digital magazine marzo 2011

N.77

Aucan
Cocteau Twins

Arcobaleni neri e orizzonti post-electro

Gay Beast Planet Soap Hercules And Love Affair Fitzsimmons Dirty Beaches

italia improvvisa

Die Schachtel/Fratto9/Boring Machines Hundebiss/Von Archives

p. 4

TuRn on
Gay Beast, Planet Soap, Fitzsimmons, Dirty Beaches

p. 10

Tune in
Aucan, Hercules And Love Affair

sentireascoltare.com

p. 18

DRop ouT
Italia improvvisa

p. 34 p. 88

Recensioni
Rearview Mirror

Cocteau Twins

Rubriche
p. 80 p. 82 p. 84 p. 96 p. 97

Gimme some inches Reboot China Files Campi Magnetici Classic Album

SentireAscoltare online music magazine

Registrazione Trib.BO N 7590 del 28/10/05 Editore: Edoardo Bridda Direttore responsabile: Antonello Comunale Provider NGI S.p.A. Copyright 2009 Edoardo Bridda. Tutti i diritti riservati.La riproduzione totale o parziale, in qualsiasi forma, su qualsiasi supporto e con qualsiasi mezzo, proibita senza autorizzazione scritta di SentireAscoltare

Direttore: Edoardo Bridda Direttore responsabile: Antonello Comunale Ufficio stampa: Teresa Greco coorDinamento: Gaspare Caliri progetto grafico e impaginazione: Nicolas Campagnari reDazione: Andrea Simonetto, Antonello Comunale, Edoardo Bridda, Gabriele Marino, Gaspare Caliri, Nicolas Campagnari, Stefano Pifferi, Stefano Solventi, Teresa Greco staff: Marco Boscolo, Edoardo Bridda, , Luca Barachetti, Marco Braggion, Gabriele Marino, Stefano Pifferi, Stefano Solventi, Teresa Greco, Fabrizio Zampighi, Luca Barachetti, Andrea Napoli, Diego Ballani, Mauro Crocenzi, Fabrizio Zampighi, Giulia Cavaliere, Giancarlo Turra copertina: Aucan (foto di Giordano Garosio) gUiDa spiritUale: Adriano Trauber (1966-2004)

Generazione noir post lynchana

Misteriosi, romantici e claustrofobici. Sono i 50s riletti dalla lente deformante di Alex Zhang Hungtai. Facciamo la conoscenza del segreto meglio custodito della scena lo-fi d'oltreoceano.

e canzoni di Alex Zhang Hungtai, in arte Dirty Beaches, stanno in quella zona del crepuscolo fra grottesco e noir tanto cara a David Lynch. In quell'attimo prima che il sogno si trasformi in incubo, quando la voce del crooner svampa in un riverbero assordante e la scena assume connotati agghiaccianti. Il suo recente Badlands un precipitato romantico di rockabilly, surf music e hot rod minimale che pare uscire da una radiolina sintonizzata sui 50s. E lui stesso a definirla "soundtrack per un film inesistente", conscio della potenzialit cinematiche del suo progetto. "Il cinema ha sempre fatto parte della mia vita. racconta Da ragazzo lavoravo in una videostore, in cui si tenevano molti film stranieri. Di notte, quando non affittavo porno, ne guardavo tonnellate. Per tutta la notte, tutte le notti." Badlands frutto di un percorso artistico condotto in perfetta autonomia, documentato in numerose cassette incise dal vivo. Un apprendistato casalingo in cui lartista ha imparato a maneggiare rumori d'ambiente, sonorit radicali e drum machine di pesantezza industriale. Ora sembra il figlioccio di Alan Vega intento a distorcere stereotipi dellAmerica rurale. "L'album si basa sull'esperienza del mio lungo peregrinare in macchina per le piccole citt degli Stati Uniti, sulle persone 4

Turn on

Dirty Beaches

curiose e sulle donne che ho incontrato. Capelli impomatati, baffetti e sguardo sfuggente (in una somiglianza prodigiosa col Bobby Per/William Defoe di lynchana memoria) facile immaginarselo guidare la sua corvette per le strade impolverate alla periferia del sogno americano. Quello che cerco di creare con le mie canzoni un personaggio basato su me stesso, un mix di fiction e realt, che un modo pi interessante di mettere in musica intime confessioni." Eppure Hungtai culturalmente apolide. Taiwanese di nascita, immigrato in Canada da bambino, ha frequentato le high school alle Hawaii e girato decine di citt prima di trovare base a Montreal. "Non posso dire di avere un vero senso di appartenenza. Allo stesso modo il protagonista delle mie canzoni sempre qualcuno in esilio o costretto ad abbandonare le proprie sicurezze per trovarsi straniero in una nuova citt." Badlands non ancora stato ufficialmente pubblicato che gi partita la campagna acquisti da parte delle label. Fino ad ora ho realizzato tutto da solo confessa Ma quella del lo-fi per me una necessit, non una scelta estetica." Prepariamoci, dunque, a vederlo uscire presto dallombra.
Diego Ballani

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Gay Beast

Queerness bestiale

Un suono che tra tutto e niente sceglie il tutto. La bestia raggiunge la maturit, al freddo di Minneapolis e sotto il faro di Beefheart.

on un nome cos difficile non porre la domanda. Eppure non stato difficile distrarsi dalla questione e puntare pi sul sodo. Dopo tutto, tra i compagni di label (la Skin Graft) troviamo moniker che alzano il benchmark, come Aids Wolf e Dazzling Killmen. E soprattutto bastato ascoltare il concerto al Covo di Bologna lo scorso inizio febbraio e intuire, dietro qualche imprecisione al mixer, le potenzialit dei Gay Beast. Non che i diretti interessati fossero tra gli ultimi arrivati. To Smithereens, lLP in uscita che ha dato il la alla tourne europea attualmente in corso, la terza fatica in long playing della band. Il packaging del vinile e il libretto allegato - di quelli che dimostrano una grande attenzione allarte dellillustrazione, al valore aggiunto materico del supporto. Dentro, tra i solchi, lennesima avventura a tremila che vorticosamente sprigiona un mazzo di altri suoni e di riferimenti, che puntualmente abbiamo snocciolato chiedendo direttamente a Isaac Rotto, chitarrista della band. Alcuni di questi sono figli della potenza e dellincisivit diretta che conducono lavventura Gay Beast fin dalla sua nascita, a met del 2005. Il risultato dellamalgama sonoro, gi dalle prime mosse della band, denota come i tre componenti - Angela Gerend, Daniel Luedtke, e il citato Isaac Rotto siano interessati pi a come gli strumenti suonino insieme, che a come le parti appaiono scritte sul pentagramma. Leffetto dinsieme, aggiungiamo noi, per fortemente legato allestetica dello strumento utilizzato: non ci sarebbe il suono Gay Beast senza il sax e le tastiere 6

cheap and garage di Daniel e il torrenziale drumming e gli accenni di elettronica vintage di Angela. divertente ed espressiva lautodescrizione compilata da Isaac e soci, tradotta nella web del trio nellitaliese da bestiario di Google Translate: Brandendo una batteria di tamburi, chitarre raschiate e martellate, parole cantate, synth dal retro-futuro, sassofono, e altri dispositivi elettronici, il trio costruisce canzoni per motivi che congiungono la complessit e orecchiabilit, uno spazio dove l'abrasione e la 'tunefulness' abitano insieme. Tornare alla domanda con cui aprivamo larticolo ci consente di sviscerare il concept del progetto Gay Beast. Dan decise il nome dopo aver visto un film della New Wave giapponese dove un uomo continuava a chiamare bestia una donna. La cosa lo impression e pens che Gay Beast potesse essere tanto decisivo sia nei confronti della coscienza degli etero che del mondo queer. Il nome dunque una risposta allansia generata dalla passivit aggressiva come loffesa del Midwest nei confronti dellomosessualit. Nei freddi di Minneapolis, Isaac, Angela e Daniel decidono di proporre la propria Minnesotas premier agit-prop queer band e di dedicarsi a unestetica ironica ma fortemente battagliera. Daniel e Angela erano gi adusi allattivismo di genere, nonch allagit-prop musicale con altre band. Dopo un breve periodo in duo, pubblicano un annuncio online per trovare una nuova voce e una seicorde conforme al progetto che hanno in mente; Isaac risponde e il suo ingresso nellorganico (solo come chitarrista, di fatto) sancisce lassetto del gruppo da sei anni a oggi. I tre iniziano da subito a praticare il suono che pi gli interessa, una miscela esplosiva che tanto ci ha ricordato la scena detroitiana dellandroid punk, e quindi quel calendario di proposte che va dai Piranhas a Human Eye. Interpellati in proposito, i tre si dimostrano incuriositi ma ignari di tali evoluzioni della Motor City, della quale citano al massimo gli Ottanta dellesperienza Cybotron. I riferimenti che si sentono di esprimere sono esplicite guide allascolto dei tre album pubblicati dalla bestia. I Gay Beast sono un vortice di elementi, un fiume in piena. Non si fa fatica a cogliere come faro il primo disco degli Hella, gi dalla prima traccia di Disrobics (DNT, 2008), What You Want. Isaac cita poi Zoo Psychology degli Ex Models come modello riuscito di intersezione tra aggressivit, cervello, ballabilit e astrazione. Gli ultimi due dischi dei Portal come mistero e teatralit del sound. Ma la vera passione Captain Beefheart, ovviamente. Lui e tutte le intelligenze che ha prodotto. Sempre in Disrobics, Mama, Wrap My Coffin In The

Adam Bubolz

A.I.D.S. Quilt Cuz It's Cold In Hell sembra cantato da Arrington De Dyoniso che si fa la doccia ubriaco. Segue i solchi di Von Vliet anche limprovvisazione rumorista e cupa simulata che fa da perno di Second Wave (2009), album con cui i Gay Beast entrano nel roster Skin Graft. C forse meno intensit strumentale fine a se stessa ma certamente un taglio pi duro, deciso, indirizzato verso le atonalit e le stecche della No Wave, nonch sottolineato da un mood consono alla scena citata. In alcuni momenti (Make A Map, Pressing Hard), in Second Wave pare sentire Arto Lindsay e i suoi DNA accompagnati dalla grandine di Kevin Shea alla batteria. Di certo, i Gay Beast non si fanno e non ci fanno mancare la cura per il risultato finale. Dentro Second Wave e forse ancor pi nei solchi di To Smithereens si sentono le giornate passate a provare e riprovare, costruire e stravolgere, produrre opposti e poi tenerli insieme. A Minneapolis, se vuoi fare qualcosa di creativo, hai un sacco di tempo per realizzarlo. Freddo e buio per nove mesi lanno, e la perenne minaccia di veder cancellati un tuo live per una tempesta di neve. Tanto tempo a disposizione per raggiungere la complessit. E un mucchio di band amiche con cui confrontarsi quotidianamente, in citt e fuori. Gruppi come Tips for Twat, Condominium, Mother of Fire, Skoal Kodiak fanno cose davvero uniche. E altri amici Aids Wolf, Child Abuse, TWIN, Conformists - vivono lontani ma attraversano continuamente gli States e capita un confronto diretto. Ora che toccato a Gay Beast fare un lungo viaggio, e girare lEuropa, ci chiediamo, e domandiamo anche a Isaac, quale siano i passi successiva dellesperienza del trio. The future is wide open, as someone once said. Tom Verlaine?
gaspare Caliri

Turn on

Planet Soap

Il baco della scena

Qualcosa in Italia si sta muovendo. E dopo aver tanto tessuto, Planet Soap comincia finalmente a raccogliere...

