Das Kunstmagazin der ZEIT

Nº109 Dezember 2015     Seit 1930

Anselm Kiefer: »Ich kann nicht malen«

20 Seiten
IZ
SCHWiE
al
Spez

€ 11,80 (D) 00109

SFR 20,– (CH)
€ 13,– (A, I, LUX, NL)
4 190713 511804

Amsterdam Holland im Bann von Asiens Schätzen Haute Couture Roben zum Sammeln
100 Jahre Dada Als die Kunst des Unsinns den Sinn der Kunst neu entdeckte
Marten van Cleve - A Wedding Procession
On canvas - 155.3 x 256 cm

Winter Exhibition
December 2015

Catalogue available upon request and on our website

www.johnnyvanhaeften.com

+44 (0) 207 930 3062

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 UNSER
TITELBILD
TITELBILD: Laura Stevens; Bild rechts: Georges Poncet
Henry Morgenthau, im Zweiten Weltkrieg
Finanzminister der USA, ist vor allem durch
den Plan berühmt geworden, der seinen Na-
men trägt. Im August 1944 ließ er einen Ent-
wurf ausarbeiten, was mit Deutschland nach
der absehbaren Niederlage zu geschehen
habe. Morgenthau empfahl die Zersplitte-
rung des Landes, vor allem aber forderte er
die Rückführung Deutschlands in einen
Agrarstaat, der nie wieder zu Macht gelangen
würde. Präsident Roosevelt war das Memo-
randum zu radikal, und sein Nachfolger Tru-
man zielte ohnehin bald im Kalten Krieg ge-
gen den Ostblock auf ein wiedererstarktes
Deutschland an der Seite Amerikas. So blieb
der Morgenthau-Plan eine Gruselvision, was
Anselm Kiefers Bild »Der Morgenthau Plan«,
gemalt 2014, ist jetzt in seiner großen
Ausstellung im Centre Pompidou zu sehen
die Siegermächte nach der entsetzlichen
Schuld Nazideutschlands mit dem besiegten
Land hätten machen können.
Anselm Kiefer, dem wir die Titelge-
schichte dieser Ausgabe widmen (ab Seite 24),
hat sich schon in den Neunzigern in einigen
Aquarellen auf den Morgenthau-Plan bezo-
gen. In den letzten Jahren griff er das Thema
in einer Bildserie wieder auf. »Als ich damals
diese Blumen in meinem Haus in Paris malte,
kam mir ein Gedanke: Ich könnte doch das
Motiv mit dem Morgenthau-Plan kombinie-
3
ren. Dann wird den Blumen ihre Unschuld
genommen«, erklärt der Künstler dazu. In der
hier gezeigten Version von »Der Morgenthau
Plan« kommt eine weitere Komponente hin-
zu – Kiefer zitiert van Gogh. Wie in dessen
»Kornfeld mit Krähen« wogt der Weizen vor
tiefblauem Himmel im Wind, schemenhaft
sind die Vögel zu erkennen. Am oberen Rand
ist in Kiefers typisch krakeliger Schreibschrift
»der Morgenthau Plan« zu lesen. So wird die
Natur mit Geschichte und Kunsthistorie auf-
geladen, sie wird mythenschwer wie das meis-
te bei Kiefer. Die Bedeutungsschichten über-
lagern und durchdringen sich, jeder
Pinselstrich trägt seinen Teil an der Last der
Geschichte.  SEBASTIAN PREUSS
 INHALT
Kolumnen
10 Die Marktfrau
Drei Messen in München – ein Dada S. 36
Wettbewerb mit fatalen Folgen

12 Drei Wünsche
Schöne Gefäße, ein verborgenes
Porträt bei Thomas Bayrle und
ein prächtiger Lehnstuhl von 1810

14 Heimliche Zwillinge
Hella von Sinnen und ein
blondes Wesen im »Großstadt«-
Panoptikum von Otto Dix

Bilder: bpk/CNAK-MNAM/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Sammlung Würth

Kritikerfrage
Was bleibt vom Kunstjahr 2015?
SCHWEIZ
16 Hand des Meisters
Engel aus dem Erzgebirge:
AGENDA
Die Holzfigürchen von Wendt a b S . 77
& Kühn werden 100 Jahre alt

18 Was passt zu …

Adrian Ghenie?
Die großen Geschichten
20
Was haben Sie gesehen,
Herr Obrist? 24 Material und Mythos 36 Dada forever
In Turin die kleine, sehr aktive Anselm Kiefer blieb hierzulande Vor hundert Jahren stellte der

Messe Artissima, die belebten immer umstritten, doch in Europa Dadaismus die Kunst auf den
Steine von Adrián Villar Rojas wird er verehrt. So wie jetzt in Kopf. Der Urknall in Zürich
und das Electronic Beats Festival Paris mit zwei großen Schauen wird dort vielfältig gefeiert

42 Gute Geschäfte
Der Handel mit asiatischen
Luxusgütern machte Amsterdam
reich. Das Rijksmuseum zeigt
den Einfluss der Schätze aus
Fernost auf die Kultur Europas

48
Die Lust der Erkenntnis
Meisterwerke der Jahrhunderte:

Im Martin-Gropius-Bau Berlin

macht die Sammlung Würth
Kunstgeschichte anschaulich

54 Abschied vom Sonnenkönig

Der Tod von Ludwig XIV.
wurde sorgsam in Szene gesetzt.
Eine Ausstellung in Versailles
erinnert an das Spektakel
Sammlung Würth S. 48

4

Sammlerseminar S. 64
58 Drei Tage Zürich
Miró im Kunsthaus, ein Bummel
am Limmatquai, Shoppen in
der Bahnhofstraße, neue Kunst
im Löwenbräu-Areal und
Bilder: Courtesy of The Metropolitan Museum of Art/Victor Skrebneski/Skrebneski Photograph, 1983; Koller, Zürich; Jan Schuler/fotolia
abends in die Kronenhalle
64 Sammlerseminar
Haute-Couture-Roben sind edle
Solitäre in der Masse der Vintage-
Mode. Das Schönste: Meist
kosten sie jetzt sehr viel weniger
als bei ihrer Entstehung
72 Glossar
Schauen, kennen, kaufen
74 Thurn und Taxis Fragebogen
Sheila Hicks über ihr Ouessant
Drei Tage Zürich S. 58
Agenda
77 SCHWEIZ AGENDA 90 Messen
Das Tessin ruft Art Basel Miami Beach
Die erste Ausstellung in
Luganos neuem Museum 92 Stilkunde
Souvenirs des 18. Jahrhunderts:
80 Ausstellungen 3D-Korkmodelle
Ben Vautier in Basel, Mode des
Japonismus in Genf, Eurasia 94 Auktionen
im Fotomuseum Winterthur, Albert Anker bei Koller in Zürich;
Sammlung Knecht in Zürich, Christie’s und Sotheby’s bieten
Cy Twombly, »Auf der Suche Alte Meister an; Design bei
nach 0,10« in der Fondation Quittenbaum; Pierre Bergé
Beyeler, Kirchner als Fotograf versteigert seine Bibliothek;
Karl & Faber, Neumeister und
84 Schaufenster Ketterer rufen Zeitgenössisches auf;
Mirós »Métamorphose« (1936) Asiatika bei Nagel und Lempertz;
in der Galerie Gmurzynska Gorny Mosch hält Antiken bereit
Auktionen S. 94
86 Kunsthandel 114 Kunststück
Neue Aufgaben für den Emil Noldes »Marabus« (um 1923)
Kunstmarktverband der Schweiz aus der Sammlung Ziegler
88 Nachrichten 122 Bild meines Lebens
Das erste unterirdische Museum Der englische Regisseur Mike Leigh
in Bochum, Wiedereröffnung über Jan Vermeers
Augusteum, Fabergé-Entde- »Junge Frau am Virginal«
ckung, eine Kreiselskulptur von
Jitish Kallat, in memoriam
Florian Karsch, Colnaghi-Fusion
Personalien
Chantal Pontbriand, Andreas
Beitin, Alexander Kunkel, Gail
Kirkpatrick, Matthias Frehner
89 Hammerpreise 6 Editorial
Meissener Kratervasen, 8 Impressum
ein Porträt von Auguste 9 Mitarbeiter des Monats
Amalie de Beauharnais und 119 Termine
eine kleine Hungana-Figur 121 Vorschau
5
 EDITORIAL
Liebe Leserinnen,
liebe Leser,
bei den New Yorker Herbstauktionen herrscht
immer eine ganz besondere Stimmung, nicht
nur, weil sie als Gradmesser des weltweiten
Kunstmarkts gelten. Im Rockefeller Center wird
schon der große Weihnachtsbaum installiert,
während auf der gegenüberliegenden Straßen-
seite Hunderte Sammler und Händler mit Platz-
karten in den Auktionssaal bei Christie’s strö-
men. In manchen Momenten hält das Publikum
den Atem an: wenn Preise Dimensionen anneh-
men, bei denen nur noch Milliardäre mitspielen
können. So war es auch diesmal, als der Auktio-
nator Jussi Pylkkänen einen verführerischen
Akt mit maskenhaftem Gesicht von Amedeo
Modigliani versteigerte. Die 100-Millionen-Dol-
Bilder: Berlinische Galerie, Landesmuseum für Moderne Kunst, Fotografie und Architektur/2015, Zürich, ProLitteris/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Wolfgang Stahr
lar-Marke war schon überschritten, und immer
noch waren sieben Bieter mit im Spiel. Schließ-
lich erhielt ein chinesischer Sammler bei 152 Mil-
lionen den Zuschlag, das sind mit Aufgeld 170
Millionen Dollar. Ein Rekordpreis für Modiglia-
ni, und beinahe sogar ein absoluter Auktionsre-
kord – an gleicher Stelle erzielten im Mai Picas-
sos »Femmes d’Alger« 179 Millionen.
Picasso und Modigliani waren nicht die
einzigen Künstler, die sich von afrikanischer
Kunst beeinflussen ließen. Hannah Höch, die
derzeit mit einer Ausstellung im Kunsthaus ­
Stade geehrt wird, schuf 1924 die Collage, die Sie
hier sehen: »Aus einem ethnographischen Mu-
seum«. Zum 100. Dada-Jubiläum 2016 (ab Seite
36) wird das Blatt erst im Museum Rietberg in
Zürich und später in der Berlinischen Galerie zu
sehen sein – übrigens zusammen mit der Gu-
Maske von der Elfenbeinküste, die die Künstle-
rin hier neu interpretierte. Wir richten in der
vorliegenden Ausgabe den Blick auf Zürich, und
andere ausgewählte Orte der Schweiz, wo Kunst
und Handel blühen.
Viel Spaß beim Lesen und Entdecken.
Ihre Lisa Zeitz
Chefredakteurin
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facebook.com/weltkunst
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Den Haag: Do­rothee von Flemming
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29378 Wittingen
29. Dezember Frankfurt: Dr. Bettina Erche, Christian Huther
Paris: Dr. J. Emil Sennewald
30. Dezember New York: Dr. Barbara Kutscher
Venedig: Petra Schaefer
LITHOS twentyfour Seven
Creative Media Services GmbH
30. Dezember Zürich: Christian von Faber-Castell Dorotheenstr. 3, 10117 Berlin
Die ist seit 1930 die führende Zeitschrift
der deutschen Kunsthändler. Sie ist das Leitmedium
des Deutschen Kunsthandels­ver­bandes e. V. (DK)
und des Bundes­verbandes des Deutschen Kunst– ABONNENTENSERVICE/
und Antiquitätenhan­dels e. V. (BKDA) sowie der EINZELVERKAUF
in ihm vertretenen Landesverbände; der Berufs­
gruppe des österreichischen Anti­qui­­­­­­t ä­ten­handels, Die Weltkunst erscheint 14 Mal im Jahr.
des Landes­g remiums Wien für den Handel mit Das Jahresabonnement kostet 139,30 Euro,
Gemälden, Antiqui­t äten, Kunst­gegen­ständen und im Ausland zzgl. Versandkosten, in der
Brief­marken und des Landes­g remiums des Handels Schweiz 252,00 sfr. inkl. Versandkosten,
mit Antiqui­t äten und Kunst­ge­genständen für Salz- Österreich 147,-Euro inkl. Versandkosten
burg; der CINOA im deutschsprachigen Raum so-
wie des Verbandes schweizerischer Anti­quare und
­Kunst­händler und der Ver­eeni­g ing van Handelaren
Kundenservice
20080 Hamburg, Tel. 040/55 55 78 68,
in oude Kunst in Nederland. Die Zeitschrift und
alle darin enthaltenen Bei­t räge und Abbildungen
Fax 0 18 05/8 61 80 02
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sind urheberrechtlich geschützt. Mit Aus­nahme der
gesetzlich zuge­lassenen Fälle ist eine Ver­wertung
ohne Ein­­w il­ligung des Ver­lages strafbar.
 MITARBEITER
DES MONATS
Laura Stevens
Die junge englische Fotografin war sehr
nervös vor ihrem Treffen mit Anselm
Kiefer. Ein komplizierter Künstler solle
das sein, in anderen Sphären schwe-
bend. Doch dann kam alles ganz an-
ders: »Er war charmant und lustig und
froh darüber, dass ihm jemand genau
sagte, was zu tun sei.« So wurde das
Shooting im Pariser Atelier von Kiefer
(ab S. 24) zu einem der Höhepunkte in
der Karriere von Stevens, die auch für
The Times Magazine und Le Monde fo-
tografiert: »Es war überwältigend, die
gigantischen Umfänge und Maßstäbe
zu erleben, in denen er arbeitet.«
Bilder: privat (3)

Thomas E. Schmidt
Der Berliner Kulturkorrespondent der ZEIT wandelt seit
Langem schon auf den Wegen zur asiatischen Kunst. Er
schätzt ihre Schönheit ebenso wie ihre Fremdheit. »Wer sich
auf die Künste zwischen Indien und China einlässt, muss
lernen, reisen, lernen«, betont Thomas E. Schmidt. Voller
Neugier fuhr er nach Amsterdam, um mehr über den Ein-
fluss der asiatischen Kunst auf Holland zu erfahren (S. 42).

Christian von Faber-Castell

Vor 40 Jahren löste er die legendäre Maria Netter
als Schweizkorrespondent für die weltkunst ab.
Seitdem beobachtet Christian von Faber-Castell
vom Züricher See aus Markt und Ausstellungsge-
schehen und ist bestens in der Szene vernetzt. Dies-
mal stellt er den jüngst gegründeten Dachverband
Kunstmarkt Schweiz (S. 86) und ein neues Kultur-
zentrum in Lugano (S. 78) vor. Privat sammelt er
übrigens erotische Kunst aus allen Bereichen.

9
 DI E M A R K T F R AU

Einigkeit macht stärker

Gleich drei Messen konkurrieren im Münchner Kunstherbst um Aussteller
und Sammler. Ein Verdrängungswettbewerb, der Folgen hat

r war enttäuschend: Mein Be- ders Konrad Bernheimer für seine Absage an Standgestaltung und Déjà-vus schwächen

E such der Münchener Kunst- nur eine Messe auf dem Messegelände in
und Antiquitätenmessen in die- Riem. Stattdessen etablierte der gut vernetz-
sem Jahr fiel auf das einzige te Galerist für alte Meister eine internationa-
den originellen Eindruck ab.
Die 2009 gegründeten Highlights traten
zunächst mit musealem Anspruch an. Doch
Novemberwochenende, an dem alle drei Pa- le Messe von Händlern für Händler auf dezi- das internationale Preisniveau musste an die
rallelveranstaltungen geöffnet hatten. 1956 diert hohem Niveau. Die Highlights können bescheideneren Möglichkeiten deutscher Pri-
ging die einst strahlende 1. Deutsche Kunst- ihren erfrischenden neuen Look aber nur vatsammler angepasst werden. Das gab Aus-
und Antiquitäten-Messe im Haus stellern, die weg wollten vom Post-
der Kunst in München an den palast, die Möglichkeit, zu den
Start. 2015 wird im Postpalast ihr Highlights zu wechseln. Denn Qua-
60. Jubiläum gefeiert, weit weg lität bemisst sich nicht automatisch
vom Niveau der einst geschmacks- in astronomischen Preisen. Das füh-
bildenden deutschen Leitmesse. ren auch ein paar profilierte Ausstel-
Das Jubiläum findet nur auf dem ler mit hohen Qualitätsstandards
Papier statt, zu spüren ist es nicht. wie Monika Fahrensons »Brigantine

