Das Kunstmagazin der ZEIT

Nº108 November 2015    Seit 1930

Im Bann der Frauen: Die Wiener Moderne

25 Seiten

WSpIeE N
zial

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SFR 20,– (CH)
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4 190713 511804

Zurbarán Der spanische Barockmeister in Düsseldorf Deutsche Fayence Ein Sammlerseminar

500 Millionen Dollar! Die Kunstschätze des früheren Sotheby’s-Besitzers Alfred Taubman
 Denk
Kunst ist
eine LEIDENSCHAFT,
die wir gerne teilen.
Foto: Städel Museum

Kunstversicherung

Für Informationen wenden Sie sich bitte an:

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1029 Wien, Österreich

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50667 Köln, Deutschland

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12 Leadenhall Street, London, EC3V 1LP, UK

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 UNSER
TITELBILD
TITELBILD: Courtesy Galerie St. Etienne, New York (Ausschnitt); Albertina, Wien; Courtesy Galerie St. Etienne, New York
Ein Maler zeichnet ein junges Aktmodell vor
dem Spiegel. Er sieht, wie sie sich selbst an-
schaut, wie verführerisch sie sich findet, wie
stolz sie auf ihre weiblichen Reize ist. Der Ma-
ler ist Egon Schiele, ein junger Wiener Künst-
ler, der hier um 1910 etwas sehr Unkonventio-
nelles ausprobiert. Er zeigt nicht nur, wie
damals bei Frauenporträts üblich, den Blick
des Mannes auf die Frau, sondern auch den
Blick der Frau auf ihr malendes Gegenüber.
Auf einmal ist die Frau nicht mehr nur passiv,
sondern ein autonomes Wesen, das – mitun-
ter schamlos – seine Rechte einfordert. Mit
ihrer sexuellen Attraktivität dient sie zwar im-
mer noch der Befriedigung von Männerfan-
»Schiele, ein Aktmodell vor dem Spiegel
zeichnend« von 1910, unten vom selben
Künstler die »Sich zurücklehnende Frau mit
grünen Strümpfen« aus dem Jahr 1917
3
tasien, aber ihr herausfordernder Blick signa-
lisiert, dass sie sich ihrer Macht über die
Männer durchaus bewusst ist.
Auf den Bildern von Schiele emanzipiert
sich die Frau ein Stück weit, auch wenn der
Maler in seiner persönlichen Haltung alles
andere als ein Feminist war. Eine große Aus-
stellung im Wiener Belvedere zeichnet nun
beeindruckend nach, wie bei Schiele und den
zwei anderen bedeutenden Wiener Moder-
nisten, Gustav Klimt und Oskar Kokoschka,
das Thema weibliche Sexualität zum beherr-
schenden künstlerischen Sujet wurde. Wir
haben dieser Schau unsere Titelgeschichte ab
Seite 22 gewidmet. MATTHIAS EHLERT

Kolumnen
10 Die Marktfrau
Vintage-Mode ist ein Randgebiet
im deutschen Auktionsmarkt, in
dem aber viel Potenzial steckt
12 Drei Wünsche
Eine Apfelfotografie von Martin
Mlecko, ein Wasserfarbenwald
von John Wells und eine schöne
Silberschale von Tiffany
14 Heimliche Zwillinge
Der Moderator Wieland Backes
und ein keltischer Votivkopf
Kritikerfrage
Welche Kunststadt ist derzeit
am aufregendsten?
16 Hand des Meisters
Selbstgebranntes des Künstlers
Franz von Stauffenberg
INHALT
18 Was passt zu …
Amelie von Wulffen?
20 Was haben Sie gesehen,
Herr Obrist?
Die Messe Expo Chicago, die
Künstler von The Hairy Who
und die Sammlung Carl Thoma
Was passt zu …? S. 18
WI E N
Spezial
Bilder: Belvedere, Vienna; Georg Hornemann
Drei Tage in Wien S. 48
Die großen
Geschichten
22 Das Rätsel Frau
Eine große Schau im Belvedere
widmet sich dem Verhältnis von
Klimt, Schiele und Kokoschka
zum weiblichen Körper
32 Amerikanisches Epos
Wegen Preisabsprachen wanderte
Sotheby’s-Chef Alfred Taubman
ins Gefängnis. Nach seinem Tod
wird jetzt seine Kunst versteigert
38 Aufbruch in den Anden
Wie eine Kunstmesse Sammler
und Händler in Kolumbiens
Hauptstadt Bogotá lockt
40 Drama und Erleuchtung
Francisco de Zurbarán: die erste
Retrospektive in Deutschland für
den spanischen Barockmaler
 Agenda
70 Mit dem Fiaker in die Zukunft
Eine Ausstellung erinnert
an die legendäre Wiener
Galerie von Peter Pakesch
74 Kosmos in der Kiste
Joseph Cornells Assemblagen im
Kunsthistorischen Museum
76 Ausstellungen in Wien
Liebe in Zeiten der Revolution,
Vija Celmins, Farbenrausch des
Expressionismus, Politischer
Populismus, Spurensuche der
Sammlung Feldmann und
der Designer Stefan Sagmeister
Taubman-Auktion, S. 32
78 Wiener Melange
48 Drei Tage Wien Die beiden Messen Wikam und
Bilder: Sotheby’s New York; Nagel, Stuttgart; Albert Oehlen/Privatsammlung
100 Stilkunde
Elegante Zeitmesser: Sanduhren
104 Auktionen
Das Auktionshaus Mehlis in Plauen
offeriert Stühle; Herbstauktionen in
New York bei Christie’s, Sotheby’s
und Phillips; Versteigerungen in
Wien im Dorotheum, Im Kinsky
und bei Hassfurther; Schweiz: Asia-
tika bei Koller, Kunst und Antiqui-
täten bei Fischer und Stuker, Cahn
bietet Antiken; Herbstauktionen bei
Lempertz, Van Ham, Döbritz und
in der Villa Grisebach; Sammlung
Buchheim bei Neumeister

Hieronymus Boschs »Weltgericht« Art & Antique mixen Meister-

in der Akademie, Galerienbummel
in der Taubstummengasse und
abends ab in die Miranda-Bar
56 Sammlerseminar
Nach einem Preisabfall empfiehlt
sich die Fayencekunst des Barock
und des Rokoko als ideales Gebiet
für antizyklische Sammler
haftes aller Stile und Epochen
84 Kunst für Weltverbesserer
Die Vienna Art Week
setzt auf konstruktive Kritik
86 Kunsthandel Wien
Herbert Goslar in der Galerie
Frey, 40 Jahre Bel Etage

64 Glossar
Begriffslexikon zu Fayencen sowie
wichtige Museen und Händler
66 Thurn und Taxis Fragebogen
Ralf Ziervogel über sein Kowdor
88 Nachrichten
Jeff Koons in Florenz, Aquarell
von Dix kehrt nach Mannheim
zurück, Rembrandt-Paar,
Musée de l’Homme saniert,
Göring-Sammlung öffentlich

Personalien
Hartwig Fischer, Katia Baudin,
Galerie Pakesch, S. 70
Carla Juri, Christine Tohmé,
Bernd Reiß 138 Kunststück
»Der Hafen II/Hafen mit
90 Im neuen Licht zwei großen Dampfern« (1930)
Eine Kölner Schau zeigt kaum von Franz Radziwill
bekannte Facetten des
Malers Godefridus Schalcken 146 Bild meines Lebens
Matthias Schweighöfer über
92 Ausstellungen Bruno Brunis Lithografie
Picassos Skulpturen im MoMA, »Die Umarmung«
Kirchner in Aschaffenburg,
Munch trifft van Gogh,
»Save the Data«, Altmeister in
St. Gallen, Ferdinand Nigg 6 Editorial
8 Impressum
94 Messen
9 Mitarbeiter des Monats
BAAF, Affordable Art Fair
in Hamburg, Paris Tableau und 142 Termine
Cologne Fine Art 145 Vorschau

Sammlerseminar, S. 56
5
 EDITORIAL
Liebe Leserinnen,
liebe Leser,
ein Wettrennen: Mit dem Fiaker durch Wien, an
einem kalten Tag im Spätherbst. Diesen Spaß ha-
ben sich Albert Oehlen und Martin Kippenberger
1985 erlaubt. Wer gewonnen hat – und mit wel-
chen Tricks –, das lesen Sie ab S. 70. Peter Pakesch
hat die beiden Künstler damals in seiner Galerie
in der Ballgasse ausgestellt und ihre Eskapaden
begleitet. Jetzt hat er sein Archiv dem Wien Mu-
seum geschenkt, das der Galerie und ihren irr-
witzigen Projekten derzeit eine Ausstellung wid-
met. Im Foto unten von Didi Sattmann hat
Kippenberger seinem bärtigen Kutscher die
Scheine schon gegeben, während Oehlen noch
lachend nach seiner Geldbörse greift.
Achtung beim Thema Fiaker! Ich fand
zwar das langgezogene »Fii« klinge besonders
Wienerisch. Stimmt aber nicht: Wer Fiiiacker
6
Bilder: Wolfgang Stahr; Didi Sattmann, Privatarchiv/Wien Museum (2)
sagt, outet sich sofort als Tourist. Die Wiener sa-
gen »Fjacker«, wie mir Martin Böhm, der Ge-
schäftsführer des Dorotheum erzählt hat. Das
Wort stammt vom Kutschenstandplatz der Rue
de Saint Fiacre in Paris, die wiederum nach dem
irischen Heiligen Fiacrius benannt ist.
Noch ein Wettrennen: Im November
herrscht auch im Auktionswesen Hochbetrieb,
und besonders konkurrieren die beiden größten
Häuser. Christie’s erwartet mehr als 100 Millio-
nen Dollar für einen verführerischen Akt von
Modigliani. Sotheby’s versteigert die Sammlung
des amerikanischen Immobilienmilliardärs
Alfred Taubman (S. 32). Sein Leben ist reich an
Höhen und Tiefen: Er kaufte das Traditionsun-
ternehmen Sotheby’s 1983, geriet wegen illegaler
Preisabsprachen mit der Konkurrenz in die
schlimmste Krise des Auktionswesens – und
wurde 2002 zu einem Jahr Gefängnis verurteilt.
Das ist der Öffentlichkeit bekannt. Doch welche
Schätze seine Sammlung umfasst, erfahren wir
erst jetzt, im Zuge ihrer Versteigerung.
Viel Spaß beim Lesen!
Ihre Lisa Zeitz
Chefredakteurin
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ohne Einwilligung des Verlages strafbar.
 MITARBEITER
DES MONATS
Angela Gräfin von Wallwitz
Keramische Kunst ist das Thema ihres Lebens. Nach-
dem sie mit 23 als Trainee bei Sotheby’s in London an-
fing, arbeitete sie sich schnell zur Leiterin der Porzel-
lanabteilung hoch. Ab 1988 führte sie in London, später
in München einen erfolgreichen Kunsthandel für Ma-
jolika, frühe Porzellane und Fayencen. 2007 zog sich
Angela Gräfin von Wallwitz (re.), hier in München mit
einer Sammlerin, vom öffentlichen Geschäft zurück.
Bilder: Uwe Bayer; privat/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; privat

Doch weiterhin berät sie Keramikliebhaber und Mu-

seen. Ihre Kennerschaft ist heute in aller Welt gefragt:
die ideale Autorin für unser Sammlerseminar (S. 56).
»Fayencen sind ja nicht so wie Porzellane in Serie her-
gestellt und darum viel individueller«, schwärmt sie.

Nina Schedlmayer
Die 39-jährige Kunsthistorikerin ist unsere Frau in Wien: In
dieser Ausgabe stellt sie uns nicht nur ihre Lieblingsorte in
der Donaumetropole vor (S. 48), sondern bespricht auch
Joseph Cornells Assemblagen im Kunsthistorischen Muse-
um (S. 74). Mehr von ihr kann man bei »Profil«, in Zeitschrif-
ten wie »Camera Austria« oder der »Springerin« und in un-
serem Schwesterblatt »Kunst und Auktionen« lesen.

Gerd Presler
Mit 18 Jahren lernte er Franz Radziwill kennen,
später schrieb er das Werkverzeichnis seiner
Druckgrafik und blieb ihm in Freundschaft
verbunden. Unser Foto zeigt den Theologen
und Kunsthistoriker Anfang der Achtzigerjah-
re im Atelier des Künstlers. Vor über 35 Jahren
erschien Preslers erster Text in der weltkunst.
Wer sonst hätte jetzt für uns das »Kunststück«
zu Franz Radziwill (S. 138) schreiben sollen?

9

Abendroben für Amazonen
Vintage-Mode ist für viele Auktionshäuser bloße Zierde. Dabei trägt sie nicht
nur Geschichte, sondern auch das Potenzial zur Wertsteigerung in sich
ie sind in den großen Auktions-
häusern hierzulande – bedauer-
licherweise – nicht mehr als ein
Farbtupfer. Viel Arbeit, wenig
Ertrag, aber ein Spielbein, das allen Beteilig-
S
ten enorme Aufmerksamkeit verschafft.
Denn für die sogenannte Vintage-Mode, also
für Designerware aus vergangenen Jahrzehn-
ten, begeistern sich längst nicht nur Frauen,
sondern auch modisch interessierte Männer
– die Kostümpräsentation des Berliner
Kunstgewerbemuseums zum Beispiel basiert
im Wesentlichen auf einem Ankauf der
Sammlung von Martin Kamer (einem Kos-
tümbildner) und Wolfgang Ruf (ei-
nem Kunsthändler).
Abendroben großer Couturiers,
Cocktailkleider und Mäntel, die um-
werfende Silhouetten zaubern, erle-
Mode von gestern für Sammler von
heute: Die »Kelly Bag« von Hermès
aus dem Jahr 1997 erzielte bei Koller
18 000 Schweizer Franken. Dazu
passt ein weiterer Klassiker: Bei
Auctionata fiel für das Tweed-Bouclé-
Kostüm von 2003 aus dem Hause
Chanel bei 1200 Euro der Hammer
DI E M A R K T F R AU
ben ihren zweiten Frühling, wenn sie im
Auktionssaal erwählt werden. Dafür kommt
Haute Couture der Fünfziger- bis Achtziger-
jahre in Frage – aber nur, wenn sie gekonnt
Zeitgeist spiegelt, kaum getragen und nicht
umgeändert ist. Retro-Mode wurde allge-
mein beliebt, als sich 2001 die Filmschauspie-
lerin Julia Roberts auf der Oscarverleihung
in einem fast 20 Jahre alten Valentino-Kleid
präsentierte. Auch Michelle Obama hat den
Retro-Schick nochmals gepusht.
Katrin Stoll, Chefin im Münch-
ner Auktionshaus Neumeister,
schwärmt vom Material
der Vintage-Mode,
das weder Elastan
noch Viskose kennt,
und von der Quali-
tät der Drucke auf
schweren, schön
fallenden Stoffen.
Im deutschspra-
chigen Raum las-
sen Modeauktio-
nen das Herz der
Fashionistas nur
punktuell höher
schlagen. Das On-
line -Auk t ionshaus
Auctionata konnte im
Mai 2015 ein »Lacedress
with Bustier« von Yves
Saint Laurent für 1176
Euro weitergeben.
Die nächste Spezialaukti-
on zu »Jewellery, Fashion
und Handbags« findet am
14. Dezember statt. Koller in
Zürich versteigerte ebenfalls
im Mai eine gesuchte »Kelly
Bag« aus Krokodilleder von
Hermès für knapp 20 000
Schweizer Franken. Ein Versa-
ce-Rock, der schöne Beine noch
schöner ausstellt, ging für 5100
Franken weg. Modebewusste
Bieter tragen sich die nächste Vin-
tage-Auktion bei Koller am 11. No-
vember in den Kalender ein.
10
Drei- und vierstellig sind die Preise meist, für
die Interessenten Hingucker mit Geschichte
ersteigern können – gute Adressen sind dafür
das Dorotheum in Wien oder Lempertz in
Köln. Als letzteres Haus im vergangenen Feb-
ruar 143 Modelle des Designers Heinz Oester-
gaard aufrief (laut ZEIT aus der Sammlung
eines anonymen »jungen Herrn«), wurden
71 000 Euro eingespielt.
Vintage-Mode hat in den angelsächsi-
schen Ländern einen viel höheren Stellen-
wert als in Deutschland. Wer mehr sucht als
ein so originelles wie tragbares Einzelteil,
Bilder: Koller; Auctionata; Pablo Castagnola
sollte deshalb die regelmäßigen Auktionen
von Kerry Taylor in London ins Auge fassen.
Die nächste »Passion for Fashion«-Auktion
bei der Expertin, die die Couture von Promi-
nenten wie Lady Di unter den Hammer
bringt, findet am 8. Dezember statt. Doch
Vorsicht im Auktionssaal: Als die Vorbesitze-
rin Marilyn Monroe hieß und das zu verstei-
gernde Kleid weltberühmt war, weil die
Muse es beim Geburtstagsständchen für den
geliebten John F. Kennedy getragen hatte,
war an Christie’s Kassenschalter nach dem
Zuschlag eine Rechnung von 1,3 Millionen
Dollar zu regulieren.
Doch nicht jeder Vintage-Fan sucht
gleich Museales zu einem Millionenpreis. Es
gibt auch die Amazone, die ausschließen
möchte, auf der VIP-Tour im Museum dem
eigenen Kleid wie einer Doppelgängerin zu
begegnen. Diese Jägerin wird sich also eher
für gelebte Geschichte entscheiden und his-
torische Modelle von Christian Dior, Coco
Chanel oder Valentino tragen, um die eigene
Individualität zu unterstreichen. In unserer
konformistischen Gesellschaft wirkt Vin-
tage-Mode genau wie die Kunst als Mittel der
Distinktion.
Nix für ungut, Ihre sonst eher mode-
müde Marktfrau, die Secondhand-Couture
zu schätzen weiß. ×
Susanne Schreiber
ist Redakteurin des
Handelsblatt und betreut
dort seit vielen Jahren
den Kunstmarkt
 Galerie Canesso
Pa r i s
altmeister Gemälde

Pier Francesco mola

Coldrerio (tessin),   rom, 
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Erminia ritzt Tankreds Namen in einen Baumstamm

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Schwarzweißer Herbst
Wunderbare Stillleben schuf der Fotograf
Martin Mlecko in der Serie »Die Dinge
des Lebens«. Die »Äpfel« (28 x 21 cm), ein
Silbergelatine-Abzug von 2013, Auflage 5,
stammt aus der Reihe, die in dem Buch

Bilder: Pierogi Gallery; Martin Mlecko/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Kunsthaus Nüdling
»Les choses de la vie« im Kerber Verlag
veröffentlicht wurde. Über Grundemark
Nilsson Gallery in Berlin (0170 5470707).

