Franco Donatoni (1927-2000)

Alfred, Alfred (1995)

Bevor wir uns spezifisch mit dem Stück befassen, wird es nützlich sein, die Entwicklung von Franco
Donatonis Musik und Gedanken kurz durchzugehen, um das Stück innerhalb seiner
Musikproduktion besser einzuordnen.

Seine Musik wurde ursprünglich von Bartók beeinflusst (dies brachte ihm den Spitznamen
"Donatok" ein, als er bei Petrassi in Rom studierte!) und erlebte dann eine drastische
Veränderung, als er in der zweiten Hälfte der 1950er Jahre mit dem musikalischen Umfeld der
Darmstädter Schule in Kontakt kam. Die Stücke dieser Zeit sind strukturalistisch und nehmen
Boulez und Stockhausen als Modell. 1962 markiert das Treffen mit Cage den eigentlichen
Wendepunkt in Donatonis Musik, das heißt den Beginn (parallel zu einer der Perioden von Angst
und Depression, die sich im Laufe seiner Existenz immer wieder wiederholen werden) seiner
"negativen Periode", deren Grundlagen sich im Gedanke von Kafka und Beckett und in der
negativen Dialektik von Adorno finden (Donatoni hatte ihn ebenso bei den Darmstädter
Ferienkursen kennengelernt). In den Werken dieser Zeit ist das zentrale Thema die "Enthaltung
vom Willen", aber der Ansatz steht im Widerspruch zu dem von Cage: "negativ" zu komponieren
heißt für Donatoni, sich emotional von den musikalischen Ergebnissen zu distanzieren, die er
erzielt, weshalb fehlt ihm völlig der kontemplative Aspekt und die Akzeptanz der Ergebnisse der
cageschen Nicht-Komposition. Der nächste Schritt wird die Gleichgültigkeit gegenüber dem
Material sein: Donatoni leitet das musikalische Material aus bereits vorhandenen Kompositionen
anderer Autoren oder aus seinen eigenen ab und unterwirft es willkürlichen Verfahren
(Fragmentierung, Re-komposition, Retrogradation, Überlagerung usw.).
Die zweite große Saison seiner Produktion ist die der "spielerischen Übung der Erfindung"
(esercizio ludico dell’invenzione), in der ab Mitte der siebziger Jahre eine positive
Herangehensweise an die Komposition wiederhergestellt wird. Donatoni gelingt es, die in der
negativen Zeit entwickelten kompositorischen Verfahren (proliferative Codes und Automatismen)
und die Numerologie mit musikalischer und poetischer Intuition zu kombinieren. Die Produktion
dieser Zeit (hauptsächlich Kammermusik) ist überraschend umfangreich und die bekannteste und
am meisten gespielte und gleichzeitig die, die ihn zu internationalem Erfolg geführt hat.

Wenn wir nun zu dem betreffenden Stück kommen, sollte zunächst hervorgehoben werden, dass
Donatonis Beziehung zur Oper und allgemein zur Vokalmusik während seiner Karriere nicht immer
einfach war. Tatsächlich sind für einen Komponisten mit einem Oeuvre von fast zweihundert
Kompositionen etwa zwanzig Vokalmusikstücke (einschließlich der beiden Opernwerke)
überraschend wenig. Darüber hinaus ist anzumerken, dass alle Vokalwerke, mit Ausnahme eines
Stücks aus dem Jahr 1959, Teil der zweiten Periode (insbesondere in den 80er und 90er Jahren)
sind. Dies ist ein Hinweis darauf, dass Donatoni sich im Umgang mit literarischen Texten und mit
Vokalschreiben wahrscheinlich erst dann wohl gefühlt hat, wenn er durch die vollständige
Beherrschung der Techniken eine gewisse Sicherheit des Komponierens erlangt hatte.
Sein erstes Opernwerk, Atem (1984), für das Teatro La Scala von Mailand komponiert, ist vielleicht
nicht eines der erfolgreichsten Werke von Donatoni, und er selbst definierte es als „weiße
Hochzeit“ zwischen seiner Musik und der Bühne. Der Wunsch, die Beziehung zwischen Komponist
und Subjekt aufzuheben, wird durch die Schaffung eines Musiktheaterstück ohne Handlung
erreicht, in der der "spektakuläre" Effekt durch das Ergebnis der "Inszenierung" seiner Musik
erzielt werden musste (Donatoni hat tatsächlich in dieser Oper die meisten seiner
Instrumentalwerke benutzt, die in den vorherigen Jahren komponiert wurden).
Die Oper Alfred, Alfred, Donatonis zweites und letztes Opernwerk, wurde 1995 aus einem eigenen
Libretto komponiert und 1998 in Straßburg uraufgeführt. In diesem Fall beschließt Donatoni, das
Stück auf eine eher traditionelle Art und Weise einzurichten: Das Thema ist eine Episode aus
seinem persönlichen Leben, insbesondere die Krankenhauseinweisung wegen diabetischem Koma
im „Alfred Hospital“ in Melbourne, Stadt, wo der Komponist einige Kurse unterrichten sollte.
Donatoni beschreibt, wie er sich während seines Krankenhausaufenthaltes in einer Art Theater
fühlte und wie er spontan alles sorgfältig aufzeichnete, was um ihn herum geschah (vielleicht eine
Folge des sehr restriktiven Ernährungsregimes?), und dabei notierte, was Ärzte,
Krankenschwestern, Freunde, Besucher ihm sagten und rief so das Libretto der Oper auf völlig
spontane Weise Leben. Der Protagonist ist daher Donatoni selbst (er hat tatsächlich in den ersten
Aufführungen teilgenommen), der die verschiedenen Charaktere von seinem Krankenhausbett in
der Mitte der Bühne schweigend beobachtet, die ihn abwechselnd besuchen. Unter diesen haben
wir vier Krankenschwestern plus die
Oberschwester, die zwei Ärzte und die drei
gesprochenen Rollen von
Freundinnen/Besucherinnen (Maristella degli
Spiri, Tosca Fosca la Formosa, Rosa Shock).
Darüber hinaus mehrere stille Rollen,
darunter Freunde, Kranke, Besucher und
Medizinstudenten.

