ich entdeckte Musik
für mich allein. Damals hörte ich UKW-
Radio, meine Eltern waren ziemlich jung, so
durfte ich Rock-Sender wählen. Und tagsüber
lief die Stereoanlage. Mein Vater und meine
Mutter waren große Beatles-Fans, deshalb
entdeckte ich George Harrison. Daneben
erklangen jede Menge Classic-Rock-Scheiben,
Jimi Hendrix fand ich großartig! Später
entdeckte ich Randy Rhoads. Das erste Ozzy-
Album Blizzard Of Ozz (1980), auf dem er
mitmachte, zeigte mir modernes Solospiel.

Ken auf Tournee – doch er passte nicht in
die Band. Nach Ende der Euro-Tour nahm er
seinen Abschied und die anderen riefen mich
an. Sie fragten: ,Willst du uns in einer Woche
in Chicago treffen, um die „Warped“-Tour
1997 zu spielen?‘ Ich sagte Okay. In dem
Albums Hang (2014), das keinerlei Alleinritte
präsentierte. Sämtliche Scheiben zuvor hatten
mindestens zwei oder drei Stücke mit Solo.
Das neue Werk Railer serviert eine ganze
Menge Soli, er ließ uns machen, was wir
wollten ...
Das war ganz anders als der '70er-Jahre-Stil,
er hatte seine Methode aus pentatonischen
Hammer-Ons und Pull-Offs. Ich wurde von
allen möglichen Typen inspiriert, einiges
stammt vom Metal, anderes aus dem Hard-
rock. Auch Angus Young spielte eine Rolle!

30 11/19

Gibt es Punk-Gitarristen, die dir gefallen?
Vor allem mag ich Michael „Olga“ Algar
von den Toy Dolls. Sein Spiel ist technisch
komplex, schnelle Down-Strokes sind sein
Markenzeichen.
Welche Arbeitsteilung gibt es für die Gitar-
risten von Lagwagon?
Wir versuchen, alles gerecht aufzuteilen.
Oft gibt es bei uns Oktaven-Melodien über
den Akkorden und die teilen wir uns. Das
machen wir auch auf den Platten, da kom-
men die Oktaven-Melodien auf einen Kanal
und die Akkorde auf den anderen. Auf der
neuen Scheibe teilten wir uns die Soli 50/50.
Flippin hat im Vergleich zu mir eher einen
Metal-Hintergrund. Ich lernte mit New Wave
und Hardrock Gitarre spielen. Erst als ich auf
Judas Priest und Iron Maiden stieß, wurde
ich zum Classic-Metal-Fan. Flippin mag vor
allem Slayer und die Thrash-Metal-Bands.
Joey Cape, unser Frontmann, war großer
Metalfan in den '80ern. Er fuhr nach Los
Angeles und kaufte seltene NWOBHM-Alben.
Er spielt übrigens auch Gitarre bei Me First &
The Gimme Gimmes und akustische Gitarre
auf seinen Solo-Scheiben. Für uns greift er
gelegentlich live zur Akustischen.
Ihr seid auf dem Label Fat Wreck Chords, das
viele Bands mit diesen schnellen stanzenden
Rhythmen hat.
Wir sind zwar bei Fat Wreck, aber wir ver-
suchen uns von den Bands mit den Stanz-
Rhythmen zu unterscheiden! Bei uns gibt es
mehr als bloß drei Akkorde, wie man es von
Ramones kennt. Unsere Lieder kann man auf
der akustischen Klampfe bringen, sie sind
auch ohne Gesang interessant! Wir haben
Harmonien, die mehr sind als die normalen
pentatonischen Akkordfolgen. (lacht) Und wir
nutzen Downstrokes und Upstrokes!
Wie entstehen Lagwagon-Songs?
Alle Mitglieder schreiben Musik. Manchmal
habe ich einen kompletten Song und jemand
anderes fügt noch etwas hinzu. Dieses Mal
wurde die Basis der meisten Tracks von Joey
Cape komponiert. Meist entsteht eine Ge-
sangsmelodie zu Akkorden einer akustischen
Gitarre. Von den anderen kommen Riffs,
Breaks und Rhythmen. Es ist eine Zusam-
menarbeit. Die Texte folgten dieses Mal als
letztes.
Was bedeutet der Albumtitel Railer?
Das ist ein Slangwort bei uns für etwas, das
kaputt ist oder schlecht funktioniert. Ein
Adjektiv, wie etwa in „railer car“, ein mieses
Auto.
Welche Gitarre spielst du?
Mein Hauptgitarre seit 1998 ist eine '97er
Gibson Les Paul Custom. Ich habe sie ge-
braucht gekauft, der Hals war bereits repa-
riert worden. Sie kostete 900 Dollar, heute
müsste man wohl zweitausend Dollar auf
den Tisch blättern. Ich kaufte sie, weil meine
1976er Gibson SG vom Touren zu abgerockt
Chris (r.) mit Basser
Joe Raposo
Wieder ver-
eint: Chris
und seine
Les Paul
Custom
war. Meine Custom wurde in Australien ge-
stohlen, doch wir bekamen sie in derselben
Nacht zurück. Der Club hatte Außenkameras
installiert. Auf den Aufnahmen konntest du
erkennen, wie der Typ mit dem Gitarren-
koffer wegläuft. Die Polizei kam. Jemand
hatte gesehen, wohin er lief. Die Polizisten
verhafteten ihn und ich erhielt meine geliebte
Gitarre zurück.
Welche Verstärker benutzt du?
Im letzten Jahr bekam ich mein EVH 5150 III
100 Watt EL 34. Der klingt super! In Europa
mieten wir Verstärker und bei den Festivals
nehmen wir, was man uns zur Verfügung
stellt. An Effekten nutze ich ein Wah-Pedal
und ein Delay-Pedal sowie ein Tremolo-
Pedal, meist von Seymour Duncan. Ich nutze
keine Overdrives, sondern stöpsele gerade-
wegs in den Verstärker ein. Früher hatten wir
viel Hi-Tech mit In-Ear-Monitoren und einem
Midi-Pedal, um alle meine Effekte zu kon-
trollieren – inklusive Channel-Switching etc.
Chris Rest/Lagwagon INTERVIEW
Irgendwann gastierten wir bei dieser Show
in Italien. Es war sehr heiß, die Security goss
Wasser auf das Publikum. So wurde auch
mein Midi-Pedal nass. Ich guckte herunter
und die Nummern des Anzeigers spielten
verrückt ... Danach habe ich das Midi-Pedal
nie mehr eingesetzt. Das hat mein gesamtes
Rig sehr vereinfacht. (lacht)
Was spielt Chris Flippin?
Er schleppt mehrere Gibson Les Pauls mit
sich herum. Seine Lieblings-Les-Paul ist eine
Gary-Moore-Signature-Gibson. Wir beide
benutzen Seymour-Duncan-Pickups und
Ernie-Ball-Strings.
Hattest du Gitarrenunterricht?
Mit 13 Jahren bekam ich einige Monate lang
Stunden. Ich lernte Pentatonik- und Blues-
Tonleitern. Dazu einige Songs wie etwa Ozzy
Osbournes „Crazy Train“. Danach brachte
ich mir den Rest selbst bei. Auf dem College
besuchte ich Musiktheorie-Seminare. Zudem
spielte ich einige Jahre Cello.
Wie ist die ökonomische Lage einer US-
Punkband heutzutage?
Für Anfänger ist es schwer, Geld zu verdie-
nen! Uns gibt es schon so lange, wir gastie-
ren pro Tour in 25 großen US-Städten. Dazu
spielen wir in Europa, Australien und Japan.
Im Hauptberuf bin ich im Übrigen Elektro-
niker und Gitarrenlehrer. Flippin arbeitet in
einem Metallwarenladen. Joey Cape ist der
einzige wirklich professionelle Musiker der
Band.
Henning Richter
RAILER
Mehr als drei Ak-
korde?! Lagwagon
sind definitiv keine
0815-Punkband
31
 INTERVIEW

GREG BARNETT/THE MENZINGERS

„Wir haben von Anfang an
aneinander geglaubt“
The Menzingers klingen wie eine frische Mischung aus The Gaslight Anthem und The
Clash. Beeindruckt von ihrem neuen Album Hello Exile sprachen wir mit Gitarrist und
Sänger Greg Barnett über seinen eigenständigen Gitarrensound, das Songwriting der
Band und die starken Texte des Albums.

G
reg, für eine Punkband eurer Genera-
tion fahrt ihr einen sehr dynamischen
und oldschooligen Sound – das setzt
euch von vielen Bands der heutigen
Zeit ab. Wie kamt ihr auf den Men-
zingers-Sound?
Greg Barnett: In der Tat verwende
C David A. Smith/Getty Images, Charles Wrzeniewski
Springsteen und London Calling von The
Clash in frühen Jahren stark beeindruckt und
inspiriert.
Für diese Spielweise benötigt ihr auch ent-
sprechendes Equipment. Wie fand diese Ent-
wicklung bei dir statt?
schickten, klang atemberaubend. Ich verbrin-
ge viel Zeit auf Ebay für solche Equipment-
Liebelein.
Wie gehst du mit Pedalen um? Auf Youtube
gibt es ein Video aus dem Jahr 2014, bei
dem du ein recht spartantisches Pedalboard

ich sehr viele offene Akkorde, da
diese mir in der Rhythmusarbeit oder sagen
wir Melodie-Arbeit an der Gitarre viel mehr
Ausdruckskraft geben. Das passt gut zu den
melodischen Gitarrensoli meines Bandkolle-
gen Tom May. Die Idee so zu spielen, kommt
definitiv nicht vom High-School-Punk der
'90er Jahre. Neben Punk hörte und höre ich
immer viel Folk und Americana – zudem
hatten mich Alben wie Nebraska von Bruce
Ich muss sagen, dass für mich die alten Po-
ster der von mir verehrten Bands wichtigere
Inspirationsquellen waren als das, was da-
mals in aller Munde oder besser gesagt allen
Proberäumen stand. Ich wollte unbedingt
einen alten Marshall mit einer alten Box. Ich
war sehr froh, auch für dieses Album eine
Marshall-Box aus den frühen '70ern verwen-
det zu haben. Wirklich jeder Amp, den wir
über diese Pre-Rola-Pulsonic-Greenbacks
verwendest …
Meine Aufmerksamkeit oder mein Vertrauen
richtet sich mittlerweile viel mehr auf Amps
und Gitarren als auf Pedale – paradoxerweise
kaufe ich aber zusehends mehr Pedale. (lacht)
Für Rhythmus-Sounds setze ich ein Strymon
Flint als Reverb, ein EartQuaker Devices Ava-
lanche für Analog-Delays und einen Klon
KTR als leichten Boost mit wenig Verzerrung
ein. Außerdem liebe ich das Fulltone OCD