700  €

Papierrauschen
Wie Bäume und Blätter wirken die Formen in Wasserfarben
in der Arbeit »Untitled #2« von John Wells. Die Brooklyner
Galerie Pierogi (001 718 5992144) bietet das Blatt (16,5 x 13,3 cm)
zum Kauf an. In Deutschland ist die Galerie bereits bekannt:
2006 eröffnete sie für drei Jahre eine Dependance in Leipzig.

Frühstück bei Tiffany

Von schlichter Schönheit ist die Silberschale, die wir wir am Stand
des Kunsthaus Nüdling aus Fulda (0661 22303) auf der Münchner
Messe Kunst & Antiquitäten entdeckt haben. Das Stück mit 47 cm
Durchmesser wurde 1907 beim legendären Juwelier Tiffany gefertigt.

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 H E I M L IC H E Z W I L L I N G E

Keltischer Votivkopf Wieland Backes

Bilder: Finch & Co, London; SWR; Frank Röth/F.A.Z.

Manche Männer haben ein Lächeln, da denkt man, das
gibt es nur einmal. Etwa das von Wieland Backes, dem Gründer
der SWR-Talkshow »Nachtcafé«. Und doch lächelt jemand
ganz genau so, und das schon seit 2000 Jahren: Der keltische
Kultkopf, der bei Finch & Co auf der letzten Brafa ausgestellt
war, ist unserem Leser Adalbert Ruhnke aus Niederstetten
aufgefallen. Merci sagt Ihre bildredaktion@weltkunst.de

K R I T I K E R F R AG E

Welche Kunststadt ist derzeit am aufregendsten?

Samuel Herzog Kia Vahland Niklas Maak Lindsay Pollock Hanno Rauterberg
Neue Zürcher Zeitung Süddeutsche Zeitung Frankfurter Allgemeine Zeitung Art in America DIE ZEIT

Ist es nicht gerade ein São Paulo ist längst das, Nach allem, was man Ich bin natürlich befangen, Ob Graz, Brüssel oder
Merkmal unserer Tage, dass was früher einmal New trotz allem dort zu sehen aber meine Heimatstadt Köln – in vielen Städten
man das eben nicht York war: ein Ort, an dem bekommt: Teheran. New York war, ist und wird regt sich eine Kunst
beantworten kann? Aber sich alle treffen, jeder seine Und »aufregend« ist es in absehbarer Zukunft der jenseits der Institutionen.
sicher werden uns die Nische findet und gänzlich auf jeden Fall, im Iran aufregendste Kunstort sein. Oft ist es die lebendigere.
Städte Ostasiens künftig Neues entstehen kann. Kunst zu machen oder Nirgendwo sonst gibt es
die meisten Überraschun- zu zeigen. diese Ansammlung von
gen bescheren. Die Künstlern, Museen,
Power ist da ganz enorm. Galerien und Kritikern.

14
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Der Künstler Franz von Stauffenberg destilliert seinen Gin nach Gefühl und mit
handgeschälten Orangen. So entsteht ein Tropfen für Liebhaber
tauffenberg Gin ist ein gutes
Geschäft, die kleine Brennerei
aus Süddeutschland wird bei
Barkeepern immer beliebter,
S
Es gibt ihn im KaDeWe in Berlin zu kaufen
und beim Concept Store Murkudis. Mittler-
weile werden pro Monat ein paar hundert
Flaschen verkauft – mit steigender Tendenz.
Dabei wollte Franz von Stauffenberg eigent-
lich dem Markt entfliehen. Allerdings nicht
dem für Spirituosen, sondern dem für Kunst.
Von Stauffenberg ist Filmkünstler, war
Teil des Duos RothStauffenberg und
verkaufte in einer Berliner Galerie. Das
Kunstgeschäft aber wurde für ihn im-
mer abstrakter – er sehnte sich nach et-
was Echtem.
Er erinnerte sich an die
kleine Brennerei im schwäbi-
schen Jettingen, die in einem
Gutshof des Grafengeschlechts
untergebracht ist. Sie wurde
kaum noch benutzt, im Jahr
2007 ließ er sich von dem Brenn-
meister erklären, wie man Obst-
brände herstellt. Es war als eine
Art Therapie gedacht, ein echtes
Produkt wollte er herstellen, in
H A N D DE S M E I S T E R S
In Gino Veritas
einfacher Handarbeit. Zunächst verkaufte er
seinen Obstbrand in Galeriekreisen, dann
wurde das Interesse immer größer, und er be-
gann, Gin zu brennen. Zum einen, weil er
selbst Ginliebhaber ist, aber auch weil man
Gin leichter in größeren Mengen herstellen
kann. Die Grundlage ist Agraralkohol, der
mit verschiedenen Gewürzen und vor allem
Wermut versetzt und destilliert wird.
Das Besondere am Stauffenberg Dry
Gin ist, dass er echte Handarbeit ist. Jeden
Arbeitsschritt macht von Stauffenberg
selbst. Es wird nie mehr gebrannt, als
der Namensgeber selbst herstellen
kann. Und jeder Brennvorgang ist et-
was anders. Die Destille stammt aus
den 1930er-Jahren, es ist ein Gerät
ohne Thermometer. Man be-
dient es nach Gefühl – und das
ist entscheidend für die Qualität
des Gins. Jeder Durchgang be-
ginnt damit, dass von Stauffen-
berg die Gewürze mischt, außer
Wacholder unter anderem La-
vendel, Ingwer, Nelken und
Kardamon sowie Zitronen- und
Orangenschalen. Die Schalen
schneidet er selbst. Zusammen
16
Bilder: Sorin Morar (6); Eberle & Eisfeld; Michael Biedowicz
Neben den klassischen Wacholderbeeren
kommen auch Zitronen- und Orangen-
schalen in den Gin. Die Gewürze mischt
Franz von Stauffenberg (Mitte) selbst,
auch die Etiketten klebt er eigenhändig auf
mit den Gewürzen wird der Alkohol in die
Blase der Destille gegeben. Darin wird er an-
gewärmt und ruht zwölf Stunden. In dieser
Zeit spaltet von Stauffenberg das Buchen-
holz, mit dem er die Blase befeuert.
Es kommt auf das Geschick des Destil-
leurs an, das »Herz« des destillierten Alko-
hols zu treffen. Der erste und der letzte An-
teil des Alkohols, der aus dem Spiralrohr der
Destille rinnt, wird abgetrennt und wegge-
schüttet. Anschließend wird der aromatisier-
te Alkohol verdünnt und nach einer Ruhezeit
gefiltert und abgefüllt. Auch das Etikett klebt
der Graf selbst auf die Flaschen. Anschlie-
ßend nummeriert er sie. Fehlte nur noch,
dass er sie signiert und ausstellt. ×
Tillmann Prüfer ist Style
Director des ZEITmagazin.
Er stellt hier jeden Monat
herausragende Leistungen der
Handwerkskunst vor
1917 Gustav Klimt
Mädchenkopf

Österreichische Gemälde von 1800 bis heute

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Amelie von Wulffen

Bilder: Amelie von Wulffen, courtesy Gió Marconi, Mailand/Galerie Meyer Kainer, Wien/Freedman Fitzpatrick, Los Angeles; Courtesy of PAMONO & Galleria Swing/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Brunno Jahara; Georg Hornemann; Anna Arca
4

Märchenhafte und surreale Motive vermischt Amelie von Wulffen

mit privaten Erlebnissen von Verlust und Einsamkeit. Ihre Kunst
hält die Schwebe zwischen Collage und Malerei. Die Pinakothek der
Moderne in München zeigt bis zum 21. Februar rund 60 Werke

1 Wunderlampe 2 Sitzenbleiber 3 Monsterwespe 4 Drinkveredler

Amelie von Wulffen mixt
ihre Malstile, doch einen
Pinsel nutzt sie oft. Auch
die Lampe »Frozen Light«
der Designerin Jungin Lee
lebt von schicken Pinsel­
strichen (um 1900 Euro).
In der Münchner Ausstel­
lung sind fünf Schulstühle
ein Hinweis auf die Male­
rin als lernendes Wesen.
Diesen Hocker entwarf der
Designer Brunno Jahara,
er kostet 2300 Euro.
Oft ignoriert von Wulffen
Größenverhältnisse und
Naturgesetze. Die Wespe
»Rake« aus Gold und Silber
von Georg Hornemann ist
so groß wie ein Unterarm
(Preis auf Anfrage).
Wie in einer Collage sind
Martino Gampers Unter­
setzer »In Vino Veritas« aus
Lederkreisen zusammen­
gesetzt (ca. 25 Euro).
Redaktion: Inga Krieger

18
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Chicago! Mit den Lokalmatadoren von
The Hairy Who, der Sammlung digitaler Kunst von
Carl Thoma und den Skulpturen von Charles Ray
Hans Ulrich Obrist
ist Kurator für zeitgenössische Kunst und
leitet die Serpentine Gallery in London
Was haben Sie gesehen, Herr Obrist?
Ich komme mit ganz frischen Eindrü-
cken aus Chicago, wo ich zehn Jahre lang
nicht mehr war. Und nun war ich innerhalb
von drei Wochen gleich zweimal da. Es ist
eine neue Energie in der Stadt.
Was war der konkrete Anlass?
Die Messe EXPO macht viele diskursive
Programme. Ich war dort, um ein Gruppen-
gespräch mit den Leuten von The Hairy
Who zu machen. Einzelgespräche mit Künst-
lern mache ich ja fast jeden Tag, aber Kollek-
tivgespräche sind etwas Besonderes. Mit
Rem Koolhas und anderen haben wir in der
Serpentine Gallery einmal ein Gruppenge-
spräch über London geführt, mit den Zero-
Künstlern habe ich ein Gespräch über Zero
geführt, vor Otto Pienes Tod. Es gibt ja nur
noch wenige Künstlergruppen aus dem
20. Jahrhundert, bei denen noch alle Protago-
nisten am Leben sind.
So wie bei The Hairy Who?
Ja. Die Hairy-Who-Leute, heute alle
etwa Mitte siebzig, gehören zur sogenannten
Counter-Culture-Bewegung und sind mit
1 2
drei Ausstellungen hintereinander, 1967, 1968,
1969, berühmt geworden. Jim Nutt ist der be-
kannteste, aber auch KARL WIRSUM (1) und
Gladys Nilsson und die anderen haben da-
mals Chicagoer Kunstgeschichte geschrie-
ben. Meine Idee war, ein Gruppenporträt zu
machen, indem ich alle Mitglieder befrage.
Gab es eine zentrale Erkenntnis?
Dass ihre Bücher damals genauso wich-
tig waren wie die Ausstellungen. Und dass
die Künstler früh beeinflusst von Comics wa-
ren, das macht ihre Arbeit so besonders, sie
beginnt immer mit einer Zeichnung. Wenn
man so will, gab es hier eine lokale Überset-
zung des Surrealismus. Wenn man einmal in
diese Zeit eintaucht, stellt man fest, dass es
damals eine Reihe von Künstlergruppen gab
wie etwa The Imagists, die der Stadt ein sehr
vitales, spezielles künstlerisches Leben ge-
schenkt haben. Das hat sich übrigens bis heu-
te erhalten, abseits der beiden Zentren New
York und Los Angeles, auch wegen der gro-
ßen Zahl von Sammlern. Es gab in der Gene-
ration vor The Hairy Who eine andere Grup-
pe, The Monster Roster, die ebenfalls gerade
wiederentdeckt wird. The Monster Roster
20
war in den Fünfzigerjahren gegen den abs-
trakten Expressionismus gerichtet. Der be-
rühmteste Vertreter war Leon Golub. Sein
Traum war immer, einmal in Mexiko auszu-
Bilder: Pentimenti Productions; Charles Ray/The artist and Matthew Marks Gallery; Milena Carstens; Illustration: Andrea Ventura
stellen, weil er von den dortigen Moralisten
beeinflusst war. Bevor er gestorben ist, hat er
mir davon erzählt. Deshalb ist die Ausstel-
lung, die wir mit ihm in London gemacht ha-
ben, zurzeit in Mexiko – wir erfüllen ihm sei-
nen Traum posthum.
Was gibt es sonst Neues in der Stadt?
Theaster Gates hat ja schon seit Langem
seine Nachbarschaft verändert mit künstle-
risch-politischen Projekten, mittlerweile hat
er sein eigenes Institut gegründet. Und es
gibt die spannende Sammlung von Carl Tho-
ma, der sich auf digitale Kunst konzentriert.
Es gibt immer noch relativ wenige Sammlun-
gen für digitale Kunst. In Deutschland gibt
es das ZKM in Karlsruhe, eine fantastische
Pionierinstitution für neue Technologie. Es
ist immer wieder erstaunlich, wenn man
raus in die Welt geht, festzustellen, dass es
eben nicht in jedem Land eine Institution
wie das ZKM gibt. Wie wichtig das ZKM ist,
kann man gar nicht oft genug betonen.
Haben Sie noch einen Ausstellungstipp?
Die Skulpturen von CHARLES RAY (2),
die im Art Institute von Chicago in einem
Feld angeordnet präsentiert wurden, sodass
man Bezüge zwischen den Arbeiten herstel-
len kann. Auch die zwei neuen unbemalten
nackten Figuren sind dabei, die das Whitney
Museum aus Prüderie nicht zeigen wollte.
Und was beschäftigt Sie derzeit außerhalb
der Kunstwelt?
Der aufregendste Roman des Jahres:
Alexandra Kleemans »You Too Can Have a
Body Like Mine«. Es geht um Identität – nicht
mehr als etwas Gegebenes, sondern als etwas,
das sich durch Entscheidungen verändert. ×
Christoph Amend, Herausgeber
der WELTKUNST,
befragt Hans Ulrich Obrist
jeden Monat nach seinen
Entdeckungen in der Kunst
 40
Meisterwerke
jahre − 27
Albers
Awe
Baumeister
September
Becher
Cragg
Dix
− 23
Ernst
Francis
Fußmann
Januar 2016
Graubner
Hartung
Hesse
Jawlensky
Katz
Kirchner
Kneffel
Knoebel
Kollwitz
Lehmpfuhl
Liebermann
Macke
Marini
Mataré
Modersohn-Becker
Münter
Nauen
Nolde
Pechstein
Picasso
Piene
Poliakoff
Purrmann
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Rohlfs Ernst Ludwig Kirchner
Schleime Sitzende Frau mit einem Hut in einem Restaurant, ca. 1912
Sintenis Aquarell, Deckfarben und Bleistift auf Papier
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8
DAS
RÄTSEL
FRAU
Klimt, Schiele, Kokoschka.
Sie alle kannten im Wien
um 1900 nur ein Thema:
das andere Geschlecht und
seine Geheimnisse. Eine
große Ausstellung im
Belvedere zeigt, wie stark
Frauen und Sexualität
ihre Kunst beeinflussten

