Das Kunstmagazin der ZEIT

Nº105 September 2015    Seit 1930

Die letzte Muse: Jule Kewenig und die Postmoderne

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SFR 20,– (CH)
€ 11,80 (D)
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511804

00105

Videokunst Neue Perspektiven in Frankfurt und Duisburg Art nouveau Blütenträume aus Glas
David Hockney Vom Lieben und Leiden an den Pools von Los Angeles
 I MI K N OE BE L
W E I S S — S C H WA R Z / 12. September — 14. November 2015

»Weiss-Schwarz 2 Ed.« 2009/ 2012 »Weiss-Schwarz 4 Ed.« 2009/ 2012 »Weiss-Schwarz 7 Ed.« 2009/ 2012
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 UNSER
TITELBILD
TITELBILD: Marlene Dumas; Privatarchiv Jule Kewenig; Marlene Dumas
Diese Augen! Unergründlich in ihrem tiefen
Grünblau, ein wenig melancholisch, aber
auch ganz klar und wach. Eine große Neugier
auf die Welt. Und dieser verführerische
Mund: leicht geöffnet, die Oberlippe ganz
fein verzogen, vielleicht aus Spott oder Selbst-
ironie, wer weiß das schon. Vor allem aber
schlägt einen das tiefe Rot in Bann – das Ge-
sicht, die Schultern, die Haare, alles rot auf-
glühend wie ein pulsierendes Liebeszentrum.
Wer ist diese Frau? Das werden sich schon un-
zählige Menschen gefragt haben, wenn sie
das Gemälde von Marlene Dumas sahen.
»Jule, die Vrou« heißt das Bild, das Charles
Saatchi im November 2004 für 1,24 Millionen
Dollar ersteigerte. Es zeigt Jule Kewenig, der
wir unsere Titelgeschichte widmen (ab S. 22).
Die Galeristin, die heute in Palma de Mallor-
ca lebt, war in ihrem schillernden Leben mit
3
zahlreichen Künstlern befreundet. Sie hat ih-
nen viel Liebe und Zuwendung gegeben und
bekam das auch zurück. Marlene Dumas, die
1976 aus Südafrika nach Amsterdam emigriert
war, lernte Kewenig Anfang der Achtziger
kennen, dann trafen sie sich häufig in Loers-
feld bei Köln oder anderswo. Das Porträt mal-
te Dumas 1985 auf Grundlage eines Polaroid-
fotos. Kewenig war damals Ende dreißig und
wirkt so rätselhaft schön wie auf der Fotogra-
fie oben aus ihren jungen Jahren. Auf die Fra-
ge, warum sie das Bild in ein so leuchtendes
Rot getaucht hat, antwortet Dumas per Mail:
»Das ist ganz einfach. Jule war immer zur lei-
denschaftlichen Liebe fähig. Und Rot ist eine
leidenschaftliche Farbe.« Kein Zweifel, »Jule,
die Vrou« hat längst einen festen Platz unter
den schönsten Darstellungen von Künstler-
musen. SEBASTIAN PREUSS
 INHALT

Bilder: David Hockney/Art Gallery of New South Wales/Jenni Carter; Maarten Baas
David Hockney S. 42

Kolumnen 18 Was passt zu … Die großen

10 Die Marktfrau
Das neue Kulturgutschutzgesetz
fordert von den Händlern antiker
Kunst sensible Daten
12 Drei Wünsche
Eine Stehleuchte in Palmenform,
ein schöner Streifenstuhl von
Lindqvist und Antje Dorns
Architekturfantasie
14 Heimliche Zwillinge
Robert de Niro und ein Offizier
des Ancien Régime
Kritikerfrage
Was halten Sie vom geplanten
Kulturgutschutzgesetz?
16 Hand des Meisters
Feinste Kaschmirpullover
von Iris von Arnim
Yayoi Kusama?
20 Was haben Sie gesehen,
Herr Obrist?
Aufbruch und verschwundene
Museen im Kosovo, außerdem
PriŠtinas National Gallery
Geschichten
22 Eine Frau namens Herbert
Seit einem halben Jahrhundert
prägt die Galeristin Jule Kewenig
die Kunstszene. Ein Porträt
der Muse der Postmoderne
36 Zeitgenossen für die Zukunft
Das Schaulager Basel zeigt eine
der wichtigsten Sammlungen der
Schweiz im opulenten Überblick
42 Summer of Love
In den Sixties traf David Hockney
Peter Schlesinger. Der dritte Teil
unserer Serie »Die schönsten
Liebesgeschichten in der Kunst«
50 Liechtensteins Schätze
Von Europa ins Weltall: 500 Jahre
Sammelgeschichte in der neu
eingerichteten Schatzkammer

Was passt zu …? S. 18


Jule Kewenig, S. 22
54 Sammlerseminar
Bilder: Klaus Märtens/Galerie Taube; Kastern, Hannover; Bonhams
Glasobjekte des Art nouveau
waren ein Experimentierfeld für
vielfältige neue Formen, Farben
und Techniken
60 Glossar
Wie entsteht eine Pâte de verre,
wo kann man kaufen? Die
wichtigsten Begriffe und Adressen
62 Thurn und Taxis Fragebogen
Edouard Baribeaud über sein Paris
Auktionen, S. 86
Agenda
66 Nachrichten bei Künker und Gerhard Hirsch
Preview im Anbau des Sprengel Nachf., Bücher bei Venator &
Museums, Koran-Fund, Dix für Hanstein, Teppiche bei Nagel und
Stuttgart, ein Museum für Boll- Skulpturen bei Hargesheimer
hagen und Kunst für den Frank-
furter Flughafen 104 Bücher
Die erste Biografie über Wilhelm
Personalien Lehmbruck. Und: Pierre-Joseph
Josef Helfenstein, Stephanie Redouté, ein Guide für arme
Buck, Hans-Peter Wipplinger, Sammler und Neues über Menzel
Lilian Engelmann, Olaf
Thormann 106 Kunststück
Das Porträt der Henriette Adelaide
68 Vive le Pop! von Jean-Baptiste Delamonce in der
Meisterwerke amerikanischer Neuen Pinakothek München
Nachkriegsmoderne im Musée
Granet in Aix-en-Provence
70 Urknall und Burn-out
Videokunst von Doug Aitken in
Frankfurt und von Julian
Rosefeldt auf der Ruhrtriennale
74 Ausstellungen
Goldscheider im Grassimuseum,
Würth Skulpturengarten,
Lynn Hershman Leeson in der
Sammlung Falckenberg, Joan
Mitchell in Bregenz, 1000 Jahre
Kaiserdom Merseburg
76 Messen
Biaf, Berlin Art Week,
Expo Chicago und DC Open
80 Schaufenster
»Schalter« (1970) von
Bettina von Arnim Messen, S. 76
82 Kunsthandel Meldungen
40 Jahre Samuelis Baumgarte 110 weltkunst bei ...
und Kunstherbst Hamburg … der Galerie Utermann und im
Salon von Audemars Piguet
84 Stilkunde
Eglomisé – die kunstvolle 114 Bild meines Lebens
Hinterglasmalerei mit Lack Lily Brett über Cy Twomblys
Bild »The Wilder Shores of Love«
86 Auktionen im New Yorker MoMA
Asiatika in New York und bei
Auctionata, Druckgrafik in Lon-
don, Kuriositäten bei Christie�s,
Uhren bei Sotheby’s, Jugendstil
im Dorotheum, Alte Kunst bei 6 Editorial
Koller und Schuler. Außerdem: 8 Impressum
Neumeister, Lempertz und
9 Mitarbeiter des Monats
Hampel versteigern Gemälde,
Neues aus dem Achenbach-Kon- 112 Termine
volut bei Van Ham, Münzen 113 Vorschau
5
 EDITORIAL
Liebe Leserinnen,
liebe Leser,
kennen Sie Jule Kewenig? Die Galeristin hat wie
keine andere das Kunstschaffen der letzten Jahr-
zehnte in Deutschland begleitet. Sie war mit Mar-
kus Lüpertz und dem Galeristen Michael Werner
verheiratet, Marlene Dumas, A. R. Penck und
Georg Baselitz haben sie dargestellt. Jetzt hat
Sebastian Preuss sie auf Mallorca besucht, wo sie
ihre Galerie in einer gotischen Kapelle mitten in
Palma führt. Außerdem sprach er mit ihren drei
Ehemännern, ihren drei Kindern und anderen
Weggefährten (ab S. 22). Wir freuen uns
sehr, dass wir Ihnen Jule Kewenig in
einem großen Porträt mit vielen
nie veröffentlichten Fotos im
Kreis von James Lee Byars, Ger-
hard Richter, Martin Kippen-
berger und vielen anderen
Künstlern vorstellen können.
Sicher haben sie schon un-
ser Titelbild, Marlene Dumas’
glühend rotes Porträt von Jule
Kewenig, bewundert. Darum
möchte ich Sie auf eine Titelge-
schichte des ZEITmagazins hin-
weisen: Am 25. August wird die der-
zeit viel begehrte Künstlerin dort
erstmals eine Serie mit Tuschearbei-
ten von Menschen, die ihr etwas be-
deuten, veröffentlichen: von Pier Pao-
lo Pasolini bis Charlotte Rampling,
wie rechts auf dem Cover zu sehen.
Unser monatliches Sammlerse-
minar beschäftigt sich in dieser Aus-
gabe mit französischem Jugendstilglas
(ab S. 54). Der künstlerischen Fantasie
schienen damals kaum Grenzen gesetzt.
6
Bilder: Wolfgang Stahr; Marlene Dumas; Henry‘s, Mutterstadt
In Nancy und anderen Zentren des
Art nouveau entstanden technisch
aufwendige Formen und Oberflä-
chen, die aussehen wie hingegos-
sen. Die hier abgebildete Vase
»Tulipes« mit grünem und gelbem
Überfang für die transparenten Blütenblätter
wurde um 1900 nach einem Entwurf von Henri
Bergé von der berühmten Firma Daum Frères
in Nancy geschaffen. Im Juli erzielte sie in der
Jugendstil- und Art-déco-Auktion bei Henry’s in
Mutterstadt einen angemessenen Hammerpreis
von 3420 Euro. Es fällt mir übrigens in diesem
Zusammenhang schwer, die Vokabeln »Ham-
merpreis« oder »Zuschlag« zu verwenden, denn
Glasobjekte des Art nouveau sind zerbrechliche
Kostbarkeiten. Zerbrechlich wie die Liebe.
Der dritte Teil unserer Serie mit den
schönsten Liebesgeschichten in der Kunst (S. 42)
entführt Sie an die Pools von Los Angeles. In
den Sechzigerjahren liebten und malten sich
dort David Hockney und Peter Schlesinger.
Viel Spaß mit der Kunst!
Ihre Lisa Zeitz
Chefredakteurin
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des Deutschen Kunsthandelsverbandes e. V. (DK)
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und Antiquitätenhandels e. V. (BKDA) sowie der EINZELVERKAUF
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des Landesgremiums Wien für den Handel mit Das Jahresabonnement kostet 139,30 Euro,
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ohne Einwilligung des Verlages strafbar.
 MITARBEITER
DES MONATS

Gunnar Knechtel
Er kennt Mallorca sehr gut, denn er lebt seit 15 Jahren
mit seiner Familie in Barcelona und kommt oft rüber.
»Die Insel ist mein Traum in der Nebensaison, dann
ist das Licht am schönsten, und es kehrt Ruhe ein«,
schwärmt Gunnar Knechtel (re. im Bild), der weltweit
für Guardian, Observer, Stern oder El País Semanal
fotografiert. Darum sagte er gleich zu, mit unserem
stellvertretenden Chefredakteur Sebastian Preuss in
Bilder: privat (2); Annette Koroll FOTOS

Palma die Galeristin und Künstlermuse Jule Kewenig

zu besuchen (S. 22). Er war beeindruckt: »Vor allem
von ihrer Liebe zur Kunst und ihrem großen Stil.«

Lydia Schmid
Siebzehn Jahre lang hat Lydia Schmid für den Burda-
Verlag als Auslandskorrespondentin über Kultur- und
Lifestyle-Themen berichtet. Seit 2013 lebt sie als freie
Journalistin in Berlin, nutzt aber nach wie vor ihre en-
gen Beziehungen zur amerikanischen Kunstszene. Für
diese Ausgabe hat sie in Aix-en-Provence eine Ausstel-
lung der kalifornischen Fisher Collection mit Meister-
werken der Nachkriegsmoderne besucht (S. 68).

Nora Ströbel
Nerven aus Stahl hat sie gerade in den Verhandlungen mit
dem Studio von David Hockney bewiesen: Nach einem Mo-
nat mit unzähligen Mails und Telefonaten bekamen wir end-
lich die Bildrechte für unsere Liebesgeschichte in Los Angeles
(ab S. 42). Als Bildredakteurin lastet auf der 30-Jährigen viel
Verantwortung, die sie gelassen schultert. Entspannung findet
die Fotografin in der eigenen Kunst – wie einer tollen Serie
kurioser Stundenhotelansichten aus Buenos Aires.

9

Unter Generalverdacht
Die geplante Novelle des Kulturgutschutzgesetzes legt für die Einfuhr antiker
Kunstgegenstände strenge Regeln fest. Händler fürchten um ihre Existenz
ünzen machen Geschichte
buchstäblich für jedermann
greifbar. Anhand der Prägung
lassen sich Herrschaftsstruktu­
M
ren, Handelswege und künstlerische Stan­
dards ablesen. Der Einstiegspreis beim
Münzsammeln liegt meist bei nur 100 Euro.
Wie alle anderen Kunstsammler sind auch
die Münzfreunde schockiert und alarmiert
durch den bekannt gewordenen Referenten­
entwurf der Novelle des Kulturgutschutz­
gesetzes. Neben den schon in der August­
ausgabe der weltkunst diskutierten Regeln
für die Ausfuhr von möglicherweise »natio­
nal wertvollem Kulturgut« geht es Kultur­
staatsministerin Monika Grütters (CDU)
auch um verschärfte Einfuhrregeln für anti­
ke Kunst. Sie sind weitgehend unumstritten
und stärken eine UNESCO­Konvention
von 1970. Sofern Skulpturen, Bronze­
objekte oder Münzen aus Raub­
grabungen, Diebstahl oder Plünde­
rungen stammen – momentan durch
die Bilderstürmerei des IS im Nahen
und Mittleren Osten wieder stark im
Fokus –, sollen sie als »illegal eingeführtes
Kulturgut anderer Staaten an diese zurück­
gegeben werden«, so die Ministerin.
Die Erfahrung zeigt: Vom Bürgerkrieg
erschütterte Länder können keine Listen der
für ihre Identität bedeutsamen Kulturgüter
führen. Deshalb müssen exportierte Antiken
künftig eine offizielle Ausfuhrgenehmigung
des Ursprungsstaates vorweisen. Bislang war
es an den Herkunftsländern nachzuweisen,
dass illegal ausgeführt wurde. Sorgen berei­
tet Antikenhändlern und Sammlern, dass
DI E M A R K T F R AU
Im­ und Export zwar im neu­
en Kulturgutschutzgesetz gere­
gelt wird, in den Einzelheiten aber
in Rechtsverordnungen aus dem
Bundeskulturministerium.
Entsetzen allerdings lösen unter den Be­
troffenen unter anderem die nun geforderten
Sorgfaltspflichten aus, berichtet Ursula
Kampmann, selbst Sammlerin und Fachjour­
nalistin. Provenienzrecherchen und der Ab­
gleich mit dem Art­Loss­Register stehen auch
jetzt schon auf der To­do­Liste vor dem Er­
werb von archäologischen Objekten. Neu
aber ist, dass der Händler schon einem Kauf­
interessenten (der nicht zwangsläufig zum
Käufer wird) höchst sensible Daten liefern
muss. Der bekannt gewordene, unautorisier­
te Referentenentwurf fordert vom Händler
Name und Anschrift von Einlieferer, Ver­
äußerer und Auftraggeber. Der Anti­
kenfreund erhielte beim Ankauf eine
komplette Dokumentation über die
Quelle des Händlers, dazu die zwan­
zigjährige An­ und Verkaufsgeschich­
te des Objektes, einschließlich Preis­
historie. So ausgerüstet, könnte sich der
Interessent künftig direkt an die Quelle wen­
den, den Händler braucht er dazu nicht
mehr. Damit würde dem Handel der Boden
unter den Füßen weggezogen.
In ihren Äußerungen wird Monika
Grütters nicht müde, auf die Stärkung des
Kunsthandelsstandortes Deutschland hinzu­
weisen. Da wirkt es wie ein Hohn, dass seit
April (!) das Protokoll einer Anhörung der
Kunsthandelsverbände aussteht und dass
eine Händlerargumentation im Referenten­
10
Bilder: GORNY & MOSCH/Lübke & Wiedemann, 70195 Stuttgart (12); Pablo Castagnola
entwurf falsch wiedergegeben und
Einvernehmen suggeriert wird, wo
Dissens herrscht. Kurz vor der Som­
merpause ließ das Bundesministeri­
um für Kultur und Medien ein weite­
res Treffen mit Händlerverbänden kurzfristig
absagen. Woher kommt der Hass auf den
Kunsthandel? Wer sind die Ratgeber der Mi­
nisterialverwaltung? Kennen die dortigen
Referenten nur die Skandalberichterstattung
oder auch das tägliche Geschäft unbescholte­
ner Händler?
Kleinobjekte wie die eingangs erwähn­
ten Münzen sind per se weit verstreut. Weil
sich die Münzsammler pauschal inkrimi­
niert sehen, haben sie eine Onlinepetition
ins Leben gerufen, die schon Zehntausende
weltweit unterzeichnet haben. Deutschlands
Ansehen als Kulturnation schwindet. Nach
einer ersten Welle der Kritik ist Monika
Grütters bereits in einigen Punkten zurück­
gerudert (zum Beispiel bei den geplanten
Hausdurchsuchungen). Jetzt müssen ihre Re­
ferenten alles daransetzen, dass mit ihren
teilweise unbedachten Entwürfen nicht die
komplette Branche austrocknet und Samm­
ler für den Erhalt von Kultur bestraft werden.
Nur weil es schwarze Schafe gibt, darf nicht
gleich ein ganzer Berufsstand verdächtigt
werden.
Nix für ungut, Ihre Marktfrau. ×
Susanne Schreiber
ist Redakteurin des
Handelsblatt und betreut
dort seit vielen Jahren
den Kunstmarkt
 Galleria Canesso
LUGANO
altmeister gemälde

Paris Bordon
Treviso,   Venedig, 
..............................................................

