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Trio Opus 100

Sonatensatz & Notturno

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Franz Schubert and Egon Schiele share an uncanny connection. These two distinctly Viennese
giants, separated by almost a century, delved into the deepest sources of their torment and
confronted life’s tragic trajectory, before they succumbed to illness at the age of 30 and 28
Se Solen Sjunker (The Sun Is Sinking), the Swedish folk song that moved Schubert and forms
the base of his Op.100 trio, evokes similar existential themes to Schiele’s Versinkende Sonne (The
Sinking Sun) – the inevitable ebbing away of life and stoic acceptance of fate.

Franz Schubert et Egon Schiele partagent une étrange relation. Ces deux géants typiquement
viennois, que près d’un siècle sépare, ont plongé dans les sources les plus profondes de leur
tourment et affronté la trajectoire tragique de la vie avant de succomber à la maladie à l’âge
de trente ans pour l’un et vingt-huit pour l’autre.
Se Solen Sjunker (Le soleil se couche), la chanson populaire suédoise qui émut Schubert et
forme la base de son Trio op. 100, évoque des thèmes existentiels similaires à ceux de Versinkende
Sonne (Soleil couchant) de Schiele – l’inévitable reflux de la vie et l’acceptation stoïque du

Zwischen Franz Schubert und Egon Schiele besteht eine merkwürdige Verbindung. Diese beiden
Wiener Giganten, zwischen denen fast ein Jahrhundert liegt, sind den tiefsten Ursachen ihrer
Qualen auf den Grund gegangen und haben sich einem tragischen Lebensweg gestellt, noch ehe
sie im Alter von 30 bzw. 28 Jahren einer Krankheit erlagen.
Se Solen Sjunker (Die Sonne sinkt), das schwedische Volkslied, das Schubert zutiefst berührte
und das die Grundlage seines Trios op. 100 bildet, evoziert ähnliche existenzielle Themen wie
Schieles Versinkende Sonne – das unvermeidliche Vergehen des Lebens und die stoische Annahme
des Schicksals.
busch trio
franz schubert

piano trio in e flat major, op.100, D.929

1 I. Allegro 16’01
2 II. Andante con moto 9’38
3 III. Scherzando. Allegro moderato 6’54
4 IV. Allegro moderato 14’57

5 piano trio in B flat major, D.28 ‘sonatensatz’ 7’20

6 notturno in e flat major, D.897 10’53


busch trio
mathieu van bellen violin
G.B. guadagnini, turin, 1783 ‘ex-adolf busch’
ori epstein cello
G.B. ceruti, cremona 1815
omri epstein piano