32 11/19

– das kommt bei absolut jedem Solo zum
Einsatz. Mein Lieblingsfuzz ist derzeit das
EarthQuaker Devices Hoof Reaper da es ein
Tonebender- und ein Big-Muff-Fuzz in einem
Pedal vereint. Früher war ich großer Fan des
Electro Harmonix Small Stone Chorus, heute
nutze ich jedoch mit großer Begeisterung den
Modulations-Modus des Boss-DD-7-Delays.
Aus was besteht der Rest deines so luftig
losrockenden Rigs?
Ich spiele zwei Les Paul Customs aus den
Neunzigern, eine weiße und eine creme-
farbene, die ich mit Antiquity-Pickups von
Seymour Duncan und einem 50s-Wiring
ausgestattet habe. Ein weiterer wichtiger
Bestandteil der Umrüstung war die ABR-1-
Bridge der deutschen Firma Faber, die ein-
zelne Saiten deutlich klarer ausklingen lässt.
Außerdem spielte ich bei den Aufnahmen
eine Fender American Telecaster, die auf
einer '53er-Variante basiert, aber einen etwas
komfortableren Hals besitzt.
Morgen erwarte ich die Lieferung einer
Sunburst-farbenen 1953er-Reissue-Custom-
Shop-Telecaster von Fender, auf die ich sehr
gespannt bin. Ich finde eine Les Paul und
eine Telecaster ergänzen sich ganz ausge-
zeichnet im Mix. Meinen Sound prägen stets
zwei Marshall-Topteile – ein 100 Watt starker
JCM800 von 1985 und ein 50 Watt starker
JMP aus dem Jahr 1978. Beide besitzen ab
Werk ein Mastervolumen und ich verwende
sie bereits seit vielen Jahren. Gerne mische
ich auch für kurze Sequenzen einen völlig
aufgerissenen kleinen Fender Champ hinzu.
Greg Barnett/The Menzingers INTERVIEW
Ihr habt auf eurem neuen Album ein paar
richtige tolle Statements über die gegenwär-
tige Lage Amerikas gesetzt – etwa in dem
Song „America (You're Freaking Me Out)“.
Es geht dabei um euren Glauben an das gute
Amerika, oder?
Wir lieben Amerika für seine Vielfältigkeit.
Dieses Land ist wie der Zusammenschluss
verschiedener ureigener Nationen – wie ein
kleines Europa. (lacht) Es bricht mir das Herz,
wenn aus irgendwelchen Gründen diese Viel-
fältigkeit eingeschränkt werden sollte.
In welchem Teil Amerikas bist du aufge-
wachsen und auf welche Weise hast du diese
Vielfältigkeit entdecken dürfen?
Ich komme aus einer kleinen christlich-
konservativen Stadt, in der es nicht viel
Heterogenität zu erfahren gab. Wann immer
jedoch ich auf jemanden aus der Fremde traf,
machte es mich neugierig. Diese Leute sahen
anders aus, sprachen anders und dachten an-
ders. Das hat mich fasziniert und ich begann,
dieses Fremde zu suchen.
Wie hast du in diesem Umfeld Gleichgesinnte
gefunden, um eine Band zu gründen?
Wir haben uns tatsächlich auf der High
School zusammen gefunden, als ich etwa 17
war – die anderen waren schon immer zwei
Jahre älter als ich. (lacht) Ich denke, dass
damals ein Stück weit unsere jugendliche
Aufgeschlossenheit den Anstoss gegeben hat,
dass wir so unvoreingenommen in die Welt
hinaus wollten. Aber ich kann sagen, dass
wir von Anfang an und in jedem Tief anein-
Greg steht auf Les Pauls. Und auf
Teles natürlich. Natürlich!
ander glaubten. Wir hatten stets das Vertrau-
en, dass wir zusammen etwas zu sagen hätten
und dies gemeinsam auf den Punkt bringen
können.
Wie kamt ihr auf den Titelsong „Hello Exile“?
Einer meiner Lieblingsautoren ist Vladimir
Nabokov. Ich habe mich intensiv mit ihm
auseinandergesetzt und kam darauf, das eine
seiner innigsten Inspirationen von einer fast
vergessenen Kurzgeschichte namens „Die
Dame mit dem Hündchen“ aus der Feder von
Anton Tschechow stammt. Ich habe mir diese
Geschichte sehr zu Herzen genommen, als
ich sie las, und sie mit meinen Erlebnissen
verknüpft. Den Exil-Gedanken oder das Ge-
fühl dahinter konnte ich auf meine Jugend
anwenden. In unsere ländliche Gegend ka-
men die Leute nur zum Urlaubmachen und
so entstand stets ein Gefühl des Alleinseins,
wenn all die bunten Menschen nicht mehr
um einen herum waren. Ich denke das ist ein
wichtiger Gedanke für Amerika in der aktuel-
len Zeit.
Philipp Opitz
HELLO EXILE
Ein modernes
Punkalbum mit alten
'70er-Rock-Sounds
– willkommen bei
den Menzingers
33
 INTERVIEW

STEVE MORSE/FLYING COLORS

Mit Whiteboard zum Durchblick
Auf kaum jemanden trifft der Begriff „Genie“ so derart treffend zu wie auf Steve Morse.
Neben Rock, Jazz und Country kennt sich der Großmeister auch bestens in der Welt der
Klassik aus. Mit Third Degree erscheint nun das dritte Studioalbum der sensationellen
Supergroup Flying Colors.

LaRue spielt. Etwas derartig von einem
Bass-Riff Gesteuertes und so Schwieriges
und doch Natürliches hört man heutzutage
nicht mehr oft. Dann haben wir noch diese
seltsamen Steely-Dan-artigen Akkorde. Ich
erinnere mich, als ich sie der Band vor-
geschlagen habe, waren die anderen sich
nicht ganz sicher. Ich sagte aber: „Das wird
großartig. Bitte, lasst uns das machen.“ Erst
als wir mit den Aufnahmen fertig waren,
fanden es die anderen cool. Ich glaube, sie
haben „Geronimo“ wegen all der Dinge,
die ich wollte, als eine seltsame Nummer
abgestempelt. Meiner Ansicht nach ist sie
aber richtig gut geworden. Der Refrain ist
sehr geradlinig, stark und simpel, hat aber
nature:
Steve mit Music Man Sig einen kleinen unüblichen Twist.
er
Wegen Arthritits musste
seinen Anschl ag anp ass en Dein Solo ist eine schöne Kombination
aus Swing-Feeling und schnellen Läufen
war einer dieser seltenen Fälle, in denen zwei
Leute zur selben Zeit an ein und derselben
Sachen arbeiten können und eine andere
Vorstellung davon haben. Es ist aber ein für
mich sehr übliches Solo – zu jazzig für die
Rocker und zu rockig für die Jazzer. Ich bin
also immer zwischen die Fronten. [lacht]
In welchem Umfang denkst du beim Solieren
an Musiktheorie?
Dadurch, dass ich immer tonale Musik spiele
und viel davon diatonisch ist und die Akkor-
de allesamt miteinander verwandt sind, muss
ich nicht wirklich viel über Theorie nachden-
ken. Ich denke aber immer darüber nach, was
gerade passiert, wie etwa: „Hier möchte ich in
die parallele Dur-Tonart wechseln, die Ver-
wandtschaft der sechsten Stufe aber ändern
und zu einem Dur-Akkord auf der ernied-
rigten sechsten Stufe machen.“ Musiktheorie

M
it „The Loss Inside“ habt ihr einen
harten und komplexen Opener mit
großartigen Gesangsharmonien,
einem mächtigen Chorus und
einem erstklassigen Solo von dir
abgeliefert. Wie ihr dieser Song
entstanden?
Steve Morse: Da ging es ziemlich
geradlinig zu. Das Schwierigste war es, den
Refrain zu schreiben. Dieser steht nämlich
in einer seltsamen Tonart. Das Hauptriff in
der Strophe ist in D-Moll und im Refrain
gehen wir mit dem ersten Akkord plötzlich
nach F#-Moll. Das ist immer etwas seltsam.
[lacht] In der Band bin ich dafür bekannt, in
Refrains unerwartete Akkorde und Tonarten
zu verwenden. Deswegen haben wir in vielen
unserer Songs Tonartwechsel in den Refrains.
Immer wenn wir schreiben, sagt einer aus der
Band: „Ich schätze Steve kommt mit einem
Tonartwechsel für den Chorus an.“ Und tat-
C Daniel Knighton/Getty Images, Jim Arbogast
über eine abgedrehte Akkordfolge.
Als ich das Solo eingespielt habe, hatten wir
noch keine Keyboards, sondern nur Quin-
ten und Daves Bass mit Grundtönen und
Durchgangstönen in der Rhythmusabteilung.
Beim Einspielen umspielte ich die Terzen und
definierte so die Akkorde. Die Spuren von
Neil Morse [Keyboard] waren aber anders,
denn er hatte mein Gitarrensolo nicht. Also
„Deine Ohren
leiten dich, egal
wie viel Musik-
theorie du kennst“
nahm er die Keyboard-Parts für das Solo mit
Mollsept-Akkorden und verminderten Ak-
hilft einem, sich zu merken, wie man ein
bestimmtes Ziel erreicht. Letzten Endes leiten
dich aber immer deine Ohren, egal wieviel
Musiktheorie du kennst.
Wie ist das elfminütige Prog-Opus „Crawl“
entstanden?
Na ja, wenn es nach Mike Portnoy geht, fängt
ein Song bei elf Minuten erst an. [lacht] Der
Song ist bei mir zuhause entstanden und wir
hatten dieses Whiteboard ... wir hatten so
viele unterschiedliche Parts und hatten Pro-
bleme, den Song durchzuspielen, sodass wir
ihn aufnehmen konnten. Mike hat ein wirk-
lich schnelles Verständnis für Arrangements
und meinte: „Es ist ganz einfach, Jungs.
Schaut her.“ Also schrieb er an die Tafel:
„Strophe 1, B-Teil, Strophe 2, Refrain, Zwi-
schenteil, Caseys Ding, Neals Ding, Strophe
3, ...“, und so weiter. Und letztendlich, nach
16 Teilen schrieb er: „Ab nach Hause, Baby!“
[lacht] Damit meinte er das Schlusssolo der

sächlich ist das so! [lacht] ... etwa von F#
nach A-Moll und so ein Zeug. [lacht weiter]
Dagegen kann ich nichts tun. Ich mag es
einfach, wenn die Tonart wechselt.
„Geronimo“ ist einer deiner Favoriten auf
dem Album.
Zuerst einmal hat die Nummer diesen typi-
schen harten Stil, wie ihn unser Basser Dave
korden auf, also das was er hörte. Als später
seine Keyboard-Spur zu dem gesamten Track
mit meinem Solo hinzugefügt wurde, hat
sich alles miteinander gebissen. [lacht] Wir
mussten also etwas verändern. Mit Bill Evans
[Produzent] Software [HPAR; Harmonic
Phrase Analysis and Restauration] konnten
wir einzelne Töne von Neils Akkorden so
verändern, dass es am Ende gut klang. Das
Gitarre am Ende. Jedes Mal, wenn wir den
Song spielen, sehe ich diese Grafik von ihm
vor meinem inneren Auge. Tatsächlich habe
ich die Grafik noch. Sie hängt bei mir an
der Wand und ich sehe sie immer, wenn ich
arbeite. Sie erinnert mich immer daran, wie
einfach es für Mike war, sich alles zu merken
und wie kompliziert das alles aussah, als er es
aufschrieb.

34 11/19

Du bist als „Meister des Wechselschlags“ be-
kannt. Hast du Tipps, wie man so eine stabile
Technik entwickelt?
Ich bin seit ein paar Jahren dabei, meine
Technik umzustellen, weil ich in einigen
Knochen meiner rechten Hand etwas Arthri-
tis habe. Deswegen schlage ich mittlerweile
mehr aus dem Ellbogen an, was nicht der
richtige Weg ist, ich aber machen muss.
Heute ist es etwas schwieriger, zwischen den
Saiten hin- und herzuspringen, als zu der
Zeit als ich das Plektrum noch mit zwei Fin-
gern und dem Daumen gehalten und mein
Handgelenk in zwei verschiedenen Achsen
angewinkelt habe. Ironischerweise ist das der
Grund, warum ich die Arthritis bekommen
habe. Dadurch, dass ich etwa 50 Jahre lang
jeden Tag 10.000 Noten gespielt habe, habe
ich das Gelenk abgenutzt.
Ein Weg, eine gute Anschlagstechnik
zu entwickeln, ist es, die Aufschläge etwas
mehr zu üben, weil man darin üblicherweise
schwächer ist. Dabei kann man einfach zu
ein paar leichten Rhythmen mitspielen und
alles mit Aufschlägen spielen. Jeder spielt
Abschläge ziemlich gut, aber der Aufschlag
ist das schwächste Glied in der Kette. Im
Wechselschlag musst du beides können, und
das ziemlich akkurat. Verbringe also etwas
Extra-Zeit mit deinem Aufschlag und übe im-
Fliegende Farben
(v.l.): Neal Morse
(keys), Steve Morse
(g), Casey McPherson
(voc), Dave LaRue (b)
& Mike Portnoy (dr)
Steve Morse/Flying Colors INTERVIEW
mer mit einem Metronom oder einem Drum-
Computer, um deinen Fortschritt zu steigern.
Wenn du Fehler machst oder Noten nicht klar
anspielst, spiele langsamer und spiele es da-
für perfekt. Es ist besser, wenn du zehn Mal
langsam spielst, als wenn du fünf Mal schnell
spielst. Es ist auch wichtig, immer wieder
neue Wege zu gehen, neue Bewegungsmuster
zu spielen, Musik zu transkribieren, Spaß zu
haben und das Üben zu genießen. Ich bin der
Ansicht, dass jeder Gitarrist jeden Tag üben
sollte und das ernst nehmen sollte, wenn
man eine Karriere aufbauen will. Ein Teil
deiner Übungsroutine sollte auch etwas sein,
was dich zum Lächeln bringt, sodass du dich
nicht vor dem Üben fürchtest.
Dein letztes Soloalbum ist bereits zehn Jahre
her. Können wir irgendwann in Zukunft mit
einem weiteren Album der Steve Morse Band
rechnen?
Ich bin mir nicht sicher, denn ich weiß, dass
die Musikindustrie von mir kein neues Solo-
album braucht. Seit dem letzten Soloalbum
habe ich ununterbrochen komponiert und
viel davon ist in Fernseh-Musikbibliotheken
oder so etwas eingeflossen. Damit bin ich
auch recht zufrieden. Auch wenn niemand
jemals wissen wird, dass die Musik von mir
ist, kann ich sie exakt so schreiben, wie ich
sie in meinem Kopf höre. Ich habe da auch
wirklich viel zu tun. In einem Jahr habe ich
etwa einmal 225 Stücke geschrieben. Ehrlich
gesagt weiß ich nicht, was ich tun soll ...
ich habe das Gefühl, dass ich besseres und
interessantes Material schreibe, wenn ich an
Flying Colors arbeite. Allerdings gibt es eine
spezielle Art von Instrumentalmusik, die ich
nur zusammen mit Dave [LaRue] und Van
[Romaine] machen kann. Ich vermisse das,
weiß aber zur gleichen Zeit, dass die Musik-
industrie das nicht unterstützt. Es ist etwas,
dass man nur für die künstlerische Selbstver-
wirklichung macht. Mit Selbstverwirklichung
habe ich aber nie aufgehört, sondern betreibe
sie im untersten Untergrund, wie etwa mit
den Musikbibliotheken für Film und Radio.
[lacht]
Lukas Lautenbacher
THIRD DEGREE
Morse bringt die
Tonartwechsel,
Portnoy behält den
Überblick: Flying Co-
lors sind eine echte
Supergroup
35
 INTERVIEW

LZZY HALE & JOE HOTTINGER/HALESTORM

HALESTORM UND DAS GEHEIMNIS
DES ROCK‘N‘ROLL
Während des Kick-Off-Wochenendes der Festivalsaison 2019 trafen wir Lzzy Hale und
Joe Hottinger kurz vor ihrem Gig bei Rock im Park. Im Gespräch erzählten die beiden
aus dem Nähkästchen ihres ersten Karriere-Jahrzehnts, warum Backingtracks nichts bei
Halestorm verloren haben, die Geschichte ihres Grammy-ausgezeichneten Hits „Love
Bites“ und die Intention hinter Lzzys mysteriöser neuer Gibson Explorer Goldtop.