Porträt einer jungen Frau

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signiert, im Hintergrund rechts : “.O.Paris.B”

 ‒ ,     ‒ ( . . - . .  )

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Bilder: Antje Dorn, Bauten, 2013, Courtesy Galerie m Bochum/VG Bild-Kunst, Bonn 2013; Original in Berlin; Zimmerdahl
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Nature Morte
Sie bringt den edlen Touch
der 1970er-Jahre ins Wohn-
zimmer: die Stehleuchte in
Palmenform des deutschen
Designers Hans Kögl. Das
extravagante Stück aus
vergoldetem Metall sorgt
mit warmem Lichtschein
und Schattenwurf auch für
eine wundervolle Atmo-
sphäre. Wir haben es bei
Original in Berlin
(030 60936046) gesehen.

4500  €

Fantasiebauten
Die Häuser in den Arbeiten der Berliner
Künstlerin Antje Dorn scheinen in

150 
den Himmel gebaut zu sein, wie auch im
Ölbild »#16« aus der Serie »Bauten«
(60 x 50 cm). Die Architekturfantasien
€
stellt die Bochumer Galerie m (0234 43997)
den geometrischen Wandobjekten des
Parisers François Perrodin gegenüber.
Beide Werke regen dazu an, über Realität Streifenlook
und Wahrnehmung nachzudenken. Dieser Stuhl schaut nicht nur aus wie schwe-
disches Industriedesign, sondern kommt auch
von dort. Das Möbelstück von Lindqvist
stammt aus den 1940er- bis 1950er-Jahren
und scheint einem Cafeteria-Gemälde
Edward Hoppers entsprungen. Fredrik
Zimmerdahl in Lund in Schweden
(+46 46 2118040) bietet es zum Kauf an.

12
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Bilder: Collection/Active Museum; Armando Gallo/Corbis; Frank Röth/F.A.Z.

Französischer Offizier Robert De Niro

Als Schauspieler ist er eine Legende, er spielte Boxer, Mafiosi,

Taxifahrer – und Soldaten. Hatte er Vorfahren in der Armee
des Ancien Régime? Die Ähnlichkeit zwischen Robert De Niro
und dem Offizier auf dem Gemälde eines unbekannten
Malers von 1876 aus dem Militärmuseum in Paris ist frappant.
Wir danken Hans-Martin Esser aus Arnsberg für den Tipp!

K R I T I K E R F R AG E

Was halten Sie vom geplanten Kulturgutschutzgesetz?

Samuel Herzog Kia Vahland Niklas Maak Lindsay Pollock Hanno Rauterberg
Neue Zürcher Zeitung Süddeutsche Zeitung Frankfurter Allgemeine Zeitung Art in America DIE ZEIT

Es gibt darin sehr gute
Ansätze. Doch die werden
gegenwärtig von ein paar
pikanten Dummheiten,
etwa dem Zugriffsrecht auf
private Wohnräume,
verstellt, über die sich alle
zu Recht aufregen.
Ein besserer Schutz vor
allem von gestohlenen
Antiken, etwa aus dem
Nahen Osten, ist dringend
notwendig. Die bisherigen
Regelungen waren
undurchsichtig und zu
unverbindlich. Insofern tut
Veränderung not.
Nervig, aber nicht tödlich,
weder für Händler noch
für Sammler, auch wenn
der laute Aufschrei das
vermuten lässt.
Der geplante Gesetzent-
wurf ist gut gemeint, aber
schwer durchsetzbar und
ziemlich zudringlich. In
den USA würde so etwas
nie durchgehen.
Was ich an der Debatte
vor allem nicht verstehe:
Warum soll Nationalkunst
plötzlich wieder so
wichtig sein? Mir kommt
das vor wie ein Rückfall
ins 19. Jahrhundert.

14
 Max Beckmann, Bildnis eines jungen Mädchens. Um 1939. Öl und farbige Kreiden auf Leinwand. 92 × 73,5 cm.
Göpel 529. Schätzpreis EUR 1.000.000–1.500.000. © Bild-Kunst Bonn 2015

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Im Zeichen des Strickmusters

Iris von Arnim begann ihre Laufbahn mit ein paar Knäuel Wolle. Heute gehören
ihre Kaschmirpullover zum Feinsten, was man auf der Haut tragen kann

ass der Kaschmirpulli in den

70er-Jahren nach Deutschland
kam, hat mit einem Unfall zu
tun. Und zwar einem schwe-

D
ren. Anfang der Siebziger verunglückte eine
junge Frau namens Iris von Arnim mit ih-
rem VW-Käfer. Sie musste viel Zeit im Kran-
kenhaus verbringen. Ein Freund brachte ihr
eines Tages bei einem Besuch einen Haufen

Bilder: Iris von Arnim/Daniel Cramer; Christian Abel (4); Michael Biedowicz
Wolle mit. Sie solle sich die Zeit im Bett mit
etwas Sinnvollem vertreiben. Daraus wurde
ihr erster Pullover.
Die Kreationen von Iris von Arnim
wurden in ihrem Umfeld schnell sehr be-
liebt. Sie eröffnete 1976 eine Boutique in
Hamburg und wurde bald populär mit
Strickpullovern mit Tiermotiven. Schließ-
lich suchte und fand sie in Italien Produzen-
ten für Kaschmirwolle, um eine der Ersten
zu sein, die Kaschmir in Deutschland verar-
beiten. Bei Kaschmir handelt es sich um das
feine Unterfell der Kaschmirziege, einer ge-
hörnten, schlappohrigen Ziegenart, die ih-
ren Ursprung in der Kaschmirregion hat.
Das Gebiet des ehemaligen Fürstentums
nördlich von Pakistan wird gleichermaßen
von Indien, China und Pakistan beansprucht. der Flaum darunter. Es handelt sich um be- In jeder Kollektion Iris von Arnims, g. o. li. mit
Die Kaschmirziege grast heute aber nicht sonders feines Haar. Die Faser hat einen ihrem Sohn und Geschäftspartner Valentin,
mehr zwischen den Fronten, sondern wird Durchmesser von nur zwei Hundertstel Mil- gibt es Handgestricktes. Dafür wird vorab das
längst in Farmen in der Mongolei, China limetern und eine Länge von bis zu neun Bändchengarn von Hand aufgewickelt.
und auch Schottland gezüchtet. Zentimetern. Das Haar wird ausgekämmt, Li. das Modell »Betty« aus Kaschmirwolle
Für die Wolle kann nicht das Deckhaar in manchen Fällen auch geschoren. Seit
verwendet werden, sondern nur 3000 Jahren wird Kaschmirwolle verarbeitet. entwirft sie noch immer in ihrem Atelier in
Pro Ziege erhält man gerade einmal einer Villa in Hamburg-Harvestehude. Heu-
150 Gramm Wolle. Kein Wunder, dass te werden die meisten der Kaschmirpullover
Kaschmir eine der teuersten Natur- mit Strickmaschinen gefertigt. Besondere
fasern ist und Hersteller darauf aus Modelle werden bei Iris von Arnim aber
sind, ihre Kleidung mit diesem noch immer mit der Hand gestrickt. Der
Label zu schmücken. Dabei sind Designerin ist die Individualität eines von
allerdings nur Produkte, die mit Hand gestrickten Stücks sehr wichtig. Aller-
»100 Prozent Kaschmir« ausge- dings muss dafür heute niemand mehr im
zeichnet sind, wirkliche Kasch- Krankenhaus liegen. ×
mirstücke. Alle anderen sind
Mischgewebe. Und natürlich gibt es Tillmann Prüfer ist Style
starke Unterschiede in der Qualität. Director des ZEITmagazin.
Kaum jemand kennt sich mit der Er stellt hier jeden Monat
edlen Wolle besser aus als die »Queen of herausragende Leistungen der
Cashmere« Iris von Arnim. Ihre Pullover Handwerkskunst vor

16
 Wilhelm von Kobell · Reiter vor Schondorf am Ammersee · ca. 1820/30er Jahre · Aquarell · 17,3 x 21,7 cm

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Yayoi Kusama

Bilder: Yayoi Kusama; Barber & Osgerby; Design da Gema; Fabrice Gousset – Courtesy Galerie Kreo; Maarten Baas; Porzellan Manufaktur Nymphenburg
Sie ist die große alte Dame der japanischen Kunst. Jetzt widmet das
Louisiana-Museum im dänischen Humlebæk Yayoi Kusama vom
17. September bis 24. Januar eine Retrospektive. Zu sehen ist auch
diese melancholische, mit Tusche bearbeitete Fotografie von 1967

4 5
3

1 Handwerkszeug 2 Sternenkissen 3 Unendliche Kreise 4 Rot! 5 Sugar-Dots

Ihre Hände malen das Bild Für Kusama ist das ganze Getrieben von ihrer Vision, Obwohl die Künstlerin seit Ob selbst Zuckerkristalle
von allein, vom Ergebnis Universum eine Anhäu- malt sie häufig über den 1977 in einer psychiatri- für Kusama Polkadots sind?
ist Kusama oft überrascht. fung von Sternen. Dafür Bildrand hinaus. Unendlich- schen Klinik lebt, malt sie Den Porzellanstreuer
Das Besteck »Olio« entwarf stehen ihre Polkadots. Das keit hatte wohl auch Pierre tagsüber in ihrem Studio. entwarf Konstantin Grcic
das Designerduo Barber & Kissen »Stray Bullet« ist Charpin beim Entwurf des Das Rot von Maarten Baas’ 1999 für Nymphenburg.
Osgerby für Royal Doulton, vom Brasilianer David Elia Tisches »All’aperto« im Sinn. Möbelstück (2355 Euro)
es kostet 109 Euro. (Design Da Gema). Über Galerie Kreo. könnte ihr gefallen. Redaktion: Inga Krieger

18
LEONARDO DI BERNARDINO DEL SIGNORACCIO genannt LEONARDO DI BERNARDINO DA PISTOIA. Die Verkündigung. Öl und Goldgrund auf Holz. 177,7 x 148,5 cm.

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 WA S H A B E N SI E G E SE H E N , H E R R OB R I S T ?

Aufbruchstimmung und verschwundene Museen im

Kosovo, wo derzeit neue künstlerische Positionen
in der National Gallery in Priština gezeigt werden

Hans Ulrich Obrist

ist Kurator für zeitgenössische Kunst und
leitet die Serpentine Gallery in London

Was haben Sie gesehen, Herr Obrist? auch Kommentare gezeichnet zu vielen der Wie haben Sie die Atmosphäre in Priština
Ich war gerade im Kosovo, was für un­ Pioniere der Sechzigerjahre wie Stanisław jetzt erlebt?
sere Leser vielleicht insofern interessant ist, Dróżdż und Geta Brătescu. Viele dieser Mich hat es an die Stimmung im Glas­

Bilder: Flaka Haliti; Kushtrim Tërnava; Enver Bylykbashi/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Milena Carstens; Illustration: Andrea Ventura
als dass ich dort mit dem Künstler Petrit Künstler waren noch nie im Kosovo zu sehen. gow der frühen Neunzigerjahre erinnert, ei­
Halilaj zusammengearbeitet habe, der ja der­ nem Ort an der kulturellen Peripherie, an
zeit in Deutschland sehr präsent ist … Warum eigentlich nicht? dem plötzlich eine junge Generation losge­
Der Krieg hat sämtliche Strukturen zer­ legt hat. Es ist viel in Bewegung, unter ande­
… durch seine beiden Ausstellungen in Bonn stört, ganze Museen sind einfach verschwun­ rem durch die Nähe zur albanischen Haupt­
und Köln. den. Halilaj hat ja eine ganze Ausstellung stadt Tirana. Als ich meinen Vortrag in
Genau. Im Kosovo habe ich zum zwei­ dem verschwundenen Naturhistorischen Mu­ Priština gehalten habe, war die Hälfte des Pu­
ten Mal eine Ausstellung gemacht. 2013 war seum in Priština gewidmet. Die National Gal­ blikums aus Tirana angereist.
»Do it« im Projektraum Stacion, und seither lery im Kosovo wird von ERZEN SHKOLOLLI (2)
habe ich immer wieder von Künstlern gehört, geleitet, einem wichtigen Künstler, der unter Warum ist Tirana so interessant?
was dort los ist. Jetzt gab es die SCHAU »31« (3) anderem an vielen Ausstellungen von Harald Das ganze Land wird von einem Künst­
in der National Gallery of Kosovo in Priština, Szeemann beteiligt war … ler regiert, von Edi Rama, der vorher elf Jahre
in Zusammenarbeit mit der österreichischen lang Bürgermeister von Tirana war. Sein Ein­
Kontakt Art Collection. Die Idee war, Arbei­ … dem legendären Ausstellungsmacher. fluss ist überall. Er initiierte ein öffentliches
ten aus der Sammlung, die aus Osteuropa Shkololli hat vor ein paar Jahren ent­ Kunstprojekt für sein Regierungsgebäude. So
kommt, erstmals im Kosovo zu zeigen. schieden, sich ganz auf die Arbeit für die gestaltete Thomas Demand eine Hinter­
National Gallery zu konzentrieren. Auf mei­ grundkulisse für Staatsgebäude, Philippe Par­
Warum »31«? nem Instagram­Account hat er den Satz reno ein leuchtendes Vordach oder Carsten
Gemeinsam mit Petrit Halilaj haben wir gepostet: »Tradition is a reality, a failing story Höller große Pilzskulpturen. Diese Stim­
überlegt, was die Spielregel für die Ausstel­ that I wish to save.« Er will die Erinnerung an mung überträgt sich auf das ganze Land.
lung sein könnte. Wir haben dann 31 Werke die Kunst der Sechziger­ und Siebzigerjahre Aber es gibt auch unabhängig von Albanien
für die 31 Tage der Ausstellung ausgewählt, so­ aus dem Kosovo und dem benachbarten Al­ viele spannende Künstler aus dem Kosovo,
dass man sich an jedem Tag auf ein anderes banien aufrechterhalten. Nach dem Kosovo­ die international reüssieren. Nehmen Sie Ja­
Kunstwerk konzentrieren kann. Petrit hat Krieg ist ja alles in Vergessenheit geraten. kup Ferri oder FLAKA HALITI (1), die in diesem
Jahr den Pavillon in Venedig für ihre Heimat
gestaltet hat. Sie lebt in München und be­
schäftigt sich intensiv mit dem Thema Gren­
zen, weil es für die junge Generation aus dem
Kosovo immer noch unglaublich schwer ist
zu reisen: Sie brauchen für fast jedes Land der
Welt ein Visum.