schubert’s flash of lightning in the darkness
by tully potter
During the eight decades after his death, Franz Schubert was much underestimated. Composers
such as Schumann, Brahms and Dvořák appreciated his stature but the public were sold the
picture of a jolly Biedermeyer figure, entertaining gatherings of his friends at the piano or scribbling
songs on any paper that came to hand. As this disc showcases the Busch Trio, it is worth noting
that Adolf Busch was one of the first performers to plumb the depths of Schubert’s anger and
despair, especially in the late chamber works such as the E flat Trio, written when he knew he was
doomed to die from syphilis. The original Busch Trio (Rudolf Serkin and brothers Adolf and Herman
Busch) loved this trio more than any other in their repertoire and recorded it in 1935 and 1951.
Schubert wrote two large-scale piano trios. In a fascinating 1836 article, Robert Schumann
characterised the B flat as ‘passive, lyrical and feminine’, the E flat as ‘more spirited, masculine
and dramatic ... like an angry meteor flashing across the musical life of that time’. We can
assume both date from the composer’s penultimate year, 1827; although the manuscript of
the often charming B flat is lost, that of its rejected Adagio survives and is written on the paper
Schubert was using that year. About the darker E flat there is no doubt: we have the final
manuscript and a working draft of the first three movements, and it was one of only a handful of
his works that the composer heard performed. It was issued by Leipzig publisher Heinrich Probst
but copies did not reach Schubert before his unexpected death from typhoid.
In tackling a piece of this size in November 1827, Schubert was aware of a giant shadow
looming over his shoulder, as Beethoven had died in March. Schubert was apparently attempting
to match the great man’s ‘Archduke’ Trio in B flat, and in scale and intensity he succeeded; but,
Schubert being Schubert, a Viennese joy in melody kept breaking in, and he ended up with a
work of prodigious length.
The Allegro alternates bursts of intensity with deeply felt quieter passages. It opens positively
with a unison motif which is then largely set aside – the second strand in the first subject, pliant
and poignant, is used much more. The yielding second subject moves into the distant key of B
minor with a dotted theme. Schubert briefly alludes to his song ‘Sei mir gegrüsst’ before bringing
in a very Viennese motif on the cello: he indulges in some development as he goes along, but the
real development revisits B minor and expands greatly on the first subject’s second strand. After
the recapitulation the unison idea returns in the brief coda, which ends quietly.
The C minor Andante con moto is a march in trudging Winterreise mood, based on the Swedish
folksong ‘Se solen sjunker’, which Schubert had heard tenor Isak Albert Berg sing at the Fröhlich
family home. The piano sets the mood and tempo and the cello takes up the march. The violin’s
first solo is delayed but when it comes, Schubert gives it music of radiant beauty – Adolf Busch
was unforgettable here. After a violent outburst, the players ruminate on the march theme; the
music builds in intensity into a tragic climax, the violin theme comes back on the strings and,
following one more outburst, this great movement dies away in threatening mutterings before
coming to terms with the tragedy.
The Scherzando is a teasing, not-entirely-strict canon between piano and strings. Its A flat Trio,
a stamping peasant dance, incorporates a little waltz and this movement brings relief from the
Angst that precedes it, although Schubert’s harmonies are often bitter-sweet. ‘The Minuet [must
be played] at a moderate pace,’ he wrote to Probst, ‘and piano throughout; the Trio, on the other
hand, forcefully, apart from the indicated p and pp.’
The mood of relief is at first continued by the finale, a rather loose sonata structure which starts
with an innocent theme but soon goes spinning off, via a staccato theme, into an astonishing
richness of moods, jaunty, stern, nostalgic, sad – it takes in reminiscences by the cello of the
Andante’s march theme. Originally it lasted 20 minutes but after criticisms, Schubert cancelled
the indication that the exposition was to be repeated and cut 98 bars from the development.
In recent years ensembles including the Busch Trio have started going the whole hog. Violinist
Mathieu van Bellen comments: ‘We play the full original version of the finale, however we did
decide to omit the exposition repeat. We originally learned the piece with the cut, but it misses a
huge harmonic progression as a result, and we feel the original version completes this and also
makes the end of the piece even stronger – once we learned it there was obviously no way back.’
Schubert was lucky in his first interpreters: pianist Karl Maria von Bocklet; the great violinist and
friend of Beethoven, Ignaz Schuppanzigh; and the Schuppanzigh Quartet cellist, Josef Linke.
The E flat was probably the trio played by these luminaries at a Musical Society concert on 26
December 1827, at Schuppanzigh’s apartment early in January 1828, and at Josef von Spaun’s
engagement party on 28 January. It was certainly included in the all-Schubert public concert
on 26 March, from which the composer gained kudos and welcome cash. Schubert offered it to
the Mainz firm Schott, one of two publishers who had approached him in February, but it was
turned down as being too long. Probst accepted it, but for a reduced fee. Posterity has valued it
more highly.
The other pieces make pleasing encores. The confident sonata Allegro in B flat, D28, shows
the 15-year-old Schubert’s talent – he could already correct himself with discernment, judging
from the manuscript. The evocative Nocturne in E flat, D897, is clearly the first attempt at a slow
movement for the B flat Trio, D898. It is not equal to the Andante he wrote as a replacement, but
it does foreshadow his great C major Quintet, D956, in its treatment of the strings.
busch trio
After attending a string quartet performance, Johann Wolfgang von Goethe wrote: one
hears four intelligent people exchanging views. Indeed, the essence of chamber music is
communication. We have known this for a long time; even from before the time Goethe wrote
that lofty phrase. Small wonder, then, that encounters in the world of chamber music often
develop into friendships. The reverse is far more unusual: when, from among a group of
school friends with a range of everyday hobbies, a chamber music ensemble emerges that
reaches the highest level on the international stage in very little time.

This is how the Busch Trio came into existence, an ensemble which in recent years has developed
into a leading piano trio. Mathieu van Bellen, Ori Epstein and Omri Epstein met in London during
their studies. They became friends and, before long, were inseparable. ‘This trio is the fruit of
a friendship that has existed for years’.