Bild: privat; Pablo Castagnola

Zu heterogen fallen hier Angebot 1900« oder das Kunstkabinett Streh-
und Aussteller in Anspruch und ler auf der eher volkstümlichen
Leistung auseinander. Wichtige Nockherbergmesse vor.
jüngere Sammelgebiete wie Foto- Die unglückliche Sezession in
grafie und Design sucht der Kunst- drei Messen beruht nicht zuletzt auf
freund im Postpalast vergebens. Veranstaltern, die persönlich nicht
Aber noch anderes irritiert in miteinander können. Mit Blick auf
München und schadet dem Um- 2016 bietet sich jetzt die Chance,
satz. Statt auf den sich in breiter Brücken zu bauen. Neben Konrad
Front vollziehenden Geschmacks- Bernheimer und Georg Laue stößt
wandel – weg von der alten Kunst der junge Kunsthändler Alexander
hin zum Zeitgenössischen – mit Kunkel ab sofort zur Highlights-Ge-
Schulterschluss und neuen Kon- schäftsleitung – ein Zukunftssignal.
zepten zu reagieren, mutet man Dazu kommt, dass sich etliche Post-
den verbliebenen Interessenten palast-Aussteller nach Veränderung
Jahr für Jahr drei Spielorte zu. Mit sehnen. Und auch Andreas Ramer,
der Folge, dass sich jenseits der Ver- der die Nockherberg-Messe organi-
nissagen Besucher allerorts nicht siert, ist an mehr Kundenorientie-
eben in Strömen auf die Suche be- rung gelegen. »Die Kunst kennt kei-
geben nach dem Schönen, Wert- Gute, alte Zeiten: Lange vor der Art Cologne und nen Feind außer den Ignoranten«,
vollen oder Kuriosen. der Tefaf ging die Münchner Kunstmesse an das Seneca-Zitat setzt Wolf Krey,
Den größten Anlass zur Sorge den Start. Heute laboriert man an der Zersplitterung Manager der Kunst-Messe Mün-
um die Schlagkraft des deutschen chen, dem Katalog der sogenannten
Handels müsste indes der deutli- Jubiläums-Messe voran. Ignoranz
che Schwund an Mitstreitern geben. Der teilweise durchsetzen. So pflegen zwar neben bezieht sich an der Isarmetropole nicht nur
setzt allen drei Messen sichtbar zu. Weder bei Konrad Bernheimer und seinen Töchtern Isa- auf Unkenntnis der Kunst, sondern auch auf
den Highlights noch auf der Kunst-Messe bel und Blanca Bernheimer vor allem Georg überholte Feindbilder.
München oder der populären »Kunst & An- Laue und Florian Sundheimer gekonnt den Nix für ungut, Ihre Marktfrau ×
tiquitäten«-Messe auf dem Nockherberg rei- Dialog zwischen Wunderkammer und Mo-
chen die im nahen Ausland rekrutierten derne. Viele Aussteller in der recht kostspie- Susanne Schreiber
Neuaussteller an die Weggebliebenen heran. ligen Zeltarchitektur in einem Hof der Mün- ist Redakteurin des
»Eine Messe ist nur so gut, wie ihr schwächs- chener Residenz planen aber Aufriss und Handelsblatt und betreut
ter Aussteller«, lautete seinerzeit das schla- Angebot nicht anders als für andere Messen dort seit vielen Jahren
gende Argument des Highlights-Mitbegrün- auch. Das ernüchternde Resultat: beliebige den Kunstmarkt

10
 Alessandro
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Erkennen Sie das Genie?

Bilder: Ariane Laue; Courtesy the artist and Galerie Barbara Weiss, Berlin/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; art fundus biedermeiermöbel
Schaut man ganz genau hin, so zeichnet sich
unter den Linien und Wellen ein Gesicht ab.
Thomas Bayrle porträtierte 1971 in dem Sieb-
druck (70 x 55 cm) den US-Schriftsteller Norman
Mailer. Wir haben die Arbeit in der Berliner
Galerie Barbara Weiss (030 2624284) entdeckt.

1200  €

Für die Speisekammer viel zu schade

Nahezu modern wirken die Formglasflaschen aus dem
18. und 19. Jh., die Ariane Laue im »Raum für Objekte«
(089 2800972) in München im Angebot hat. Die braune
und die zart grüne Flasche wurden ehemals als Vorrats-
gefäße benutzt. Wir finden, sie sind viel zu schön dafür.

Sitzen wie ein ungarischer Fürst

Der Armlehnstuhl mit den vergoldeten Schnitzereien aus dem
ungarischen Pécs um 1810 wirkt wie ein Thron. Das Möbel ist
in Mahagoni furniert und in ebonisiertem Obstholz gefertigt.
Die Ahornintarsien sind mit Tuschmalereien verziert. Bei Art
Fundus (089 2605548) in München ist das edle Stück zu kaufen.

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Bilder: Uwe H. Seyl/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; ddp images/Sven Simon; Frank Röth/F.A.Z.
Großstadt-Kokotte  Hella von Sinnen

Wir alle kennen sie als Kassiererin in dem legendären Werbespot zur Aids-
Prävention. »Tina, wat kosten die Kondome?«, schrie sie durch den Laden,
und der schamhafte Käufer wollte im Boden versinken. Anja Gebauer von
der Galerie Maier & Co. Fine Art hat die Komödiantin jetzt im Kunstmu-
seum Stuttgart wiederentdeckt: in Otto Dix’ »Großstadt«-Triptychon. Über
Funde wie diesen freut sich Ihre bildredaktion@weltkunst.de

K R I T I K E R F R AG E

Was bleibt vom Kunstjahr 2015?

Samuel Herzog Kia Vahland Niklas Maak Lindsay Pollock Hanno Rauterberg
Neue Zürcher Zeitung Süddeutsche Zeitung Frankfurter Allgemeine Zeitung Art in America DIE ZEIT

Die Frage, warum man
nicht Gastrokritiker
geworden ist – und doch
auch die Lust, es immer
wieder mit dieser seltsamen
Sache zu versuchen, die
man gemeinhin als Kunst
bezeichnet.
Der Wille, NS-Raubkunst
zu erkunden. Der Eindruck,
dass die Kunst es gegen
ihre Verkäuflichkeit immer
schwerer hat, wie auf der
Venedig-Biennale zu sehen.
Was hoffentlich nicht
bleibt: all die Fälschungen
und Fehlzuschreibungen.
Gute Kunst. Die Venedig-
Biennale eher nicht. Die
Hoffnung, dass am Berliner
Kulturforum nicht noch
ein Privatsammlermuseum
entsteht, sondern ein
wirkliches neues Museum.
Das neue Whitney Museum,
Picassos Skulpturen im
MoMA oder die Video-
künstlerin Rachel Rose.
Die wuchernden Messen,
Kunstfonds und Online-
Shops ziehen dagegen die
ganze Kunstwelt herunter.
Vor allem Okwui Enwezor,
der dem Kunstsystem
»vollständige Machtlosig-
keit« attestierte, weil es
sich mit den Interessen
des Kapitals arrangiert
habe. Sich selbst schloss er
dabei nicht aus. Zumin-
dest das ist rühmlich.

14
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Engel aus dem Erzgebirge: Die Holzfigürchen von
Wendt & Kühn bezaubern seit 100 Jahren
durch Leichtigkeit und fröhliche Gesichtszüge
1 ermöglichte ihr einen neuen Blick auf das
ie schönsten Dinge entstehen
D manchmal aus Mangel. So
wie die Handwerkskunst des
Erzgebirges. Als im Erzgebir-
ge kein Silber mehr gefördert werden konn-
te, musste man sich etwas anderes einfallen
lassen. Zu den Erzeugnissen des Erzgebirges
gehören seitdem Uhren, Bürsten und viele
Schnitzereien. Heute sind Krippenfiguren
und Engel aus der Region weltbekannt.
Die Kunst des Drechselns war im Erz-
gebirge schon lange verbreitet, als eine jun-
ge Frau namens Grete Wendt in Grünhaini-
chen auf eine geniale Idee kam. Ihr war
aufgefallen, dass all die üblichen Holzfigu-
ren eine sehr statische Statur hatten. Gretes
Vater war Direktor der örtlichen Gewerbe-
schule gewesen und hatte seine Tochter auf
die Königlich-Sächsische Kunstgewerbe-
schule in Dresden geschickt. Das Studium
2 60 Aktenordnern, einen Zeichnungsschrank
1 Musizieren gern: Engel mit Becken auf
Schweif 2 Milimeterarbeit ist das Anbrin-
gen der Einzelteile 3 Die weißen Pünktchen
sind das Wahrzeichen der Figuren 4 Treten
oft in Gruppen auf: die Blumenkinder
H A N D DE S M E I S T E R S
Elf weiße Punkte
traditionelle Handwerk ihrer Heimat.
Grete Wendt schuf Holzengel, die man
so noch nicht gesehen hatte. Sie schienen in
Bewegung zu sein, zu musizieren, zu laufen
und zu fliegen. Das erreichte sie, indem sie
die Gliedmaßen schräg anschnitt und wieder
neu zusammensetzte. So durchbrach sie die
3
Symmetrie des Drechselns. Die Grünhaini-
cher Engel nahmen fortan eine natürliche
Körperhaltung an und wirkten auf einmal
unbeschwert und leicht.
Zusammen mit ihrer langjährigen Weg-
gefährtin Margarete Kühn hatte sie einen
Beststeller kreiert. Seit 1923 spielen die Engel
von Wendt und Kühn Geige, Mandoline,
Pauke, Harfe und Posaunen und reiten als
Weihnachtsbaumschmuck auf Mondsicheln
und Kometen. Auf der Weltausstellung in Pa-
ris 1937 wurde die Komposition »Engelberg
mit Madonna« mit einer Goldmedaille und
dem Grand Prix bedacht. Dies machte ihre
fröhlichen Engel mit den grünen Flügeln
weltbekannt. Die beiden Gestalterinnen ent-
wickelten eine unbändige Schaffenskraft. Sie
hinterließen etwa 2500 Figurenentwürfe in
mit Skizzen in 100 Fächern und Mappen mit
fast 2000 Zeichnungen.
Dies ermöglicht es der 1915 gegründeten,
noch immer in Familienhand befindlichen
Manufaktur Wendt & Kühn, heute aus-
schließlich Originale nach Vorbild der Grün-
16
derinnen zu fertigen. Zurzeit werden etwa
400 Figuren, Spieldosen und Wanduhren an-
geboten. Jedes Jahr kommen neue, großteils
in Handarbeit gefertigte Figuren hinzu.
Bilder: ruemmlerfotografie 2013; Sabrina Rothe 2010; S+M Rümmler (2); Michael Biedowicz
Zunächst wird der Rumpf der Engel ma-
schinell gedrechselt, und die einzelnen Glie-
der werden gefertigt. Benutzt werden Linde,
Buche und Ahorn, die teils per Hand zuge-
schnitten werden. Das ist Milimeterarbeit,
denn die wenige Zentimeter großen Figuren
bestehen meist aus zahlreichen Einzelteilen.
Die zusammengesetzten Engel kommen
dann in ein weißes Farbbad, um die Figuren
zu grundieren. Anschließend werden sie be-
malt. Dabei gleicht kein Farbton dem ande-
ren. Das Blau der Trommel ist etwa tiefer und
dunkler als das der Drehorgel, welches sich
wiederum deutlich vom blassblauen Strich
4
am Kragen unterscheidet. Die typisch fröhli-
chen Engelsgesichter beherrschen nur wenige
Malerinnen in Grünhainichen, sie geben den
Engelchen ihren unverkennbar kindlichen
Ausdruck. Am Ende werden die Flügel mit je-
weils elf weißen Punkten verziert. Immer
wurde gerätselt, warum es genau elf Punkte
sind. Bis Grete Wendt erklärte: »Es hat sich
halt so ergeben«.  ×
Tillmann Prüfer ist Style
Director des ZEITmagazin.
Er stellt hier jeden Monat
herausragende Leistungen der
Handwerkskunst vor
 Jackson Pollock (American, 1912—1956)
Mural, 1943 (detail), Oil and casein on canvas, 242.9 x 603.9 cm
Gift of Peggy Guggenheim, 1959.6
University of Iowa Museum of Art; Reproduced with permission from The University of Iowa Museum of Art
© Pollock-Krasner Foundation/VG Bild-Kunst, Bonn 2015

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and organized by
curated by dr. david anfam
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10—20 Uhr, montags Eintritt frei; deutsche-bank-kunsthalle.de

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Energy Made Visible
Jackson Pollock’s Mural

1 Lichttropfen
Dunkle Atmosphäre,
schummriges Licht: Ghenie
lässt uns oft im Unklaren
darüber, was genau passiert.
Hängeleuchte »Light in the
Dark« von Pieke Bergmans.
Preis auf Anfrage
WA S PA S S T Z U …
Adrian Ghenie
2 Sofacollage
Wie Flickenteppiche der
Geschichte wirken Ghenies
Bilder. Stoffe aus dem Mitt-
leren Osten hat das Desig-
nerduo Bokja für das ca.
7900 Euro teure Patchwork-
Sofa »Bean« verwendet.
18
ferenzen mischen, ist der 1977 geborene
3 Tortenschlacht
Bekannt wurde Ghenie mit
seinen Bildern von Kuchen-
schlachten. Den Kerzen­
halter »Biscuit« entwarf
Studio Job für die
Porzellanmanufaktur Royal
Tichelaar Makkum.
4
Bilder: Christie’s Images Ltd. 2015; Pieke Bergmans; Bokja Design; Studio Job; Simone Post/Jongeriuslab
Mit seinen düster-suggestiven Bildern,
die historische und popkulturelle Re­
rumänische Maler Adrian Ghenie zum
Liebling des Kunstmarkts geworden.
Sein »Pie Fight Interior« (2012) erzielte
im Oktober bei Christie’s in London
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Im kunstversessenen Turin die kleine, sehr aktive

Messe Artissima, die belebten Steine von
Adrián Villar Rojas und das Festival Electronic Beats

Hans Ulrich Obrist

ist Kurator für zeitgenössische Kunst und
leitet die Serpentine Gallery in London

Herr Obrist, was haben Sie gesehen?
Ich möchte von meinem Besuch in Tu-
rin vor wenigen Tagen erzählen, aber es ist
nicht ganz einfach, weil der Koffer mit mei-
nen Notizen von der Reise dorthin verloren
gegangen ist.
Sie sind heute in New York gelandet …
… ja, und mein Koffer ist nicht mitge-
kommen. Aber gut, legen wir los. Die kleine
Turiner Kunstmesse Artissima ist ja unglaub-
lich aktiv, etwa mit ihrer Plattform »Present
Future«, die Künstler verschiedener Genera-
tionen zusammenbringt, von den Fünfziger-
bis zu den Achtzigerjahren. Diesmal waren
besonders interessant: serielle Puppengemäl-
de des deutschen Malers Peter Dreher, von
dem man ja vor allem die Wassergläser kennt.
Die »Puppenköpfe« sind zwischen 1983 und
1985 entstanden, kleine Formate, 40 auf 30
Zentimeter … einen Moment, bitte.
Sie sitzen im Auto gerade, oder?
Ja, wir fahren von Manhattan nach
Brooklyn, und der Verkehr ist schrecklich
heute hier. Wir müssen gleich durch einen
Tunnel, ich hoffe, ich verschwinde nicht.
1 zonen entstehen ja heutzutage meistens die
Keine Sorge, ich kann Sie gut hören. Zurück
nach Turin …
Ich war sehr begeistert von einer Sechzi-
gerjahre-Fotografin, die etwa den jungen
Alighiero Boetti und eine ganze Reihe weite-
rer Künstler seiner Generation fotografiert
hat. Der hochinteressante Hassan Sharif aus
Dubai war zu sehen und man konnte den lei-
der vergessenen italienischen Bildhauer Paolo­
Icaro auf der Messe bestaunen. Es war sehr
überraschend, wie eigentlich immer in Turin.
Was ist das Besondere der Kunststadt Turin?
Der Bürgermeister hat mir erzählt, dass
man jedes Jahr 100 Millionen Euro für Kunst
ausgibt – für eine Stadt dieser mittleren Grö-
ße ist das richtig viel Geld. Und es gibt jedes
Jahr neben den Schauen älterer Künstler den
Illy-Preis für jüngere Künstler. Im vergange-
nen Jahr hat ihn die großartige RACHEL ROSE
(1) gewonnen, die jetzt bei uns in der Serpen­
tine Gallery eine Einzelausstellung hat. Die-
ses Jahr fand ich die enzyklopädische Arbeit
von Basel Abbas und Ruanne Abou-Rahme
faszinierend: Es geht um verschiedene Archi-
ve, es ist eine Recherche im Mittleren Osten,
ein Protestzug gegen das Vergessen.
Bilder: Courtesy of the artist and Pilar Corrias Gallery; Matteo Bosonetto; Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin; Milena Carstens; Illustration: Andrea Ventura
Sie waren in Turin für ein öffentliches ­
Gespräch mit dem Künstler ADRIÁN VILLAR
ROJAS (3), richtig?
Ja, in der Fondazione Sandretto Re Re-
baudengo war sein Gesamtkunstwerk zu se-
hen. Wir haben ja in einer früheren Kolumne
bereits über seine Ausstellung in Istanbul in
diesem Jahr gesprochen, und von dort hat er
98 Steine mit nach Turin gebracht, dafür wa-
ren sieben Lastwagen nötig! Er hat die Steine
mit verschiedensten Materialien belebt.
Belebt?
Ja, mit Gemüse, mit Obst, mit Pilzen,
mit Moos, Knochen, Skeletten. Das war eine
richtig belebende Erfahrung. Er hat es außer-
dem geschafft, dass für ihn in der ausstellen-
den Fondazione die Elektrizität ausgeschaltet
wird – man erlebt seine Kunst also in einem
wunderbaren Dämmerlicht.
Und was beschäftigt Sie derzeit außerhalb
der Kunstwelt?
Normalerweise erzähle ich an dieser
Stelle von Büchern, die ich gerade lese, aber
diesmal geht es um Musik. Der deutsche
Journalist Max Dax hat mich in Turin auf
dem Festival Electronic Beats interviewt und
mich anschließend mitgenommen auf Kon-
zerte. Ich habe Jamie xx erlebt, das war groß-
artig, aber das absolute Highlight war der
junge italienische Klangkünstler LORENZO
SENNI (2) nachts um fünf. Er ist sensationell.
In seinen Sessions bewegt er sich zwischen
Musik und Kunst, und in diesen Zwischen-
interessantesten Dinge.