Und was beschäftigt Sie derzeit außerhalb

1 der Kunstwelt?
Ich bereite mich momentan auf eine Re­
cherche in Afrika vor. Deshalb lese ich viel
über den Kontinent, insbesondere die Ge­
dichte der südafrikanischen Poetin Ingrid
Jonker, die ja nicht nur von Nelson Mandela
bewundert wurde. ×

Christoph Amend, Herausgeber

der WELTKUNST,
befragt Hans Ulrich Obrist
2 3 jeden Monat nach seinen
Entdeckungen in der Kunst

20
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EINE FRAU
NAMENS
HERBERT
Jule Lüpertz alias Werner alias Kewenig hat ein halbes
Jahrhundert lang die Kunstszene mitgeprägt:
als Malerfrau, Händlergattin, Galeristin – und als
große Künstlerfreundin. Sie war die Muse der
Postmoderne. Das Porträt einer ungewöhnlichen Frau

VON
SE B A S T I A N P R E U S S

23
 J U L E K E W E N IG

Bild vorherige Seite: Privatarchiv Jule Kewenig; Bild links: Privatarchiv Jule Kewenig; Bild rechts: Gunnar Knechtel/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
Als das »Gesicht eines Transvestiten« bezeichne-
te es die New York Times. Charles Saatchi hatte
das Gemälde von Marlene Dumas im November
2004 für 1,24 Millionen bei Christie’s in New
York ersteigert, nun war es in aller Munde. Es
heißt »Jule, die Vrou« und entstand 1985. Aber
ein Transvestit? Da war die führende Zeitung
der Welt bemerkenswert schlecht informiert,
denn »Jule, die Frau« – es ist das Titelbild dieser
Ausgabe – zeigt in Wirklichkeit Jule Kewenig,
Galeristin in Palma de Mallorca. Hinter diesen
dürren Angaben verbirgt sich ein halbes Jahr-
hundert in der Kunstwelt: ein Leben voller Hö-
hen und Tiefen, eine große Leidenschaft für die
Kunst, ihre Akteure – und immer wieder für
Männer, die auch alle mit der Kunst zu tun hat-
ten. Das Wort ist heute etwas abgegriffen, aber
Jule Kewenig war (und ist) tatsächlich eine be-
deutende Künstlermuse, vielleicht die letzte, die
Deutschland hervorgebracht hat.
Die Kunstwelt ist launisch und vergesslich.
So wurde Jule Kewenig zu einer Legende, die im
überhitzten Betrieb aus dem Fokus geriet. Sie
war in den Sechzigern die Frau von Markus Lü-
pertz, als dieser sich mit einer historisch aufge-
ladenen, expressiven Figürlichkeit anschickte,
zu einem der wichtigsten deutschen Maler zu
werden. Mit Michael Werner, dem bedeutenden
Galeristen, durchlebte sie in den Siebzigern die
Zeit, als Köln zu brodeln begann und Anschluss
ans internationale Kunstgeschehen fand.
Sie kannte alle, und alle wollten in ihrer
Nähe sein. Vor allem die Künstler: von Baselitz
bis Immendorff, von Richter, Penck und Polke
bis Marcel Broodthaers und James Lee Byars,
Anselm Kiefer und Imi Knoebel, aber auch Mar-
tin Kippenberger, Marlene Dumas, Christian
Boltanski, Jannis Kounellis und viele mehr. In
den vibrierenden Zeiten der Sechziger bis Acht-
ziger, als die Bundesrepublik erwachsen wurde Mit all ihren Ehemännern bei der dritten Hochzeit im Jahr 1985 in Loersfeld:
und die westdeutsche Gegenwartskunst zum Markus Lüpertz (vorn), Michael Werner (M.) und Michael Kewenig (hinten).
weltweit respektierten und nachgefragten Ex- Vorige Seite: bei einer Performance von James Lee Byars, frühe Siebzigerjahre

24
HEA DZEILE

Jule Kewenig bei der Messevorbereitung in

ihrer Galerie in Palma de Mallorca, an der
Wand Papierarbeiten von Bernd Koberling

25

portgut aufstieg, war Jule Lüpertz alias Wer-
ner alias Kewenig ein Kraftzentrum nach ei-
genen Regeln. Bei ihr ging es nie um Geld,
sondern um das Menschliche, um Abenteuer
und Spaß, um Genuss, Essen und Trinken,
und natürlich auch um Sex. Am Ende kreiste
aber immer alles um die Kunst, das ist exis-
tenziell für Jule Kewenig.
Gemeinsam mit ihrem dritten Mann
Michael Kewenig betreibt sie eine weltweit
agierende Galerie in Berlin, mit Künstler-
schwergewichten wie Christian Boltanski,
Jannis Kounellis, Ian Hamilton Finlay oder
Sean Scully. Fürsorglich kümmert sie sich
um ihre große Patchworkfamilie: drei Kin-
der aus drei Ehen, zwei Enkeltöchter und di-
verse Nebenlinien. Sie pflegt ihre zahllosen
Freundschaften aus den 50 Jahren, die sie sich
mittlerweile in der Kunstszene bewegt, be-
J U L E K E W E N IG
»Jule hatte Abgründe. Man
konnte nie genau wissen, was
sie wirklich dachte. Das war
das Somnambule des Ostens.«
M A R K U S LÜ P E RT Z
26
Mit Markus Lüpertz in West-Berlin, 1964.
Mit Arbeit auf dem Bau und Eierverkauf in
Hinterhöfen schlug sich das Paar durch
treut die Künstler der Galerie und hat sich
mit dem Zweitstandort in Palma einen Na-
men im spanischen Kunstleben gemacht.
»Nenn mich Jule«, ist ihr erster Satz, als
ich sie dort besuche. So ist sie, wie ich später
begreife, Distanz will sie gar nicht erst auf-
kommen lassen. Sie zeigt mir ihre Ausstel-
lungshalle in einer gotischen Kapelle, dann
beginnt sie zu erzählen. Die samtig-verrauch-
te Stimme hatte sie schon als junge Frau in
den späten Sechzigern, darum gab ihr der
Galerist Rudolf Springer den Namen Her-
bert: nach einem gleichnamigen DJ, der da-
mals im West-Berliner Club Big Apple arbei-
tete und ein ähnliches Reibeisenorgan wie
Jule besaß. Markus Lüpertz und Georg Base-
litz nennen sie bis heute meist noch Herbert.
Auf die Welt kam sie als Gerhild Quade,
1946 in Lüneburg, wohin die Familie in dem
Hungerjahr geflüchtet war. Der Vater starb,
als sie zwei war. Die Mutter heiratete wieder,
und die Familie siedelte sich in Mönchen-
gladbach an. Mit 16 kam es zur Begegnung,
die ihr Leben veränderte Eines Morgens um
Bild: Klaus Märtens/Galerie Taube
sechs traf sie an der Straßenbahnhaltestelle
auf einen wild aussehenden jungen Mann.
»Lange Haare, Cowboystiefel, darin ein Mes-
ser an der Seite. Er war mit Milch beschlab-
bert und roch nach Alkohol.« Es war Markus
Lüpertz. »Er war verrückt und charmant und
total davon überzeugt, dass er ein großer
Künstler sei.« Nach einigen Monaten brann-
te Jule mit ihm nach West-Berlin durch.
Völlig mittellos kam das junge Paar im
Herbst 1963 in der ummauerten Inselstadt an.
Jule wusch Autos und wanderte mit Eierkör-
ben durch die Hinterhöfe. Später arbeitete
sie als Model auf Messen und zeitweise in der
Galerie des jungen René Block, der visionär
Joseph Beuys, Gerhard Richter oder Sigmar
Polke zeigte. Lüpertz malochte auf dem Bau
und kellnerte in der Schöneberger Puszta-
Stube, wo sich Professoren und Studenten
von der gegenüberliegenden Hochschule der
Künste trafen. Weil es ein Ehedarlehen von
3000 Mark gab, heirateten die beiden.
Im Mai 1964 gründete Lüpertz mit drei-
zehn anderen jungen Künstlern die Selbst-
hilfegalerie Großgörschen 35. In der West-
Berliner Nachkriegskunstgeschichte ist die
Ausstellungsgemeinschaft ein Meilenstein.
Die neuartige figürliche Malerei von Lüpertz,
K. H. Hödicke oder Lambert Maria Winters-
berger mischte das abgeschottete Kunstmi-
lieu der West-Enklave kräftig auf. Jule sei im-
mer der Star in der Szene gewesen, erzählt
Lüpertz, den ich in seinem Atelier südlich
von Berlin besuche. »Sie war keine Model-
Bilder: Privatarchiv Jule Kewenig; Klaus vom Bruch/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Galerie Kewenig/Georg Baselitz 2015; Privatarchiv Jule Kewenig (4)

1 2

4 5

Erinnerungen aus dem reichen Bilderschatz von Jule Kewenig: 1 Auf Besuch in der
Pfalz, das Ehepaar Lüpertz (Jule 2. v. li.) bei Georg und Elke Baselitz in Forst an der
Weinstraße, wohl 1969 2 Jule Kewenig hat immer viel und gern getanzt, hier mit dem
Fotografen und Kunstszene-Chronisten Benjamin Katz, 70er-Jahre 3 Georg Baselitz
nennt Jule Kewenig von jeher »Herbert«, so heißt auch das Porträt, das er 1974
von ihr malte 4 Mit Thordis Möller (li.) in den Siebzigern 5 Vom Berliner Galeristen
Rudolf Springer lernte Jule Kewenig das Kochen 6 + 7 Um 1970 mit Michael Werner
auf dem Weg nach Antwerpen, wo Anny De Decker die Galerie Wide White Space
3
betrieb und als Erste Künstler wie Marcel Broodthaers und James Lee Byars zeigte

6 7

27
28
Bild: A.R. Penck/VG Bild-Kunst, Bonn 2015

Bilder: Privatarchiv Jule Kewenig (2)
Mit James Lee Byars verband Jule Kewenig
eine besonders intensive Freundschaft,
hier bei einer Performance in den frühen
Siebzigern. Unten: zu Besuch in Dresden
bei A. R. Penck, dessen Bilder Michael Wer-
ner und später auch seine Frau Jule aus
der DDR in den Westen schmuggelten. Linke
Seite: Jule-Porträt von Penck, 70er-Jahre
J U L E K E W E N IG
schönheit, sondern sie war wirklich schön.
Und ist es ja noch.« Lüpertz saßen damals
die Fäuste locker, wenn sie ausgingen. Den
späteren RAF-Terroristen Andreas Baader
»habe ich drei oder vier Mal verprügelt, weil
er immer was von Jule wollte«, berichtet Lü-
pertz nicht ohne Stolz.
Welche Rolle denn die Kunst in ihrer
Beziehung gespielt habe? »Jule war Maler-
frau, da gab es kein anderes Thema. Sie hat
die Farbe mitgetrunken und die Farbe mit-
geschissen.« Aber sie ordnete sich nicht un-
ter, war keine Künstlergattin, die den Meis-
ter bedingungslos anhimmelte. »Sie hatte
Abgründe. Man konnte nie genau wissen,
was sie wirklich dachte. Das war das Som-
nambule des Ostens. Durch ihre Mutter, die
aus Lettland kam, war sie ja Slawin.«
Auch Michael Werner benutzt das Wort
»somnambul«, wenn er Jule charakterisiert.
Er gründete im Herbst 1963 mit Benjamin
Katz, dem späteren Fotografen und Kunst-
szene-Chronisten, in einem Hinterhaus am
Ku’damm seine erste Galerie. Die Eröff-
29
nungsausstellung mit Baselitz führte zu ei-
nem legendären Kunstskandal, zur Be-
schlagnahmung zweier Bilder mit erigierten
Penissen und zu einem Gerichtsprozess.
Werner empfängt mich in Märkisch Wil-
mersdorf südlich von Berlin, wo er das neu-
gotische Gutsschloss aufwendig saniert hat.
Hier liegt die Schaltzentrale für seine Gale-
rien in New York, London, Köln und Berlin.
Ja, es stimme, dass er sich ihren Namen
ausgedacht hat. »Sie war eben eine Jule.«
Werner schildert, wie er sie erstmals in seiner
Galerie sah: »Diese schwarz umrandeten Au-
gen, und sie bewegte sich so somnambul.
Einfach exzeptionell.« Die drei wurden un-
zertrennliche Freunde – »Jules et Jim« in
West-Berlin. »Ich fand Michael von Anfang
an faszinierend. Dieses Brennen für die
Kunst habe ich bei keinem Galeristen so in-
tensiv erlebt«, erzählt Jule. »Wir scherzten,
dass wir eine reiche Frau für ihn finden müs-
sen.« Es kam dann eher wie in Truffauts Film
mit Jeanne Moreau: Jule ging von Jules zu
Jim – zum Glück ohne tragischen Ausgang.
 »Jule und ich waren beide
unangepasst und unbürgerlich.
Darum passten wir
auch so toll zusammen.«
M IC H A E L W E R N E R

Bilder: Klaus vom Bruch/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Privatarchiv Jule Kewenig (2)
Illustre Männer säumten ihren Weg:
1 Mit Michael Werner bildete sie ein Traum-
paar der Kunstwelt 2 Eine spezielle
Freundschaft verband sie mit Marcel
Broodthaers, der 1976 starb 3 In den frü-
hen 80ern war Martin Kippenberger (li.)
ständiger Gast, hier mit Werken von ihm

2 3

Im Jahr 1968 zog Werner nach Köln, denn im
Rheinland spielte die Musik am Kunstmarkt.
Er überredete Jule und Lüpertz, der mittler-
weile Künstler der Galerie war, mit ihm zu
kommen. Jule wäre lieber in Berlin geblie-
ben und fand Köln am Anfang kalt und ab-
weisend. Dann kam im Frühjahr 1969 jene
schicksalshafte Reise nach Paris. Eigentlich
wollte das Freundestrio gemeinsam fahren,
aber Lüpertz hatte im letzten Moment keine
Lust. »Wie kann man auch seine Frau mit
dem besten Freund im Mai nach Paris reisen
lassen«, kommentiert Jule heute, was damals
mit Michael Werner geschah. Als sie zurück-
kam, merkte sie zudem, dass sie schon vor
der Reise schwanger gewesen war. Mehrfach
wechselte sie in den folgenden Monaten zwi-
schen beiden Männern, am Ende blieb sie
bei Werner. Er zog das Kind des Freundes,
der sich nach einem Jahr wieder mit ihm ver-
söhnte, wie sein eigenes auf. »Michael war
großartig und sehr liebevoll zu mir«, erzählt
Anna Jill Lüpertz, die in Berlin eine Galerie
betreibt. »Ich hatte eben zwei tolle Väter.«
In den folgenden Jahren kam dann voll
zum Tragen, was Werner Jules »Kommunika-
tionsgenie« nennt: »Ich bin immer spätestens
um zwölf ins Bett gegangen. Jule hat mit den
Künstlern weitergemacht. Die haben sie alle
geliebt. Das war für mich und die Galerie na-
türlich toll.« Sieht man die Fotos aus dieser
Zeit, dann läuft eine immerwährende Party
vor einem ab. Feuchtfröhliche Runden, dau-
ernd irgendwelche Spaßposen, in der Mitte
Jule mit ihren langen Haaren, den großen
Augen und exzentrischen Kleidung.
Sehr früh zeigte Werner konzeptuelle
Künstler wie den Belgier Marcel Broodthaers
oder den Amerikaner James Lee Byars. Beide
wurden enge Freunden von Jule. Byars, der
Magier der poetischen Gesten und aurati-
schen Objekte aus Gold oder Marmor, ging
mit ihr durch Köln und brachte ihr die hin-
tergründigen Qualitäten dieser Stadt nahe.
Er war ein Paradiesvogel, intensiv und laut,
endlose Gespräche oder Anrufe zu jeder Ta-
ges- und Nachtzeit. Werner konnte ihn nie
lange ertragen, aber Jule hörte ihm bedin-
gungslos zu. »Er hat mir sehr viel beigebracht.
Kein anderer Künstler hat mir so anschau-
lich sein Werk erklärt.« Seit 1973 betrieb sie

30

Bilder: Privatarchiv Jule Kewenig (3)
für einige Jahre ein Geschäft für Art-déco-
Antiquitäten. Im Schaufenster hielt Byars
regelmäßig im goldenem Anzug und Zylin-
der seinen zweistündigen Mittagsschlaf.
Das Geschäft war sehr erfolgreich. »Die
Leute rissen mir die Stücke aus der Hand. Es
gab ja damals noch kaum Händler für Art
déco.« Die Einrichtung besorgten Sigmar
Polke und seine Kumpels Achim Duchow
und Stephan Runge. Sie legten rosa Schaum-
gummi aus, darüber Plastikfolie. Hier konn-
te man dann gleichzeitig den Fußballstar
Günter Netzer und den minimalistischen
Künstler Blinky Palermo treffen.
Für einige Jahre bildete sich in Köln
eine Clique um Polke, die junge Isa Genzken
(heute eine der erfolgreichsten Künstlerin-
4 6
nen der Welt), ihren damaligen Freund Ben-
jamin Buchloh (mittlerweile Kritikerstar in
den USA), die noch unerfahrene Fotografin
Candida Höfer, den Ethnologen Michael Op-
pitz oder den Abiturienten Michael Krebber,
der später als Maler Karriere machte, bei Jule
aber noch die Stahlrohrlampen polierte. Der
damals zwanzigjährige Klaus vom Bruch,
längst ein angesehener Videokünstler, hat
zwischen 1972 und 1975 bei vielen dieser Tref-
fen fotografiert. Die Bilder sehen aus, als sei
es ein andauernder Rausch gewesen. »Es ging
ja nicht um Geld oder um Erfolg, obwohl ei-
gentlich alle später große Karrieren gemacht
haben«, erzählt vom Bruch. »Und Jule mit ih-
rer liebevollen Art war unsere Bienenköni-
gin. Schon mit ihrer erotischen Präsenz.«
31
5
Langeweile herrschte nie: 4 Schloss Loers-
feld in Kerpen bei Köln war 14 Jahre das
zentrale Forum des Systems Jule, hier war
ständig was los. Die Hausherrin mit ihrem
Sohn Julius 5 Treffen mit A. R. Penck (links
neben Jule) in Ost-Berlin, dabei ließen die
beiden sich die Maiparade nicht entgehen
6 Neue Liebe: mit dem Niederländer Paul
Andriesse in New York, frühe 80er-Jahre
Die Galerie von Michael Werner lief in die-
sen Jahren nicht gut. Die provokativ mit
deutschen Themen agierenden Maler Lü-
pertz oder Anselm Kiefer wurden als nazi-
haft kritisiert; auch die gedankenschwere
Konzeptkunst von Broodthaers oder Byars
ließ sich schwer vermarkten. Aus dieser pre-
kären Situation heraus entschied Werner:
»Wir brauchen ein großes Haus, damit die
Leute zu uns kommen.« Über Kölner Verbin-
dungen konnte er das ziemlich ruinöse
Schloss Loersfeld bei Kerpen mieten und mit
einem hohen Kredit restaurieren. Es wurde
Jules Bühne. Scheinbar mühelos bewirtete
sie fast täglich Künstler, Sammler und Mu-
seumsleute, hieß jeden willkommen, sorgte
für Spaß und hatte selbst den meisten dabei.
 Bilder: Privatarchiv Jule Kewenig (3); Galerie Kewenig/Stefan Müller
1