ualcosa in Italia si sta muovendo. Finalmente, lentamente (italianamente), ma si sta muovendo. Lo dicevamo tempo fa, parlando di uno dei personaggi pi interessanti e importanti di questa scena/ non-scena, Cristiano Crisci aka Digi GAlessio. Ci sono le community di producers (essi stessi principali fruitori delle loro creazioni, con modalit da giro turco e cio passaggi di mano in mano, di picc in picc, tutto dun fiato e a pi non posso), ci sono le community pi o meno (de)localizzate (ci sono le crew, come quella toscana di Digi, OverKnights, e ci sono le individualit sparpagliate unite dalla rete, come gli AvantHopperz), ci sono i dischi (quasi sempre in free download, divisi/ moltiplicati tra mille alias), ci sono le produzioni uploadate in tempo reale sulle nuvolette di Soundcloud (vetrine sempre pi interessanti e sempre meno facilmente monitorabili). Nellultimo annetto, per chi segue il settore (certa electronica non-specificamente-dance con le radici piantate nellhip hop strumentale), c stata come una accelerazione: dischi e personaggi sono emersi oltre la cortina delle solite cerchie (Digi appunto, ma anche Marco Acquaviva aka UXO e Ad Bourke) e progetti importanti si sono cominciati a profilare allorizzonte, su modello di quanto si gi cominciato a fare allestero con le varie scene nazionali (prima fra tutte, quella russa; importante qui da noi - per una volta - un gruppo facebookiano attorno al quale si sono coagulate/si stanno coagulando le forze in campo). Ecco, il progetto portato avanti da Planet Soap lungo tutto il 2010 ci pare proprio uno dei primi output importanti in tal senso, un bel biglietto da visita per la scena tutta e non solo a livello italiano. PS sono Federico Monguzzi aka FedeDsm, classe 86, dalla pronvincia di Monza, beatmaker da ormai quasi dieci anni, e Luca De Giuli, aka Snooze (produttore in seconda, addetto alle rifiniture). Li abbiamo scoperti con lottimo EP Silkworm (settembre 2010, parole chiave trip Nintendo, cybertronica, grime, Mochipet, J Dilla; 7.0/10) e ora si ripresentano con un After Silkworm che di quel mini la trasfigurazione e il magniloquente compimento. Come il baco di cui al titolo, i ragazzi hanno lavorato alacremente, spargendo produzioni, seminando remix e tessendo contatti, e ora raccolgono: un remixorama golosissimo ed enciclopedico a base di uonchi sperticato che flirta/diventa dubsteptronica estrema, super-effettata. E viceversa. Il taglio delloperazione programmaticamente internazionale, con un inedito firmato dal duo e tre rmx da produttori italiani (UXO, 3 Is A Crowd, sempre da Milano, e Apes On Tapes, Bologna) e il resto a

Turn on

cura di ben cinque russi (Pixelord, DZA, Damscary, Demokracy, Moa Pillar; di loro si occupato anche Pitchfork), tre francesi (Harrison Blakoldman, Miqi O., Moresounds), due olandesi (Coco Bryce e Halp), due giappa (BD1982 e Kay Tee), un tedesco (B-Ju), un americano (+verb). Una barzelletta molto affollata e anche molto seria. Inutile rincorrere la tracklist (anzi no; ma lo facciamo in sede di recensione), perch dentro ci sono tutte ma proprio tutte le sfumature del continuum hip hop strumentale-mutazioni electro, a dare le coordinate di una koin internazionale che si costruisce con i barcollamenti e la cheaptronica propri del wonky, la secchezza e le dilatazioni sottovuoto del dubstep (fino alle sue propaggini grime), il clap mutuato da Dilla e uneffettistica forte, praticamente noise, che a seconda della prospettiva tanto industrial quanto post-fidget. E con progetti come questo che lItalia pu finalmente cominciare a essere riconosciuta dagli altri e pu quindi cominciare a riconoscersi sul serio. Oltre le frammentazioni, i provincialismi, le rivalit, le invidie; puntando sulla qualit, selezionando con attenzione, concentrando le forze e gli sforzi su prodotti validi, inattaccabili. Come questo. Qualcosa in Italia si sta muovendo e noi vogliamo essere in prima fila.
gaBriele Marino

Tune-In

Aucan
Arcobaleni neri e orizzonti post-electro
Testo: Stefano Pifferi

Un prisma di electro per il nuovo millennio. Black Rainbow una oscura, tribale, dancey e psichedelica fusione di rock ed elettronica e fotografa gli Aucan al proprio zenith creativo.
una componente rituale e mistica, sia nel disco che in sede live. C un significato ancestrale nella nostra musica che qualcosa che ti permette di entrare in contatto con unaltra dimensione. Ce lo aspettavamo diverso Black Rainbow. Le avvisaglie ci facevano propendere per un disco nero pece, tribale, massicciamente noisy e disturbante: DNA, lembrione del comeback sotto forma di mini album, rimandava a suoni da dancehall del dopo-bomba tanto erano caliginose le atmosfere da rave post-nucleare, mentre il teaser promozionale circolato online come apripista dellalbum metteva in scena una sorta di primitivismo tribaloide e weird, quasi si trattasse di un rituale atavico messo in scena da tre druidi incappucciati e impazziti. Il sophomore del trio bresciano (Giovanni Ferliga e Francesco DAbbraccio a synth e chitarre e Dario Dassenno alla batteria) si presenta invece come un vero e proprio prisma multicolor di musiche elettroniche in espansione. Vario e screziato nelle forme, eterogeneo nei risultati, mette in scena un concentrato di elettrock moderno, potente ed eclettico, capace di risemantizzare le elettroniche degli ultimi ventanni in maniera personale e coesa. Non un monolite come era lecito attendersi, ma una struttura imponente e mobile che condensa latteggiamento cerebrale e meccanico dellelettronica con quello muscolare e fisico dascendenza rock. Musica oscuramente ballabile e perversamente groovey, dal battito talmente profondo che si fa ipnosi al limite del ritualistico. Ci piace pensare alla nostra musica come psichedelica confermano i tre allunisono ma sempre mescolata ad attitudine pi fisica, perch anche muoverti, ballare ti porta in unaltra dimensione. Ecco, dallunione di queste cose nasce la nostra esperienza sonora. Di questa sorta di psichedelia post-electro (o viceversa) evidente dimostrazione lartwork curato da Francesco DAbbraccio: una esplosione di luci e colori su sfondo scuro che si fa galassia in espansione. Un vero e proprio arcobaleno virato al nero che ha una storia particolare. Ho lavorato allartwork mentre eravamo in studio a registrare il disco conferma lo stesso autore poich ci piace seguire tutti gli aspetti della pro-

duzione del disco, dalla registrazione al prodotto finito. Prima di entrare in studio avevamo in mente limmagine di una luce nel buio e ho costruito un prisma in plexiglass arcobaleno, per poi illuminarlo dallinterno e fotografarlo in uno scenario molto lugubre (il giardino di una grande casa abbandonata). Leffetto era molto strano, ricordava le atmosfere di The Road. Man mano che il disco veniva fuori, per, ci accorgevamo che era molto pi esplosivo e colorato di quanto avessimo pensato e che forse limmagine del prisma coglieva solo alcuni aspetti della musica. Ho cominciato a fotografare i fumogeni colorati di notte, sotto la pioggia, con flash e generatore. sembrata da subito una immagine pi adatta e spontanea. Black Rainbow sembra prendere il sopravvento sui suoi propri autori, configurandosi come una vera e propria esplosione di suoni e suggestioni dallelettronica degli ultimi venti anni tutta: passaggi ambient e atmosfere da hauntology, squarci dubstep e virate idm, cadenze da trip-hop gotico e witch-house ectoplasmica si alternano e convivono in un unico percorso formativo per electro-addicted. Ormai quasi tutta la musica interessante ha a che fare con lelettronica, esordiscono i tre, noi siamo cresciuti con elettronica ed normale che si senta. Personalmente prosegue Giovanni uno degli eventi che mi hanno segnato come musicista stato un live di Aphex Twin: esperienza piuttosto intensa, che non ricordo mi sia mai successa con un gruppo rock. Considera per che ascoltiamo poca musica, abbiamo ascoltato sempre meno musica ultimamente perch siamo presi col concetto nostro e non ci interessa tanto riuscire a rientrare in un genere, essere incasellati. C una rivendicazione forte nelle musiche degli Aucan. Scegliere la variet formale ancorandosi a una precisa filosofia. Abbiamo deciso di NON diventare un gruppo di genere: n math, n rock, n electro. Anche da questo nasce il concetto dellarcobaleno: cercare di inserire, di mettere in gioco pi elementi possibili e far s che dallunione di tutti questi elementi anche eterogenei uscisse qualcosa di nuovo. Le parole di Francesco confermano lassunto: Il disco il tentativo di far s che quello che era Black Rainbow e gli Aucan al momento della registrazione del disco non fosse tanto legato ad un determinato tipo di musica, ma a qual11

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Giordano Garosio

cosa che emergeva a prescindere dal tipo di musica. Una filosofia legata per anche a elementi formali che renda riconoscibile quello che stiamo facendo a prescindere se stiamo facendo un pezzo ambient o se stiamo facendo un pezzo con la cassa dubstep o un pezzo strumentale. Limprinting comune, sia esso filtro, matrice o semplice atmosfera, evidente in tutti i brani: segna quel prisma iridescente di influenze e rimandi e fa del terzetto bresciano una vera mosca bianca in una scena elettronica italiana povera o legata a schemi passati (Il dubstep lunica ondata di freschezza degli ultimi anni, ma in Italia siamo ancora ancorati alla house). Lestetica di riferimento possiede una matrice dubstep, oscura e esoterica; lorizzonte oltre il quale si guarda quello made in England, vera mecca per lelectro e modello ispirativo per molti che si cimentano a trafficare con beats e ritmi. Eppure i tre rivendicano la natura di gruppo del progetto Aucan: Ovvio, c la passione per il fenomeno del dubstep, uscito fuori in questi ultimi anni, ma non abbiamo deciso di suonare come un progetto dubstep. Non abbiamo fatto un disco dubstep perch noi siamo un gruppo, un gruppo che suona e non una produzione elettronica, anche se il disco fatto con le modalit delle produzioni elettroniche (il mastering opera del guru del dubstep Matt Colton, nda). Considera Black Rainbow come un ibrido, perch

un disco electro ma frutto di una band. E di una band che funziona dal vivo, perch la dimensione live che ci ha fatto crescere, che ci ha dato un seguito. C un senso del rock potente che vibra sotto la coltre elettronica gi evidente nei solchi e nella cover dellomonimo, Aucan, in quei vinili spezzati che frantumavano barriere e confini. Abbiamo iniziato a suonare a inizio 2000 io (Giovanni Ferliga, nda)e Dario per fare math-rock strumentale, alla Don Caballero e tutta quellondata l. Poi levoluzione venuta naturale: ho comprato il primo synth, abbiamo cominciato a fare cose pi elettroniche e quando anche Francesco ha preso un synth abbiamo fatto il primo degli Aucan. Che gi qualcosa di altro rispetto a ci che facevamo in precedenza. un ibrido, influenzato dai Battles ma pur sempre con cose nostre. La maturazione avviene con il citato ep DNA, in cui il suono vira verso lelectro pi drogata e oscura, lapproccio rock si stravolge, lorizzonte generale si incupisce. Una cattedrale di suoni scurissimi e synthetici come un party post-mortem. DNA lembrione di Black Rainbow. I due dischi sono quasi incollati luno allaltro tanto che nella versione in doppio vinile in uscita per Tannen c un pezzo dellep riregistrato e rivisto (luscita europea sar targata AfricanTape, quella giapponese per Stiffslack, nda). Gli Aucan di Black Rainbow mantengono molto di quelle origini rock, seppur trasfigurate e assorbite nel particolare insieme sonoro dellalbum: Restano sicuramente certe atmosfere, un approccio materico, la ritualit, che la musica sia esperienza psichedelicapoi il fatto che dal vivo pestiamo di brutto. A testimoniare limportanza della dimensione live per i bresciani ci sono i cinque tour esteri, la partecipazione a festival europei come lEurosonic olandese dinizio anno e un seguito crescente che supera i confini italiani. In quella sede emerge la carica rock: la trascendenza trance-oriented sembra impossessarsi dei tre druidi incappucciati e il dancehall si trasforma in un sabba post-industriale. La sezione ritmica il punto di snodo, un panzer cadenzato e mobile. Fondamentale lapporto della batteria di Dario, un vero e proprio metronomo dallapproccio fisico e digitale: Il drum-kit si evoluto anchesso col nostro suono. Ora un ibrido tra batteria acustica e elettronica in cui ho eliminato un tom sostituendolo con dei pad elettronici aggiunti da suonare in contemporanea col rullante. Questo per sommare due suoni in tempo reale e creare un ibrido ancora pi profondo. Anche i pezzi acustici saranno triggerati per arrivare ad un suono pi stratificato e pieno.La potenza di fuoco che i tre sprigionano live ben catturata su disco dal lavoro dietro la consolle di Giovanni Ferliga. Un lavoro professionale e maniacale, attento ai dettagli che si stratificano nelle complesse strutture dei brani. Il disco ha avuto una gestazione lunga: abbiamo registrato tre volte in ambienti e ambiti completamente diversi: la nostra sala prove qui a Brescia, poi in montagna in un ritiro solitario in un paesino di 70 abitanti sulle Alpi, per registrarlo una seconda volta, infine in studio in Francia per la versione definitiva. Il disco si manifestato da solo, si imposto su di noi per certi versi. Ci siamo ritrovati che una volta finito non era come lavevamo concepito un anno fa, nemmeno come lidea che avevamo del disco stesso. Una cosa completamente nuova e spiazzante anche per noi. Ibrido di carne e metallo, analogico e digitale, rock ed elettronica, Aucan il Tetsuo del terzo millennio, The shape of electro to come, parafrasando Coleman e Refused. Una catarsi tra un rock che-non--pi-rock e quelle elettroniche che sono il vero liquido amniotico di una manciata di giovani band nostrane. Aucan, Everybody Tesla, Gr3ta, Fauve! Gegen A Rhino tanto per fare nomi, ognuno con la propria sensibilit e peculiarit si muovono senza pi confini tra corde e pulsanti, distorsori e manopole. Annientano la dicotomia insuperabile del secolo scorso e aprono nuovi stimolanti orizzonti, illuminati da un arcobaleno nero. Quello degli Aucan. 13