VON
M AT T H I A S E H L E RT
 HEA DZEILE

BU oben Ehenditati conet aut idellaborum

ipsum quia quati sam ut hit que ellorrovidus
dit pellacc aerupta sinctotaquid que eturio
volenih itatius.Arum videbisciis sequam,
Anis sinto voloribus, andus, evelis volest
ulpa aut omIm vendit re dolupt BU oben
Ehenditati conet aut idellaborum ipsum
quia quati sam ut hit que ellorrovidus dit
pellacc aerupta sinctotaquid queis

24
 W I E N E R MODE R N E
Bild vorherige Seite: Privatsammlung, Courtesy Richard Nagy Ltd., London; Bild links: Kunstmuseum Solothurn, Dübi-Müller-Stiftung, 1980; Bilder rechts: Moritz Nähr/Leopold Privatsammlung; Leopold Museum, Wien; bpk/The Metropolitan Museum of Art

W
Was macht die Frau mit dem Mann? Saugt sie
ihn aus, beraubt sie ihn seiner wertvollsten
Kräfte? Zieht sie ihn hinab auf ihr Niveau? Ja,
was sind überhaupt Frauen? »175–186 cm über
dem Boden gehen Hüte spazieren und 15 cm
darunter Kleider, und diese werfen Falten
wie Lebendige«, notiert 1907
Oskar Kokoschka, einund­
zwanzigjähriger Student an
der Kunstgewerbeschule, und
stellt damit seine Verachtung
offen zur Schau. 
Sie ist im Wien des Fin
de Siècle durchaus gesell­
schaftsfähig, als besonders ra­
dikale Haltung zur Frauenfra­
ge. Diese ist das Thema der
Stunde, Karl Kraus spricht
vom »vaginalen Zeitalter«.
Über nichts wird intensiver
und heißblütiger unter Künst­
lern, Schriftstellern und Wis­
senschaftlern diskutiert als
über das Rätsel Frau. Sig­
mund Freud empfängt in sei­
ner Wohnung in der Berg­
gasse nervöse bürgerliche Damen und
diagnostiziert ihnen anhand ihrer Träume
einen unheilbaren »Penisneid«. Mehr Ein­
fühlungsvermögen in die weibliche Psyche
zeigt der Arzt und Schriftsteller Arthur
Schnitzler. In seinen Dramen und Erzählun­
gen, die erstaunlich offen über Sex reden,
dürfen Frauen auch eigenständig begehren.
Den unheilvollsten Einfluss übt der Philo­
soph Otto Weininger aus, der in seinem fluss der Kirche schrumpft angesichts des GUSTAV KLIMT war ein intimer Kenner der
Buch »Geschlecht und Charakter« Frauen Fortschritts der Wissenschaften, schon lange weiblichen Sexualität. In seinem Nachlass
komplett auf ihre Sexualität reduziert und ist der Liebesakt keine Erbsünde mehr. Aber fanden sich über 40 Zeichnungen, die sich
den Mann als geistiges Genie überhöht. Sein noch wird weitgehend eine Doppelmoral ge­ allein dem Thema Masturbation widmen.
früher Tod, er begeht 1903 mit 23 Jahren lebt, die sexuelle Erfahrung in die Bordelle Ebenfalls recht freizügig präsentiert sich
Selbstmord, macht Weininger zum Popstar verbannt, während zu Hause alles Ge­ eine der drei Nackten auf dem Gemälde
»Goldfische« von 1901/02 (linke Seite).
der akademischen Jugend. schlechtliche tabuisiert wird.  
Vorherige Doppelseite: Egon Schieles »Sit-
Das alles geschieht in einem Klima des Wie sehr das Thema Frauen auch das
zende Frau in violetten Strümpfen«, 1917
gesellschaftlichen Umbruchs. Veränderung Werk der wichtigsten Wiener Künstler jener
liegt in der Luft. Die Frauen werden selbst­ Zeit bestimmt hat, wie sehr sie mit ihm ge­
bewusster, fordern das Wahlrecht ein und rungen und auch ihre eigenen Beziehungen
den Zugang zu höherer Bildung. Der Ein­ in ihm verarbeitet haben, zeigt nun die gro­

25
 W I E N E R MODE R N E

ße Ausstellung »Klimt, Schiele, Kokoschka
und die Frauen« im Belvedere. Obwohl man
in den vergangenen Jahren schon vieles über
den »Weiberheld« Klimt, den »Sittenstrolch«
Schiele oder den »Spießerschreck« Kokoschka
erfahren hat, leistet sie in ihrer Zusammen-
schau Pionierarbeit: Zum ersten Mal wird
das Thema in all seinen Bezügen umfassend
36, zeigt er auf der zweiten Ausstellung der
Secession in Wien sein erstes offizielles Frau-
enbildnis. Das impressionistisch hingetupfte
Gemälde von »Sonja Knips« mit Blüten-
schmuck und einem dramatischen Helldun-
kelkontrast macht ihn zum Star der Wiener
Gesellschaft. Aus dem Theatermaler wird ein
gefragter Porträtist, für dessen lebensgroße
ken studiert und danach begonnen, eine
stark ornamentale Malweise zu entwickeln,
unter Verwendung von metallischen Farben
und Gold – ein Material, das ihm als Sohn
eines Goldschmieds vertraut war.
Wie moderne Ikonen der Weiblichkeit
wirken nun seine Modelle: extreme Luxus-
geschöpfe, gefangen in einem goldenen Käfig

Bilder links: privat; Belvedere, Wien; Bild rechts: Collection of the Gemeentemuseum Den Haag
ausgebreitet; Einzelaspekte wie die Darstel-
lung von weiblicher Selbstbefriedigung, die
bislang eher verschämt umschifft wurden, Anders als Klimt sucht Schiele die Interaktion mit seinen
werden offensiv erörtert.
Als Künstler hatte man um 1900 einen Modellen. Offensiv fordert er ihre Blicke heraus.
privilegierten Zugang zu Frauen: Man bot
ihnen einfach an, sie zu porträtieren. So
konnte man sie ungestört in seinem Atelier Bilder sich das Wiener Großbürgertum be- aus Repräsentation, Sittsamkeit und Wohl-
empfangen und sie dort zu aufreizenden Po- geistert. Ab jetzt malt er nur noch Frauen stand. Alles Individuelle tritt an ihnen zu-
sen ermuntern. Eine Möglichkeit, von der und entwickelt dafür einen eigenen Stil. Er rück, unnahbar wirken sie und undurch-
etwa Gustav Klimt ausgiebig Gebrauch löst sich zunehmend von seinen Vorbildern, schaubar. Was man von ihnen körperlich
machte. Um jedes seiner berühmten Frauen- dem belgischen Symbolismus und französi- wahrnimmt, sind nur das blasse Gesicht, oft
porträts rankten sich Gerüchte, wie weit die schen Postimpressionismus, und beginnt, leicht errötet, und die bleichen Hände, wäh-
Nähe zwischen Maler und Modell wohl ge- naturalistische Züge mit den dekorativen rend ihr glanzvolles Äußeres mit der Umge-
gangen sei. Mit vielen seiner Aktmodelle, die Elementen des Jugendstil zu verbinden. bung zu verschmelzen scheint. In dieses De-
ausnahmslos aus niederen sozialen Schich- Anschaulich lässt sich dieser Übergang kor bettet Klimt dann subtile sexuelle
ten stammten, knüpfte der Künstler, dem in der Wiener Ausstellung verfolgen. Dem Symbole ein, etwa stilisierte Spermien oder
eine »urwüchsige Kraft« und »Erdgeruch« meisterhaften Bildnis der »Marie Henne- Eizellen, deren Abbildungen er aus den po-
nachgesagt wurden, sexuelle Beziehungen berg« (1901/02), in dem Raum und Sessel pulärwissenschaftlichen Büchern seiner Zeit
an. Obwohl er nie verheiratet war und mit noch pointillistisch angedeutet werden, steht kannte. Angewandte Freud’sche Sublimie-
seiner Mutter und den beiden Schwestern das nur vier Jahre später entstandene Porträt rungstheorie ist das, hatten doch die darge-
unter einem Dach lebte, soll von Fritzi Riedler gegenüber, stellten großbürgerlichen Frauen oft früh ei-
er bis zu 14 uneheliche Kin- das in seiner abstrakt-schim- nen weitaus älteren, vermögenden Mann
der gezeugt haben. Frauen merndenen Flächigkeit voll- geheiratet und lebten nun ihre unerfüllten
waren Klimts natürliche kommen anders wirkt. Es ist künstlerischen, intellektuellen und eroti-
Umgebung, er lebte unter ein Hauptwerk aus Klimts schen Sehnsüchte als Salongastgeberin oder
ihnen, war mit ihrer Ge- »Goldener Periode«, die 1903 Sammlerin aus.
fühlswelt und ihrer Körper- nach einem Besuch in Raven- Aber Klimt konnte auch deutlicher wer-
lichkeit vertraut. Nackte na einsetzt. Ausführlich hatte den. Sobald er das Sujet des Auftragsporträts
Schwangere tauchen auf sei- er dort byzantinische Mosai- verließ und sich seinen Phantasmagorien
nen Bildern ebenso selbst-
verständlich auf wie ausge-
mergelte Alte oder pralle
Jugendschönheiten.
Doch eines scheint die-
ser erfolgreiche Frauenver-
steher nicht gekannt zu haben: die große, al-
les verzehrende Leidenschaft, die Körper
und Geist zugleich ergreift. Immer hielt er
einen Rest Distanz, und diese Distanz ist
auch ein Schlüssel zu seinem Werk. Klimt
fühlte sich vollkommen der Schönheit und
dem Ästhetischen verpflichtet; die Abgründe
der Seele zu erforschen, interessiert ihn nicht.
Zum Frauenporträt findet Klimt erst re-
lativ spät. Im November 1898, da ist er schon

EGON SCHIELE wird nach seiner Heirat

in der Darstellung von Frauen gemäßigter.
1917 malt er ein Liebespaar in zärtlicher
»Umarmung«. Rechte Seite: ein Porträt sei-
ner Ehefrau »Edith Schiele in gestreiftem
Kleid«, das im Jahr 1915 entstand

26

hingab, drängten erotische Motive in den
Vordergrund. In »Goldfische« (1901) streckt
eine der drei nackten Grazien dem Betrach-
ter kess ihren runden Hintern entgegen. Hier
sind die Frauen ganz von Natur durchpulst,
schwerelose Wasserwesen, deren einziger Da-
seinszweck die sinnliche Verführung ist.
Noch expliziter geht es auf seinen
Zeichnungen zu, denen man im Belvedere
einen eigenen Ausstellungsabschnitt widmet.
Hier erweist sich Klimt als intimer Kenner
der weiblichen Sexualität, dem weder sich in-
nig küssende Frauen noch der Gebrauch von
Sexspielzeugen fremd waren. Detailliert wie
in Filmstills sind da etwa einzelne Phasen kli-
toraler Stimulation festgehalten, von der sich
steigernden Erregung bis zur glücklichen Er-
mattung. Was auf den voreingenommenen
Betrachter wie eine Frühform der Por-
nografie wirkt, interpretiert der Kurator
Alfred Weidinger als revolutionären
Akt. Für ihn ist Klimt der erste Künstler,
der die weibliche Selbstbefriedigung
ohne Angst und Scham zeigt, und das
in einer Zeit, die noch voller Vorurteile
gegenüber einer eigenständigen weibli-
chen Sexualität steckte.
In dieser Zeit sieht ein 17-jähriger
Kunststudent, dem seine Professoren
eine außergewöhnliche Begabung tes-
tieren, die Arbeiten Klimts und ist hin-
gerissen. Noch bevor er einen Abschluss
hat, verlässt Egon Schiele die starre Wie-
ner Kunstakademie und startet, geför-
dert von Klimt, eine Blitzkarriere. Jun-
ge Genies sind damals in Mode,
Hoffmannsthal hat es in der Literatur
vorgemacht. Schnell emanzipiert er sich
OSKAR KOKOSCHKA versieht 1918 in
Dresden sein Bild »Stehender weiblicher
Akt« mit den Gesichtszügen Alma
Mahlers. Drei Jahre sind die beiden da
schon getrennt. Re. Seite: Gustav Klimts
Porträt von »Johanna Staude« (1917)
W I E N E R MODE R N E
von seinem Meister und reüssiert mit expres-
sionistischen Darstellungen leicht bekleide-
ter Frauen, die bei männlichen Sammlern
reißenden Absatz finden.
Auch für Schiele sind Frauen und seine
Beziehung zu ihnen das vorherrschende The-
ma. Anfangs steht ihm seine Schwester Ger-
ti Modell, dann zwei »schwarzhaarige Mäd-
chen«, wahrscheinlich Prostituierte, schließ-
lich Wally Neuziel, die 1911 zu seiner Muse
und Geliebten wird. Die Liebe zu Wally trägt
reiche künstlerische Früchte. Im Jahr ihres
Kennenlernens malt er »Die rote Hostie«, ein
Doppelporträt, das sie und ihn in ekstati-
scher Vereinigung zeigt und dabei sexuelle
Praktiken mit christlichen Motiven kreuzt.
Anders als Klimt sucht Schiele die Interakti-
on mit seinen Modellen. Er fordert ihre Bli-
28
cke ein, mal verwirrt oder ängstlich, mal ag-
gressiv oder verachtend, und betrachtet sich
selbst als Erforscher der Geheimnisse körper-
licher Anziehung. Auf diese Weise gewinnen
seine Modelle eine sexuelle Autonomie, die
auf die Betrachter damals wie heute mitunter
verstörend wirken kann.
Ihre besondere Spannung gewinnen
Schieles Bilder durch den leeren Hinter-
grund, der zu den farblich hervorstechenden
Haaren, Geschlechtsteilen oder Strümpfen
kontrastiert. Die Frauen wirken bei ihm wie
in Schaukästen ausgestellt oder auf weißen
Bilder links: Österreichische Nationalbibliothek; Fondation Oskar Kokoschka/Bildrecht, Wien, 2015/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Bild rechts: Belvedere, Wien
Laken drapiert, was ein Gefühl der Isolation
und Angst evoziert. Zeitgenössische Betrach-
ter empfanden das als schamlos und erkann-
ten auf den Bildern »geschundene« Körper
und Seelen. Als Schiele dann auch noch 1912
wegen Verstößen gegen die Sittlichkeit
kurzzeitig inhaftiert wird, hat er seinen
Ruf als Pornograf weg.
Dabei agierte er weitaus bürgerli-
cher, als man angesichts seiner drasti-
schen Werke vermuten würde. Dass er
Wally nicht heiraten konnte, war ihm
von vornherein klar, dafür war ihr so-
zialer Status zu niedrig. Seine spätere
Ehefrau Edith behandelte er autoritär
und engstirnig, strikt trennte er nach
der Eheschließung künstlerisches
Schaffen und Privatleben. Seine Bilder
wurden realistischer und gelassener,
weniger gynäkologisch, auch wenn er
bestimmte Stilmittel wie verkürzte
Gliedmaßen und ungewohnte Kompo-
sitionen beibehielt. 1918 raffte ihn mit
28 Jahren die Spanische Grippe hinweg,
wer weiß, welche künstlerische Ent-
wicklung er noch genommen hätte.
Wie es vielleicht gekommen wäre,
lässt sich am Lebensweg Oskar Ko-
koschkas ablesen, der im Wien des Fin
de Siècle mit Schiele um die Rolle des
Klimt-Kronprinzen konkurriert. Als er
im Frühling 1908 die Lithografien zu
seinem bei der Wiener Werkstätte er-
schienenen Künstlerbuch »Die träu-
menden Knaben« auf der Kunstschau
vorstellen darf, verteidigt Klimt die Ent-
scheidung mit den Worten »Oskar Ko-
koschka ist das größte Talent der jünge-
ren Generation. Und selbst wenn wir
Gefahr liefen, dass unsere Kunstschau
demoliert würde, nun, dann geht man
eben zugrunde. Aber man hat seine
Pflicht getan.«
Kokoschka hatte das Buch, in dem
er die verschmähte Liebe zu seiner Mit-
schülerin Lilith Lang verarbeitet, mit
sexuell aufgeladenen, noch am Secessi-
onsstil geschulten Illustrationen verse-
hen, die vieles von dem vorwegnahmen,