Was die musikalischen Seite der Oper angeht,

wollte Donatoni (wie in seinem ersten Werk
für das Musiktheater) keine neue Musik
komponieren, da er gegen die Oper war, und entschied sich daher, Material aus
Instrumentalstücken (den drei Refrain für Ensemble) zu entnehmen und die Gesangsteile darüber
hinzufügen. Es sollte beachtet werden, dass es für Donatoni ganz üblich war, ein Stück ausgehend
von Materialien eines vorherigen Stücks zu beginnen, während in diesem Fall die Besonderheit
darin besteht, dass er Stücke vollständig genommen und das gesamte musikalische Material unter
Verwendung von „Borroughsianische“ Techniken wie cut-up und fold-in wiederverwendet hat. Um
mehr Geschwindigkeit zu erreichen (»weil ich lange Dinge nicht mag«), hat Donatoni das Stück,
das insgesamt ungefähr 28 Minuten dauert, in 7 Szenen und sechs Intermezzi unterteilt. Jeder
Abschnitt dauert daher ungefähr zwei Minuten. Es gibt immer einen Figurwechsel zwischen einem
Abschnitt und dem nächsten. Jeder Abschnitt des Werkes enthält immer nur eine Figur und in den
Intermezzi werden die Stimmen vom Kommentar eines solo Instruments begleitet. Das Finale ist
ein italienisches Concertato, das vom gesamten Vokalensemble im Proszenium gesungen wird und
ist eine Hommage an das Finale von Verdis Falstaff (die letzte der verschiedenen Referenzen an
die klassische Musik oder Oper, die Donatoni in dem gesamten Stück macht, beginnend mit dem
Titel, der sich sofort an La Traviata bezieht): »Tutto nel mondo è burla« (Alles auf der Welt ist ein
Witz) wird zu »Il diabete è una burla, ma a me non danno a berla!« (Diabetes ist ein Witz, aber ich
lasse mir doch keinen Bären aufbinden!).

Der Eindruck, den man durch das Hören von Donatonis Werk bekommt, ist eines surrealen
Kabaretts, in dem sich die verschiedenen Charaktere hektisch abwechseln. Die für Donatonis
Musik typischen Klarheit und Trockenheit spiegeln sich in der Prägnanz und Offenheit der Linien
seiner Charaktere und das Schwärmen und Verwickeln der Instrumentallinien in der rasenden
Geschwindigkeit wider, mit der die flüchtigen Interventionen der einzelnen Charaktere
aufeinander folgen. Die Charakterisierung der Figuren ist eindeutig ein Hinweis auf die italienische
opera buffa, und die Komik der auftretenden Situationen ist ebenso einfach wie überwältigend.
Bei alledem lässt sich der Komponist als Protagonist der Oper von den anderen alles Mögliche
sagen: "Sie sind fett, zu fett!" von einer Krankenschwester; "Sind Sie ein Komponist? Ich mag keine
zeitgenössische Musik! Beethoven, Verdi und Wagner sind zu modern, ich komme bis zu Bellini ... "
von der Oberschwester; " Wenn du so tust, bist du ein Rüpel! [...] Du bist wirklich ein unhöfliches
Kind, du hast kein Verantwortungsbewusstsein! " von einer Freundin.