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Tune-In

Hercules And Love Affair

Hercules, You Were Born At Night
Testo: Marco Braggion

Andrew Butler ci parla di Blue Songs, il sophomore album della sua creatura post-disco Hercules And Love Affair

Lalbum che spinniamo da un paio di settimane ininterrottamente sui nostri lettori CD e che probabilmente rester ai piani alti nella top 2011, una riconferma di quanto avevamo gi capito ascoltando lesordio omonimo del gruppo/progetto di Andrew Butler: il ragazzo rievoca leredit disco newyorchese e se ne esce con un riassunto di quello che stata la cultura dance degli ultimi trentanni, proponendo una nuova strada per il suono da dancefloor. Oltre a ci, Blue Songs anche una introspezione dellanima, canzoni che scandagliano il sentimento di chi ha marchiato nel cuore il motto Last night a DJ saved my life e seppur abbia passato let del partying selvaggio, sa cosa vuol dire credere nei laser, nelle luci al neon e nelleredit dancefloor. Dopo aver cercato Andy invano, tra segreterie telefoniche che scattavano, numeri sbagliati e scazzi con il fuso orario, ci ha richiamato lui. Gi da qui abbiamo capito che non siamo in presenza di un poseur, anzi ci ha colpito nella sua onest intellettuale e artistica, nella sua semplicit di chi ama parlare di musica, quasi come se avessimo chiamato un amico che non sentivamo da tempo. Questa dimensione casalinga e laid-back nasce forse anche dal suo recente trasloco da New York a Denver. Dai fasti della big town alla riflessione pi accorata e personale che motiva lo scarto intimista per rinforzare uno stile oggi pienamente maturo. Sentiamo cosa ci ha detto. Appena abbiamo sentito lalbum abbiamo visto che non c Anthony (il cantante di Anthony & The Johnsons, ndSA) nei featuring. Perch non lhai chiamato anche in questa occasione? Gi dal primo disco sapevo che Anthony non sarebbe stato nei successivi. Oltre a lavorare con me ha collaborato con Rufus Wainwright, Naomi, Cocorosie, Lou Reed, Bjrk e altri. C stato un tempo - appunto quando abbiamo registrato quelle due canzoni nel primo

disco - in cui sapevamo che andava bene lavorare insieme; ma prima o poi sarebbe stato giusto tornare alle nostre carriere soliste, lasciando da parte i featuring. Ed quello che abbiamo fatto. Recensendo questo disco, ho scritto che un riassunto di culture musicali differenti, come la disco, Jimmy Somerville, il sound garage di New York, gli anni Ottanta, Arthur Russell e altre cose. Sei daccordo? Penso che tutti questi riferimenti siano pi calzanti per il primo disco, che stato un hommage a molti produttori disco e dance. In questultimo disco penso che ci siano ancora influenze di Arthur Russell. Se vuoi ci puoi sentire anche qualcosa di Brian Eno, qualche influsso techno o dei classici di Chicago. In generale questo disco pi difficile da collegare a riferimenti del passato rispetto allesordio. Mi stai dicendo che hai cercato di costruire una cosa pi tua? Con uno stile personale? S, ho cercato di capire meglio la mia vena compositiva. Volevo capire il perch ho deciso di scrivere proprio questa musica. Perch ho deciso le note che ho scritto? Perch vogliono dire qualcosa di speciale per me? e qualcosa di diverso per qualcunaltro? Mi sono messo al piano, ho suonato un accordo e ho pensato a cosa stavo suonando, ho cambiato laccordo. Cos ho tentato di catturare la mia voce. Allinizio del disco c un verso che mi piace molto: Elegance / You were born at night. Cos leleganza per te? Leleganza per me... [ci pensa un po, ndSA] una domanda difficile! Penso che sia importante questa domanda, dato che il disco mi sembra molto elegante... S, era proprio una delle mie intenzioni quando lho scritto; quella canzone lho scritta per Chanel. Me lha 15

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commissionata proprio la casa di moda. Quando ho iniziato a scriverla, mi sono messo a pensare: di cosa dovrebbe parlare la canzone? Ho deciso che la cosa pi importante per me era di guardare allinizio di Chanel, allesordio, alla donna che iniziato tutto e che ha definito tutti i cento anni successivi di fashion. In un certo senso ho dedicato la canzone a lei. Il primo verso si riferisce proprio a Coco, dato che era una creatura della notte. Leleganza per me riassumibile in tre parole: modestia, sorpresa ed emozione. Perch hai scelto di intitolare il disco cos? Ti riferivi anche al blues o ad altri tipi di blu? Mi piace questa domanda, perch di solito mi chiedono se il blu del titolo si riferisce alla tristezza o alla malinconia o bla bla bla... e io ho diverse risposte: la prima risposta - molto ovvia - che nellalbum c una canzone che si chiama Blue Song e che ho scritto tante canzoni che usano la parola blu; una risposta un po stupida, ma vero che uso il blu molto spesso. Quella canzone in un certo modo il centro del disco e volevo sottolinearla. In generale per la poesia e per i testi delle canzoni, luso dei colori agli occhi di chi legge (o ascolta) molto provocante. I colori evocano immagini differenti a persone differenti, penso sia utile incorporare i colori nei testi: per qualcuno il mio disco sar triste, per qualcunaltro sar un album calmo e pacifico, qualcunaltro pu pensare che sia profondo, come loceano, o che parli della notte. Ho usato quella parola per provocare la gente. In pi i colori sono stati gi utilizzati nella tradizione musicale: pensa allalbum Blue di Joni Mitchell o al Brian Eno di Another Green World. Per tornare alla tua domanda. Nel blues americano le canzoni parlano di lotta, lamenti, cuori spezzati. Quando ascolti i dischi di Robert Johnson o Bessie Smith si sente che questi artisti parlavano di quei sentimenti... non detto che la gente che ascolta il mio disco senta solo quelle cose per. Hai lavorato con molta gente a questo disco (Kele Okereke dei Bloc Party e altri). C stato qualcuno che ti ha colpito di pi? Con ogni cantante che ha partecipato al disco la collaborazione stata diversa. Per esempio Anthony in studio completamente diverso da Kele, Kim Ann o Shaun. Bisogna adattarsi al loro modo di lavorare. Devi aggiustare il tuo ego, e devi cercare di risolvere delle situazioni del tipo: Ok, questa la mia idea e forse non quella migliore. La cosa pi importante che esca una buona canzone, quindi in molti casi devi cambiare le cose che hai in testa. Le collaborazioni devono essere aperte e comunicative, devono manifestare sentimenti positivi e che portino a fare la musica pi bella possibile. Penso che Kele sia stato molto professionale nel 16

lavoro che ha fatto anche se un po timido. Ho letto che hai iniziato a stampare del materiale su unetichetta tutta tua, la Mr. Intl. Cosa stai preparando? Abbiamo gi 3 uscite. E tre programmate nelle prossime settimane. Sto tentando di fare qualcosa old-school che si differenzi dalle etichette che ci sono in giro, che pubblicano dischi di house troppo veloci (gli artisti che per ora militano nella label sono lo stesso Butler e Kim Ann Foxman con il 12 Creature/What You Need, ascoltabile in streaming su Soundcloud). Altri progetti per il futuro? Sarete in Italia? Eccome! Passeremo molto tempo in Italia nel 2011, quindi veniteci a vedere (la prima data confermata al Tenax di Firenze il prossimo 24 febbraio). Per quanto riguarda i progetti, sono molto impegnato con la label e curo anche le produzioni di Kim Ann. La settimana scorsa, per la prima volta in vita mia, ho composto le musiche per un film spagnolo. Mi piacerebbe andare avanti a comporre musiche per film, entrare nel mondo della musica classica contemporanea. Come si chiama il film? Abraza Mis Recuerdos del regista spagnolo Horacio Alcal (in realt un corto di 12 minuti, ndSA). Narra la storia di un bambino che perde la nonna. Mi piaciuto molto.

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ITALIA IMPROVVISA
il suono, larte, il diy nellera della infinita riproducibilit tecnica
Drop out
Un CD o un LP diventano parte del corredo personale, del dintorno oggettuale che definisce il nostro essere nel presente, e ancor pi il nostro passato. (Bruno Stucchi, Die Schachtel) Loccasione per dare forma compiuta a una idea che da tempo si covava qui a SA ce la offre luscita del box Musica Improvvisa edito dalla milanese Die Schachtel, vero e proprio monumento pi che semplice manifesto di una scena che definiremmo senza volont di completezza impro. Lincompleta rassegna fotografa in dieci avventurosi scatti un intero brulicare di band e progetti pi o meno radicali, fornendoci la sponda ideale per allungare lo sguardo non sui protagonisti, quanto sui marchi che ne stanno suggellando il successo critico. Nellera del 2.0, del download selvaggio e degli streaming integrali, degli apparecchi con il prefisso i e dei cellulari tuttofare, la label DIY ancora una realt centrale nel panorama indipendente e lo ancor di pi quando la ricerca sonora sinterseca con quella artistica tout court, dove alla mancanza cronica di denaro e alle ore di sonno perso sopperiscono creativit e manualit. Fattori che generano release spettacolari, anticonformiste e al limite del masochistico, fatte di edizioni curate in ogni dettaglio grafico, 19

Pi che un viaggio in senso stretto, una mappatura effettuata su quattro realt nodali dell'impro italiano. Boring Machines, Fratto9, Hundebiss e Von Archives. Testo: Stefano Pifferi e Gaspare Caliri
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fisico, visivo e tattile. Immagini coordinate del contemporaneo sottobosco che non rifiuta il web, anzi lo considera unestensione del banchetto della distro poich centrale e non incompatibile con lidea delloggetto disco come artygianato concreto e durevole nella quotidianit della musica registrata. Abbiamo individuato tra le tante realt una doppia coppia di label: la prima viaggia sullasse Boring Machines / Fratto9 Under The Sky, la seconda prende in esame un paio di giovani realt perfettamente sposate allarte come la Von Archives di Nico Vascellari e Carlos Casas e la Hundebiss di Barbara Bertucci e Simone Trabucchi. Le abbiamo scelte perch muovendosi tra art-rock e musica sperimentale, elettroacustica e industrial, wave e impro-jazz, i loro cataloghi risultano tra i pi avventurosi ed eccitanti in circolazione. Inoltre, con le loro curatissime e spesso limitate edizioni siano esse cd, vinili, tapes o dvd cortocircuitano alla perfezione lattenzione al connubio tra arte e suono tipico di questo DIY professionale, facendosi carico dellintero ciclo produttivo: dalla scelta di materiali e taglio grafico, allassemblaggio spesso manuale dellartwork, fino a distribuzione e vendita. Quattro mondi accomunati da grande credibilit e riconoscibilit. Ma anche da una sostenibilit di esercizio, basata su supporti, accuratezza e qualit. Come primo passo, per, nel connubio tra ricerca sonora sperimentale e raffinatezza grafica, non potevamo non sentire la Die Schachtel di Bruno Stucchi e Fabio Carboni, maestra riconosciuta le cui edizioni valgono tanto sul piano musicale (i recuperi dellelettronica storica italiana, il nuovo rock davanguardia, ecc.) quanto su quello artistico e grafico. In un suo romanzo William Gibson descrive un futuro nel quale larte esiste solo in forma digitale e virtuale. In questo futuro le opere pi ricercate e quotate sono delicatissimi e fisici assemblages di frammenti poveri quali carte, legni, piccoli trucioli di metallo, materiali vegetali, schegge di plastica e vetro. La rimozione della materialit va contro un bisogno primario delluomo di