Wesenszüge, Gefühle und Stimmungen will Kokoschka
einfangen, Realitätsnähe ist ihm egal.
was später den Expressionismus auszeichnet.
Die Bilder erkunden die überreiche erotische
Fantasiewelt von Heranwachsenden, den in-
neren Aufruhr, der mit dem Erwachen der
Triebe einhergeht. Ein Thema, das in Wien
heftig diskutiert wurde, seit Freud 1905 in
»Drei Abhandlungen zur Sexualtheorie« die
frühkindliche und pubertäre Sexualität als
Faktum beschrieben hatte.
Im Unterschied zu Klimt und Schiele
war Kokoschka in Liebesdingen ein Spätzün-
der, der sich vom weiblichen Geschlecht
stark verunsichert fühlte. Diese Hemmun-
gen versuchte er mit seinem radikalen Auf-
treten zu kompensieren. Mit seinem kahl ra-
W I E N E R MODE R N E
sierten Schädel und dem übergroßen Ego
galt er in Wien als »Oberwildling«, der sich
als Frauenverächter aufspielte. 1909 veröffent-
lichte er ein Theaterstück mit dem bezeich-
nenden Titel »Mörder. Hoffnung der Frau-
en«, in dem sich die Hauptfigur nur mit
einem Gewaltakt aus dem verderblichen
Klammergriff weiblicher Verlockung zu be-
freien vermag. Frauen scheinen ihm richtig-
gehend Angst eingeflößt zu haben: Einen
vom Kunsthändler Paul Cassirer vermittel-
ten Auftrag, die berühmte Schauspielerin
Tilla Durieux zu porträtieren, konnte er
nicht vollenden, weil ihre Verführungskraft
einfach zu groß war. Ihm bleibt nichts ande-
30
Das Kindweib entzündete in Wien die Fan-
tasie von Künstlern und Literaten. Oskar
Kokoschkas Aquarell »Tanzendes Mädchen
in blauem Kleid« (1908) zeugt davon
res übrig, so erinnert er sich in seinen Me-
moiren, als sich davonzustehlen und Gemäl-
de samt Farbkasten zurückzulassen.
Zu diesem Zeitpunkt war er bereits ein
gefragter Künstler, der Klimt als Vorbild
längst hinter sich gelassen hatte. Mit seinem
expressiven Malstil, der auf Symbole und Or-
namente verzichtete, empfand er sich als See-
lenerkunder, sowohl seiner eigenen verborge-
nen psychischen Prozesse wie der seiner
Modelle. Auf seinen Bildern will er Wesens-
züge, Gefühle und Stimmungen einfangen,
Realitätsnähe ist ihm weitgehend egal.
1912 beginnt Kokoschka eine Liaison
mit der sieben Jahre älteren Alma Mahler, ei-
ner der schönsten Witwen Wiens. Alle seine
Bild: Fondation Oskar Kokoschka/Bildrecht, Wien, 2015/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
Modelle tragen nun die Gesichtszüge Almas,
in den Armen der erfahrenen Frau erlebt er
nach eigenem Bekunden zum ersten Mal das
»körperliche Glück«. Ihrer konfliktreichen
Beziehung und wie sie sich in Kokoschkas
Werk widerspiegelt, widmet die Ausstellung
im Belvedere ein eigenes Kapitel. Der Künst-
ler ist hin- und hergerissen und sieht Alma
Mahler wahlweise als Kind, Geliebte, Frau,
Schwester und Mutter. Von so vielen Rollen
zeigt sich die Komponistenwitwe bald über-
fordert und beginnt auf Distanz zu gehen.
Seinen Heiratsanträgen verweigert sie sich,
das gemeinsame Kind treibt sie ab. Kokoschka
ist darüber untröstlich, seinen Liebeskum-
mer verarbeitet er in zahllosen Bildern, die
Titel tragen wie »Der Mann erhebt seinen
Kopf aus dem Grabe, auf dem das Weib sitzt«.
1915 verlässt Alma Mahler ihn für den Archi-
tekten Walter Gropius, ein Abschied an dem
Kokoschka noch lange zu knabbern hat. Drei
Jahre später, 1918, da ist er schon nach Dres-
den gezogen, lässt er sich als Ersatz für die
verlorene Geliebte eine lebensgroße Puppe
nach ihrem Vorbild anfertigen.
1918 ist auch das Jahr, in dem Klimt und
Schiele sterben, der eine früh vollendet, der
andere als reifer Künstlerfürst. Der Erste
Weltkrieg hat der Frauenbewegung mächtig
Aufschub gegeben, Frauen werden jetzt ob
des Männermangels im Berufsleben ge-
braucht und erhalten endlich das Wahlrecht.
Bald tragen sie männliche Bubiköpfe, steu-
ern Flugzeuge und lassen sich Zigaretten rau-
chend abbilden. Doch das Mysterium der Se-
xualität, das die drei Wiener Modernisten so
heftig umtrieb, beschäftigt uns bis heute. ×
»Klimt, Schiele, Kokoschka und die Frauen«, Un-
teres Belvedere, Wien, 22. Oktober bis 28. Februar
BASSENGE

Carl Leypold (1806–1874). Birke und Eiche im Frühling. Öl auf Papier. 29,5 x 37,6 cm. Datiert „d 18/4 1832“.

Kunstauktionen 26.–28. November 2015

Gemälde, Zeichnungen und Druckgraphik des 15. bis 19. Jahrhunderts
Moderne und Zeitgenössische Kunst

Fotoauktion 2. Dezember 2015

19. bis 21. Jahrhundert und Fotobücher

G A L E R I E B A S S E N G E · E R D E N E R S T R A S S E 5A · 14193 BE R L I N
Tel.: +49 30-8938029-0 · Fax: +49 30-8918025 · E-Mail: art@bassenge.com · Kataloge online: www.bassenge.com
Zu Hause in Bloomfield Hills bei Detroit: Calder-
Mobiles, ein Fasanenstillleben von Monet
und Tänzerinnen von Degas. Picassos »Femme
assise« (1938) und de Koonings »Untitled XXI«
(1976) sind jeweils auf 25–35 Mio. Dollar ge-
schätzt. Rechts hinter der Orchidee eine
futuristische Komposition von Giacomo Balla
 Amerikanisches Epos
Zwei Jahrzehnte bestimmte Alfred Taubman als Eigner das Schicksal von Sotheby’s.
Jetzt soll seine Sammlung für mehr als 500 Millionen Dollar versteigert werden

VON
LISA ZEITZ

33
 A L F R E D TAU B M A N

W Kunstwerke versteigern zu lassen. Die einmalige Sammlung

umfasst Objekte von der Antike bis zur Gegenwart, altägyp-
tische und chinesische Antiquitäten, Renaissance- und Ba-

Bild vorherige Doppelseite: Sotheby’s New York/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Bild links: Courtesy the Taubman Family; Bild rechts: Sotheby’s New York
rockmalerei, Impressionisten und die Moderne, Künstler
wie Raffael, Toulouse-Lautrec, Modigliani, Schiele, Picasso
und Rothko. Beide großen Auktionshäuser buhlten um die
außerordentliche Einlieferung. Sotheby’s hat den Wettstreit
mit einer Garantie von 500 Millionen Dollar für sich ent-
schieden. Das ist die höchste Summe, die ein Auktionshaus
je garantiert hat.
Es war Taubman selbst, der Garantien bei Sotheby’s
einführte, als er das Unternehmen 1983 kaufte und grund-
legend modernisierte. Die Garantie ist eine riskante Praxis,
die den Prinzipien des transparenten Auktionswesen eigent-
lich widerspricht – zumal wenn dritte Parteien sie finanzie-
ren – doch sie dient den großen Auktionshäusern oft als
überzeugendes Argument bei der Akquise besonders presti-
geträchtiger Objekte.
1983 war das Unternehmen, kurz vor seinem 250. Jubi-
läum, in finanzieller Not. Taubman sah Sotheby’s als »hoch-
näsiges, abweisendes Kunstauktionshaus«, so schreibt er in
seinen Memoiren, und hatte die Vision, ein »offenes, umfas-
sendes Einzelhandelsgeschäft« mit freundlichem Service da-
raus zu machen, das nicht nur wie bis dato hauptsächlich
Händler, sondern Sammler direkt ansprechen würde. Taub-
man erneuerte nicht nur die Finanzmodelle, sondern auch
die Ausstellungen, die Architektur und die Gestaltung der
Kataloge: »Schriftgröße 9 ist unlesbar für Leute, die alt ge-
nug sind, sich Kunst zu leisten!« Auch auf die Kriterien der
Akquise nahm er Einfluss: »Damit ich nachts ruhig schlafen
konnte, hörten wir auf, Schrumpfköpfe, Elefantenstoßzäh-
ne und Nazi-Memorabilia zu verkaufen.« In London ließ er
ein Café in das altehrwürdige Auktionshaus einbauen. Er
eröffnete Filialen in Hongkong, Moskau und Monte Carlo.
Außerdem erkannte er die magnetische Wirkung von
»Celebrity Sales«. Die Auktion der Juwelen der Herzogin
von Windsor 1987 in Genf, bei der Liz Taylor mehr als
600 000 Dollar für eine Brosche ausgab, war ebenso ein Me-
Wer an Alfred Taubman denkt, hat nicht sofort den Kunst- dienereignis wie die zehntägige Auktion der Hinterlassen-
sammler vor Augen. Was war da noch? Ja, richtig, der schaften von Andy Warhol 1988 in New York, bei der allein
Riesenskandal vor 15 Jahren, als Sotheby’s und Christie’s die Keksdosen des Künstlers eine Viertelmillion Dollar ein-
wegen illegaler Preisabsprachen weltweit in die Schlagzeilen spielten. Im selben Jahr brachte er Sotheby’s an die Börse.
gerieten. Christie’s packte zuerst aus, dann sagte auch noch Reichtum und Glamour waren Taubman nicht in die
Sotheby’s CEO Dede Brooks gegen ihren eigenen Chef aus, Wiege gelegt, als er 1924 in Pontiac, einem Vorort von De-
und so wanderte der Sotheby’s-Chairman Alfred Taubman, troit nahe der kanadischen Grenze, geboren wurde. Die El-
der stets seine Unschuld beteuerte, im Sommer 2002 für tern des kleinen Adolph Alfred waren jüdische Einwanderer
knapp zehn Monate hinter Gitter. aus Ostpreußen – zu Hause wurde Deutsch gesprochen. Das
Im April ist der Milliardär im Alter von 91 Jahren ge- bescheidene Vermögen, das sie sich erarbeitet hatten, ging
storben. Geld lässt sich leichter dividieren als Kunst, und so während der Großen Depression verloren. Es war nicht die
entschieden seine drei Kinder aus erster Ehe und seine zwei- Armut, wegen der sich der Schüler als Außenseiter empfand:
te Frau Judy Taubman, die ehemalige Miss Israel, rund 500 Er stotterte und war Legastheniker, er war ungelenk und

34
 HEA DZEILE

In der New Yorker Wohnung an der Fifth Ave-

nue hatte Amedeo Modiglianis »Porträt der
Paulette Jourdain« (1919) seinen Platz. Linke
Seite: Alfred Taubman in seiner Residenz in
Palm Beach in den Achtzigerjahren

35
 A L F R E D TAU B M A N

Mark Rothkos »Untitled (Lavendar and Green)« (1952) ist auf 20–30 Millionen Dollar geschätzt, Thomas

Bilder links und rechts: Sotheby’s New York/VG Bild-Kunst, Bonn 2015 (4)
Gainsboroughs »Blue Page« (ca. 1771) auf 3–4 Millionen. Charles Burchfield, der auch Stoffmuster und Tapeten
entwarf, malte die Wiese mit dem »Admiral« 1961–62 (Taxe 600 000–800 000 Dollar). Rechte Seite:
Neben Rothko und Franz Kline zierte auch eine kleines Bild von Georgia O’Keeffe das Esszimmer in Michigan

überdurchschnittlich groß für sein Alter. Außerdem war er
das einzige jüdische Kind in seiner Klasse – und er hieß
Adolph. Doch den ersten Vornamen ließ er bald fallen.
Taubman war noch ein Teenager, als Japan Pearl Har-
bor bombardierte. Er meldet sich freiwillig für den Kriegs-
dienst und wurde mit der Air Force in den Pazifik entsandt.
Die ungeheuren Auswirkungen der Atombombe auf Hiro-
shima sah er mit eigenen Augen. Nach seiner Zeit beim Mi-
litär studierte er Kunst und Architektur an der University of
Michigan in Ann Arbor und arbeitete nebenbei als Schuh-
verkäufer. Schon damals erprobte er ungewöhnliche Ge-
schäftsideen. Zum Beispiel weckte er die Kauflust seiner
Kommilitoninnen, indem er die neuesten Schuhmodelle auf
den Treppenstufen ihres Wohnheims drapierte.
In seine Studienzeit fällt der Erwerb seines ersten
Kunstwerks. Sein Lehrer Carlos Lopez rief ihn am Schluss
eines Malkurses in sein Büro. »Er gab mir eine Drei, das war
die höchste Note, zu der er sich aufgrund meiner häufigen
Abwesenheiten durchringen konnte. Außerdem gab er mir
eine seiner Tuschezeichnungen als Aufmunterung, mich
weiterhin mit Kunst zu beschäftigen. ›Du hast Talent‹, sagte
er, ›aber du wirst es nicht auf dem Golfplatz finden.‹«
1950 nahm Taubman 5000 Dollar Kredit auf und grün-
dete sein erstes eigenes Bauunternehmen. Mit der Planung
und Errichtung von Einkaufszentren wurde er schon inner-
halb eines Jahrzehnts zum Millionär. Shoppingmalls präg-
ten bald überall die amerikanische Landschaft und Alltags-
kultur, und Taubman hatte ein besonderes Talent, die
Schwellenangst seiner Kunden zu erkennen und durch ver-
schiedene Maßnahmen zu überwinden.
Kunst fand Taubman von den Fünfzigerjahren bis An-
fang der Achtzigerjahre hauptsächlich in Galerien und bei
Händlern. Auf der West 57th Street in New York war er regel-
mäßig zu Gast in der Green Gallery, die man mit einem wack-
ligen Aufzug in den vierten Stock erreichte. Dort kaufte er
unter anderem Mark Rothkos meditatives Gemälde »Untitled
(Lavendar and Green)« von 1952. Das Bild soll jetzt 20 bis 30
Millionen Dollar einspielen. Bald war er auch Kunde der le-
gendären Kunsthändler Leo Castelli und Betty Parsons. Zu
seinen frühen Erwerbungen gehören Werke von Frank Stella
und Robert Rauschenberg. Willem de Koonings späte, in
Gelb- und Rottönen gehaltene Abstraktion »Untitled XXI«
von 1976, die das Wohnzimmer in Bloomfield Hills bei De-
troit zierte, kaufte Taubman 1977 in der James Corcoran Gal-
lery in Los Angeles. Der New Yorker Kunsthändler William
Acquavella, mit dem Taubman gut befreundet war, vermittel-
te ihm 1983 das zauberhafte Modigliani-Porträt der Paulette
Jourdain. Die Werke von de Kooning und Modigliani sind
jetzt auf jeweils 25 bis 35 Millionen Dollar geschätzt.
Christoph Graf Douglas, ehemaliger Deutschland-
Chef von Sotheby’s, kannte Taubman durch die gemeinsame
Arbeit sehr gut. »Er hat die Firma gekauft, als sie in Not war,
nur drei Leute in den Führungsetagen ausgetauscht und den
Umsatz verachtfacht«, erzählt er am Telefon. »Es gab zu der
Zeit natürlich einen unheimlichen Kunstboom.« Vor dem
Kauf analysierte Taubman den Markt. Weltweit lag der Um-
satz mit Kunst Anfang der Achtzigerjahre bei 25 Milliarden
Dollar im Jahr, wovon nur 1 Milliarde Dollar zusammen auf
die beiden großen Auktionshäuser fiel. Da sah er Potenzial.
Zu Recht: Nach dem letzten Tefaf-Report summierte sich
der globale Kunstmarkt 2014 auf 51 Milliarden Euro, wovon
alleine das Auktionsgeschäft von Sotheby’s einen Anteil von
rund 5 Milliarden Euro hat.
Douglas hat Taubman als humorvollen, »trotz seines
Reichtums unwahrscheinlich natürlichen« Menschen erlebt,
beim Lachsfischen in Island oder auf einer DDR-Reise. Als
der amerikanische Tycon in einer Molkerei in Leipzig etwas
kaufen wollte und eine Stunde in verschiedenen Schlangen
anstehen musste, so Douglas, sei Taubman zu dem Urteil ge-
kommen: »Dieser Staat kann nicht funktionieren.« Dagegen