Its name Busch Trio is derived first and foremost from Mathieu’s violin, the ‘ex-Adolf Busch’
G.B. Guadagnini, but also from Adolf Busch, the shining example for the young trio.

Eberhard Feltz, Sir András Schiff and the Artemis Quartet have contributed to the development
of the Busch Trio, as has the Queen Elisabeth Music Chapel in Brussels. The Busch Trio members
have now reached a stage in which they primarily learn from each other, during rehearsals
that largely consist of sharing thoughts and views about music. ‘The more you know, the
more freedom you feel’ is one of the key maxims of the ensemble.

Since its formation in 2012, the Busch Trio has regularly appeared on major stages and
festivals throughout Europe. Their many years of fruitful collaboration with Alpha Classics
have resulted in a series of four CDs covering the complete works of Antonín Dvořák for
piano and strings.

The Busch Trio has played with the Warsaw Symphony Orchestra led by Karina Canellakis, and
with Michael Collins, Bruno Giuranna, Gregor Sigl and Miguel da Silva.

l’éclair dans la nuit de schubert
par tully potter
Pendant les quatre-vingts années qui ont suivi sa mort, Franz Schubert est resté très sous-

estimé. Des compositeurs comme Schumann, Brahms et Dvořák appréciaient certes sa stature,
mais le public gardait l’image d’un joyeux personnage Biedermeyer, qui jouait du piano pour
ses amis réunis ou griffonnait des mélodies sur tout morceau de papier qui lui tombait sous
la main. Comme ce disque est consacré au Trio Busch, il n’est pas inutile de rappeler qu’Adolf
Busch fut l’un des premiers interprètes à sonder les profondeurs de la colère et du désespoir de
Schubert, surtout dans les œuvres de chambre tardives comme le Trio en mi bémol, écrit alors
qu’il se savait condamné par la syphilis. Le Trio Busch originel (Rudolf Serkin et les frères Adolf
et Herman Busch), qui aimait ce trio plus qu’aucun autre à son répertoire, l’enregistra en 1935
et 1951.
Schubert écrivit deux grands trios avec piano. Dans un fascinant article de 1836, Robert
Schumann décrivait le Trio en si bémol comme «  passif, féminin, lyrique  », et celui en mi
bémol comme « actif, masculin, dramatique [...] tel un phénomène céleste furieux traversant
la vie musicale de son temps ». On peut supposer que tous deux datent de l’avant-dernière
année du compositeur, 1827 ; bien que le manuscrit du Trio en si bémol, souvent charmant,
soit perdu, celui de son Adagio rejeté subsiste et est noté sur le papier que Schubert utilisait
cette année-là. Pour le Trio en mi bémol, plus sombre, il n’y a pas de date : nous avons le
manuscrit définitif ainsi qu’un brouillon des trois premiers mouvements, et c’est l’une de ses
rares œuvres que le compositeur ait entendu exécuter. Elle fut publiée par l’éditeur leipzigois
Heinrich Probst, mais les exemplaires ne parvinrent pas à Schubert avant que la typhoïde ne
l’emporte prématurément.
En abordant une œuvre d’une telle envergure en novembre 1827, Schubert avait conscience de
l’ombre gigantesque qui pesait sur ses épaules, car Beethoven était mort en mars seulement.
Schubert tentait apparemment d’égaler, en proportions et en intensité, le « Trio à l’archiduc »
en si bémol du grand compositeur, et il y parvint ; mais, Schubert étant Schubert, une joie toute
viennoise ne cessa de faire irruption dans la mélodie, et il se retrouva avec une œuvre d’une
longueur prodigieuse.
L’Allegro alterne des éclats d’intensité avec des passages plus tranquilles profondément