Von der Muse zur Galeristin: 1 Im Jahr 1984 richtete Jule Kewenig
2
in Loersfeld ihre erste eigene Ausstellung aus: Paravents ihrer
Künstlerfreunde, hier die Hausherrin mit dem Beitrag von Seton
Smith 2 Gruppenbild zur Eröffnung von »Paravents«, u. a. Per Kir-
keby, A. R. Penck, Markus Lüpertz, Imi Knoebel, Andreas Schulze,
Marlene Dumas und Gerhard Richter 3 Haus Bitz in Frechen,
westlich von Köln, löste Loersfeld als Domizil und Kunstbühne ab.
Hier eröffneten Jule und Michael Kewenig 1986, ein Jahr nach
der Heirat, ihre Galerie. Im Vordergrund der Anbau von Oswald
Mathias Ungers 4 Jule und Michael Kewenig in den Achtzigern

32
 J U L E K E W E N IG

Jule Kewenig in ihrer Wohnung in Palma,

die Ruhe weiß sie mittlerweile zu schätzen.
Das Gemälde stammt von Hendrik Krawen

»Nun kamen tatsächlich alle«, erzählt Wer-

ner. »Und plötzlich kam Geld rein. Ohne Ju-
les Kommunikationsgenie hätte ich das nie
geschafft.« Sie habe einfach den Alltag zu-
sammengehalten und viel gekocht, erklärt
Jule trocken. »Ich hatte ja das Glück, dass ich
mit den Künstlern nicht verhandeln musste.
Darum fühlten sie sich bei mir auch wohl.«
Im Jahr 1976 wurde Julius, das zweite
Kind, geboren. Jetzt heiratete das Paar auch.
Julius Werner erinnert sich gern an Loers-
feld: »Das war die Schaltzentrale. Der Um-
gang mit Künstlern war für uns Kinder das
Normalste auf der Welt. Penck etwa hat uns
Radfahren beigebracht und morgens Skulp-
turen aus Brötchenteig für uns geformt.«
A. R. Penck, eigentlich Ralf Winkler –
auch so ein Jule-Kapitel. Er war der unkon-
ventionellste und vielleicht auch der genials-
te Künstler in der DDR. Michael Werner
stellte ihn schon seit 1970 aus, schmuggelte
Geld zu ihm und brachte seine Bilder in den
Westen. Irgendwann durfte er nicht mehr
einreisen; nun musste Jule diese nicht unge-
fährliche Aufgabe übernehmen. Als die
Bild: Gunnar Knechtel

DDR den unbequemen Provokateur 1980

ausbürgerte, zog er in Loersfeld ein und
blieb zehn Jahre. Seine Frau kam nach, dann
zogen auch seine Musikkumpanen ein. Da
ging es jeden Abend hoch her.
Eine enge Freundin Jules aus dieser Zeit
ist Thordis Möller. Sie leitete ab 1970 die Ga-
lerie Heiner Friedrich in Köln, seit 1980 lebt
sie in den USA. Sie ruft mich aus Millerton
in Upstate New York an, wo sie das Künstler-
archiv des früh gestorbenen Palermo führt.
»Die Galerien Friedrich und Werner waren
ja eigentlich Konkurrenten, aber das hat Jule
und mich überhaupt nicht gestört.« Es sei
wohl im Sommer 1978 gewesen, als die bei-
den braun gebrannt und mit ihren Kindern
von Sylt kamen und bei Baselitz auf Schloss
Derneburg Station machten. »Wir hatten
schon einiges getrunken«, erinnert sich Möl-
ler, »da musste sich Jule im Flur unbedingt
zu Georgs Mastino-Kampfhund hinunter-
beugen. Er ist über sie hergefallen. Der Tier-
arzt im Dorf hat sie dann behandelt.« Zur
Wiedergutmachung schenkte Baselitz Jule
das große Porträt »Herbert« von ihr.
»Wir waren beide unangepasst und
unbürgerlich. Darum passten wir so toll
zusammen und wussten genau, was wir anei-
nander hatten«, resümiert Michael Werner
die Jahre, in denen die beiden so etwas wie das
Traumpaar der deutschen Kunstwelt waren.
»Sie hat in ihrer schlafwandlerischen Art im-
mer das Unerwartete gemacht. Das war die
»Jule ist ziemlich impulsiv
und emotional. Ein Geschöpf
sehr eigener Art, gerade das
macht sie so liebenswert.«
M IC H A E L K E W E N IG
Faszination für mich – und für andere auch.«
Mit genau dieser Eigenschaft, nie vorherseh-
bar oder gar lenkbar zu sein, setzte Jule dann
auch die gute Zeit mit Werner aufs Spiel. Ir-
gendwann im Jahr 1980 begann sie eine
Liaison mit dem jungen Niederländer Paul
Andriesse, der später Galerist in Amsterdam
wurde. Er ordnete die Bibliothek in Loersfeld
und brachte ihr die damals noch unbekann-
ten Künstler René Daniëls und Marlene
Dumas nahe. Die beiden verliebten sich inei-
nander. »Und wie es ihre Art war, hat sie etwas
total Irres gemacht. Sie hat einen Stapel Lie-
besbriefe ausgerechnet unter meinen Hem-
den versteckt«, erzählt Werner. Es kam, wie es
kommen musste. 1981 zog Werner aus.
Die abendlichen Partys in Schloss
Loersfeld gingen weiter, wobei alle Kinder
beteuern, dass sie nie zu kurz kamen, son-
dern ganz selbstverständlich immer dabei
waren. Martin Kippenberger wurde nun ein
häufiger Gast, aber auch Marlene Dumas, die

33

mir per Mail schreibt: »Sie war sehr warm-
herzig und generös. Ich genoss es, bei ihr zu
sein und sie zu beobachten. Denn sie erinner-
te mich immer ein bisschen an Nico von Vel-
vet Underground.« Schließlich wurde Jule
klar, dass sie wirtschaftlich auf eigenen Bei-
nen stehen musste. »Aber ich hatte ja außer
der Kunst nichts gelernt.« Im Jahr 1984 orga-
nisierte sie auf Schloss Loersfeld ihre erste
Verkaufsausstellung. Sie bat ihre Künstler-
freunde, jeweils einen hölzernen Paravent zu
gestalten, und alle machten mit: Polke, Rich-
ter, Kiefer, Byars, Lüpertz, Antonius Höckel-
mann, Per Kirkeby und andere mehr. Es wur-
de eine legendäre Schau und der Beginn von
Jules Laufbahn als Galeristin.
Nun kam Michael Kewenig ins Spiel,
ein erfolgreicher Anwalt in Düsseldorf. Jule
und er kannten sich schon länger, aber jetzt
funkte es, und schon 1985 wurde geheiratet.
James Lee Byars war Trauzeuge. Auch Kewe-
nig erlag ihrem »komplexen Charakter«, wie
er es formuliert: »Sie ist ziemlich impulsiv
und emotional. Ein Geschöpf sehr eigener
Art, gerade das macht sie so liebenswert.«
Kewenig sanierte zu dieser Zeit in Frechen
westlich von Köln das Wasserschlösschen
Haus Bitz. »Ich wusste nicht so recht, was ich
mit der Anlage eigentlich machen sollte. So
kam die Idee auf, hier eine Galerie zu eröff-
nen. Eigentlich wollte ich ihr nur in der ers-
ten Zeit mit dem Organisatorischen helfen.
Jetzt sind es schon fast 30 Jahre, das wir das
zusammen machen.«
Nach der Eröffnung 1986 stieg die Gale-
rie, die noch einen Anbau von Oswald
Mathias Ungers fürs Privatleben bekam,
rasch zu einem Fixpunkt der rheinischen
J U L E K E W E N IG
Jule Kewenigs Ausstellungsraum im Orato-
rio de Sant Feliu, der ältesten Kapelle Pal-
mas aus dem 13. Jahrhundert. An der Wand
ein Gemälde von Bernd Koberling. Unten:
In der gotischen Seehandelsbörse von
Palma organisierte sie eine Schattenspiel-
installation von Christian Boltanski
34
Szene auf. Spektakuläre Ausstellungen wa-
ren zu sehen: Byars schwebte wie von Geister-
hand auf dem Wassergraben, Ian Hamilton
Finlay inszenierte seine lyrischen Land-
schaftsinterventionen, Christian Boltanskis
Erinnerungsbilder vom Holocaust kamen
von hier aus erstmals in eine deutsche Muse-
umssammlung. »Jule ist wie eine Schwester«,
mailt Boltanski aus São Paulo. »Sie kennt alle
meine Geheimnisse, ich liebe sie.«
Sie sei keine Kauffrau, sagt Jule selbst
von sich. Aber dafür brachte sie ein untrüg-
liches Bewusstsein, was gute Kunst ist, aus
zwanzigjähriger Erfahrung in der Kunstwelt
mit. »Sie hat ja etwas Urmusisches, eine sehr
starke Emotion«, urteilt Ex-Mann Lüpertz.
»Und dabei hatte sie immer ein komisches
Gefühl für künstlerische Qualität. Da hat sie
sich nie vertan.« Justus Kewenig, der zweite
Sohn, der schon in der Galerie mitarbeitet,
berichtet, wie er von ihr lernt: »Auf Messen
betreiben wir immer ein Spiel. Jeder hat eine
fiktive Million und geht dann mit einem Zet-
tel einkaufen. Dann tauschen wir uns aus.
Da geht es viel ums Bauchgefühl.«
Bilder: Gunnar Knechtel (2)/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
Die Ehe und Geschäftspartnerschaft der
Kewenigs verlief nicht durchweg harmo-
nisch, das deuten beide unmissverständlich
an. Doch der Weggang von Köln und die
räumliche Trennung zwischen Berlin und
Mallorca hat offenbar manche Turbulenz ge-
glättet. In Palma hat Jule noch einmal neu
angefangen. Geschäftlich lief es dort nicht
immer gut, aber unter anderem gelang es ihr,
der chilenischen Zeichnerin Sandra Vásquez
de la Horra zum großen Erfolg zu verhelfen.
Sie habe einfach alles mitgemacht, resü-
miert sie ihr halbes Jahrhundert mit der
Kunst, »grenzenlos und gnadenlos. Dabei
habe ich mich eigentlich ziemlich wenig an-
gestrengt, sondern das Leben genossen, so
wie es war.« Jule gehört zu einer Generation
von Frauen, die noch stark von ihren Män-
nern dominiert waren und sich durch diese
definierten. Doch zugleich waren die Sechzi-
ger und Siebziger eine Zeit der Liberalisie-
rung, in der die Frauen sich nahmen, was sie
zu ihrer Rollenfindung brauchten. Jule hat
das auf ihre ganz eigene Weise gemacht.
Markus Lüpertz, ihre erste große Liebe, for-
muliert es in seinen eigenen expressiven Wor-
ten: »Sie ist immer eine Püppi gewesen, eine
Fee, eine Zauberfrau. Und wenn ich sie heu-
te anschaue, hat sie den Zauber immer noch.
Den konnte keiner zerstören.«
Zum ersten Mal in ihrem Leben hat
Jule in Palma nicht ständig Menschen um
sich. »Am Anfang fehlte mir das extrem und
ich fühlte mich wie eingesperrt.« Jetzt ge-
nießt sie die Ruhe. Die Erinnerungen beglei-
ten sie, aber sie neigt ja nicht zur Sentimen-
talität. Die Gegenwart ist wichtiger. ×
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 Zeitgenossen für
die Zukunft
Die Emanuel Hoffmann-Stiftung besitzt eine der bedeutendsten
Sammlungen moderner und zeitgenössischer Kunst
in der Schweiz. Mit der Ausstellung »future present« im Basler
Schaulager wird nun erstmals seit über
dreißig Jahren ein opulenter Überblick präsentiert, der es
mit großen Museumsschauen aufnehmen kann

VON
M AT T H I A S E H L E RT U N D A P R I L L A M M

Das Basler Schaulager dient der Aufbewahrung

und Erforschung der Sammlung der Emanuel Hoff-
mann-Stiftung, aber auch als Ausstellungsort. Im
Untergeschoss hat Robert Gobers Installation
»Untitled« (1995/97) ihren festen Platz. Re.: Hans
Arps »Configuration (Nombril, chemise et tête)«
von 1927/28, eines der ersten Werke der Sammlung
 M
Maja Sacher muss eine ganz besondere Frau
gewesen sein. Mitte dreißig war sie, als ihr
erster Mann Emanuel Hoffmann 1932 bei ei-
nem Autounfall ums Leben kam und sie mit
drei Kindern auf einmal in Basel allein da-
stand. Nur ein Jahr später starb auch noch
ihr ältester Sohn an Leukämie. Und wie rea-
gierte diese tapfere Frau auf die unfassbaren
Schicksalsschläge? Sie gründete eine Kunst-
stiftung zum Gedenken an ihren Mann, mit
dem sie in Paris und Brüssel in den Zwanzi-
gerjahren durch die Ateliers gezogen war
und der, wie sie, so fasziniert von der aller-
neusten Kunst gewesen war. Eine Entschei-
dung, getragen von einem lebensbejahenden
Optimismus und dem Vertrauen in die sinn-
und troststiftende Kraft der Kunst.
Heute verfügt die 1933 von Maja Sacher
ins Leben gerufene Emanuel Hoffmann-Stif-
37
tung mit mehr als 1000 Werken über eine der
bedeutendsten Sammlungen moderner und
zeitgenössischer Kunst der Schweiz. Die
wichtigsten Werke sind normalerweise im
Kunstmuseum und dem Museum für Gegen-
wartskunst in Basel zu sehen, wo sie, wie
etwa Salvador Dalís »Brennende Giraffe«
oder Robert Delaunays »Eiffelturm«, als Be-
suchermagnete Teil der ständigen Ausstel-
lung sind. Die anderen Arbeiten, auch solche,
die wie Katharina Fritschs »Rattenkönig«
oder Robert Gobers »Untitled« als raumgrei-
fende Installationen den herkömmlichen
Museumsrahmen sprengen, haben seit 2003
ihre Heimstatt im Schaulager, einem monu-
mentalen Betonbau der Schweizer Architek-
tenstars Herzog & de Meuron an der Basler
Peripherie, der auf spektakulär neue Weise
riesige Räumlichkeiten für die Konservie-
 F U T U R E P R E SE N T

schen Expressionisten zu begeistern, die auf

eigenwillige Weise Elemente des deutschen
Expressionismus und des französischen Ku-
bismus vereinten. So stößt man gleich im ers-
ten Raum auf ein eindringlich-erdiges Por-
trät der »Mademoiselle Vera Hoffmann«, der
Tochter Maja Sachers. Es stammt von Edgar
Tytgat, einem Freund der Familie. Solche
persönlichen Bezüge prägen die Sammlung
bis heute, oft sind es langjährige Freund-

Im ersten Jahrzehnt bildeten Konstrukti-
vismus und Surrealismus den Schwerpunkt
der Sammlung. Links Robert Delaunays
»La Tour Eiffel« (1910/11), unten Salvador
Dalís »Brennende Giraffe« (um 1936/37).
Bilder vorherige Doppelseite: Tom Bisig, Basel; Martin P. Bühler/Öffentliche Kunstsammlung Basel/2015 ProLitteris, Zurich/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Bilder links: Martin P. Bühler/Öffentliche Kunstsammlung Basel;
schaften zu Künstlern wie Hans Arp, Jean
Tinguely oder Katharina Fritsch, die ihren
Niederschlag auch in kontinuierlichen An-
käufen finden. Von Maja Sacher wird etwa
berichtet, dass sie in der Zeit der Trauer um
Mann und Sohn oft stundenlang im Atelier
von Piet Mondrian saß und einfach nur zu-