36
sei er in West-Berlin vom KaDeWe begeistert gewesen: »Hier
gab es die größte Wurstauswahl der Welt. Taubman liebte
GALERIE
Würste. Er hatte Tränen in den Augen.«
Mit dem Kauf von Sotheby’s 1983 verlagerte sich seine
T
E U
TSCHBEIN
Sammeltätigkeit von Galerien auf Auktionen. Douglas er-
innert sich an Taubmans Worte, Sotheby’s habe die weltbes-
seit1
969
ten Kunstexperten, da wäre es doch töricht, nicht auf sie zu N
a ch4 6J ah renw erd eicha u sg esu n dh eitlichen
hören. Den Zuschlag für Gainsboroughs »Blue Page« erhielt Gründ enm ein eG alerieinF ran k fu rta m D om
er in London 1989 bei rund 1 Million Pfund. Ungefähr das ina nd ereH än deü b erg eb en .
Doppelte soll das Werk nun in New York einbringen. Selten S ieh abend ieG eleg en h eit
ging Taubman mit seinen Geboten über die Schätzungen Gem äldeu n dA q uarelled es1 8 .u n d1 9.J a hrh.
hinaus. Aus der Sammlung von Gianni Versace in London zured u ziertenP reisenzuerw erb en.
1999 ersteigerte Taubman für 3 Millionen Pfund – weit un- Ichfreu em ichm einenK un den
terhalb der Taxe – Picassos »Femme assise sur une chaise« beiein erK aufen tsch eid u n g
(1938), die jetzt auf 25 bis 35 Millionen Dollar geschätzt ist. bera ten dzu rS eitezusteh en .
Oftmals hatte er vor der Einlieferung Stücke persönlich ga-
rantiert. Wenn sie keinen anderen Käufer fanden, wurden Verk
au fsa
u sstellung
sie Teil seiner Sammlung: »So hat Taubman einige sehr gute
Stücke hinzugewonnen«, so Douglas.
w
egenG eschä ftsaufg
abe
Taubman pflegte Wohnsitze in seiner Heimat Michi-
N
iederlä
n discheRo
m antiker
gan, auf Long Island, in Manhattan, Florida und London.
»Er hat sehr lebendig mit den Sachen gelebt«, so Douglas. FlämischeR omantiker
Das kann man sich gut vorstellen, wenn man etwa Monets Sch
u levo nB .C.Koekk oek
Stillleben mit toten Fasanen in seinem Wohnzimmer sieht
und weiß, dass Taubman ein leidenschaftlicher Jäger war. 1
0.N
ovemberb
is22.D ezem
ber2
015
Seine Heimat Michigan lag ihm besonders am Herzen. Mo.b
isSa.1
1b is1 8Uh
r
Als großer Philanthrop spendete er seiner Universität, die er
ohne Abschluss verließ, rund 200 Millionen Dollar. Mit vie-
6
031
1Fra
n k
furt,W
eck
m a
rkt7
,AmDo
m
len Millionen förderte er auch das Detroit Institute of Arts, +
49-69
-288 51 6 + 49-1
71 -541429
5
das einen Flügel nach ihm benannt hat. Zu seinen Schen- in
fo@ galerie-teu
tschbein.com
kungen gehört Paul Klees »Kleine Landschaft mit Garten-
w ww.g
alerie-teutschbein.com
tor« von 1928. Acht Leihgaben jedoch, die den Museumsbe-
suchern in Detroit ans Herz gewachsen sind, lassen seine
Erben bei der New Yorker Altmeisterauktion im Januar ver-
steigern, darunter Werke von Pietro da Cortona, Caracciolo
und Guercino. Es ist ein Kreislauf: Ein Leben geht zu Ende,
die Kollektion wird aufgelöst. Andere Sammler sind jetzt
am Zug. Bald werden die Kunstwerke wieder neue Schick-
sale begleiten, zerstreut in alle Winde. ×

Sotheby’s versteigert die Sammlung von Alfred Taubman in New

York: »Masterworks« am 4.11., »Modern & Contemporary Art« am
5.11., »American Art« am 18.11. und »Old Masters« am 27. 1.2016

A
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,6cm ,signiert.
 2
1 3

Aufbruch in
den Anden
Eine Kunstmesse lockt Sammler,
Kuratoren und Händler nach
Bogotá – und beflügelt die Kulturszene
der Zehnmillionenstadt

VON
BA R BA R A KU TSCH ER

5
38 6 7

R
adfahren in Bogotá, mitten
in den Anden? Der Vorschlag
kam überraschend. Ja, die
Hauptstadt Kolumbiens, ein
Moloch mit fast zehn Millionen Einwohnern
in 2600 Meter Höhe, besitzt mit 390 Kilome-
Bilder: Daniel Romero/VWpics/Redux/Redux/laif; Stephen Ferry/NYT/Redux/laif; Edgar Jiménez/Flickr; Franck Guiziou/hemis.fr/laif; Doris Salcedo; Felipe Uribe; Courtesy of Cámara de Comercio de Bogotá
tern das längste Radwegenetz der Welt. Dazu
erfand Kolumbien vor vierzig Jahren die
»Ciclovía«: Jeden Sonn- und Feiertag werden
bestimmte Hauptstraßen, die sonst zum
Bersten gefüllt sind, für den Autoverkehr ge-
sperrt. Sie locken Scharen von Radlern an.
Nach einem halben Jahrhundert Bür-
gerkrieg scheint der Friedensprozess in Ko-
lumbien Fortschritte zu machen, auch wenn
es im Sommer wieder Anschläge von Gueril-
lagruppen gab. Die Kunstszene ist aber schon
seit einigen Jahren auf dem Radar unterneh-
mungslustiger Kuratoren und Sammler. Zu
den Künstlerstars zählen Miguel Ángel Rojas,
der Drogenhandel und Gewalt thematisiert,
und Doris Salcedo, die 58-Jährige wurde ge-
rade mit einer Retrospektive im New Yorker
Guggenheim Museum geehrt.
Eine zentrale Rolle für das Image der
Stadt spielt die 2005 gegründete Kunstmesse
Artbo im Kongresszentrum Corferias Bogo-
tá. Sie hat ihre Besucherzahl diesen Oktober
nach Angaben der Messeleitung auf 35 000
verdoppelt. Auch das Qualitätsniveau und
die Zahl der mittlerweile 84 Aussteller sind
gestiegen. Noch fehlen die ganz großen in-
ternationalen Galerien- und Künstlernamen,
doch Händler bestätigen, dass es hierzulande
mehr Sammler gebe als etwa in Mexiko.
Der Akzent der Messe liegt auf junger
lateinamerikanischer Kunst, vor allem auf
der Konzeptkunst, mit Preisen im vier- bis
fünfstelligen Bereich. Die gut vernetzte, heu-
te 32-jährige Kunsthistorikerin María Paz
Gaviria, Tochter des ehemaligen Präsidenten,
übernahm vor vier Jahren das Messeruder
und brachte frischen Wind ins Unterneh-
men. Mit der Artbo verfolgt sie auch eine di-
daktische Mission, denn unter dem runden
Dutzend privater und staatlicher Museen in
Bogotá ist die zeitgenössische Kunst nicht
breit vertreten. Der Messesektor »Referentes«
ermöglichte anhand von käuflichen Expona-
ten der teilnehmenden Galerien einen Gang
durch die Kunstgeschichte Lateinamerikas
von den Zwanziger- bis in die Achtzigerjahre.
Schätze aus Jahrtausenden: 1 + 2 Das Mu-
seo Botero beherbergt den »Akt mit
Selbstbildnis« 3 Im Museo del Oro ist das
1969 in Pasca gefundene goldene Floß zu
bewundern 4 Die Wallfahrtskirche auf dem
Monserrate 5 Doris Salcedos »Atrabiliaras«
6 Jorge Macchi ist bei NC-Arte zu sehen
7 Kunst von Shana Moulton auf der Artbo
B O G O TÁ
Auf der entgegengesetzten Seite des Pavillons
lieferte der nicht kommerzielle Sektor »Arte-
cámara« dagegen ein Abbild der aktuellen
Produktion. Hier konnten 33 junge kolum-
bianische Künstler ohne Galerierepräsentati-
on ihre sperrigen Ideen ausbreiten: ein star-
ker Kontrast zu der oft zahmen Ware in den
benachbarten Händlerkojen. »Dieser Sektor
übernimmt viele Funktionen einer Bienna-
le«, so Paz Gaviria stolz.
Als einzige Kunstmesse in Lateiname-
rika kann Artbo vier Satellitenmessen auf-
weisen, etwa die 5. Odeon Modern Art Fair
mit 21 Galerien in einem Dreißigerjahrekino
oder die Million Peso Fair, in der nichts über
300 Euro kostet. Artbo lieferte auch den
Startschuss zum geschäftigen Art Month mit
acht über ganz Bogotá verteilten Stationen
des Luis-Caballero-Preises, des wichtigsten
Kunstpreises des Landes. Hier durften ko-
lumbianische Künstler prominente öffentli-
che Orte wie Museen, Kirchen und Denkmä-
ler der Stadt für ihre Interventionen nutzen.
Alberto Baraya, der in seinen Werken in die
Rolle eines Botanikers des 18. Jahrhunderts
schlüpft, gab im Hof der Casa Museo Quinta
de Bolívar am Rande der Stadt eine Vogel-
stimmenperformance. Juan Fernando Herrán
belebte das Innere des riesigen Kriegerdenk-
mals »Monumento a los Héroes« auf einer
verkehrsumtosten Insel an der Autopista
Norte mit einer Videoprojektion und mit
Skulpturen.
Pflichtbesuch eines jeden Touristen ist
das Museo del Oro del Banco de la República
Colombia in der historischen Altstadt La
Candelaria mit 6000 präkolumbischen Gold-
objekten. Im Neubau von 2008 wird man
über drei Etagen durchaus unterhaltsam
durch die Geschichte geführt. Zu den Höhe-
punkten gehört das aus filigranem Gold ge-
fertigte Minifloß von Eldorado (600 bis
1600 n. Chr.), das eine Zeremonie des Muisca-
Volkes darstellt.
Unweit davon, im Museumskomplex
der Banco de la República, gibt es seit fünf-
zehn Jahren das Museo Botero. Der in seiner
Heimat populäre Fernando Botero, der sich
als »kolumbianischsten aller kolumbiani-
schen Künstler« bezeichnet, stiftete der
Staatsbank insgesamt 208 Werke, davon 123
eigene Arbeiten, der Rest stammt von euro-
päischen Künstlern wie Corot, Renoir, Freud
und Bacon. »Botero wird von der jungen Sze-
ne kritisch betrachtet, aber er verdient Lob
für seine philantropischen Bemühungen«,
erklärt María Paz Gaviria.
Vor allem auf privater Ebene passiert in
der Stadt viel: Die überall kostenlos auslie-
gende kompakte Broschüre »Bogotá Artecir-
cuito« listet um 120 Galerien und Kunsträu-
39
me, und es werden stetig mehr. Die meisten
ballen sich im Zentrum oder in den guten
Wohngegenden im Norden: in den Vierteln
San Felipe, Chicó oder La Macarena, das
schon seit den Fünfzigerjahren Anlaufstelle
für Künstler und Intellektuelle war.
Ohne Zweifel zählt der Unternehmer
José Darío Gutiérrez zu den treibenden Kräf-
ten der Stadt. Er und weitere Sammler zeit-
genössischer Kunst, wie Sergio Ferreira oder
der Architekt Alejandro Castaño, machen
ihre Räume zum Messewochenende für
Scharen von VIPs zugänglich. Da konnte
man durch Gutiérrez’ weitläufiges Duplex-
apartment mit atemberaubendem Blick über
die Stadt im gut bewachten Viertel Los Ro-
sales streifen. Sein Fokus ist seit über dreißig
Jahren vor allem Kolumbianisches. Jeder
Raum ist vom Boden bis zur Decke mit
Kunst gepflastert, beginnend mit Landschaf-
ten des 19. Jahrhunderts über den Concretis-
mo und zur aktuellen Konzeptkunst. Aber
dazwischen überraschen auch frühe, selten
gesehene Stillleben von Fernando Botero aus
einer Zeit, als er noch auf der Suche nach sei-
ner ureigenen Sprache war. Gutiérrez reihte
sich im letzten Jahr auch unter die Gründer
des ersten Auktionshauses Bogotás für latein-
amerikanische Kunst, BogotAuctions.
Ebenfalls in La Macarena, nur wenige
Straßenzüge entfernt, findet sich ein weiterer
wichtiger Kunstraum: Schon vor fünf Jahren
öffnete die gemeinnützige Familienstiftung
Fundación Neme NC-Arte, die sich großzü-
gig über vier Etagen erstreckt. Hier liegt der
Fokus eher auf internationaler Kunst. Gera-
de reflektiert der Argentinier Jorge Macchi
mit seinen ausgreifenden Lattengerüsten
»Lampo« (Blitz) über Licht und Schatten.
Einige Kilometer entfernt liegt das jun-
ge Kunstviertel San Felipe, wo sich vor zwei
Jahren die unabhängige Institution FLORA
ars + natura als Anker etablierte. Ihr Direktor
ist José Roca, der vor Kurzem noch als Kura-
tor für lateinamerikanische Kunst an der
Tate Modern in London gearbeitet hat. Als
sein nächstes Projekt plant er den Neubau ei-
nes Studiogebäudes, in dem zwölf interna-
tionale Künstlerstipendiaten wohnen und ar-
beiten sollen.
Seit Oktober gibt es in Bogotá auch eine
erste ausländische Galerie. Der Franzose
Fabien Castanier, der seit einigen Jahren eine
Galerie in Los Angeles betreibt, möchte hier
lateinamerikanische Künstler entdecken und
im Norden bekannt machen. Passend hat er
seine erste Gruppenshow, nach Umkehrung
eines kolumbianischen Sprichworts, »Dando
Papaya« genannt. »Das heißt: Hab keine
Angst«, meint Castanier und lächelt ver-
schmitzt. ×
 ZUR BA R ÁN

Drama und Erleuchtung

Göttliche Verklärung bedeutete bei Francisco de Zurbarán immer auch
tiefe Menschlichkeit. Jetzt ist der faszinierende Maler in Düsseldorf zu erleben
Bild links: Museum Kunstpalast/Horst Kolberg/Artothek; Bild rechts: bpk – Bildagentur Kunst, Kultur und Geschichte/München/Bayerische Staatsgemäldesammlung – Alte Pinakothek

VON
I R MG A R D BER N ER

M
Mit der Stille verhält es sich wie mit der Dun-
kelheit. Sie ist uns suspekt, wir trauen ihr nicht,
sie lässt uns zweifeln – an uns und an der Welt.
Die Gemälde des Spaniers Francisco de Zurba-
rán sind erhaben über solche Zweifel, denn sie
sind allein der Stille verpflichtet. Einer Stille
der Andacht, deren Glanz wie aus der Dunkel-
heit zu einem inneren Leuchten erwächst und
im irdischen Sein mit dem Hauch eines göttli-
chen Schimmers verschmilzt. Es ist die schwei-
gend knisternde Stille in einer Kapelle, einer
Kartause, einer Höhle. Weltabgewandt kniet
der Mönch Franziskus wie in Trance dem inne-
ren Zwiegespräch hingegeben. Die spitze Ka-
puze verschattet das Gesicht des Heiligen aus
Assisi, der die Armut vorzog und die Askese
vorlebte. Seine Physis ist ganz Kleid, ganz her-
be Kutte, sein Körper verborgen unter dem stei-
fen Tuch, geschützt vor den Blicken und viel-
leicht vor sich selbst. Das raue Leinen ist aus
Flicken genäht, auf deren zerfransten Rändern
Lichtpunkte tänzeln.
Seit den 1630er-Jahren bis wenige Jahre vor
seinem Tod hat Zurbarán den Heiligen immer
wieder gemalt, insgesamt über 50 Versionen, in
Ekstase oder in Meditation, mit dem Totenkopf
in der Hand oder das Memento mori neben

»Der heilige Franziskus in Meditation« (li.),

1630/35, ist im Besitz des Museum Kunstpa-
last. Re.: »Grablegung der hl. Katharina von
Alexandrien auf dem Berg Sinai«, um 1636

