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Inhaltsverzeichnis

„Macht der Bilder“


„Wie die Kunstrichtungen des 20. Jh. die Gesellschaft nachhaltig
veränderte“

Einleitung

1. Idee zur Seminararbeit………………………………………..…………… S.2

1.1 Vorwort………………………………………………………………… S.3

2. Definitionen von Kunst in den verschiedenen Kunstepochen…… S.4

Hauptteil

3. Moderne 20 JH ……………………………………………………………………………… S.7

3.1 Kunstrichtungen/ Bewegungen im 20. Jahrhundert……………….… S.7

3.2 Beispiele anhand Gemälden………………………………………………….…. S.11

4. Kunst doch nur Spiegel der Gesellschaft ?…………………..………….. S.16

Schluss
5. Fazit…/ Einfluss der Kunst des 20. Jh bis heute ..…………………………. S.18

6. Anhang

6.1 Literatur/Quellen Verzeichnis…………………………………………………… S.20


6.2 Künstler Abbildungen…………...……………………………………………….. S.21

1
Idee zur Seminararbeit.

Beeinflusste Kunst unsere Gesellschaft ?


Oder ist die Gesellschaft nur ein passiver Beobachter der Kunst ?

Zu dieser Fragestellung komme ich durch ein Gedankengang. Während dem


Zeichnen eines Porträts, kam mir die Frage in den Sinn ob Kunst die
Gesellschaft verändern kann oder diese nur widerspiegelt. Für ein Porträt
zeige ich wie ich exakt aussehe, nach den Naturalisten, wie ich mich Fühle,
für die Expressionisten, oder welchen Eindruck ich erwecken will wie die
Expressionisten.
Klar ist, Künstler beeinflussen Künstler, Kunstkritiker, Galeristen kurz um
Menschen die in gewissen Künstlerische kreisen agieren. Aber diese sind nur
ein Teil der Gesellschaft und genau aus diesen Grund ist es interessant zu
sehen ob die Kunst Auswirkung auf die gesamte Gesellschaft an sich hatte.
Hatte weil es sich hier in dieser Seminarbeit hauptsächlich um die
Kunstgeschichtliche Entwicklung geht. Wie färbten sich die neuen
Kunstströmungen auf die damalige Gesellschaft ab? Wie wurde sie
aufgenommen?
Diese Fragestellung kann auch für die Gegenwart für Zeitgenössische Kunst
verwendet werden, dies wird kurz angeschnitten.
Allgemein werden die Ergebnisse der Kunst der Malerei betrachtet, das
Gemälde. Die „Macht“ der Gemälde, deren Auswirkungen (falls es solche gab)
oder ob deren Stellenwert nur als Spiegel der Gesellschaft diente., dass wird
im engeren Sinn untersucht.
Als Einsteig versuche ich eine Definition für Kunst erläutern die sich im laufe
der Kunstgeschichte veränderte. Konkreter zu Frage Stellung wird an
Beispielen von ausgewählten zeitlich nicht zu weit stehenden Kunstestile und
Künstlern untersucht. Die Kunststile werden wie die Künstler auf nur,
relevante länge betrachtet. Dies könnte nämlich, sonst den Rahmen sprengen
und ist eher für eine Dissertation. Anhand diesen Beispielen soll für
Fragestellung ein umfassendes Fazit in den nicht nur die Fragestellung
sondern auch der Stellenwert der Kunst früher wie Heute erläutert wird.
Wichtig ist die richtigen Kunstepochen und dementsprechend die
geeignetsten Künstler auszusuchen.
Kontroverse Werke eignen sich für diese Arbeit, trotzdem müssen diese,
dennoch genauestens geprüft werden nach ihrer Verwendbarkeit.
Verschiedenste Künstler der Moderne werden zwar erwähnt aber nur im
Kontext der Gemälde ihrer Zeitgenossen und deren Beteiligung an dessen
Erschaffung. Die allermeisten Künstler die in Frage gekommen wären, wurden
aussortiert ähnlich wie bei den Kunstepochen. Neben dem leicht unabsichtlich
vorkommenden Problem zu tief in einer Biografie eines Künstlers oder der
Kunstepoche zu kommen wird die Frage, ob es ausreichend Quellen gibt, zur
Beantwortung der Seminararbeit, womöglich zu einer weiteren Schwierigkeit,
da es eine doch schon eine sehr spezifische Frage Stellung ist. Dies wird dann
auch für das Fazit der Fragestellung eine mögliche Problematik. Entscheidend
ist also die Einsetzung der „richtigen“ Quellen.

2
Vorwort

Das frühe 20 Jahrhundert war eine Zeit, die geprägt war voller schnellen
sozialen, Gesellschaftlichen sowie Politischen Wandeln. Monarchistische
Staaten, Militarismus also die Konservative Ordnungen und die neuen
Technologischen Errungenschaften wie das Auto und die neuen Ideen in der
Philosophie und Kunst standen sich starken Kontrast. Durch solche
Gegensätze erkennt man, dass im 20. Jahrhundert, durch viele Institutionen
(mit progressiven festhalten von Traditionen) und die Haltung der populärer
Vordenker (den Avantgardisten), die Gesellschaft mit verschiedenste
Eindrücke und Vorstellungen konfrontiert war.
Allem voran der Erste Weltkrieg (als ausmaß des Politischen Wandels),
beschleunigten rasant den Wandel. Vor dem Krieg sowie nachdem Krieg
veränderte sich viel in kurzer Zeit.
Durch die außergewöhnliche bis dahin vorher nicht in diesem Ausmaß
ausgeübte Gewalt, die herben Verluste, erlebte und entstandene Leid, sorgten
für einen Tiefen Schnitt in der Gesellschaft aus.
Schon Jahrzehnte vorher im späten 19 Jahrhundert in der Kunst, bahnte sich
ein Wandel an, der maßgeblich das 20 Jahrhundert prägte und für ein neues
Grundverständnis für Kunst sorgte. Mit dem ab ca. späten 1960er und 1970er
immer stärker bildende Haltung gegen die für „alteingesessene“ Kunst der
Akademien, sorgten namenhafte Meister des Impressionismus & Post-
Impressionismus, die Franzosen: Paul Gauguin, George Seurat, Renoir, Monet
später Lautrec Cézanne und Matisse, der Niederländer Vincent Van Gogh und
der Norweger Edvard Munch den Grundbaustein für die Moderne im 20.
Jahrhundert.
Mit Wandel kommt Veränderung und Sinn und Zweck dieser Arbeit ist, diese
Veränderung zu durchleuchten. Den merklichen Einfluss die Künstler des 20.
Jahrhunderts zu erklären. Was die „Avantgardisten“ mit ihrer Kunst ihren
Gemälden erreichten und wem. Wie kann man das noch bis heute bemerken.
In dieser Seminararbeit wird es hauptsächlich um die Bildende Kunst gehen,
beziehungsweise, der Malerei. Präziser ausgedrückt um Gemälde der
Moderne.

3
Definition von Kunst in den verschiedenen Kunstepochen.

Renaissance ( 1400 – 1600 )

In der Renaissance wurde die Kunst als ein Handwerk Verstanden deren
Ergebnis ein Produkt eines Künstlers Wissens ist. Die Kunst wurde als
„materialisierte Schönheit1“ Das lag daran das der Mensch in der Renaissance
sich immer mehr als Individuum sah, als eine Kraft die was bewirken kann
und sich selbst verwirklichen kann. Solche und Ähnliche Ansichten die aus
dem Humanismus entstanden waren der Ursprung für die Katalytischen
Vorgänge die aus der Renaissance entstanden.