Beide Werke sind sonst im Kunstmuseum
Basel zu sehen. Re. Seite: Vom italienischen
Konzeptkünstler Alighiero e Boetti stammt
die Arbeit »Mettere al mondo il mondo«
(1973), darunter Katharina Fritschs »Okto-
pus« aus den Jahren 2006/09
Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí/2015 ProLitteris, Zurich/Martin P. Bühler/Öffentliche Kunstsammlung Basel/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
sah, wie er malte. Kunst war für sie im wort-
wörtlichen Sinne ein Lebenselixier.
Schon bald war die stetig wachsende
Sammlung, die ihr Hauptaugenmerk damals
auf Werke des Konstruktivismus und Surrea-

rung und Erforschung zeitgenössischer

Kunst bietet.
Da das Kunstmuseum Basel bis zum
nächsten Frühjahr wegen Erweiterungs- ar-
beiten geschlossen ist, ergab sich die Mög-
lichkeit, die Sammlung der Stiftung einmal
in Gänze zu präsentieren. Natürlich nicht
mit all ihren Werken, das würde selbst die
Dimensionen des Schaulagers sprengen.
Aber doch so, dass der rote Faden der Samm-
lung sichtbar wird und die wichtigsten Ar-
beiten zu sehen sind. Die Überblicksschau,
die es mit Ausstellungen großer Museen auf-
nehmen kann, trägt den Titel »future pre-
sent« – und verbeugt sich damit vor der Stif-
tungsgründerin Maja Sacher, die als Leitsatz
für Ankäufe einst formuliert hatte, dass es
sich um Werke handeln solle, »die sich neuer,
in die Zukunft weisender, von der jeweiligen
Gegenwart noch nicht allgemein verstande-
ner Ausdrucksmittel bedienen«.
Maja Sacher ist es auch, die auf fünf
Siebdruckporträts von Andy Warhol aus
dem Jahr 1980 den Besucher als gütige Matri-
archin der Stiftung begrüßt. Chronologisch
wird man in die Sammlung eingeführt, die
ganz klassisch mit ersten Käufen bei befreun-
deten Künstlern anhob. Die junge Maja war
selbst ausgebildete Künstlerin, sie hatte in Pa-
ris bei dem Bildhauer Antoine Bourdelle stu-
diert und später im Atelier von Oscar Jespers
gearbeitet. Sie verfügte über einen geschul-
ten Blick und genoss den Kontakt mit Gleich-
gesinnten. In den Jahren 1926 bis 1930, in de-
nen das frisch vermählte Ehepaar Hoffmann
in Brüssel lebte, wo ihr Mann die Niederlas-
sung des von seinem Vater gegründeten
Pharmaunternehmens Hoffmann-La Roche
& Cie. leitete, begann sie sich für die flämi-

38
 F U T U R E P R E SE N T
Bilder: Martin P. Bühler/Öffentliche Kunstsammlung Basel/2015 ProLitteris, Zurich/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Ivo Faber/2015 ProLitteris, Zurich/VG Bild-Kunst, Bonn 2015

lismus legte, zu groß für den Unterschlupf im

Basler Kunstverein. 1941 entschloss sich daher
Maja Sacher, inzwischen mit dem Dirigenten
Die Ausstellung ist ein nahezu enzyklopädischer Überblick
Paul Sacher verheiratet, die Werke dem über die Entwicklungslinien der zeitgenössischen Kunst.
Kunstmuseum Basel als Dauerleihgaben an-
zuvertrauen. Es war der Beginn einer lang-
jährigen Zusammenarbeit zwischen der Fa-
milienstiftung und der Kunstinstitution, die
sich bis heute fortsetzt.
Mit dem Ende des Zweiten Weltkriegs
und der Aufbruchsstimmung der Fifties und
Sixties erweiterten neue Namen und Stilrich-
tungen die Sammlung. Die Bilder der Moder-
ne waren inzwischen selbst zu Klassikern ge-
worden, die neue Künstlergeneration
experimentierte mit Bewe-
gung, Klang und anderen,
bisher im Kunstkontext nicht verwendeten
Materialien. Besonders interessiert nahm
Maja Sacher, die sich ihren frischen, unvor-
eingenommenen Blick bis ins hohe Alter be-
wahrte, die Arbeit zweier junger Schweizer
Künstler zur Kenntnis: Jean Tinguely und
Dieter Roth. Der eine eroberte mit seinen
knatternden und knallenden Kinetikskulp-
turen den öffentlichen Raum für die Kunst,
der andere untergrub das althergebrachte
Kunstverständnis von ewig gültigen Werken,
in dem er Bilder aus Lebensmitteln wie Scho-
kolade schuf, bei denen die Vergänglichkeit
Programm war.
Doch der Blick der Emanuel Hoffmann-
Stiftung blieb in jener Zeit nicht an den
Schweizer Bergen hängen, sondern richtete
sich nun verstärkt auch über den Ozean. Das
aktuelle Kunstzentrum der Welt war jetzt
New York und nicht mehr Paris, folgerichtig
erweiterten zunehmend amerikanische
Künstler den Bestand der Sammlung. 1969

39
 F U T U R E P R E SE N T

Die Geschichte der Emanuel Hoffmann-Stiftung

1941
Maja Sacher-Stehlin stellt die Werke der
Emanuel Hoffmann-Stiftung als Depositum
1933 dem Kunstmuseum Basel zur Verfügung.
So soll längerfristig die Zugänglichkeit der
Zur Erinnerung an ihren jung
verstorbenen Mann Emanuel und Werke aus der Sammlung der Emanuel
ihre gemeinsame Passion – das Hoffmann-Stiftung für eine breite
Sammeln zeitgenössischer Kunst Öffentlichkeit gewährleistet werden.
– gründet Maja Hoffmann-Stehlin
(1896–1989) die Emanuel
Hoffmann-Stiftung. Eine Schenkung
von sieben Werken bildet den
Grundstock der Sammlung. Re. Vera,
die Tochter der Hoffmanns, auf
einem Porträt von Edgar Tytgat.

1980
Das Museum für Gegenwartskunst in Basel wird feierlich
eingeweiht. Es ist zugleich die Vernissage zur aktualisier-
ten Ausstellung mit Beständen der Stiftung. 230 Werke
zählt der Stiftungsbesitz inzwischen. Im gleichen Jahr wird
Maja Sacher-Stehlin von Andy Warhol porträtiert.

2003
Die Eröffnung des Schaulagers bietet der Sammlung
einen adäquaten Lagerort. Mit der von ihr gegründeten
Laurenz-Stiftung realisiert die neue Stiftungsrats-
präsidentin Maja Oeri das Projekt mit den Architekten
Herzog & de Meuron. Sie erfüllt so den Wunsch ihrer
Großmutter, die Sammlung sichtbar zu halten.

40
 präsentierte der Kurator Harald Szeemann
in der Kunsthalle Bern seine epochemachen-
Bilder linke Seite: privat (2); Martin P. Bühler/Öffentliche Kunstsammlung Basel/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Kunstmuseum Basel/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; privat; Martin P. Bühler/Öffentlichen Kunstsammlung Basel/The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./2015 ProLitteris,

de Ausstellung »When Attitudes Become

Form« und löste damit einen Skandal aus.
Zu sehr verstörten die Beispiele aus Installa-
tion, Land Art, Environment oder Happe-
Zurich/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Ruedi Walti, Basel; Niggi Bräuning/2015 ProLitteris, Zurich/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; privat; Bilder diese Seite: Jeff Wall; Michael Tropea, Chicago/Bruce Nauman/2015 ProLitteris/VG Bild-Kunst, Bonn 2015

ning das Schweizer Publikum. Maja Sacher,

inzwischen bereits über siebzig, zeigte sich
weniger erschrocken und kaufte direkt aus
der Ausstellung zwei Arbeiten von Fred
Sandback und Richard Tuttle. Ähnliche Of-
fenheit und Weitsicht bewies sie bei dem
Werk von Joseph Beuys, dessen radikaler An-
satz sie nachhaltig erschütterte. Nach einer
ersten Begegnung mit seinen Zeichnungen
und Objekten im Kunstmuseum Basel ge-
stand sie 1969: »Was ich gesehen habe, hat
mir allerdings einen Schock gegeben, wie ich
ihn seit meiner Jugend beim Sehen von Wer-
ken von Miró, Klee und Arp nicht mehr er-
fahren habe.« Mit der Skulptur »Schneefall«,
drei dünnen Tannenstämmen, die mit qua-
dratisch zugeschnittenen Schichten aus grau-
em Filz zugedeckt sind, erwarb sie eine der
Schlüsselarbeiten des Künstlers.
Ein anderer Name, dessen Stern in je-
nen Jahren zu leuchten beginnt, ist Bruce
Nauman. Dem US-Künstler sind als einem
Schwerpunkt der Sammlung gleich drei
Räume gewidmet. Der erste zeigt eine auf
der Biennale 2009 neu inszenierte Installati-
on von 1970 – die Performance zweier Tänzer
in irritierend-rotierendem Wechselspiel mit
einer Videokamera. Im zweiten werden Ho-
logramme vorgeführt, mit denen Nauman
schon früh experimentierte, der dritte prä-
sentiert seine Skulpturen und Zeichnungen.
Hat der Besucher diese Räume passiert,
hat er noch nicht einmal ein Viertel gesehen.
Noch 19 weitere Säle folgen auf den zwei Aus-
stellungsebenen, dazu weitere Räume, die
im Schaulager eigens für Großinstallationen
hergerichtet wurden. »future present« ist
ein Marathonparcours durch die zeitgenössi-
sche Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts, wie Ein wichtiger Künstler der Sammlung ist ihrem Tod 1989 ihre Mission fortsetzen wür-
man ihn in diesem enzyklopädischen Über- der Amerikaner Bruce Nauman, oben seine de. Schon mit 18 Jahren berief sie Oeri, die
blick selten zu sehen bekommt. Man erlebt »Plaster Steps« (1997/98). Darüber Jeff später Kunstgeschichte studierte, in den Stif-
die kurze, aber heftige Phase der jungen Wil- Walls »Boy falls from tree« (2010), ein Bei- tungsrat. Mit diesem Hintergrund sucht die
den in den Achtzigern, Ausflüge in die kaf- spiel für die Fotokunst, die in den letzten heutige Stiftungsratspräsidentin, wie schon
kaeske Welt der späten Sowjetunion (Ilya Ka- Jahren einen immer größeren Stellenwert ihre Großmutter, den direkten Kontakt zu
in der Kollektion einnimmt
bakov), den Siegeszug der Fotografie (Cindy den Künstlern, um die Sammlung langsam
Sherman, Jeff Wall), den Aufstieg der Video- und stetig wachsen zu lassen. Mit dem Bau
kunst (Gary Hill, David Claerbout, Fiona des Schaulagers, das schon für sich ein archi-
Tan) und der Installationen (Katharina tektonisches Kunstwerk ist, hat Maja Oeri
Fritsch, Robert Gober), die Wiederkehr der für die Kunstvermittlung des 21. Jahrhun-
Malerei (Elizabeth Peyton) und schließlich derts ähnlich Bahnbrechendes geleistet wie
die Ich-Kunst einer Andrea Zittel. Maja Sacher mit der Gründung der Stiftung
Maja Sacher hat diese Entwicklung bis für das Jahrhundert zuvor. Schön, dass diese
ins hohe Alter mitverfolgen dürfen. Und sie Entwicklungslinien nun in dieser imposan-
hatte überdies das Glück mit ihrer Enkelin ten Sammlungsschau zusammenfinden. ×
Maja Oeri schon früh eine Seelenverwandte
in der Familie gefunden zu haben, die nach Schaulager, Basel, bis 31. Januar 2016

41
SUMMER
OF
LOVE
In den Sechzigerjahren fand der Maler
David Hockney in Kalifornien seine erste große
Liebe. Die lustvolle Freiheit, die er mit
Peter Schlesinger erlebte, revolutionierte sein
Werk und machte ihn weltberühmt

VON
DA N I E L S C H R E I B E R

Sommerserie
Die schönst
Liebesgesch en
ich
in der Kuns ten
t
Teil 3

43

D
David Hockney hatte den Lehrauftrag an der
University of California in Los Angeles nicht
leichtherzig angenommen. Schon im Jahr
zuvor hatte er bei einem Zeichenkurs in
Iowa feststellen müssen, dass die amerikani-
schen Studenten weniger an Kunst als an
Teilnahmebescheinigungen für ihr Lehr-
amtsstudium interessiert waren. Doch bei
diesem Kurs im Sommer des Jahres 1966 soll-
te für den 29-jährigen englischen Künstler al-
les anders werden. Obwohl der als viertes
von fünf Kindern in einer Arbeiterfamilie im
nordenglischen Yorkshire aufgewachsene
Maler in seinem Heimatland schon beein-
druckende Erfolge feierte, hatte er beschlos-
sen, seinen Lebensmittelpunkt mehr und
mehr von London nach Los Angeles zu ver-
legen. Als ein modisch gekleideter, muskulö-
ser junger Mann schüchtern den Unterrichts-
raum betrat, war diese Entscheidung
besiegelt. Ein Blick genügte. Der 18-Jährige
mit dem halblangen, blonden Haar war
nicht nur bildschön, er schien sich auch
wirklich für Kunst zu interessieren. »Ich
habe ihn angeschaut«, sollte sich Hockney
später erinnern, »und gedacht: Er sieht wie
ein echter junger Kalifornier aus. Ein junger,
attraktiver Mann, der nicht nur sehr sexy,
L I E B E S G E S C H IC H T E N
sondern auch noch offen und intelligent war.
Es war unglaublich.«
Die Begegnung war ein glücklicher Zu-
fall. Peter Schlesinger, der aus einem libera-
len jüdischen Elternhaus im San Fernando
Valley stammte, war gar nicht berechtigt ge-
wesen, an Hockneys Fortgeschrittenenkurs
teilzunehmen, wie sich später herausstellte.
Erst eine bürokratische Intervention des
Künstlers sorgte später dafür, dass er einge-
schrieben blieb. Doch zu diesem Zeitpunkt
verbrachten die beiden Männer schon jeden
Tag zusammen, unschuldig am Pool, redend,
zeichnend oder bei Festen von Hockneys be-
kannten schwulen Freunden wie Christo-
pher Isherwood. Für alle seine Freunde war
es schnell ersichtlich, dass Hockney verliebt
in Schlesinger war. Nach drei Monaten fiel
das auch Schlesinger auf. Und mehr noch, er
erwiderte Hockneys Gefühle. Kurz bevor der
Kurs zu Ende ging und sich ihre Wege für ein
paar Monate wieder trennen sollten, wurden
sie ein Paar.
Die Liebesbeziehung mit Peter Schlesin-
ger sollte Hockneys Leben verändern, für ei-
nige seiner schönsten und für viele seiner
traurigsten Momente sorgen und eine seiner
produktivsten Werkphasen einläuten. In den
44
fünf Jahren, in denen sie zusammen waren,
und in der sich anschließenden Trauerphase,
entstanden wegweisende Gemälde des 20.
Bild vorherige Doppelseite: David Hockney/Richard Schmidt/Collection Walker Art Gallery, Liverpool; Bild diese Seite: ddp images
Jahrhunderts: Hockneys berühmte Swim-
mingpoolbilder wie »A Bigger Splash«, seine
aseptischen kalifornischen Kunstsammler-
porträts wie zum Beispiel »Beverly Hills
Housewife«, für das die Mäzenin Betty Free-
man Modell stand, seine kühlen, realistischen
Doppelbilder mit ihrem Perspektivenspiel,
auf denen er die Beziehungen befreundeter
Paare wie Christopher Isherwood und Don
Bachardy festhielt. Und schließlich die zärtli-
chen Zeichnungen und enigmatischen Groß-
gemälde wie »Portrait of an Artist«, für die
Peter Schlesinger Modell stand und die einen
besonderen Platz in Hockneys Werk einneh-
men: Peter, wie er auf einen Swimmingpool
starrt, in dem jemand taucht. Wie er aus dem
Pool eines gemeinsamen Freundes klettert
oder auf einem Hotelbalkon steht und in die
Ferne sieht. Peter auf dem gemeinsamen Bett
liegend, Peter in Los Angeles und London, in
Paris, Marrakesch und Rom, in Carennac,
Vichy oder Le Nid du Duc. Peter angezogen.
Peter nackt.
Liebe und Sex sind keine reine Privatsa-
che, und als Hockney und Schlesinger sich
kennenlernten, waren sie es erst recht noch
nicht. Dass Gefühl und Begehren immer
auch das Produkt von Gesetzen und Konven-
tionen sind, von gesellschaftlichen Codes
und kollektiven Ängsten, wird nirgends of-
fensichtlicher als in unserem Umgang mit
Homosexualität. Die erfreulichen Entwick-
lungen der vergangenen Jahre können leicht
vergessen machen, dass schwule Männer und
lesbische Frauen noch vor relativ kurzer Zeit
vor dem Gesetz nicht nur als Bürger zweiter
Klasse, sondern als Kriminelle galten. Dabei
ging es um sehr viel mehr als um das Recht
auf Heirat, das ihnen in den meisten Ländern
der Welt (einschließlich Deutschland) bis
heute nicht eingeräumt wird. Im vergleichs-
weise toleranten Großbritannien stand
schwuler und lesbischer Sex bis zum Jahr 1967
selbst dann unter Strafe, wenn er in der
Privatheit der eigenen vier Wände stattfand.
Sogar im liberalen Kalifornien wurde einver-
Bilder: David Hockney/Richard Schmidt/Collection Astrup Fearnley Museum of Modern Art, Oslo
nehmlicher schwuler und lesbischer Sex erst
im Jahr 1975 dekriminalisiert.
David Hockney hatte seine Sexualität
schon früh akzeptiert. Als er jung war, unter-
drückten die meisten schwulen Männer ihre
Gefühle oder waren gar mit Frauen verhei-
ratet. Er wollte das nicht. Seine exzentri-
schen, liberalen Eltern hatten ihm früh bei-
gebracht, dass es egal war, was die Nachbarn
dachten. Was dazu führte, dass er auch in sei-
ner Kunst nicht versteckte, dass er schwul war.
Im Gegenteil, schon während seines Studi-
ums am Londoner Royal College of Art schuf
er Bilder, die, wie er später sagte, »teilweise der
Propaganda dienten«.
Sein Wunsch, nach Los Angeles zu zie-
hen, entsprang weitgehend der Frustration,
dass es in London zu Beginn der Sechziger-
jahre noch keine wirkliche Schwulenszene
gab. In Los Angeles und seinen Strand-Com-
munitys hingegen hatte sich nach dem Krieg
eine körperbewusste, sexuell freizügige Sub-
kultur entwickelt, die Geburtsstätte moder-
nen schwulen Lebens. Hockney wollte unbe-
dingt nach L. A., obwohl er, wie sein Biograf
Christopher Simon Sykes berichtet, nur we-
nig über Südkalifornien wusste und noch
nicht einmal einen Führerschein hatte, ohne
den ein Alltag dort schlicht undenkbar ist. Er
kannte das kalifornische Lebensgefühl vor
allem aus einschlägigen Nacktmagazinen
wie »Physique Pictorial«, die die strikten Por-
nografieverbote der Zeit umgingen, indem
sie sich als Sportzeitschriften ausgaben.
45
Da war die Liebe längst passé: 1977 ent-
stand »Peter Schlesinger with Polaroid
Camera«. Li. Seite: Hockney in Jack Hazans
halbdokumentarischem Film »A Bigger
Splash« von 1973. Vorige Doppelseite:
»Peter Getting out of Nick’s Pool« von 1966
Als Hockney mit Schlesinger zusammenzog,
hatte er seinen Führerschein schon lange ge-
macht, einen weißen Ford Falcon mit einem
breiten roten Streifen an der Seite gekauft,
sein Haar blond gebleicht und seine große,
schwarze Brille mit den kreisrunden Gläsern
erstanden, die er für die nächsten Jahrzehnte
tragen sollte. Und er hatte die schwule Sub-
kultur in den Bars, Clubs und YMCAs der
Eine Serie von Fotografien liegt Hockneys
»Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)«
von 1972 zugrunde, das den Geliebten mit
ausdruckslosem Gesicht im roten Sakko zeigt