Zum Schluss, lieber Herr Obrist, wünsche

ich Ihnen diesmal vor allem, dass Ihr Koffer
wieder auftaucht.
Tausend Dank! Ich werde Sie auf dem
Laufenden halten. ×

Christoph Amend, Herausgeber

der WELTKUNST,
befragt Hans Ulrich Obrist
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Entdeckungen in der Kunst

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MATERIAL
UND
MYTHOS

Mit seinen schwergewichtigen Werken spaltet Anselm Kiefer

die Kunstwelt: Die Deutschen bleiben skeptisch, in
Frankreich und England wird er gefeiert. Nun ehrt Paris den
Künstler in zwei Ausstellungen. Wir trafen ihn vorab

VON P ORT R ÄT
T I M AC K E R M A N N L AU R A S T E V E N S
25
 HEA DZEILE

V
Von seiner Kunst heruntergeblickt, sieht gen in Paris, keine 30 Kilometer Luftlinie ent­
Anselm Kiefer eher klein aus. Aus drei aufei­ fernt vom Atelier in Croissy-Beaubourg. Im
nandergestapelten Schiffscontainern besteht Dezember beginnt Kiefers große Retrospek­
die Skulptur, die einen ausgezeichneten tive im Centre Pompidou. Daneben läuft be­
Beobachtungsposten über das riesige Atelier reits eine Ausstellung in der Bibliothèque na­
bietet. Ich könne doch hinaufsteigen, hatte tionale de France mit seinen Künstlerbüchern
die Assistentin vorgeschlagen, und dort war­ – ein in der Rezeption oft vernachlässigter Be­
ten. Aus dieser Höhe wirkt Anselm Kiefer, so reich im Werk des Malers und Bildhauers. Im
wie er jetzt angeradelt kommt, geradezu nor­ vergangenen Jahr gab es eine Retro­spektive
mal: ein netter älterer Herr. Am locker fallen­ in der Londoner Royal Academy of Arts, im
den Leinenhemd steht der oberste Knopf of­ kommenden Frühjahr zeigt die Wiener
fen, dazu weite Stoffhose, Baseballmütze ­Albertina noch eine Schau mit Kiefers Holz­
und Schlappen. Das ist nicht der Dress eines schnitten. Der Künstler ist in diesem März
Künstlerfürsten. So zieht sich ein Künstler­ 70 Jahre alt geworden. Aus diesem Anlass
philosoph an, der auf der Fahrradroute durch und dank der vier Ausstellungen ist nun in
die Weiten seiner Wirkungsstätte nun vor der Europa wirklich einmal der »komplette
Containerskulptur stoppt. Behände er­ ­Kiefer« zu sehen. Deutsche Museen sind an
klimmt Kiefer die Stahltreppe, begrüßt den diesem Fest­reigen nicht beteiligt. »Warum
Gast und wirft dabei gleich einen Seitenblick ­eigentlich nicht?«, fragt man sich.
auf die Bleibänder voll applizierter Fotogra­ Als Nächstes bremst Kiefer vor einer
fien, die im Inneren des Containers von der Reihe von Glasvitrinen, um mit zwei Assisten­
Decke hängen. Er scheint zufrieden. Das ten zu sprechen, die wie ihr Chef in der riesi­
Werk soll bald das Atelier verlassen. gen Halle mit dem Fahrrad unterwegs sind.
Nun müsste man den Künstler eigent­ »Da müssen noch Buchstaben hinein«, er­
lich zu seiner Skulptur befragen, doch der klärt der Künstler und zeigt auf eine Vitrine,
verschwindet schon wieder die Treppe hinab. in der Aluminium-Sonnenblumen aus einer
Die Zeit ist knapp, und wir wollen noch über alten Setzmaschine wachsen. Die Lettern
einiges sprechen an diesem Morgen, unter werden später auf dem Boden der Vitrine in
anderem über seine zwei großen Ausstellun­ einem ungeordneten Haufen liegen wie ver­

28

streute Samen. »Der fehlende Buchstabe«
nennt Kiefer das Werk. Nach einer kabbalis-
tischen Theorie fehlt im Alphabet der Thora
ein heute nicht mehr bekannter Buch­stabe.
Würde man ihn finden, verschwände so-
gleich alles Negative aus der Welt und der
heiligen Schrift. Böses wird in Gutes verwan-
delt, Leid in Freude. Problem erledigt.
Schön wäre, wenn man so das Rätsel
Anselm Kiefer gleich mit lösen würde. Voll-
ends nahe kommt man diesem Künstler
nicht. Dem einkreisenden Zugriff entwischt
er im Gespräch durch kühne Ausreißer zu in-
Bild vorherige Seite: Ian Reeves/Anselm Kiefer; Bild links: Charles Duprat; Bild rechts: Jörg von Bruchhausen, Berlin/Collection Würth, Künzelsau
tellektuellen Ahnen: Spinoza, der Kabbalist
Isaak Luria, Brentano. Anselm Kiefer hat um
sich herum ein Labyrinth errichtet, dessen
Wände aus philosophischen Texten bestehen.
Texte, die untrennbar Teil seiner Persönlich-
keit geworden sind. Es bleibt einem nichts an-
deres übrig, man muss dem ausgelegten
­Ariadnefaden zumindest ein Stück folgen.
»Ein bisschen labyrinthartig ist das hier ja
auch«, sagt Kiefer und lächelt, während wir
die Regale seines Materiallagers passieren, die
bis in halsbrecherische Höhe mit handschrift-
lich etikettierten Kisten gefüllt sind. Dort
f indet man unter anderem getrocknete
­ wenn man – Wochen vor der Eröffnung –
Kugel­fische, Brennnesseln, Hanf, Asche oder
Papyrus. Es gibt Schachteln mit kleinen Blei-
U-Booten und welche mit rostigem Stachel-
draht. Häufig sei er im Lager, um zu schauen,
welches Material ihn inspiriere, erzählt der
Künstler. »Am liebsten, wenn ich müde bin
und nicht mehr so kontrolliert. Dann funk­
tionieren die Materialien wie Synapsen: Ein
Gegenstand beginnt plötzlich mit einem an-
deren zu sprechen. Es entstehen so die er-
staunlichsten Dinge.«
Aus seiner Materialsammlung füllt er
Vitrinenskulpturen, oder er integriert die Ge-
genstände in seine Leinwände, auf denen sich
massive Farbschichten wie Sedimente abgela-
gert haben: Braun- und Grautöne, häufig
auch Schwarz. In einem Seitentrakt des Ate-
liers, den wir an diesem Tag nicht betreten,
warten Dutzende solcher Gemälde darauf,
dass der Künstler sie bearbeitet, weitertreibt,
umarbeitet. Ganz fertig werden sie nach sei-
ner Vorstellung nie. Übrigens: Ein typisches
Kiefer-Bild, das manchem Betrachter über-
trieben monumental erscheint, hat für den
Künstler menschliches Maß. »Ein Bild muss
man tanzen. Ich arbeite unheimlich körper-
lich. Und ein Bild hat immer das Format, wo
ich gerade noch hinreichen kann«, erklärt er.
Dann macht er plötzlich ein Geständnis: »Ich
kann gar nicht malen. Ich habe kein Talent
dazu, das überrascht jeden, weil es wie Koket-
terie klingt. Aber es ist wahr.«
Nicht leugnen lässt sich Kiefers Gestal-
tungswillen, der Platz braucht: 60 Hektar
A N SE L M K I E F E R
misst das Areal, dass sich der deutsche Künst-
ler 1992 bei seinem Umzug ins südfranzösi-
sche Dorf Barjac kauft. Er interpretiert es
künstlerisch – mit dem Bagger. Als er 15 Jahre
später Barjac in Richtung Paris verlässt, ste-
hen hohe Betontürme auf dem Gelände, und
der Untergrund ist durchlöchert von Höhlen
und Tunneln. Nimmt man dazu Kiefers Bil-
der, mit ihren märkischen Morastäckern, an-
tiken Pyramiden und anonymen Hochhaus-
wüsten, dann liegt der Verdacht nahe, dass
sich hier ein Künstler in der Tradition der
Landschaftsmalerei sieht. »Sicher«, antwortet
Kiefer. »Landschaften sind Träger von I­ deen.
Wie soll ich eine Idee sonst darstellen? Ich bin
ja Künstler, kein Philosoph.«
Auch das Atelier bei Paris ist eine Art
Landschaft, und wir sind jetzt schon eine
Weile unterwegs. Kiefers Reich ist vor allem:
groß. Allein der Weg dorthin braucht seine
Zeit. Erst den Vorortzug in Richtung Osten,
dann vom Bahnhof noch eine gute halbe
Stunde zu Fuß an Fabriken und Wiesen vor-
bei, bis man schließlich vor einer Lagerhalle
Blick zurück im Hohn: Kiefers »Heroisches
Sinnbild I« von 1969/1970. Li. Seite: In einem
ehemaligen Warenlager bei Paris hat
sich der Künstler ein riesiges Atelier einge­
richtet. Dort finden selbst die Türme
seines Opernbühnenbildes von 2009 Platz.
Vorige Doppelseite: »Margarethe« (1981)
nach Paul Celans Gedicht »Todesfuge«
29
steht, an der noch der Schriftzug des legen-
dären Pariser Warenhauses Samaritaine les-
bar ist. An der Längsseite der Halle konnten
früher 25 Lastwagen gleichzeitig beladen
werden, heute sind hier Container mit Mate-
rial und einige von Kiefers riesigen Flug-
zeugskulpturen aus Blei geparkt. Im Inneren
verlieren sich in der Leere des riesigen Rau-
mes selbst die Türme des Bühnenbilds, das
Kiefer 2009 für die Pariser Opéra Bastille
baute. Schüchtert ihn diese gigantische Hal-
le gar nicht ein? »Das ist für mich gemütlich
hier drinnen«, entgegnet der Künstler. »Das
ist der Unterschied: Sie kommen herein und
sind beim Anblick überwältigt. Für mich ist
das Atelier wie meine Haut.« Er fühle sich
sehr wohl darin. »Ich wusste schon früh, ich
brauche in etwa diese Dimension, um die
40 000 Quadratmeter.«
Und so findet sich nicht nur ausrei-
chend Platz für die Produktion, sondern
auch für die Planung seiner Ausstellungspro-
jekte. Andere Künstler mögen ihre Bilder in
kleinen Modellen hin und her schieben. An-
selm Kiefer simuliert seine Auftritte in voller
Lebensgröße. Es ist ein einzigartiges Erlebnis,
durch die Räume des Centre Pompidou läuft,
nur eben akkurat nachgebaut in Kiefers Ate-
lier, hier einen Blick auf das Meisterwerk
»Margarethe« (1981) wirft, dort die »Wege der
Weltweisheit« (1976/77) studiert, keine Origi-
nale zwar, aber doch verblüffend gut gelun-
gene Reproduktionen. Vor dem Bild »Für
Paul Celan: Ascheblume« mit seinen sieben­
einhalb Metern Kantenlänge spürt man
dann auch wieder, wie gut es einem tut, sich
bisweilen von Kiefers orchestrierter Monu-
mentalität überwältigen zu lassen.
Er hat sich also richtig vorbereitet für
den Gala-Auftritt in dem Land, das ihm seit
einem Vierteljahrhundert ein Zuhause bietet
und das seinen berühmtesten Künstler-
migranten nach anfänglichem Zögern nun
bedingungslos liebt. 2007 durfte Kiefer sich
im Louvre mit einem Selbstbildnis verewi-
gen, das ihn, splitternackt ausgestreckt, un-
ter dem Sternenhimmel zeigt. Im selben Jahr
räumte ihm Paris noch das Grand Palais für
seine Monumentalinstallation »Sternenfall«
frei. 2011 hielt er eine Vortragsreihe vor dem
renommierten Collège de France. Und jetzt
das Centre Pompidou und die National­
bibliothek. In Deutschland dagegen: relative
Kiefer-Wüste. Die letzte Retrospektive gab es
1991 in der Berliner Nationalgalerie. Danach
blieb es Privatsache, Kiefer größer zu zeigen
– 2004 in der Sammlung Würth und 2011/2012
mit der Sammlung Grothe im Museum
Frieder Burda in Baden-Baden und in der
Bonner Bundeskunsthalle. Jedesmal war das
HEA DZEILE

30
HEA DZEILE

Blick ins Materiallager des Künstlers:

In den Regalen warten zum Teil komplette
Werke auf ihre finale Erweckung. Die
Skulptur im Zentrum des Bildes entstand,
indem Kiefer ein Becken mit heißem,
­flüssigem Blei ausgoss und erkalten ließ

31

»Die Orden der Nacht« (1996) ist ein Selbstbildnis des Künstlers, das der Theorie des Rosenkreuzers
Robert Fludd folgt, wonach Mensch, Pflanzenwelt und Kosmos untrennbar miteinander verbunden sind
Frühwerk sehr schwach vertreten. In Bonn
waren überhaupt keine Arbeiten vor 1990 zu
wichtigen frühen Kiefer-Themen wie Natio-
nalsozialismus, germanische Sagen oder Ho-
locaust zu sehen. Umso lauter tönt jetzt na-
türlich der doppelte Paukenschlag aus Paris.
Die Wahlheimat lag schon früh ganz
nah. Geboren wurde Anselm Kiefer in den
letzten Kriegstagen, am 8. März 1945, in Do-
naueschingen, aufgewachsen ist er im badi-
schen Ottersdorf in Sichtweite der Rhein­
auen. »Ich wusste, jenseits des Flusses lag
Frankreich. Das war für mich das unbekann-
te Land«, erzählt er. »Ich lernte ja auch in der
Schule als erste Fremdsprache Französisch.
So war die französische Kultur immer Teil
meiner Entwicklung. Corneille und Racine
konnte ich zum Teil auswendig. Meine Mit-
schüler machten sich darüber lustig, weil ich
diese getragene Sprache imitiert und selbst
ein wenig so wie Corneille gesprochen habe.«
Kiefers Stimme wird tief und grollend, als er
zu deklamieren beginnt: »Rome, Rome –
l’unique objet de mon ressentiment!« Eine
Mitarbeiterin bringt Kaffee. Wir nehmen in
der Sitzgruppe seines Büros Platz.
Zu ersten Mal überquerte er mit 17 Jah-
ren die Grenze, mit einem Stipendium, um
auf den Spuren seines Jugendhelden Vincent
van Gogh zu forschen. Per Autostopp ging es
mit dem Lastwagen nach Paris, der Fahrer
setzte ihn spät nachts vor dem Louvre ab. Da
stand er vor einer schwarzen Mauer. »Paris
war schmutzig«, erzählt Kiefer. »Heute wirkt
die Innenstadt ja wie ein Disneyland.«
Maler wollte der Sohn eines Kunstpä­
dagogen schon seit Kindertagen werden. Ma-
lerei studieren hingegen nicht. »Ich hatte ei-
nen Geniekomplex. Ich dachte, ich brauche
die Akademie nicht«, sagt Kiefer. Nach eini-
gen Jura- und Romanistikseminaren landete
er schließlich doch noch beim Kunststudi-
um in Freiburg und Karlsruhe. Ein früher
Mentor wurde Joseph Beuys, den Kiefer re-
gelmäßig aufsuchte. »Ich habe meine Bilder
eingerollt aufs Autodach geschnallt und bin
nach Düsseldorf gefahren, um sie ihm zu zei-
gen.« So bekam Beuys 1969 auch als einer der
ersten Kiefers Buchprojekt »Besetzungen« zu
sehen, seine Abschlussarbeit. Der Student
reiste dafür durch die Schweiz, Italien und
Frankreich. Er fotografierte sich dabei, wie er
an verschiedenen Orten seinen rechten Arm
zum Hitlergruß hob. »Beuys war der Einzige,
der damals professionell reagiert hat«, erin-
nert sich Kiefer. Er habe gesagt: »Ja, das ist
eine gute Aktion.« Viele Professoren und
Kommilitonen hätten ihn dagegen heftig an-
gegriffen. »Die halten mich für einen Neo­
nazi«, habe er seinem Mentor geklagt. Beuys
beruhigte ihn: »Unfug, Anselm, du bist kein
Faschist. Das ist ja lächerlich, wie du da
32
Bild vorherige Doppelseite: Charles Duprat; Bild links: Atelier Anselm Kiefer/Seattle Art Museum
stehst! Das sieht ganz anders aus, wenn man
den Gruß richtig macht.« Kiefer lacht.
Der Künstler hat diese Werke einmal als
eine Identitätsfindung bezeichnet. Sie durch-
brachen das Schweigen der Deutschen in der
Nachkriegszeit. »In der Schule hatten wir
dem Zweiten Weltkrieg nicht mehr als zwei
Wochen gewidmet«, erzählt Kiefer. »Und
auch zu Hause hatte ich nie etwas von der Ju-
denverfolgung gehört. Erst durch meine Rei-
sen nach Frankreich und in die Niederlande
dämmerte mir, dass es da etwas gegeben ha-
ben musste.« Zufällig fiel ihm eine Schall-
platte mit Hitler-Reden in die Hände. »Diese
Stimme, dieser Tonfall, das nimmt man
nicht nur mit den Ohren wahr. Das geht un-
ter die Haut«, sagt er. »Ich fand das absurd
und gleichzeitig extrem faszinierend. Also
bin ich dem nachgegangen. Und was tut
man, wenn man etwas untersuchen will?
Man versetzt sich in die Rolle. Mit dem eige-
nen Körper.« Vom Vater hatte er sich dafür
dessen Wehrmachtsuniform ausgeliehen.
»Heroische Sinnbilder« heißt ein Gemäl-
dezyklus, der zwischen 1969 und 1971 auf
Grundlage der »Besetzungen« entstand. Fla-
niert man im ersten Raum der Retrospektive
an diesen Bildern vorbei, zieht eines den Blick
auf sich: Darin schweben im blauen Himmel
drei weiß blitzende Mamorskulpturen –
»Nike krönt den Sieger« (1853) von Friedrich
Bild: Collection Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam/Anselm Kiefer