41

sich auf dem trockenen Boden. Wir alle sind
sterblich, sagen diese Bilder und sublimieren
den Tod. Es sind Figuren wie gemeißelt –
auch der sterbende Christus am Kreuz oder
der Christus der Barmherzigkeit. Sie tauchen
aus der Dunkelheit in das spärliche Licht, das
sich im Bausch des Lendentuchs fängt, es
zum Strahlen bringt und dem fahlbläulich
nackten Körper eine Art Seelenschimmer
auflegt. Man stelle sich vor, in der dunklen
Kapelle dieser Konzentration ausgesetzt zu
sein. Würden wir sie ertragen, die Stille, die
Dunkelheit, die Wirklichkeit des Leidens,
ZUR BA R ÁN
Zurbaráns Darstellungen der
Frommen und Heiligen
sind zutiefst geprägt von der
spanischen Mystik.
42
die in der sinnlichen Stofflichkeit so greifbar
naherückt?
Zu jener Zeit, 1639, lässt der Barockma-
ler Zurbarán das innere Feuer indes auch
nach außen schlagen: in der Sakristei des
Klosters Santa María von Guadalupe inmit-
ten der herben Extremadura-Berge. In der
wandfüllenden Bildererzählung bricht rot-
glühendes Licht aus dem Himmel, und in ih-
rer dunklen Klause verströmen die porträ-
tierten Mönche in ihren schwarzweißen
Kutten die Atmosphäre des Gebets und der
vom Gottesglauben überwältigten Gefühle.
Der Maler der Mönche, so wird Zurba-
rán oft genannt – und doch war er viel mehr.
Denn auch in den auf Mondsicheln schwe-
benden Madonnen, diesen in feinem Rosa
oder zartem Weiß und liturgischem Blau ge-
wandeten Wesen, umgeben vom goldenen
Aureolenkranz aus Engelsköpfen, treibt er
sein raffiniertes Spiel zwischen Entrückung
Bild: Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid/Pablo Linés Viñvales
und Wirklichkeit. Bis hin zu den Lilien, Ro-
sen und Silbertellern, die wie beiläufig und
doch so sinnträchtig die Stille der Bilder be-
leben. Das Agnus Dei, das Lamm mit den ge-
fesselten Läufen und dem dichten Kraushaar,
in das man hineinfassen möchte, ist wie er-
füllt vom Geist Gottes. Aber können wir den
ehrfürchtigen Blicken, denen sie galten, heu-
te noch folgen? Können wir ihn wirklich be-
greifen, den Maler der heiligen Männer und
frommen Frauen, die er so herrlich gewandet
und zugleich so sehr verrätselt in ihrer mys-
tischen Ekstase und stillen Frömmigkeit?
Jetzt kann man es versuchen, denn Zur-
barán, vor wenigen Jahren noch ein Geheim-
tipp unter den Künstlern des »Siglo de Oro«,
des Goldenen Zeitalters Spaniens, ist nun in
Düsseldorf zu erleben. Mit 79 Gemälden (da-
runter acht von seinem Sohn Juan), Leihga-
ben aus aller Welt bis hin nach Kuba und Me-
xiko, richtet das Museum Kunstpalast dem
Spanier eine große Retrospektive aus. Eigent-
lich unfasslich, aber es ist tatsächlich die ers-
te Zurbarán-Ausstellung im deutschsprachi-
gen Raum, erarbeitet in Kooperation mit
dem Museo Thyssen-Bornemisza in Madrid.
Wer war dieser Künstler? Der seine Bil-
der mit gemalten Zettelchen signierte, auf
die er selbstbewusst schrieb: »Zurbarán facie-
bat« – Zurbarán hat dies gemacht. Geboren
wurde er 1598 in Fuente de Cantos, einem
kleinen Marktflecken im kargen Land der
südlichen Extremadura. Es ist das Jahr, in
dem König Philipp II. nach langer Regent-
schaft stirbt und ein Reich im Niedergang
hinterlässt. Im Alter von 16 Jahren beginnt
der junge Francisco seine Ausbildung in Se-
villa, der Kunstmetropole Andalusiens und
florierenden Hafenstadt mit regem Handel
mit der Neuen Welt, in der Werkstatt des Ma-
lers Pedro Díaz de Villanueva. Der fast gleich-
Bilder: Philadelphia Museum of Art: Purchased with the W.P. Wilstach Fund, 1900; Ayuntamiento de Sevilla, Colección Municipal/Martín García Pérez
altrige Diego Velázquez, mit dem ihn eine
lebenslange Freundschaft verbinden wird,
lernt bei Francisco Pacheco. Nach drei Jah-
ren lässt Zurbarán sich als pintor de imagine-
ría in Llerena in der Extremadura nieder. Er
heiratet, bekommt drei Kinder, darunter den
begabten Juan. Zu früh stirbt seine Frau, er
heiratet wieder. Drei Ehen werden es und
zehn Kinder, von denen fast keines überlebt.
Zurbaráns Zeit war zutiefst geprägt von
der spanischen Mystik. Das zuweilen Erstarr-
te seiner Bilder, vor allem im Frühwerk, ist
wohl auch jenen Formeln geschuldet, mit de-
nen die katholische Kirche die Macht über
die anmaßenden Körper und Geister zurück-
erobert: durch Dekrete zur religiösen Male-
rei, die sie in der Folge des gegenreformato-
rischen Konzils in Trient 1563 erlässt.
In dem tief katholischen Spanien des
17. Jahrhunderts sucht Zurbarán nach bild-
mächtigen Formen des Glaubens, wendet sei-
ne malerischen Mittel jedoch sparsam an.
Durch den düsteren (»tenebren«) Hinter-
grund, die scharfen Konturen von Gesich-
tern, Körpern und Stoffen, aber durch einen
expressiven Pinselduktus erzielt er starke
plastische Wirkungen. Rasch hat Zurbaráns
Werkstatt einigen Erfolg zu verbuchen. Im
Januar 1626 unterschreibt er einen Vertrag
mit dem Prior des Dominikanerklosters San
Pablo el Real in Sevilla (der heutigen Pfarr-
kirche Santa María Magdalena). Es geht um
insgesamt 21 Gemälde, davon 14 zum Leben
des heiligen Dominikus: Zurbaráns erster In der »Verkündigung«, wohl 1650 gemalt,
Großauftrag. Zu dieser Serie gehört »Die bricht die himmlische in die irdische Sphäre
Jungfrau Maria erscheint einem Mönch von der künftigen Gottesmutter ein. Unten:
Soriano«; es ist eines der frühesten Werke in »Unbefleckte Empfängnis« vor gold glühen-
der Düsseldorfer Ausstellung. dem Engelshimmel, um 1645. Linke Seite:
Der Legende nach erschienen einem be- »Bildnis des Fray Jerónimo Pérez«, Ordens-
meister der Mercedarier, um 1630/32
tenden Mönch die Muttergottes und die Hei-
ligen Katharina und Maria Magdalena, die
ihm ein Gemälde mit dem Abbild des Domi-
nikus überreichten. Trickreich zeigt Zurba-
rán den Ordensgründer auf einem Bild im
Bild, in der Linken hält er die Lilie, das Sym-
bol der Reinheit, in der Rechten ein Buch
mit der Ordensregel: eine klare Komposition,
einfach zu lesen. Die Gegenstände wirken
echt, und auch das Porträt erscheint, als sei
es auf eine bespannte Leinwand gemalt.
Die monumentale Schlichtheit seiner
Werke hat Zurbarán schon zu Lebzeiten be-
rühmt gemacht. Er hielt sie frei vom Ballast
der großen barocken Rauminszenierungen
von Rubens oder Caravaggio, mit dessen
Helldunkel sein Stil oft verglichen wird. Und
dennoch treiben die Kleider und Stoffe fal-
tenreich ihr wogendes Spiel, knistern die Sei-
den und scheint Mariens Kleidsaum zu ra-
scheln, wenn die Engelsköpfe sich darunter
drängeln und schmiegen.
Im Jahr 1629 verlegt Zurbarán seine
Werkstatt nach Sevilla, auch auf Wunsch des
dortigen Stadtrats. Die Aufträge mehren sich,
mit seinen Gehilfen hat der Maler einen gro-
ßen Markt zu beliefern. Bald darauf, 1631,
43
 ZUR BA R ÁN

Ein Malerleben im Dienst von Kirche und König

Bilder: Iglesia Parroquial de Santa María Magdalena, Sevilla/Pedro Feria; Museo Nacional del Prado, Madrid; Raczyński-Stiftung am Muzeum Narodowe, Poznań; The Art Institute of Chicago; Bilboko Arte Ederren Museoa – Museo de Bellas Artes de Bilbao
1598
Francisco de Zurbarán wird als Sohn eines
Kaufmanns in Fuente de Cantos in der
Extremadura geboren. 1614–1617 absolviert er
eine Malerlehre in Sevilla, danach lässt er sich in
Llerena als Maler für religiöse Motive nieder.

1626
Zurbarán nimmt seinen ersten Großauftrag an:
21 Gemälde für das Dominikanerkloster San Pablo el
Real in Sevilla. In der Ausstellung sind zwei davon
zu sehen, o. »Die Jungfrau erscheint einem Mönch
von Soriano«. 1629 zieht Zurbarán ganz nach Sevilla.

1638
Für das Kartäuserkloster
Nuestra Señora de la Defensión
in Jerez malt Zurbarán eine

1634 Reihe von Altarbildern. Eines

davon ist die »Rosenkranzma-
König Philipp IV. ruft Zurbarán an den Hof in Madrid, wo er donna mit vier Kartäusern«. Bis
wie Velázquez an einem großen Gemäldezyklus im 1903 gehörte sie zur Sammlung
Buen-Retiro-Palast mitwirkt. Er malt zwei Schlachtenbilder Raczyński in Berlin, heute ist sie
und zehn Heldenszenen des Herkules, seine einzigen im Nationalmuseum in Poznań.
mythologischen Werke. Jetzt in Düsseldorf: »Herkules leitet 1639 beginnt Zurbarán mit
den Fluss Alpheios durch die Ställe des Augias« (o.). seinen berühmten Bildern im
Kloster Guadalupe: der einzige
Zyklus, der sich noch am
Originalstandort befindet.

1649
Zurbaráns Sohn Juan fällt mit 29 Jahren der Pest zum
Opfer. Er war ein sehr begabter Maler, der sich auf
Stillleben spezialisierte. In der Ausstellung ist jetzt mit
acht Gemälden erstmals die Hälfte seines bekannten
Werks zu sehen, u. »Birnen in Porzellanschale«, um 1645.

1664
Am 27. August stirbt Zurbarán
mit 65 Jahren in Madrid. 1658
hatte er Sevilla verlassen
und sich in der Hauptstadt
angesiedelt. 1662 malte er das
letzte datierte, signierte Bild:
»Die Jungfrau Maria mit dem
Jesuskind und dem heiligen
Johannes«. Das aussdrucks-
starke Werk beschließt
die Düsseldorfer Ausstellung.

44
 entsteht eines seiner Hauptwerke, die »Apo-
theose des heiligen Thomas von Aquin«, heu-
te im Museum von Sevilla. Viele Klöster und
Kirchen wollen nun seine Bilder der Askese,
aber auch von ihm die Geschichte ihres Or-
dens erzählt haben. Sie schätzen den leiden-
schaftlichen Mystizismus seiner Kapuzen-
brüder und des Gekreuzigten, die verzückten
Gesichter der Unbefleckten Empfängnis.
Es sind Bilder zur Anbetung, manche
von ihnen werden bei den Prozessionen der
Semana Santa, der Karwoche, durch Sevilla
getragen. Immer mehr Aufträge an Zurba-
rán kommen jetzt auch aus Übersee, aus den
spanischen Kolonien. Dort liebt man genau-
so die in Ekstase entrückten Mönchen und
die verzückten weiblichen Heiligen.
Zurbaráns Meisterschaft wird nun auch
dem König zugetragen. 1634 holt Philipp IV.
ihn nach Madrid und ernennt ihn zum Hof-
maler. Ein ständiges Gehalt wie Velázquez
bekommt er aber nicht. Nun zeigt sich, dass
Zurbarán, der Männerkörper stets unter
Massen von Stoff verbirgt, auch die Nackt-
heit lebensecht und sinnlich darstellen kann.
Für die Dekoration des Buen-Retiro-Palasts,
Bild: Pepe Morón/Museo de Bellas Artes de Sevilla

an der auch Velázquez und andere mitwir-

ken, soll er einen Herkules-Zyklus malen.
Ein mythologisches Sujet also, eine Ausnah-
me in Zurbaráns Schaffen. Auf einem dieser
Gemälde steht der Held mit seiner Keule
über dem tosenden Fluss Alpheios, dessen
Lauf er in die Ställe des Augias umgeleitet
hat. In einer anderen Szene trägt Herkules
einen dramatischen Kampf mit der Lernäi-
schen Hydra aus. Kraftstrotzende Gladiato-
renleiber mit glänzend straffer Haut und
mächtigen Muskeln betreiben diese über-
menschlichen Kraftakte. Beide Gemälde aus
dem Prado sind nun in Düsseldorf zu sehen.
Die Herkules-Gemälde von 1634/35 brin-
gen Zurbarán die Anerkennung des Königs.
Den Aufenthalt am Madrider Hof nutzt er
zudem, um Philipps italienische Sammlun-
gen zu studieren und sich, neben dem Nach dem Konzil von Trient erließ die ka- Casilda durch die meisterliche Ausführung.
Freund Velázquez, mit den zeitgenössischen tholische Kirche Regeln zur Darstellung Die Goldfäden der schweren Brokatstickerei
und anerkannten Malern der Epoche auszu- des Jesuskindes. Sie sollte auf die künftige scheinen über den Boden zu scharren, wenn
tauschen. Das bleibt nicht ohne Folgen: Die Passion hinweisen. Das ist der gegenrefor- die maurische Heilige durch das Bild
neuen Erkenntnisse bewirken bei Zurbarán matorische Kontext von Zurbaráns »Jesus- schreitet. In den Jahren 1638/39 entstand für
eine Abkehr vom Tenebrismus, der expressi- kind mit der Dornenkrone«, um 1645/50 das Kartäuserkloster Nuestra Señora de la
ven Helldunkelmalerei. Nach seiner Rück- Defensión in Jerez de la Frontera eine große
kehr nach Sevilla hellt sich seine Palette auf, Werkserie. Zu ihr gehörte die monumentale
insgesamt wird das Licht in seinen Werken »Rosenkranzmadonna«, die jetzt nach 100
ebenmäßiger. Als Vorlagen für die Szenen Jahren erstmals wieder in Deutschland zu
und Posen der Heiligen dienen ihm und sei- sehen ist. Bis 1903 hing das Gemälde im
nen Gehilfen weiterhin Drucke und Stiche Palais Raczyński in Berlin; dann ging es mit
der Niederländer und Deutschen. der ganzen Sammlung der polnischen Adels-
In dieser Zeit entstehen auch die ele- familie nach Posen (Poznań), wo sie heute im
gant gekleideten und geschmückten weibli- dortigen Nationalmuseum hängt.
chen Heiligen als Porträts mit der »göttli- Im Jahr 1631 malt Zurbarán zum ersten
chen Note«, die sich großer Beliebtheit Mal das Schweißtuch der heiligen Veronika
erfreuten. Besonders besticht die heilige und macht dieses Symbol für die Leiden