Klassizismus (1770 - 1840)

Dem Klassizismus ging die Kunstepoche des Barock voraus, die sich vor allem
in einer kunstvollen und reichen Architektur ausprägte. Prunkvolle
Ornamente und schwungvolle Formen lösten die strenge Ordnung der
vorhergehenden Renaissance ab.2
Bezeichnend für Werke dieser Zeit sind klare und einfache Formen, die
zuweilen als streng bezeichnet wurden. Ideale Schönheit sollte ebenso
verkörpert werden, wie das Werk an sich edel sein musste. Als Modell spielten
die griechische und römische Antike.
Der Kunsthistoriker Andreas Beyer schreibt in seinem Buch:“ Die Kunst des
Klassizismus und Romantik“, Klassizismus sei:,,(...) ein Habitus, der im
Spannungsfeld zwischen utopischen Ideal und irdischer Wirklichkeit“.3
Ziel war es mit Harmonie und Komposition eine Natur idealisierende
Schönheit, was damit als eine „vollkommene“, angesehen haben.
Klare Gliederung und einfache Formen, nach dem Vorbild der Antike
bestimmte die Kultur des Klassizismus .

Historismus (1850 – ca.1900)


Das Historienbild galt als die höchste Form der Kunstausübung, während
Landschaftsmalerei neben dem Stillleben als niedrigste Gattung angesehen
wurde. 4 In Historismus nahm man sich wieder Vorbilder und Motive aus
verschieden Kunstepochen und „vermischte“ diese miteinander. Sehr Beliebt
waren Merkmale der Gothik und Barock sowie der Antike zu verwenden.
Unter anderem bildete sich aus dem immer wachsende Industrielle
Massenproduktionen im Historismus die Gegenbewegung: „Arts & Crafts“ die

1 „Meisterwerke der Renaissance“ Von Gregor Delvaux de Fenffe (Auszug aus https://www.planet-
wissen.de/geschichte/neuzeit/die_renaissance_das_goldene_zeitalter/pwiemeisterwerkederrenaissance100.html
(20.01.21)
2 https://www.zimmermann-heitmann.de/blog/klassizismus/klassizismus-entstehung-merkmale-und-vertreter-der-
kunstepoche (18.01.21)
3 Die Kunst des Klassizismus und der Romantik. C. H. Beck, München 2011, s.10
4 https://artinwords.de/historismus/ (19.01.21)

4
sich mehr für die Ästhetik im Design einsetzte als monotone
Massenproduktion.
Der Naturalismus (Die Beschränkheit der Wirklichkeit)
(ca. 1860 -1890)

Der Naturalismus war eine Kunstrichtung die sich stehts als gesetz hatte, Die
Natur quasi wie man es vor sich sieht, abzubilden. Nichts soll wahrer bzw.
greifbarer sein als die Natur. (Eine Meinung die Albrecht Dürer in der
Renaissance auch vertretete). Kunst sei gleichzusetzten mit Natur und mit
Natur meint man die Wirklichkeit. Diese abbzubilden soll die einzige Arbeit
von Kunst sein. Weil das die größte Künstlerische aufgabe ist, ist es eine
besondere Heraisforderung sein Geschick unter beweis zu stellen.
Maler dieser Epoche waren: Gustave Courbet und John Sargent Singer.

Impresionismus (1860-1890)

Die Gegenbewegung des Naturalismus, der Impressionismus zeichnete sich


durch ein neues verwenden von Farben. Die Motive bzw. die Figuren und
Formen wurden leicht Abstrakter aber waren dafür umso stärker von den
Akademischen Malern und der Gesellschaft vehement verhöhnt. Die Jungen
Künstlern sehnten sich nach neuen Ausdrucks Möglichkeiten, das ihnen der
Naturalismus zu „engstirnig“ und konservativ war. Ziel war es ein kurzen
Augenblick zu verfestigen. Ein Eindruck, eine Wahrnehmung die subjektiver
war als der Naturalismus. Für die Naturalisten würde so was die Realität
stark verändern durch die Einmischung des Künstlers.
Im Expressionismus war man der Meinung, dieser Stil war noch viel zu
objektiv. Man wollte die eigene Gefühle zum Ausdruck bringen nicht die
Wahrnehmung der Realität. Claude Monets Gemälde: „Sonnenaufgang,
Impression“ von 1872/73 gilt als das erste Impressionistische Gemälde.
Bekannte Vertreter: Paul Gauguin, George Seurat, Renoir später Henri-
Toulouse Lautrec, Paul Cézanne, Henri Matisse, Vincent Van Gogh und
Norweger Edvard Munch.

Jugendstil (1890 – ca. 1914)

„Die Künstler des Jugendstils verfolgen den Anspruch, dass das


Kunsthandwerk Freude bereitet – sowohl für den Handwerker wie auch für
den Verbraucher.“ Es sollte ein spezifischen effekt auf den Betrachter
hervorrufen. Der Jugendstil ähnlich wie der Historismus waren vor allem in
der Architektur, Design und Mobiliar vertreten aber auch voranging in der
Malerei. In ihren Werken wollten sie weder ein Abbild der Natur erzeugen
noch auf tradierte Stilrichtungen zurückgreifen.“i5
Der Jugendstil war die erste größere Kunstepoche die den Übergang zur
„Modernen“ vollzog und damit und diese Anfing.
Mit Naturmotive mit floralen Akzente sind Hauptmerkmale dieser kurzen
Kunstepoche.

5 https://parkstone.international/2012/07/24/der-zeit-ihre-kunst-der-kunst-ihre-freiheit/ (19.01.21)

5
Der Duden über die Definition der Kunst

Nachdem Duden ist Kunst: „Schöpferisches Gestalten aus den


verschiedensten Materialien oder mit den Mitteln der Sprache, der Töne in
Auseinandersetzung mit Natur und Welt“. 6

Man kreiert, es Besitz was schöpferisches die Zusammensetzung mag


verschieden sein, wie die mittel aber behält stets ein schöpferische Element.
Mit gegenständlicher Kunst der Malerei ist es möglich außerhalb des
Rahmens der Leinwand zu gehen, ein flüchtigen Moment aufzufangen, sich in
allen formen Ausdrücken.
Es ist das Verhältnis zu den Dinge die man erschafft. Den Wert ob man damit
jemand erreichen will oder nur sich ein weg sucht um sich auszudrücken, legt
jeder Künstler selbst.

„Die Kunst ist Freiheit“ Joan Miró 19857

„Wenn ich wüsste, was Kunst ist, würde ich es nicht verraten.“ (Pablo Picasso) 8

"Die Kunst ist das Bild es Menschen selbst. Das heißt, indem der Mensch mit der
Kunst konfrontiert ist, ist er im Grunde mit sich selbst konfrontiert. Er öffnet sich
dann selbst die Augen. Also ist angesprochen der kreative Mensch, seine Kreativität,
seine Freiheit, seine Autonomie. Und das ist nur noch möglich aus dem Kunstbegriff,
allerdings muß man ihn dann erweitern. Man kann und darf ihn nicht so traditionell
halten und sagen: Das machen die Künstler, und das machen die Ingenieure. Das
kann man aber durchbrechen. Und einen Ausweg gibt es allein durch einen
erweiterten Kunstbegriff, der anthropologisch ist, der wirklich ernst nimmt, dass jeder
Mensch ein Künstler ist, dass in jedem Menschen ein kreativer Kern “. 9

6 https://www.duden.de/rechtschreibung/Kunst (20.12.221)
7 „Traumbilder“ 1985 Dokumentation BBC,RM ARTS, WDR von Robin Lough
8 Düchting, Hajo und Koke, Astrid: Belser Kunst Sammelsurium. Stuttgart (Belser) 2008,
S.64.
9 1976 - Ausstellung Hamburger Bahnhof, Berlin 2006

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3. Die Moderne 20. JH

3.1 Kunstrichtungen/ Bewegungen


im 20 Jahrhundert

Der Fauvismus (1905 -1907)


Der Ursprung des Expressionismus

Fundamentale Wegbereiter und Vorläufer des Expressionismus waren die


Post-Impressionisten Paul Gauguin, Vincent Van Gogh und Eduard Munch
sowie Henri-Toulousse Lautrec. Wichtig in diesem Zusammenhang ist Henri
Matisse (der ein großer Bewunderer der vorherig genannten Künstler war.),
Sowie Paul Cézanne.