Die »Dachboden-Bilder« der frühen Siebziger zeigen das damalige Atelier des Künstlers. Zudem zitiert Kiefer aus
Wagners Opern. So verweist »Notung« (1973) auf das mythische Schwert des glücklosen Helden Siegmund

Drake sowie zwei heroische Kämpfer der Na-
zi-Bildhauer Arno Breker und Josef Thorak.
Kiefer selbst ist nur klein mit erhobenem
Arm am unteren Bildrand abgebildet, in die-
ser Konstellation erscheint er als eine Art »le-
bendige Skulptur«. Das englische Künstler-
duo Gilbert & George kommt einem in den
Sinn, das sich ebenfalls 1969 zum ersten Mal
als lebende »Singing Sculpture« inszenierte.
Interpretiert man Kiefers Bilder unter die-
sem Aspekt des Performativen, dann wird
deutlich, wie sich hier der Künstlerkörper
den deutschen Heldenplastiken entgegen-
stellt – die ihm auch noch jederzeit auf den
Kopf zu fallen drohen. Es ist sonderbar, dass
die Ironie daran so selten gesehen wird. Zu-
mal auf dem Titel der »Besetzungen«, für die
sich der hitlergrüßende Kiefer als Tourist vor
Sehenswürdigkeiten des Bildungsbürger-
tums wie dem Kolosseum in Rom postierte,
der verräterisch lakonische Zusatz »Ein paar
Fotos« steht. Überhaupt: Bei Kiefers Künst-
lerbüchern stößt man auf allerlei Albernhei-
ten. In »Donald Judd hides Brünhilde« (1976)
beispielsweise birgt der Minimalismus-­
Würfel Fotos aus Erotikmagazinen.
Vielleicht wurde diese Ironie nicht verstan-
den, weil sich die Kritiker von Anfang an auf
das Pathos stürzten, das er an zahlreichen
Stellen zweifellos entwickelt. Und weil er
ernsthafte Interessen hatte, die im linksintel-
lektuellen Milieu der Zeit als anrüchig gal-
ten. Richard Wagner zum Beispiel. »Die gan-
ze Mythologie bei Wagner kam mir sehr
entgegen. Ich habe damals viel gelesen über
ihn«, sagt Kiefer. »Adorno hat sich ja auch
mit ihm auseinandergesetzt.« Wagner als
größte Musikerpersönlichkeit seiner Zeit fas-
ziniere mit seiner Diskrepanz zwischen
Mensch und Werk. »Da ist natürlich einer-
seits sein Antisemitismus, andererseits war er
Revolutionär, hat auf den Barrikaden ge-
kämpft, musste fliehen. Und an seiner Musik
ist vieles unglaublich modern. Die unendli-
che Melodie bei ›Tristan und Isolde‹ etwa –
das ist für mich wie eine Meditation. Die
›Meistersinger‹ hingegen fand ich eher witzig
und bescheuert. Dazu habe ich viele Bilder
gemacht, alle sehr ironisch.«
Gemälde mit Titeln wie »Parsifal«, »Der
Nibelungen Leid« oder »Notung«, die 1973
auf dem Dachbodenatelier eines ehemaligen
Schulhauses im Odenwald entstehen, lassen
Wagners Opern anklingen und die zugrunde
liegenden germanischen Sagen. Indem er die
Verstrickung von Geschichte und Mythos
thematisierte, gewann Kiefer den Mythos für
die deutsche Nachkriegskunst zurück. »Es ist
völlig verkehrt, die deutschen Mythen zu ta-
buisieren«, sagt der Künstler. Geschätzt wur-
de sein Engagement lange nicht. Als der
FAZ-Kritiker Werner Spies 1980 bei der Bien-
nale in Venedig die Werke von Kiefer und
­Georg Baselitz sah, beklagte er eine »Überdo-
sis am Teutschen«. Und Petra Kipphoff be-
scheinigte in der ZEIT den beiden Künstlern,
auf dem »deutschen Holzweg« zu sein. »Das
hat mich nicht niedergeworfen. Überhaupt
nicht«, erinnert sich Kiefer, mittlerweile be-
quem ins Sofa gesunken, das rechte Bein an
den Körper gezogen, den Arm auf die Lehne
gestützt – Goethe-Pose. »Ich war damals wie
Siegfried, unverwundbar. Ich hatte noch
nicht einmal ein Blatt auf dem Rücken.«
Auf die Frage nach dem möglichen
Grund für die Skepsis der deutschen Kritiker
und Museumsdirektoren weiß der Künstler
keine Antwort. Er interessiert ihn nach eige-

Die zum Teil sehr heftige Kritik an seinen Bildern habe ihn
nicht getroffen, sagt Kiefer: »Ich war wie Sieg fried, unverwundbar.«
33

Künstlerbücher als Unikate produziert Anselm Kiefer seit 1969, dem Beginn seiner
Karriere. Die neuesten sind sehr farbenfroh. Oben: »Ich bin der ich bin« von 2015
nem Bekunden auch nicht. Vielleicht, so
könnte man spekulieren, war seine Form der
stellvertretenden Vergangenheitsbewälti­
gung einfach nicht differenziert genug; wa­
ren die Generationskonflikte, die sich in den
deutschen Nachkriegshaushalten abspielten,
in der Realität komplexer und dramatischer.
Vielleicht auch spielt die nach dem Krieg er­
lernte Furcht vor dem Pathos weiterhin eine
Rolle. In Frankreich, wo es ein starkes Inte­
resse an der deutschen Romantik gibt, ist
­diese Furcht weniger verbreitet. Und für die
Engländer und Amerikaner ist Kiefer ohne­
hin der deutsche Künstler par excellence.
Das Unbehagen der Deutschen blieb da­
gegen selbst dann bestehen, als der Künstler
1981 seine vielleicht wichtigste Werkserie
nach Paul Celans »Todesfuge« begann. Der
für das Gedicht charakteristische Gegensatz
zwischen der blonden »arischen« Margarete
und der schwarzhaarigen jüdischen Sula­
mith wird in den Gemälden durch Stroh und
verkohltes Holz auf Leinwand symbolisiert.
An seiner Trauer über den Holocaust hat Kie­
fer keine Zweifel aufkommen lassen. Auch
deshalb blickt er mit Freude auf das Deutsch­
land der Gegenwart, das sich in der Flücht­
lingskrise zu einer humanitären Haltung
­bekennt. »Man kann zwar nicht wiedergut­
machen, was in der Vergangenheit gesche­
hen ist. Das ist natürlich unmöglich. Aber
die Deutschen haben jetzt diese fantastische
Chance bekommen, die Waagschale zumin­
dest ein bisschen anders hinzurücken.«
Zur Tagespolitik äußert sich Kiefer hin
und wieder, gelegentlich auch provokant. In
seinem Werk jedoch spielt die reale Ge­
A N SE L M K I E F E R
schichte mit ihren zersplitterten Sinnzusam­
menhängen und gelegentlichen irrationalen
Abwegen seit Mitte der Achtzigerjahre nur
noch eine untergeordnete Rolle. Die Be­
schäftigung zunächst mit jüdischer Kabbala
und später mit dem Zen-Buddhismus lenkt
den Blick des Künstlers in Richtung Kosmos.
Aus Titeln wie »Dein und mein Alter und
das Alter der Welt« oder »Sternenfall« weht
der kalte Hauch des Universums, mit dem
Kiefer sich gut arrangieren kann. Zugleich
wird der Mythos das bestimmende Element
seiner Kunst. Uralte Namen erscheinen auf
seinen Bildern: Osiris, der ägyptische Gott
der Unterwelt, und seine Gattin Isis, die
Göttin der Wiedergeburt. Oder Lilith, die
Nachtdämonin, die in den Ruinen lebt.
»Mythen erklären die Welt. Sie stellen noch
eine Einheit in der Welt dar«, sagt Kiefer,
dessen Anspruch auf Welterklärung man
weiter voraussetzen darf. Sein Denken folgt
mittlerweile der makellosen Form eines
Kreises. Kiefer hat einmal behauptet, dass er
sowohl in die Vergangenheit als auch in die
Zukunft sehe. Dort betrachtet er den un­
barmherzigen Zyklus von Entstehen und
Vergehen: Über die Geschichte wird Gras
wachsen, und der Körper des Künstlers
nährt im Selbstbildnis »Die Orden der
Nacht« (1996) riesige schwarze Sonnenblu­
men. In diesem Weitblick liegt auch eine
Stärke: So manches Ruinenbild Kiefers aus
den Neunzigern wirkt angesichts aktueller
globaler Krisen plötzlich wieder ­visionär.
Der französische Kunsthistoriker Dani­
el Arasse hat einmal darauf hingewiesen, dass
das jüdische, messianische Denken der
34
Schlüssel war, mit dem sich Kiefer von der
Verkettung in die eigene deutsche Vergangen­
heit löste. Die jüdische Kabbala hat ihn aber
auch in seiner künstlerischen Arbeitsweise
befreit: »Zim Zum« heißt ein Kiefer-Bild von
1990, nach einem Begriff Isaak Lurias. Dieser
bedeutet, dass sich Gott ein Stück aus sich
selbst zurückziehen muss, um Platz für die
Schöpfung zu schaffen. »Ich ziehe mich als
Künstler auch zurück, wenn ich ein Werk ein
Jahr lang in den Regen hinausstelle. Oder es
in die Elektrolyse gebe und es mal machen
lasse für eine Weile«, sagt Kiefer. Er wolle an­
dere Elemente in die Kunst einbinden. Che­
mie, Physik. »Manchmal lasse ich ein Bild fal­
len«, erklärt der Künstler, der den Angriff von
Experiment und Zufall auf das eigene Ego
nicht fürchtet. »Ein Künstler ist sowieso nur
zu 40 Prozent für sein Werk verantwortlich.
Wir arbeiten alle mit dem Material, das durch
uns hindurchgeht. Ich habe ja die Mytholo­
gie nicht erfunden, zum Beispiel.«
Was gibt es noch zu fragen? Vielleicht,
warum bei einem 70-jährigen Künstler, der
bei der Kritik unter dauerhaftem Schwer­
mutverdacht steht, in jüngster Zeit so viele
Blumenbilder auftauchen. »Ich bin besessen
Bild: Charles Duprat/Anselm Kiefer
von Blumen«, gesteht Kiefer. Überall habe er
sie gepflanzt. In Barjac hatte er Mohnblu­
menfelder, in Paris sind es Rosen. »Aber ich
habe ein schlechtes Gewissen, wenn ich sie
male. Denn Blumen sind affirmativ, nicht
wahr? Deshalb kann man sich nicht rückhalt­
los an ihnen erfreuen.« Also verknüpft er in
seinem Gemälde »Der Morgenthau Plan«
(2014) die blühenden Wiesen mit der unrea­
lisierten Idee des amerikanischen Finanzmi­
nisters Henry Morgenthau (1891–1967),
Deutschland nach dem Zweiten Weltkrieg in
einen Agrarstaat umzuwandeln. Einen Zu­
sammenbruch der Wirtschaft, Hungersnöte,
Millionen Tote hätte das gegeben, so Kiefer.
»Mich interessiert die Ambivalenz von
Schönheit und Terror. Ich habe unlängst
­wieder Baudelaire gelesen, die ›Blumen des
­Bösen‹. Das hat mich sehr fasziniert. Baude­
laires Gedichte sind wahnsinnig farbenfreu­
dig, und gleichzeitig sind sie unheimlich
schwarz.« Und seine eigenen Bilder – fragt
man –, die der vergangenen Jahre? Eine Dun­
kelheit schimmert nach wie vor aus diesen
Leinwänden, aber sind die Bilder nicht auch
sehr farbig, sehr gestisch in ihrem Ausdruck,
irgendwie … sehr malerisch? »Ja, stimmt«,
antwortet Kiefer. Ein ironischer Zug umspielt
jetzt seinen Mund. »Vielleicht gelingt es mir
ja doch noch, ein Maler zu werden.« ×
»Anselm Kiefer«, Centre Pompidou, Paris,
16. Dezember bis 18. April;
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DADA
FOREVER
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2
3

36
 HEA DZEILE

Vor gut hundert Jahren stellte der Dadaismus die Kunstwelt auf den Kopf
und wirkt mit seiner Lust am Banalen und Paradoxen bis heute nach.
Der Urknall geschah in Zürich, wo das Jubiläum vielfältig gefeiert wird

37

F
1 so: »Dada war da, bevor Dada da war.«
Für diesen Abend hatte sich Hugo Ball et-
was Besonderes vorgenommen. Und beson-
ders sollte auch das Kostüm sein, in dem er
vors Publikum treten wollte. »Meine Beine
standen in einem Säulenrund aus blau glän-
zendem Karton, der mir schlank bis zur
Hüfte reichte, sodass ich wie ein Obelisk aus-
sah.« In seinem ein paar Jahre darauf veröf-
fentlichten Tagebuch beschrieb der Dichter,
was danach geschah. Über der Säule, in der
er sich befand, trug er »einen riesigen, aus
Pappe geschnittenen Mantelkragen«, wel-
cher sich durch »Heben und Senken der Ell-
bogen flügelartig bewegen« ließ. Auf dem
Kopf hatte Ball einen hohen, zylinderarti-
gen, blau-weiß gestreiften Schamanenhut.
Auf diese Weise vollständig bewegungsunfä-
hig geworden, mussten ihn Helfer auf die
Bühne tragen. Dann begann er, seine Laut-
gedichte vorzutragen, zum ersten Mal über-
haupt. Weltpremiere, sozusagen.
38
Eines davon ging so: »gadji beri bimba/
Bilder vorherige Doppelseite: Bibliotheque Historique de la Ville de Paris, France/Archives Charmet/Bridgeman Images/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Landesmuseum Zürich/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Berlinische Galerie, erworben aus Mitteln der Stiftung DKLB,
glandridi lauli lonni cadori/gadjama bim
beri glassala/glandridi glassala tuffm i zim-
brabim/blassa galassasa tuffm i zimbra-
Berlin/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Hugo Ball/Photo PVDE/Bridgeman Images; akg-images; arp museum/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; bpk/CNAK-MNAM/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Bild links: Bridgeman Images/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
brim«. Ball hatte sich fest vorgenommen,
während des Vortrags auf jeden Fall ernst
zu bleiben. Und wie er also mit leiernder,
tonloser Stimme seine seltsamen, noch nie
von einem Menschen gehörten Worte
sprach, ergriff ihn eine Epiphanie: »Einen
Moment lang schien mir, als tauche in mei-
ner kubistischen Maske ein bleiches, ver-
störtes Jungensgesicht auf, jenes halb er-
schrockene, halb neugierige Gesicht eines
zehnjährigen Knaben, der in den Toten-
messen und Hochämtern seiner Heimat-
pfarrei zitternd und gierig am Munde der
Priester hängt.« Anschließend erlosch, wie
er es angeordnet hatte, das Licht, und Ball,
der magische Bischof, wurde schweißgeba-
det von der Bühne transportiert.
Was sich an jenem Abend im Juli des
Jahres 1916 im Cabaret Voltaire abspielte,
war künstlerisch gesehen eine Art Urknall:
Von da an war nichts mehr wie zuvor. Und
so kam es, dass ein kleines Lokal in einer
unscheinbaren Gasse der Altstadt von Zü-
rich zum Epizentrum der Kunst des 20.
Jahrhunderts wurde. Die Schallwellen sind
noch immer deutlich vernehmbar, sie lau-
fen in Endlosschleifen um den Erdball. Ein
kühner Plan, gefasst von einer Handvoll
Frauen und Männer, die vor dem Ersten
Weltkrieg in die neutrale Schweiz geflohen
waren, ist hundert Jahre später Wirklich-
keit geworden: Dada ist überall.
Der Bildhauer Hans Arp, auch er ein
Dadaist der ersten Stunde, formulierte es
Dada war kein Stil, sondern eine Geisteshal-
tung: Opposition als Notwendigkeit, Wi-
derstand mit Witz. Von allen Revolutionen,
die Künstler seit dem Impressionismus in
Europa angezettelt haben, war Dada die ra-
dikalste, umfassendste. Ein Frontalangriff
auf das spätkaiserzeitliche Wertesystem,
das in seinem morbiden Wahn gerade dabei
war, Millionen junger Menschen in den si-
Vorige Doppelseite: Wie alles begann:
1 Von Hans Arp gestaltete Dada-Broschü-
re, 1916 2 Marcel Duchamps »Fountain«,
1917 3 George-Grosz-Aquarell »Daum
marries her pedantic automaton George
in May 1920. Johan Heartfield is very glad
of it«, 1920 4 Performance von Hugo Ball
im Zürcher Cabaret Voltaire, 1916 5 Pro-
gramm des »1. Dada-Abends« 1916 in Zü-
rich 6 Erste Dada-Schau in der Zürcher
Galerie Corray 1917 7 »Mechanischer
Kopf« von Raoul Hausmann, um 1919/20