45

Christi, mit zwei Schnüren an die Wand ge-
heftet, als Stillleben zum Andachtsbild.
Auch die Lämmer und Schafe fallen in dieses
neue Genre. Gerne wird er deswegen als Still-
lebenmaler bezeichnet. Man müsse aller-
dings differenzieren, betont Beat Wismer,
der Museumsdirektor in Düsseldorf und Ku-
rator der Schau. Denn Zurbarán hat zwar
überall wunderbare kleine Stillleben inte-
griert, etwa im »Haus in Nazareth« von 1644,
dort sind es Bücher und Birnen auf dem
Tisch, Tontasse und Tücherkorb auf dem Bo-
den, die er als die Essenz des Göttlichen in
Alltagsgegenständen geradezu hyperreal-
stisch malt. Der eigentliche Stilllebenmaler
aber ist sein Sohn. Erst Juan de Zurbarán
(1620–1649) hat im Familienbetrieb autono-
me Werke daraus gemacht. Zarte Zitronen,
lichtschillernde Weintrauben vor schwarzem
Grund, Früchtekorb und Teller mit Quitten,
Trauben, Feigen, Pflaumen, saftig glänzend
und voller Lichtfarben, man möchte sie grei-
fen und herausnehmen. 15, vielleicht 20 Wer-
ke umfasst das Œuvre Juans, der viel zu früh
starb, mit nur 29 Jahren hinweggerafft von
der 1649 grassierenden Pestepidemie. Eine
Monografie über ihn gibt es nicht. Dass acht
Möglicherweise das einzige Selbstporträt
Zurbaráns: »Der Gekreuzigte mit einem
Maler«, um 1655/60. Unten: »Das Martyrium
des heiligen Jakobus«, um 1636/40.
Re. Seite: »Die heilige Casilda«, um 1630
46
Bilder des jungen Juan nun in der Ausstel-
lung zu sehen sind, ist eine kleine Sensation.
Und eine große Entdeckung.
Aber auch der Vater Francisco ist im-
mer noch viel weniger bekannt als seine
spanischen Zeitgenossen Velázquez oder
Murillo, vor allem gilt das für den protestan-
tischen Norden. Die zögerliche Rezeption
liegt sicher in der Tiefe des religiösen Senti-
ments in Zurbaráns Bildern begründet. Das
ist einem nicht katholischen Publikum noch
schwieriger zu vermitteln als die blutge-
tränkten Martyrien des zeitgleichen Ribera.
Zudem hatten bis zur französischen Beset-
zung Spaniens unter Napoleon kaum Werke
Zurbaráns das Land verlassen. Bis auf einige
wenige in der königlichen Sammlung in
Madrid befanden sich fast alle noch in den
Klöstern und Kirchen Andalusiens und der
Extremadura.
Ein einziges Mal scheint Zurbarán sich
Bilder links: Museo Nacional del Prado, Madrid (2); Bild rechts: Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
selbst gemalt zu haben, um 1655/60, in dem
»Gekreuzigten mit einem Maler«. Gewiss ist
es nicht und doch so offensichtlich: Der alte
Maler steht, in tiefe Kontemplation versun-
ken, zu Füßen des verstorbenen Gekreuzig-
ten und hebt seinen Blick zu Christus. Die
rechte Hand hat er ans Herz gelegt, in der
Linken hält er eine Palette mit Pinseln. Er
trägt eine malvenfarbene Tunika, was manch
einen veranlasste, darin die Figur des Apos-
tels Lukas zu sehen, den Patron der Maler.
Schemenhaft dunkel hinter dem Kreuz
schimmert ein Berg, vielleicht Golgatha.
Und hier ist es wieder, dieses Verrätselte, das
Spiel, das Zurbarán treibt. Aber ob Selbst-
bildnis oder nicht, interessant ist vielmehr,
dass er hier wortlos sagt: Ich habe das gemalt.
Und dass man darüber spekulieren kann, ob
Zurbarán hier nicht auch seine eigene Fähig-
keit als Maler göttlich beglaubigen lässt.
Zurbarán hat Spanien nie verlassen.
1658 zieht er ein zweites Mal nach Madrid
und bleibt dort. Sein letzter großer klerikaler
Auftrag 1659/60 führt ihn in die Kapelle des
heiligen Diego im Franziskanerkloster Santa
María de Jesús in Alcalá de Henares. Ansons-
ten malt er nur noch Andachtsbilder zum
privaten Gebrauch. Bereits krank, verfasst er
sein Testament mit dem Wunsch, im Kloster
der unbeschuhten Augustiner in Madrid be-
graben zu werden. Am 27. August 1664 stirbt
Francisco de Zurbarán. Zwei Jahre zuvor war
sein letztes bekanntes Bild entstanden, »Die
Jungfrau mit dem Jesuskind und dem heili-
gen Johannes«. Die Frömmigkeit ist in wei-
ches Sfumato gegossen, still und in erleuch-
teter Dunkelheit. Der wir angesichts dieses
Werkes doch etwas näher kommen. ×
»Zurbarán. Meister der Details«, Museum Kunst-
palast, Düsseldorf, bis 31. Januar 2016
Drei Tage in

Wien

VON
N I N A S C H E DL M AY E R

48

Ringstraße, Burgtheater, Belvedere
– Wien hat dem kulturaffinen
Besucher überwältigend viel zu
bieten. Doch auch abseits der
bekannten Prachtbauten, am
Bild links: Belvedere, Vienna/Courtesy Franz West Privatstiftung; Bilder rechts: Gerhard Wasserbauer/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; picture alliance/blickwinkel/Samot; cleo/ddp images
Stadtrand, im Park und auf den
Dächern der Hotels, ist in der
österreichischen Hauptstadt
die Kunst zu Hause
1. TAG
Der Wiener Ausstellungsbesu-
cher hat nicht zu Unrecht den
Ruf, bewegungsfaul zu sein.
Kein Wunder: Wenn schon in
der Innenstadt so viel los ist –
wieso sollte man diese verlas-
sen? An unserem ersten Tag tun
wir es den Einheimischen
gleich und bleiben innerhalb
des Rings, jener historistischen
Prachtstraße, deren 150-jähriges
Jubiläum dieses Jahr ausgiebig
gefeiert wird. Neben Rathaus
und Burgtheater startet man in
den Vormittag – nämlich im
Volksgarten, in dem der klassi-
zistische Theseustempel liegt.
Er wurde zwischen 1819 bis 1823
von Peter von Nobile erbaut
und diente ausschließlich dem
Zweck, Antonio Canovas Skulp-
turengruppe »Theseus erschlägt
den Kentauren« zu beherber-
3
WIEN
gen. Heute steht das Werk im prachtvolle barocke Exemplare
Kunsthistorischen Museum, das – ein Erd- und ein Himmelsglo-
im Gegenzug alljährlich in der bus des Venezianers Vincenzo
warmen Jahreszeit ein zeitge- Coronelli – Lust auf weitere
nössisches Kunstwerk präsen- Entdeckungen. Ein weiteres
tiert. Dem winterlichen Besu- Highlight des garantiert nie
cher bleibt immerhin eine überfüllten Museums ist der
Umrundung des seit seiner Saal mit Weltkugeln aus diver-
Renovierung 2010 hell erstrah- sen Ländern.
lenden Gebäudes. Durch den Nun wird es Zeit für einen
hinteren Ausgang des Parks Kaffee – dafür bietet sich gleich
kommt man nun auf den Ball- gegenüber das winzige Unger
hausplatz, wo man sich kurz und Klein an: Es liegt im ersten
nach links wendet: Hier wurde Hochhaus Wiens, zwischen 1931
2014 Olaf Nicolais Denkmal für und 1932 von Siegfried Theiss
die Verfolgten der NS-Militär- 2 und Hans Jaksch erbaut.
justiz – im Volksmund: »Deser- Gleich ums Eck gelangt man
teursdenkmal« – eröffnet, eine auf die Freyung und zum
treppenförmige Skulptur, auf Kunstforum, dessen Programm
deren oberstem Plateau die sich vom Anfang des 20. Jahr-
Inschrift »all alone« zu lesen ist. hunderts bis in die Gegenwart
Weiter geht es in die Herren- erstreckt. Neben Ausstellungen
gasse, und zwar zur Nummer 9, der historischen Avantgarde
ins Globenmuseum. Bereits im zeigt man im Keller des Hauses
ersten Raum machen zwei (»Tresor«) oft lohnende Solo-
shows der jungen Künstlergene-
ration. Und im gut sortierten
Shop findet der Wien-Besucher
1 Das Auktionshaus Dorotheum
garantiert ein Mitbringsel. Man
ist auch ohne Ersteigerungs­
absicht einen Besuch wert kann aber auch ins Dorotheum
schlendern, wo der »Glashof«
2 Hier steht die Zeit still: das
Kaffeehaus Prückel im Erdgeschoss mit allerlei
Kunstgewerblichem lockt.
3 Der innerstädtische Volks­
garten mit dem klassizistischen Wenn man Glück hat, sind gera-
Theseustempel de Vorbesichtigungen für hoch-
Linke Seite: Auf dem Vorplatz karätige Auktionen zu sehen.
des Oberen Belvedere mit Doch auch sonst lohnt sich
seinen Schieles und Klimts steht ein Besuch des Hauses mit sei-
eine Skulptur von Franz West nen vielfältigen Abteilungen.
49

1
2. TAG
Der heutige Tag steht im Zei-
chen der Gegensätze – was
nicht nur die Kunst betrifft,
sondern auch die urbanen
Atmosphären. Zunächst
besucht man die Akademie der
bildenden Künste, genauer
gesagt deren Gemäldegalerie,
am Schillerplatz. Dort verbirgt
sich nämlich nicht nur das
berühmte Weltgerichtstripty-
chon von Hieronymus Bosch,
sondern eine Reihe anderer
hochkarätiger Gemälde, etwa
Rubens’ »Boreas entführt
Oreithya«, ein fantastischer spä-
ter Tizian (»Tarquinius und
Lucretia«) sowie zahlreiche nie-
derländische Stillleben – und
natürlich die packenden Vul-
kanbilder des Michael Wutky,
dem aktuell eine Sonderaus-
stellung gewidmet ist.
Jetzt, nach eineinhalb
Tagen, streifen wir tatsächlich
ein wenig in die Ferne. Wir stei-
gen in die U1 und fahren zum
Reumannplatz, direkt ins Herz
des Arbeiterviertels Favoriten.
Hier geht es etwas lässiger zu,
man hört türkisch-serbisch-ara-
bisches Sprachgemisch, und die
1 Ein Schiff von Erwin Wurm auf
dem Dach des Hotel Daniel
2 Der Stadtpark lädt schon seit
1862 zum Verweilen ein
3 Die Galerie Georg Kargl in der
Schleifmühlgasse
4 Rubens’ »Boreas entführt
Oreithya« gehört zu den
zahlreichen Highlights der
Gemäldegalerie
5 Die Brotfabrik im südlichen
Stadtteil Favoriten ist Heimat für
viele Galerien
5
50
Mieten sind günstig – Gemein-
debau statt Prachtboulevard.
Das ist auch für die Kunst
attraktiv: Ein paar Straßen-
bahnstationen (Nummer 6) ent-
fernt liegt die Brotfabrik, wo
sich in den vergangenen Jahren
immer mehr Kunstinstitutio-
nen angesiedelt haben. Nicht
nur die beiden großzügigen
Räume der Galerie Hilger
haben hier ihren Sitz, sondern
auch kleinere Spaces wie etwa
jener des Sammlers Michael Sel-
lemond. Darüber hinaus liegt
hier ein heimliches Fotozen-
trum Wiens, mit der Anzenber-
ger Gallery, der Photon Gallery
sowie dem Ostlicht. Dort
gewinnt man aktuell Einblicke
in die Wiener Kunstszene der
1970er-Jahre, die von der Wiene-
rin Cora Pongracz fotografisch
dokumentiert wurde. In
Magdas Kantine, einem erst
kürzlich eröffneten Lokal,
das von der Caritas betrieben
wird, kann man einen späten
Lunch zu sich nehmen.
Nun geht es zurück in die
Stadt. Wir verlassen die U1
dieses Mal schon in der
Taubstummengasse nahe der
Schleifmühlgasse, um einen
Galerienspaziergang zu starten:
Georg Kargl, Christine König,
Kerstin Engholm, Gabriele Senn
und Andreas Huber haben hier
ihre Läden, daneben gibt es gla-
mouröse Geschäfte, vom Vin-
tage-Möbel-Shop (Rauminhalt)
bis zur Designer-Secondhand-
boutique (Flo Vintage). Hier
lässt sich ein Nachmittag ver-
bummeln. Den überfüllten
Naschmarkt nebenan sollte
man am besten nur queren, um
Bilder: Hotel Daniel/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Pierre Adenis/laif; Georg Kargl Fine Arts, Wien/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste Wien; Brotfabrik
3
4
abends zum On Market zu
gelangen, ein asiatisches Restau-
rant, in dem man sich auch als
alteingesessene Wienerin ein
wenig kosmopolitisch fühlt.
Wem nach Tofu-Kürbis-Curry
oder Zhajiang-Nudeln nach
einem ordentlichen Cocktail ist,
hat es nicht weit in die kürzlich
;
eröffnete Miranda-Bar: Den
Tag mit einem Drink (Empfeh-
lung: Queen Mum) am polier-
ten Tresen aus brasilianischem
Granit abzuschließen ist nicht
die übelste Idee.
3. TAG
Langsam, aber sicher könnte
man nun zu dem vordringen,
wofür die Kunst dieser Stadt
bekannt ist, nämlich in die Zeit
der Jahrhundertwende. Auch
wenn man die erstklassige
Sammlung an Klimts und
Schieles im Oberen Belvedere,
das – wie das Untere – im Auf-
trag des Prinzen Eugen vom
Barockarchitekten Johann
Lucas von Hildebrandt errichtet
wurde, schon einmal besucht
hat: Es wird sich gewiss etwas
noch nicht Bekanntes finden,
etwa die leicht verstörenden
Porträts des Anton Romako aus
dem 19. Jahrhundert oder die
extrem grimassierenden »Cha-
rakterköpfe« des Barockbild-
 belvedere
UNTERES BELVEDERE
Rennweg 6, 1030 Wien
Täglich 10–18 Uhr
Mittwoch 10–21 Uhr
www.belvedere.at
Gustav Klimt, Eugenia Primavesi (Detail), 1913/14, © Toyota Municipal Museum of Art
 WIEN

hauers Franz Xaver Messer-
schmidt. Und allein die barocke
Anlage und der berühmte
Canaletto-Blick lohnen den
Besuch. Wer nun ein Mittag-
essen benötigt, dem sei der gut-
bürgerliche Gmoakeller am
Heumarkt empfohlen; hier
bekommt man klassische Wie-
ner Küche. Das Schüttbild an
der Stirnwand des hinteren
Saals stammt übrigens von
einem nicht besonders bekann-
ten Künstler und nicht von Her-
mann Nitsch, auch wenn die
Signatur Gegenteiliges behaup-
Museum für angewandte Kunst, von deren Anfängen bis in die
wo Judd (wie etwa auch Jenny 1930er-Jahre erforscht und in
Holzer, Barbara Bloom oder Ausstellungen, die sich ganz
Franz Graf) eine der zahlrei- besonderen Fragestellungen
chen Schausammlungen gestal- widmen, präsentiert – derzeit
tete. 1863 gegründet, war das sind dort unter dem Titel
Museum ursprünglich als Mus- »Gerahmtes Gedächtnis« Foto-
tersammlung für Künstler und grafien in exzentrischen Bild-
Handwerker gedacht. Es liegt rahmen, etwa aus Geweihen
gleich neben dem Stadtpark, oder Hufeisen, zu besichtigen
und heute erkunden wir die (Voranmeldung notwendig).
Abteilung »Wien um 1900«: For- Zum Abschluss bietet sich
mal reduzierte Teetassen von ein Abend im Café Engländer
Josef Hoffmann, fein ornamen- an, das gern von der Kunstszene
tierte Möbel von Dagobert der Stadt besucht wird: Vom
Peche und Dekorstoffe von Studenten über den Starkünst-

tet. Diese dürfte einst ein
angeheiterter Gast, offenbar mit
Lippenstift, hinzugefügt haben.
Nun könnte man einen klei-
nen Verdauungsspaziergang im
nahen Stadtpark einlegen. Dort
stößt man auf Donald Judds
Stage Set, eine große Outdoor-
Skulptur: Sie entstand 1991 im
Zuge einer Ausstellung im
Koloman Moser vermögen das
Publikum jeder Generation in
ihren Bann zu ziehen.
Wer nun noch immer Lust
auf Kunst hat, der findet unweit
von hier das kleine, feine Photo-
institut Bonartes: Unter der
Leitung der einstigen Albertina-
Fotokuratorin Monika Faber
wird hier akribisch Fotografie
Das Photoinstitut Bonartes
zeigt zurzeit Fotografien in
exzentrischen Rahmen, darunter
diese neckische Inszenierung
in einer Wiener Villa, um 1900
Bilder: IMAGNO/Sammlung Christian Brandstätter; Karte: 123map, Daten: OpenStreetMap, Lizenz ODbL; Grafik: Peggy Seelenmeyer
ler bis hin zur Museumsdirekto-
rin trifft man sich hier all-
abendlich auf ein Achtel Wein
oder ein Seidel Bier. Ein biss-
chen ist das Engländer wie ein
Zeitloch: Irgendwie bleibt
man hier immer hängen. Bleibt
nur zu hoffen, dass die Heim-
reise am nächsten Tag nicht all-
zu früh startet.

