Beruflich Dokumente
Kultur Dokumente
Los años finales del siglo XIX se caracterizaron por una crisis generalizada de la
cultura europea. Los valores firmes que el positivismo habían implantado no
consiguieron generalizarse y gran parte de los artistas e intelectuales comienzan a
manifestar una actitud critica y hostil hacia ellos. Esa crítica hacia la burguesía y sus
ideales estéticos ya la habíamos visto en los realistas e incluso en los impresionistas;
pero en los ultimas décadas del siglo XIX y comienzos del XX el rechazo toma otra
dirección. Ya no se trata de reflejar la realidad industrial, el mundo del trabajo y las
condiciones de vida de los obreros con un afán de denuncia; o de buscar una forma
experimental de percibir y plasmar la realidad. Ahora se trata simplemente de huir de
ese mundo que no gusta, refugiarse en un idea estético basado en el decadentismo, en
buscar nuevos mundos en donde el artista se encierra como en una torre de marfil. Ya
pintores como Gaugin habían realizado esa huida, en su caso de manera real en Tahití,
donde encuentra una sociedad sin contaminar por los principios morales de la Europa
burguesa.
En el caso del simbolismo y del modernismo esa huida se hace hacia mundo
figurados, a pesar de ser una actitud antiburguesa, no hay ninguna intención de cambiar
la sociedad que se rechaza y por la que además se sienten rechazados. Se crea un mundo
artificial que evoca el pasado más o menos legendario, de ambientes orientales,
sensuales y decadentes. En cierta forma se busca una defensa de lo espiritual, ya que
consideran que la sociedad industrial basada en el materialismo destruye la esencia del
hombre.
Supone una vuelta al contenido, a que la obra de arte transmita un mensaje o al
menos este dotada de un contenido más o menos claro, El simbolismo vuelve sobre la
relación tradicional entre literatura y artes plásticas, pero además quiso que su mensaje
fuese espiritual, transcendente, evocador de otros mundos diferentes del cotidiano, un
mundo que no es aprehensible por la razón y la ciencia. Se produce una renovación de
los valores y las creencias, como la religión. Sobreviene una
oleada de irracionalismo a la vez que, perdida la fe en la
colectividad social, se cultivaba el mundo interior, lo subjetivo, el
individualismo y el aristocratismo. Fue una cruzada contra la
vulgaridad, representada por la cultura de masas, contra el
materialismo y el positivismo, su culto al dinero, su desprecio del
arte. Además en un clima de gran pesimismo y decadentismo
total, en oposición a optimismo de la época anterior.
Como principales representantes del impresionismo en el
mundo de la pintura tenemos por un lado al grupo de PontAven al
que perteneció durante algún tiempo Gaugin; pero además de este
colectivo hay también artistas individuales que desarrollan un
I.E.S Valle del Ambroz, Historia del Arte, 2º Bachillerato
Manuel Torres Zapata 2
estilo mucho más personal, aunque recurriendo casi siempre a temas tomados de viejas
mitología o de la propia literatura símbolista, entre estos artistas individuales tenemos a
Gustave Moreau (18261898), representante perfecto del decadentismo, y del gusto por
los temas orientales, introduciendo temas en los que presenta la imagen una la mujer
con fuerte carga sexual, que atrae y destruye, como en “Salomé” (1879) la perversa
bailarina que pidió como premio por su baile la cabeza de San Juan Bautista. Si una
pintura es densa, profusamente decorativa, abigarrada, que define a Moreau como un
“creador de inquietantes y siniestras alegorías, fruto de las desasosegantes percepciones
de una neurosis enteramente moderna, obsesionado por los símbolos de perversidad y
amores sobrehumanos”, que busca reflejan lo exotérico, lo que no se percibe a través de
la razón, como decía el mismo “creo sólo en lo que no veo y únicamente en lo que no
siento”
Odilon Redon (18401916) busca también ese acercamiento a lo místico o lo
mistérico pero de un forma más sutil que Moreau, al que rechaza por su exceso de
“retórica óptica”, busca que las imágenes
sugieran con su simple presencia. Realiza
una labor muy destacada como ilustrador,
por ejemplo de los libros Flaubert.
Sugiera siempre más que describe, el
sentido del misterio para él esta en lo
ambiguo y en lo equivoco, durante mucho
tiempo trabaja tan sólo en blanco y negro
y sólo vuelve al color muy tarde.
3-. EL CUBISMO.