esperire il mondo in modo (pluri)sensoriale e caldo. Inoltre la materia fisica contiene la durata nel tempo e, di conseguenza, un valore di permanenza individuale superiore a qualche stringa di bit. In parole nostre, un CD o un LP diventano parte del corredo personale, del dintorno oggettuale che definisce il nostro essere nel presente, e ancor pi il nostro passato. Vale per la musica da quando esiste il supporto registrato. Il nostro mondo musicale definito anche da quegli oggetti, per quanto ingombranti e limitati nella loro capacit contenitiva e riproduttiva. Die Schachtel ci sottolinea quello che gi una netta chiave di lettura di questo articolo: i supporti sono centrali e hanno un loro prezzo. Non una scelta che paga, ma non siamo qui per i soldi, come diceva Zappa, prosegue Bruno. Da un punto di vista di ricerca di una voce visiva ed espressiva che denoti Die Schachtel, paga molto di pi. quello che stiamo facendo con le nostre scelte grafiche, di packaging e di stampa: tentare di costruire una dialettica forte tra contenitore e materiale, tra editore ed artista, tra oggetto e fruizione del fatto musicale o sonoro che possa rendere anche pi accessibili informazioni e materiali di contesto, e perch no, si ponga anche come linea di resistenza ad una smaterializzazione che spesso anche svuotamento di contenuto. Dello stesso avviso Luca Vinciguerra, responsabile unico di A Dear Girl Called Wendy, che in tandem con laltro Die Schachtel Fabio Carboni unaltra figura chiave che era giusto sentire in proposito. Letica del fai-da-te principalmente passione, e se si ha passione, il fottersene di quello che gli altri pensano diventa del tutto naturale. Gestire unetichetta diy tentare di usare la musica come mezzo informativo, di portare avanti unidea, di essere congruenti in primis con il proprio codice etico. Un impegno totale e una forza di volont invidiabili nel creare reti di rapporti interpersonali che formano una scena. Senza il diy e la sua etica ci sarebbero moltissimi generi che sarebbero gi morti. Senza diy, tutte le musiche non popolari sarebbero solo un ricordo. La A Dear Girl Called Wendy ruba il nome a South Park (Amavo quando Stan vomitava solo nel vedere Wendy. Pensare che una persona sia il tuo ipecac mi piacque molto) e cerca di approfondire il rumore con un catalogo tra i pi efferati del lotto. Luca segna un altro punto a favore delle label italiane, quando individua nella eterogeneit la caratteristica del movimento: Etichette come Hundebiss, Presto?!, Von Archives, Boring Machines et similia portano avanti un discorso musicale con passione e gusto. Si cerca la qualit e non la quantit. E se si controlla attentamente, a differenza di altri paesi in Italia non esistono etichette fotocopia. Ognuna porta avanti unidea personale sia musicale che visiva, e questo sicuramente vuol dire carattere e personalit. Infatti, accanto a queste label, se ne muovono moltissime altre, molte delle quali affrontate da SA in speciali, approfondimenti, recensioni negli ultimi anni: dalla negazione del medium (i digipack in odorama tossico e no-info) della Niente dei St. Ride Maurizio Gusmerini e Edo Grandi alle eleganti grafiche che la Presto?! di Lorenzo Senni utilizza per le sue indagini in campo noise-elettroacustico; dalle evoluzioni impro-jazz in edizioni viniliche dalto pregio della Ultramarine alle asperit da sottobosco noise via tapes e vinili one-sided della 8mm. Dalle eleganti edizioni in cd-r darea post-psych primitivista della Sturmundrugs di Donato Epiro ai cartonati digipack della storica A Silent Place e gi fino alle ricercatissime edizioni post-Grey Area di Silentes o Radical Matters, o ai vinili spesso etched e 21

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one-sided di Xhol e Holidays per non parlare dei cataloghi delle storiche (anche queste da noi gi indagate) Wallace e Setola Di Maiale e delle tantissime che rimarranno fuori da questo incompleto elenco.

I ntervIsta doppIa B orIng M achInes /Fratto 9 U nder the s ky

Boring Machines e Fratto9 Under The Sky. Due label, due uomini, una garanzia. La prima, nata dalla passione del deus-ex-machina Onga (un passato come collaboratore di Post-it Rock?, organizzatore di concerti, agitatore della prima ora e molto altro) si dichiara in difesa della musica noiosa. A scorrere il catalogo per drone, Mamuthones, Expo 70, folk-noir, elettroacustica, Father Murphy, noise, kosmische, Claudio Rocchetti, sembrano dargli decisamente torto. Non musica leggera, ma sicuramente nemmeno noiosa. Cos come solo artwork non si possono definire le edizioni cartonate, piacevoli allocchio e al tatto prima ancora che alludito. La seconda muove dalla passione per i perdenti e per quelle forme darte minori che porta Gianmaria Aprile a suonare (Ultraviolet Makes Me Sick), scrivere (la webzine Post-it Rock?), registrare (la serie Private Works) e infine gestire, in omaggio allo zio prematuramente scomparso (Al Aprile), la Fratto9 Under The Sky. Catalogo altrettanto valido e eterogeneo, con una lieve predominanza per lavantgarde e le forme pi aperte di jazz: dai seminali Caboto ai napoletani Illchime Quartet e A Spirale fino al noise kosmische (Detrimental Dialogue di Marutti/Balbo), dronico (Luminance Ratio) o nero pece (Aspec(t)). Produzioni ottime dal punto di vista della ricerca musicale e curatissime sotto quello grafico-estetico per entrambe, con punti di contatto in catalogo (Luminance Ratio, Marutti/Balbo) e una simile concezione dellimpegnarsi in prima persona. Abbiamo lasciato loro la parola per saperne di pi sulla loro storia e sul loro pensiero sullItalia improvvisa. Da realt ormai consolidate vorrei la vostra opinione sulla scena impro e/o elettroacustica. Vi sentite rappresentati? Manca qualcosa? C anche troppo rispetto allo scarso pubblico? ONGA Boring Machines ha le sue radici in un mondo molto eterogeneo, che va dalla marziale techno di Detroit alla musica classica, passando per i 13th Floor Elevators, Tangerine Dream, Fela Kuti e lArt Ensemble of Chicago, perci difficile per me essere rappresentato da qualcosa di definito. Quello che ascolto ora o che mi appassiona, spesso figlio di movimenti artistici che datano 60/70/80 e che sono state rimasticate, rielaborate, ricodificate nel tempo. La scena elettroacustica vastissima e la sua emersione dovuta, come per altri fenomeni underground, alla grande democratizzazione che la rete ha portato da met anni novanta. La musica disponibile cos come i gruppi che suonano non sono mai troppi. Molti sono mediocri, daccordo, ma i mediocri non vanno molto lontano e se si ha pazienza chi ha delle qualit emerge, poco magari, ma emerge. Potrei citare i miei Father Murphy gruppo che negli ultimi sei anni ha lavorato sodo sul proprio suono, divenendo un gruppo raro, per non dire unico. Ancora adesso linvestimento in termini artistici e di energie da parte del gruppo tanto, ma qualche piccola soddisfazione, dopo tre tour negli States e non si sa pi quanti in Italia ed Europa, comincia ad arrivare. F9 bello essere considerati una realt consolidata. Il problema che forse lo siamo per quei 100 scrutatori dellunderground, ma per il resto ri22 23

maniamo delle piccole etichette con tanta voglia di portare avanti un progetto nel tempo. Comunque sia, penso che parlare di corsi e ricorsi storici sia sempre funzionale anche in queste occasioni, nel senso che ciclicamente passano i generi e gli approcci musicali. La facilit con cui oggigiorno tutti noi possiamo mettere insieme un computer e un po di suoni ha aiutato molte persone a sviluppare nuovi percorsi, ma ha anche creato una quantit di materiale inutile che sta saturando il piccolo circuito, e purtroppo ad emergere non sono sempre le realt e i progetti pi interessanti. Limprovvisazione una brutta bestia, con cui ci si confronta in maniera spesso troppo superficiale, ingannati dal fatto che essendo improvvisazione non ci sia bisogno di preparazione e di studio, ma per fortuna tutto il contrario. In generale penso che in molte occasioni manchi lautocritica da parte degli stessi musicisti nel saper giudicare il proprio lavoro e capire se necessario o meno cercare di pubblicarlo; inoltre penso manchino spesso anche la cultura e gli ascolti da parte dei musicisti e anche dei giornalisti pronti a giudicare lavori senza conoscerne gli antefatti o il percorso sonoro affrontato. Siete label quasi homebased, con uscite centellinate ma curatissime dal punto di vista graficoc una idea di base dietro la scelta estetica? ONGA Lidea di base dietro allestetica Boring Machines si basa sul mio amo24

re per i prodotti fatti bene tout-cour. Se un disco bello musicalmente, e si presume che io faccia uscire dischi che reputo essere belli in tal senso, si merita di essere bello anche esteticamente. Odio i jewel cases, mi piacciono molto la carta e gli inchiostri e quindi da quando sono partito mi sono fatto creare delle fustelle di stampa per le mie copertine che fossero adatte allutilizzo di carte particolari o alla stampa degli artwork pi bizzarri. La scelta degli artwork in s spetta alle band, voglio che ogni artista di cui faccio uscire il disco si senta rappresentato in tutto e per tutto dal suo disco. Ho avuto la fortuna negli anni di collaborare con un grafico dal gusto eccezionale (Be Invisible Now!) e di avere artisti che fossero anche dei gran fotografi (la copertina di Piallassa (Red Desert Chronicles) di Punck, ad opera dello stesso Zanni). Io ci ho messo del mio e mi ritengo sufficientemente esperto da tirar fuori il meglio dalle idee di artwork che gli artisti mi propongono. Compro ancora molti dischi e ammetto che il tipo di packaging usato ancora una forte discriminante per me, al punto di aver anche preso dischi mediocri, con delle copertine eccezionali. F9 Basti pensare che il CD un supporto che ormai non ha pi valore e probabilmente continuer a perderlo con il passare del tempo, quindi oltre alla musica c la necessit di creare un oggetto completo, in tutte le sue sfaccettature. Di conseguenza si sceglie il cartonato/digipack anzich il jewelcase, si creano inserti e altri dettagli che arricchiscono e che completano tutto il lavoro. Per quanto riguarda invece i contenuti musicali, per mia/nostra fortuna abbiamo sempre lavorato con musicisti che hanno dedicato molta attenzione anche al suono, al mixaggio e al mastering, riuscendo a completare il lavoro nel migliore dei modi. Lavori come quello dei Luminance Ratio (dove ho curato personalmente i contenuti musicali e la grafica), Aspec(t), Balbo-Marutti sono sicuramente prodotti studiati a tavolino e curati nei minimi dettagli sonori cercando di ottenere il meglio dalle nostre possibilit e competenze. Cosa significa condividere dischi per voi? D coesione ad una ipotetica scena o legato soltanto a questioni pratiche ed economiche? ONGA Fare dischi assieme, in coproduzione, una tendenza in aumento in molti settori negli ultimi anni, retaggio del punk e dellhardcore adesso utilizzata da molti. Inutile nascondersi dietro un dito, le motivazioni economiche sono forti, dividere le spese per la produzione di un disco, in un periodo nel quale dischi se ne vendono comunque pochi, pu essere vitale. Certo che le collaborazioni avvengono sempre tra spiriti affini, io e Gianmaria ci conosciamo da un decennio e abbiamo condiviso molte cose, la sua webzine, i concerti del suo gruppo, il Tagofest al quale lavoriamo insieme da anni. Quando poi si parla di artisti come Andrea Marutti e Fausto Balbo, o gli stessi Luminance Ratio, lacquolina alla bocca viene immediatamente. Sono dischi che avrei fatto uscire anche da solo, la condivisione nasce anche dal desiderio di tutti di spingere un buon prodotto. La parola scena sempre schifata in qualche modo dalle persone, trovo invece che delle scene in italia ci siano per davvero, e sono quelle non celebrate pubblicamente. Il giro elettronico/noise italiano, che da Marutti a Punck, da Pietro Riparbelli ai Logoplasm passa attraverso Luca Sigurt (ora nei Luminance Ratio), il giro di Hundebiss a Milano, Codalunga a Vittorio Veneto piuttosto che il giro romano, ha una serie di contatti, di permeazioni ed incroci che sfociano in collaborazioni e mutuo aiuto che definiscono i confini di una scena. Lunico peccato che in molti casi finora il giornalismo 25