expressifs. Il débute activement, avec un motif à l’unisson qui est ensuite mis de côté, dans
une large mesure – la seconde partie du premier thème, souple et poignante, est utilisée bien
davantage. Le deuxième thème, plus souple, va vers la tonalité éloignée de si mineur avec un
motif pointé. Schubert fait brièvement allusion à son lied Sei mir gegrüsst avant d’introduire un
motif très viennois au violoncelle : il le développe un peu en avançant, mais le développement
véritable retourne à si mineur et élabore considérablement la deuxième partie du premier thème.
Après la réexposition, l’idée à l’unisson revient dans la brève coda, qui se termine paisiblement.
L’Andante con moto est une marche dans le climat pesant du Winterreise, fondée sur un chant
populaire suédois, Se solen sjunker, que Schubert avait entendu chanter par le ténor Isak
Albert Berg dans la demeure familiale des Fröhlich. Le piano définit l’ambiance et le tempo,
et le violoncelle entonne la marche. Le premier solo de violon est retardé, mais lorsqu’il arrive,
Schubert lui confie une musique d’une beauté radieuse – Adolf Busch était inoubliable ici. Après
un éclat violent, les musiciens méditent sur le thème de marche  ; la musique progresse en
intensité jusqu’à une culmination tragique, le thème de violon revenant aux cordes ; après une
nouvelle éruption, ce grand mouvement s’éteint dans des grommellements menaçants avant
d’affronter la tragédie.
Le Scherzando est un canon aguichant, pas tout à fait strict, entre piano et cordes. Quant au trio,
en la bémol, c’est une robuste danse paysanne qui incorpore une petite valse et apporte un répit
après l’angoisse du mouvement précédent, bien que les harmonies de Schubert soient souvent
douces-amères. « Le menuet [doit se jouer] à une allure modérée, écrit-il à Probst, et piano tout
du long ; le trio, en revanche, avec vigueur, mis à part le p et le pp indiqués. »
Le répit se prolonge au départ dans le finale, une forme sonate assez lâche, qui commence avec
un thème innocent, mais plonge bientôt, au moyen d’un motif staccato, dans des ambiances
étonnamment variées – tour à tour guilleret, sérieux, nostalgique, triste –, avec des réminiscences
du thème de marche de l’Andante au violoncelle. Il durait à l’origine vingt minutes, mais, après
des critiques, Schubert supprima l’indication de reprise de l’exposition et coupa quatre-vingt-
dix-huit mesures du développement. Depuis quelques années, les ensembles, dont le Trio
Busch, commencent à voir les choses en grand. « Nous jouons la version originale complète du

finale, explique le violoniste Mathieu van Bellen, mais nous avons décidé d’omettre la reprise
de l’exposition. Nous avons appris l’œuvre au départ avec la coupure, mais le résultat est qu’il
manque alors une immense progression harmonique ; nous avons le sentiment que la version
originale la restitue, et rend la fin de l’œuvre encore plus forte – une fois que nous l’avons eu
apprise, il n’y avait manifestement pas moyen de revenir en arrière. »
Schubert eut de la chance avec ses premiers interprètes : le pianiste Karl Maria von Bocklet,
le grand violoniste et ami de Beethoven Ignaz Schuppanzigh, et le violoncelliste du Quatuor
Schuppanzigh, Josef Linke. Le Trio en mi bémol est probablement celui que jouèrent ces illustres
musiciens lors d’un concert du Musikverein le 26 décembre 1827, puis dans l’appartement
de Schuppanzigh au début de janvier 1828, et ensuite aux fiançailles de Josef von Spaun le
28 janvier. Il figurait certainement au programme du concert public entièrement consacré à
Schubert donné le 26 mars, qui lui valut des éloges et un peu d’argent bienvenu. Schubert
proposa sa partition à la firme Schott, de Mayence, l’un des éditeurs qui l’avaient sollicité en
février, mais celle-ci la refusa parce qu’elle était trop longue. Probst l’accepta, mais à un prix
moindre. La postérité la tient en plus haute estime.
Les autres pièces sont d’agréables bis. L’Allegro de sonate en si bémol, D. 28, montre le talent
du jeune Schubert de quinze ans – déjà capable de se corriger avec discernement, à en juger
d’après le manuscrit. L’évocateur Nocturne en mi bémol, D. 897, est à l’évidence la première
tentative de mouvement lent pour le Trio en si bémol, D.  898. Il n’égale pas l’Andante que
Schubert écrivit pour le remplacer, mais préfigure son grand Quintette en ut majeur, D. 956,
dans son traitement des cordes.
busch trio
L’essence de la musique de chambre, c’est la communication. Johann Wolfgang von Goethe ne
fut pas le premier à le penser lorsqu’il écrivit dans une lettre après un concert d’un quatuor
à cordes : « vous entendez quatre personnes intelligentes qui échangent leurs points de

vue. » Ces mots devenus célèbres, rien d’étonnant à ce que des amitiés se nouent à la suite
de rencontres dans le monde de la musique de chambre. En revanche, il est plutôt inhabituel
que le contraire se produise, comme lorsqu’un groupe d’amis partageant des passions plutôt
banales crée un ensemble de musique de chambre qui, en quelque temps, atteint le haut de la
scène internationale.