Der Fauvismus war die erste richtige Kunstbewegung die, die Moderne
einleitete. Der Jugendstil war noch zu „wenig neu“ , „zu brav“ obwohl es
schon eine Gegenbewegung war gegen den Naturalismus war. Matisse
gründete mit André Derain den Fauvismus welcher zwar kurzlebig war (1905-
1907), aber dafür eine äußert wichtige war, für die nächsten Stile. Der
Fauvismus war nicht politisch.
Im Allgemeinen ist anzumerken das alle Kunstrichtungen/-bewegungen nach
dem Naturalismus, als Gegenbewegungen gegen diesen entstanden sind.
Aus dem Fauvismus entstand der Expressionismus.

Expressionismus ( ca. 1900 - ca. 1925)

Im Expressionismus ging es darum ein subjektives von den Künstler erlebtes


Geschehen, für den Betrachter darzustellen. In Gewiss erweise die innere
Gefühlslage auf das Gemälde zu übertragen.
Ein grenzenloses bzw. freie Umgang mit Form und Farbe sowie letztendlich,
die Demontage der Perspektive wie sie es vorher nicht gab, waren markante
Merkmale des Expressionismus und legten damit den Grundbaustein für
spätere Kunstbewegungen und revolutionierte die Kunst sowie das
Kunstverständnis. Der Expressionismus wurde oft als mittel von
Gesellschaftskritik, verwendet. Die Gesellschaftskritisch war

Das Meinung nach der, die Plastizität, als notwendiges fundamentales


Element wurde immer stärker abgewiesen, was dazu führte das die nächsten
Kunstbewegungen immer abstrakter wurde und für den Betrachter immer
mehr auf Unverständnis stoßte. Der Expressionismus wurde oft als mittel von
Gesellschaftskritik verwendet. Die Expressionisten waren stark
Gesellschaftskritiker, sie trieb sie an. Der Expressionismus war demnach
nicht nur eine Kunstbewegung, sondern vielmehr eine Geisteshaltung. Die
Expressionisten forderten eine Erneuerung des Menschen einer neuer

7
Generation. Der Deutsche Künstler aus der Dresdener Künstlervereinigung,
„Die Brücke“, Ernst Ludwig Kircher schrieb er in dem von ihm um 1906
veröffentlichten Holzschnitt „Programm der Brücke“: Mit dem Glauben an
Entwicklung an eine neue Generation der Schaffenden wie der Geniessenden
rufen wir alle Jugend , die die Zukunft trägt, wollen wir uns Arm -und
Lebensfreiheit verschaffen gegenüber den wohl angesehenen älteren Kräften.
Der gehört zu uns, unmittelbar und unverfälscht das wiedergibt , was ihn zum
Schaffen drängt“10.
Solche Meinungen wurden vor allem im Deutschen Expressionismus
vertreten. Die Expressionisten war eine Gegenbewegung gegen die
derzeitigen Ordnung, konservative und monotone Kunst der Akademien sowie
dem „einfältigen“ Bürgertum.

Einer der den Begriff des Expressionismus anders verwendete als seine
Zeitgenössische Freunden und Kollegen. Für Klee war mit dem
Expressionismus nicht nur die künstlerische Entwicklung weiter
vorangetrieben worden, sondern wirklich Neuland für die künstlerische
Möglichkeiten im Sinne eines „erweiterten Kunstgebiets“ erschlossen
worden.11 Der Expressionismus der Künstlervereinigung „Die Brücke“ und die
Interessen Gemeinschaft „Die blauen Pferden“ in Deutschland waren wichtige
Ausfaltungen des Expressionismus waren sogenannte Deutsche
Expressionismus“ entfaltete sich in sämtliche Ausführungen der Kunst ob
Malerei, Literatur oder (zu der zeit die neuste Technologie) in dem Film
(„Nosferatu eine Symphonie des Grauens“ (1922) ).
Künstler wie Wassily Kandinsky, Paul Klee, Gustav Klimt, Ludwig Kirchner
erblühten im Expressionismus und errangen größter Berühmtheit.

Doch die expressionistischen Ideen hatten auch einen tiefgreifenden Einfluss


auf die zeitgenössische Kunst.o befassten sich die Expressionisten auch mit
anderen Stilen wie dem Kubismus, Futurismus oder dem Surrealismus.
Wassily Kandinsky führte sein Weg in die abstrakte Malerei. George Grosz und
Otto Dix entwickelten hingegen eine sozialkritische Mischung aus
Expressionismus und Realismus, die später als Neue Sachlichkeit bekannt
wurde.12

"Die Kunst geht heute Wege, von denen unsre Väter sich nichts
träumen ließen. Man hört die apokalyptischen Reiter in den Lüften;
man fühlt eine künstlerische Spannung über ganz Europa, - überall
winken neue Künstler sich zu: ein Blick, ein Händedruck genügt, um
sich zu verstehen." - Franz Marc: Prospekt des Blauen Reiters 191213

10 https://sammlung.staedelmuseum.de/de/werk/programm-der-kuenstlergruppe-bruecke (28.02.21)
11 Thomas Kain, Mona Meister, Franz-Joachim Verspohl (Hrsg.): Jena 1999, S. 92 ff.
Sowie : „Ein erweitertes Kunstgebiet“. Paul Klee und der Expressionismus -Begriff im Jahre 1912. In:
Stiftung Museum schloss Moyland/ Sammlung van Grinten/ Joseph Beuys Archiv Nordrhein-Westfalen
(Hrsg.): Paul Klee trifft Beuys. Ein Fetzen Gemeinschaft. Hantje Cantz Verlag , Ostfildern 2000, S.48 ff
12 https://artvise.me/expressionismus-merkmale-kuenstler-kunstmarkt-rekorde/
13 zitiert nach Reinhard Piper, in Franz Marc im Urteil seiner Zeit, Klaus Lankheit, DuMont
Dokumente, Brücher-DuMont, Prod., Köln 1960 Werk-Nr. 219D, S. 39

8
Drei Kunstrichtungen/ bzw. -bewegungen kristallisierten sich aus dem
Expressionismus und eine davon war teilweise Vorreiter für die jeweils
andere Kunstrichtung: Kubismus, Dadaismus und der Surrealismus.