cheren Tod zu schicken. »Der Dadaist liebt
das Außergewöhnliche, ja das Absurde«,
schrieb Hugo Ball kurz vor dem denkwür-
digen Auftritt im Cabaret Voltaire in sein
Tagebuch – aber erwies sich die Realität des
Ersten Weltkrieges als nicht noch um eini-
ges absurder? Dada war eine Form von in-
tellektueller Notwehr, angesichts des allge-
mein herrschenden Irrsinns, der selbst
empfindsame Zeitgenossen wie die Maler
Bilder: akg-images/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Christie’s Images Ltd./VG Bild-Kunst, Bonn 2015; bpk/Sprengel Museum Hannover/Michael Herling/Aline Gwose; Bielefelder Kunstverein
August Macke und Franz Marc zu begeis-
terten Soldaten machte. »Was wir zelebrie-
ren«, so der gebürtige Pirmasenser Hugo
Ball und zweifellos der größte Künstler,
den die Pfalz jemals hervorgebracht hat,
»ist eine Buffonade und eine Totenmesse
zugleich.«
Angeblich, so heißt es, sei Dada eine
Antikunst-Bewegung gewesen. Nichts
könnte falscher sein. Dada war der Jung-
brunnen der Kunst. Die Dadaisten versorg-
ten sich und alle, die nach ihnen kamen,
mit einem ganzen Arsenal an neuen Aus-
drucksformen. Sie prägen das künstlerische
Geschehen bis heute: Alltagsfotos und Illus-
trationen aus der Werbung, banale Haus-
haltsgegenstände als Readymades und thea-
tralische Performances, die Kombination
von Text und Bild und, wie man an Hugo
Ball sehen konnte, auch das Alphabet als
solches. Mit einem Mal war buchstäblich
alles möglich. Zürich, wo es deshalb im
nächsten Jahr zum hundertsten Jubiläum
zahlreiche Ausstellungen, Vortragsveran-
staltungen und sonstige Feierlichkeiten ge-
ben wird, war die Keimzelle einer monu-
mentalen Ausweitung der Kunstzone,
sowohl ideell als auch geografisch.
10 0 J A H R E DA DA
2
Dada und die Folgen: 1 Hannah Höchs
Collage »Da-Dandy«, 1919 2 Koloriertes
Foto der »1. Internationalen Dada-
Messe« 1920 in Berlin, mit u.a. Hannah
Höch (sitzend), Raoul Hausmann
(rot) und George Grosz (hellblau) 3 Bei
ihrer Performance »Lips of Thomas«
von 1975 ritzte sich Marina Abramović
ein Pentagramm in den Bauch. Eine
Fotografie davon erzielte bei Christie’s
2014 87 581 Euro (inkl. Aufgeld)
4 Streichholzschachtel von Dieter Roth,
1968 5 Konkrete Poesie: Eugen Gom- 5
ringer, »ping pong (visuelle Konstella-
tionen 1951–1968)
Denn schon bald breitete sich die Bewe-
gung aus, infizierte wie ein heilsames
Virus immer mehr unabhängige Geister,
in Berlin und New York, in Paris, Köln
und Hannover. Die Berlinische Galerie be-
sitzt einen der weltweit größten Bestände
an Dada-Werken. Dort bereitet man der-
zeit eine Schau vor, die den Einfluss von
Dada auf Künstler aus afrikanischen Län-
dern beleuchten wird. »Dada«, sagt Ralf
Burmeister, Kurator der Ausstellung, »ver-
stand sich selbst als ›weltwirksam‹ und es
gab Bemühungen, einen dadaistischen
Weltatlas zu veröffentlichen, den soge-
nannten ›Dadaglobe‹.«
3 Die Dadaisten machten Kunst,
wie man sie noch nie gesehen
hatte: Skulpturen aus Puppen-
köpfen, Reliefs von Bau-
klötzchen, Bilder mit
Buchstaben drauf, die
aussahen wie anonyme
Erpresserbriefe. Die Berli-
nerin Hannah Höch er-
fand die Collage, indem
sie Fotos aus diversen Zeitun-
gen ausschnitt und zusammen auf
4 ein Blatt Papier klebte. Auf den ersten Blick

stimmt dort nichts mehr: keine Perspektive,
keine Proportionen, und die Botschaften,
die man da zu lesen bekam, waren auch
recht merkwürdig: »Gegen feuchte Füsse«,
stand auf einer, »Schatzkammer des deut-
schen Gemüts entleert«.
George Grosz porträtierte in seinen
Werken die gesellschaftliche Mischpoke aus
Kriegsgewinnlern, Prostituierten und ordi-
nären Verbrechern grotesk verzerrt und
derart ins Karikaturhafte gewendet, dass
diese Gemälde keiner vergisst, der ihnen
einmal gegenüberstand. Jenseits des Atlan-
tiks, in New York, wärmte sich Marcel Du-
champ derweil an der Idee, ein Pissbecken
in einer Galerie als Kunst ausstellen zu kön-
nen. Er ersetzte die Theorie durch die Pra-
xis, und nahm so nicht nur die Concept Art
vorweg, sondern schuf mit dem »Fountain«
des imaginären Künstlers R. Mutt eines der
wirkungsmächtigsten Kunstwerke des
zwanzigsten Jahrhunderts (wobei R. für Ri-
chard stand). Zum ersten Mal in der Ge-
schichte der Kunst wurden das charmant
Spinnerte, der Humor, die Kritik und der
Unsinn zu scharfen Waffen. »Dada«, sagt
der Kurator Burmeister, »war konstruktive
Destruktion.«
Es sollte eine Weile dauern, bis die Da-
daisten Teil des allgemein gültigen Kanons
wurden. In Deutschland fand die erste Re-
trospektive gut vierzig Jahre nach Grün-
HEA DZEILE
1
1 Videoinstallation »Der magische Krug«
von John Bock, 2013 2 Richard Hamiltons
Pop-Art-Collage »Just what is ist that
makes today’s homes so different, so
appealing?«, 1956 3 Seite aus »Der
DaDa«, hrsg. von Raoul Hausmann, Berlin,
1919 4 »Konkretes Relief« von Hans Arp,
1916/17 5 Die Kunsterneuerer Hans Arp,
Tristan Tzara und Hans Richter vor dem
Hotel Elite 1918 in Zürich
2
40
dung des Cabaret Voltaire statt, 1958 in Düs-
seldorf. In den USA war man etwas fixer.
Dort widmete Alfred H. Barr den Dadais-
ten bereits zwanzig Jahre früher die große
Ausstellung »Fantastic Art, Dada and Sur-
realism«. Mittlerweile sind die Arbeiten der
Bilder: Martin Schlecht/John Bock/Courtesy Sprüth Magers; Kunsthalle Tübingen/Bridgeman Images/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
Dadaisten in den renommiertesten Museen
Europas und Amerikas zu sehen, in der
Tate Gallery in London ebenso wie im Cen-
tre Pompidou in Paris und dem New Yor-
ker Museum of Modern Art. Doch fast
noch eindrucksvoller ist die Liste derjeni-
gen Künstlerinnen und Künstler, die von
Dada bewusst oder unbewusst geprägt wur-
den. Die Surrealisten aus dem Kreis um An-
dré Breton in Paris hielten dem Vernehmen
nach nicht viel von den Dadaisten, trotz-
dem ist ihre Kunst ohne sie undenkbar.
Das Gleiche gilt für die Pop-Art: Ri-
chard Hamiltons berühmte Collage »Just
what is it that makes today’s homes so dif-
ferent, so appealing?«, in der die drei magi-
schen namensgebenden Buchstaben »Pop«
vorkommen, ist purer Dadaismus. Genauso
Andy Warhol: Er fand erst zu seinem eige-
nen Stil, als er Dada-Prinzipien beherzigte
und sich den vermeintlich banalen Dingen
zuwendete, Siebdrucken von Geldscheinen
etwa oder von Fotos aus Illustrierten.
Zum ersten Mal in der
Geschichte der Kunst wurden
das charmant Spinnerte,
der Humor, die Kritik und der
Unsinn zu scharfen Waffen.

Bilder: bpk/ Staatsbibliothek zu Berlin/Ruth Schacht/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Jörg P. Anders/bpk/Nationalgalerie, SMB, Verein der Freunde der Nationalgalerie/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Stiftung Arp e.V. Rolandswerth/Berlin/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
3 ZÜRICH
Die Fluxus-Bewegung, die Aktionen von
Joseph Beuys, die Material-Assemblagen
und Plastiken aus Schokolade von Dieter
Roth oder die Performances von Marina
AbramoviĆ – sie alle sind nicht vorstellbar
ohne Dada. Auch ein Künstler wie Jeff
Koons verdankt Hugo Ball und Marcel Du-
champ mehr, als er wohl einzugestehen be-
reit wäre. Doch die Staubsauger und Bas-
ketbälle in Vitrinen, mit denen der aktuelle
King of Kunstmarkt vor rund dreißig Jah-
ren bekannt wurde, sind reine, originäre
Readymades im Duchamp’schen Sinn.
Ähnlich verhält es sich mit den groß-
artigen, verrückten Filmen und Installatio-
nen des deutschen Künstlers John Bock: Sie
wirken, als sei ihr Urheber als Jugendlicher
in Schleswig-Holstein auf ein Dada-Gym-
nasium gegangen. Und wie immer, wenn
der Mainstream die Avantgarde schluckt,
sind auch im Fall von Dada die Tragödien
der Vereinfachung, der Abstumpfung und
Sinnentleerung nicht weit. Aufmerksam-
keits-Junkies und Selbstdarsteller wie die
Pop-Sängerin Stefani Joanne Angelina Ger-
manotta alias Lady Gaga hätte in ihrem
Aufzug gut ins Cabaret Voltaire gepasst.
Vielleicht hätte Hugo Ball auch sie in einen
blau glänzenden Obelisken verwandelt. Es
hätte sich sicher jemanden gefunden, der
sie auf die Bühne trägt. × Bahnhof Rolandseck, 14. Februar bis 5. Juni
10 0 J A H R E DA DA
100 Jahre Dada
Ein bislang nie publiziertes Buchprojekt
Tristan Tzaras, mit Text- und Kunstbeiträgen
von u. a. Hans Arp, André Breton, Max Ernst.
»Dadaglobe Reconstructed«, Kunsthaus Zürich,
5. Februar bis 1. Mai
In Zusammenarbeit mit dem MoMA New
York widmet man sich dem eklektischen
Werk des großen Provokateurs Picabia.
»Francis Picabia. Eine Retrospektive«, Kunsthaus
Zürich, 3. Juni bis 25. September
Die Atmosphäre des Jahres 1916 wird mit
Filmen, Fotos, Kunstwerken und digitalen
Medien sinnlich erfahrbar gemacht.
»Dada Universal«, Landesmuseum Zürich,
6. Februar bis 29. März
ANCONA
In Kooperation mit dem Staatlichen
Museum Schwerin sind Werke von
Duchamp und der Fluxus-Kunst zu sehen.
»Marcel Duchamps Dada und Neodada«, Museo
Comunale d’Arte Moderna, 27. März bis 26. Juni
BERLIN
Die Schau dokumentiert gemeinsam mit
dem Museum Rietberg Zürich den
5 Einfluss afrikanischer Kunst auf Dada.
Berlinische Galerie, »Dada Afrika«, 4. August bis
7. November
REMAGEN
Die Geschichte der beiden Keimzellen des
Dada, des Cabaret Voltaire und der Galerie
Dada in Zürich, steht hier im Fokus.
»Genese Dada. 100 Jahre Dada«, Arp Museum
41
HEA DZEILE

42
 A SI E N I N A M S T E R DA M

Gute Geschäfte
Der Handel mit asiatischen Luxusgütern machte Amsterdam im
Bild links: Collectie Stedelijk Museum Alkmaar; Bilder rechts: Peabody Essex Museum, Salem, USA; Rijksmuseum, Amsterdam, on loan from the Koninklijk Oudhheidkundig Genootschap

17. Jahrhundert zur reichsten Stadt der Welt. Das Rijksmuseum zeigt,
wie die Schätze aus Fernost die Kultur Europas beeinflussten

VON
T HOM A S E . S C H M I D T

D
Der Mann ist ein echter Aufsteiger, aus be-
scheidenen Verhältnissen stammend und
nicht dafür ausersehen, im seidenen Anzug
Ungefähr als Geleynssen de Jongh geboren
wird, entwinden sich die Niederländer nach
einem langen Krieg der spanischen Herr-
zu posieren. Mit 19 trat er in das Unterneh- schaft. Sie sind nun frei, eine Republik eher
men ein und arbeitete sich bis ins oberste wider Willen, ein kleines Land ohne Verbün-
Management empor. Das hieß 35 Jahre Asien, dete. Die einzige Chance, die sie besitzen,
auf Borneo, in den Molukken, in Indien, als liegt auf See. Und weil die bisherigen Herren
»Chefhändler« in der Zentrale Batavia und der Meere, die Portugiesen, gerade in schlech-
in Persien, wo er für die Firma sogar einmal
eine Seeschlacht ausfocht. So rosig und glän-
zend Wollebrand Geleynssen de Jongh sich
im Jahr 1674 auch malen ließ, damals zurück-
gekehrt nach Holland in einen wohlha-
benden Ruhestand – so sehr ist sein
Gesicht doch auch dasjenige der
Vereinigten Ostindischen Com-
pagnie (VOC), der ersten Welt-
macht im Zeichen der guten
Geschäfte: nicht unbedingt
schön, ein genussfähiger,
gelegentlich auch gut ge-
launter Kerl. Nur anlegen
möchte man sich mit ihm
nicht. Wenn es ums Ha-
benwollen geht, versteht
er keinen Spaß.

Blau-weiß nach chinesischem

Vorbild: Pyramidenvase aus
Delft, Fayence, um 1690. Die
Lackschale mit sehr feiner Malerei
stammt aus Japan, um 1650.
Li.: Wollebrand Geleynssen de Jongh,
Topmanager der Ostindien-Kompagnie,
gemalt von Caesar van Everdingen, 1674

43

ter Verfassung sind, segeln die Niederländer
los, vor allem in Richtung Osten. Zimperlich
sind sie nirgends, wo sie vor Anker gehen.
Ihre 1602 gegründete Ostindische Handels-
gesellschaft macht sich in Windeseile dort
breit, wo später auch Geleynssen de Jongh
auftauchen wird, beinahe überall zwischen
dem heutigen Iran und der australischen
Nordküste. Die VOC steht für die wohl größ-
te wirtschaftliche Erfolgsgeschichte des 17.
Jahrhunderts. Sie handelt mit Gewürzen,
Perlen, Diamanten und Sklaven, mit Roh-
stoffen und Luxusgütern aller Art. Amster-
dam wird binnen weniger Jahre zur reichs-
ten Stadt der Welt; darüber staunen selbst die
Niederländer. Später werden sie das ihr »Gol-
denes Zeitalter« nennen.
Das Rijksmuseum in Amsterdam zeigt
nun in einer wahrhaft die Sinne betörenden
Ausstellung die größten, feinsten, seltensten
44
Schätze aus jener Zeit des großen Luxus, so-
fern sie damals aus Asien eingeführt wur-
den. Elfenbeinschnitzereien aus Ceylon
sind zu bewundern, Lackkabinette aus Japan,
Brokate aus Guangzhou, Möbel von der Ko-
romandelküste und Gold aus Goa. Womit
die feinen Häuser an der Herrengracht aus-
gestattet wurden, hier ist es: Perlmuttarbei-
Bilder: Rijksmuseum, Amsterdam (2)
ten aus Gujarat, Waffen aus Vietnam, Süd-
seeschneckengehäuse sowie Gemälde mit
exotischen Ansichten und Landkarten. Und
selbstverständlich ist auch das blau-weiße
Porzellan zu sehen, das auf den Stillleben je-
ner Zeit so faszinierend schimmert, auf den
Bildern von Pieter oder Willem Claesz., Jan
Treck, Frans Snijders – und jenen des unver-
gleichlichen Willem Kalf.
Was hier dokumentiert wird, sind die
Zeugnisse einer ersten Globalisierung. Por-
tugiesen und Spanier vor ihnen, danach Bri-
ten und Franzosen, vor allem aber die Nie-
derländer jener Epoche waren es, die in
jeden Winkel der Welt vordrangen und den
Globus mithilfe von Handelsbeziehungen
erschlossen. Marktwirtschaft einte die Welt
schon im 17. Jahrhundert. Doch nicht nur in
schnödem Reichtum bestand die Frucht all
jener riskanten Unternehmungen, sondern
 sollte diese Offenheit sich als »Chinoiserie«
oder »Japonismus« niederschlagen, Strömun-
gen, die bis weit ins 20. Jahrhundert wirkten.
Am Ursprung dieses Phänomens stand
in der Tat die VOC. Zuvor waren die Schätze
Asiens vornehmlich den Höfen vorbehalten,
Mitbringsel für Königinnen und ihre gieri-
gen Gatten, Geschenke für die gekrönte Ver-
wandtschaft oder nützliche Kirchenfürsten.
Die Republikaner aus den nördlichen Nie-
derlanden verfolgten jedoch andere Ziele:
Sie entwickelten für Luxusgüter die dazuge-
hörigen Märkte, sie nahmen das große Ge-
schäft ins Visier. Sie machten das Exotische
käuflich, handelten mit den Spitzenstücken
des asiatischen Kunsthandwerks, importier-
ten Behältnisse aus Elfenbein, lackierte Tru-
hen und Schränke, bis dahin vollkommen
unbekanntes mehrfarbiges Kakiemon-Por-
zellan aus Japan oder feinste Seidenstoffe aus
China oder Indien. In Amsterdam wie in Ba-
tavia, dem heutigen Jakarta in Indonesien,
wo die VOC ihr Hauptquartier aufgeschla-
gen hatte, markierte man mit solchen Prezio-
sen seinen gesellschaftlichen Status. Gezielt