C’est pourtant ainsi qu’est né le Busch Trio, qui est devenu, après quelques années seulement,
un trio de premier plan. Mathieu van Bellen, Ori Epstein et Omri Epstein se sont rencontrés à
Londres. Très vite, il se sont liés d’amitié et sont devenus inséparables. « Ce Trio est le fruit
d’une amitié vieille de nombreuses années. »

Le nom « Busch Trio » vient tout d’abord du violon avec lequel Mathieu joue – un violon Guadagnini
(ex-Adolf Busch), et ensuite de la personnalité du musicien Adolf Busch, qui sert d’exemple à
ce jeune trio.

Des personnalités comme Eberhard Feltz, Sir András Schiff et le Quatuor Artemis ont
également inspiré le Trio. La Chapelle Musicale Reine Elisabeth à Waterloo a aussi contribué à
sa formation. Désormais, les trois compères apprennent essentiellement les uns des autres
lors de leurs répétitions, « plus on en sait, plus on est libre », tel est l’un des préceptes de

Depuis sa création en 2012, le Busch Trio est régulièrement invité sur les grandes scènes et aux
principaux festivals d’Europe. Une série de quatre CD reprenant les œuvres complètes pour
piano et cordes de Dvořák est le résultat d’une collaboration avec le label Alpha.

Le Busch Trio a collaboré avec l’orchestre symphonique de Varsovie sous la baguette de

Karina Canellakis, puis avec Michael Collins, Bruno Giuranna, Gregor Sigl et Miguel da Silva.

schuberts lichtblitz in der dunkelheit
von tully potter
In den acht Jahrzehnten nach seinem Tod wurde Franz Schubert erheblich unterschätzt.
Komponisten wie Schumann, Brahms und Dvořák hielten viel von ihm, aber das Publikum
liebte die Vorstellung einer fröhlichen Biedermeyer-Figur, der bei Zusammenkünften mit seinen
Freunden den Unterhalter am Klavier gab oder Lieder auf jedes Papier kritzelte, das ihm in die
Hände fiel. Da diese CD das Busch-Trio vorstellt, ist es erwähnenswert, dass Adolf Busch einer
der ersten Interpreten war, der die Tiefen von Schuberts Zorn und Verzweiflung auslotete, vor

allem in den späten Kammermusikwerken wie dem Es-Moll-Trio, das entstand, als Schubert
bereits wusste, dass er zum Tod durch die Syphilis verurteilt war. Das ursprüngliche Busch-Trio
(Rudolf Serkin und die Brüder Adolf und Herman Busch) liebte dieses Trio mehr als jedes andere
in ihrem Repertoire und nahm es 1935 und 1951 auf.
Schubert schrieb zwei groß angelegte Klaviertrios. In einem faszinierenden Artikel aus dem
Jahr 1836 charakterisierte Robert Schumann das B-Dur-Trio als „leidend, weiblich, lyrisch“, das
Es-Dur als „mehr handelnd, männlich, dramatisch... wie eine zürnende Himmelserscheinung,
die über damalige Musiktreiben hinwegging“. Man kann davon ausgehen, dass beide 1827
entstanden sind, also im vorletzten Lebensjahr des Komponisten; obwohl das Manuskript des
oft reizvollen B-Dur-Trio nicht erhalten ist, existiert dasjenige des verworfenen Adagios noch
und ist auf dem Papier geschrieben, das Schubert in jenem Jahr benutzte. Über das dunklere
Es-Dur-Trio besteht kein Zweifel: Das endgültige Manuskript und ein Arbeitsentwurf der ersten
drei Sätze sind überliefert, und es war eines von nur einer Handvoll seiner Werke, die der
Komponist aufgeführt hörte. Es wurde vom Leipziger Verleger Heinrich Probst herausgegeben,
aber Schubert erhielt keine Exemplare vor seinem unerwarteten Tod an Typhus.
Als Schubert im November 1827 ein Werk dieser Größenordnung in Angriff nahm, war er sich
des übergroßen Schattens bewusst, der ihm über die Schulter fiel, da Beethoven im März
gestorben war. Offenbar versuchte Schubert, dem „Erzherzog-Trio“ in B-Dur des großen Meisters
was ihm in Umfang und Intensität auch gelang; aber, da Schubert Schubert ist,
ebenbürtig zu werden,
bricht immer wieder eine Wiener Lust an der Melodie durch, und schließlich entstand ein Werk
von ungeheurer Länge.
Im Allegro wechseln sich intensive Ausbrüche mit tief empfundenen ruhigeren Passagen ab. Es
beginnt positiv mit einem Unisono-Motiv, das dann aber weitgehend zurückgestellt wird – der
geschmeidige und ergreifende zweite Strang des ersten Themas wird wesentlich ausführlicher
verwendet. Das nachgiebige zweite Thema bewegt sich mit einem punktierten Motiv in die
entfernte Tonart h-Moll. Schubert spielt kurz auf sein Lied Sei mir gegrüsst an, bevor er auf
dem Violoncello ein sehr wienerisches Motiv einbringt: Im weiteren Verlauf schwelgt er in einer