I
m April 2019 hattet ihr euer
zehnjähriges Jubiläum als Major-Label-
Act – was fällt euch zur ersten Dekade
Halestorm im Rückblick ein?
Lzzy Hale: Die Erlebnisse dieser Zeit rei-
chen für mehrere Leben. In all den Jah-
ren haben wir uns als Menschen jedoch
nicht geändert.
Joe Hottinger: Es ist schon ziemlich
verrückt, was uns alles passiert ist. Ich
denke, wir sind als Band von Album zu
Album und von Tour zu Tour besser
geworden. Die Straße ist für uns in-
zwischen eine zweite Heimat, auf der
wir unfassbar gerne unterwegs sind.

Deutschland war für euch seit

Beginn immer ein guter Markt.
An diesem Wochenende spielt ihr
schon zum dritten Mal bei Rock im
Park und Rock am Ring und seit
zurück auf den beiden Hauptbüh-
nen …
Lzzy: Auf diesen Festivals zu spielen,
ist fantastisch, denn es ist nicht nur
mit das wichtigste Event in der Bun-
desrepublik sondern eine der prestige-
trächtigsten Musikveranstaltungen welt-
weit. Als wir noch grün hinter den Ohren
waren, wollten wir nur eins: Rocken!
Dann siehst du im Fernsehen die Auf-
nahmen von diesen gigantischen europä-
ischen Festivals und stellst dir vor, wie es
wohl wäre, dort auf der Bühne zu stehen.
In einem Billing dieser Art einen hohen
Platz zu bekommen ist für uns als Band
ein Ritterschlag und zeigt dir gleichzeitig,
dass du in deiner Karriere ein paar Sa-
chen richtig gemacht hast.
C Atlantic Records, Getty Images

Wo liegt für euch der Unterschied

zwischen amerikanischen und euro-
päischen Festivals?
Joe: Da gibt es sogar eine ganze
Menge. Die USA holen auf diesem
Gebiet langsam aber sicher auf.

36 11/19
 INTERVIEW Lzzy Hale & Joe Hottinger/Halestorm
Pedale & Plateauschuhe?
Für Lzzy kein Problem
Explorer-Fan:
Lzzy Hale
Wenn du als Künstler auf deinen
Auftritt wartest, freust du dich über
professionell und liebevoll gestal-
tete Backstagebereiche. Das war bei
uns zuhause früher leider nicht der
Fall und es gab ein massives Gefälle
zwischen dem alten Kontinent und der neuen
Welt. Aus Fansicht driftete es ebenfalls weit
auseinander. Hier konntest du schon immer
campen, es gab Entertainment-Angebote
abseits der Bühnen und insgesamt eine
ordentliche Infrastruktur.
Wenn man sich das komplette Line-Up an-
sieht, seid ihr eine der ganz wenigen Bands,
die ihr Set komplett ohne zusätzlich Ba-
ckingtracks bestreiten …
Lzzy: Das ist reiner Egoismus, denn wir lie-
ben es, uns selbst spielen zu hören. (lacht)
Spaß beiseite: Hale-storm besteht aus vier
Personen und nicht aus uns und einer ima-
ginären Soundarmee. Klar kann so mal was
schief gehen, aber hey, wenn alles komplett
durchgetaktet ist, bleibt kein Platz mehr für
diese kleinen magischen Momente, wenn du
ein Solo intensiver als je zuvor spielst, es
ausdehnst und den Augenblick schlichtweg
genießt. No risk, no fun sozusagen ...
Joe: Das sind genau die Dinge, die Musik
lebendig werden lassen. Man improvisiert,
kann manchmal nur erahnen, was als näch-
stes passiert. Für mich ist es wie die Luft zum
Atmen und macht definitiv mehr Spaß, als
wenn du nur auf den Einsatz des nächsten
Tapes wartest.
Lzzy: Als wir damals anfingen professionell
Konzerte zu spielen, waren wir fast aus-
schließlich von Acts umgeben, die mit einer
Tonne Technik auf die Bühne gingen. Das
38 11/19
nahm machmal orchestrale Züge an, klang
nicht selten eher nach einem Filmsoundtrack
als nach einer Band. Da irgendwann fast alle
Rockbands mit so einem Brimborium ihre
Shows bestritten, lernten es die Fans wieder
zu schätzen, wenn Musiker dieses menschli-
che Element zurück in die Gigs brachten. Es
ist doch auch eine komplett andere Sache,
wenn bei einem Auftritt ein Funken Gefahr
„Fans schätzen
Bands ohne Ba-
ckingtracks, die
ein menschliches
Element in ihre
Gigs bringen“
mitspielt. Den Bands, die zu vorproduzierten
Tracks über die Bretter tanzen, klebt doch
unweigerlich ein Haltbarkeitsdatum auf der
Stirn. Früher wurden wir dafür belächelt,
ohne diesen ganzen Fake unsere Konzerte zu
bestreiten – inzwischen bekommen wir dafür
jeden Menge Respekt. Das finde ich ehrlich
gesagt ziemlich cool! (schmunzelt)
Mit „Love Bites (So Do I)“ habt ihr
2012 einen der besten Rocksongs des
Jahrzehnts abgeliefert. Lasst uns den
Weg von der ersten Idee bis zum Gram-
my für „Best Hard Rock/Metal Perfor-
mance“ Revue passieren.
Lzzy: Oh man, im Prinzip war dieses
Stück ein reiner Glücksfall – wir dach-
ten nämlich, dass wir damit überhaupt
nichts reißen. Klar konnte irgendwo
erwarten, dass unsere Fans dazu live
gut abgehen würden, aber das wir dafür
keine zwölf Monate später einen Gram-
my auf unseren Kaminsims stellen,
hätte ich bei aller Liebe zu dem Track
nicht gedacht.
Es fing alles mit dem Sätzchen „Love
bites and so do I“ an. Den fand ich
recht witzig und schrieb ihn in mein
Notizbuch. Damals stellten wir gerade
Reanimate: The Covers EP (2011) fertig.
Darauf findet sich unsere Version von
Skid Rows „Slave To The Grind“. Ir-
gendwann sagte ich zu den Jungs: „Das
Tempo des Lieds ist echt verdammt cool
und macht richtig Spaß. Wir brauchen
unbedingt einen Song dieser Art auf
unserer nächsten LP.“ Da fiel mir dieser
Satz ein, den ich kurz zuvor aufge-
schrieben hatte. Er passte perfekt zum
angestrebten Vibe und wir komponier-
ten drauf los. Dass wir am Ende einen
Grammy dafür verliehen bekamen, lässt
mir immer noch Glückshormone durchs
Gehirn schießen.
Lzzy, du trägst auf der Bühne immer massive
Plateauschuhe mit fast endlosen Absätzen.
Wie zum Geier bedienst du mit solchen Ha-
cken dein Pedalboard?
Ja ich weiß, dass sieht ziemlich verrückt aus.
Wie es funktioniert, ist eigentlich schnell
erklärt, denn es ist schlicht und ergreifend
viel Übung dazu notwendig. Das würdest
selbst Du als Mann mit ein bisschen Training
schaffen. Was mich allerdings bei jedem
Soundcheck aufs Neue überrascht, ist der
Fakt, dass ich mit normalen Boots fast schon
Schwierigkeiten bekomme, die Pedale ver-
nünftig zu bedienen.
Bei Rock im Park und Rock am Ring stehst
du mit einer brandneuen Gibson Explorer
Goldtop (inklusive deiner Signatur auf der
Trussrod-Abdeckung) auf der Bühne, die so
noch nirgends zu sehen war. Was hat es mit
dieser Gibson auf sich?
Die Goldtop ist bis jetzt ein Einzelstück. Ich
liebe Baritongitarren und liebäugelte irgend-
wie schon immer mit Goldtops. Es gab jedoch
noch nie eine Explorer mit diesem klassi-
schen Les-Paul-Finish. Das war die Grundidee
hinter dieser Sechssaitigen. Sie besitzt richtig
viel fett-saftiges Low-End und trifft dich
genau zwischen den Augen. Mal schauen,
ob daraus irgendwann ein Signature-Modell
wird ... bis jetzt sieht es allerdings ziemlich
gut aus. (schmunzelt)
Chris Franzkowiak
 INTERVIEW

ROBERT RANDOLPH & THE FAMILY BAND

„Ich habe versucht, die Stimmen
verschiedener Sänger nachzuahmen“
Robert Randolph hat sich mit seinem beseelten Blues-,
Rock- und Gospelspiel einen Namen als einer der größten
Lapsteel-Virtuosen gemacht. Jetzt hat der 42-jährige
mit seiner Family Band das neue Album Brighter Days
aufgenommen, das viel von seiner Jugendzeit in der
Gospelkirche widerspiegelt. Wir sprachen mit ihm über
gute Vibes, alte Traditionen und seine größten Einflüsse.

D
u und deine Band seid als sehr jam- und
improvisierfreudige Musiker bekannt. Sind die Songs
deines neuen Album auch aus Jamsessions entstanden?
Robert Randolph: Tatsächlich haben wir das ganze
Material im Studio geschrieben. Wir haben einfach
gejammt und dabei versucht, gute Grooves, Melodien
und Refrains zu entwickeln. Uns ging es darum, einen
organischen Vibe einzufangen – und Gospel, Blues und
Classic Rock mit inspirierenden Botschaften zu verbinden.

Dann nehme ich an, dass ihr auch komplett live und zusam-
men aufgenommen habt?
Ja, genau so haben wir es gemacht. Alle saßen im Kreis
mit ihren Kopfhörern zusammen, die Amps waren laut
aufgerissen und wir haben einfach angefangen zu
grooven. So sind nach und nach die Ideen zusammen
gekommen und am Ende haben wir die Songs an einem
Stück aufgenommen. Das ist die beste Art, an so etwas
heranzugehen.

Musikalisch bist du in einer Gospelkirche groß geworden.

Wie beeinflusst das die Art, wie du heute Musik machst?
Vor allem dadurch, dass wir gute Vibes und positive Bot-
schaften verbreiten wollen – ein Gefühl von Inspiration,
Freude und Zusammengehörigkeit. Aber natürlich haben
wir auch unsere Blues- und Gospelenergie aus der Kirche.
Wir machen Musik spontan und zusammen. Das geht zu-
rück bis auf die Ursprünge in Afrika, wo Musikmachen wie
C Jim Arbogast, Timothy Norris/WireImage via Getty Images

ein Gespräch abläuft. Das Gefühl der Freude, das so entsteht,

wollen wir in die Welt tragen. Und gelernt haben wir das in
der Kirche.

Wie darf man sich das vorstellen, in so einem Umfeld aufzu-

wachsen?
Das ist tatsächlich ziemlich cool. Man übt viel, man spielt
viel zusammen, man lernt die ganzen Akkordstrukturen und
Akkordwechsel. Man kriegt viele Gelegenheiten, gut zu spie-
len. Und auch mal nicht so gut, daran wächst man. Es ist ein
bisschen wie früher im Mississippi-Delta, in den Juke Joints

40 11/19
 Robert Randolph & The Family Band INTERVIEW

von Chicago oder dem Chitlin’ Circuit. Man

Definitiv inspiriiert:
hat alle diese unterschiedlichen Orte, an
Robert Randolph
denen man spielen kann und wo sich die
Menschen zusammenfinden. Dabei entstehen
die unterschiedlichsten Kollaborationen und
Songideen. Man reist viel herum, aber das
Ziel ist immer dasselbe: dieses Gefühl der
Zusammengehörigkeit zu erzeugen.

Wie alt warst du, als du zum ersten vor Pu-

blikum gespielt hast?
Oh, ich war jung. Ich habe schon mit fünf
Jahren angefangen, in der Kirche Schlagzeug
zu spielen. Das verhindert wirklich, dass
man jemals Lampenfieber entwickelt!