Der Kubismus ( um 1906/08 – 1914)

Der Kubismus war eine radikale Kunstbewegung mit dem ausmaß der
öffentlichen Kritik der mit dem Fauvismus zu vergleichen, ist aber deutlich
radikaler war in ihren Gemälden.
Heute wird der Kubismus als die revolutionärste Kunstrichtung de 20
Jahrhunderts bezeichnet.
Die Kunst entstand als Weiterführung von Paul Cézannes Post-
Impressionistische Züge in seinen Werken.
Wie man aus dem Namen herauslesen kann geht es hier um kubische Formen.
Die Zerlegung von Objekten durch geometrischen Formen war ein
fundamentales Merkmal dieser Kunstrichtung, was zu einem neuen Denken in
der Malerei führte. Ein figürliches Motiv soll, mittels geometrischen
einfachen Formen vereinfacht werden. Damit sollte die Plastizität überwunden
werden. Ein interessantes Konzept wenn man Bedenkt, dass um jegliche
Dinge ob Mensch, Tier oder Gegenstand, es fast immer in Geometrischen
Formen unterteilt und je mehr man unterteilt desto genauer ist der Aufbau. So
kann man bspw. Ein Perfektes Abbild eines Gesichtes malen. (Ein Ergebnis der
für die Kubisten mit größter Ablehnung entgegnen würden. )
Ihn ihrer Anfangszeit wurde nur mit blasen Farben gemalt, da die Kubisten
mit zu viel Farben, nicht die wichtigen Formen im Hintergrund erscheinen
lassen wollten. Ab ca. 1912 traute man sich mehr mit Farben zu arbeiten.14
Mit dem Weltkrieg verschwand die Kunstrichtung (gemessen an ihren
vorherigen Beliebtheit/Verwendung von Künstlern).
Der Kubismus war für spätere Kunstrichtungen wie der Konstruktivismus,
Neue Sachlichkeit, Futurismus,Dadaismus, Surrealismus sowie die Kunst der
Künstlervereinigung „Blaue Reiter“.

Die bedeutendsten Vertreter wie Georges Braque, Juan Gris;Marcel Duchamp


und natürlich Pablo Picasso.

Der Dadaismus (1916 -ca. 1922) / Der Surrealismus (1922/23 -1933)


(Manche meinender Surrealismus endete erst 1966 mit dem Tod von Breton 15)

Der Surrealismus war eine Kunstrichtung und Lebenseinstellung, die nach


dem Ersten Weltkrieg entstand. Es entstand aus dem Dadaismus, eine Anti-
Kunst-Bewegung die gegen die normativen Werte, herrschende
Organisationen die Schuld and den Krieg hatten . Es war eine stark
nihilistisch geprägte Bewegung die alles in der Gesellschaft untergraben
wollte auch die Kunstinstitutionen, die für die Dadaisten, unmittelbar mit dem

14 https://www.kunst-zeiten.de/Kubismus-Allgemein
15 (vgl.) https://freie-referate.de/kunst/merkmale-des-surrealismus

9
Status quo verflochten war. Die Dadaisten nutzten gezielt Provokative mittel,
um ein regelrechten Aufschrei der Gesellschaft zu erzeugen. Sei es durch die
verwendeten Motive oder mit ihrer Malweise und Komposition.

Der Surrealismus ähnelte sich stark mit dem Dadaismus. Viele der Dadaisten wechselten
sogar zu dem Surrealismus, weil es unter dem Dadaisten zu viel Streitigkeiten gab was
Sie eigentlich erreichen wollten, wohin es mit dem Dadaismus hingegen soll. Dadurch das
es zu viele unterschiedlichen Diskrepanzen gab löste sich der Dadaismus auf und lebte
teilweise im Surrealismus weiter.

„Scheiße auf die ganze Gesellschaft, Scheiße auf alles, was unwichtig ist“ —
Joan Miró angeblich letzte Worte auf dem Sterbebett16

Der Surrealismus entstand durch den schon im Dadaismus Aktiven


Schriftsteller und Kunsttheoretiker André Breton. Der Franzose war mit quasi
allen wichtigen Künstlern des 20 Jahrhundert befreundet von Picasso über
Magritte, Diego Rivera bis zu Dalí.
Er das „Manifeste du Surréalisme“, Das Manifest des Surrealismus und legte
damit den Grundbaustein dieser Kunstbewegung.17
Im Surrealismus war die Auseinandersetzung mit Träumen und Albträumen
existenzieller Bedeutung. Es ging um Psychoanalytischen Theorien, über
Absurde und Unbewusste Dinge rein zu unlogischen. Es gibt viele Stilistische
Unterschiede im Surrealismus, während Joan Miró Abstrakter mit Formen
und Farben sich im Surrealismus Ausdrückte war beispielsweise die Malweise,
seines Landmannes, Salvador Dalí schon mit mehr realistisch also mehr
figürlich. Die Auffassung von Kunst des Bürgertums wurde ebenso wie
Normen wurden radikal abgelehnt. Bretón und seine Freunde waren der
Ansicht das es keine wirkliche objektive Wirklichkeit gab. Weil man nicht
sicher sein kann das es wirklich die Realität ist oder ob wir nicht einfach
schläft. Man will mit dem Träumen und Rauschzustände vollkommen neue
Erfahrungen Sammeln, was bedeutet alles alte abzulegen.

Bekannte Vertreter des Surrealismus sind: Jean Arp, Marcel Duchamp, André Masson, Man
Ray, Joan Miró und Salvador Dalí.

16 aus: Hans Platschek, Joan Miró, rowohlt Monographie, Reinbek bei Hamburg, 1993, 1090 - ISBN 3 499
50 409 X, S. 130 Quelle: https://beruhmte-zitate.de/autoren/joan-miro/
17 (vgl.) https://de.wikipedia.org/wiki/Andr%C3%A9_Breton

10
3.2 Beispiele anhand von Gemälden

1 Gemälde „Les Demoiselles d’Avignon“ von Picasso

„Nieder mit dem Stil! Hat Gott vielleicht einen Stil? Er hat die Gitarre geschaffen, den Harlekin,
den Dackel, die Katze, die Eule, die Taube. Genau wie ich. Elefant und Walfisch, das geht ja noch,
aber Elefant und Eichhörnchen? Eine wilde Mischung! Er hat geschaffen, was es nicht gab. Ich
auch.“ - Picasso18

Das erste Bild ist von Picasso Mit dem Titel „Les Demoiselles d’Avignon“ aus
dem Jahre 1907. Dieses Gemälde wurde bei seiner Veröffentlichung sehr stark
von der Öffentlichkeit geradezu inder Luft zerrissen. Und das aus guten
Grund: Mit diesem Gemälde, ließ Picasso die Traditionen der Kunstgeschichte
in Frage zu stellen, es zerstörte regelrecht das herkömmlich derzeitige begriff
der Kunst.
Es wird als Anfang des Kubismus gesehen und setzte damit einen Meilenstein
in der Kunstgeschichte.
Laut eigenen Aussagen Zeigt die Szene das Innere eines Bordells in der Carrer
d'avinyó in Barcelona.
Picasso hat alles was nach einem gezielt Bild eines Bordells erzeugen könnte,
wie man an seinen Vorstudien erkennen konnte, wegfallen lassen. Damit wollte
er die Bedeutung des Bildes für nichtig erklären. Er nutze geometrische Formen
um eine Figur zu darzustellen und vermischte dies mit wenigen rundungen.
(Was alleine dafür schon bahnbrechend war). Hinzukommt das Picasso bei
mindestens 2 der Frauen, die Gesichter wie Traditionelle Afrikanische Masken
aussehen lassen hat. Es hieß sie seinen an sogenannte: „Negerplastiken“,
angelehnt.19 Ein Begriff der schon im „Primitivismus“ schon verwendet wurde.
Was wiederum für viel Aufregung gesorgt hatte. Weil Picasso damit eine kritik
ausübte gegen das europäisch, von den Akademien beigebrachte,
Schönheitsakt. Damit löste Pablo Picasso das progressive und traditionelle
Frauenbild.20 Die Obszönen Nacktheit in diesem Gemälde sorgte zusätzlich
für eine Reaktion von Abwertung seitens der Öffentlichkeit. Nacktheit galt als
soziales Problem, als ein sehr markantes und sichtbares Merkmal von Armut,
hinzu kamen noch Schande und Hässlichkeit und Minderwertigkeit.
Die Idee zu dem Ölgemälde ist wahrscheinlich durch das Gemälde von Henri
Matisse (ein guter Freund von Picasso der sich mit ihn im ständigen Austausch
war), „Joie de vivre“ gekommen. Matisse selbst soll von Cezannés Bilder mit
den Badenden inspiriert worden sein. Matisse sowie Cezanné waren Künstler
mit dem sich Picasso Jahrelang befasste. Interessant ist die Darstellung der
Frau in der Mitte, die ähnlich der Venus von Milo.