Entwicklung des Materials, aber die eigentliche Durchführung kehrt nach h-Moll zurück und
weitet sich stark auf den zweiten Strang des ersten Themas aus. Nach der Reprise kehrt die
Unisono-Idee in einer kurzen Coda zurück, die leise endet.
Das Andante con moto in c-Moll ist ein Marsch in schleppender Winterreise-Stimmung, basierend
auf dem schwedischen Volkslied Se solen sjunker, das Schubert im Haus der Familie Fröhlich
vom Tenor Isak Albert Berg singen gehört hatte. Das Klavier gibt die Stimmung und das Tempo
vor, und das Cello nimmt den Marsch auf. Das erste Solo der Violine kommt mit Verzögerung,
aber wenn es dann beginnt, schreibt Schubert Musik von strahlender Schönheit für die Violine –
Adolf Buschs Vortrag war hier unvergesslich. Nach einem heftigen Ausbruch grübeln die Spieler
über das Marschthema nach; die Musik steigert sich in ihrer Intensität zu einem tragischen
Höhepunkt, das Violinthema kehrt in den Streichern zurück, und nach einem weiteren Ausbruch
vergeht dieser großartige Satz in bedrohlichem Raunen, ehe er sich mit der Tragödie abfindet.
Das Scherzando ist ein neckischer, nicht vollkommen strenger Kanon zwischen dem Klavier und
den Streichern. Sein a-Moll-Trio, ein stampfender Bauerntanz, enthält einen kleinen Walzer, und
dieser Satz bringt Erleichterung von der Beklemmung, die ihm vorangeht, obwohl Schuberts
Harmonien oft bittersüß sind. Er schrieb an Probst, das Menuett müsse in gemäßigtem Tempo
gespielt werden, und zwar durchgehend mit Klavier; das Trio dagegen kraftvoll, abgesehen von
den angegebenen p und pp.
Im Finale setzt sich die enspanntere Stimmung zunächst fort. Der Satz steht in einer eher lockeren
Sonatenstruktur, die mit einem unschuldigen Thema beginnt, sich aber bald über ein Staccato-
Thema in einen erstaunlichen Reichtum an Stimmungen verwandelt, fröhlich, streng, nostalgisch,
traurig – das Cello erinnert an das Marschthema aus dem Andante. Ursprünglich dauerte der Satz
zwanzig Minuten, aber nach einigen kritischen Anmerkungen strich Schubert die Wiederholung
der Exposition und strich 98 Takte aus der Durchführung. In den letzten Jahren haben Ensembles
wie das Busch-Trio begonnen, aufs Ganze zu gehen. Der Geiger Mathieu van Bellen kommentiert:
„Wir spielen die vollständige Originalfassung des Finales, aber wir haben uns entschieden, die
Wiederholung der Exposition wegzulassen. Wir haben das Stück ursprünglich mit dem Schnitt
erarbeitet, aber dadurch fehlt eine gewaltige harmonische Entwicklung, und wir haben das Gefühl,