Lass uns ein bisschen spezifischer über dein

Gitarrenspiel sprechen. Auch darin hört man
eine Menge kirchlicher Einflüsse. Viele Lines,
die du spielst, könnten auch von einer Gos-
pelsängerin stammen. Denkst du also mehr
wie ein Sänger beim Spielen?
Ja. Ich habe immer versucht, die Stimmen
verschiedener Sänger nachzuahmen. Ich habe
mich von alten und jungen Gospelsängern
inspirieren lassen und versucht, mein Slide-
spiel so nah wie möglich an ihre Melodien
zu bringen. Diese Musik mit Blues und Rock
zu verbinden, hat auch eine lange Tradition.
Meine Urgroßmutter und Großmutter erzähl-
ten mir, wie sie Elvis oder Muddy Waters
öfters in die Kirche kommen sahen. Diese
Art von Lapsteel- und Slidespiel konnte man
nämlich nur dort sehen.
War diese Tradition auch der Grund, warum
du dich für die Lapsteel-Gitarre entschieden
hast?
Ja, bei mir in der Kirche kamen eine Menge
Lapsteel-Spieler vorbei. Calvin Cooke, Ted
Beard, Chuck Campbell, Henry Nelson – diese
Leute waren unsere Albert Kings und Jimi
Hendrixes. Ich bin mit diesen Jungs aufge-
wachsen und wollte so werden wie sie.
Aber du wolltest auch das klassische Lick-
Repertoire von Hendrix und Konsorten auf
die Lapsteel-Gitarre übersetzen, oder?
Darauf bin ich in der Tat erst sehr viel später
gekommen. Ich habe erst mit ungefähr 18
oder 19 Jahren angefangen, Jimi Hendrix, die
Allman Brothers und Stevie Ray Vaughan zu
hören.
Du hast Stevie Ray Vaughan einmal einen
deiner größten Einflüsse genannt. Das hat
mich überrascht, da er ja wirklich nichts mit
Slidespiel zu tun hat.
Es ist einfach seine Aggressivität und die
Seele, die in seinem Spiel steckt. Wir alle
wissen, dass er großartig spielen kann, aber
irgendwas an ihm hat mich einfach ganz
besonders gepackt. Er hat immer mit einem
unglaublichen Feeling gespielt und hat Rock,
Blues und sogar Country in so einer aggressi-
ven und gleichzeitig so präzisen Art in sei-
nem Spiel zusammengeführt – das hat mich
schwer beeindruck. Das wollte ich auf der
Pedalsteel auch können.
Beschreib mir dein Setup mal ein bisschen
genauer. Viele Effekte benutzt du für deinen
Sound ja nicht, oder?
Es gibt da diese Firma namens Source Au-
dio, die einige der besten Analog-Pedale
überhaupt herstellen. Von denen benutze ich
mehrere, etwa ein Muff und ein Auto-Wah.
Außerdem benutze ich einen Gain-Boost und
ein Fuzz von Vertex. Das sind wirklich zwei
großartige Firmen.
Also hauptsächlich benutzt du verschiedene
Zerr- und Wahpedale?
Ja, ich habe nicht viele Modulationseffekte,
außer einen Hall von Source Audio. Damit
habe ich verschiedene Hall-Varianten in
einem kleinen Gehäuse und kann meinem
Sound eine Menge Farben hinzufügen.
Mit welchen Amps gehst du auf die Bühne?
Ich habe meinen eigenen Signature-Amp
von Peavey. Dazu benutze ich noch den
Mesa/Boogie Lonestar. Das ist wirklich ein
großartiger Amp. Der wird nicht mehr von
vielen Leuten gespielt, aber ich benutze ihn
gerne, weil er einen sehr fetten Klang liefert.
Jetzt auf Tour benutze ich beide gleichzeitig.
Das gibt mir einen ähnlichen Sound wie im
Studio.
Und deine Lapsteel?
Das ist auch mein eigenes Signature-Modell
von Peavey. Mit dieser Gitarre habe ich vier
verschiedene Sounds, weil sie zwei Pickups
plus Switches besitzt. Damit kann ich jede
Menge verschiedene Variationen erzeugen.
Letzte Frage: Hast du noch eine inspirierende
Botschaft für alle, die sich auch mal an die
Lapsteel wagen wollen?
Ich würde sagen: Habt eine Menge Geduld
und hört euch die großen Lapsteeler an. Es ist
ein großartiges Instrument und es gibt viele
Möglichkeiten, die noch niemand ausge-
schöpft hat!
Michael Wagner
BRIGHTER DAYS
Roberts Album ent-
stand live mit der
Band im Studio

41
 INTERVIEW
TYLER BAKER/GOODBYE JUNE
JENSEITS ALLER SCHRANKEN
G AUF CD
ORIGINALSON ABS Goodbye June beweisen mit ihrem Zweitwerk Community Inn
+ NOTEN & T eindrucksvoll, dass ein klassisches Rockalbum Anno 2019 sehr
wohl frisch, aufregend und wegweisend klingen kann . Das Erstaunliche an der
Geschichte: Alles passierte rein durch Zufall, wie Leadgitarrist Tyler Baker verriet.
T
yler, Community Inn ist trotz seiner Basis
im Classic- & Southern-Rock ein Album,
dass sich partout nicht in eine Schubla-
de stecken lässt. Ist es für euch wichtig,
nicht kategorisierbar zu sein?
Tyler Baker: Wenn drei echt gute Song-
writer in einer Band zusammenkommen,
die unterschiedliche Geschmäcker besit-
zen und dazu auch noch großen Wert auf Indi-
vidualität legen, ist es ein natürlicher Vorgang,
dass ein Mix aus verschiedensten Einflüssen
entsteht. Ich höre seit meiner Kindheit klassi-
schen Rock wie ZZ Top, Lynyrd Skynyrd oder
Creedence Clearwater Revial. Landon (Milbourn,
Gesang) und Brandon (Qualkenbush, Rhythmus-
gitarre) hingegen wuchsen mit Southern-Gospel
und christlicher Rockmusik auf. Sie hatten also
nichts mit der Musik des Teufels am Hut. (lacht)
Rückblickend war es ein absoluter Segen,
dass ich in jungen Jahren allerlei Genres in mich
aufsaugen konnte. Das hat auch meine Sichtwei-
se auf die Gitarre an sich grundlegend geprägt.
Lustigerweise kann ich aus dem Stegreif nur
drei Coversongs spielen. Mir ging es von Beginn
an eher darum, eigene Stücke zu schreiben und
mich selbst auszudrücken. Diese Denke – also
einen komplett eigenen Weg zu gehen – ist seit
der Bandgründung von Goodbye June unsere
oberste Prämisse. Allerdings gehen wir dabei
nicht stoisch ans Werk, um uns auf Biegen und
Brechen von anderen Combos in unserem Sektor
abzuheben. Es passiert einfach, während wir die
Arrangements ausarbeiten, da diese Sounds wohl
seit jeher in uns schlummern und zu komplett
neuen Wegen inspirieren.
Neben den Hauptzutaten fließen Elemente aus
Soul, '90er-Rock oder Pop in eure Lieder ein.
Letztere Stilistik mit dem extrem eingängigen
„Switchblade Heart“ sogar in einem ganzen
Song.
In unserem Proberaum stehen allerlei Instrumen-
te herum, denn Landon und Brandon können
fast alles spielen. Ich bin hingegen „nur“ auf den
sechs Saiten unterwegs. Die Scheibe ist unterm
Strich das, was uns als Trio gemeinsam in einem
C Earache
Raum ausmacht. Es gibt keinerlei Regeln und
doch passt am Ende alles zusammen. Bei Com-
42 11/19
munity Inn hatten wir zusätzlich – da einige der
Tracks schon vor vier oder fünf Jahren geschrie-
ben wurden – genug Zeit, um zu experimentie-
ren, auszuloten und zu entdecken. Dank dieses
Umstands entzerrte sich die Produktion immens
und da mehr Spielraum zur Reflektion vorhan-
den war, kam beispielsweise „Switchblade Heart“
zustande. Aus irgendeinen Grund jammten wir
auf einmal mit diesem '70er-Pop-Groove herum.
Wie von Zauberhand fügte sich die abgedrehte
Bridge hinzu und das Konzept stand. Obwohl er
der Exot der LP ist, fügt sich der Song super in
die Gesamtheit der Platte ein.
„Landon und Bran-
don können fast
alles spielen, ich
nur die Gitarre“
Das klingt so, als ob ihr gar nichts am Reissbrett
plant. Ist das auch während der Kompositions-
phase so?
Absolut. Unsere Songs entstehen auf viele un-
terschiedliche Art und Weisen. Um die Frage
verständlich zu beantworten, muss ich einzelne
Stücke als Beispiel nennen. „Darlin’“ von unse-
rem Studiodebüt Magic Valley (2017) startete,
als Landon mit den fertigen Versen und dem
Refrain zur Probe erschien. Brandon und ich
waren sofort davon begeistert und spielten aus
dem Bauch heraus das an Pink Floyd erinnernde
Outro. Der Track „Be Yourself“ auf Community
Inn entstand gemeinsam im Stuhlkreis. Bran-
don experimentierte mit einer Akkordfolge und
wollte dazu unser Feedback. Wir ließen uns ein
paar Wochen Zeit, als während einer Session
der Einfall wieder im Raum stand. Landon sang
urplötzlich dazu, ich setzte ein und wir dachten
nur: „Boom, das ist es!“
Die Verse von „Secrets In The Sunset“ – in-
klusive fertiger Lyrics – behielt ich einige Tage
für mich, bevor ich sie den anderen vorstellte.
Tyler Baker/Goodbye June INTERVIEW

43
 INTERVIEW Tyler Baker/Goodbye June

Alles war in ungefähr 90 Sekunden fertig, als

ich wie vom Blitz getroffen nachts um drei
Uhr aufwachte und einfach drauflos spielte.
Mit unserem Produzenten Bobby Huff, der
ein wirklich toller Songwriter ist, stellten wir
das Stück im Studio fertig. Es gibt also nicht
nur einen Weg, viele Routen führen zum Ziel.

Besitzt ihr ein Songarchiv?

Ja, darin sind irgendwas zwischen 120 und
130 Demos, von denen wir noch nichts ver-
wendet haben. Zuhause habe ich ein kleines
Studio, in dem wir unsere Ideen festhalten.
Dort schreiben wir auch mit anderen Song-
writern oder Produzenten. Da sammelt sich
verständlicherweise eine Menge Zeug an.
Einige Aufnahmen werden niemals das Licht
der Welt erblicken, der Großteil wiederum
hat einen großen Platz in unseren Herzen
und wird definitiv in der einen oder anderen
Form irgendwann veröffentlicht werden.
Dieses Mal verwendeten wir davon drei fertig
arrangierte Stücke: „Universal Mega Love“,
„Rolling Of My Tongue“ und das finale „Free
Child“.

„Beim Songwri-
ting führen viele
Routen zum Ziel“ Kreatives Trio: Brandon Qualkenbush (hinten),
Tyler Baker (l.), Landon Milbourn (r.)

Wenn du ein Album planst, sind solche

Lieder aus dem Archiv sehr hilfreich, denn
du hast schon mal Eckpunkte, an denen du
dich orientieren kannst. Durch sie entstand
„Secrets In The Sunset“, um den wir dann
das komplette Album aufbauten. So entstand
schlussendlich der Mix der LP, bei dem wir
es meiner Meinung nach geschafft haben,
viele verschiedene Stimmungen in einem
schlüssigen Gesamtbild zusammenzubringen.
Irgendwie ist es schon ziemlich lustig, wenn
man man bedenkt, dass ein einziges Lied den
Startschuss für den Vibe der ganzen Scheibe
auslöste …
Auf diese Methode sind wir schon ziem-
lich am Anfang unserer Karriere gestoßen.
Damals gab es gerade einmal elf Goodbye-
June-Kompositionen, die uns zwar allen echt
gefielen aber zu großen Teilen nicht zu un-
serer Vorstellung von einen Debüt passten.
Wir fingen deswegen mit dem Songssammeln
an. Einige unserer engsten Freunde sind
Musiker, die ihre Hochzeit in den '90ern
erlebten. Ihnen stellten wir zu unterschied-
lichen Zeitpunkten immer diese eine Frage:
„Wie war es eigentlich damals, ein Album zu
schreiben?“ Beispielsweise Emerson Hart von
Tonic – er ist ein supercooler Typ – antwor-
tete darauf: „Na ja, ich setzte mich hin, arbei-
tete zehn bis zwölf Tracks aus, dann ging‘s
ins Studio mit Rick Rubin und wir nahmen
auf.“ Heutzutage geht das natürlich nicht
mehr so einfach. Der Markt ist derart überflu-
tet, weswegen man tunlichst darauf achten
muss, dass eine Platte in der Flut der Veröf-
fentlichungen nicht untergeht.
In Sachen Equipment bist du wahrscheinlich
auch enorm fokussiert.
Meine Hauptgitarre ist eine 2006er Gibson
ES-335. Sie stammt noch aus der Ära, bevor
es diese ganzen unterschiedlichen Abstufung-
en bei den halbakustischen Gibsons gab. Sie
ist einfach eine coole „Made In USA“-Gitarre.
Glücklicherweise kenne und verstehe ich
mich mit ein paar Mitarbeitern des Gibson-
Restauration-Stores hier in Nashville enorm
gut und sie stellen mir die ES vor jeder Tour
oder einem Studioaufenthalt meisterlich
ein. Gemeinsam mit ihnen ist sie auch nach
meinen Vorstellungen getuned worden. Ein
Schlüsselelement meines Sounds ist der
Tonabnehmer in der Halsposition. Irgendwie
sind mir die Standardpickups immer etwas
zu muffig und wir bauten kurzerhand einen
Bridge-Humbucker an den Hals. Die Elektro-
nik im Inneren der Hollowbody ist komplett
mit Oldschool-Parts verdrahtet. Bei den Mo-
difikationen haben die Gibson-Jungs und ich
größten Wert auf Authentizität gelegt und
uns an Schemata aus den '60ern gehalten.
Bei Amps hänge ich auch an einem Modell:
dem Bad Cat Black Cat 30, der, wenn man‘s
genau nimmt, eine super klingende Boutique-
Variante eines Vox AC30 ist. Pedaltechnisch
bin ich ein riesiger Fan von Analog Man! Die
Typen machen wirklich alles richtig. Mein
Favorit ist der King Of Tone. Kürzlich kam
noch der Sun Lion hinzu, der mich komplett
vom Hocker gerissen hat.
Erklär uns noch abschließend, was dich zu
deinen Spuren auf „Lonely Beautiful Peo-
ple“ inspirierte. Das Stück klingt wie eine
abgefahrene Mischung aus Tom Morello und
Rickey Medlocke ...
Das Solo dieses Tracks ist mein absoluter
Liebling auf Community Inn. Die Melodie
dazu spukte mir eine ganze Weile im Kopf
herum und mir schwebte im ersten Moment
ein George-Harrison-Vibe vor. Irgendwann
spielte ich im Studio mit einem Leslie-Effekt
herum. Plötzlich entdeckte ich ein DigiTech
Whammy ... keine Ahnung, wer das Teil
angeschleppt hatte. Es war einfach da und
ich stöpselte es ein. Ab da gestaltete sich der
Sound von selbst – wie irgendwie alles bei
Goodbye June. (schmunzelt)
Chris Franzkowiak
COMMUNITY INN
Klassische Rockan-
leihen mit eigenstän-
digem Sound und
unkonventionellem
Songwriting