italiano si limitato ad importare la scena di Brooklyn, Providence o Portland senza mai gettare un occhio attendo a quanto succede nello stivale. F9 Sicuramente vuol dire che abbiamo in parte la stessa direzione artistica e in parte, come dici tu, anche uno stimolo per condividere assieme una piccolissima fetta del circuito. La coproduzione aumenta anche le possibilit di distribuzione del supporto, si hanno pi contatti da condividere e giornalisti a cui far arrivare il prodotto. Per fortuna abbiamo dei canali di promozione un po diversi, e c sempre stato un ottimo rapporto collaborativo. Naturalmente laiuto economico una forte componente quando si tratta poi di fare i conti della stampa, a maggior ragione quando il packaging diventa pi elaborato e quindi dispendioso. Operate in ambiti diversi, ma pur sempre in musiche di confine. La nicchia da coda lunga profetizzata da Anderson funziona? ONGA Ho guardato quel grafico decine di volte, sono quasi arrivato a convincermi che ci fosse del vero in quelle teorizzazioni, ma pur sempre tali rimangono per quanto mi riguarda. Ci sono delle manifestazioni di fenomeni riconducibili alla teoria di Coda Lunga che possono essere messe in luce: alcuni artisti, distillando sui pi svariati formati per le pi svariate etichette nei pi svariati paesi, hanno raccolto una microscopica promozione locale da ognuna di queste uscite, assurgendo allo status di artisti rispettati ovunque in poco tempo. Naturalmente, ancora, la qualit che conta. Justin Wright (Expo 70) ha fatto uscire cd, cd-r, cassette e vinili in mezzo mondo, ed ormai artista riconosciuto di livello internazionale. Ma lui molto, molto bravo. Molti altri hanno passato la vita a disseminare brani qui e l, ma brani mediocri che non li hanno portati da nessuna parte. F9 A parte il seno prosperoso (e purtroppo fintissimo) della fanciulla che di cognome fa Anderson, penso che la coda lunga di Chris Anderson sia troppo lunga per riuscire a coprirne anche solo una minima parte con etichette del calibro della Fratto9. In effetti il mercato indipendente davvero fiorente, e molto spesso sforna prodotti di ottima qualit, ma forse davvero troppo prolifico, e la domanda non ancora cos forte da giustificarne la produzione a volte esasperante di tutte le etichette indipendenti. Penso ci sia di base un grave deficit da parte della popolazione nel riuscire a guardare oltre alle grandi produzioni e ad interessarsi a quelle di nicchia. Sicuramente i media non aiutano nellatto di promuovere tutto questo micromondo sommerso e quindi bisogna perseverare e continuare a lavorare aumentando i canali di promozione/distribuzione/contatti. Quella parte di coda che riusciamo a coprire con i nostri mezzi ancora troppo piccola per poterla applicare al modello di Anderson, che nella sua concettualit vincente. Forse etichette come la Wallace o Afe ce la stanno facendo, perch lavorano su grandi quantitativi di materiale pubblicato e quindi aumentano di pi lo spettro dei possibili acquirenti, avendo pi variet di scelta. In generale bisogna sempre lavorare molto perch di dischi purtroppo, se ne vendono ancora troppo pochi. Le vostre label agiscono molto sul territorio italiano, sia come catalogo che con altre iniziative. Cosa ne pensate della territorialit? ONGA Ah! la territorialit! Non era pianificato, ma successo che nella maggioranza delle mie uscite mi trovassi a lavorare con artisti italiani. Questo dovuto al fatto che riconosco a molti di loro uno spessore tale da non avere nulla da invidiare a questo o quellaltro progetto straniero di genere. In pi, in casi (disperati) come quelli delle etichette underground credo che il fat26

tore umano conti molto. Voglio potermi incontrare e parlare con gli artisti con cui lavoro, certo ci sono le mail e i social network, ma davanti a una birra si finge peggio. Oltre ad un discorso ristretto a BM, allargherei la questione ad un mio tentativo di entrare in contatto con quante pi persone interessanti che provengono dalle realt italiane, siano essi musicisti, grafici, videomakers o altro. Una rete di contatti spalmata sul territorio tra persone che hanno interessi in comune facilita la circolazione delle idee, aiuta semplicemente a reperire materiali, informazioni, aiuti anche alle band che incidono sulla mia etichetta. Il Tagofest una esperienza illuminante in tal senso, negli ultimi sei anni ha rappresentato un punto di incontro per un sacco di musicisti, ma anche artisti di altro tipo, che ha allargato le conoscenze, ha messo a disposizione delle persone il supporto di altre persone, una maniera per crescere insieme con il mutuo aiuto (visto che aspettarselo dallalto non una buonissima idea). Tutto questo senza dimenticare un atteggiamento di apertura verso le vicende che capitano allestero o che dallestero passano attraverso lItalia. Nelle mie collaborazioni discografiche figurano etichette americane, francesi, artisti da tutta Europa, dalla Russia. Tutto questo aiuta a consolidare la credibilit del lavoro che sto portando avanti, oltre a farmi fare un sacco di amici nuovi. F9 Per quanto riguarda la distribuzione e la commercializzazione dei prodotti, non parlerei di territorialit visto che ormai lavoro con distribuzioni sparse per lEuropa, e sto lavorando anche per avere qualche disco in America. Le iniziative come il Tagofest e altre collaborazioni atte ad organizzare concerti aiutano e ci sostengono nel nostro lavoro. E riallacciando27

mi al discorso di prima devo dire che se mi fermassi a lavorare soltanto con il territorio Italiano finirei cotto nel mio stesso brodo. Una scena circoscritta aiuta a rinsaldare i legami tra musicisti, giornalisti, promoter, etichette? ONGA I legami si rinsaldano con la partecipazione, pi questa aumenta pi si consolidano i rapporti tra le diverse entit del mondo musicale. Lofferta musicale vastissima e lo sono pure le strutture di promozione. naturale che nel percorso di ognuno ci siano dei legami pi stretti con quelli del giro ma io trovo importante allargare questo giro il pi possibile, non limitarsi mai ad operare in territori conosciuti e rischiare invece lavventura con nuovi interlocutori. Il rischio, ad operare in un circuito ristretto artista/etichetta/giornalista per esempio, quello della autocelebrazione e delleccessiva indulgenza nei propri confronti. Nel tempo si corre il rischio che il rapporto tra una etichetta ed i giornalisti di riferimento venga a mancare di obiettivit, oppure che un artista perda gli stimoli non dovendosi confrontare col giudizio ex-novo di una nuova etichetta. Confrontarsi aiuta a crescere. F9 Direi che un po unarma a doppio taglio, perch succede che poi continui a guardare in faccia le stesse persone, ad avere le stesse frequentazioni ai concerti e quindi i dischi vanno a finire esauriti perch li hai scambiati, dati in promozione ai giornalisti (alcuni dei quali ormai tuoi amici) o lasciati ai locali, ma non perch siano stati effettivamente venduti. un ragionamento che funziona e fa piacere fino ad un certo punto, perch poi c bisogno di cambiare aria e purtroppo in diverse occasioni sembra che sia una guerra tra poveri per riuscire ad accaparrasi qualche concerto e c ancora tanto egoismo per riuscire a creare davvero un bel circuito fatto di collaborazioni e condivisione dintenti.

H unDebiss . Carta , onest e rumore

famosa per gli show milanesi al Secret Place, capannone sperso nel Lambrooklyn al nord-est della citt. L, in un luogo senza orpelli n attrattive alla moda, si alternata la crme de la crme della scena weird-noise-impro mondiale: da Ducktails a Wiese, da Burial Hex a Aaron Dilloway arrivando a Sun Araw per il gran finale. Oltre questo per la Hundebiss anche raffinata label che unisce efferatezze sonore a ricercatissime edizioni homemade, con una spassionata predilezione per la carta. Affare anche questo di una coppia di fruitori e appassionati musicali, prima che di esperti del settore, Barbara e Simone Hundebiss. HUNDEBISS inizia nel 2007 come piccola distribuzione di materiale che allepoca faticavamo a trovare in Italia (e a volte in Europa). Nasce quindi dallesigenza di avere a propria disposizione dischi e documenti di quello che stava accadendo in US (Fort Thunder a Providence, i concerti nei sottoscala del Mid-West) e in alcune parti dEuropa (Belgio ed Inghilterra soprattutto). Non di solo acquisto di dischi per si tratta, quanto di creare una rete di contatti pi ampia e profonda. In Italia contemporaneamente sembravano nascere (o risorgere) fermenti di quella che potremmo definire unattitudine alla sperimentazione non accademica, questo per includere e non escludere, difetto che hanno spesso alcune (troppo) facili definizioni quali noise, experimental, hypnagogic (brrr). Raccogliendo questi vagiti siamo partiti con letichetta, esperienza che continua tuttora. C una filosofia e una estetica forte dietro il marchio col cane. Che si fa 28 29

ricerca, nel primo caso, e artygianato, nel secondo. La filosofia di Hundebiss piuttosto semplice, si potrebbe parlare di una mappatura di tutto quello che ci sembra fresco e onesto nel panorama sperimentale contemporaneo. Fondamentalmente produciamo quello che ci piace, e quello che ci piace ha di solito una visione solida alle spalle. Pensiamo a Raphael/Mudboy, a Henrick/Popol Gluant, e, ovviamente, a James Ferraro. Noise concreto e massiccio, elettroacustica frantumata, experimental maltrattata. Queste le lande di riferimento sonoro di Hundebiss, sviluppate attraverso supporti che variano dal 12 screenprinted (Popol Gluant, Hair Police) alla cassetta (Francesco Cavaliere, Aaron Dilloway, Dracula Lewis), passando per i 7 (Olyvetty) e il vhs (lupcoming Rapture Adrenalina di James Ferraro, presentato allultimo Netmage). La peculiarit fondante di Hundebiss risiede proprio nella tangibilit arty di ogni singola opera, in una esperienza che visiva e tattile prima che uditiva. La nostra particolarit la cura totale delloggetto disco, con unossessione maniacale per packaging e grafica. Le nostre uscite sono in poche parole una collaborazione tra noi e lartista. Il tutto viene fatto a mano, esasperando il concetto di diy, cercando di svoltare il risultato in un prodotto il pi possibile completo. Evitando banali discussioni, crediamo per che scaricare unuscita Hundebiss equivalga a perdere almeno la met della carica esperienziale del prodotto originale. Come accennavamo in apertura, la spinta propulsiva della label milanese oltrepassa quella puramente discografica. I concerti in spazi desueti o atipici, esteriormente disadorni ma pregni di significati, ne sono la caratteristica principale; una tendenza che rinsalda il legame del circuito diy creando una comunit. Crediamo che dopo tanta fatica sia ora possibile organizzare tour in Italia, dopo anni di buio dove la penisola veniva spesso evitata come la peste. Senza falsa modestia, la presenza del Secret Place a Milano ha giocato un ruolo fondamentale. I motivi sono molteplici, il primo semplicemente strategico: Milano la prima grande citt italiana raggiungibile quando si sta facendo un tour in Europa, il che significa che da l in poi scendere una spesa affrontabile per il gruppo. Allinizio stato difficile, ma avendo lavorato duro per oltre due anni, ci siamo costruiti un pubblico di affezionati che rendeva possibile dare ottimi fee alle band. Inoltre, laccoglienza e lorganizzazione dello spazio rendevano il Secret Place unisola felice nel grigio milanese, dove spesso le band passavano ben volentieri pi di un giorno. Quel senso di comunit, fatto di identit di vedute e di condivisione di ideali, spazi e obbiettivi in crescita anche in altre realt geografiche, ponendo il panorama italiano alla pari con quello di paesi con altre tradizioni rumorose. Lo accennava Onga di Boring Machines poco prima, ce lo confermano i due Hundebiss, ora: Lo stesso lavoro stato fatto a Vittorio Veneto, Roma, Napoli, gi da molto prima a Bologna, e credo che a catena anche altre citt si stiano svegliando. Ora che il Secret Place andato per sempre rimane un grosso vuoto. Continuano altre esperienza milanesi, ma con unattitudine diversa dalla nostra. Onestamente crediamo che mancher uno spazio come il Secret Place, anche per la sua rude ma liberissima accoglienza, la semplice possibilit di fumare e bere a poco prezzo oppure il lusso di poter suonare a volumi inauditi o bassissimi. Oppure poter semplicemente chiacchierare allaperto, senza limiti di tempo o di volume (ancora una volta). A volte viene trascurata la valenza sociale (o asociale, visto che con orgoglio Hundebiss ha sempre chiamato a s un bel mucchio di coloratissimi weirdos) di situazioni del genere. Ci piace pensare che tutti gli orfani di questo posto e di questo momento si 30

stiano sparpagliando in giro per far nascere situazioni analoghe in ogni posto. Sogniamo un mondo di Secret Place.

Von . a rCHiVio e raffinazione Del nostro tempo.