18 (Vgl).: Museum Berggruen: Picasso und seine Zeit. Berlin 2013. S. 30.
19 Intepretation Pablo Picassos „Les Demoiselles d'Avignon“ . S. 13
20 Klaus Herding: Pablo Picasso Les Demoiselles d'Avignon, Die Avantgarde, 1992 S.44

11
Die Meinung seiner Zeitgenössischen Künstler Freunden war zwiespältig.
Einerseits schwiegen sie, Sie konnte es nicht richtig einordnen. Was dafür
spricht das selbst Hochgebildete Kunstkritiker mit feinem Gespür, wie André
Breton nichts dazu sagen konnte. Seine Engen freunde wie George Braque und
Henri Matisse Lehnte das Bild ab.2122
Deswegen hat er es mit rücken nach außen( nach Anweisung von Bretón) in
seinem Atelier immer noch unvollendet verstaut. Es hinterließ bei seinen
Freunden und ihm selbst trotzdem ein brennender Eindruck.

Es wurde erst 1937, im selben Jahr wie sein sehr berühmtes Gemälde „La
Guernica“ Ausgestellt bei der Weltausstellung in Paris im Petit Palais.
Später erwarb es das Museum of Modern Arts in New York und
Heute befindet sich das 243,9 auf 233,7 Zentimeter messende Werk in New
York im Museum of Modern Art.
Wie unheimlich bedacht Picasso sich an diesem Werk herntastete. Sieht man
and der Anzahl der Vorstudien die er hinterlies. Sein Nachlass belegt 809
Vorstudien. Der bis dato größte Nachweisliche Vorstudien sammlung für ein
einziges Gemälde. 23 Picasso hat mittels neu erstellung von Formen anhand der
zeitgenössichen Kunstsprache und deren Regel gar zu aufbrach und die
Methoden neu verwendete. Es war eine revolutionäre wirkung wie kaum eine
andere. Vorher hat man Elemente der Kunst wie Form, Komposition, Inhalt
bedeutung versucht in harmonie zum Einklang zu bringen, ist mit Picassos
Gemälde die Gewicht vollkommen anders. Form formte nicht mehr Inhalt, Form
war jetzt Inhalt.
Damit wurde Grunbaustein für spätere viel abstraktere Kunstbewegungen und
die Verwendung von plastizität galt noch mehr überholt als vorher.

Les Demoiselles
d'Avignon,
Paris, June-July 1907

21 https://de.wikipedia.org/wiki/Les_Demoiselles_d%E2%80%99Avignon#Erste_Reaktionen (16.02. 21)


22 (Vgl).: Cartsten-Peter Warncke:Pablo Picasso 1881-1973, 165; 2007;Köln

23 (vgl:) Carsten-Peter Warncke: Pablo Picasso, Band 1, S. 145–146.

12
Kurzbiografie Dalí

Salvador Dalí war nicht nur der bekannteste Vertreter des Surrealismus
sondern wenn nicht sogar der wohl größte Narzisst und Selbstinszenierer des
20. Jahrhunderts (Selbst neben Picasso).
Er wurde am 11. Mai 1904 in Figueres, Katalonien mit dem unter dem Namen
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, geboren (ab 1982 hieß er Marqués
de Púbol) Er zeigte schon früh; (nach eigenen angaben mit 6) Jahren zu
Zeichen und zu Malen. Während seiner schulischen Ausbildung war er schon
des öfteren als Unruhestifter aufgefallen und wurde schon mal zu unrecht
Inhaftiert weil er ein Anführer einer Demonstration gewesen sein soll.
vom 21.Mai bis zum 11.Juni inhaftiert. 24
1926 war er in Paris und lehrte dort Picasso kennen. Mit dem Surrealismus
kam er nach eigenen angaben im Kontakt durch seinen Katalanischen
Landsmann Joan Miró der ihn Bretón vorstellte. Schon damals zeichneten sich
Diskrepanzen zwischen den beiden aus. Mit 20 Jahren war Salvador Dalí
schon Weltbekannt.
1929 lernte er seine spätere Lebensgefährtin und Muse Gala kennen, die die
Frau von Paul Élouard war. Dalí hatte eine sehr starke Verbindung mit ihr, Sie
soll die einzige gewesen sein der den Narzisstischen Dalí einigermaßen zügeln
konnte. Auf manchen seiner Gemälde unterschrieb er mit „Gala Dalí“.
Gala war es der Dalí, zum einen der finanziell erfolgreichsten Maler der Welt
machte, Sie Verwaltete die Geschäfte Dalís, führte und koordinierte alles um
ihren Mann herum. 1935 warfen ihn die Surrealisten aus der
Interessengemeinschaft aufgrund wiederholter „konterrevolutionärer
Handlungen und Meinungen“ rausgeschmissen. Er wurde beschuldigt ein
Faschist zu sein weil er sich nicht für oder gegen die Kommunisten Partei zu
nehmen. Andre Bretón war der Leiter dieses Vorhabens. 25
Nachdem Einmarsch der Deutschen in Frankreich, flüchtete er nach Amerika
wo er unter anderem mit Disney zusammenarbeitete.
Um 1948 kehrte er wieder nach Spanien in seinem Haus im Katalanischen
Cadaques. Dalí bemühte sich sein ganzes Leben lang die von ihm selbst
erschaffende und bis ins Mark geglaubte Figur Dalí- der Exzentrische
Künstler, beizubehalten. So ranken sich viele Geschichten und Mythen (womit
er sicherlich Spaß daran hatte.) 1950 lebte für einen Monat im Luxushotel
Hôtel Le Meurice in der Rue de Rivoli in Paris, im ersten Stock. Er irritierte
Gäste und Belegschaft, indem er eine Herde Schafe in seine Suite bestellte
und sich Fliegen im Park fangen ließ.26

24 https://de.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD#Ausbildung

25 (vgl.): Elisabeth Puyplat, Adrian LaSalvia, Herbert Heinzelmann: Salvador Dalí. Facetten
eines Jahrhundertkünstlers, 2005, S. 132–136

26 https://de.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD#Ausbildung

13
„Ich bin nicht nur Provokateur von Berufs wegen, sondern auch aus
Veranlagung.“27