44 11/19
 INTERVIEW

ADAM DUTKIEWICZ/KILLSWITCH ENGAGE

KLINGT NACH VIEL MUSIK
Eine reichlich turbulente Zeit: Noch während der Albumproduktion muss sich Sänger
Jesse Leach einer Stimmband-OP unterziehen und sich Sprechen und Singen wieder neu
erarbeiten. Dennoch melden sich die Urväter des Metalcore im 20. Bandjahr mit einem
granatenstarken Album namens Atonement zurück.

A
dam, Glückwunsch zum achten Stu-
dioalbum eurer Karriere. 20 Jahre
Killswitch Engage, nun das erste Al-
bum für Metal Blade/Sony Columbia
– wie fühlt sich das an?
Adam Dutkiewicz: Nach viel Musik.
(lacht) Wir machen das jetzt tatsäch-
lich seit 20 Jahren und es fühlt sich
echt gut an. Der Labelwechsel macht dabei
keinen allzu großen Unterschied für uns. Es
sind nun halt andere Marketingleute an Bord
und es ist auch schade, nicht mehr mit dem
alten Team aus so vielen Jahren zu arbeiten,
aber wir kennen die Kollegen von Metal Bla-
de sehr gut und sind schon lange mit ihnen
befreundet. Wir hängen gemeinsam rum und
es fühlt sich irgendwie gar nicht wirklich
nach Arbeit an.
Er hat direkt zugesagt und das Ergebnis ist
großartig. Chuck ist einfach ein Spitzen-Typ
und seine Stimme passt perfekt zum Song.
Kommen wir zur Produktion. Wie habt ihr
aufgenommen? Gab es Besonderheiten oder
war es Dienst nach Vorschrift?
Alles andere als das! Es war verrückt! Wir
haben beschlossen, 21 Tracks aufzunehmen.
Dumme Idee, rückblickend betrachtet. (lacht)
Was haben wir uns nur dabei gedacht? Wir
leben mittlerweile alle über die ganze USA
verstreut. Ich in San Diego, Kalifornien,
Justin (Drums) in Florida und die anderen
immer noch im Nordosten. Zuerst haben wir
die Drums getrackt. Anschließend dann die
Gitarren bei mir zu Hause in meinem Studio.

Beim Song „The Signal Fire“ sind euer alter „Amp oder Kem-
Sänger Howard Jones und Jesse gemeinsam
zu hören. Wie ist es dazu gekommen?
Die Freundschaft mit Howard hat all die
per – keine Ah-
Jahre auch nach seinem Ausstieg bestanden
und wir waren regelmäßig in Kontakt. Jesse
nung, das Ergeb-
Adam ist mit seiner Caparison
war der Einzige, der Howard nicht gut kann-
te. Eines abends kam Howard dann zu einer nis zählt“ mehr als glücklich
Show von uns und wir haben zusammen
rumgehangen. Dabei haben sich Jesse und
Howard überhaupt erst richtig kennengelernt Dabei gehen wir übrigens so vor, dass immer Einfach ein Maxon OD-808 davor geknallt
und wurden auf Anhieb dicke Freunde. Dann der Gitarrist, der den Song geschrieben hat, und los geht's – der beste Metal-Sound für
entstand die Idee, dass Howard einen Track den Song auch einspielt. Das ergibt für uns meinen Geschmack. Ich weiß nicht, woran
auf dem Album mitsingt und der Rest ist Ge- am meisten Sinn. Die Vocals haben wir zum es genau liegt, aber für mich ist das einfach
schichte. Die beiden harmonieren wunderbar Teil bei mir, einiges aber auch Massachusetts der beste Sound bei Aufnahmen. Einige Sa-
in dem Song und es klingt fantastisch. aufgenommen und den Bass teilweise sogar chen sind Kemper-Tracks, wenn's mal schnell
C Ollie Millington/Redferns via Getty Images, Justin Borucki

Mit Chuck Billy von Testament habt ihr bei
„The Crownless King“ gleich noch ein wei-
teres Vocal-Feature …
Ach, wir sind einfach Riesen-Testament-Fans
und ganz besonders liebe ich die Stimme von
Chuck Billy, er ist einer der besten Thrash-
Sänger überhaupt. Wir sind öfter mit ihnen
getourt und wurden gute Freunde. Während
des Songwritings habe ich mit Chuck gechat-
tet, ihm Demos geschickt und ihn gefragt, ob
er Bock hätte, bei einem Song mitzuwirken.
auf Tour, weil wir keine Zeit hatten, dafür ins
Studio zu gehen. An Off-Days, in Hotelzim-
mern, mit mobilem Aufnahmegerät … absolut
verrückt. Es waren so viele Spuren und all
das haben wir dann schließlich zusammen-
gebastelt. Das haben wir so auch noch nicht
erlebt.
Welche Amps huatte ihr für die Gitarren im
Einsatz?
Im Studio benutze ich meist meinen guten
alten Peavey 5150. Da geht nichts drüber.
gehen musste oder man mal eben einen
Clean-Sound brauchte. Andy Sneap, der das
Album gemixt hat, hat dann alles mitge-
nommen und es gegebenenfalls ge-reampt.
Was nun letztlich auf der Platte ist, ob Amp
oder Kemper – keine Ahnung. Ist mir ehrlich
gesagt aber auch egal, Das Ergebnis zählt.
Wichtig ist nur, was im Mix am besten funk-
tioniert und sich am besten einfügt. Es bringt
einfach nichts, mit dem Fuss aufzustampfen
und nur aus Prinzip auf etwas zu beharren,
das schlechter funktioniert. Da sollte man

46 11/19
 Adam Dutkiewicz/Killswitch Engage INTERVIEW

pragmatisch sein. Ich habe Andy deswegen

in Bezug auf den Gitarrensound auch völlig
freie Hand gelassen und ihm voll und ganz
vertraut.

Ich vermute, live benutzt ihr ausschließlich

den Kemper?
Korrekt. Ganz einfach weil es so herrlich
konstant ist. Wir spielen mit In-Ear-Moni-
toring und so hast du einfach jeden Abend
den selben guten Sound auf dem Ohr. Und du
nimmst zahlreiche potenzielle Fehlerquellen
wie kaputte oder falsch positionierte Mikros,
defekte Boxen und dergleichen einfach aus
der Signalkette. Auf Tour macht das für uns
einfach am meisten Sinn. Da ist das ganze
Drumherum ja eh schon alles hektisch genug
und der Sound vom Kemper ist einfach killer,
besonders mit den Profillen aus Andy Sneaps
Händen.

Spielst du immer noch deine 2017er

Signature-Gitarre Caparison TAT Special
FX „Metal Machine“ oder schielst du
schon nach einer neuen?
Ich spiele nach wie vor meine Capari-
son und bin absolut glücklich mit ihr.
Ich verspüre auch überhaupt keinen
Wunsch nach einer neuen. Die Gi-
tarre ist einfach der Hammer. Ich
habe sie auf so vielen Tourneen
benutzt und sie ist einfach un-
zerstörbar. Gebaut wie eine Fe-
stung und spielt sich traum-
haft. Sie besteht aus den
besten Komponenten und ist
von Grund auf extrem stabil
konstruiert. Das spiegelt sich
dann leider auch im safti-
gen Preis wider, aber das ist
bei Gitarren bei bei allem im
Leben - wenn etwas wirklich
qualitativ gut ist, dann hat es
eben auch seinen Preis. In Europa
ist die Gitarre leider recht schwer
in den Läden zu finden, aber in den
Vereinigten Staaten wird der Vertrieb
immer besser.

Apropos Tour-Gitarre: Wann kommt

ihr denn wieder auf Tour?
Schon sehr bald tatsächlich. Wir kommen
im Oktober und November wieder rüber
nach Europa und freuen uns schon riesig
darauf, euch die neuen Songs um die Ohren
zu hauen.
Ben Liepelt

ATONEMENT

Killswitch Engage
melden sich zurück
und haben nichts
von ihrem Dampf
eingebüßt

47
 INTERVIEW

Marcus Praed (l.), Tito (Mitte) und

Tochter & Co-Songwriterin Lolita
Carroll Larriva

TITO & TARANTULA

ZWISCHEN DEN WELTEN
Tito & Tarantula, die legendäre Vampir-Band aus Tarantinos From Dusk Till Dawn, gelten
als Mustervertreter leckerer Tex-Mex-Gitarrensounds. Anlässlich des neuen Albums
8 Arms To Hold You saßen wir mit Band-Chef Tito Larriva und seiner gitarristischen
rechten Hand aus deutschen Landen, Marcus Praed, auf einen Plausch über Album,
Studioarbeit und Equipment zusammen.

T
ito, du bist bekannt für deine ge-
schmackvollen Tremolo-Sounds wie
in „As Worlds Collide“. Verlässt du
dich auf im Verstärker eingebaute
Effekte oder benutzt du Pedale?
Tito Larriva: Bei „After Dark“ etwa
CFrank Hoensch/Redferns via Getty Images, Manfred Pollert
durch den kompletten Soundtrack hinweg
Tremolo-Effekte verwendet haben. Dadurch
hatte er diese Spaghetti-Western-artige At-
mosphäre. Ob ich eingebaute Effekte oder
Pedale verwende, hängt aber vom Verstärker
ab. Der Verstärker, den ich hier dabei habe
namens El Rey hat, auf mich zu, weil er zu-
sammen mit J.J. Abrams, dem Regisseur des
vorletzten Star-Wars-Films [Episode 7], einen
mexikanischen James Bond drehen wollte.
Robert bat uns, dafür einen Titelsong zu

kam das Tremolo aus der Kombina-
tion eines alten Vox Pathfinders und
eines Boss-Chorus-Pedals, wie auch eines
Crybabys. Tremolo-Effekte habe ich aber
schon immer verwendet, selbst in den Punk-
Zeiten. Damals war ich ein großer Fan von
Link Wray. Unsere Punkband eröffnete das
Set immer mit „Rumble“ und ich hatte das
Tremolo damals auf Anschlag. In den '80ern
habe ich die Musik zu einem Punk-Film
namens Repo Man geschrieben, wobei wir
ist ein Vox AC30, der aber kein eingebautes
Tremolo oder Vibrato hat. Die alten AC30 8 ARMS TO HOLD YOU
hatten das, aber dieser neue handverdrahtete
Verstärker, der aber auch schon wieder etwas
älter ist, hat das nicht. Deswegen benutze ich
momentan ein sehr schönes Tremolo-Pedal
von Duesenberg. „Cineastischer
Wüsten-Rock“ nennt
Was steckt hinter „As Worlds Collide“? Tito seine Musik –
Tito: Vor etwa eineinhalb Jahren kam Robert dem ist nichts hinzu-
Rodriguez, der in den USA einen Radiosender zufügen