Rückkehr der zweiten Ostindienexpedition

nach Amsterdam 1599, Gemälde von
Hendrik Cornelsz. Vroom. Re. japanischer
Kabinettschrank mit Flächen aus
Rochenhaut und feiner Lackmalerei.
Li. Fayenceplatte aus Delft mit detail­-
reicher Chinoiserie-Malerei, um 1670/90
Bild: Peabody Essex Museum, Salem, USA

auch in Kunstwerken. Die Ausstellung führt

vor, wie sich die materielle Kultur Europas
verwandelte unter dem Eindruck dieser exo-
tischen, so begehrenswert glitzernden und
zerbrechlichen Gegenstände, von denen
man oft nicht einmal wusste, aus was sie be-
standen, geschweige denn, wie sie bearbeitet
worden waren.
Ein Stilwandel erfasste daraufhin so
manches künstlerische Genre des alten Kon-
tinents, und auch das Kunsthandwerk erhielt
einen kräftigen Schub. In Delft etwa wurden
massenweise blau-weiße Fayencen produ-
ziert, die dem begehrten Porzellan aus Ost-
asien ähnelten. Die Malerwerkstätten boom-
ten, ebenso die Teppichwirkereien und
Tischlereien. Neue Motive wurden nachge-
fragt, eine exotische Ornamentsprache galt
nun als elegant. Die Neugier gegenüber
Asien entwickelte sich seither stetig. Später

45

wurden solche Stücke auch in der Handels-
diplomatie eingesetzt, als Bestechungsge-
schenke für Lizenzen und Ankerplätze.
Doch die wirklich geniale Idee der
Niederländer bestand darin, breiten
Bevölkerungsgruppen Zugang zum
Luxus zu verschaffen. Porzellan bei-
spielsweise kauften sie in riesigen
Mengen ein, meist wenig quali-
tätsvolle, sogenannte »Kraak«-Wa-
re aus China oder deren japani-
sche Nachahmungen. In den
Städten der Republik blühte der
Kunsthandel auf, jedermann woll-
te mit Tässchen und Tellerchen
spekulieren. Das Angebot ließ die
Preise bald sinken. So schön wie auf
den »Pronk«-Stillleben Willem Kalfs
ist Kraak-Porzellan nie wieder gewesen,
wo es, Austern, Zitronen oder Pfeffer prä-
sentierend, auf edle persische Teppiche dra-
piert wird und im Lichte eines magischen
Sonnenstrahls funkelt. Beinahe jede hollän-
dische Familie besitzt noch heute chinesi-
sches oder japanisches Exportgeschirr aus
dieser Zeit; die Auktionshäuser im Land bie-
ten es bis heute in großen Mengen an.
Die eigentliche Entdeckung dieser Aus-
stellung besteht jedoch in etwas anderem:
Versammelt sind japanische Lackobjekte aus
der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts in einer
Qualität, wie man sie nur selten zu sehen be-
kommt. Vor allem Kabinettschränke und
Truhen geben von den komplizierten und
aufwändigen Techniken der japanischen
Lackkünstler Zeugnis, und zwar in höchster
Vollendung. Solche Meisterwerke waren
auch damals sündhaft teuer, und die VOC
A SI E N I N A M S T E R DA M
Selten und begehrt: japanische Porzellan-
teller aus Arita mit Kakiemon-Dekor, hier
ein Exemplar von 1670/90. In Meissen und
anderen europäischen Manufakturen griff
man später diese Muster vielfach auf.
Unten: Die japanische Truhe von 1635/45
ist eines der bedeutendsten Lackobjekte
im Besitz des Rijksmuseums. Solche
Objekte waren so teuer, dass sie sich in
Europa kaum jemand leisten konnte
46
stellte schon 1614 den Handel mit ihnen ein,
weil sich in Europa einfach keine potenten
Abnehmer finden ließen. Zwanzig Jahre
später wurden japanische Lacke dann
versuchsweise erneut eingeführt: In-
zwischen streiften die Emissäre der
Bilder links: Rijksmuseum, Amsterdam, B. Westendorp-Osieck Bequest, Amsterdam; Rijksmuseum, Amsterdam; Bilder rechts: Rijksmuseum, Amsterdam (2)
europäischen Fürstenhäuser durch
die Amsterdamer Luxusläden, und
viele dieser wundervoll dekorier-
ten und doch schlichten Möbel
wanderten nach Frankreich. Eine
der schönsten Truhen stammt aus
dem Besitz von Kardinal Mazarin,
dem Chefminister Ludwigs XIV.
Im Jahr 1693 war dann endgültig
Schluss mit dem Lackhandel. Zu
klein der Kreis der Reichen, der sich
so etwas leisten konnten. Viele Lack-
arbeiten in dieser Ausstellung sind Leih-
gaben, aus Schweden, den USA, aus Russ-
land oder Großbritannien. Nur wenige
Museen können sich glücklich schätzen, eine
von ihnen zu besitzen.
Für den heutigen Betrachter wirkt der
auf den niederländischen Stillleben ausge-
stellte Prunk manchmal aufdringlich, fast
geschmacklos. Er lässt auf Gier, Eitelkeit,
großen Hunger und Durst schließen, so bril-
lant die Malerei auch ist. Für ein republika-
nisches und calvinistisches Publikum muss-
te der Luxus damals ein moralisches Problem
darstellen, denn feudale Pracht war zu Zei-
ten des Krieges gegen Spanien ebenso ver-
pönt wie ein »katholisches« Wohlleben. Der
Sinneswandel trat jedoch in wenigen Jahren
ein, denn mit dem neuen Handelsreichtum
kamen sehr rasch auch die Luxusgüter ins
Land. Und wenn dem Protestanten der ge-

schäftliche Erfolg als Zeichen sei­
ner Auserwähltheit galt, als legiti­
mer Lohn für ein gottgefälliges
Leben, so war in dieser Ausnahme­
situation des schnellen Geldes der
Luxus gleich mit geadelt.
Es gab kein Zögern, keine dezen­
ten Vorbehalte, weder unter Bürgern
noch unter Künstlern. Das Neue, Teure und
Fremdländische wurde vom ersten Tag an
umarmt und ins eigene Leben eingefügt.
Rembrandt beispielsweise besaß ein ganzes
Album wertvoller Porträtminiaturen aus In­
dien. Ganz selbstverständlich radierte er die
exotischen Physiognomien nach und fügte sie
als Motive in seine Gemälde ein. Ein paar die­
ser Übungsblätter sind in der Schau zu sehen.
Vergleicht man Original und Nachahmung
dieser kleinen Kostbarkeiten, geht der Punkt
allerdings an die Kollegen der Mogulzeit.
Wenn man so will, weichten die Sitten
zuerst in Batavia auf. Dort, fern jeder Kon­
trolle und den Augen der Tugendwächter ent­
zogen, leisteten sich die Handelsherren einen
fürstlichen Lebensstil. Auch waren Heiraten
mit asiatischen Partnerinnen gang und gäbe.
47
Willem Kalf, Stillleben mit chinesischem
Porzellan, Nautiluspokal und Früchten,
1662. Unten: silberner Behälter in Schiffs-
form für kostbare Gewürze aus Fernost
Solange der Glaube christlich war und ein je­
der wusste, wo er gesellschaftlich hingehörte,
war so manches gestattet. Aufschlussreich in
diesem Zusammenhang ist das Porträt des
Pieter Cnoll und seiner Frau Cornelia van
Nijenrode samt Töchtern und malaiischen
Sklaven. Auch Cnoll war »Chefkaufmann«
in Batavia, Cornelia die Tochter des VOC-
Statthalters in Hirado in Japan – und dessen
japanischer Kurtisane. Die Familie war Ober­
schicht, sie strotzte vor Standesbewusstsein,
ihre verzwickte Herkunft war trotzdem kein
Makel. Asiatische Ehefrauen, vorausgesetzt
christlich erzogen, wurden nicht versteckt.
Im Gegenteil, viele von ihnen führten nach
dem Tod ihrer Männer den Handel fort und
wurden als Geschäftsfrauen anerkannt. Man
darf das Leben im Batavia jener Jahre nicht
idealisieren, es war gewiss keine demokrati­
sche multikulturelle Gesellschaft. Aber vieles
wurde weniger eng gesehen, und überaus
pragmatisch richtete man sein Dasein auf die
Bedingungen vor Ort ein.
Das Rijksmuseum präsentiert mit
»Asien in Amsterdam« eine Kunstausstel­
lung. Sie ist kein Beitrag zur Kolonialge­
schichte; in Deutschland wäre eine solche
unbefangene Schau des Schönen wohl kaum
möglich, zu stark der Druck, sich mit der ei­
genen Vergangenheit auseinandersetzen zu
müssen. Über die finsteren Seiten der VOC,
das Kolonial­regime in Indonesien, die Aus­
beutung, die militärische Gewalt, den Skla­
venhandel, kann man sich in Amsterdam an­
deren Ortes informieren. Richtig ist jedoch
auch, dass die Kolonialgeschichte der Nieder­
lande keine Geschichte der Genozide ist.
Diese Ausstellung will vor allem an die
erste wirtschaftliche Globalisierung erin­
nern und an die gewaltige kulturelle Verän­
derungskraft, die von ihr ausging. Wolle­
brand Geleynssen de Jongh, der Held einer
vergessenen Seeschlacht bei Qeshm, posiert
ganz selbstverständlich inmitten teurer Stof­
fe und Teppiche aus den Kolonien. Völlig un­
befangen lässt er schwarze Sklaven den Son­
nenschirm über ihm halten, während doch
seine Republik die Sklaverei streng verboten
hatte. So treffen die Kultur und das histori­
sche Unrecht in diesem Bild aufeinander,
ohne dass die Zeitgenossen daran Anstoß ge­
nommen hätten. Die Kunstgeschichte ist im­
mer auch das Vergessen all der Schrecknisse,
deren Zeugin sie war. ×
»Asien in Amsterdam. Luxus im Goldenen Zeit­
alter«, Rijksmuseum, Amsterdam, bis 17. Januar
 Die Lust der Erkenntnis
Meisterwerke aus fünf Jahrhunderten: Im Berliner Martin-Gropius-Bau
macht die Sammlung Würth Kunstgeschichte auf individuelle Art anschaulich

VON
CHR ISTI A N E M EI X N ER
Bild links: Max Beckmann/Sammlung Würth/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Bild rechts: Christo und Jeanne-Claude/Sammlung Würth

Christo und Jeanne-Claude widmeten »Wrapped Magazines« (2000) ihrem Förderer

und Sammler Reinhold Würth. Links: Max Beckmann hat seine zweite Frau Mathilde ­
unzählige Male porträtiert – hier als »Quappi in Blau im Boot« (1926/1950).

49
 E
Ein Kuss sollte es werden, doch wie alle Mo-
tive im »Lebensfries« von Edvard Munch ge-
riet die Szene etwas unheimlich und intensiv.
Eine Frau mit flammend rotem Haar beugt
sich über den gekrümmten Oberkörper eines
Mannes. Eine Geste, die schnell dominant
wirkt und im Symbolismus des späten 19.
Jahrhunderts, dem Munch trotz seiner Vor-
reiterrolle für die Expressionisten tief ver-
bunden war, meist den weiblichen Dämon
verriet. So hatte das Gemälde im Freundes-
kreis des Künstlers schnell seinen Titel weg:
»Vampir«. Munch kapitulierte daraufhin und
nahm Abstand von der ursprünglichen Idee,
das Bild »Liebe und Schmerz« zu nennen.
Dennoch betonte er auch später, es zeige
nichts anderes als ein küssendes Paar.
Das Düstere jener Szene, ihre Phantas-
magorie, ist ein eher ungewöhnliches Motiv
in der Sammlung von Reinhold Würth. Als
Bild aber illustriert es wunderbar das Ver-
hältnis des Unternehmers aus Künzelsau zur
Kunst: Sie hat ihn umarmt, gepackt und
nicht wieder losgelassen. Die Frau mit dem
roten Schopf betört nicht bloß in der großen
Ausstellung »Von Hockney bis Holbein. Die
Sammlung Würth in Berlin« im Martin-Gro-
pius-Bau. Sie verkörpert auch jene Macht, die
Würth stets aufs Neue anstiftet und zu einem
der größten europäischen Sammler gemacht
hat, der seinen kulturellen Kosmos immer
noch weiter ausdehnt.
15 Museen zählt Würths Kunstimperi-
um inzwischen, weil mit nahezu jeder neuen
europäischen Niederlassung des Unterneh-
mens ein neuer Ort für die 17 000 Werke um-
fassende Kollektion entstanden ist. Andere
Stücke zirkulieren weltweit durch Museen.
So wie nun jene 400 Werke in Berlin, die
vom späten Mittelalter bis in die unmittelba-
re Gegenwart reichen. Zusammen erzählen
sie die Geschichte von Malerei und Skulptur
allerdings rückwärts, das deutet sich schon
1
im Titel an, der Holbeins großartige »Schutz-

50
 2

mantelmadonna« als eines der wichtigsten

Tafelbilder des 16. Jahrhunderts und wert-
vollsten Besitz des Sammlers ans Ende stellt.
Den Anfang macht David Hockney, auch in
den Ausstellungsräumen, wo sich die vier
Großformate seiner Serie »Three Trees near
Thixendale« aus dem Jahr 2008 gegenüber-
hängen: ein Jahr im Zyklus der Natur, die die
drei Bäume entlaubt, mit Schnee umfängt
und schließlich erneut sprießen lässt.
Das Thema ist klar und offenbart sich
dank der figürlichen Sprache des britischen
Malers schnell. Ganz anders die gestischen,
pastosen Kompositionen eines Walter Stöh-
rer und die Collagen von Eduardo Paolozzi,
der Zeitungsbilder mit Werbeprospekten in
seiner »Bunk«-Serie zu wilden Alltagsszenen
vermengt. Oder die strikte Geometrie eines
Max Bill, der in Berlin ebenso mit großen,
konkreten Granitskulpturen wie feinsten
Farblinien auf weißer Leinwand vertreten ist:
Reinhold Würth lässt wenig Zweifel daran,
dass er sich die abstrakten Tendenzen der
Kunst sukzessive erschließen musste. Die
Ausstellung bildet diesen Weg ab, indem sie
erzählt, wie ein Mann der Zahlen und Bilan-
zen zu einzelnen Künstlern gefunden hat.
Auch die alten Meister, die heute mit
Lucas Cranach d. Ä., Hans von Kulmbach,
Tilman Riemenschneider oder Hans Hol-
bein d. J. gut vertreten sind, entdeckte der
Unternehmer vergleichsweise spät für sich.
Die Tür zur Kunst haben ihm Zeitgenossen,
anfangs aus seiner Heimatregion, geöffnet.
Aus der Beschäftigung mit ihrem Werk resul-
tierte die Neugier auf die großen Entwick-
lungslinien der Moderne. Die Frage danach,
wer Maßgebliches geleistet hat. So rückten
jene Künstler der Avantgarde in den Blick-
3 punkt, die heute zu den Glanzlichtern der
Sammlung zählen: Picasso, Max Ernst, Joan
Miró, Lucio Fontana, Eduardo Chillida,
Ernst Ludwig Kirchner oder Georges Braque.
Gern erzählt Würth von seinem ersten spek-
takulären Kauf: Wie er 1972 mit seiner Frau
Carmen am Luganer See war, eine Galerie in
der Nähe besuchte und dort von Emil Noldes
Aquarell »Wolkenspiegelung in der Marsch«
so fasziniert war, dass er es unbedingt besit-

Die Sammlung Würth war stets offen für we-

niger bekannte Künstler, zugleich ist der Ka-
non der Moderne mit einer Fülle von Werken
präsent: 1 Pablo Picasso, »Venus und Ar-
5 mor«, 1968 2 Max Liebermann, »Jungen
nach dem Bade«, 1903 3 Edvard Munch,
»Vampir«, 1917 4 Sonia Delaunay,
»Rythme coloré«, 1954 5 Henry
4 Moore, »Large Interior Form«, 1982

51

zen wollte. Für eine Summe, die ihn an-
schließend zweifeln ließ. Heute weiß er, wie
richtig die Entscheidung war, schon weil
Blätter dieser Qualität immer wertvoller ge-
worden sind – sagt Würth. Den Kaufmann
blendet er nie aus, und so wird auch die
Schau zweimal von Räumen unterbrochen,
in denen unter anderem Firmengeschichte
das Thema ist.
Diese Einladung zum Abschweifen
kann man annehmen oder ignorieren und
sich weiter der Kunst widmen. Den beiden
Gemälden zum Beispiel, in denen man
Victor Vasarely völlig abseits seiner Op-Art-
Bilder als Maler amorpher Formen begegnet,
die ihn Anfang der Fünzigerjahre beschäftig-
ten. Man kann sich der monumentalen
Skulptur »Large Interior Form« von Henry
Moore oder Picassos Gemälde »Venus und
Armor« zuwenden, das ein altes Sujet auf-
greift und zugleich als Selbstbildnis fungiert.
David Hockneys Herbstlandschaft der Se-
rie »Three Trees near Thixendale« von
Bilder vorherige Seite: Pablo Picasso/Sammlung Würth/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Sammlung Würth (4); Bilder diese Seite: Sammlung Würth (2)
2008. Links das Hauptwerk der Sammlung:
Hans Holbein d. J. malte die Madonna
1525/28 für Jakob Meyer zum Hasen. Unten
ein »Lüsterweibchen« von Tilman Riemen-
schneider, das um 1505 entstand
Oder ganz wunderbare Dialoge beobachten,
wie sie sich zwischen einer raren Skulptur
von Hans Hartung und seinen mit Bürsten
und Besen gemalten Zeichen entspinnen.
Was der Besucher nicht ausblenden
kann, sind die häufig erratischen Werkkom-
binationen. Viel zu viele Werke streiten in
den Räumen um Aufmerksamkeit. Auch die
kuratorischen Setzungen bringen einen Teil
der Exponate in rätselhafte Nachbarschaften.
Manchmal erschöpft sich das Ausstellungs-
konzept in rein formalen Bezügen, an ande-
rer Stelle scheinen inhaltliche Parallelen auf.
So wenn mehrere Gemälde mit Bäumen ne-
beneinander hängen, ohne dass sich daraus
eine Einsicht, etwa in die Genese der Land-
schaftsmalerei, ablesen ließe. Wenn eine
Sammlung derart von persönlichen Anzie-
hungskräften lebt wie diese, wäre ein Ausstel-
lungskonzept der komplett subjektiven Bezü-
ge womöglich angemessener gewesen.
52