En 19041905, el azul da paso a una nueva gama en la que predomina el rosa, por
lo que se conoce como “Época Rosa",
el dramatismo de la época anterior se
atenúa algo en esta época y da paso a
un sentimiento de tristeza o
melancolía. Los temas más empleados
en esta época, son arlequines, escenas
circenses, acróbatas.... Las figuras son
menos angulosas y estilizadas, los
rostros expresan una indiferencia
sosegada. En estos años parisinos,
Picasso se relaciona con los principales
autores de la pintura francesa, como
Matisse, que influirá en el
enriquecimiento de su paleta. También
es cuando conoce a Braque, con el que
comenzara una estrecha colaboración que culminará en la época cubista
En torno a 1905, 1906, la Época Rosa de Picasso empieza a sufrir
transformaciones debido a diversos factores, entre los que están el ya mencionado
conocimiento de Matisse, pero también el descubrimiento de la escultura y del arte
africano, cuyo primítivismo y sencillez obsesionarán a Picasso, la influencia del
I.E.S Valle del Ambroz, Historia del Arte, 2º Bachillerato
Manuel Torres Zapata 14
primitivismo le llega a Picasso también a través de la escultura ibérica que por esa
época se exponía en el Louvre. Dentro de la pintura de la época rosa
mencionamos cuadros como 'Familia de saltimbanquis"(1905)
refleja mucho mejor que otras ese momento de la producción de
Picasso, el grupo está dominado por el silencio, colocadas en medio
de un paisaje casi fantasmagórico los personajes no se comunican; el
color empleado no es el tradicional de la época rosa, sobre todo por
la gran mancha roja del personaje del centro. Estos cuadros de
saltimbanquis y titiriteros bien podrían ser una metáfora del gusto de
Picasso por la vivir sin ligaduras, nómada. “'Joven acróbata y niño",
“Holandesa con cofia"... son otros cuadros de este momento de
transición.
En estos años sus experiencias van
culminando en una serie de obras que
anticipan lo que va a ser el cubismo, en
los que reduce la figura a volúmenes sumamente sencillos y
geométricos, con gran influencia del primitivismo en las
facciones del rostro, como vemos en el retrato de "Gertrude
Stein" de 19051906, el tratamiento
geométrico de esta cabeza, casi de
mascara, evidencia el conocimiento
que tenía del arte de los llamados
"pueblos primitivos", así como el
contacto con la pintura románíca y con
los relieves ibéricos, así como la
enorme influencia de Cezzane en las formas geométricas puras.
Una vez acabada la Primera Guerra Mundial. Picasso viajará a Italia, donde la
tradición pictórica, la luz del Mediterráneo, los colores... el deseo de superar los traumas
de la guerra le llevan a una pintura muy diferente del cubismo. En esta época clásica
(19201923) Picasso adopta los volúmenes de la tradición clásica, pero con gran
sencillez y depuración de líneas, que recuerda las esculturas de la antigüedad griega,
figuras con volumen escultóricos, de tonos luminosas y que frecuentemente son
desnudos, escenas en la playa, símbolos de la necesidad de empezar de nuevo después
de la Guerra.
Simultaneamente a esta pintura clásica Picasso sigue desarrollando el cubismo
sintético, cada vez más reducido a los volúmenes más esenciales, son bodegones en los
que se identifican sin ninguna dificultad los objetos que los forman, con colores
brillantes y bastante puros en tintas planas..
El idealismo de estos año empieza a ser superados y a mediados de los años
veinte ya ha desaparecido por completo, rompiendo la tendencia a lo sosegado. Además
en estos años Picasso, sin llegar a ser nunca
un pintor surrealista, se acerca estéticamente
y teóricamente a algunos de sus
planteamientos. su cuadros empiezan a
llenarse de cierta estética de los monstruoso
o deforme, con figuras delirantes, huesudas,
de ritmos descoyuntados y movimientos
violentos. En los
últimos años de la
década de 1920 realiza
una serie de
g r a b a d o s d o s
ilustrando las
Metamorfosis de
Ovidio, empleando figuras sin corporeidad y llenas de una
consistencia pétrea. Las figuras parecen enormes colosos
abandonados a la orilla del mar y desgastados por la erosión.
I.E.S Valle del Ambroz, Historia del Arte, 2º Bachillerato
Manuel Torres Zapata 17
Realiza ahora sus primeras esculturas, en la línea de lo que es pintura, por influencia del
pintor español, afincado en París Julio González.
Los años treinta supone un nuevo momento en la vida de Picasso, su producción
es abundantisima, con grabados (Minotauromaquia). Se abandonas los perfiles rectos de
las metamorfosis, y aparecen formas redondeadas, de pronunciadas exuberancias,
dominadas por una color estridente y fuertes líneas negras que perfilan todos los
contornos ("Mujer frente al espejo" 1932)
Gobierno de la República, decide que el pabellón gire en torno al drama que se está
viviendo en España y que esté presidido por un mural de Picasso, Lógicamente Picasso
acepta el encargo y decide que el tema pintado sea el bombardeo de la ciudad vasca de
Guernica, símbolo de la identidad vasca, que había sido bombardeado por aviones
alemanes en el 26 de abril de 1937; pero el cuadro, va a superar esa idea, no va a ser
sólo una denuncia del bombardeo, un alegato contra los fascismos y una defensa de la
legitimidad de la República, sino sobre todo un alegato contra la guerra, la barbarie, el
sufrimiento... que se convertirá en un auténtico símbolo en
España durante mucho tiempo. Picasso es consciente de la
importancia que va a tener su cuadro y realiza numerosos
bocetos y dibujos preparatorios del cuadro
El cuadro va a pasar por varias fases sucesivas, sus
dimensiones son inmensas, un gran mural de lienzo de
3,51 por 7,82 metros, pintado sólo en blanco, negro y gris,
como forma de potenciar la expresividad del cuadro y sus
valor documental, podríamos decir que Picasso hace una
fotografía, un reportaje de los que ocurrió en Guernica.