48 11/19
 INTERVIEW Tito Larriva & Marcus Praed/Tito & Tarantula
schreiben, woraufhin wir „As Worlds Collide“
komponierten. Die TV-Version unterschied
sich aber deutlich von der aktuellen Fassung.
Sie hatte Mariachi-Elemente, Geigen, ein
Orchester und eine weibliche Sängerin. Auch
das Arrangement war damals noch anders.
Die Show wurde aber nie umgesetzt, weil J.J.
Abrahams anfing, an Star Wars zu arbeiten.
Wir hatten also diesen Song, den wir alle
mochten, und als wir anfingen, an
dem Album zu arbeiten, haben wir
den Song etwas verändert, damit er
mehr zu uns passt.
Hast du für das Songwriting eine
spezielle Gitarre verwendet?
Tito: Nein, ich habe so viele Gitarren
ausgepackt und mir darüber Gedan-
ken gemacht, welcher Sound für den
jeweiligen Song passend wäre. Nach-
dem ich die entsprechende Gitarre
ausgepackt hatte, stellte ich sie nicht
mehr zurück. In meinem kleinen
Heimstudio waren etwa 40 Gitarren
auf meinem Sofa, dem Boden und
„In meinem
Studio lagen
am Ende etwa
40 Gitarren
herum“
an den Wänden. [lacht] Sobald mich
die Inspiration erwischte, nahm ich
einfach eine. Die richtige zu finden
dauerte aber meistens zwei Tage, weil
ich so viele Auswahlmöglichkeiten
hatte. Natürlich zog ich immer wieder
eine neue von irgendwo heraus. Ich
habe alle möglichen Arten von Gitarren her-
genommen.
Marcus Praed: Eine deiner Hauptgitarren war
aber in der Tat die kleine Nylon-Gitarre, die
auch auf vielen Songs auf dem Album zu
hören ist.
Tito: Die Gitarre habe ich bei einer Goodwill-
Auktion ersteigert. Sie sah aus wie eine
Spielzeug-Gitarre für Kinder. Als ich sie an-
gespielt habe, habe ich aber sofort erkannt,
dass sie kein Spielzeug ist. Ich wusste sofort,
dass es sich um ein richtig gutes Instrument
handelte. Also habe ich auf sie geboten und
am Ende vielleicht zehn Dollar gezahlt.
Zuhause habe ich etwas zu ihr recher-
chiert. Sie ist aus den '60ern und wurde in
Mexiko gebaut. Ein Kerl aus Boston fuhr
in den '50ern dorthin, kaufte sich für fünf
Dollar so eine Gitarre und nahm sie mit nach
Hause. Sie gefiel ihm so gut, dass er dorthin
zurückkehrte und sagte: „Wer hat diese Gi-
tarre gebaut? Ich möchte eine Gitarrenfirma
gründen.“ Daraufhin baute die ganze Stadt
Gitarren. Er benannte die Firma nach seinem
50 11/19
Nachnamen, Gilb. Sie sind so selten, dass
du nie eine finden wirst. Und günstig waren
sie, an die zehn Dollar pro Stück. Sie ist bei
vielen Songs auf dem Album, wie etwa „So-
mewhere Between“, zum Einsatz gekommen.
Auf der Bühne spiele ich die kleine Gilb
manchmal sogar über ein Marshall-Stack
oder einen Fender Bassman und es klingt
verdammt gut.
Wie würdest du euren Trademark-Sound
beschreiben?
Tito: Das ist schwierig, wenn man selber die
Musik macht. Manche sagen, es erinnere
sie an die Wüste. Während meiner ganzen
Karriere meinten Leute, meine Musik klänge
cineastisch. Viel liegt daran, dass ich in den
'70ern und '80ern oft an Filmen gearbeitet
habe. Obwohl ich ein großer Fan von Ennio
Morricone, Bernard Herrmann und all dieser
großen Film-Komponisten bin, klinge ich
nicht nach ihnen, was ich auch nicht vorzu-
geben versuche. Ich bin aber ein großer Fan
ihrer Musik und bin sehr glücklich, an vielen
Hollywood-Filmen mitgearbeitet zu haben.
Meine Musik würde ich aber als cineastischen
Wüsten-Rock mit Blues-Einschlag beschrei-
ben.
Welches Equipment würdet ihr als besonders
wichtig für euren Sound bezeichnen?
Marcus: Ich würde immer einen Vox AC30
nehmen. Verschiedene Gitarren oder Verstär-
ker inspirieren mich aber immer. Jede Gitarre,
Verstärker, jedes Stück Equipment hat seinen
Reiz und kann einen inspirieren. Und das ist
es, was ich mag. Deswegen hatte ich nichts
dabei, als wir ins Studio gingen; keine Gitarre
und keinen Verstärker, nur ein paar Pedale.
Sie hatten dort so viele großartige Gitarren.
Tito: Das war unglaublich ... Verstärker von
1952, 1955, 1960 ... jeden Verstärker, den du
dir nur vorstellen kannst.
Marcus: Und dann nimmst du eine
Gitarre in die Hand und spielst auf
einmal etwas, das du nicht auf der
Gitarre, die du sonst jeden Tag her-
nimmst, spielst.
Tito: Marcus‘ Studio ist nach dem
gleichen Konzept aufgebaut. Er hat so
viele Keyboards, Orgeln, so viel ver-
schiedenes Zeug, auch Gitarren und
Verstärker, weswegen ich mir sicher
bin, dass er einiges mit nach Texas
mitnehmen wollte. Es war also ähn-
lich, nur hatte der Studioinhaber in
Texas mehr. [lacht]
Ich könnte nicht ohne meine AC30s
leben. Zuhause habe ich einen, den ich
liebe, den habe ich in Berlin gekauft.
Das müsste etwa vier oder fünf Jahre
nach dem Mauerfall gewesen sein. Als
ich den Verstärker vom Taxi aus im
Schaufenster gesehen habe, wusste
ich, dass ich ihn kaufen würde. Er war
aus dem Jahrgang 1965 und in ma-
kellosem Zustand. Ich habe aber nicht
immer Vox-Verstärker benutzt. Früher
habe ich immer Fender gespielt. Viele
Jahre habe ich einen Super Reverb von
1962 gespielt, den ich von den Beach
Boys gekauft habe. Ich habe auch
einen 1963er Fender Princeton Brown-
face [Anm. des Autors: das gleiche
Modell, das auch der Autor dieser
Zeilen sein Eigen nennen darf]. Ich
benutze ihn für fast alles, vor allem
für Filmmusik, und er hat dieses fanta-
stische Tremolo.
Welche Geschichte steckt hinter „Somewhere
Between“?
Tito: Ich habe alle Songs mit meiner Tochter
geschrieben. Sie ist eine wundervolle Tex-
terin – sie ist meine Tochter, natürlich muss
ich das sagen. [lacht] Nach all der Zeit im
Musikgeschäft kann ich aber sagen, dass sie
ein Naturtalent ist. Das Interessante an die-
sem Song ist, dass ich zunächst noch nicht
wirklich wusste, wovon er handeln sollte.
Während wir das Album und speziell diesen
Song aufnahmen, starb mein Vater. Ich konn-
te es fühlen ... mein Telefon klingelte und
ich wusste, dass er gestorben ist, als meine
Schwestern mich anriefen. So habe ich er-
fahren, wie Texte ihre Bedeutung, abhängig
von deiner persönlichen Situation, verändern
können. Für mich geht es in „Somewhere
Between“ um meinen Vater und dass er ir-
gendwo zwischen den Welten war, dass er am
Leben und auch woanders war. Das bedeutet
der Song heute für mich.
Lukas Lautenbacher
 INTERVIEW

CREEPING DEATH
„WIR MACHEN
ALLES SELBER“
Die Death-Metaller von Creeping Death aus Texas
haben mit Wretched Illusions ihr Debütalbum
veröffentlicht. Obwohl sie gerade in den USA
auf Tour sind, haben es sich Tray (g) und Rico
(b) nicht nehmen lassen, per Videotelefonat im
Tourbus Rede und Antwort zu stehen.

anbot, ein Album aufzuneh- (lacht) Für ein paar von uns ist das auch die
men, haben wir das natür- erste Band. Den Fortschritt, den wir gemacht
lich gleich angenommen. haben, kann man also förmlich hören.

Wie lief die Produktion von Ihr habt jetzt mehrmals erwähnt, dass ihr aus
Wretched Illusions ab? der Hardcore-DIY-Szene kommt. Wie beein-

J
etzt mal Hand aufs Herz, wessen Idee
war es, die Band nach dem Metallica
Song „Creeping Death“ zu benennen?
Trey: Das kommt wohl daher, dass wir
aus der Hardcore-Szene stammen, in
der es durchaus üblich ist, dass man
seine Band nach einem Song- oder
Albumtitel einer Band benennt, wie
die man klingen möchte oder vor der man
Respekt hat. In einem vorherigen Projekt ha-
ben wir uns bereits Creeping Death genannt,
als wir dann auf der Suche nach einem neuen
Namen für die aktuelle Band waren, kam
einer auf die Idee: „Hey, warum nennen wir
uns nicht einfach weiterhin Creeping Death?“
Wir haben gar nicht mal so viel darüber
nachgedacht.
Ihr habt ja eure beiden EPs Sacrament Of
Death und Specter Of War bereits 2016
beziehungsweise 2018 veröffentlicht. Warum
hat es so lange gedauert, bis das erste Album
kam?
Trey: Ich nehme eigentlich gerne Demos und
EPs auf, bevor ich ein Album veröffentliche,
weil man so wirklich gut an seinem eigenen
Sound feilen und sich ausprobieren kann,
bevor es mit dem Album und zehn Songs
praktisch „All-In“ geht. Da wir ja auch Hard-
core-Kids sind, fängt es immer erst mit einem
Demo an, dann kommt die EP und letzten
Endes eben das Album.
Rico: Natürlich spielt aber auch Geld eine
Rolle, das muss man für eine Albumproduk-
tion auch erst einmal zusammenbekommen.
C eOne Records
Trey: Wir haben das Album mit unserem
guten Freund Daniel Schmuck aufgenommen
(Produzent, u.a. Power Trip), und Arthue
Rizk (Cavalera Conspiracy) hat es dann fertig
gemixt und gemastert. Daniel hat sogar jeden
einzelnen Song aufgenommen, den wir je
eingespielt haben. Da wir ja mit unseren EPs
schon einiges an Vorarbeit geleistet hatten,
„Niemand
kümmert sich
mehr um dich
als du selbst“
wussten wir auch ungefähr, in welche Rich-
tung wir mit dem Album wollten.
In der offiziellen Bandpromo heißt es, dass
ihr dieses Mal mehr Metal als sonst klingt.
Das ist mir auch aufgefallen, vor allem wenn
man das Album mit eurer letzten EP Specter
Of War vergleicht, in der ihr noch einen
ziemlichen Death-lastigen Sound hattet.
Woran liegt das?
Trey: Ich bin einfach ein besserer Gitarrist
geworden. Ich bin ja eigentlich Drummer,
aber als wir mit der Band angefingen, wollte
ich mal was anderes und habe die Instru-
mente gewechselt. Das ist meiner Meinung
nach der größte Unterschied: Ich beherrsche
flusst das eure Wahrnehmung als Band?
Das macht sich auf jeden Fall in unserer
Herangehensweise bemerkbar, wir machen
wirklich alles selber. Wir haben nicht einmal
jemanden für das Merch auf Tour. Wir haben
schon früh erkannt, dass niemand etwas für
dich macht, du musst es schon selber in die
Hand nehmen. Niemand kümmert sich besser
um deine Band, als die Band selbst. Egal was
wir machen, wir versuchen es so gut wie
möglich zu erledigen und gleichzeitig besser,
als es jemand anderes könnte.
Obwohl ihr eine Death-Metal-Band seid,
fühlt ihr euch der DIY-Szene zugehörig,
dessen Schwerpunkt ja mehr auf dem Genre
Hardcore liegt. Stecht ihr dadurch in der
Szene hervor?
Momentan ist das Hardcore-Movement in
den USA eigentlich so, dass man nach al-
lem klingen kann. Manche Bands machen
Thrash-Metal, andere wieder Metalcore, wir
machen Death-Metal und so weiter. Es gibt ja
auch DIY-Rappers und sogar DIY-Pop-Musik!
Wenn du bereit bist, Arbeit zu investieren,
dann öffnet sich auch für jeden der entspre-
chende Freiraum.
Oliver Strosetzki
WRETCHED ILLUSIONS
Mehr Metal als je –
laut Trey ein Resultat

Da wir alle noch reguläre Jobs haben, muss mein Instrument mittlerweile einfach besser, seiner gewachsenen
man ja auch noch die Zeit finden, Songs zu genauso wie unser Drummer. Rico war schon instrumentalen Fä-
schreiben. Als uns unser Label eOne dann immer gut, aber der spielt ja auch Bass. higkeiten

52 11/19
 INTERVIEW

„ÜBT MEHR ALS ICH!“

Mit brachialem Death-Metal in bester schwedischer Manier hat es die Hamburger Band
Endseeker geschafft, die Hartwurst-Szene ordentlich aufzumischen. Das neue Album
The Harvest erscheint beim inzwischen legendären Label Metal Blade Records, und die
bereits im Vorfeld veröffentlichte Single „Spiritual Euphoria“ drückt wie eine Abrissbirne
durch die Boxen.