Stadt in vollem Maße ausgekostet. Die Zeit
nach seiner ersten Ankunft in Los Angeles,
erinnerte er sich später, sei die einzige Phase
in seinem Leben gewesen, in der er völlig
promiskuitiv gelebt habe. Er war nun bereit,
sich niederzulassen.
Die Wohnung in Santa Monica, die er
für sich und Schlesinger fand, war klein und
heruntergekommen, mit einem Betonfußbo-
den und bot kaum genug Platz zum Malen.
Wenn man den Gasherd anmachte, flohen die
Kakerlaken in alle Ecken. Für beide war es
dennoch eine überaus glückliche Zeit. Schle-
singers liberale Eltern hatten sich von Hock-
neys Freunden überzeugen lassen, dass sie
sich keine Sorgen machen mussten. Für die
beiden Männer war es das erste Mal, dass sie
Es war für beide Männer die erste große Liebe. Keine
andere Lebensphase kennt so viel Magie.
L I E B E S G E S C H IC H T E N
mit einem Partner zusammenlebten. Und
beide sollten sich an jenes Jahr, das sie in San-
ta Monica verlebten, als Idylle erinnern, eine
romantische und sexuell erfüllte Idylle. Es
war für sie die erste große Liebe. Keine ande-
re Lebensphase kennt so viel Magie. Tagsüber
malte Hockney, und Schlesinger besuchte sei-
ne Seminare an der Universität. Die Abende
verbrachten sie lesend und im Bett, gingen in
Restaurants oder ins Kino oder lagen an den
Pools zweier befreundeter schwuler Paare.
Und noch etwas hatte Los Angeles bei
Hockney verändert: sein malerisches Werk.
Das Licht von L. A. hatte auf ihn einen Ein-
fluss, wie es das Licht Nizzas auf Henri Ma-
tisse hatte oder das Tahitis auf Paul Gauguin.
Los Angeles wurde in Hockneys Bildern zu
48
einer subtropischen Utopie, zur spektakulä-
ren Bühne des schönen, abgeschotteten Le-
bens, die augenzwinkernd an Immobilien-
broschüren und Lifestylemagazine erinnert.
Stilisierte, überlange Palmbäume vor strah-
lend blauem Acrylhimmel waren plötzlich
auf seinen Bildern zu sehen, moderne Archi-
tektur, die sich in leuchtend weißen geome-
trischen Flächen auflöste, saftgrüner Rasen
und immer wieder das Emblem des südkali-
fornischen Lebens, vervollständigt mit zu
elegant geschwungenen Linien abstrahierten
Lichtreflexen: der Swimmingpool.
Los Angeles ist auf Hockneys Bildern
der Schlesinger-Zeit der Ort, wo sich die
Hochmoderne mit der schwulen Subkultur
Bild vorherige Doppelseite: David Hockney/Art Gallery of New South Wales/Jenni Carter; Bilder diese Seite: privat; ddp images
trifft – repräsentiert durch die Akte junger
Männer, in der Dusche, am Rand des Pools
oder auf Luftmatratzen im Wasser treibend.
Wenn man sich Hockneys Frühwerk und die
Auseinandersetzung mit dem schwulen Le-
ben darin heute anschaut, fragt man sich,
wie es möglich war, dass er damit durchkam.
Man kann kunsthistorische Strategien zur
Erklärung heranziehen – seine Weiterverar-
beitung klassisch kodierter Aktmalerei etwa
oder seine Zitate des traditionellen Motivs
der Badenden –, aber was von seinen Bildern
am deutlichsten zurückbleibt, ist die lieben-
de Selbstverständlichkeit, mit der er Facetten
der Homosexualität einfing. Eine so noncha-
lante Selbstverständlichkeit, dass sie von je-
dem feindlichen Radar übersehen wurde.
Auch stellte Hockney scheinbar mühe-
los die malerischen Diskurse seiner Zeit in-
frage. Clement Greenbergs Abstraktionsdog-
ma, demzufolge nichts Äußeres, sondern nur
noch Flächigkeit und Farbe Gegenstand ei-
nes Gemäldes sein dürften, verwies er mit
Witz in die Schranken, indem seine Farbflä-
chen konkrete architektonische Elemente
darstellten. Jackson Pollocks Drip-Paintings
malte er einmal groß und einmal klein fein
säuberlich als weiße Wasserspritzer nach.
Hockneys Kalifornienporträts sind schöne
Bilder, die im Grunde subversiv sind.
Nichts schmerzt so sehr wie das Ende
der ersten großen Liebe. Um nichts kämpft
man so wie um ihren Erhalt. Wahrscheinlich
trifft das noch mehr auf schwule romanti-
sche Beziehungen zu, die Ende der Sechziger-
jahre noch als Avantgarde gelten konnten, als
großer Glücksfall, da die Vorbilder dünn ge-
sät waren. Die ersten Anzeichen einer Krise
zwischen den Liebenden deuteten sich an, als
David Hockney und Peter Schlesinger im Juli
1967 zusammen nach London zogen. »Es war
ein wenig beängstigend«, erzählte Schlesin-
ger später. »Ich war erst 19 und schüchtern
und kannte niemanden. Swinging London
war in vollem Schwung, und ich war eine
kleiner, provinzieller Kalifornier.«
Bild: David Hockney/Prudence Cuming Associates
Schlesinger kam in ein vorgefertigtes Leben,
in ein Universum aus Freunden und Unter-
stützern, das sich um den Star David Hock-
ney drehte, dessen Kalifornienbilder ihn in
den englischen Malerolymp katapultiert hat-
ten. Schlesingers Fotos aus jener Zeit, die er
2003 im Buch »Checkered Past« veröffentlich-
te, fangen eine glamouröse Ära ein, die von
berühmten Künstlern und Designern, von
Cecil Beaton oder Mick Jagger, Manolo Blah-
nik oder Vivienne Westwood bevölkert ist.
Er versuchte sein Bestes, einen Platz in die-
sem Leben zu finden. Er nahm sich ein eige-
nes Atelier, um zu malen, und wurde an der
Slade School of Fine Art aufgenommen.
Schlesinger arbeitete ernsthaft an seiner Ma-
lerei. Aber es gelang ihm nicht, jemals richtig
Fuß zu fassen in der Kunstszene der Stadt
und sich einen eigenen Namen als Künstler
zu machen. Überall, wohin er ging, war er als
David Hockneys Liebhaber bekannt.
Mag sein, dass Hockney Schlesingers
Probleme nicht vollends wahrnehmen oder
verstehen konnte, da er in seiner eigenen Ar-
beit und seinem Leben gefangen war. Und in
der Tat, je öfter Hockney seinen Partner mal-
te, desto nachdrücklicher entwickelte er sei-
ne Malerei weiter. Das Gemälde »The Room,
Tarzana«, das Hockney 1967 nach seiner
Rückkehr nach London fertigstellte, zeigt
Schlesinger in einem sonnendurchfluteten
Raum, auf dem Bauch im Bett liegend, nur
mit T-Shirt und Socken bekleidet. Zum ers-
ten Mal seit einem Jahrzehnt betont Hock-
ney nicht mehr die Flächigkeit des Bildes.
Stattdessen erzeugt er die Illusion von Raum-
tiefe und spielt zwei perspektivische Flucht-
punkte gegeneinander aus. Zum ersten Mal
seit seinen Anfängen als Kunststudent ließ er
hier naturalistischen Impulsen freien Lauf,
ein angesichts der kunsttheoretischen Debat-
ten jener Zeit geradezu unerhörter Affront.
Hockney sollte bis zum Ende der Beziehung
im Sommer 1971 nicht aufhören, Peter
Schlesinger zu zeichnen, zu malen und zu
fotografieren. Diese künstlerischen Liebes-
erklärungen hielten auch noch an, nachdem
sich das Paar getrennt hatte.
Vor allem David Hockney brauchte vie-
le Jahre, um sich nach dem schmerzhaften
Ende der Beziehung wieder zu fangen. In
Kontakt blieben die beiden Männer trotz-
49
Im Rausch der Verliebtheit zeichnete
Hockney den Freund in lasziver Schönheit,
»Peter, Albergo La Flora, Rome«, 1967.
Li. Seite: Schlesinger als junger Mann in
Beverly Hills, darunter Filmstill aus »A
Bigger Splash«, aufgenommen in den frü-
hen Seventies, als sich das Paar trennte
dem. Das letzte Mal, dass er Schlesinger sah,
berichtete der Künstler kürzlich im »Guar-
dian«, sei im Jahr 2012 bei einem Essen in
New York gewesen. Sie hätten sich eine Stun-
de unterhalten und dann nichts mehr zu sa-
gen gehabt. Beide Männer hatten im Laufe
der Jahre sehr viel intensivere und längere
Beziehungen. Doch für beide war es diese
Romanze, die sie definierte. Das Schicksal
erster großer Lieben ist es meistens, dass man
sie im Nachhinein nicht mehr versteht. Aber
auch nie vergessen wird. ×
Hockneys Zeichnungen von Peter Schlesinger sind
noch bis 13. September im Museum Gunzenhauser,
Chemnitz, und vom 3. November bis 1. Dezember
in der Paul Kasmin Gallery, New York, zu sehen
 LIECHTENSTEI N

Bilder: LIECHTENSTEIN. The Princely Collections, Vaduz–Vienna/Inv.-Nr. SK 1440; LIECHTENSTEIN. The Princely Collections, Vaduz–Vienna/Inv.-Nr. SI 98; Sven Beham/Liechtensteinisches Landesmuseum
M
it dem Einwurf eines Jetons,
den man sich zuvor im Lan-
desmuseum nebenan geholt
hat, geht eine Sicherheits-
schleuse auf. Die Spannung steigt. Eine Tür
schließt sich, erst dann öffnet die nächste ei-
nen lang gestreckten schwarzen Raum, der
sich in der Dunkelheit verliert: Nur die kost-
baren Exponate sind angestrahlt. Es funkelt
und schimmert, wie man es sich in einer
Schatzkammer eben vorstellt. Dabei befin-
den wir uns hier nicht in einer Burg oder ei-
nem Schloss, sondern im Erdgeschoss des so-
genannten Engländerbaus, einem der frühen
Gebäude der Moderne mitten in Vaduz. Im
ersten Obergeschoss ist das berühmte Liech-
tensteinische Postmuseum beheimatet, im
zweiten der Kunstraum der Kulturstiftung
für regionale zeitgenössische Künstler.
Zuerst fällt der Blick auf eine Krone, die
hier in einer Vitrine prangt: Der originale
Herzogshut, den Fürst Karl I. Anfang des
17. Jahrhunderts mit über hundert Diaman-
ten, sechzehn Rubinen und einundzwanzig
Perlen bei einem Frankfurter Juwelier in
Auftrag gab, ist allerdings verschwunden.
1781 heißt es in einer Inventarliste lakonisch,
die Krone sei »abgängig«. Im Jahr 1978 ließen
das Land und die Gemeinden anlässlich des
40. Regierungsjubiläums von Fürst Franz Jo-
sef II. eine Replik herstellen, die jetzt einen
Eindruck des kunstvollen Machtsymbols
und seiner magischen Aura vermittelt. Es
handelt sich, wie bei weiteren Kostbarkeiten
auch, um eine Leihgabe des Fürstenhauses.
Dem Kunsthistoriker wird das Herz
beim Anblick eines barocken Elfenbeinre-
liefs von Ignaz Elhafen höher hüpfen, das die

Liechtensteins Schätze Auffindung des Mosesknaben darstellt, oder

Ein Besuch in der neu eingerichteten Schatzkammer gleicht
einer Reise durch 500 Jahre Sammelgeschichte und führt
vom kleinen Fürstentum durch ganz Europa bis ins Weltall
VON
LISA ZEITZ
bei der kleinen Silberstatuette des »Orpheus
mit der Harfe« aus den Jahren 1613/15. Auch
die Altmeistergemälde an den Wänden stam-
men aus dem Fürstenhaus, ein »Affengelage«
von David Teniers d. J., daneben bäuerliche
Genreszenen von Adriaen von Ostade und
ein Blumenstillleben von Franz Werner
Tamm, gemalt in Wien 1715.
Schon Fürst Karl Eusebius gab seinen
Nachkommen den Rat, Ruhm als Bauherr
und Sammler zu suchen, nicht als Kriegsheld,

50

Bilder: Sven Beham/Liechtensteinisches Landesmuseum; Sven Beham/Liechtensteinisches Landesmuseum; LIECHTENSTEIN. The Princely Collections, Vaduz–Vienna/Inv.­Nr. WA 4141
Koloman Moser vergaß bei seinem Brief­
markenentwurf das »e« von Liechtenstein.
Den Rheinfall bei Schaffhausen (re.) malte
der Romantiker Johann Ludwig Bleuler. Der
barocke Hirschfänger unten gehört zur
Waffensammlung der Fürsten. Li. Seite der
immerwährende Kalender (kurz nach 1587)
und »Orpheus mit der Harfe (1613/15) aus
der fürstlichen Kollektion, das »Apfelblüten­
Ei« von Fabergé aus der Sammlung Goop
doch im Lauf der Jahrhunderte durchziehen
unweigerlich immer wieder militärische Er-
eignisse und Karrieren die Geschichte der Fa-
milie, meist im Dienst der Habsburger. Die
außergewöhnliche Sammlung an Waffen
und Rüstungen beinhaltet etwa einen Teil
der Rosenblattgarnitur Kaiser Maximilians II.:
eine metallene Faust, die sogenannte Hentze,
mit feiner schwarz geätzter Dekoration und
vergoldeten Nieten – sie ist 1571 in Landshut
von Meister Franz Grosschedel gefertigt wor-
den. Zwei Radschlosspistolen mit detailrei-
chen Elfenbeineinlagen sehen aus, als ob sie
nicht zum tatsächlichen Schießen, sondern
gleich für die Kunstkammer in Auftrag gege-
ben wurden, und drei wertvolle spanische
Jagdflinten, Geschenke von Kaiser Joseph II.,
zeugen davon, dass die Jagd ein Privileg der
Herrscher war. Darunter ist eine Stein-
schlossflinte von Joaquin de Zelaia, einem
der spanischen Meister, der im 18. Jahrhun-
dert zu den begehrtesten Adressen für
Schusswaffen zählte.
Das kleine Land Liechtenstein kann
sich aber nicht nur mit den Sammlungen des
Fürstenhauses und der Hilti Art Foundation
schmücken. Zu den großen liechtensteini-
schen Privatsammlern zählte Adulf Peter
Goop (1921–2011), der sein Heimatland kurz
vor seinem Tod reich beschenkte. Eine seiner
Leidenschaften galt Ostereiern, und es gibt
wohl kaum eine internationalere Kollektion.
Die üppig bestückten Vitrinen der Schatz-
LIECHTENSTEI N
kammer bieten dennoch nur eine kleine Aus- schluchten zum Bodensee und nach Köln bis
wahl aus den rund 4000 Eiern. Als Höhe- zur Nordsee – das am Rhein gelegene Liech-
punkt ist das sogenannte Apfelblüten-Ei von tenstein mit dem Rest von Europa.
Fabergé zu bewundern, das mit emaillierten Für die Souveränität des Landes spielt
Blütenblättern, Diamanten und roségolde- das Thema Post eine besondere Rolle. »Für
nen Zweigen verziert ist, die auf hauchdünn die Liechtensteiner sind ihre Briefmarken
geschnittene dunkelgrüne Jade appliziert nicht nur filigrane Kunstwerke, sondern auf
sind. Das 14 Zentimeter breite Kleinod hat wenigen Quadratzentimetern symbolisierte
der russische Großindustrielle Alexander Unabhängigkeit«, sagt Rainer Vollkommer,
Fernandowitsch Kelch im Jahr 1901 als Ge- der nicht nur Direktor der Schatzkammer ist,
schenk für seine Frau bei Carl Fabergé und sondern auch des Landesmuseums und des
seinem Werkmeister Michael Perchin in Postmuseums. Die erste Zwei-Heller-Marke
St. Petersburg in Auftrag gegeben. mit dem Bildnis des Fürsten Johann II. ent-
Die Sammlung Goop beinhaltet auch warf der Jugendstilkünstler Koloman Moser
viele Eier, die einst zu den Osterfesten am im Jahr 1912.
russischen Zarenhof verschenkt wurden. So Das jüngste Kapitel der Schatzkammer
ist zum Beispiel überliefert, dass Katharina II. zielt ins Weltall – hätten Sie gedacht, dass die
im Jahr 1793 nicht weniger als 373 Porzellan- Apolloraketen mit Technologie aus Liechten-
eier erhielt, aber es gab auch Ostereier aus stein an den Start gingen? Die Firma Balzers
Kristallglas, Email oder Edelstein, Holz und war in den Sechzigerjahren führend in den
Papiermaché. Bereichen Beschichtung und Vakuumtech-
Neben den Ostereiern vermachte der nik – so kommt es, dass jetzt fünf Brocken
Sammler Adulf Peter Goop dem Land auch Mondgestein hier aufbewahrt werden. Vier
eine Folge von 77 Gouachen des Romanti- davon sammelten Neil Armstrong und Buzz
kers Johann Ludwig Bleuler (1792–1850). Sie Aldrin 1969 bei der ersten Mondlandung ein
umfassen ein Großprojekt, denn Bleuler hat- – sie wurden vom damaligen US-Präsidenten
te es sich zur Aufgabe gemacht, den Rhein Richard Nixon als Geschenke an Liechten-
von seiner Quelle bis zur Mündung in Bil- stein überreicht. Von allen Objekten der
dern festzuhalten. Seinen Wohnsitz und die Schatzkammer sind sie vielleicht nicht die
Werkstatt, in der Stecher und Koloristen die kostbarsten, aber gewiss die kuriosesten. ×
Werke vervielfältigten, hatte er direkt am
Rheinfall von Schaffhausen. In gewisser Wei- Schatzkammer Liechtenstein, Vaduz, Städtle 37,
se verbindet die Bilderreise – von den Alpen- täglich 10–17 Uhr außer 24., 25., 31.12. u. 1.1.
51
 Kunsthändlerverband
Deutschland
F aireR ahm en b ed in gu ngenb ildend ieG ru ndlagefü rein en
vielfältigenu n dp rosp erieren d enH an delm itK u nstu n dA n tiqu itäten.
F ürd iesen otw en d igenV orau ssetzu n gensetztsichd erK D -
K u nsthän dlerverb an dD eu tsch lan dseitlan gemm itzah lreich en
A ktivitätenein .U n sereM itglied erü b erallinD eutsch lan den gagieren
sichfü rd enE rh altein esm öglich stfreienA ustausch esvonK un st
un dk ulturgesch ich tlichenS am m lungsob jekten .D azufü hlenw iru ns
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gesam m eltw ird ,istau chd ieL eistun gd esn ationalenH an d els,
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geschnitztemG reifin
originalerP olim ent-
vergoldung,R ückw and
beidseitigverspiegelt