Facile a dirsi, breve a spiegarsi. Lasciando la parola al sito web delletichetta, VON is a label interested in releasing experiments in contemporary sound and visual arts. VON is interested in the intersection of the visual and sound arts. VON releases limited and special editions. VON is run by artists. La Von nasce deliberatamente come intersezione e messa a sistema dellesistente e delle sue eccellenze. La label nasce nel 2008 e a oggi conta undici uscite, dallo split DVD Choir (se cos si pu chiamare un matrimonio audiovideo), originato dalla collaborazione tra Carlos Casas e Nico Vascellari prima e unica release del 2008 fino a Inner Shine, in uscita sempre in formato DVD (anche se ristampa, almeno lato audio, della cassetta omonima uscita nel 2009 per Second Sleep) e firmato da WW detto per esteso Women in the Woods, progetto che coinvolge lo stesso Vascellari. In mezzo, giusto per citare uno dei picchi in vinile, lellep Blind Jesus, fotografia della collaborazione tra Stefano Pilia e Edward T. Hooker, secondo chi scrive una delle uscite pi convincenti dellanno appena concluso. I tratti distintivi sono tutti gi detti: roster selezionatissimo, visual e sound art e produzioni di poche e sicure centinaia di copie. Il protagonista dellimpresa Vascellari, artista nato in seno al nido dei With Love, oggi ormai arcinoto nel circuito dellarte contemporanea; figura di cui qui a SA abbiamo parlato spesso, data la pertinenza del personaggio nello sdoganamento e maturit sperimentale del post hc della band madre. Le coordinate su cui si muove la musica prodotta da Von sono inequivocabilmente settate sul noise elettroacustico in kraut-sourcing e allimpro sperimentale. Epper Nico ha dato anche spazio, nelluscita n 7 delletichetta, alla propria creatura Lago Morto, hard core senza compromessi e local-oriented. Altro aspetto interessante proprio il ragionamento sulle dinamiche geografiche. Lultima uscita del 2009 (VON005) una compilation che raccoglie gli ereditieri del sound With Love, fa quadrato attorno a Vittorio Veneto, paese natale e residenza di Vascellari, e mette soqquadro grazie ai partecipanti del festival Three days of struggle e ai frequentatori del Codalunga. Ciononostante, non si pu certo dire che Von equivalga al luogo dove nasce. Ancora una volta, basta scorrere i titoli per smentire. Dagli States provengono John Wiese e C. Spencer Yeh, autori di Compound (VON002), secondo 7 delletichetta, forte di un lato A (Compound I) che gemma angolare nelleconomia del sodalizio tra John e Spencer (ulteriormente siglato, nel 2010, da Cincinnati, edito da Dronedisco). Burial Hex costruisce intensit da kosmische musik, prima carezzando il noise con un guanto indossato da Popol Vuh, poi rotolandosi nella sua sostanza pi vivida. Girando lLP, il lato B suiteggia a sua volta una danza Tangerine Dream, tutta volta alloscuramento dei riferimenti, con la pece del rumore. E ancora: Ultradeath condensa la sua morte (Condensed Death) con una purissima mancanza di compromesso. Se deve essere rumore, rumore bianco che non lascia spazio a nientaltro. 31

Non c per solo Vascellari dietro ai Von Archives, cos come il sound non pu che essere solo parte del discorso. La fotografia, in senso cinematografico, dellestetica delletichetta curata dal co-animatore della label, quel Carlos Casas con cui Nico aveva condiviso il DVD Choir. Le undici copertine del catalogo sono altrettanti ritratti in bianco nero, immagini di impressionante coerenza post-coloniale che a loro volta fotografano Casas nelle vesti di ricercatore da archivio di inquietanti primi piani ottocenteschi. Limpatto e lassertivit muta dellimpianto visivo della Von tale che Netmage sede perfetta per mettere in mostra i risultati della label, che evidentemente centra il core business del festival decide di affidare a Carlos la propria immagine coordinata delledizione 2010, cogliendo loccasione dei primi risultati del suo lavoro di ricerca sui cimiteri degli elefanti. Cemetery titolo del suo contributo a Netmage10 cos come Cemetery Archive Works lo del DVD VON009, pubblicato nel 2010 dalletichetta. Il racconto si sviluppa su un collage narrativo di paesaggi di antiche giungle e antiche ombre animali, montato su composizioni acustiche espressioniste, anchesse lontano nel tempo. Niente a che vedere con il noise senza compromessi e con le sovraposizioni di layer video di Choir. Ma, nelleconomia della label, lanello mancante possibile, e si sostanzia in Vezdekhod (sorta di omaggio al tank russo omonimo), firmato da Casas stesso con i Prurient. Lato video, lande esotiche a colori a bordo del carro armato. Lato audio, basta dire Prurient, per sentire la sordit che si avvicina. Anche in questo caso, lestrema coesione lobiettivo percepito. Il concetto chiaro: Von raccoglie un mondo di altissima qualit, e coordinate molto precise, sottolineature nette del nostro tempo e del gusto che esso promuove. Von un esperimento ma anche un packaging minimale e raffinato, una selezione scolpita dal pieno fino a raggiungere forme essenziali. Rispetto a Second Sleep, Boring Machines ecc, la Von gi unetichetta di seconda generazione, che raccoglie i frutti e la cultura delle esperienze precedenti. larchivio visivo e musicale di uno spazio-tempo, di un tessuto locale (veneto, italiano) e internazionale che si propone, forse pi delle etichette che lhanno preceduta, come marchio a garanzia di qualit. Sarebbe interessante sapere se della Von prevista gi la fine, un numero di pubblicazioni predefinito dalla sua apertura. Siamo infatti convinti che letichetta sia anche - il lavoro di Vascellari come artista. Nico non solo abilissimo networker che raccoglie il meglio dellunione di due mondi (quello dellarte contemporanea performativa e quello della musica di sottobosco, che veleggia tra hc, noise ed elettroacustica), ma anche traghettatore imprescindibile, caronte del noise in galleria e viceversa. Guardando le produzioni Von una accanto allaltra su un tavolo, ci appare chiaro il loro statuto di opera contemporanea che sancisce quellunione, quello sdoganamento reciproco. Von Archives poi, pi tradizionalmente dentro al mondo della musica, unesperienza che sappiamo avere la facolt di diventare un cofanetto di culto, un organismo di release coese che parlano e parleranno in modo quasi documentaristico della fine degli 00 e dellinizio dei Dieci del Duemila. Personale e penetrante come una warburghiana.

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Recensioni
aa. vv./agF/ellen allien/sasCha Funke/ vlaDislav Delay/teleFon tel aviv/paul kalkBrenner/We love - WerksChau (BpitCh Control, gennaio 2011) Genere: house, techno
In dodici anni di pubblicazioni la Bpitch Control di Ellen Allien ha spaziato in moltissimi campi dellelettronica 90/00. Lo ha fatto senza porsi limitazioni tra dance e salotto, idm, electro e formato canzone. Su tutto pare dominare uno sguardo art techno, di musica come abbigliamento sonoro e tech-fashion tra minimal e groove asciutti. Poche sorprese: se la label ruota attorno alla dj, musicista, stilista e producer, letichetta fornisce lexport, assieme alla Kompakt, del suono berlinese di qualit. Oltre a Ellen (il taglio deep old school di The Kiss), in Werkschau troviamo campioncini indietronici (Telefon Tel Aviv, the sky is black con Robin Guthrie) e persino dubstep (Marc Broom, Refund), alcuni nuove leve come i nostrani We Love, la cui techno elfica piaciuta molto (Harmony Of The Spheres), Coma con feat Dillon (la fiabesca track in odor di Cocorosie Aiming For Destruction) e Zander VT (classic jazz house Gotta Look Up to Get Down), oltre naturalmente agli immancabili Agf / Delay (ambient techno in field recording vari, Most Beautiful Kill), Sascha Funke (la scura soundtracky Hiddensee) e il blasonato Paul Kalkbrenner (il quadretto narrativo Pltscher). La qualit media indiscutibilmente buona e allassenza di picchi si compensa con fare uber cool che regge il tempo. (6.8/10)
eDoarDo BriDDa

cd&lp
highlight
mano a Gadi e Zev, che iniziano a macinarsi i rispettivi cervelli. La liaison dangereuse si fa pi concreta quando la !K7 li vuole unire per uno storico DJ Kicks. Ovviamente visto che di Wolf + Lamb c pure unetichetta, perch non puntare proprio su quei suoni che oggi stanno spopolando? E allora ci si va di anima e di chichness downtempo. I nomi sono quelli di cui in questi giorni si sta celebrando il boom: Nicholas Jaar, Deniz Kurtel, Slow Hands, Greg Paulus dei No Regular Play (per la scuderia Marcy), Voices Of Black e altri gentleman dellambient house a bpm molto poco tirati. Una cosa che sembra provenire direttamente dal ricordo newyorchese dei grandi Metro Area, mescolando le origini di club storici che puntavano su una nozione di community, pi che di stardom (e qui non pu che venire in mente il Loft mancusiano). In pi (per la parte bostoniana) non mancano i personaggi: Tanner Ross, SECT, Eli Gold (il debutto di Goldstein da solo), Lee Curtiss e Benoit & Sergio. Una selecta che ci fa conoscere un nuovo modo di fare house, quasi un ritorno alle avventure F-Comm dei Novanta francesi o alla cometa St Germain. Il tutto traslato di ventanni nel futuro, con il cuore che batte sempre e solo ambience Big Apple. Ascoltatelo, ballatelo, bevetelo. Uno dei primi mix dellanno. (7.3/10)
MarCo Braggion

arnauD Fleurent-DiDier - la reproDuCtion (sony BMg MusiC entertainMent, gennaio 2010) Genere: pop, french
La reproduction nasce dallidea di un infinito possibile ripetere, ricreare e riprodurre nel mondo contemporaneo: riproduzione sessuale, ideologica, meccanica e non naturale. Un riprodursi che consuma, allontana i significati e il valore delle cose. Composto interamente in un piccolo scantinato a Place de Clichy, Parigi, il secondo album solista del talentuoso Arnaud Fleurent-Didier, ne traduce perfettamente il concept attraverso una commistione di generi, riferimenti e sguardi, dal pop al punk, dallelettropop alla classica, passando attraverso le variazioni su Marilou tanto care a Serge Gainsbourg. E un concept importante e lo si comprende subito, a partire dalla copertina con un Didier/Nanni Moretti in una delle scene pi emblematiche del film Bianca quella in cui il protagonista osserva lamore riprodotto in ogni angolo della spiaggia; stiamo parlando,a tutti gli effetti, di un lavoro dai forti riferimenti cinematografici, dalla ritrattistica raffinata - un giovane uomo nella Parigi di oggi, che si muove tra una vita amorosa dissoluta e ancora non disillusa e considerazioni acute sulleducazione culturale e politica ricevuta dalla famiglia (French culture, Mm 68). Riflessioni amare quelle di Didier, musicate con riferimenti nostrani (Morricone, Battisti) senza dimenticare certi barocchismi francofoni come le lezioni di Michel Polnareff (noto in tutto il mondo per la sua eccezionale Love me, please love me baluardo della chanson damour tutta miele, classicit e violini) o di Pierre Vassiliu. In definitiva,ecco lother side del cantautorato francese, un contraltare a Benjamin Biolay. La reproduction un lavoro irresistibile capace di ridare al pop dautore una voce forte e profonda. (7.7/10)
giulia Cavaliere

alexanDer De large - nothing exists (lepers proDutCions, FeBBraio 2011) Genere: chamber avant pop
Tutto puoi aspettarti da un tipo come Alexander De Large, da uno cio che in casa Lepers non si fanno scrupolo di presentare come probabilmente lartista pi puzzolente del sud Italia, gi autore assieme al sodale Superfreak di deliranti e scellerate adulterazioni rockblues. Tutto e di tutto, ok, ma non certo un album di piano-solo. Undici tracce che si disimpegnano morbide e febbrili, agili e ossessive, masticando malinconia, dolciastra inquietudine ed ebbrezza insidiosa. Pi che la qualit dei pezzi, centrale la sgraziata compostezza del tocco, la cui conseguente sfrangia-

aa. vv./WolF + laMB/soul Clap - Dj kiCks (!k7, Marzo 2011) Genere: house
I Soul Clap (Eli Goldstein e Charles Levine) fanno bisboccia con i Wolf + Lamb (Gadi Mizrahi e Zev Eisenberg) nel settembre del 2008 a Brooklyn. Location: ovviamente il club Marcy Hotel dove i W+L sono di casa. I bostoniani si trovano a loro agio nelle atmosfere soul dellhouse newyorchese e lasciano un nastro di edit in 34

tura timbrica produce un senso di tangibile autenticit espressiva, di consistenza poetica indocile. Siamo pi meno agli antipodi rispetto alle edulcorate insulsaggini dun Giovanni Allevi coi suoi sottofondi salottieri per anime bidimensionali, col suo neo-accademismo informale appiattito su nefaste prospettive buoniste. In Nothing Exists il pianoforte si confronta anima e corpo coi crucci e le seghe mentali dun musicista che arriva ad offrirsi con disarmante sincerit. (7/10)
steFano solventi

altierjinga lepers - ghost FrienDs (lepers proDutCions, FeBBraio 2011) Genere: art noise
I padrini della benemerita Lepers Produtcion tornano a scuotere la coda del serpente col solito piglio balzano e insidioso che li vide aprire le danze oltre un lustro fa. Ed un subbuglio di visioni sferzanti, di garage-surf avariato e funky cocainico in differita dai Novanta losangelini, di folk abbacinato e polvere da sparo noise-punk, di hard-psych delirante e no-wave patafisica. Prendete i pi nevrastenici Janes Addiction sgambettati dai primi Flaming Lips, immaginatevi una via di mezzo plausibile tra X-Mary e Bugo (nellunico pezzo 35

in italiano, Pasta col formaggio), frullate limpeto deragliato Mc5 con emulsione acida Butthole Surfers e frenetico disincanto Gang Of Four: oltre le oscillazioni del baricentro stilistico, domina un piglio da outsider generosi e imprendibili, come se provenissero da una realt parallela dove dare fondo allestro pi sbrigliato requisito primario e irrinunciabile. Per questo suonano cos liberatori e donchisciotteschi, col loro gettarsi anima e corpo oltre le barricate. Dove tutto un altro pop-rock (forse) possibile. (7.2/10)
steFano solventi