B
en, im September erschien The Har-
vest. Was ist es für ein Gefühl, eine
Veröffentlichung bei einem so eta-
blierten und namhaften Label wie
Metal Blade zu haben?
Ben: Tatsächlich ist das nicht weniger
C Toni B. Gunner
diesen Kindheitstraum des Rockstars hatte.
Dann ist der Tag plötzlich da, man ist schon
steinalt, der Bart ergraut und du stehst trotz-
dem da und denkst dir: Das war jetzt ewig
die Nummer 1 auf der persönlichen Bucket-
list und das ist jetzt abgehakt. Die Arbeit
Die Produktion ist sehr fett und kraftvoll,
gleichzeitig roh und im klassisch schwe-
dischen Stil gehalten. Wie war der Entste-
hungsprozess?
Da wir alt sind, nehmen wir auch Oldschool
auf. Wir hatten 23 Tage im Studio und haben

als ein Jugendtraum, der wahr wird. macht aber auch sehr großen Spaß, unser ganz klassisch mit den Drums angefangen.
Den Moment werde ich nie vergessen. Label steht hinter uns und glaubt an uns, Wir kommen nicht mit fertigen Gitarren-
Davon hat man einfach ewig geträumt, seit das funktioniert also auf allen Ebenen ganz spuren und praktizieren Reamping, sondern
man angefangen hat, in Bands zu spielen und hervorragend. nehmen alles im Studio auf. Am Gitarren-

54 11/19

sound, also dem entscheidenden Merkmal
des Schweden-Death haben wir recht lange
gearbeitet, aber bereits im Vorfeld. Wir haben
gut ein Dutzend Verstärker getestet und sind
dann am Ende ganz klassisch beim Marshall
JCM 800 gelandet, da er ein unglaublich kla-
res und aufgeräumtes Mittenbild hat und sich
im Mix mit der Band und den Pedalen davor
so sauber durchsetzt. Viele Amps klingen für
sich super, aber sobald du das entsprechende
Pedal, wie einen HM-2 davor klemmst, hörst
du nur noch Matsch und Brei.
Ihr habt erneut mit Produzent Erik Freese
gearbeitet. Ist er integraler Bestandteil des
Sounds und des Songwritings?
Er ist sogar integraler Bestandteil unseres
Privatlebens. Erik ist ein sehr guter Freund
von uns und gehört eigentlich zur Familie.
Abgesehen vom Privaten macht das Arbeiten
mit ihm riesigen Spaß. Er weiß genau wie er
das Beste aus dem Musiker herausholt, ohne
ihn zu stressen und ist selbst riesiger Schwe-
den-Death-Fan. Er hat einfach verstanden,
wie wir klingen wollen und wie er zu diesem
geilen Ergebnis kommt.
Eure Songs wirken immer organisch und flüs-
sig, niemals zu verkopft und auskomponiert.
Wie entsteht ein Song bei Endseeker?
Jury, der andere Gitarrist komponiert tat-
sächlich jeden Song sehr sorgfältig aus, er
ist unser versiertester Songwriter. Aber er
schafft es einfach, dass jeder Song spontan
und frisch klingt. Der Rest von uns trägt auch
immer wieder Sachen dazu bei und Lenny
(Sänger) schreibt meist die Texte. Üblicher-
weise wird eine Arbeitsversion mit in den
Proberaum gebracht und dann arbeiten wir
gemeinsam die Feinheiten aus, besonders was
das Schlagzeug angeht.
Mika Lagrén (Lead-Gitarrist bei Grave) hat
einen Solospot auf „Symphony Of Destruc-
tion“, der B-Seite eurer Single. Wie kam es
dazu?
Ich kenne ihn schon ewig und wir sind ein-
fach zu schlecht, um ein Marty-Friedman-
Ben (r.) und Kollege
Jury mit ihren Solar-
Gitarren
Solo zu spielen. (lacht) Also habe ich mal bei
Mika nachgefragt. Er hat seine eigene Note
reingebracht und genau die richtige Attitüde
beigesteuert. Außerdem finde ich es einfach
cool, ihn mit auf der Platte zu haben, er ist
ein großartiger Gitarrist und ich wollte schon
ewig was mit ihm machen. Kleine Anekdote
am Rande: Seine Bedingung war, dass kein
HM-2 auf seiner Spur auftauchen durfte, da
es das schlimmste Pedal sei, das je gebaut
wurde. (lacht)
Ihr werdet in Rezensionen häufig mit Urge-
steinen wie Entombed, Grave oder Dismem-
ber verglichen. Fluch oder Segen?
Weder noch würde ich sagen. Die Band wur-
de mit der Intention gegründet, Oldschool-
Schweden-Death zu machen. Wir wollten vor
allem den Spirit der damaligen Zeit einfan-
gen und die Attitüde transportieren. Heutige
Produktionen klingen natürlich viel sauberer
und man sollte es mit dem Schmutz nicht
übertreiben, da es sonst den aktuellen Hör-
gewohnheiten zu sehr reingrätscht, aber wir
wollten einfach diesen Kettensägensound.
Im Anschluss an den Release geht es für euch
erst mal live weiter. Was kann der Besucher
erwarten?
Death-Metal, Endseeker-Style! Live spielen ist
für uns das Größte und insbesondere Lenny,
unser Sänger dreht live immer richtig auf.
Erzähl uns etwas über euer Equipment.
Wir haben viel mit Pedalen experimentiert
und sind dann letztlich bei KMA Audio
Machines aus Berlin gelandet. Der Wurm
bietet den klassischen HM-2 Sound mit mehr
Regelmöglichkeiten, so können wir unseren
Sound perfekt generieren. Netterweise haben
uns die Jungs zwei Pedale mit unserem Logo
darauf angefertigt, das war wie Weihnachten.
Der Wurm ist in ein t.c. electronics Sentry
eingeschleift und sorgt mit einem vorge-
schaltenen Boss NS-2 für Ruhe in den Spiel-
pausen. Am Anfang steht ein Line-6-G70-
Funksystem. Bei unseren Gitarren handelt es
sich um Solar V1.6 BOP mit Evertune-Bridge.
Ben/Endseeker INTERVIEW
Der Hals ist wie für meine Hand geschaffen
und sie ist sehr schnell zu meiner absoluten
Lieblingsgitarre geworden. Da stimmt ein-
fach das Gesamtpaket. In Kombination mit
unserem tiefen Tuning auf H-Standard ist die
Evertune-Bridge perfekt und man kann sich
nur aufs Spielen konzentrieren, ohne ständig
nachstimmen zu müssen. Die Amps sind wie
gesagt Marshall JCM 800, bei mir ein 2203
Reissue und bei Jury ein alter 2204, und Eg-
gert, unser Mann am Bass, spielt seit kurzem
Bässe aus der BB-Serie von Yamaha.
Gibt es Unterschiede im Setup zwischen
Studio und live?
Live schalten wir noch ein Boost-Pedal vor
den Wurm. Jury nutzt das KHDK Paranormal
und ich einen Fortin Blade, um das Low-End
zu straffen und die Höhen etwas zu pushen.
Und natürlich einen Tuner, in unserem Fall
ein Polytune 2 von t.c. electronics. Sonst ist
alles identisch.
Was würdest du der jungen Generation mit
auf den Weg geben?
Übt! Übt mehr als ich es getan habe! Dann
müsst ihr später keine anderen Rockstars
fragen, ob sie eure Soli für euch spielen.
(lacht) Als ich angefangen habe, war ich nur
an Rhythmus-Geschichten interessiert, die
ganzen Metallica-Songbooks und so. Mit den
Soli hab ich mich nie weiter aufgehalten und
als ich dann später angefangen habe, mich
dafür zu interessieren ist es mir halt um die
Ohren geflogen. Also: Üben, und zwar regel-
mäßig.
Markus Kaffka
THE HARVEST
Klassische Schwe-
den-Death-Breitseite
– Endseeker sind
ihren eigenen An-
sprüchen mehr als
gerecht geworden
55
 INTERVIEW
Mit ihrer sechsten Solo-LP Kill Or Be Kind liefert Samantha Fish ihren Fans
ein Bluesrock-Album mit Versatzstücken aus Soul bis Pop. Über eine knackende
Handyleitung spricht die in Kanas City geborene Slide-Queen über die Geschichte des
Albums, ihre Liebe zu Cigarbox-Gitarren und ihren markanten Stil.
S
amantha, der Titel deines neuen
Albums Kill Or Be Kind ist eine Ab-
wandlung des bekannten Spruchs
„Kill or be killed“ – was hat dich
dazu inspiriert?
Samantha Fish: Auf Kill Or Be
Kind ist ein gleichnamiger Song,
von dem ich mir schlussendlich
diese vier Worte geborgt habe. In dem
Stück geht es um die Dualität zwischen
Liebe und Hass. Es ist eine wahre Ach-
terbahnfahrt der Gefühle, wenn dich
diese Emotionen richtig packen. In einer
Beziehung erlebt man manchmal so tolle
Dinge, die jedoch nichtig werden, wenn
unüberwindbare Spannungen auftauchen.
In Bezug auf die LP ging es mir bei dem
Titel um die zwei Möglichkeiten, die das
Leben für einen bereit hält. Entweder
man ist eine durch und durch ehrliche
Haut oder eben genau das Gegenteil.
Das Coverfoto von Kill Or Be Kind ziert
neben dir eine gerade auf den Markt
gekommene Fender Vintera 60s Jaguar
Modified. Hast du neuerdings einen En-
dorsement-Deal mit den Kaliforniern?
Nein, den habe ich aktuell leider nicht.
Allerdings spiele ich die Jaguar gerade
immerzu. Ich liebe diese Fender-Gitarren
einfach. Früher während meiner Girls-
With-Guitars-Zeit (2011) besaß ich einen
Vertrag.
Das verwundert etwas, denn du verkaufst in
deinem Online-Store signierte Fender Vinte-
ra 60s Jaguar Modified ...
Es ist einfach eine wunderschöne, klassische
E-Gitarre, die sich super bespielen lässt. Da
sie einen Dauerplatz in meinen Rig inne hat,
C Samantha Fish
dachte ich mir, dass es ne coole Idee ist, eine
unterschriebene Version in meinem Shop zu
anzubieten.
56 11/19
Steht nicht nur auf
Fender: Mrs. Fish
Kill Or Be Kind spannt den Bogen zwischen
Blues, Rock und Soul und liefert darüber
hinaus noch ein „Oldschool-Album“-
Hörerlebnis, bei dem es um die gesamte Plat-
te und nicht nur um einzelne Tracks geht.
Ich liebe dieses „Alt-trifft-Neu“-Ding. Mei-
ne Wurzeln liegen ohne Umschweife im
Rock‘n‘Roll, R‘n‘B, Blues und Soul, allerdings
modernisiere ich die Stilistiken nur allzu
gerne. Eine meiner Leidenschaften im Studio
ist es, Gitarrentexturen zu kreieren. Du packst
einfach ein paar unterschiedlich klingen-
de Gitarren übereinander und hast im
Handumdrehen einen frischen Sound.
Sowas hilft auch ungemein, wenn ich
mit meinen Gesangsharmonien herum-
experimentiere. Ein weiterer wichtiger
Aspekt für den Facettenreichtum war die
Verpflichtung externer Songwritern, mit
denen ich gemeinsam die neuen Stücke
ausgearbeitet hab. Da diese Cracks ja
nicht an ein und dem selben Ort zuhause
sind, lieferten allein die verschiedenen
Orte, an denen komponiert wurde, eine
große Portion Inspiration.
Wie sieht die Kreativphase bei deinen
Parts aus?
Das Spannende an der Kollaboration mit
verschiedenen Songwritern ist, dass jede
respektive jeder anders tickt. Du musst
dich also auf alle individuell einstellen
und kannst nicht einfach eine vorgefer-
tigte Formel verwenden. Natürlich ist es
eine große Herausforderung, denn du
weißt nie, ob es funktioniert. Selbstver-
ständlich komme ich zu einer Session
mit einer gewissen Erwartungshaltung
und Ideen im Gepäck. Im besten Fall
entstehen dann aus meinen Hooklines,
Melodien oder Textfragmenten komplet-
te Songs. Gerade bei den Lyrics ist es
oft ein fantastischer Prozess, denn eine
zweite Person erzählt die Geschichte fast im-
mer anders zu Ende. Gemeinsam ergibt sich
so die Chance, etwas wirklich Poetisches zu
erschaffen. Dazu kommen die unterschiedli-
chen musikalischen Wurzeln der Akteure und
dann ist man raus aus der Komfortzone und
in komplett neuem Terrain gelandet.
An Einfällen scheint es dir sowieso nie zu
fehlen: Alleine in den letzten drei Jahren
hast du drei LPs veröffentlicht und warst
dazu noch konstant auf Tour.
 Samantha Fish INTERVIEW