La composición está distribuida a manera de tríptico, cuyo panel central esta
formado por el caballo y la mujer portadora de la lámpara, el lateral izquierdo por el
toro y la mujer con el niño en brazos, mientras que el derecho es la visión del incendio.
I.E.S Valle del Ambroz, Historia del Arte, 2º Bachillerato
Manuel Torres Zapata 18
Dentro de este sistema de tríptico, coloca las figuras formados grandes triángulos, de los
cuales el central es el más importante.
Una vez acabada la Guerra Civil comienza la Segunda Guerra Mundial y Picasso
sigue haciendo cuadros que insisten en la denuncia de la barbarie y del sin sentido de la
guerra. Tan sólo cuando acaba la Guerra Picasso vuelve a una pintura más optimista y
colorista, es la llamada fase de Antibes, diversificando sus producción con cerámica,
escultura, diseño de carteles.... Es esta última fase de su obra, nos encontramos en
primer lugar con naturalezas muertas, junto a balcones abiertos a la luz y el paisaje de la
Costa Azul. Aunque su producción es
muy abundante hasta el final de sus
vida, también es cierto que es menos
original y con menos aportaciones.
Ahora Picasso es
ya un pintor
reconocido, con
una fama
internacional, y un
estilo definido. Es
la época en la que
realiza series
interpretando cuadros de la tradición clásica, la más famosa
posiblemente la de las Meninas, aunque hay otras sobre el
I.E.S Valle del Ambroz, Historia del Arte, 2º Bachillerato
Manuel Torres Zapata 19
"Desayuno en la hierba" de Manet
4. EL FUTURISMO.
5. NEOPLASTICISMO.
“¿Qué quiero expresar con mi obra? Nada más que lo que busca todo artista;
alcanzar la armonía por medio del equilibro de las relaciones entre lineas, colores y
planos. Pero sólo de forma más clara y poderosa”
Piet Mondrian.
I.E.S Valle del Ambroz, Historia del Arte, 2º Bachillerato
Manuel Torres Zapata 24
6. DADAISMO.
Manifiesto Dada,1918,
7. PINTURA METAFÍSICA.
8. SURREALISMO.
“Quizá haya llegado el momento en que la imaginación esté próxima a volver a ejercer los derechos
que le corresponden. Si las profundidades de nuestro espíritu ocultan fuerzas extrañas capaces de
aumentar aquellas que se han advertido en la superficie o de luchar victoriosamente contra ellas; es del
mayor interés captar esas fuerzas, para someterlas al dominio de nuestra razón si resulta procedente”
Andre
Breton
Miró y el surrealismo:
Miró llega a París en 1919 y sus primeros años allí serán años de miseria y
privaciones, Muchas veces hablará de la alucinación producida por el hambre a la hora
de pintar un cuadro. Es esta la época en la que entabla amistad con los dadaistas y
surrealistas, con los que coincide en la necesidad de reinterpretar la realidad, de
trascender la pintura, de buscar nuevos personajes y nuevos lenguajes de expresión.
La comparación entre "La masia” de 1921 y 'El campo labrado" de 1923
evidencia la evolución estética sufrida por Miró en sus primeros años parisinos. Las dos
pinturas coinciden en recordar el paisaje
catalán de su infancia, pero en el primero
nos encontrarnos con un lenguaje
evidente, de perfiles nítidos y formas
precisas; mientras que en el último nos
encontramos con un mundo fantástico
poblado de animales contrahechos o de
árboles de los que nacen orejas u ojos,
A esta época mística pertenecen cuadros como la "Ultima cena"(1955), ' Cristo
de San Juan de la Cruz", "Santiago, el Mayor" o "El sueño de Cristóbal Colón".
Los últimos cuadros de Dalí revelan una vuelta a la más pura tradición tanto
formal como temática. Es este momento se produce la consagración total del artista con
exposiciones retrospectivas, la inauguración del Museo Dalí en Figueras... su
consagración definitiva coincide con la época de menos fuerza creativa, de repetición de
modelos o un desmesurado deseo de
hacerse comercial.