con una parolina di tre lettere: pop. Grazie ad una produzione che bilancia perfettamente il chitarrismo caotico con melodie assai pi accentuate rispetto al passato, i Deads ci conducono nei meandri di una narrazione musicale densa ma mai velleitaria, sempre in bilico fra estasi ed euforia. E linizio di una nuova fase per combo di Austin, ma chiss che la loro esperienza non induca tutta una generazione di noisemaker a confrontarsi con operazioni di ampio respiro. (7/10)
Diego Ballani

aspeC(t) - Waspnest (Fratto9 unDer the sky, FeBBraio 2011) Genere: impro-noise
Si alterna tra black e white side questo vinile nero pece a firma Aspec(t), esoterica sigla che coinvolge due esponenti della scena impro partenopea gi noti alle pagine di SA. Mario Gabola (feedback & acoustic sax, resonant/feeddrums, gi parte del trio A Spirale) e SEC_ (laptop, nastri processati, synth, al secolo Mimmo Napolitano, cuore di Weltraum) giostrano con sapienza mutazione e feedback in un impasto ad alto tasso ambiental(ista)filosofico e concettual-rumoroso. Il primo deforma il sax attraverso le drum-kit, il secondo gira manopole e traffica coi volumi. Insieme frantumano ritmi (Donoso Against Oscene Wasp), padiglioni uditivi (People Of Refusal, GD Meets dp), strumenti (lelettroacustica concreta di Birdnest, la tensione borderline di Waspnest), confini (limpro radicale virata noise concreto di EA Environmental Assassination) superando i limiti di una poetica sonora che , per forza di cose, una giungla di suoni inestricabili e stordenti. Citano avanguardie storiche, improvvisatori radicali, new aktionism e concreta. In realt ne fanno pienamente parte. (7.2/10)
steFano piFFeri

chiede di entrare nel suo malinconico, decadente, capriccioso boudoir. (6.9/10)

steFano solventi

BanDWiDth - trinite (Mia CaMeretta, gennaio 2011) Genere: wave noise

Garage punk cubisti, crossover psicopatici, sincopi wave-noise e bailamme arty. Sperimentazione spigolosa che molla gomitate soniche tra sussulti math e intruppamenti ritmici dalla neanche troppo vaga ascendenza krauta. E quindi? Timmagini i Liars a precipizio, una versione nevrotica - quasi zappiana - dei Blue Cheer, gli Shellac strattonati Gang Of Four, i Sonic Youth ipnotizzati da Mike Watt e via discorrendo. Ne esce questo Trinitite, opera terza dei laziali Bandwidth, mini album dallostica empatia, otto congetture impetuose e cervellotiche che colgono nella delirante ChatRoulette e nella convulsa Nails And Glue due brillanti ragion dessere e perseverare. (7/10)
steFano solventi

anD you Will knoW us By the trail oF DeaD - tao oF the DeaD (Century MeDia, FeBBraio 2011) Genere: alt rock
E come se la band texana si fosse da sempre preparata a questo Tao Of Dead, avvicinandovisi per continue approssimazioni. Chiariamolo subito: si tratta di un album che non raggiunge le vette di Source Tags & Codes (pi disarmonico e acerbo, ma di efficace scelleratezza) ma si pone come sua naturale evoluzione, al tempo stesso come ponte fra la generazione emocore (almeno la sua parte migliore) e le grandi rock opera dei 70s. Conrad Keely non ha fatto mistero di essersi ispirato agli opulenti rock album di Yes e Rush, inducendo molti nellerrore di considerare Tao come una sorta di opera neo progressive. In verit, al di l della scansione dei brani (due lunghe suite, la seconda delle quali composta da ununica traccia di sedici minuti), i Deads evitano accuratamente tutta lautoreferenzialit del prog, concentrandosi sullimpatto frontale di ciascun frammento. Chi li conosce sa che si tratta della via pi ovvia per portare a compimento la magniloquenza che accompagnia la band dagli esordi; del modo migliore per arginarne la furia e disciplinarne la tensione in unepicit eroica (pi che in unepica fiabesca). Lemotivit viene messa cos al servizio di potenti strutture scolpite nellhard rock pi classico: c lesplosivit whoiana ( il caso del singolo Summer Of All Dead Souls), il rifforama degli Stones (con lincipit di Pure Radio Cosplay che cita apertamente Jumpin Jack Flash) e le divagazioni psych che rimandano ai Pink Floyd pi sgamati (quelli di The Dark Side Of The Moon, ma anche A Momentary Lapse Of Reason). Miracolosamente tutto funziona grazie ad una concretezza difficilmente riscontrabile in altre fasi della carriera della band; una maggiore incisivit che si pu riassumere 36

arBouretuM - the gathering (thrill joCkey, FeBBraio 2011) Genere: neo-hard

Ci che impressiona degli Arbouretum, costanza della scrittura a parte, la capacit di imprimere al loro stile variazioni nella continuit. Pur restando riconoscibili, risultano insomma fedeli a se stessi a ogni passo e dunque anche in questo terzo, nel quale limpasto tra il Richard Thompson solista e il Neil Young in versione elettrica corteggia un suono pi heavy, contaminato tramite lo space-rock degli Hawkwind e unidea cupa di psichedelia californiana. Avvicinandosi in tal modo ai loro amici Pontiak - si prenda il monolito finale Song Of The Nile - con i quali il gruppo di Baltimora ha in passato condiviso le.p. Kale e numerosi palchi, nondimeno trattenendo unidentit cantautorale sia nella voce del deus ex machina Dave Heumann (che ricorda un po Warren Zevon e un po, giustappunto, Mr. Thompson) che nelle tracce di pi stretta derivazione folk. Difficile che la metamorfosi possa essere scaturita dallingresso in line-up di un tastierista: semmai, pare pi sensato considerare Heumann musicista daltri tempi per linguaggio (tuttaltro che passatista, peraltro ) e piglio esecutivo; soprattutto per la maniera in cui forgia la propria musica instillandovi le esperienze quotidiane, nel caso specifico la passione per Carl Jung di cui risentono i testi. Incupiti i panorami sonori, cosparsi di disturbi e tessiture tastieristiche, e appesantito il passo, di una scaletta solida e destinata a crescere con gli ascolti impressionano soprattutto lapertura innodica The White Bird, le atmosfere di Destroying To Save, unintensa The Highwayman - dal repertorio di Jimmy Webb - che diresti tra le cose milgiori degli ultimi Earth. Convince e piace anche in questa veste, Dave: la certezza che possa farlo sempre e comunque, a prescindere dalle future metamorfosi. (7.2/10)
gianCarlo turra

BeaDy eye - DiFFerent gear, still speeDing (BeaDy eye reCorDings, FeBBraio 2011) Genere: rock, pop
Gli anglofoni lo chiamano reality check, il momento del controllo realt. Un confronto tanto franco quanto letale: da una parte i sogni, i proclami, le speranze (e le sparate). Dallaltra la realt. Da una parte Liam Gallagher coi Beady Eye, dallaltra la realt. Da una parte chi ha sostenuto per quindici anni che tutto quel che cera di buono negli Oasis nascesse con Noel, dallaltra lideatore primo della band di Definitely Maybe, deciso a riprendersi quel che sicuro gli spetti di diritto. Che sia la fama o il riconoscimento artistico, sta al mancuniano dirlo. Quel che dice invece, lungo i 13 pezzi di Different Gear, che ha ancora voglia di esserci, di riempire gli stadi, di farsi sognare da una legione di adolescenti. Se certo che le teenager preferiscano ormai tenersi alla larga dallincartapecorito Liam, invece tutta da capire la portata musicale di un disco che non va al di l degli episodi meno riusciti degli Oasis. Che, detta cos, suonerebbe anche come una considerazione di un certo pregio per i Beady Eye. E in effetti se vero che nessuno avrebbe puntato un penny sulla capacit di Liam di tenere in piedi un intero album, altrettanto vero che Different Gear non il prodotto di certe drammatiche seconde carriere. Dentro c lesplo37

BaBy Dee - regiFteD light (Drag City, Marzo 2011) Genere: chamber pop
Ti chiede di entrare nel suo boudoir di sogni appassiti. Una stanza di bambola dove si agitano fantasmi romantici e derelitti. Bohemienne fuori tempo massimo, cocciuto nostalgico di cabaret andati, regina delle illusioni desuete che puoi indossare e togliere dal corpo ma non dallanima, Baby Dee torna con un album breve e perlopi strumentale - sono 4 su dodici i pezzi cantati - dove il piano, lamato Steinway D, diventa materia e scalpello, calligrafia fervida e malferma di miraggi fatui nel loro struggente manifestarsi. Archi, ottoni e poco altro (un vibrafono qui, un sassofono l...) sono arredamento per unatmosfera raccolta, in cui ogni traccia diventa latto di un teatrino di posa, un romantico baluginare, un guizzare giullaresco tra lirismo friabile e vampe indolenzite (tra parentesi, stupisce trovare accreditato come producer il famigerato Andrew W.K.). C qualcosa di irriducibile in questo ardente e un po disperato tentativo di rappresentare se stesso, come se ne andasse del proprio stesso esistere. Inevitabile uno spiccato gusto di autoreferenzialit. Ti

sione controllata di Four Letter Word, il citazionismo di Bring the Light, il comunicato stampa di Beatles and Stones (I wanna stand the test of time, like Beatles and Stones) e la pi clamorosa delle dichiarazione damore che sia mai stata recitata a Champagne Supernova (The Morning Son). Fin qui quello che si ascolta con gusto, senza mai levarsi il cappello e senza riuscire per davvero a farsi prendere dal sacro fuoco di un rock sempre elargito col misurino tanto abile quanto canonizzante di Steve Lillywhite (produttore). Poi, per, c il gruppetto di ballate che mina le certezze: Millionaire, infilata allinizio dellalbum, rischia di regalare catalessi ad ampie manciate. And the Beat Goes On scoppiettante quanto la sigla di un cartone animato per bambini e dei sei minuti di Wigwam difficile capire che farsene. Il limite del Liam compositore quello gi mostrato nella sua vita precedente: una cronica mancanza di profondit e di idee. Meglio di tanti episodi del passato, i brani di Different Gear tendono comunque, troppo spesso, ad appiattirsi e a replicarsi. La realt restituisce un Liam ad alto tasso di fallibilit, ma a cui non va solo dato atto di essersi voluto rimettere in gioco, ma anche di esserci riuscito perlomeno per mezzo album. (6/10)
Mattia ravanelli

germente lambito di azione di Beans, ma lo fa con uno stile e una padronanza che pochissimi possono permettersi. Per quanto giocato su territori e con modi diversi, tre spanne sopra Fluorescent Back. (7.3/10)
gaBriele Marino

highlight
Cesare Basile - sette pietre per tenere il Diavolo a BaDa (urtovox, Marzo 2011) Genere: cantautorato rock
Settimo album a proprio nome in diciassette anni. Sette come le pietre del titolo, ogni disco un amuleto o una poltiglia di viscere da interpretare. Quanto al diavolo, quello che cova dentro e pervade le cose. Spesso, in Basile, la canzone indaga la vita mettendone a nudo le ombre, scavandone il cuore fino alla radice del dolore. Il senso di atavica prevaricazione. Il male come una condanna che fa a pezzi la morale nella culla. La sua musica sempre pi una conseguenza rock di travagliati metabolismi folk e blues, di umori mediterranei e balcanici, di codici tradizionali riaffiorati come salnitro. Il sud - la Sicilia - la ferita che non cicatrizza, provocando indolenzimenti pensosi (E alav) e sussulti febbrili (la vibrante La Sicilia havi un patruni, pezzo di Rosa Balistreri). Lespressione sempre in bilico tra ricercatezza e brutalit, un disequilibrio emotivo che esige asprezza (lelettricit bieca di Strofe della guaritrice) e suadenti scenografie (i fiati, larmonica e lo xilofono in Lordine del sorvegliante, gli archi ed il clarino de Il sogno della vipera), abiti sonori resi insospettabilmente preziosi dal contributo fondamentale di Rodrigo DErasmo, Alessandro Fiori, Enrico Gabrielli, Lornzo Corti e Roberto Angelini tra gli altri. Nel mezzo, la fatamorgana orchestrale di Elon lan ler, registrata a Skopje in occasione di un documentario sul funambolo del palcoscenico macedone Frane Milenski Jezek. Le coordinate poetiche sono indocilmente sperse, raggrumandosi pi spesso attorno a suggestioni Leonard Cohen (la toccante Questa notte lamore a Catania) e Fabrizio De Andr (Sette spade, Lo scroccone di Cioran), spiriti guida di quello spirito sempre pi terrigno e imprendibile che risponde al nome di Cesare Basile. (7.5/10)
steFano solventi