Wien auf einen Blick

»Wien, Wien, nur du und geschmackvoll,
allein, sollst stets die Vespas stehen zur Aus­ Prater
Stadt meiner Träume leihe bereit. Zimmer
sein« – in diesen ab 98 Euro
Hotels träumen Sie Landstraßer Gürtel 5
besonders gut. 3
3 Magdas Hotel 2
1 Das Triest »Stay open­minded« ist
Das Hotelrestaurant das Motto des von der Innere Stadt
3
bietet norditalienische Caritas betriebenen
Köstlichkeiten wie Hotels in der Nähe des 1
5 8
Rotkrautrisotto und Prater, im dem Flücht­
linge aus 14 Nationen 4 4
Wolfsbarschfilet in
Schnittlauchöl, die Zim­ beschäftigt sind. Stu­ 6
mer und Suiten sind dierende der Akademie 7
schlicht elegant und der Künste haben die Museumsquartier
verfügen zum Teil über Zimmer und Suiten in­
9
private Gärten. Zimmer dividuell gestaltet.
ab 129 Euro. Laufbergergasse 12
Wiedner Hauptstraße 12 1
4 25 Hours
2 Hotel Daniel Direkt am Museums­ 1 Stephansdom
Auf dem Dach des quartier und in Lauf­ 2 Kunstforum
Hotels nahe dem Belve­ weite zur Ringstraße 3 Globenmuseum
dere liegt ein Schiff des liegt das 217­Zimmer­ 4 Dorotheum
Künstlers Erwin Wurm Haus, das sich gestalte­ 5 Volksgarten Belvederegarten
vor Anker. Auch einen risch dem Zirkus widmet. 6 Photoinstitut Bonartes 10
Bienenstock gibt dort Artisten, Trapezkünstler 7 Stadtpark
oben, der fleißig Honig und Feuerschlucker 8 MAK
fürs Frühstücksbuffet zieren hier die Wände. 2
9 Gemäldegalerie
produziert. Die 116 Zimmer ab 94 Euro. 10 Schloss Belvedere
Zimmer sind modern Lerchenfelder Straße 1-3

52
 BEUYS INDIANA
POLKE
FENI HOCKNEY BASE LITZ
AGBODJELOU

WARHOL DIJKSTRA
KIPPENBERGER
TRA
HAZOUMÉ
DE SAINT PHALLE BACON BASQUIAT

PICASSO.
ASSO
LICHTENSTEIN
JOHNS SCHNABEL
MC CARTHY

MANIA Hg. Didier Ottinger, Diana Widmaier-Picasso, Émilie Bouvard

Englische Ausgabe · 978-3-7774-2520-7 · € 54,–

HIRMER
In Zusammenarbeit mit Gagosian Gallery
www.hirmerverlag.de

Das TATE mich

interessieren.
KQ KUNSTQUARTAL ist der internationale Ausstellungskalender für Kunst.
Seit 1965 erscheinen vierteljährlich alle Termine, vereint mit Literatur- und
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Aus dem Hause der ZEIT

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Kunsthändlerverband
Deutschland
Wenn es um den Handel mit Kunst und
Antiquitäten geht, ist der Kunsthändlerverband
Deutschland der qualifizierte Gesprächspartner
für die Politik. Die aktuelle Diskussion um das
geplante Kulturgutschutzgesetz zeigt einmal
mehr, wie wichtig es ist, dass der Handel für
seine Interessen eintritt. Wir wollen verhin-
dern, dass immer neue bürokratische Hürden
den Handel unnötig behindern und damit auch
unseren Kunden die Freude am Umgang mit
Kunst und Antiquitäten genommen wird.
Der KD gibt Ihrem Anliegen eine Stimme.

KD Kunsthändlerverband Deutschland e.V.

Norbert Munsch Geschäftsführer
50668 Köln · Kunibertsklostergasse 1
Tel 0221-25 62 94
www.kunsthaendlerverband-deutschland.de
info@kunsthaendlerverband-deutschland.de
 Anthropomorphes Idol · Nördliches Indien, Ganges - Yamuna Doab, Copper Hoard Culture,
etwa 1500 v.Chr. Kupfer. Höhe 60 cm.
Provenance : Privatsammlung Belgien (seit den 1970er Jahren). Art Loss Register - Zertifikat

MICHAEL WOERNER
Oriental Art · Hong Kong – Bangkok
Postanschrift: 87/55 All Seasons Mansion · 87 Wireless Road, Lumpini,
Pathumwan, Bangkok 10330, Thailand Unsere nähchste
Ausstellung
micwoerner@yahoo.com · Mobil: +852-9874 1061 8.-12. Juni 2016
 S A M M L E R SE M I N A R

SAMMLER
SEMINAR Nº 2 5

Deutsche
Fayence

Die Fayencekunst des Barock und Rokoko ist im Preis stark gefallen. Das ist der Qualität
dieser Werke nicht angemessen. Ein herrliches Gebiet für antizyklisches Sammeln

VON
A N G E L A G R Ä F I N VON WA L LW I T Z
 S A M M L E R SE M I N A R

S
Sammeln reimt sich nicht auf chillen. Soll
heißen: Von allein erschließt sich kein Gebiet
des Kunsterwerbes; schon gar nicht eines,
das drei und vier Jahrhunderte in die Ge­
schichte zurückführt und mit komplexen
Techniken der Keramikherstellung zu tun
hat. Sehen die deutschen Fayencen des Ba­
Bild links: Christie’s Images Ltd. 2015; Bilder rechts: Dorotheum, Wien; Metz, Heidelberg; Neumeister, München

rock und Rokoko nicht alle gleich aus? Wie

passen sie in meine moderne Wohnung? So 1
und ähnlich lauten die Vorbehalte gegenüber
der Fayence. Doch wer sich einmal auf das
Thema eingelassen hat, wer tiefer eindringt
und sein Wissen erweitert – was ja nicht Ar­
beit, sondern Vergnügen, Entspannung und
Erkenntnis verheißt –, der wird mit einem
faszinierenden Sammelfeld belohnt, das der­
2
zeit zudem mit niedrigen Preisen lockt.
Als ich mit 22 Jahren in Schloss Lust­
heim bei München eine Führung durch die
Sammlung Schneider geben sollte, war ich
selbst zunächst einigermaßen verständnislos.
Über 2000 Stücke Meissener Porzellan: In
meinen Augen sahen sie alle gleich aus. Fünf
Tage später führte ich 25 Schulfreunde meines
Vorgesetzten durch die Sammlung und konn­
te wenigsten erklären, wie sich die Stilgrup­
pen unterscheiden. Warum es zu den ver­
schiedenartigen Motiven gekommen war, das
3
verstand ich erst über die Jahre, Schritt für
Schritt mit jedem keramischen Objekt, das
ich bei Sotheby’s katalogisieren musste. Drei besondere Stücke aus dem großen dass Architekten, Einrichter und Wohnma­
Fundus von Fayence-Tellern: 1 Ansbacher gazine die Vielfältigkeit dieser Handwerks­
Fayence, ein Bärenmarkt Teller mit Allianzwappen zweier Adelsfami- kunst übersehen, die unsere Geschichte in
In meiner Arbeit als Expertin im Auktions­ lien, 1717 zu einer Hochzeit bestellt. Im allen Winkeln der sogenannten Provinz le­
haus und später als Kunsthändlerin lernte Dorotheum im Oktober für 3400 Euro zu- bendig macht. Im Interiordesign von heute
geschlagen 2 Blumenteller aus dem be-
ich, dass jedes Werk viele Facetten hat und spielt die Fayence, obgleich oft von hohem
rühmten Clemenswerther Jagdservice,
deshalb für die Liebhaber und Sammler aus ästhetischen Reiz, keine Rolle. Doch birgt
Manufaktur Straßburg, 1749/54, 7000 Euro,
ganz unterschiedlichen Gründen begehrens­ der schwache Markt für uns auch Vorteile.
Zuschlag bei Metz 2011 3 Einer von vier
wert ist. Zudem bringt jedes neue Objekt, Tellern mit Allianzwappen, Nürnberg, Mitte Der Wert geerbter Sammlungen fordert nur
jede neue Pirsch immer auch neue Bekannte, 18. Jh., die Nachfahren einer der Familien sehr geringe Erbschaftsteuer. Und das gesun­
neue Bücher und spannende Orte, die es zu boten 2014 bei Neumeister 21 000 Euro kene Interesse des deutschen Bildungsbür­
besuchen gilt, um noch mehr über das Sam­ für die Gruppe. Li. Seite: Terrine in Form gertums an der eigenen Geschichte bewirkt
melgebiet zu lernen. eines Truthahns der Manufaktur Höchst, zumindest den positiven Zustand, dass sich
Am Finanzmarkt würde man die Fa­ um 1770. Das Schaugericht erzielte bei heute jeder Erwerbstätige deutsche Fayen­
yence als »Bärenmarkt« bezeichnen: eine Christie’s 40 000 Euro cen leisten kann.
Branche, die gerade eine klassische Baisse Man kann in der eigenen Region begin­
durchläuft. Das hat verschiedene Gründe. nen und sich dort umschauen. Bereits für 500
Einer ist gewiss die allgemeine Geschichts­ Euro (zuweilen sogar weniger) lässt sich mit
vergessenheit und eine Vergötterung der Ge­ einem Walzenkrug aus der zweiten Hälfte des
genwartskunst, die bürgerlicher Main­ 18. Jahrhunderts viel Neues entdecken, denn
stream geworden ist. Ein anderer liegt darin, bis 1900 gab es in fast jedem Städtchen eine

57

Fayencemanufaktur oder eine Werkstatt von
Fayencemalern. Diese Handwerker und
Künstler belieferten den Bischof wie den Ta­
gelöhner mit Gefäßen aller Art, im oberen
Segment waren es oft skulpturale Kunstwer­
ke von eigenem Rang. Die Industrialisierung
und die Auflösung der Monarchien verdräng­
ten die Manufakturen, aber der formbare
Ton interessierte auch die Maler und Bildhau­
er der Moderne – Picasso, Matisse und viele
andere. Daraus entstanden im 20. Jahrhun­
dert die unzähligen kleinen Keramikateliers,
die es bis heute überall gibt. Wirtschaftsge­
schichtlich schloss sich damit der Bogen, an
dessen Beginn zwischen 1628 und 1656 in
Hamburg die erste deutsche Fayencemanu­
faktur gegründet worden war.
Der Begriff Fayence umfasst mitteleuro­
päische, gebrannte, nicht gesinterte Irdenwa­
re, die mit einer weißen Zinnglasur über­
zogen ist. Das Wort kam in Frankreich auf
und leitete sich von der Stadt Faenza ab, im
16. Jahrhundert eines der bedeutendsten Ke­
ramikzentren Italiens mit Exporten an viele
europäische Höfe. Die anhaltende Einfuhr
ostasiatischer Porzellane um 1650 entfachte
das Bedürfnis, Ähnliches herzustellen. Zum
größten Produktionsstandort von Fayence,
die dem chinesischen Porzellan nacheiferte,
wurde das holländische Delft.
Unsichtbare Schäden
Die künstlerisch besten Fayencen entstanden
sowohl im Auftrag von Adel und Klerus als
auch der wohlhabenden Bürger in den Frei­
en Reichsstädten. Gerade dadurch erklärt
sich die große Bandbreite der Qualität und
der wunderbare Formenreichtum der deut­
schen Fayencekunst. Einzelne Werkstätten
begannen nach dem Dreißigjährigen Krieg,
eher grobkörnige Fayencegefäße mit weißer
Zinnglasur und blauer Bemalung herzustel­
len. Mit den Einwanderern aus Holland kam
auch die Familie Behagel in die Rhein­Main­
Gegend. Der sehr auf Gewerbeförderung be­
dachte Graf Friedrich Casimir von Hanau
verlieh den Behagels 1661 ein 20­jähriges Pri­
vileg zur Errichtung einer »bisher ohnbe­
kannten Porzellain Backery«.
Vorerst arbeiteten nur holländische
Immigranten in der Hanauer Fayence­
manufaktur. Sie orientierten sich
stark an den Vorbildern aus
Delft, sodass es einiger Übung
bedarf, um die Herkunft der
Stücke zu bestimmen. Der Er­
folg der Hanauer Fayence bei
Adel und Bürgerschaft war
so groß, dass Johann
Christoph Fehr bereits
1666 in Frankfurt eine
weitere Manufaktur gründe­
S A M M L E R SE M I N A R
1
1 Der Wursthafen aus Nürnberg, 1730/40,
Zuschlag 1300 Euro bei Nagel 2 Haus­
Bilder: Nagel, Stuttgart; Christian Oberlander; Van Ham, Köln
malerkrug mit dem Porträt eines Juden, 2
Bayreuth um 1765, Sammlung Neuner
3 Bischof als Bowlendeckel, Kellinghusen,
am 14. November bei Van Ham, Taxe 6000
Euro 4 Ein Höhepunkt der Fayencekunst:
Applike aus Fulda, 1745, Sammlung Neuner
te. Deutsche Fayencen aus dem 17. und frühen
18. Jahrhundert sind rar, dennoch können
selbst bedeutende Fächerplatten oder Enghals­
krüge heute für etwa 15 000 Euro erstanden
werden. Vor 30 Jahren waren die holländischen
Beispiele der mittleren Qualität etwa halb so
teuer wie die Fayencen aus Frankfurt und Han­
au. Heute ist es umgekehrt.
Der Marktwert von Fayencen bemisst sich
über die Qualität der Form und Malerei sowie
über den Erhaltungszustand. Bestoßungen
(Chips) und Haarrisse sind bei diesem weichen
Material hinzunehmen. Aber Brüche, Ergänzun­
gen fehlender Henkel oder Knäufe mindern den
Wert um 40 bis 80 Prozent. Ein heikles Problem:
Moderne Restaurierungstechniken sind nahezu
unsichtbar. Das vorsichtige Abklopfen des Scher­
bens mit einer spitzen Nadel (bitte nicht krat­
zen!) lässt die harte originale Oberfläche von der
3 weichen restaurierten unterscheiden. Jede Rech­
nung sollte einen detaillierten Zustandsbericht
beinhalten. Die darin gemachten Aussagen ha­
ben in Deutschland eine Garantie über 30 Jahre.
Mit dem Beginn des 18. Jahrhunderts ent­
standen in allen Teilen des Reichs Fayencema­
nufakturen. In seinem immer noch un­
schätzbaren Standardwerk von 1921
beschreibt Otto Riesebieter die Ge­
schichte und Produkte von 88
deutschen Manufakturen des 17.
und 18. Jahrhunderts. Die Herstel­
lungstechnik war seit Jahrtausen­
 den bekannt, und Fayence war in Deutsch­
land zunächst einfaches Gebrauchsgeschirr.
Die Tonwerker arbeiteten nicht nach Vor­
zeichnungen großer Designer, sondern
Grafen Sulkowsky in Meißen gefertigt, be­
einträchtigte die Fayenceherstellung noch
nicht. Die Tafelkultur erlebte seit dieser Be­
stellung einen rasanten Aufstieg, auch die
CAHN
nach eigenen Ideen oder mit der Verfeine­
rung der Motive und Formen aus dem Aus­
kunstvollen Tafeldekorationen wurden im­
mer vielfältiger. Die Fayence entwickelte
Antike Kunst
land. Ideenloses Abkupfern? Oftmals ist es sich hier durchaus unabhängig vom Porzel­
das in der Tat bei den günstigeren Gefäßen lan. Legendär sind die beiden Jagdservice,
für das Bürgertum; aber für die Fürsten kre­ die der Kölner Erzbischof und Kurfürst Cle­
ierten die Fayencekünstler bald eigene For­ mens August um 1750 für seine Schlösser
men, die auch die Objekte in den Wunder­ Brühl und Clemenswerth in Straßburg be­
kammern widerspiegelten. So etwa ein Paar
kleinerer Flötenvasen aus der Manufaktur
Wolbeer in Berlin. Sie zeigen, wie sich der
Wunsch des preußischen Königs Friedrich
I., eine eigene Manufaktur in der Residenz­
stadt zu haben, auf die Auswahl von Form
und Nutzen der Gegenstände auswirkte.
Diese Vasen sollten nie Blumen aufnehmen,
sondern waren als eigenständige Kunstob­
jekte vorgesehen. Anfang des Jahres erwarb
sie eine junge Mutter bei mir und erweiter­
te damit ihre kleine, aber feine Sammlung.
Die wohl bedeutendsten Werke der
deutschen Fayencekunst sind zwei monu­
mentale Wandleuchter aus der Manu­
faktur in Fulda. Sie ragen heraus in ih­
rem Design, der Malqualität und auch
der Höhe von 71 Zentimetern, denn es war
Bild: Christian Oberlander

sehr schwierig, so große Objekte ohne Ver­

werfungen zu brennen. Heute bilden die
Appliken einen Höhepunkt im Besitz von
Helmut Neuner, der die derzeit wohl beste
Privatkollektion deutscher Fayencen zu­
sammengetragen hat.
Der Gesellschaft des 18. Jahrhunderts
ging es nicht nur um notwendiges Geschirr,
sondern auch um ausgefallene Gefäßfor­
men und Tischdekorationen für die neue
Tafelkultur des service français. Platten, 4
Kannen und Vasen wurden auf den Buffets
zwischen die Preziosen aus Silber und Zinn stellte. Zu diesem Zeitpunkt leitete der
gestellt. Die frühen deutschen Fayencen wohl berühmteste Keramikmaler, Adam
waren also nicht nur luxuriöse Gebrauchs­ Friedrich von Löwenfinck, die Fayencema­
gegenstände, man bewunderte sie auch als nufaktur von Paul Hannong. Löwenfinck
Kunstwerke. Nicht umsonst ließen Fürsten lernte und arbeitete 1726 bis 1736 in Meißen,
und reiche Handelsherren große Speise­ danach wirkte er in Bayreuth, Ansbach,
service mit ihrem Wappen bemalen. Fulda, Höchst und schließlich in Paul Han­
nongs Firma in Straßburg und Hagenau.
Genialer Löwenfinck Das Elsass gehörte damals schon zu Frank­
In einem Schloss in Süddeutschland fan­ reich, blieb aber kulturell deutsch geprägt
den sich 2012 bei der Erstellung eines In­ und betrieb ohne Zollgr