Wenn man die Oper mit den Stücken vergleichen möchte, die während unseres Seminars
analysiert wurden, ist es leicht zu erkennen, wie dies auf einer viel weniger experimentellen Ebene
platziert werden kann. Tatsächlich enthält es keine Elemente von elektronischer Musik, die
dagegen in fast allen von uns diskutierten Werken vorhanden waren (Donatoni hat nie Interesse
an elektroakustische Musik gezeigt, und durch Überprüfung des Korpus seiner Kompositionen
findet man nur ein Werk, Quartetto III, das den Einsatz von Elektronik vorsieht) und ebenso keine
Multimedialität. Das Stück verwendet ein relativ gewöhnliches Instrumental- und Vokalensemble
und ein ziemlich einfaches und traditionelles Bühnenbild (das Krankenhauszimmer). Das
überhaupt nicht kryptische Libretto präsentiert keine große literarische Virtuosität und verwendet
ein absolut leicht verständliches, fast umgangssprachliches, oft stilisiertes/vereinfachtes
Sprachregister (dies trägt viel dazu bei, die für dieses Werk so typische surreale Atmosphäre zu
schaffen). Die Stimmen werden gemäß den Kanonen des avantgardistischen Vokalschreibens
verwendet, jedoch ohne besondere Effekte und sogar ohne Überlappung, außer in der letzten
Szene. Darüber hinaus zögert Donatoni nicht, mehrere Zitate aus dem klassischen Repertoire
(Sacre du Printemps, Rigoletto, Il Trovatore, La Traviata, verschiedene Themen aus Vivaldis
Jahreszeiten, Till Eulenspiegel...) mit offensichtlicher ironischer Absicht einzufügen.
Ein Aspekt, den dieses Stück mit einigen der von uns analysierten Stücke (FRAME, iScreen,
YouScream !, Staged Night) gemeinsam hat, ist die Verwendung eines reduzierten
Instrumentalensembles anstelle des Sinfonieorchesters, was in letzter Zeit (möglicherweise sogar
aus Budgetgründen) in der Tat eine Lösung ist, die von vielen Komponisten angenommen wird.
Es ist immer noch wahr, dass die während des Seminars diskutierten Werke alle aus den 2010er
Jahren stammen, so dass der Vergleich mit einem Werk von fünfzehn bis zwanzig Jahren früher
möglicherweise nicht viel Sinn macht. Außerdem war Donatoni bereits sehr alt und am Ende
seiner Karriere, als er das Werk komponierte und es sollte auch daran erinnert werden, dass er ein
Komponist ist, der sich mit Ausnahme der ersten Kompositionsperiode, in der er einige
Komponisten (Bartók, Boulez und Stockhausen) als Vorbilder nahm, immer auf seinen eigenen
musikalischen Weg konzentriert hat, ohne jemals großes Interesse in der Musik seiner
Zeitgenossen zu zeigen und ohne davon beeinflusst zu werden; es ist wahrscheinlich, dass er diese
Haltung auch beim Ansatz an die Oper einnahm, deswegen ist das Stück ziemlich weitentfernt von
den Trends des Musiktheaters am Ende des XX. Jahrhundert und noch mehr von den uns
analysierten Opern.

Die antiakademische und nicht anspruchsvolle Haltung des Menschen Donatoni, seine Selbstironie
und seine Fähigkeit, sich selbst nicht zu ernst zu nehmen, spiegeln sich perfekt in diesem Stück
wider, in der sich eine persönliche Geschichte von Gesundheitsproblemen zum Ausgangspunkt für
tragikomische Reflexionen über den Menschen und seine eigene Natur werden kann. Meiner
Auffassung nach ist es erstaunlich, wie diese Oper unter einem bestimmten Gesichtspunkt, der so
einfach ist, das spontane Lachen des Hörers anregen und ihn gleichzeitig tief treffen kann, indem
der Komponist selbst auf der Bühne seine Krankheit und sein Leiden inszeniert (offensichtlich galt
dies nur für diejenigen, die das Glück hatten, an den ersten Aufführungen teilnehmen zu können)
und ich denke, dass dieses Stück unter Berücksichtigung aller oben dargelegten Aspekte ein
hervorragendes Zeugnis dafür ist, dass eine einfache Idee letztendlich immer eine große Wirkung
haben kann und es nicht unbedingt notwendig ist, sich als Komponist die kompliziertesten Sachen
auszudenken.

Linksammlung

https://www.youtube.com/watch?v=0cVZv8U7Wf0
https://www.aaa-angelica.com/aaa/wp-content/uploads/scheda_FRANCO_DONATONI-VOCI-V.pdf
http://www.renzocresti.com/dettagli.php?quale=3&quale_dettaglio=85
https://ita.calameo.com/read/005015402181f5489b745

Bibliografie

Enzo Restagno (Hrsg.): Donatoni. EDT, Torino 1990