Würth kennt viele Künstler persönlich.
Christo und Jeanne-Claude etwa realisierten
mit ihrem Projekt »Wrapped Floors and Stair-
ways and Covered Windows« 1995 im Muse-
um Würth in Künzelsau ihre größte Innen-
raumverhüllung, nachdem der Unternehmer
sie in Hamburg bei Freunden kennenlernte
und auf seine direkte Art aufforderte: »Chris-
to, du könntest auch mal bei uns was ma-
chen!« Später widmete ihm das Paar mit
»Wrapped Magazines (für Reinhold Würth)«
Bilder: David Hockney/Sammlung Würth/Foto Richard Schmidt
eine persönliche Arbeit – als Hommage an ei-
nen Förderer, der ganze Werkblöcke erwirbt,
wenn sich darin das Konzept einer künstleri-
schen Strategie offenbart.
Mit dem Verständnis wuchsen die Kon-
volute. Manche wie die von der Deutschen
Lufthansa zusammengetragene Grafiksamm-
lung zu Max Ernst, die 1998 zum Verkauf
stand, kaufte Würth komplett. Dem Werk
des Surrealisten widmet die Ausstellung denn
auch viel Platz und stellt ihn quantitativ auf
eine Stufe mit Picasso, von dem nicht mehr
Werke zu sehen sind. Dieser persönliche Maß-
stab wird legitimiert durch einen Sammler,
der Intuition mit rationalem Kalkül mischt.
Der nicht auf den Kanon der Museen geeicht
ist und den es langweilt, dass andere private
Sammlungen einander oft so ähneln.
Würth setzt große Namen neben we­
niger Bekanntes, mischt expressionistisch-fi-
gurative Strömungen mit Tendenzen der
Abstraktion oder der Geometrie wie Sonia
Delaunays »Rythme coloré« von 1954. Sein
persönliches Urteil fasst er bündig zusam-
S A M M LU N G W Ü RT H
men: Wo er »Ausdruckswille, Tiefgang und Prunkstück ein kleiner »Gefesselter Sklave«
eine gewisse Kraft« erkennt, sei sein Interes- zählt, den Leonhard Kern 1645 aus Birn-
se geweckt. Wobei er fast immer Skulptur baumholz schnitzte.
und Malerei den Vorzug gibt, weil sich ihm In mehr als 50 Jahren hat die Sammlung
dort die »immanenten Qualitäten« direkt of- zu einer inneren Struktur gefunden, in der
fenbaren. Neue Medien sucht man deshalb sich Werke zu Gruppen und Kunstkreisen
vergeblich in der Ausstellung, und auch ordnen. Würth, der vor allem seinem Ge-
sonst verzichtet sie auf Ausgewogenheit. schmack vertraut, weiß aber auch, dass man
Die gewaltige Sammlung erzählt, wie sich Reinhold Würth
die Künstler der Moderne sukzessive erschlossen hat.
Analog zum Sammler, der sich von der Ge- mitunter von der Expertise anderer profitie-
genwart in die Vergangenheit vortastete, ren sollte. Die Ausstellung trägt seinen indi-
konstruiert die Schau eine Kunstgeschichte, viduellen Abdruck, auch wenn er ihr Arran-
die sich um den Lichthof im Martin-Gro­ gement einem Team unter der Leitung von
pius-Bau und damit um die monumentale In- Peter-Klaus Schuster überlassen hat. Trotz
stallation »The Last Judgement Sculpture« mancher kritikwürdiger Ideen machen die
von Anthony Caro gruppiert: ein Jüngstes Kuratoren den Kern der Sammlung sichtbar:
Gericht aus großen, verformten Körpern, Würths Menschenbild, nicht durchweg opti-
Schädeln und Posaune blasenden Engeln, de- mistisch, aber immer getragen von einem tie-
nen das Instrument tief im Hals zu stecken fen Verständnis für das Humane. Es mani-
scheint. Schon als Würth im Atelier des briti- festiert sich in der Madonna ebenso wie im
schen Bildhauers die ersten verkleinerten Schwarzlicht-Porträt von Andy Warhol.
Entwürfe sah, war er begeistert. Caro zeigte Kunstliebe entwickelt ihre Eigendyna-
sein abgründiges Welttheater, ein Kommen- mik. Die Sammlung Würth wächst weiter
tar zum Balkankrieg und seinen Gräueln, al- und entfaltet mit jedem Neuankömmling
lerdings erst noch auf der Biennale von Vene- ein immer größeres Panorama der Kunst in
dig 1999, bevor er es dem Sammler überließ. ihrer jeweiligen Zeit. ×
Von diesem assoziativen Ensemble ist es
ein kleiner Schritt zu den herausragenden »Von Hockney bis Holbein. Die Sammlung Würth
Objekten früherer Epochen, zu denen als in Berlin«, Martin-Gropius-Bau, bis 10. Januar
53
 V ERSA ILLES

D
Der 1638 geborene Ludwig XIV., König von
Frankreich und Navarra aus der Dynastie der
Bourbonen, starb am 1. September 1715 so,
wie er gelebt hatte: als Protagonist eines von
ihm jahrzehntelang mitinszenierten Schau-
spiels. Der unter den Fenstern seines Schlaf-
und Sterbezimmers von Schloss Versailles
wartenden Menge rief der Oberste Kammer-
herr vom Balkon zu: »Der König ist tot!« Um
gleich wieder abzutreten, die schwarze Feder
seines Huts gegen eine weiße zu tauschen, er-
neut hinauszugehen und dreimal zu prokla-
mieren: »Es lebe der König!«.
Mit dem Ableben des Sonnenkönigs
setzte eine Maschinerie ein, die jetzt Thema

Bild: Christophe Fouin/Château de Versailles (dist-RMN-Grand Palais)

der Ausstellung »Le Roi est mort. Louis XIV
– 1715« auf Schloss Versailles ist. Sie stellt das
Ereignis, mit dem eine Epoche zu Ende ging,
in den Kontext höfischer Rituale seit dem
Mittelalter und spannt einen Bogen bis zum
Staatsbegräbnis der Moderne.
Ludwig XIV. symbolisiert das »Große
Jahrhundert« Frankreichs. In der Tat waren
die Krone und das Land nie zuvor so mäch-
tig gewesen. Von seinem vor den Toren des
Städtchens Versailles bei Paris errichteten
Schloss aus konnte der Souverän das franzö-
sische Territorium durch Eroberungen (da-
runter das Elsass) maßgeblich vergrößern.
Seine Hegemonialpolitik hatte dem Land
eine Führungsposition in Europa verschafft,

Abschied vom
aber auch auf dem Gebiet von Kunst und
Kultur setzte sein absolutistischer Staat
Maßstäbe. Aus Louis quatorze (für vierzehn)

Sonnenkönig
Als Ludwig XIV. vor dreihundert Jahren starb, wurde
eine aufwendige Trauermaschinerie in Gang gesetzt.
Eine Ausstellung in Versailles erinnert an das sorgsam
inszenierte Zeremoniell mit teils makabren Zügen
VON
P E T E R K ROPM A N N S
wurde so Louis le Grand (der Große). Der
Preis dafür waren horrende Schulden, die
Untertanen wurde von der ihnen auferlegten
Steuerlast schier erdrückt. Als Bauern und
einfaches Volk vom Tod des Königs erfuhren,
gab es auch Freudentänze.
Eine Epoche ging zu Ende, weil mehre-
re Generationen nur ihn als Staatsoberhaupt
erlebt hatten (Queen Elisabeth II. feierte un-
längst ihr 63-jähriges Thronjubiläum, wäh-
rend er es auf 72 Jahre brachte). Und doch
blickte man jetzt hoffnungsvoll auf den
Nachfolger. Als mit den Worten »Vive le roi!«
die kontinuierliche Weitergabe der Erbmo­
narchie verkündet wurde, war Ludwig XV.
ein Knabe von fünf Jahren. Erst im Alter von
16 Jahren übernahm er die Regierungsge-
schäfte von seinen während der Regentschaft
eingesetzten Vertretern und erwies sich
dann als ein würdiger Erbe seines Urgroßva-

54

ters. Das Volk wird ihn schätzen, ja lieben
und ihn deswegen den bien-aimé nennen.
Doch nur einer wird als Roi soleil in die Ge-
schichte eingegangen sein.
Der höfische Apparat setzte nun alles
daran, damit Ludwig XIV. zuteil wurde, was
toten Königen zustand. Es war ein bis ins
letzte festgelegtes, von der Etikette bestimm-
tes Zeremoniell. Zunächst wurde der Leich-
nam des Monarchen obduziert, wobei ein
Protokoll detailliert die Ergebnisse festhielt,
bevor ihm Innereien wie Lungen und Gedär-
me sowie das Herz entnommen wurden.
Während Erstere ein Behältnis füllten, das
zur Beisetzung in der Pariser Kathedrale No-
tre-Dame bestimmt war, wurde das Or­gan,
das fast genau 77 Jahre geschlagen hatte, in
ein Gefäß gelegt, das in die Pariser Jesuiten-
kirche Saint-Paul-Saint-Louis gebracht wur-
de. Allein die Überführung der Herzurne in
die Barockkirche an der Rue Saint-Antoine
im Marais erfolgte durch einen Konvoi aus
mehreren Kutschen, begleitet von einem
Kardinal, mehreren Geistlichen und Adligen
sowie 20 Pagen, 20 Dienern, 30 Mann der
Leibgarde und 30 Schweizergardisten.
Anschließend wurde der Leichnam ein-
Bilder: DR; Château de Versailles
balsamiert und eingesargt, erst mit Holz,
dann mit Blei, und aufgebahrt. Während der
Tage, die all diese Prozeduren beanspruchten,
bereiteten Hofbeamte und Handwerker die
weiteren Etappen logistisch vor. Schließlich
– gut eine Woche war inzwischen vergangen
– wurde der Leichnam in die Kathedrale von
Saint-Denis gebracht. Deren Grüfte hatten
seit dem 6. Jahrhundert als Grablege vieler
fränkischer Könige gedient, und seit Hugo
Capet (940–996) waren dort fast sämtliche
gekrönten Häupter Frankreichs zur Ruhe ge-
bettet worden. Der Trauerzug, bei dem
nichts dem Zufall überlassen wurde, legte
den Weg vom Schloss zur Kathedrale mit we-
nigen Karossen und zu Fuß zurück und
brauchte dafür fast eine ganze Nacht. Die gut
30 Kilometer lange Strecke, die der Hofstaat
unter Pauken und Trompeten absolvierte
V ERSA ILLES
und die von bis zu 900 Fackelträgern be-
leuchtet wurde, führte an Paris und am
Montmartre vorbei.
Die Ausstellung in Versailles illustriert
mit ihren Exponaten, was man über das ge-
samtkunstwerkartige Zeremoniell heute
noch in Erfahrung bringen kann. Zu den
ausgestellten Stücken gehören Bildnisse des
Königs und einzelner hochgestellter Persön-
lichkeiten, darunter solche von der Hand des
Malers Hyacinthe Rigaud. Eine Rarität ist
das aus Bienenwachs geformte, mit Haaren,
Spitze, Seide, Samt und einem Glasauge ge-
staltete Profil des Königs im Alter von etwa
68 Jahren. Geschaffen hat es Antoine Benoist,
es gilt als gleichsam fotorealistisches Porträt.
Zu sehen sind aber auch Stiche, Urkunden,
Bücher sowie Objekte, darunter chirurgi-
sches Besteck und pharmazeutische Gerät-
schaft, wie sie bei Autopsie und Einbalsamie-
rung zum Einsatz kamen, und Kuriositäten
wie zu Trauerflor und -tracht passende Fä-
cher, mit denen man sich bei langatmigen
Gottesdiensten Luft verschaffen konnte. Teil
der Inszenierung waren Kulissen, von denen
sich nur die steinernen, wie das Schloss als
Start- und die Kathedrale als Zielpunkt des
Trauerzugs, erhalten haben. Vieles jedoch
war eigens für diesen Anlass aus Holz, Draht
und Gips, Stuckmarmor oder Stoff entstan-
den und nicht aufbewahrt worden. Gerade
über ephemere Aufbauten wissen wir wenig;
manches lässt sich mithilfe erhaltener Ent-
Amtlich: Die im Kirchen-
buch der Pfarrei Notre-
Dame zu Versailles hinter-
legte Sterbeurkunde
von Ludwig XIV. Re. sein
fünfjähriger Nachfolger,
porträtiert von Hyacinthe
Rigaud. Li. Seite: Das aus
Wachs geformte Profil
des Sonnenkönigs von
Antoine Benoist, um 1706
55
würfe rekonstruieren. Im Original überlie-
fert sind dagegen Trauerreden und Texte, die
dem König huldigten, sowie Partituren für
Requiems und andere Trauermusik, die der
Versenkung dienten und der Verbindung
von weltlicher Macht und Religion Ausdruck
verliehen. Höhepunkt der Feierlichkeiten
war die einer Barockoper vergleichbar insze-
nierte Totenmesse, die am 53. Trauertag statt-
fand. Langhaus und Chor von Saint-Denis
wurden dafür mit aufwendigen Dekoratio-
nen ausstaffiert.
Eine umfassende Schau über Ludwig
XIV. liegt erst wenige Jahre zurück. Auch des-
halb wurde nicht der Versuch unternommen,
die 53 im Mittelpunkt stehenden Tage zum
Aufhänger einer Blockbuster-Ausstellung zu
machen. In der jetzt touristenärmeren Zeit
hat dafür die Wissenschaft Hausrecht erhal-
ten, allerdings auch ein namhafter Szenograf.
Zahlreiche einzelne Forschungsergebnisse,
die detailreich sind, wenn nicht trocken an-
muten, wurden von den Kuratoren gebün-
delt und Pier Luigi Pizzi anvertraut. Die letz-
ten Ausstellungsbauten des italienischen
Bühnenbildners (für das Pariser Petit Palais)
waren ebenso bemerkenswert wie sachdien-
lich und lassen eine angemessene Präsentati-
on der fast 280 Exponate internationaler
Leihgeber erwarten. ×
»Le Roi est mort. Louis XIV – 1715«, Schloss Ver-
sailles, bis 21. Februar
 Berliner Festspiele
Martin-Gropius-Bau
© Gemeentemuseum Den Haag, Niederlande
Komposition in Oval mit Farbflächen 2, 1914

4. September bis 6. Dezember 2015

Piet Mondrian (1872 - 1944)

Piet Mondrian. Die Linie

Veranstalter: Berliner Festspiele / Martin-Gropius-Bau. Eine Ausstellung der Stichting Gemeentemuseum Den Haag und des Martin-Gropius-Bau.
Mit Unterstützung der Botschaft des Königreichs der Niederlande in Berlin. Kurator: Hans Janssen.

Madonna des Bürgermeisters Jacob Meyer zum Hasen,

(„Schutzmantelmadonna“) 1525/26 und 1528
© Sammlung Würth, Foto: Philipp Schönborn
11. September 2015 bis 10. Januar 2016

Von Hockney bis Holbein

Hans Holbein d.J.

Die Sammlung Würth in Berlin
Veranstalter: Museum Würth und Berliner Festspiele / Martin-Gropius-Bau.
© Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais /
© Estate Germaine Krull, Museum Folkwang, Essen, Photo

image Centre, Pompidou, MNAM-CCI

Selbstportrait mit Icarette, um 1928

15. Oktober 2015 bis 31. Januar 2016

Germaine Krull – Fotografien

Germaine Krull

Veranstalter: Berliner Festspiele / Martin-Gropius-Bau. Eine Ausstellung des Jeu de Paume in Zusammenarbeit mit Berliner Festspiele / Martin-Gropius-Bau.
Ermöglicht durch den Sparkassen-Kulturfonds des Deutschen Sparkassen- und Giroverbandes.

29. Oktober bis 13. Dezember 2015

Leonid Breschnew und Erich Honecker küssen sich am

Russland und Deutschland. Von der

5.10.1979 in Ost-Berlin, nach der Ernennung des

sowjetischen Staatschefs zum “Held der DDR”
Konfrontation zur Zusammenarbeit

Quelle: akg-images / AP
Eine Ausstellung zum 70. Jahrestag
des Endes des Zweiten Weltkrieges
Veranstalter: Eine Ausstellung des Deutsch-Russischen Museums Berlin-Karlshorst in Kooperation mit dem Staatsarchiv der Russischen Föderation.
Chinamora Reserve, Chipuku Höhle, 8.000-2.000 v.Chr.,

65x121 cm © Frobenius-Institut Frankfurt am Main

21. Januar bis 16. Mai 2016

Aquarell von Elisabeth Mannsfeld, 1929

Kunst der Vorzeit

Rote Malerei, Simbabwe,

Felsbilder aus der Sammlung Frobenius

Veranstalter: Berliner Festspiele / Martin-Gropius-Bau. Eine Ausstellung des Frobenius-Instituts an der Goethe-Universität Frankfurt am Main.
In Zusammenarbeit mit dem Martin-Gropius-Bau.

