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Esta pintura de diversas maneras consigue concentrar toda la atención de cualquier espectador en ella. Según la relación
fondo-figura consta de solo un plano. En este plano principal, el artista ha representado figurativamente al busto de un
hombre. Este hombre es adulto, es fornido y por su vestimenta, se puede decir que es un personaje sobrio, formal y recto.
El artista ha querido texturizar el traje dándole niveles de colores que van desde azules-púrpuras hasta marrones, lo cual,
más que el efecto de luz por el contraste con sombras, sirve para darle un reposo visual al espectador con respecto a la
monocromía impactante del fondo rojo. Dejarle perderse entre estas sutiles combinaciones pasteles que de alguna manera
le dan dinamismo y movimiento al hombre representado.

Sin embargo, en esta pintura lo más resaltante es el fondo. Normalmente, de un color cálido y vivo como es el rojo, el
espectador puede recibir sentimientos de alegría. En este caso, no. Se trata de un rojo que incluso lastima la vista con su
intensidad, que connota pasión, rabia e incluso sufrimiento.

Casi perdidos entre el fondo, con unas difuminasiones sutiles que incluso hacen dudar al espectador si fue
intencionalmente o por efectos del tiempo, se aprecian un par de lentes ͞flotando͟ en la cabeza invisible del hombre. Por
el modelo, los lentes pueden ser unos Ray-Ban Wayfarer de los 60s, lo cual da un poco más información de la época en la
que el autor se inspiró.

La pintura consta de trazos fuertes, que le da algo de caricaturesco al personaje representado. También se aprecian los
colores primarios, en tonalidades muy intensas, lo cual sugiere algo de influencia de la corriente expresionista en el artista.

En conjunto, quizás la intención del pintor fue la de sobrecoger al espectador mediante los colores en un primer momento,
y luego lo hace meditar sobre el hombre. En mi opinión representa un contraste entre la intensidad de la pasión y la
frialdad de la razón. La sobriedad versus el arrebato. En fin una guerra en la dualidad que todos poseemos interiormente.
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En este cuadro de Jeffrey Wheeler se aprecia una diversidad de objetos representados, creando en una primera impresión,
una sensación de un colorido desorden en la mente de espectador. La figura más resaltante es la de un jacuzzi, ubicado en
el ángulo inferior-izquiero del cuadro, este objeto resalta con el resto de la pintura, en primer lugar por los colores cálidos
usados en el zócalo central a manera de mosaicos, mientras que se usan tonos fríos tanto para las baldosas exteriores como
para el agua. El agua dentro del jacuzzi también es de suma importancia, ya que muestra dinamismo en las olas, así como el
patrón de tonos azules que ocupan el mayor espacio del cuadro (en los charcos, en el cielo, etc) creando armonía y
vivacidad en todo el cuadro, como conjunto.

Entre los diversos elementos en blanco y negro del cuadro, podemos encontrar diversos personajes, de diferentes edades
que parecen incluso pegados a manera de collage, como si no pertenecieran al entorno de la pintura. Hay un hombre
mayor, con un aspecto relajado y de traje militar, una mujer saltando con los brazos estirados hacia atrás que demuestra
libertad, ganado dispuesto en perspectiva, lo cual le da una profundidad de fondo a la pintura, una pareja bailando, un
hombre hablando por teléfono, tres niños mirando al cielo en donde se encuentra el busto de un ángel flotando.

En general, el entorno es el de una playa, o la ribera de un río. El clima es cálido (por los colores y la iluminación), y en el
centro hay una fogata, a la derecha un florero, y en el fondo, un restaurant de comida rápida (McDonalds). En letras
flotantes, el artista ha escrito ͞You͛re not part of this experience͟ (Tú no eres parte de esta experiencia, en inglés).

En mi opinión la pintura representa tanto alegría como desorden, que viven las personas de épocas pasadas que les ha
tocado vivir en la vorágine de los años 2000. Mezcla lo moderno con lo retro. Algunas personas se sienten extranjeras y esas
con las que no forman parte de la experiencia.
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En esta pintura, lo primero que se aprecia es el contraste de tonos (el sepia de los personajes, los colores vivos, y los mate).
Este contraste es dado por el aspecto fuerte y grueso que el carboncillo le da a los trazos. En primer plano podemos ver en
el centro a un indio nativoamericano, indicándole algo al hombre que está a su lado, que por su aspecto y por lógica, parece
un colono inglés.

En la pintura hay diferentes símbolos, como el logo de McDonalds, una diana pintada en el piso, el dedo de Dios en la
creación según Miguel Ángel, un avión cayendo en picada, un remolino y al lado un desierto árido, con un animal dormido
que sueña eróticamente.

En mi opinión el autor, usando buenas técnicas en el manejo del color mediante acrílicos y carboncillo, ha querido
representar múltiples cosas. Su influencia del surrealismo y el simbolismo es obvia. Dennota, a mi parecer, la educación de
los tiempos modernos que une la historia al caos de la realidad, y la pobreza de escencia que las personas de hoy en día
parecen tener, viviendo en un mundo tan superficial.
 
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Lo primero que pensé al ver este cuadro, es que era demasiado parecido a ͞Guernica͟ de Pablo Picasso.

El haber dispuesto sus elementos desde diferentes ángulos como una típica pintura cubista, le quita la profundidad de
fondo al cuadro, pero a la vez le da una complejidad única. Se aprecia en general a una cruenta guerra, posiblemente la
guerra de conquista española que dio origen a la América colonial durante el siglo XVI. Al igual que en ͞Guernica͟ son
visibles algunas mutilaciones de humanos y animales, así como armas y mucha sangre.

El tono de colores que usa varía desde el coral, pasando por el cobre y terminando con un fondo negro. Aunque también se
aprecian tonos de azules con motivo de representar y diferenciar a los indígenas de los españoles y sus costumbres de
pintarse la cara en ocasiones bélicas.

El cuadro es cruento, brutal

En mi opinión es un cuadro muy violento, poco original pero ingenioso al intentar adaptar y comparar la guerra civil
española con la guerra de conquista americana. El autor quizás quiso representar una igualdad entre la brutalidad de las 2
guerras, así como hacer notar que tuvieron los mismos personajes causantes: los españoles.
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Esta escultura, llamada ͞Columna vertebral͟ no fue tallada con una intención anatómica-descriptiva de la artista, sino que
más bien se basó en la columna vertebral para crear un tallado en madera que se asemeje, y que en ojos del espectador de
lugar a la imaginación.

Se fantasea con una estructura fuera de lo común, y el espectador diverge en los detalles, en los contrastes de las
dimensiones por sectores. Pasa de largo en la base y se detiene en las múltiples formas que le añaden los conceptos de
equilibro u armonía al tallado.

La artista intenta romper los esquemas al combinar la dureza y rusticidad del diseño con la fineza del acabado, y hace que el
espectador se pregunte ¿Qué tipo de columna vertebral representa esta escultura? ¿Una mera descripción en un plano
anatómico, o trasciende a los sectores filosóficos en los que la mente humana organiza sus pensamientos prioritarios?

La artista nos ofrece un perfecto concepto de simetría y mezcla diversas formas que parecen sacadas de lo irreal de un
sueño sobre los antiguos tótems americanos, nos lleva a lo primitivo con el material usado y nos devuelve a los tiempos
actuales con la complejidad.

En mi opinión, la artista ha deseado representar a la ͞columna vertebral͟ de la realidad de hoy en día. Desordenada, fuerte,
quizás inteligible para algunos pero simétrica, tal y como lo son todas las cosas naturales que existen en el mundo natural.