1969 entwarf er das Logo für die Süßigkeiten Hersteller „Chupa Chups“ seit
dem ist das Logo gleichgeblieben.28
Nach dem Tod seiner Frau 1982, schmerzte Dalí den Verlust so sehr das er mit
Essensverweigerung reagierte. Im folge einer Dehydration konnte er nicht
merh schlucke und man musste ihm zur Ernährung eine Nasensonde anlegen.
1984 brach ein Feuer in seinem Haus in Cadaqués aus und Dalí erhielt
schwere Verbrennungen davon. 1989 starb er mit 84 Jahren an eineim
Herzstillstand.29

„Entschuldigen Sie mich, aber ich muss jetzt da raus gehen und ein bisschen
Dalí spielen.“ 30

2. Gemälde Die Beständigkeit der Erinnerung 1931


(Original „ La persistencia de la memoria“.) Salvador Dalí

Es zeigt vier zerfließende Taschenuhren, die in der katalanischen Landschaft


mit den Felsen von Cap de Creus gemalt wurden.
Links unten auf einer zerlaufende Uhr sitzt eine Fliege auf einer anderen
(auch Links unten) wird diese von einer Ameise gegessen. Beides steht für den
Verfall bzw. die Vergänglichkeit der aller Dinge so auch der Zeit. In der Mitte
sieht man ein zerrinnende Uhr, die auf das stark abstrahierte Profil von Dalí
mit geschlossenen Augen zeigt.
Nach eigener Aussage kam er auf die als er zerlaufen-den Camembert
gesehen hatte.31 Links auf einen Viereckigen Plateau steht ein Baum mit
einem Zweig auf dem sich eine weiter zerfließende Uhr befindet. Im Hinter
dem Baum sieht man eine weiter metallisch glänzendes Viereck.
Es is Farblich gesehen ein doch recht helles Bild mit dem Cyan-blauen
Himmel und den Gelb-orangenen Felsen, trotz der vielen Dunklen Stellen die
im Schatten stehen im Unteren rechten sowie zentralen Stellen des Bildes.
Die dunklen Stellen werden ausbalanciert durch das weiße Gesicht des
Künstlers (welches wahrscheinlich nicht rein zufällig im goldenen Schnitt
befindet.)
Heute hängt das Gemälde wie Les Demoiselles d'Avignon“ von Picasso im
Museum of Modern Arts in New York

27 https://de.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD#cite_note-95 (02.03.21)
Dalí wird 100. (Nicht mehr online verfügbar.) NDR Fernsehen, 10. Mai 2004, archiviert
vom Original am 8. Oktober 2008;
28 https://www.catawiki.com/de/stories/4189-10-dinge-die-sie-uber-salvador-dali-nicht-wussten
(01.03.21)
29 https://de.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD#Krankheit_und_Tod (01.03.21)
30 Laura Näder, 2010, Salvador Dali - Die Beständigkeit der Erinnerung, München,
GRIN Verlag, https://www.grin.com/document/16720 8
31(vgl.):Gilles Néret: Dalí. Taschen-Verlag, 2002

14
"Mein ganzer Ehrgeiz auf dem Gebiet der Malerei besteht darin, die
Vorstellungsbilder der konkreten Irrationalität mit der herrschsüchtigsten
Genauigkeit sinnfällig zu machen." (1935)32
33
„Best
ändigk
eit der

Erinnerung“ 1931 Svador Dalí 24,2 mal 33 Zentimeter öl auf Leinwand

„Technische Geräte sollten […] für mich die größten Feinde werden, und was
Uhren angeht, so mußten sie weich oder gar nicht sein!“34

Als das Gemälde 1932 in der Julien Levy Gallery in New York City ausgestellt
wurde. Als es 1932 Veröffentlicht wurde in der Julien Levy Gallery in New
York, war die Öffentlichkeit so sehr begeister von dem unscheinbar kleines
Gemälde, dass es Dalí damit berühmter zu werden als er schon war. Jeder
wusste dann wer mit Dalí gemeint war. 35
Es ist aus heutiger Sicht neben Der „Mona Lisa“ von Leonardo Da Vinci,
Der „Schrei“ von Edvard Munch und Van goghs „Sternennacht“, eines der
berühmtesten Gemälde der Welt.
Die Beständigkeit der Erinnerung wurde in der Popkultur im Fernsehen bei
den Simpsons, Futurama, Hey Arnold, Doctor Who und der Sesamstraße
erwähnt. Darüber hinaus wurde es in mehreren Filmen, Videospielen und
sogar in der amerikanische Football-League NFL gezeigt.36

32 http://www.kunstdirekt.net/kunstzitate/bildendekunst/kuenstlerueberkunst/dali_salvador.ht
m
33 Bildquelle:https://www.moma.org/collection/works/79018
34 Dalí 1997, S.47.
35 (vgl.):https://www.daskreativeuniversum.de/15-fakten-die-bestandigkeit-der-erinnerung/ (06.03.21)
36 (ebd.)

15
Beispiel von Kunst bzw. eines Gemälde als Spiegel der Gesellschaft

„Es ist mein Wunsch, Sie daran zu erinnern, dass ich stets davon überzeugt
war und noch immer davon überzeugt bin, dass ein Künstler, der mit geistigen
Werten lebt und umgeht, angesichts eines Konflikts, in dem die höchsten
Werte der Humanität und Zivilisation auf dem Spiel stehen, sich nicht
gleichgültig verhalten kann.“ – PICASSO: Dezember 1937

Das war die Motivation, des in Malaga geborenen Künstlers Pablo Picasso, zu
seinem Bild „La Guernica” einer der bedeutendsten Gemälde des 20.
Jahrhunderts. Abgesehen davon das er in diesem Gemälde jeglichen Sinn,
gemäß seiner damaligen Sicht, dem Naturalismus ablehnte und den
Expressionismus von vielen wie beispielsweise Otto Dix oder Ernst Ludwig
Kirchner, längst hinter sich gelassen hat, ist es einer der besten Exempel für
die Aussage: „Kunst sei ein Spiegel der Gesellschaft”. Man muss eindeutig
dazu in Betracht ziehen das Pablo Picasso unter keinen Umständen der aller
erste war. Viele Künstler vor ihm haben Gesellschaftskritische Themen in
Ihren Werken behandelt. Beispiele Hierfür sind Édouard Manet, Francisco de
Goya, Gustav Courbet unter anderen.

„La

Guernica” Pablo Picasso 1937 Öl auf Leinwand, 349,3 X 776,6 cm Museum „Museo Nacional Centro de Arte
Reina Sofía”

Das Gemälde war eine Reaktion auf die Zerstörung der Baskischen Stadt
Gernika (zu Deutsch: Guernica), die nordöstlich von Bilbao liegt, durch den
Luftangriff der deutschen „Legion Condor“37 und Italienischen „ Corpo Truppe
Volontarie38”. Dies geschah im Zuge des Spanischen Bürgerkriegs in welche
diese Einsatzkommandos auf Seiten des Faschistischen Francisco Franco
kämpften.