Ich weiß, das klingt fast schon nach einer Angelegenheit. Früher ging ich – passend Du stapelst jetzt schon etwas tief ...
nicht zu lösenden Aufgabe. Ehrlich gesagt zum Sound der Zigarrenboxen – ziemlich Na ja, ich bin einfach niemand, der damit zu-
weiß ich nicht, wo wir die Zeit für Kill Or aggressiv an die Sache heran. Jedoch hören frieden ist, die Spielweise eines anderen Gi-
Be Kind abgezwackt haben. Wenn ich Songs sich Läufe mit Slide, bei denen die Seiten nur tarristen zu kopieren. Sowas ist doch wirklich
Abend für Abend auf der Bühne spiele, leicht berührt werden, in meinen Ohren viel langweilig und bringt dir auf persönlicher
kommt irgendwann der Wunsch in mir hoch, cooler an. Es dauerte ziemlich viele Monde, Ebene rein gar nichts. Klar dauert es länger,
neue Lieder zu schreiben. Mir ist künstleri- bis ich nach einer ganzen Latte an Versu- wenn man sein eigenes Ding durchzieht, aber
sche Abwechslung enorm wichtig. chen und Fehlschlägen zu einem für mich hey, dafür klingst du am Ende auch wie du
annehmbaren Stil gelangte. Aktuell bin ich und nicht wie ein Abklatsch. Natürlich höre
Eine Konstante ist jedoch deine Liebe zu auch keineswegs allwissend. Beim Slide-Spiel ich es – wie jeder Musiker – gerne, wenn
Cigarbox-Gitarren ... ist es wie überall, wenn du ein Instrument Fans, Kritiker und Kollegen meine Stil cool
Absolut. Ich finde das ehrlich gesagt ganz ernsthaft in die Hand nimmst: Du lernst und einzigartig finden. (schmunzelt)
schön cool, dass ich für viele Fans und Mu- wirklich nie aus! Chris Franzkowiak
siker zur „Cigar Box Guitar Lady“ geworden
bin. Meine erstes Instrument dieser Art ent-
deckte ich mit ungefähr 17 Jahren auf einem
Festival in Arkansas. Nach den ersten Slides
dachte ich mir damals: „Wow! Was für eine
kleine, aggressiv klingende Gitarre!“ Etwas
später trat ich selbst bei diesem Event auf
und zufälligerweise verkaufte ein Händler
liebevoll gemachte Versionen dieser verrück-
ten Dinger. Ich nahm mir eine mit und merk-
te schnell, als ich sie in mein Liveprogramm
integrierte, dass die Zuschauer deswegen

„Ich bin nicht

damit zufrieden,
nur jemanden
zu kopieren“
komplett steil gingen. So fand die Zigar-
renbox ihren Weg auf meine Scheiben und
bekam eine prominente Rolle in meinem Rig.
Es ist übrigens immer noch die Selbe, die ich
damals gekauft habe. Sie besitzt diesen ein-
zigartigen Klang, den ich bisher bei keinem
anderen Modell gehört habe. Langsam aber
sicher gibt es jedoch ein großes Problem – sie
fällt nämlich unaufhaltsam in sich zusam-
men. Inzwischen bin ich auch mehr und mehr
der Überzeugung, dass ich nach ihrem „Ab-
leben“ keine andere Cigarbox-Gitarre spielen
und die Songs schlicht auf einer regulären
Sechssaitigen zum Besten geben werde.

Auf der exotischen Kiste spielst du einen

enorm markanten Slidestil …
Der hat sich während meiner gesamten Lauf-
bahn immer weiter entwickelt. Mit einem
Slide richtig zu spielen, ist eine schwierige

KILL OR BE KIND

Blues, Soul, Rock

& ein einzigartiger
Slidestil: Samantha
Fish auf ihrem neuen
Album

57
 INTERVIEW
Robert Pehrsson's Humbucker
FRISCHE IDEEN IM ROCK-UNIVERSUM
Robert Pehrsson's Humbucker ist ein Phänomen: Einerseits sorgt die Band bei
Kennern und Genießern für Furore, andererseits klingt ihr Sound sehr eingängig. Meist
widersprechen sich diese Eigenschaften. Aus allem, was dem Schweden Robert Pehrsson
so in den vergangenen dreißig Jahren Rockgeschichte gefallen hat, filtert er seine
ureigene Essenz heraus und schafft dabei einen eigenen Sound.
R
obert, dein aktuelles Album Out Of
The Dark ist eine logische Weiterent-
wicklung deines Sounds, der irgend-
wo im eingängigen Rock der späten
'70er und frühen '80er fußt. Was das
Arrangement des Gesangs angeht,
scheinst du dich mittlerweile in die
'90er und frühen 2000er vorzuwagen.
Robert Pehrsson: Vielen Dank. Ich würde auf
jeden Fall sagen, dass mein Haupteinfluss in
der Musik von 1978 bis etwa 1992 liegt. Oft
werden wir mit Kiss oder Thin Lizzy vergli-
chen, was mir gar nicht so einleuchtet –
C High Roller Records, Robert Pehrsson
58 11/19
allerhöchstens der poppige Teil von Thin Liz-
zy prägt meinen Ansatz. In den Neunzigern
gibt es durchaus Bands wie etwa Dinosaur Jr.
oder die genialen Alben von Neil Young zu
dieser Zeit, die mich immer begleiten werden.
Die Neunziger waren äußerst liberal und
boten viel Genre-übergreifendes an, wenn
man allein an Rap-Metal denkt oder den
Brit-Pop, der '90er Pop mit der Mod-Kultur
der '60er mischte. Hast du einen musika-
lischen Geheimtipp aus dieser Zeit, der dich
beeinflusst hat?
Oh ja, und zwar die Posies! Das ist eine Band
aus dem Grunge-Umfeld der frühen Neun-
ziger. Sie stammt auch aus Seattle und fährt
einen richtig fetten Gitarrensound – dabei
haben sie aber einen total pop-lastigen,
anspruchsvoll arrangierten Gesang, der fast
schon aus den '70ern stammen könnte. Die
Band hat mich damals total begeistert und
steht für die stilistische Vielfalt der '90er, die
du erwähnt hast.
Wenn wir den Punkt der Vielfalt weiter aus-
bauen – inwieweit ist deine Musik ein Best-
Of all dessen, was du dir anhörst, und wann
musst du sagen: Okay, konzentrieren wir uns
auf diesen oder jenen stilistischen Kern?
Humbucker wird ja häufig in die Schublade
einer Retro-Band gesteckt. Ich fühle mich da
zwar missverstanden, da ich ja progressiv mit
all den Einflüssen umgehe, kann aber verste-
hen, was hinter dieser Kategorisierung steht:
Wir spielen Vintage-Equipment und schrän-
ken uns damit automatisch ein. Das ist die
Limitierung, die ich mag, weil es dann nicht
uferlos wird mit den Einflüssen.
Rock-Musik ist ja immer ein stückweit ver-
gangenheitsbezogen und hat sich daraus
auch immer wieder neu erfunden. Wenn man
beispielsweise bedenkt, wie viele völlig un-
terschiedlich klingende Bands von Led Zep-
pelin beeinflusst wurden, nehmen wir etwa
Guns N' Roses, Rage Against The Machine
oder Jack White …
Absolut. Das ist genau der Spirit, den wir
auch verfolgen. Ich meine, wir nehmen un-
sere Musik vergleichsweise Oldschool auf –
aber verlieren uns nicht in solchen Liebeleien
wie der Aufnahme auf Tape. Natürlich ist der
Grundsound auf diese Rock-Parameter fest-
gelegt, aber wenn man sich die Songs und
Gesangsarrangements anhört, sind wir doch
sehr poppig und progressiv orientiert.
Ehrlich gesagt haben wir in unserer Re-
zension auch geschrieben, dass man bei
deinem aktuellen Album – vor allem was
den Gesang angeht – sogar Einflüsse
von Bands wie The Ataris heraushören
kann.
Das freut mich sehr. Sie haben mit
„Boys Of Summer“ eine meiner absolu-

Roberts Studio-Schaltzentrale
ten Lieblings-Coverversionen aufgenommen
– das hat richtig Drive. Ich fühle mich auf
dem aktuellen Album auch um einiges siche-
rer als noch vor ein paar Jahren – gerade was
meinen Gesang angeht. Das, was du da mit
The Ataris meinst, ist diese eine Stufe weiter,
die ich mir erarbeitet habe. Inzwischen fühle
ich mich in der Lage, mit meiner Stimme so
richtig aus mir rauszugehen.
Nun haben wir viel über den Gesang gespro-
chen, die Gitarren auf dem Album haben sich
aber auch weiter entwickelt: Sie sind fetter
als auf den Vorgängern. Was sind deine gi-
tarristischen Einflüsse?
Ganz am Anfang stand Metallicas Kill' Em
All. Dieses Album habe ich wie ein Beses-
sener geübt und bin dann auch voll in den
Metal eingestiegen. Wenn man 1987 in
Schweden anfing, Gitarre zu spielen, lag das
einfach nahe. Danach kam dann aber auch
Stück für Stück die Befassung mit dem Blues.
Denn alle meine Gitarrenhelden spielen auf
dieser Grundlage Gitarre – mit Ausnahme
von Ritchie Blackmore, was ich auch unge-
mein schätze.
Wie sehr hat dich der Metal in der Wahl
deines Equipments beeinflusst?
Ich habe von Anfang an Gibson-ähnliche
Gitarren gespielt, da ich zu nichts anderem
Robert Pehrsson's Humbucker INTERVIEW
... und Telecaster
Zugang hatte. Außerdem spiele ich seit 28
Jahren einen Marshall JMP, bei dem ich nie
etwas anderes getan habe als die Röhren zu
wechseln. Ebenso lange verwende ich einen
Tubescreamer, um die Bassfrequenzen etwas
aufzuräumen und die Mitten etwas mehr zu
fokussieren – ich verwende ihn also eher
weniger als Gain-Boost. Das habe ich irgend-
wann herausgefunden und verwende den
„Alle meine Gitar-
renhelden spielen
auf der Grundlage
des Blues“
Trick nach wie vor. Bei den Gitarren wechsle
ich immer zwischen einer Les Paul und einer
Telecaster. Die Telecaster verwende ich meist
als zweite Rhythmus-Gitarre, um etwas mehr
Attack und Klarheit reinzubringen. Gerne
mische ich die Gibson auch mal ganz nach
links und die Tele volle Kanne nach rechts –
das passt problemlos. Wenn ich die Gitarren
wechsle nehme ich auch eine andere Box.
Hierbei wechsle ich zwischen einer Green-
Go-To-Gitarren:
Les Paul ...
back- und einer Vintage-30-bestückten Box
und verwende auch völlig unterschiedliche
Mikros, um beide aufzunehmen. Außerdem
spiele ich die Telecaster manchmal auch über
einen Peavey Classic 30.
Was uns brennend interessiert: Du sprichst
immer wieder von Pop oder poppig. Was
meinst du damit genau?
Oh, das ist gut, dass du das ansprichst. Für
mich bedeutet der Ausdruck „poppig“, dass
die Songs knackig produziert sind. Das be-
deutet, dass keine zu langen Intros vorkom-
men, dass die Hooks an der richtigen Stelle
sitzen und dass keine unnötigen Gitarren-
frickleien auf der Aufnahme zu hören sind.
Es ist die Kunst, das Essentielle auf Platte zu
bannen und für den Hörer auf den Punkt zu
kommen.
Philipp Opitz
OUT OF THE DARK
Vintage-Sounds in
poppigen Song-
strukturen – Robert
Phersson überlässt
nichts dem Zufall
59
 Tone-Trademarks

TONE-TRADEMARKS
C Olle Carlsson, Getty Images

60 11/19
 Meshuggah TONE-TRADEMARKS

HOLDSWORTH, 8-SAITER
UND VIEL MATHE
N
DOW L

O AD
CD/
TRA

35
CK
25 –

Bsp. 11Polyrhythmik
Bsp. Polyrhythmik TRACK 25 + 26 Meshuggah sind einigen
Tune down 1/2 step
=E =A wohl nur durch ihren
=B =E
=G =B knüppelharten Kracher
=D =F
= 120 „Bleed“ bekannt, doch
1.1 Main-Riff 1
1 die Bandgeschichte
reicht bis in die Mitte
P.M.
der 1980er zurück.
dist.guit.

Die polyrhythmischen
Verwirrungen und
0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0
harmonischen
2
Experimente der
Band haben wir hier
zusammengestellt.
¼
P.M.

D
0 0 0 0 0
5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 er Bandname Meshuggah leitet sich
aus dem jiddischen Wort „meshuga“
1.2 Main-Riff 3 ("Ripples ascend...") ab und bedeutet so viel wie verrückt.
3 4 Wenn man die Musik der Band kennt,
so kauft man ihnen ihren Namen so-
fort ab. Authentisch!
Schwieriger wird die musikalische
P.M. Einordnung des schwedischen Lied-
guts. Dazu muss man die Entwicklung der
Band genauer betrachten. Seit der Gründung
0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 1987 wandelte die Band auf Thrash-Metal-
Pfaden und ähnelte einer konsequenten Wei-
terführung ihrer Thrash-Metal-Helden Metal-
5
lica. Während sich Hetfield und Kumpanen
vom Grunge weichspülen ließen, wuchs die
musikalische Brachialität bei Meshuggah
P.M.
umso mehr. Mit dem Debüt-Album Contradic-
tions Collapse begann die Reise 1991 durch
Thrash-, Progressive- und Alternative-Metal,
zunächst aber mit noch nicht ganz so tief ge-
0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0