H1
64xT6
1,5cm
 S A M M L E R SE M I N A R

SAMMLER
SEMINAR Nº 2 3

Art-nouveau-Glas

Bild: Kastern, Hannover

Die Ziergläser des französischen Jugendstils waren ein brodelndes Experimentierfeld für neue
Formen, Farben und Techniken. Sammlern bietet sich eine bezaubernde Auswahl

VON
A SK A N QU I T T E N B AU M

54
 S A M M L E R SE M I N A R

E
Es gibt sie immer noch, die Dachbodenfunde,
die ins Auktionshaus getragen werden. Vor
ein paar Jahren kündigte sich auf einer mei-
ner Expertenreisen eine Dame mit einer fran-
zösischen Glasvase an, die ich mir mal anse-
hen sollte. Wir verabredeten uns in der Lobby
meines Hotels. Zur Begrüßung knallte sie
mit Schwung ihre Handtasche auf den Tisch
– darin die Vase, unverpackt, in ihren Augen
ein langweiliges Erbstück von der verstorbe-
nen Tante. Wie ich bereits vermutet hatte,
handelte es sich um eine Vase von Émile
Gallé mit einem seltenen Dekor, die sich ein
Sammler in der kommenden Auktion für
Bilder: Dorotheum, Wien (2); Hargesheimer, Düsseldorf

29 000 Euro sicherte. Kennerschaft lohnt sich.

Gerade beim Glas des Art nouveau, der fran-
zösischen Variante des Jugendstils. Der Markt
dafür ist seit Jahren sehr groß und stabil.
Art-nouveau-Glas wird auf der ganzen
Welt gesammelt. Manches Papieretikett am
Boden einer Vase erzählt nicht nur die Ge- 2
schichte eines Ladengeschäfts in Paris, son-
dern verweist auf eine Provenienz aus Bue-
nos Aires oder New York. Ein besonderes 3
Faible hegen die Japaner, die in den Zierglä-
sern den Einfluss ihrer eigenen Ästhetik
schätzen. Kunst und kunstgewerbliche Ob-
jekte aus Japan gehörten zu den wichtigsten 1
Inspirationsquellen der Jugendstilkünstler.
Es war eine Zeit des Umbruchs und großar-
tiger Neuerungen auf vielen Ebenen. Auch
die Kundschaft war im Wandel und bestand
vermehrt aus Künstlern und erfolgreichen
Industriellen, die ihren modernen Lebensstil
In den 1920ern reduzierten sich die Ju-
zum Ausdruck bringen wollten. gendstilformen zu klarer Grafik: 1 Die Vase
ableiten. In diesem Mai wurden bei Sothe-
von Legras mit dem Kaskadenbrunnen by’s in Paris für eine Vase von Émile Gallé
Nancy, die Glashauptstadt brachte 2013 im Dorotheum inkl. Aufgeld mit Aufgeld 435 000 Euro bewilligt, der
Die Künstler des Art nouveau waren ab 1870 1250 Euro 2 Vase mit Dahliendekor von höchste Zuschlag für diesen Künstler seit
die Ersten, die es verstanden, das Glas so zu Burgun, Schverer & Co., um 1897; 2002 er- dem Ende der extremen Hochpreisphase in
behandeln, dass alle ästhetischen Qualitäten zielte das Stück im Dorotheum 18 300 Euro den 1980er-Jahren. Die Vase hat die Form ei-
und Möglichkeiten des Materials zum Vor- 3 Die Jardinière von Daum, 1907, brachte ner Blütenknospe; auf der Wandung er-
schein kamen. Durch komplexe Überfang- bei Hargesheimer mit Aufgeld 6250 Euro scheint eine geschnittene Lilienblüte vor ei-
techniken und Pulvereinschlüsse erreichten Linke Seite: Vase mit Frauenschuh in Zwi- nem vielfarbigen impressionistischen
vor allem die Manufakturen der École de schenschichtmalerei, im März bei Kastern Hintergrund. Zu den höchsten Zuschlägen
Nancy eine nie dagewesene Polychromie für 3000 Euro zugeschlagen der Manufaktur Daum Frères gehört ein
und Tiefe der Farben. Durch kalte Verede- Glaskürbis, der 2006 bei Christie’s in New
lungstechniken wie Schneiden und Ätzen ar- York 156 000 Dollar (samt Aufgeld) erzielte.
beiteten sie die Dekore plastisch heraus. In Émile Gallé und Daum Frères waren
der Glaskunst lassen sich Malerei und Skulp- um 1900 die beiden größten Produzenten
tur verbinden, von dieser Qualität kann man von Kunstgläsern, und noch heute geben
auch die Bewertungen der teuersten Gläser ihre Werke auf dem Kunstmarkt den Ton an.

55

Beide Firmen produzierten in Nancy, das seit
1871 vom Deutschen Reich annektiert war
und sich Ende des 19. Jahrhunderts zu einem
der wichtigsten Kunstzentren des Jugendstils
in Europa entwickelte. Hier in Lothringen,
das sich auch unter den Deutschen in künst-
lerischen Dingen beharrlich nach Frank-
reich und vor allem nach Paris orientierte,
hatten sich Kunsthandwerker, Industrielle
und Kaufleute zu einer losen Vereinigung zu-
sammengeschlossen, mit dem Ziel, die tradi-
tionellen kunsthandwerklichen Techniken
zu lehren und zu fördern und dabei die Vor-
teile der industriellen Fertigung und des mo-
dernen Vertriebes mit einzubeziehen. Zum
Leitbild der Mitglieder, festgeschrieben in
den Statuten 1901, gehörte die Orientierung
am Vorbild der Natur, um sowohl bei Luxus-
objekten und Unikaten als auch bei seriellen
Gebrauchsgegenständen Eleganz und
Schönzeit zu erzielen.
Zu den Gründungsmitgliedern
der École de Nancy gehörte
Émile Gallé. Er übernahm in
den 1870er-Jahren die väterli-
che Keramikmanufaktur
1
S A M M L E R SE M I N A R
1 Vase von Émile Gallé, um 1890, in das
rauchbraune Glas ist Reliefdekor geätzt,
die Libellen sind in Emailmalerei ausge-
führt. Bei Dr. Fischer fiel dafür 2014 der
Hammer bei 10 000 Euro 2 Tischlampe
»Lys« (Lilie) von Gallé in Überfangtechnik,
Endpreis 5600 Euro bei Hargesheimer,
2014 3 Eugène Rousseau und Ernest Lé-
veillé, Schale mit abstrakter Polychromie,
1566 Euro mit Aufgeld, 2013 bei Tajan
56
und spezialisierte sich rasch auf hochwertige
Gläser. Zudem schuf er Keramiken und Mö-
bel. Seine Kunstgläser sind besonders begehrt
und zeigen seine künstlerische Bandbreite.
Das in mehreren Schichten produzierte Über-
fangglas mit aufwendigen Ätzdekoren wurde
zu einem zentralen Bestandteil seines techni-
schen Repertoires. Gallé war fasziniert von
der Botanik, unternahm intensive Pflanzen-
studien und betätigte sich aktiv im Vorstand
mehrerer Gartenbaugesellschaften. Magno-
lien, Glyzinien, Hortensien, Akeleien, wilder
Wein, Clematis, Orchideen und Seerosen zie-
ren, detailgenau beobachtet, seine Entwürfe.
Stimmungsvolle Landschaftsdekore wie die
»Ligne bleue des Vosges« im farbigen Licht
der auf- oder untergehenden Sonne sind bei
vielen Sammlern genauso beliebt wie Vasen
mit floralen Motiven.
Gallé oder Daum?
Besonders gefragt sind Gallés vases parlantes
(sprechende Vasen), bei denen literarische
Bilder: Dr. Fischer, Heilbronn; Hargesheimer, Düsseldorf; Tajan, Paris
Inschriften von Victor Hugo und anderen
Autoren die poetische Ausdruckskraft seiner
floralen Dekore steigern. Auf die von ihm
entwickelte, sehr aufwendige Technik der
Marqueterie meldete der Glaskünstler 1898
zwei Patente an. Diese seltenen Modelle kön-
nen auf dem Markt leicht 100 000 Euro erzie-
len. Gute Chancen für Sammler mit be-
schränktem Budget bieten Gallés Stücke, die
nicht den allgemeinen Schönheitsidealen
entsprechen, etwa die vases de tristesse, die
traurigen Vasen, mit nächtlichen Stimmun-
gen in düsteren Farben, aber technisch
höchst anspruchsvoll umgesetzt.
Es gibt Sammler, die Gallé-Gläser ver-
schmähen und sich lieber auf die Manufak-
tur Daum Frères konzentrieren, die sich
ebenfalls in den 1870ern in Nancy etablierte.
Die opake Oberfläche, erzielt durch Pulver-
einschlüsse, gehört zu den charakteristischen
Merkmalen der Daum-Stücke. Großer Be-
liebtheit erfreuen sich derzeit emailbemalte
3
 S A M M L E R SE M I N A R

Die wichtigsten Glasmanufakturen des Art nouveau

Bilder: Robert Zehil Gallery; Schürenberg, Aachen; Tajan, Paris; Dorotheum, Wien; Tajan, Paris; Pusch, Bamberg; Dorotheum, Wien; Quittenbaum, München

Amédée de Caranza Daum Frères

Zunächst schuf Caranza emaillierte Stücke in Bedeutende, auf den Weltausstellungen preisge-
orientalischer Art für diverse Keramikmanufak- krönte Manufaktur. 1878 erwarb Jean Daum in
turen. Ab 1895 sind erste Glasarbeiten bekannt, Nancy eine Glasfabrik, die seine Söhne Auguste
ab 1903 war er für die Glasfirma Henri Copillet und Antonin zum Erfolg führten. Typisch sind
in Noyon tätig. Seine Spezialität war der opake Oberflächen durch Pulvereinschlüsse und
Lüsterdekor auf Glas, wie bei dieser Vase, die die emailbemalte Landschaftsvasen. Die Freesienvase
Zehil Gallery anbietet; Preis auf Anfrage. kostet bei Pusch in Bamberg 2600 Euro.
Désiré Christian
Er arbeitete für Burgun, Schverer & Co.
und für Émile Gallé, bevor er um 1900
seinen eigenen Veredelungsbetrieb für
Zier- und Gebrauchsgläser in Meisen-
thal gründete. Hervorragende Leistun-
gen bei Gläsern mit farbigem Dekor
zwischen den Überfangschichten. Die
Flaschenvase mit Kornblumendekor er-
zielte im Dorotheum 3472 Euro.

Burgun, Schverer & Co. Émile Gallé

1711 gegründeter Betrieb in Meisenthal, der ab Gründer der Vereinigung École de Nancy und
1889 zum bedeutendsten Unternehmen für erfolgreichster Glaskünstler seiner Zeit. Entwarf
Kunstgläser und Trinkglasgarnituren in Elsass- komplexe Überfanggläser mit geätzten Dekoren.
Lothringen aufstieg. Fertigte per Geheimvertrag Nach seinem Tod 1904 produzierte die Firma
einige Jahre Gläser für Gallé. Vase »Cœur de weiter bis in die 1930er-Jahre. Flakon mit Frosch-
Jeannette«, 16 500 Euro bei Schürenberg. motiv, mit Aufgeld 20 000 Euro im Dorotheum.

Legras & Cie.

Email- und Goldmalereien versehen. Ab
Ernest Léveillé
Inhaber eines Glas- und Keramikgeschäftes in
Paris, der erst Mitarbeiter, dann Partner des Glas-
künstlers Eugène Rousseau wurde. Typisch sind
geschnittene, ägyptisierende Spiral- und Ranken-
muster oder Imitationen von Halbedelsteinen
wie diese Dose (Erlös: 1148 Euro bei Tajan).
Bedeutende Firma um 1900 mit rund
1500 Arbeitern und 150 Dekorateuren.
Industriell gefertigte Massenartikel.
Häufig sind Gläser im Stil Gallés mit
1908 für einige Jahre Hersteller von
Parfumflaschen für Lalique. Mohnvase, Muller Frères
5100 Euro inkl. Aufgeld bei Tajan. Die alte Glasbläserfamilie gründete 1895 in
Lunéville einen Veredelungsbetrieb für Ziergläser.
Neben geätztem Überfangglas kam die fluo­
gravure zum Einsatz, bei der die Oberfläche vor
dem Säurebad mit Emailstaub eingefärbt wird.
Die Vase erzielte 2250 Euro bei Quittenbaum.