37. Eine verdeckt Operierende Spezialenheit der Luftwaffe, die für damalige Wehrmacht
38 Eine Italienische Elite Einheit, die aus Freiheitskorps besteht. Wurden von Mussolini eigens berufen und standen
unter seinem direktem Befehl

16
Picasso war in Paris während dem Bombardement und arbeitet vorher noch an
ein anderes Gemälde mit dem Titel „Maler und Modell“, dass er für die
Weltausstellung 1937 ebenda im Auftrag der Spanischen Republik (um
ca.1936) für den spanischen Pavillon anfertigte.
„Mein ganzes Leben als Künstler war nichts mehr als ein kontinuierlicher
Kampf gegen die Reaktion und den Tod der Kunst. In dem Bild, das ich male,
drücke ich mein Entsetzen über die militärische Kaste aus, die
Spanien jetzt zu einem Ozean des Elends und des Todes machten.” –
Angebliches Zitat Picassos als er „La Guernica” malte.
Picasso war der Meinung das man: „(…) Dass Avantgarde und moralisch
verantwortungsbewusste künstlerische Arbeit sehr wohl miteinander
vereinbar sind”. (vgl. Pablo Picasso Guernica: Interpretation, Analyse,
Geschichte (artinwords.de)). Er sah sich also durch aus als Politischer
Künstler obwohl es schon zu seinen Lebzeiten stark umstritten war. Picasso
aber arbeitete in manchen seiner Werke, durchaus aus einem Politischen
Hintergrund heraus wie man durch „La Guernica” sehen kann. Auch
nennenswert sind: Die Radierungen “Traum und Lügen Franco” und die
Grafik “Die Friedenstaube”. Mit dem Erlös aus den Verkäufen der
Radierungen, versuchte Picasso die spanischen Republikaner zu unterstützen.
Er war bekennender Sympathisant der Volksfrontregierung, der Republikaner
in Spanien und später seit 1944 Mitglied der Kommunistischen Partei.

"Was ist in Deinen Augen ein Künstler? Ein Narr, der nur Augen hat, wenn er
Maler ist, oder nur Ohren, wenn er Musiker ist...? Im Gegenteil. Er ist
gleichzeitig ein politisches Wesen, stets aufnahmebereit für bewegende,
brennende oder glückliche Ereignisse, die er in jeder Weise erwidert. Wie ist
das möglich, für andere Menschen kein Interesse zu zeigen und sich in einen
elfenbeinernen Turm vor dem Leben zu flüchten, das sie dir so reichlich
bescheren? Nein, Malerei ist nicht dazu da, um Appartements zu schmücken.
Sie ist eine Waffe zu Angriff und Verteidigung gegen den Feind." (1937)
Der Feind sind die Faschisten ob Spanier, Italiener oder Deutsche, gegen die
er immer wieder in seinen Werken stark verurteilte.

“Picasso selbst konstatierte, dass „Guernica“ das einzige Werk in seinem


Schaffen von symbolischer Natur sei. Er habe sich nur in diesem konkreten
Fall einer eingängigen, etablierten Symbolik bedient, da das Werk „ein
willentlicher Appel ans Volk“ sei und weil es eine „willentlich
propagandistische Bedeutung“ habe.” (Pablo Picasso Guernica: Interpretation,
Analyse, Geschichte (artinwords.de))
Das Gemälde gehört heute zu den bekanntesten “Anti-Kriegs” Gemälden der
Kunstgeschichte. Noch heute hat es Bestandteil. Es ist ein Sinnbild für die
unnötige Gewalt des Krieges, die zeigt das längst die Grenzen der Todesopfer
überschritten waren, in dem diese nicht mehr bei den Soldaten liegt, sondern
schon Zivilisten waren. Das Gemälde war in Paris höchst umstritten und
machte den schon ohnehin bekannten Künstler, Weltberühmt. Für damalige
die Zeit war die Grafische Darstellung des Horrors und Gewalt noch nie
wirklich so aufgetaucht. Hinzu kam das der Kubistische-Stil immer noch nicht
als “gern angesehen” galt. Dieser von vielen als “grotesk” gesehener Still, im

17
Zusammenspiel mit der Riesigen Dimension des Gemäldes und dessen
Thematik des Motivs sorgten für eine Stimmung, die sinnbildlich das
Entsetzliche Ereignis bewusst auslösen sollte.

Fazit

Einfluss der Kunst des 20 Jahrhunderts auf Heute.

Die Kunst der Moderne, der Avantgardisten führten mit ihren neuen Ideen ein
neuen Durchbruch in der Kunstgeschichte ein. Sie waren die Letzten
Grundbausteine, die den Weg in ein neues Kunstverständnis führten der sich
bis Heute auszeichnet. Sie waren die Vorläufer vieler weiterer Wichtiger
Kunstbewegungen wie beispielsweise den Pop-Art unter den berühmten
Amerikaner Andy Warhol.

„Als Spiegel vor dem Angesicht der Welt zu dienen, ist eine der
Hauptaufgaben der Kunst, die Natur und uns selbst näher zu betrachten und
einen harten Kern der Wahrheit zu reflektieren, der „den Staub des Alltags
von der Seele wäscht“. Picasso39

Das die Kunst der Moderne ihre zeitgenössische Gesellschaft veränderte ist
allein durch die Tatsache, das die Kunst der Avantgardisten mit viel Kritik
seitens der Gesellschaft entgegnen musste. Etwas was nicht verändert, keine
Revolutionäre Ideen hat, nicht die Normen komplett infrage bringt, wird nicht
kritisiert. Bespiele in der Geschichte dafür sind Galileo Galilei mit seinem
heliozentrischen Weltbild, Charles Darwin mit seiner Evolutionstheorie und
ebenfalls Albert Einstein mit seiner Relativitätstheorie. Meisterwerke der
Moderne inspirierten nach künftige Künstler und bewegte sie ihre eigenen
Meisterwerke zu malen. Ihr Umbruch ihre Ideen sind bis heute noch relevant,
durch die einstimmige Meinung: „Sie haben was bewirkt“. Dass Sie extrem
fernab, des von der bürgerlichen Gesellschaft verstandenen, Begriffs der
„Kunst“ ab weichten, ablehnten, verhöhnten und letztlich zerstörten. Darauf
ernteten sie (natürlicherweise), viel Kritik und hohn, was aber genau deren
Ziel war.Das war schon immer so wurde mit Traditionsbrüchen,
Stiländerungen entsprangen hitzige Debatten darüber. Dass Moderne Künstler
wie Picasso und Joan Miró und andere Zeitgenossen durch die Faschistischen
Nationalsozialisten, als „Entartete Kunst“, bezeichnet und auch an der
gleichnamigen Ausstellung, ausgestellt wurden, zeigt von stark
bahnbrechenden Ideen. Zwar würden das vielen Avantgardisten sicherlich zur
Weißglut bringen (Dadaisten) aber Kunst vermittelt immer eine Botschaft, es
drückt immer was aus ob man will oder nicht. Viele haben es erreicht, auch
wenn ungewollt, viele Menschen mit ihren Werken zu bereichern, zum Denken
zu bringen. Sie sind fester Bestandteil der heutigen Kultur ob im Filmen
(Nosferatu) und Serien, Literatur oder in der Musik.

39 https://artmo.com/de/2020/07/is-this-art-10-controversial-pieces/
(23.03.21)

18
Das war schon immer so wurde mit Traditionsbrüchen, Stiländerungen
entsprangen hitzige Debatten darüber. Dass Moderne Künstler wie Picasso
und Joan Miró und andere Zeitgenossen durch die Faschistischen
Nationalsozialisten, als „Entartete Kunst“, bezeichnet und auch an der
gleichnamigen Ausstellung, ausgestellt wurden, zeigt von stark
bahnbrechenden Ideen. Zwar würden das vielen Avantgardisten sicherlich zur
Weißglut bringen (Dadaisten) aber Kunst vermittelt immer eine Botschaft, es
drückt immer was aus ob man will oder nicht. Viele haben es erreicht, auch
wenn ungewollt, viele Menschen mit ihren Werken zu bereichern, zum Denken
zu bringen.Sie sind fester Bestandteil der heutigen Kultur ob im Filmen und
Serien, Literatur oder in der Musik. Die allermeisten haben die Gemälde des
20 Jahrhunderts schon mal gesehen auch wenn man, sie sie nicht namentlich
einordnen können. Jeder kennt Picasso, Frida Kahlo, Dalí, Magritte und
spätere Künstler wie Andy warhol und Roy Lichtenstein.