dass die Originalfassung dies komplettiert und das Ende des Stücks sogar noch eindrucksvoller
macht – nachdem wir es so einstudiert hatten, gab es offensichtlich keinen Weg zurück.“
Schubert hatte Glück mit den Interpreten der Uraufführung: dem Pianisten Karl Maria von
Bocklet, dem großen Geiger und Freund Beethovens, Ignaz Schuppanzigh, und dem Cellisten
des Schuppanzigh-Quartetts, Josef Linke. Das Es-Dur-Trio war wahrscheinlich das Trio, das
diese Koryphäen bei einem Konzert der Gesellschaft der Musikfreunde am 26. Dezember 1827,
in Schuppanzighs Wohnung Anfang Januar 1828 und bei der Verlobungsfeier von Josef von
Spaun am 28. Januar spielten. Es war mit Sicherheit Teil des öffentlichen Schubert-Konzerts am
26. März, das dem Komponisten Ansehen und willkommenes Geld einbrachte. Schubert bot das
Werk der Mainzer Firma Schott an, einem von zwei Verlagshäusern, die sich im Februar an ihn
gewandt hatten, aber es wurde aufgrund seiner Länge abgelehnt. Probst nahm es an, allerdings
zu einem reduzierten Honorar. Die Nachwelt schätzte das Werk sehr viel mehr.
Die anderen Stücke stellen ansprechende Zugaben dar. der selbstbewusste Allegro-Sonatensatz
in B-Dur, D. 28, zeigt die Begabung des 15-jährigen Schubert – er konnte sich, dem Manuskript
nach zu urteilen, bereits mit Urteilsvermögen selbst korrigieren. Das beschwörende Nocturne
in Es-Dur, D. 897, ist eindeutig der erste Versuch eines langsamen Satzes für das B-Dur-Trio,
D. 898. Es ist dem Andante, das er als Ersatz schrieb, nicht ebenbürtig, aber in seiner Behandlung
der Streicher lässt es sein großes C-Dur-Quintett, D. 956, erahnen.
busch trio
Kammermusik ist Kommunikation. Das wissen wir nicht erst, seit Johann Wolfgang von Goethe
nach einem Streichquartettkonzert in einem Brief jene geflügelten Worte zu Protokoll
gab: „man hört vier vernünftige Leute sich untereinander unterhalten.“ Daher ist nicht
verwunderlich, dass sich aus Kammermusik-Begegnungen des Musikbetriebs menschliche
Freundschaften entwickeln. Eher ungewöhnlich aber ist es, wenn es andersherum ist. Wenn
sich nämlich aus einer Gruppe von Schulfreunden mit ganz normalen gemeinsamen Hobbys eine
Kammermusikformation entwickelt, die schnell zur internationalen Spitzenklasse vorstöSSt.

So aber begann der ungewöhnliche Werdegang des Busch Trios, das sich seit einigen

Jahren zum führenden Klaviertrio entwickelt hat. Mathieu van Bellen, Ori Epstein und Omri
Epstein begegneten sich in London. Sie freundeten sich miteinander an und waren schnell
unzertrennlich. „Das Trio ist das Resultat von vielen Jahren Freundschaft.“

Das Busch Trio verdankt seinen Namen erstens der Tatsache, dass Mathieu die ‘ex-Adolf Busch’
Guadagnini-Violine spielt und zweitens der Musiker-Persönlichkeit von Adolf Busch, die dem
jungen Trio als Vorbild dient.

Prägend für die künstlerische Entwicklung des Trios waren Persönlichkeiten wie Eberhard
Feltz, Sir András Schiff und das Artemis Quartett, sowie die Residenz der chapelle misicale
reine Elisabeth in Brüssel. Heute lernen sie vor allem in ihrer musikalischen Zusammenarbeit
voneinander. „Je mehr man weiSS, desto freier wird man“ ist eines der Grundprinzipien des

Seit seiner Gründung 2012 ist das Trio regelmäSSig zu Gast auf bedeutenden Bühnen und Festivals
in ganz Europa. Mit dem Label Alpha verbindet das Trio eine langjährige Zusammenarbeit,
zunächst erscheint eine Reihe von 4 CDs mit der gesamten Kammermusik Dvořáks für Klavier
und Streicher.

Das Trio hat mit dem Warsaw Symphony Orchestra und Karina Canellakis zusammen gearbeitet,
weitere Partner sind Michael Collins, Bruno Giuranna, Gregor Sigl und Miguel da Silva.

RECORDED in december 2019 at MUZIEKHAVEN ZAANDAM (the netherlands)

aline blondiau recording pRODUCEr, editing & mastering



susanne lowien german TRANSLATION
Valérie Lagarde DESIGN & Aline Lugand-Gris Souris ARTWORK
SETTING SUN, EGON SCHIELE (1890-1918) © BRIDGEMAN cover image
kaupo kikkas inside photos


P busch trio & alpha classics / outhere music france 2020
© Alpha Classics / Outhere Music France 2020




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