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 S A M M L E R SE M I N A R

Émile Gallés Vase »Rose de France« erzielt dem nicht unbedingt die höchsten Preise,
immer wieder Spitzenpreise. Dieses Exem- weil sie oft in ihrer Erscheinung etwas zu-
plar von 1901 (u.) kletterte bei Quitten- rückhaltend sind und nur der wahre Kenner
baum 2013 mit Aufgeld auf 146 625 Euro. ihre Qualitäten zu schätzen vermag.
Aber auch für kleine Geldbeutel gibt es Gläser aus dem Haus Muller Frères im
Stücke: Landschaftsvase von Legras, um lothringischen Croismare erreichen nicht die
1900/14, die Wendl für 150 Euro zuschlug.
technische Qualität der beiden großen Fir-
Rechte Seite: Vase mit reizvollem Über-
men. Ihre geätzten und emaillierten Land-
fangdekor von Muller Frères, bei Tajan
2014 für 2706 Euro inkl. Aufgeld verkauft schaftsvasen sind jedoch häufig von einer ein-
zigartigen impressionistischen Qualität; auf
Auktionen werden sie meist zu moderaten
Preisen noch unter 2000 Euro aufgerufen. An
die grafische Qualität von chinesischen Tu-
schezeichnungen erinnern die technisch
einfachen Arbeiten aus dem Haus Legras.
Kleinformatiges aus der in Saint-Denis ange-
siedelten Manufaktur können Einsteiger
schon für weniger als 200 Euro erwerben. Als
Raritäten gelten Gläser von Amédée de Ca-
ranza, der als einziger Glasproduzent in
Frankreich den Lüsterdekor verwendete.
Wie bestimmen sich heute die Preise?
Ein wichtiger wertsteigernder Faktor ist Sel-
tenheit. Farbenprächtige Modelle mit vielen
Überfängen und aufwendigen Ätzungen
oder Schnitten werden mit hohen Schätzun-

Bilder: Quittenbaum, München; Wendl, Rudolstadt

gen honoriert. Auch eine besondere Form
oder die richtige Größe für die heimische Vi-
trine sind wichtig. Plastische Applikationen,
wie Henkel oder Bänder sind eher preisstei-
gernd. Tischlampen mit einem Glasfuß und
einem Glasschirm waren bis vor einiger Zeit
grundsätzlich höher bewertet als Vasen.
Doch unlängst gab es einen Trendwechsel,
und jetzt kann man eine schöne Gallé-Lam-
pe von einem halben Meter Höhe manchmal
schon für deutlich unter 10 000 Euro kaufen.
Bronzemontierungen sind bei einigen
Sammlern nicht so beliebt, weshalb es da zu
Landschaftsvasen. Waldszenerien, dargestellt sein. Als Gruppe wirken sie auf Fensterbän- Preisabschlägen kommen kann, vor allem
im Wechsel der vier Jahreszeiten, sind zuwei- ken und in Vitrinen besonders dekorativ. wenn es eine historisierende Montierung ist.
len schon für 500 Euro zu haben. Es geht aber Viele kleinere Manufakturen in Frank- Ein graviertes Relief wird in den meisten Fäl-
bis in den fünfstelligen Bereich: Eine Boden- reich und Lothringen orientierten sich an len höher bewertet als ein nur geätzter Dekor.
vase »Pluviose« mit einem Birkenwald bei den neuen Techniken und Dekoren von Gläser des Art nouveau sind fast aus-
Regen erzielte bei Quittenbaum im Mai über Gallé und Daum. Einige von ihnen erlangten nahmslos bezeichnet. Fehlt einmal die Si-
30 000 Euro. durch ihre technischen und künstlerischen gnatur, wurde sie ursprünglich wohl in Gold
Die vielleicht größte Preissteigerung in Errungenschaften große Bedeutung. So ar- oder Email angebracht und dann mit der
den vergangenen zwei Jahrzehnten lässt sich beitete Burgun, Schverer & Co. aus dem loth- Zeit abgerieben. Bei Daum orientieren sich
bei Vasen mit geätzten und emaillierten ringischen Meisenthal mit Präzision und ei- die Signaturen oft an der verwendeten Tech-
Winterlandschaften verzeichnen. In den ner enormen Farbpalette in der Technik des nik: Geschnittene Stücke haben eine gravier-
Neunzigern konnte man noch für umgerech- Zwischenschichtdekors (décor intercalaire). te Signatur; kamen Emailbemalung oder
net rund 500 Euro ein ansehnliches Stück er- Vergoldung zum Einsatz, finden sich die
werben. Heute kosten Daum-Vasen mit die- Seltenheit und Signatur Techniken auch bei der Manufakturbeschrif-
sem Dekor um 3000 Euro, bei größeren François-Eugène Rousseau aus Paris propa- tung. Hat die Vase nur einen Ätzdekor, sind
Exemplaren in ausgefallenen Formen oder gierte noch vor Gallé die Formensprache und die Lettern oft in Hochrelief geätzt.
mit Henkeln schnell 5000 Euro und mehr. die Dekorwelt Ostasiens. Henry Cros und Die Signatur von Daum hat sich im Lau-
Ein breites Spektrum der hoch geätzten und Albert Dammouse aus Sèvres sowie François fe der Zeit deutlich weniger gewandelt, als es
emailbemalten Modelle stellte Daum Frères Emile Décorchemont aus Conches in der bei Gallé der Fall war. Die früheren Stücke
auch als Vasen, Schalen und Flakons im Normandie waren die Protagonisten des in Daums bestehen aus dem Firmennamen und
Kleinformat her. Solche Miniaturen können Formen gebackenen Glaspulvers, der soge- der Ortsangabe Nancy, meist sitzt noch das
eine sinnvolle thematische Einschränkung nannten Pâte de verre. Stücke von diesen Landeswappen, das Lothringer Kreuz, dane-
beim Sammeln von Art-nouveau-Gläsern Herstellern sind sehr rar, erzielen aber trotz- ben. Frühe Arbeiten von Émile Gallé sind da-

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 gegen sehr umfangreich, oft mit dem Zu-
satz »Cristallerie« und »modèle et décor
déposés« (Musterschutz) sowie der Ortsan-
gabe Meisenthal oder Nancy versehen. Die-
se meist geätzten Signaturen nehmen bei
manchen Vasen nahezu die gesamte Bo-
denfläche ein. Oft ist mittig zusätzlich eine
Blüte zu sehen. Allein die kunstvolle Art
der Signatur lässt manche Sammlerherzen
höherschlagen. Aber Achtung: Besondere
Arbeiten Gallés haben oft eine eher simple
Signatur. So findet man auf Marqueterie-
Objekten häufig eine kleine, dünn gravier-
te Signatur, manchmal mit einer Datierung
und bisweilen auch dem Zusatz »Expositi-
on universelle 1900«, der darauf verweist,
dass das Glas auf der Weltausstellung in Pa-
ris ausgestellt war, für die Gallé eine ganze
Anzahl sehr hochwertiger Arbeiten schuf.
Wie man Retuschen aufspürt
Vor jedem Kauf sollte man genau prüfen,
ob die angebrachte Signatur zu dem Stück
passt. Es tauchten nämlich schon authenti-
sche Stücke auf, die jedoch die gefälschte
Signatur einer anderen Manufaktur trugen.
Holen Sie sich im Zweifelsfall Rat bei Ex-
perten, oder konsultieren Sie einschlägige
Ausstellungskataloge.
Ganz wichtig ist der Erhaltungszu-
Bild: Tajan, Paris
stand. Daher sollten vor allem Henkel,
Mündungsrand und Standkante gründlich
untersucht werden. Manchmal sind diese
Bereiche nachträglich beschliffen, Henkel
oder andere Applikationen gänzlich ent-
fernt worden. Wichtig zu wissen ist, dass
die meisten Gläser von Émile Gallé, auch
wenn der Dekor lediglich geätzt wurde, im
Mündungsbereich Schleifspuren aufwei-
sen. Besonders hohe und schlanke Vasen
sind dem Risiko der Enthauptung ausge-
setzt, daher sollte man versuchen zu erken-
nen, ob nicht eine nachträgliche Kürzung
in der Höhe vorgenommen wurde.
Die zweifelhafte Mode, Vasen nach-
träglich in Tischleuchten umzuwandeln,
hat auch vor hochwertigem französischen
Glas nicht haltgemacht. Oft ging dies ein-
her mit einer Bohrung für das Kabelloch
im Boden oder in der Wandung. Problema-
tisch für den Sammler wird es vor allem,
wenn dieses Loch wieder fachmännisch ge-
füllt wurde, um die absichtliche Beschädi-
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gung des Glases und die damit einherge- P
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hende Entwertung unsichtbar zu machen.
vergleich
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Hier hilft eine Begutachtung in starkem sieheM useu m sk
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Gegenlicht. Eine Kunststofffüllung fühlt A ndréC h arlesB ou lle1642-17 3 2 ,Seite294
sich zudem wärmer an und leistet beim
Überstreichen mehr Widerstand.
Wenn man dem Verkäufer nicht traut,
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empfiehlt sich ohnehin die Begutachtung Telefon:0621/1 02 41 0
des Glases bei starker Beleuchtung. So ent- m
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deckt man Risse, Sprünge oder Ausbesse- w
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rungen. Bei aller Vorsicht sollte man sich
nicht zu sehr verunsichern lassen. Nur bei
einem verschwindend geringen Anteil der
Stücke wurden derart kriminelle Verände-
rungen oder Retuschen vorgenommen.
Gleichwohl sollte man sich beim Kauf den
tadellosen Erhaltungszustand (etwa auf der
Rechnung) zusichern lassen. In Auktions-
häusern empfiehlt es sich, vor dem Mitstei-
gern einen Zustandsbericht anzufordern
und den Katalogtext genau zu lesen.
Der Jugendstil ist eine faszinierende Mark enuhren
Epoche für Sammler. Ob in Nancy, Glas- au s
gow oder Wien, in Darmstadt, Brüssel oder
München, in St. Petersburg, Kopenhagen
zweiterH and
oder Mailand – die eigenständigen Schu-
len haben einen brodelnden Kanon der
Künste entstehen lassen. Wenn man die
Glasarbeiten der École de Nancy und aus
Paris als Teil dieses kreativen Schmelztie-
gels sammelt, wird man einerseits die be-
sonderen Qualitäten immer besser erken-
nen und gleichzeitig über die Jahre zu
einer anspruchsvollen Kollektion gelangen.
Denn auch auf diesem Gebiet gilt: Das UnionGla shütte„D ürrstein2 “m ite wigem
Auge des Sammlers wird im Lauf der Zeit KalenderinR oségo ld1 8kt,
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besser und besser. Sammeln bedeutet auch Aufl
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immer Aussortieren. Das jeweils beste
Stück der eigenen Kollektion wird die
Messlatte für die nächsten Ankäufe sein. × P6,5|6816 1M an nheim
T
elefon:0621/1 50 4736 7
info
@ uhrboerse.com
Askan Quittenbaum ist Geschäftsführer des
Auktionshauses Quittenbaum in München www
.uhrboerse.com

Wie entsteht eine Pâte de verre, und was ist der Überfang? Wer bietet Art-nouveau-Glas an,
und wo schult der Sammler sein Auge? Unsere Übersicht gibt Antwort
Glossar
Ätzung
Dabei wird die Oberfläche in einem
Flusssäure-Tauchbad abgetragen.
Durch Anbringung einer Schutz-
schicht in Form des Negativdekors
lässt sich gezielt die Darstellung auf
der Wandung komponieren. Durch
mehrere Ätzvorgänge erzielt man
feine Nuancen. Die Ätzung ist eine
kostengünstige Alternative zum
aufwendigeren Schnitt.
Aufschmelzung
Im heißen Zustand angebrachte
Werkstoffe, z. B. vorgeformte
Glasstücke (Henkel, Nuppen,
Bänder, Fäden etc.), Glaspulver (hier
spricht man auch von Emailauf-
schmelzung) oder Metallfolien
(etwa Gold).
Emailbemalung
Bei dieser »kalten« Veredelungs-
technik wird das nahezu fertige
Glasobjekt vielfarbig bemalt.
Einfarbige Bemalungen werden
häufig in Schwarzlot oder in Gold
vorgenommen.
Lüstrierung
Auch Irisierung. Dabei werden
silberhaltige Bänder oder Fäden
aufgeschmolzen, die danach in
einem Reduktionsofen ihren
metallischen Charakter erhalten.
Louis Comfort Tiffany in New York
arbeitete als erster Glaskünstler in
dieser Technik. Er wollte damit die
antiken Gläser nachahmen, die
durch die Lagerung im Erdboden
einen natürlichen Schimmer
angenommen hatten. Die Lüster-
technik wurde beim französischen
Glas fast ausschließlich von den
Glaskünstlern Amédée de Caranza
und Jeanne Duc angewendet.
Marqueterie
In heißem Zustand werden größere
Glasstücke aufgeschmolzen,
die häufig den zentralen Teil des
S A M M L E R SE M I N A R
Gut zu wissen
Nancy behauptete sich neben Paris als Art-nouveau-Kapitale. Das Musée de l’École
de Nancy (hier ein Gartenpavillon) zelebriert diese Blütezeit als Gesamtkunstwerk
Dekors ausmachen; meist in kaltem
Zustand mit dem Gravurrad
überarbeitet. Die Manufaktur Gallé
wurde für diese Technik berühmt.
Martelé
Vom französischen marteau
(Hammer). Der Begriff verweist auf
die hammerschlagartige Struktur
bei Metallarbeiten. Durch
entsprechenden Schliff wird die
Glasoberfläche in ähnlich aussehen-
der Weise bearbeitet.
Modelgeblasen
Das Glas wird nicht »frei« mit
Zangen, Hefteisen u. a. Werkzeugen
geformt, sondern in eine Hilfsform,
60
dem Model, geblasen. Der Model,
meist aus Holz, wird vor allem für
eckige Vasenformen oder eine
Rippenoptik verwendet.
Pâte de verre
In Formen »gebackenes« Glaspulver,
was ein opakes bis transluzides
Erscheinungsbild ergibt. Henry
Cros arbeitete bereits in den
1880er-Jahren in dieser Technik, da
er nach einem Werkstoff suchte, der
seinem bevorzugten Material Wachs
ähnlich war. Danach waren
François-Emile Décorchemont und
Albert Dammouse bedeutende
Vertreter in dieser speziellen
Disziplin der Glasherstellung.
Patinage
Behandlung der Oberfläche durch
Chemikalien und Erhitzen im
Reduktionsofen. Bei Gallé wird mit
Patinage eine feinblasige Zwischen-
schicht bezeichnet.
Plaquette (Auflage)
Der Marqueterie verwandte Technik.
Kleinere vorgeformte Glasstücke
werden der Oberfläche aufge-
schmolzen und dann meist im
kalten Zustand überarbeitet. Die
Manufaktur Daum hat so Blüten
und Zweige angebracht.
Pressglas
Industriell gefertigtes, unter Druck
Bild: Liné1
in Formen gepresstes Glas.
Pulvereinschmelzung
Pulverisiertes Farbglas wird auf die
Oberfläche gebracht und dann mit
einer weiteren Glasschicht
überfangen (siehe auch Zwischen-
schichtdekor). So entsteht ein
wolkiger oder flockiger Effekt. Vor
allem die Manufaktur Daum Frères
verwendete diese Technik sehr
häufig. Von Pulveraufschmelzungen
spricht man, wenn es keinen
weiteren Überfang gibt. Dann
entsteht eine raue Struktur.
Schnitt (Gravur)
Die »kalte« Veredelungstechnik
entspricht der klassischen Glasgra-
vur. Die Oberfläche wird mit dem
Gravurzeug – rotierenden Rädchen,
meist aus Kupfer – bearbeitet. Man
spricht von geschnittenen oder mit
dem Rad überarbeiteten Flächen.
Unterschieden wird der Hoch-,
Relief- oder Kameenschnitt vom
Tief- oder Intaglioschnitt.
Sculpture de verre
Große, plastische Glasstücke, die in
heißem Zustand auf dem Glaskor-
pus angebracht werden. Émile Gallé
hat ganze Rosenblüten bei seinen
berühmten Vasen »Rose de France«
aufgeschmolzen.

Überfang
Schichtung eines Glaskörpers. Oft
werden bis zu fünf Schichten
nacheinander in heißem Zustand
auf das Werkstück gebracht, indem
man es wiederholt in den Glashafen
(Behälter mit flüssigem Glas)
eintaucht. Besondere Effekte
entstehen, wenn kontrastreiche
Farben verwendet werden und man
zudem durch Ätzung oder Schnitt
Dekore anbringt.
Zwischenschichtdekor
Oberflächenbehandlung zwischen
Überfängen, angebracht im kalten
oder heißen Zustand. Dabei
können Metallfolien oder -oxyde
aufgeschmolzen werden. Häufig
werden Glasmassen aufgeschmol-
zen oder mechanisch entfernt.
Auch die Patinage und die
Bilder: Quittenbaum, München; Van Ham, Köln; Quittenbaum, München; Dorotheum, Wien
S A M M L E R SE M I N A R
Hentrich und Gerda Koepff und
viele weitere bedeutende Exponate
geben einen umfassenden Einblick
in das französische Glas des
Jugendstils und in die Geschichte
der Glaskunst überhaupt. Es lohnt
aber auch der Weg nach Mainz ins
Mittelrheinische Landesmuseum.
1976 wurde hier bereits die
Sammlung Gruber präsentiert, die
mittlerweile fester Bestandteil des
Museumsbestandes ist. Ein Mekka
für Liebhaber des Art nouveau ist
das Musée de l’École de Nancy: ein
Gesamtkunstwerk in der Villa
Corbin. Architektur, die Einrich-
tung mit Möbeln von Louis
Majorelle, Kunst und Kunstgewerbe
sowie ein prächtiger Garten lassen
die Epoche wiederauferstehen. Von
Émile Gallé sind rund 400 Objekte,
Gläser und auch Keramiken zu
sehen. Mit einer großartigen
Kollektion von Gläsern kann auch
das Musée des Arts Décoratifs in
MARQUETERIE Vase von Gallé,
am 17. November bei Quittenbaum,
Taxe 15 000–20 000 Euro
hier eine besondere Expertise. In
Berlin bietet Wolfgang Gützlaf eine
gute Auswahl an Glas und Schmuck
vom Jugendstil bis zum Art déco; in
Wer gerade einsteigt, mehr
Sicherheit und auch den Austausch
mit profilierten Kennern des
Jugendstilglases sucht, der erfährt
bei Dr. Fischer in Heilbronn mit
seinen regelmäßigen Glasauktionen
und bei Quittenbaum in München
mit dem liebevoll gepflegten Fokus
auf Jugendstil, Glas und Design
kompetente und auch enthusiasti-
sche Beratung.
Lesen
In Alastair Duncans »The Paris
Salons 1895–1914. Ceramics and
Glass« (Antique Collectors’ Club,
1998) ist mit den Abbildungen der
alten Ausstellungskataloge das Beste
vom Besten dokumentiert. Bis
heute ein Standardwerk ist der
Katalog der Ausstellung »Nancy
1900« des Münchner Stadtmuseums
(Philipp von Zabern, 1980).