„Kunst macht sichtbar“ Paul Klee

Was Paul Klee damit wahrscheinlich damit meinte ist, dass Kunst uns eine
Offenbarung gibt. Durch die Kunst werden unsere viel weiter entfaltet, uns
wird bewusst das unsere Sinne uns nicht sehr weit kommen lassen, denn sie
sind beschränkt. Kunst ist nicht beschränkt, das sieht man allein schon an den
vielen schier unendlich verschiedenen Arten wie man sich ausdrücken kann.40

„Kunst heißt Veränderung“ Otto Hans Ressler41

„Kunst ist dazu da, alternative Vorstellungen von Realität zu Entwickeln und
damitneue Wirklichkeiten zu erschaffen; sie dient dazu
Wahrnehmungsmuster- und damit Denkmuster-(...)Handlungsmuster- zu
verändern“. Otto Hans Ressler42

40 (vgl.): https://resslerkust.com/kunst-veraenderung/ ( 05.05.2021)


41 (ebd.)

42 (ebd.)

19
Literatur/ Quellen Verzeichnis

(In Chronologischer Reihenfolge)

1. Meisterwerke der Renaissance“ Von Gregor Delvaux de Fenffe (Auszug aus


https://www.planet-
wissen.de/geschichte/neuzeit/die_renaissance_das_goldene_zeitalter/pwiemeisterwerkede
rrenaissance100.html(20.01.21)
2.https://www.zimmermann-heitmann.de/blog/klassizismus/klassizismus-
entstehung-merkmale-und-vertreter-der-kunstepoche (18.01.21)
3.Die Kunst des Klassizismus und der Romantik. C. H. Beck, München 2011, s.10
4.https://artinwords.de/historismus/
(19.01.21)
5.https://parkstone.international/2012/07/24/der-zeit-ihre-kunst-der-kunst-ihre-freiheit/
(19.01.21)
6.https://www.duden.de/rechtschreibung/Kunst (20.12.221)
7.„Traumbilder“ 1985 Dokumentation BBC,RM ARTS, WDR von Robin Lough
8. Düchting, Hajo und Koke, Astrid: Belser Kunst Sammelsurium. Stuttgart (Belser)
2008,
S.64.
9. 1976 - Ausstellung Hamburger Bahnhof, Berlin 2006
10. https://sammlung.staedelmuseum.de/de/werk/programm-der-kuenstlergruppe-
bruecke (28.02.21)
11.Thomas Kain, Mona Meister, Franz-Joachim Verspohl (Hrsg.): Jena 1999, S. 92 ff.
Sowie : „Ein erweitertes Kunstgebiet“. Paul Klee und der Expressionismus -Begriff
im Jahre 1912. In: Stiftung Museum schloss Moyland/ Sammlung van Grinten/ Joseph
Beuys Archiv Nordrhein-Westfalen (Hrsg.): Paul Klee trifft Beuys. Ein Fetzen
Gemeinschaft. Hantje Cantz Verlag , Ostfildern 2000, S.48 ff
12. https://artvise.me/expressionismus-merkmale-kuenstler-kunstmarkt-rekorde/
13.zitiert nach Reinhard Piper, in Franz Marc im Urteil seiner Zeit, Klaus Lankheit,
DuMont Dokumente, Brücher-DuMont, Prod., Köln 1960 Werk-Nr. 219D, S. 39
14. https://www.kunst-zeiten.de/Kubismus-Allgemein
15.(vgl.) https://freie-referate.de/kunst/merkmale-des-surrealismus
16. Aus: Hans Platschek, Joan Miró, rowohlt Monographie, Reinbek bei Hamburg, 1993,
1090 - ISBN 3 499 50 409 X, S. 130 Quelle: https://beruhmte-zitate.de/autoren/joan-
miro/
17.(vgl.) https://de.wikipedia.org/wiki/Andr%C3%A9_Breton
18.Vgl).: Museum Berggruen: Picasso und seine Zeit. Berlin 2013. S. 30.
19.Intepretation Pablo Picassos „Les Demoiselles d'Avignon“ S. 13
20.Klaus Herding: Pablo Picasso Les Demoiselles d'Avignon, Die Avantgarde, 1992 S.44
21.https://de.wikipedia.org/wiki/Les_Demoiselles_d
%E2%80%99Avignon#Erste_Reaktionen (16.02. 21)
22.(Vgl).: Cartsten-Peter Warncke:Pablo Picasso 1881-1973, 165; 2007;Köln

23. (vgl:) Carsten-Peter Warncke: Pablo Picasso, Band 1, S. 145–146.


24.https://de.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD#Ausbildung
25.(vgl.): Elisabeth Puyplat, Adrian LaSalvia, Herbert Heinzelmann: Salvador Dalí.
Facetten eines Jahrhundertkünstlers, 2005, S. 132–136
26.https://de.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD#Ausbildung
27.https://de.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD#cite_note-95 (02.03.21)
Dalí wird 100. (Nicht mehr online verfügbar.) NDR Fernsehen, 10. Mai 2004, archiviert
vom Original am 8. Oktober 2008;

20
28.https://www.catawiki.com/de/stories/4189-10-dinge-die-sie-uber-salvador-dali-nicht-
wussten
(01.03.21)
29.https://de.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD#Krankheit_und_Tod (01.03.21)
30.Laura Näder, 2010, Salvador Dali - Die Beständigkeit der Erinnerung, München,
GRIN Verlag, https://www.grin.com/document/167208
31.(vgl.):Gilles Néret: Dalí. Taschen-Verlag, 2002
32.http://www.kunstdirekt.net/kunstzitate/bildendekunst/kuenstlerueberkunst/dali_salvad
or.htm
33.Bildquelle:https://www.moma.org/collection/works/79018
34. Dalí 1997, S.47.
35.&36. (vgl.):https://www.daskreativeuniversum.de/15-fakten-die-bestandigkeit-der-
erinnerung/ (06.03.21)
37&38 .https://de.wikipedia.org/wiki/Guernica_(Bild)
39.https://artmo.com/de/2020/07/is-this-art-10-controversial-pieces/ (23.03.21)
40-42. (vgl.): https://resslerkust.com/kunst-veraenderung/ ( 05.05.2021)

Bildverzeichnis

Bildquelle:https://www.moma.org/collection/works/79766
Bildquelle:https://www.moma.org/collection/works/79018
Bildquelle:https://www.museoreinasofia.es/en/collection/artwork/guernica

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i
.
Lehrerinnen: Helga Vollmer-Ressel Katrin Zilly

Kollpingkoleg
Klasse:J1 Fach:BLL

2 1
20

Thema „Macht der Bilder“


„Wie die Kunstrichtungen des 20. Jh. die
Gesellschaft nachhaltig veränderte“
„Macht der Bilder“

Michael Janus
Ich erkläre, dass ich die Arbeit selbständig und nur mit den angegebenen
Hilfsmitteln angefertigt habe und dass alle Stellen, die dem Wortlaut oder
dem Sinn nach anderen Werken entnommen sind, durch Angabe der Quellen
als Entlehnung kenntlich gemacht worden sind.

Karlsruhe, den 20.06.2021