Niederkirchnerstraße 7, 10963 Berlin, Tel. +49 30 254 86 0

Mi–Mo 10–19 Uhr, Di geschlossen, an den Feiertagen geöffnet, 24.12. und 31.12. geschlossen
Eintritt frei bis 16 Jahre
www.gropiusbau.de/schuelerprogramm
 Edwin Braun, „Heinz Mack während Film- u fnahmen zum Film Tele M ack“, 1968, Archiv Mack
hina, 2013, Vincentt C allebaut Architectures
Vincent Callebout, „ASIAN CAIRNS“, Shen en, Ch
Hauptsponsor:

www.wieleben
wilh

n -ludwigshafen.de
bilder

5.12.15
Zukunfts-

bis Fujimoto
von Malewitsch

28.2.16
helmhackmuseum
 Drei Tage in

Zürich

VON
Y VON N E L I E DK E

58

Die Altstadt ist malerisch, das
Bild links: Gregor Lengler/laif; Bilder rechts: Arthur Faust/Kunsthaus Zürich; Kunsthaus Zürich/2015 ProLitteris, Zürich/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Roland zh/Wikimedia; Restaurant Kronenhalle; Zürich Tourism/Fabian Frinzel
Bankenviertel geleckt, und die
Luxemburgerli von Sprüngli
schmecken immer gleich gut.
Nichts Neues in Zürich? Im einst
industriellen Nordwesten der Stadt
hat die zeitgenössische Kunst
Quartier bezogen, der alte Rotlicht-
bezirk wird zum Hipster-Viertel.
Und auf den Namen Giacometti
stößt man überraschend oft
1. TAG
»Unter sieben Brücken musst
du fahren«, könnte man als
Motto – in Abwandlung eines
berühmten deutschen Schlagers
– dem Zürichbesucher mit auf
den Weg geben. Gemeint sind
damit die Brücken der Limmat.
Wer eines der Ausflugsboote an
den Kais hinter dem Bahnhof
nimmt und in Richtung
Zürichsee fährt, dem eröffnet
sich eine schöne Perspektive auf
die Stadt. Derjenige, der lieber
zu Fuß unterwegs ist, kann
natürlich auch den (autofreien)
Limmatquai am rechten Ufer
des Flusses entlang spazieren,
um einen ersten Eindruck von
der Stadt zu gewinnen. Das zen-
tral gelegene Kunsthaus am
Z Ü R IC H
1
Heimplatz wird unser erster
Haltepunkt. Es ist das wichtigs-
te Kunstmuseum der Stadt und
beherbergt eine imposante
Sammlung. Die meisten zieht es
zu den dürren, langgliedrigen
Figuren von Alberto Giacometti,
von denen es hier viele zu
bewundern gibt. Bemerkens-
wert ist aber auch die größte
Munch-Sammlung außerhalb 3
Norwegens, wichtige Werke der
Moderne von Picasso und Beck-
mann sowie Zeitgenössisches
von Rothko bis zu den Lokal-
matadoren Fischli/Weiss. Hinzu
2
kommen sehenswerte Wechsel-
ausstellungen, aktuell etwa Joan
Miró mit einem Fokus auf
»Mauer, Fries, Wandbild«.
4
Gleich um die Ecke stoßen
wir bei unserem Bummel auf
 das Großmünster, das Wahrzei-
chen von Zürich. Die von Karl
1 Mittelalter bis Gegenwart
vereint das Kunsthaus Zürich dem Großen gestiftete Kirche
war im 16. Jahrhundert ein Zen-
2 Hundert Jahre Dada stehen
vor der Tür: Doppelporträt von trum der Reformation unter
Johannes Baader und Raoul Zwingli. Sehenswert sind die
Hausmann, 1919 2009 eingesetzten Glasfenster
3 Ort der Schweizer Künstler: von Sigmar Polke, aber auch die
Das Helmhaus am Limmatufer Chorfenster von Augusto
4 Dunkles Holz, grünes Leder: Giacometti, Albertos Onkel.
Die legendäre Kronenhalle: Vorbei am Ende des 17. Jahrhun-
5 Der Erweiterungsbau des derts direkt über dem Wasser
Kunsthauses soll 2017 fertig sein errichteten Rathaus überqueren
Linke Seite: Die beiden Münster wir die Limmat und erreichen
als Wahrzeichen: Blick von der die Schipfe. Das idyllische
5
Limmat auf die Altstadt Handwerkerquartier erstreckt
59

sich unterhalb des Lindenhofs
(mit toller Aussicht) und hat
sich viel von seinem mittelalter-
lichen Charme bewahrt. Von
hier ist es nicht weit zu Zürichs
Shoppingmeile, der in der
Adventszeit reich geschmückten
Bahnhofstrasse. Den Abend
beschließen wir in der Kronen-
halle, wo es gutes Essen und edle
Kunst (Miró, Picasso) an den
Wänden gibt. Die Marmorti-
sche dort hat übrigens ein drit-
ter Giacometti entworfen,
Albertos Bruder Diego.
Z Ü R IC H
1 4
2. TAG
Heute beginnen wir mit einer
Reise um die Welt. Wir besu-
chen das Museum Rietberg, das
eine Ansammlung schöner Vil-
len in einem herrlichen Park ist,
die seit 2007 durch einen gläser-
nen, grünblauen Eingangspavil-
lon (»Smaragd« genannt) ver-
bunden sind. Das Museum hat
sich den außereuropäischen
Kulturen verschrieben. Einen
wichtigen Grundstock für die
Kollektion legte der deutsch-
5
60
»Nirgendwo sonst in Europa kann man
Gegenwartskunst in dieser Dichte bestaunen.«
3 der Elfenbeinküste und Benin,

1 Die Augustinergasse im
mittelalterlichen Schipfe-Viertel
2 Ein architektonisches Juwel:
Centre de Corbusier in Seefeld
3 »Building modern bodies«
heisst eine aktuelle Ausstellung
in der Kunsthalle; mit dabei Lea
Rasovszkys »Fresh Squeeze«
4 Das Löwenbräu Areal mit
dem Migros Museum, der
Kunsthalle Zürich und Galerien
5 Die »Herzbaracke« legt im
Winter Anker am Bellevue
6 Der Legende nach auf den
Grabstätten der Stadtheiligen
erbaut; das Großmünster
7 Viel Platz: Die Ausstellungs-
räume des Migros Museum
für Gegenwartskunst
Bilder: picture alliance/Lisa Hammel/Bildarchiv Monheim; Berrgdorf AG/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Courtesy the artist; Thies Wachter; Salon Theater Herzbaracke
2
schweizerische Bankier Eduard
von der Heydt, der in den
1920er-Jahren begann, »primiti-
ve Kunst« zu sammeln. Vor
allem die afrikanischen Plasti-
ken und Masken, etwa aus Mali,
sind von höchster Qualität. Ein
Tipp für den Sommer: Kaufen
Sie im Museumscafé einen Pick-
nickkorb, und machen Sie es
sich damit im Park gemütlich.
Lässt das Wetter es zu, sollte
man noch ein wenig auf der
Seepromenade spazieren, so
wie es die Züricher um 1800 für
sich entdeckten. Sie ist noch
heute ein beliebter Erholungs-
raum, auf dem Musiker, Stra-
ßenkünstler und Schmuckver-
käufer ihr Glück versuchen.
Von der Terrasse am Bürkliplatz
hat man eine wunderbare Aus-
sicht auf das untere Becken des
Zürichsees.
Kulissenwechsel: Von der
malerischen Altstadt geht es
jetzt in den Nordwesten, in den
industriell geprägten Kreis 5.
Hier hat sich auf dem Gelände
einer umgebauten Brauerei,

6 residiert. Dank des Ver­
dem Löwenbräu-Areal, die
Gegenwartskunst angesie­
delt. Neben dem Migros
Museum und der Kunst­
halle Zürich mit ihrem
exzellenten Ausstellungs­
programm finden sich hier
auch renommierte Galerien
wie Hauser & Wirth oder
Eva Presenhuber. Nirgend­
wo sonst in Europa kann
Bilder: Jan Schuler/fotolia; Lorenzo Pusterla
man zeitgenössische Kunst
einer solchen Dichte be­
staunen. Für einen Imbiss
zwischendurch empfiehlt
sich die Markthalle in den
Viaduktbögen.
In unmittelbarer Nach­
barschaft hat noch eine
andere Kunstgattung Quar­
tier bezogen: Das Schau­
spielhaus Zürich betreibt in
der Schiffbauhalle drei
Theaterbühnen. Und kuli­
narisch bekommen die
Besucher auch etwas gebo­
ten. Das in Form eines Glas­
kubus in die Halle gebaute
Restaurant LaSalle besticht
durch sein industrielles
Ambiente und seine vorwie­
gend französischen und ita­
lienischen Gerichte.
3. TAG
Die wichtigsten Kunsthot­
spots haben wir jetzt schon
gesehen, aber Zürich und
Umgebung haben natürlich
GRÖSSERalsZ
ürich
:Se
ineMu
seen-
noch weit mehr zu bieten. vielfalt. G rösseralsZ ürich: Seine
Heute ist der Tag der M u seen vielfalt.G rösserA LSZ ürich:
musealen Kleinode. Begin­ SeineM useenvielfalt.G rösserals
nen wir mit dem Museum
Langmatt in Baden, das Zürich: SeineM useenvielfalt.
unter dem Dach einer G rö sseralsZ Ü R IC H :SeineM usee n-
prächtigen Fabrikantenvilla vielfalt.G rösseralsZ ürich: Seine
mächtnisses des letzten
M useenvielfalt.G rösseralsZ ürich:
Nachkommens der Brown- SeineM useenvielfalt. G rösserals
Sulzer-Dynastie kann sich Z ürich: S E IN EM useenvielfalt.
nun die Öffentlichkeit an
den zusammengetragenen
G rösseralsZ ürich:SeineM useen-
Familienschätzen erfreuen. vielfalt. G rösseralsZ ürich: Seine
Gemälde von Monet, M useen vielfalt.G rösseralsZ ürich:
Renoir, Cézanne treffen auf
nobles französisches Mobi­
SeineM useenvielfalt. G rösserals
liar sowie ostasiatische und Zü rich:Se ineM U SE E N V IELF A LT.
europäische Keramiken.
Abgerundet wird das Ganze
Fü rseineG rösseb ietetZ üricheineM useenvielfalt,die
durch einen wunderbaren ihresgleichensu ch t. EntdeckenSied asb reiteSpekt-
Garten, in dem die ausge­ rum der5 4Zü rcherM useen :ww w .museen-zuerich.ch
stellten Impressionisten
sicher so manches Motiv
gefunden hätten.
Wem der Sinn mehr
nach Moderne steht, der
sollte sich das Centre de
21.11.2015–07.02.2016:
Corbusier/Museum Heidi They Printed It!,
Weber im Zürcher Seefeld
nicht entgehen lassen. Das Gabriel Sierra,
farbenfrohe, filigrane Haus
ist der letzte Entwurf, den
Building Modern
der berühmte Schweizer Bodies. The Art of
Architekt in den 1960er-Jah­
ren verwirklicht hat, und er Bodybuilding
passt so gar nicht zu dem
von ihm postulierten Diktat
des rechten Winkels. Leider
ist das von der Mäzenin
Heidi Weber gestiftete Haus
nur im Sommer zugänglich.
Kunsthalle kunsthalle
7
Zürich zurich.ch
 Z Ü R IC H

Für alle, die noch mehr Schwei- 2004 wiedereröffnete Cabaret

zer Künstler als Pipilotti Rist
kennenlernen wollen, ist das
Helmhaus eine gute Adresse. Im
Stadtzentrum gelegen, bietet
es neben abwechslungsreichen
Ausstellungen auch immer
wieder interessante Lesungen
und Gesprächsabende.
Ganz in der Nähe, in der
Spiegelgasse, stößt man auf das
Voltaire. Hier wurde 1916 von
Hugo Ball die Dada-Bewegung
aus der Taufe gehoben. Nun
rüstet sich die Bar und Klein-
kunstbühne für das hundertjäh-
rige Dada-Jubiläum im kom-
menden Jahr, das in der Stadt
mit vielen Veranstaltungen
begangen wird. (Gute Übersicht
verschafft die Website
dada100zuerich2016.ch). Wer
sich selbst auf das schwankende
Terrain zwischen Kunst und
2
Irrsinn begeben will, dem offe-
riert die Absinth-Karte
ungeahnte Möglichkeiten. Sogar Robbie Williams soll hier

Zum Schluss noch zwei
Insidertipps für einen amüsan-
ten Abend: Die Herzbaracke ist
ein schwimmender Salon (auf
einem blau gestrichenen Schiff),
der jeweils Anfang November
am Bellevue anlegt und seine
Gäste mit Musik, Kabarett,
Zauberei, Tanz und einem köst-
1
lichen Abendessen verwöhnt.
 das durch eine wachsende Zahl
1 »They printed it« thematisiert
die Selbtvermarktung von
Künstlern, bis 7. Februar 2016 in
der Kunsthalle zu sehen
2 Für Nachtschwärmer: Bar
Plaza im früheren Rotlichtviertel
Bilder: Kunsthalle Zürich; Reto Gehrig; Karte: 123map, Daten: OpenStreetMap, Lizenz ODbL; Grafik: Peggy Seelenmeyer
schon gesichtet worden sein.
Und wer das alte Rotlichtviertel
im Kreis 4 erkunden möchte,
hipper Läden, Restaurants
und Bars immer attraktiver
wird, für den ist die Bar Rossi
mit ihren wechselnden Aus­
stellungen und DJ-Sets ein per-
fekter Ausgangspunkt.

Zürich auf einen Blick

Ob luxuriös oder ein- als 100 Jahre später
fach, in der Altstadt wird es explizit als Her-
oder am See – unter berge bezeichnet.
den rund 250 Hotels in Somit vermutlich das
Zürich findet sich für älteste Hotel Zürichs.
jeden Geldbeutel die Storchengasse 16
passende Unterkunft. 2
1
3 Limmatblick
 
1 Baur au Lac Nomen est omen. Doch
 
Die Topadresse für den neben dem Blick über-
Zürichgast in der Nähe rascht das Hotel mit
des Bürkli-Platzes. His- dadaistisch inspirierten
torische Patina (1844 Kleinigkeiten und Zim-
geründet, 2014 umfas- mernamen.
send renoviert), Gour- Limmatquai 136
met-Küche und Gast 4 7
lichkeit auf höchstem 4 Greulich
 
Niveau, was die FIFA- Kleines Boutique-Hotel
3
Bosse als Stammgäste mit modernem Design,
zu schätzen wussten. von dort ist man schnell
10
Talstraße 1 im Löwenbräu Areal 8
H. Greulich-Str. 56 1 Schiffbauhalle
2 Storchen 2 Löwenbräu Areal 2 3 5
  9
Traditionsreiches Haus 5 The Dolder Grand 3 Kunsthaus
 
direkt am Limmatufer, Etwas außerhalb gele- 4 Museum Rietberg 1 6
ideal zum Erkunden der gen, oberhalb der Stadt 5 Opernhaus
5
Altstadt. 1357 wurde in grüner Lage, besticht 6 Kronenhalle
das «Hus zum Stor- das Haus durch exzel- 7 Hauptbahnhof
chen» in den Steuerbü- lenten Komfort und ein 8 Cabaret Voltaire
chern der Stadt Zürich riesiges Spa- und Well- 9 Helmhaus
zum ersten Mal er- nessangebot 10 Bahnhofstrasse 4
wähnt und etwas mehr Kurhausstraße 65

62
 Anzeige
GALLERY GUIDE

Théodore Strawinsky: Ernst Ludwig Kirchner:

Petruschka: Ballerina Das „Bildhaueratelier“
(Kostümstudie), 1944, neben dem Wildboden-
Tuschfeder und Gouache haus (Davos), 1924

Strawinsky in Appenzell E. L. Kirchners fotografisches Werk

Das Kunstmuseum Appenzell zeigt erstmals in der Deutschschweiz
die Werke des Westschweizer Künstlers Théodore Strawinsky
(1907–1989), des ältesten Sohns des Komponisten Igor Strawins­ky.
Anhand einer Auswahl von 120 Stillleben, Porträts, Landschaften,
Zeichnungen und Bühnenentwürfen aus den Jahren 1920 bis
1960 wird das Œuvre des neusachlichen Malers vorgestellt: ein
Werk, das still und poetisch, subtil und mythisch ist.
Ernst Ludwig Kirchner war wie viele seiner Zeitgenossen von den
Möglichkeiten der Fotografie fasziniert und nutzte diese in viel-
fältiger Weise. Das Kirchner Museum Davos verfügt über einen
umfangreichen Bestand an Glas- und Zellulose-Negativen aus der
Zeit von 1908 bis 1939. Erstmals werden in einer Ausstellung rund
300 fotografische Werke präsentiert: von Akten und Ateliersze-
nen über Porträts bis hin zu Landschaften und Sachfotografien.

Théodore Strawinsky: Lied der Stille, Der Künstler als Fotograf,

5. November 2015 bis 27. März 2016 22. November 2015 bis 1. Mai 2016
Kunstmuseum Appenzell Kirchner Museum Davos
Unterrainstraße 5, CH-9050 Appenzell Promenade 82, CH-7270 Davos
www.h-gebertka.ch www.kirchnermuseum.ch

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Die Galerie Kornfeld ist eines der bedeutendsten
Auktionshäuser im Bereich der bildenden
Kunst und kann auf eine über 150-jährige Geschichte
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Tätigkeit auf dem Gebiet der Grafik und Hand-
zeichnungen alter Meister und der Kunst des
19. bis 21. Jahrhunderts sind wir eingebunden in
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publiziert werden, so etwa für die Grafik von Max
Beckmann, Paul Gauguin, Ernst Ludwig Kirchner,
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zung, professionelle Handhabung der Kunstwerke
und eine marktgerechte Einschätzung des Wertes
ihrer Werke vertrauen. Gerne stehen wir jederzeit
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Haute Couture

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Schönste: Die Stücke kosten meist sehr viel weniger als bei ihrer Entstehung

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A L E X A N DR A G ON Z Á L E Z