Ben otteWell - shapes & shaDoWs (eat sleep, Marzo 2011) Genere: pop-folk sinGer
Piace dei Gomez, la band britannica in cui Ben Ottewell cantante e testa pensante, il fascino sincero per sonorit doltreoceano che un approccio svagato ha saputo rendere personali e immediatamente riconoscibili. Una fusione stralunata di Beatles e The Band, la loro, che col tempo andata normalizzandosi senza perdere dignit e che Ottewell ripropone in questo suo album solista, trentacinque minuti allinsegna di un folk-rock dalle venture ora pop ora roots dipanato con voce calda e profonda, con quel timbro un po Richard Thompson e un po (tanto) Eddie Vedder che arriva dritto al cuore. Ci che ti aspetti da un artigiano di razza con lo sguardo rivolto oltreoceano, insomma, come spiegano latmosfera anni 70 del brano omonimo e il rigore formale di All Brand New e Blackbird. Oppure gli arrangiamenti curati per bilanciati e una penna che evita il calligrafismo (la struttura aperta di Step Right Back), al massimo inciampando nella prosopopea radiofonica (Lightbulbs) per raggiungere vertici di rispetto nellarticolata dolenza di Chicago, in una malinconica Chose degna del miglior Neil Halstead, nel Nick Drake rasserenato da cori tra Beach Boys e 10CC della conclusiva Take This Beach. Pi che abbastanza per interessare i fan dei Gomez e chiunque cerchi conforto in canzoni classiche ma di classe. (6.8/10)
gianCarlo turra

Beans - enD it all (antiCon, FeBBraio 2011) Genere: rap /electrohop

Sempre mantenutosi, nel post-gloriam post-Consortium, sulla linea di galleggiamento di una carriera solista ovattatamente targata Warp e sorretta da un carisma e una tecnica eccezionali, Beans torna senza troppi clamori e pubblicando su una Anticon (in altri tempi la cosa sarebbe stata un vero evento, la chiusura di un cerchio alt-hop eccetera) che nello sbaraglio generale riesce ancora a intercettare qualche colpaccio. End It All un discone electro-hop da favola, con basi approntate da un parterre di produttori eterogeneo e goloso (Nobody, i Bumps della Stones Throw e cio i batteristi dei Tortoise, Sam Fog degli Interpol, Tobacco, Son Lux, Four Tet, Clark, lo stesso Beans) e i rappati del nostro che sono una lezione pratica di incisivit e quadratura newyorkesi dallimpatto quasi stordente. Tribalismi (Deathsweather, Electric Eliminator), wonky (Hunter, Anvin Fallin), urban funk (Gluetraps), elettrorock (Glass Coffins, Blue Movie) ed elettro-blues (Mellow You Out), secchezze street che sono bisturi e frustate (Air Is Free) per un eccezionale disco minore, che non sposta nulla in nessun campo, aggiorna semmai leg38

BiBio - MinD Bokeh (Warp reCorDs, Marzo 2011) Genere: funkyGlo-tronica

Impossibile essere pi espliciti. Se il mind del titolo agisce da selezionatore generico di pubblico, ribadendo i toni e i modi inequivocabilmente arty (quindi pensati) del nostro, il bokeh allunga la sua ombra sulle wave della nowness pi cool (...), parola giapponese che indica la confusione di forme e colori propria del fuori fuoco e, meglio ancora, la loro qualit estetica: ecco allora i coriandoli luminosi della copertina, tra simbolico e decorativo, sicuramente evocativo. Aggiungi poi

che il disco fatto bene e frizza anche, ma non sembra segnare particolarmente il suo tempo, quanto semmai farsi segnare dal suo tempo, e hai fatto la recensione. Bibio mette sullo sfondo (li usa come intarsi, vedi Feminine Eye) le sciccherie seppiate della folktronica boardsiana di Ambivalence e si accoda, con stile, nel mettere a fuoco lestetica glo (proprio mentre uno come Toro Y Moi sta andando tanto indietro nella sua hauntologia da distaccarsene, puntando praticamente al jazz). Ne viene fuori un lavoro pi massiccio e pi electro/ elettro (addirittura elettro-rock, se Take Off Your Shirt un numero consapevolmente tamarretto che schitarra alla Celebrity Skin). C il glitch/wonky (Artists Valley), c lambient ondosa (della title track), c lelettronica tastierosa vitrea e scampanellante (Saint Cristopher), ma c soprattutto un funkysoul dinoccolato, giocoso (K for Nelson praticamente una walking song da cartoon Disney) e agrodolce (particolarmente immersa in una dolente e compiaciuta malinconia teen la bella More Excuses), condito con quei falsetti sporcati sussurrati ed echizzati che ben conosciamo. Un lavoro meno firmato, meno personale, adattivo, sicuramente godibile ma che, appunto, pi che aggiungere qualcosa, in una qualsiasi misura e con qualsiasi

giudizio, sembra essere esso stesso il semplice frutto di una furba e ben condotta operazione aritmetica. (7/10)
gaBriele Marino

BisCuits - BisCuits (BlaCk neeDle, Marzo 2011) Genere: hip hop

Un cci tr metereoptici ems, i biscotti sono tre e si chiamano Tripla, Gransta e Dyna (Gianluca Vitiello, Marco Villa e Claudia Di Martino), tre rapper napoletani con tante esperienze alle spalle (anche e soprattutto extra o para-musicali; Gianluca, per esempio, conduce un programma su RadioDeejay) che si sono incontrati a Milano. Biscuits il loro debutto con questa ragione sociale. Basi electro/funk meticce e rappati tra dialetto e italiano, comunque con un forte accento, il tutto buttato sul divertimento e anche piuttosto ballabile, con i numeri migliori che fanno passare in secondo piano quelli meno riusciti (The Moon, ID), tra scazzo (ma niente depressione, tutto molto dinamico e fluido in Metereopatici MC), cazzeggio al limite del demenziale (ma comunque contro, Ciu Ciu), contestazione vera e propria (Fortapasc) e - soprattutto - escapologia del quotidiano (il singolo di lan39

cio Exit, Astronauta e minatore, Ritardi e traguardi, forse il pezzo migliore), con forti richiami ai suoni, alle cadenze e in generale al mood delle Posse anni Novanta. (5.8/10)
gaBriele Marino

BloWn paper Bags - BaCk to square three (Marsiglia reCorDs, FeBBraio 2011) Genere: synth-punk
Dopo una gestazione decisamente daltri tempi - concepimento nel 2007 e realizzazione a fine 2010 - i Blown Paper Bags tornano in pista con un album che riattiva la sigla ormai attestatasi a terzetto e ripensa dalle fondamenta il proprio suono. Synth punk e krauti a colazione, tendenza al groove profondo, melodie vocali in alternanza male/female. Pezzi-bomba che tracimano p-funk schizoide, postpunk bianco e nevrastenico, teatrale synth-punk tra Blood Brothers sotto metadone e Talking Heads / Cure da cabaret vittoriano (Intimacy Shield). Con almeno un paio di pezzi memorabili (Topless Meeting rielabora la Francia bastarda delle banlieu in un frullato di electro post-moderna con la faccia rivolta ad oriente, e Body=Temple che si offre come lunica reincarnazione plausibile dei B-52s nellera post-DFA) questo il concentrato che i tre mettono sul piatto: musica non originale ma energica, sentita, spinta e creativa, che rielabora e ricicla, cita e stravolge senza timori reverenziali n citazionismo spicciolo. Morale: fare musica per se stessi, lontano da scadenze, impegni o cartellini da timbrare stancamente, vale molto pi in termini di credibilit di tanto altro. (7/10)
steFano piFFeri

Le quattordici tracce del programma sono unimmersione ubriacante nellarte gioiosa e a tratti geniale di Savoldelli, una zona franca dove le coordinate si smorzano e confondono, simpastano idiomi e sincrociano forme (afro, blues, hip hop, pop, psych, musical...) con lobiettivo di escogitare forme dintrattenimento che stemperino suggestione, leggerezza e profondit. Limpeto luminoso quasi The Who di Lovecity, quella specie di Beatles in orgasmo Weather Report di Disarmonia ed il Quartetto Cetra spedito a New Orleans del singolo The Miss Kiss sono i momenti migliori di una scaletta deliziosa. (7/10)
steFano solventi

highlight
Cut Copy - zonosCope (MoDular, FeBBraio 2011) Genere: 80s pop, house
Il terzo album del duo Cut Copy porta a completamento il disegno di 80s pop innestato di groove ed elettroniche citazioniste iniziato nel 2001 con lepp I Thought of Numbers. Zonoscope segue il fortunato In Ghost Colours (del 2008) e come riportato da Dan Whitford a Pitchfork, il combo ha cercato di favorire la componente ripetitiva, ipnotica e ritmica, ripescando le attitudini che i Midnight Juggernauts (australiani pure loro) avevano tentato di sfruttare per il boom con il loro irrisolto The Crystal Axis. In pratica, roland, drum machine e altre sintetiche old skool (tra groove e quattro quarti in bassa battuta) sono diventati gli arrangiamenti ritmici prediletti di un caleidoscopio pop intelligentemente (post)post(quante volte volete)moderno. A inizio anni dieci, i ragazzi bazzicano ancora addobbati con lustrini dagli svagati riferimenti arty (Talking Heads, Xtc, Paul Simon, il David Bowie berlinese) ma lo fanno come se questo fosse lultimo album pop 80 ad essere stampato sul pianeta terra, come se non ci fosse domani direbbe qualcuno. Limmaginario ricostruito attorno a inappuntabili strutture melodiche (a tratti ricordano anche i Field Music) e rotondissimi arrangiamenti in continuum tra synth, space, disco, etno, old techno e house, psych, funk, soul e, perch no, un pizzico di big beat (Where Im Going). il sincopato sintetico a farla da padrone, ma soprattutto lassimilazione della lezione Hercules And Love Affair (la dance di New York innestata appunto di pop), e lapproccio live ereditato dai fasti di gente come gli Empire Of The Sun a fare di Zonoscope ben pi di una risposta agli hitmaker rivali dei Duemila, Peter Bjorn And John in testa. Similarmente al Living Thing degli svedesi infatti, il quartetto rinuncia allhit di pronto consumo per una polpa scintillante e variegata, in un album vacanziero-around-the-world-definitivo fin dalliniziale Need You Now. A fine scaletta troviamo infine le vincenti Hanging Onto Every Heartbeat e Corner Of The Sky e fuori programma tra motorik e space disco intinta Kraftwerk come Alisa e Sun God. Lo splendido colpo di coda della decade che rivisse gli 80. (7.2/10)
eDoarDo BriDDa

Bright eyes - the peoples key (saDDle Creek, FeBBraio 2011) Genere: pop rock
Da Conor Oberst siamo abituati ad attenderci di tutto. Quattro anni dopo il buon Cassadaga, album di sostanziale impronta cantautorale, lentit Bright Eyes torna a mostrare il lato pi estroso col lavoro lungo numero nove The Peoples Key. Il programma si apre con una lunga intro recitata da Denny Brewer - chitarrista dei Refried Icecream e grande amico di Oberst - intento a spiegarci la sua visione delle cose in merito al rapporto tra alieni e Storia. Cos, tanto per capire dove andremo a parare. Ovvero, dalle parti di una folleggiante fregola wave-psych-pop, appassionata e beffardella, forse metaforica ma anche patafisica, a cavallo di melodie s carezzevoli per col piglio obliquo di chi cova un irriducibile sconforto. Si prenda il singolo Haile Selassie, tipo gli Smiths come li rifarebbe Brian Eno, oppure la baldanza New Pornographers riprocessata Sufjan Stevens di Triple Spiral, i R.E.M. immersi in un ipercromatismo Xtc di A Machine Spiritual, o ancora quella Shell Games che guizza adrenalinica tra civetteria Patrick Wolf, enfasi Arcade Fire, spasmi The Who e tutto uno sbocciare di synth come usava fare il buon Eddie Van Halen. Fermo restando lelemento umano indolenzito del canto, le dieci tracce sembrano voler giocare con la capacit assieme affabulatoria, ipnotica ed euforizzante del power-pop, i cui codici vengono liberamente mischiati con modalit post-wave in modo da rendere limpasto il pi brioso ed accattivante possibile. Eppure non smetti di avvertire unangoscia di fondo, la consapevolezza di guardare le cose dallinterno di un immaginario ormai esausto, incapace di interpretare/rappresentare la tumultuosa gravit dei tempi. Viene perci da leggere questa disperata effervescenza come una reazione allimpasse espressivo, sensazione palpabile

Boris savolDelli - BioCosMopolitan (Moon in june, Marzo 2011) Genere: vocalese

Un paio danni son passati dal buon Protoplasmic ed tempo per Boris Savoldelli di tornare ad esalare il suo vocalese sempre pi duttile e dinamico. Nel nuovo Biocosmopolitan, terzo lavoro solista e secondo per la benemerita etichetta newyorkese Moon In June, il quarantenne bresciano sbriglia la sua tipica rielaborazione assieme cerebrale e divertita di topoi jazz, gospel, soul e funk, mettendo in mostra una vena mai tanto black e groovy. Il tutto ovviamente strutturato sulla voce - stratificazioni a cappella, scat e beatbox - col prezioso aiuto del bassista Jimmy Haslip nella title track e della tromba di Paolo Fresu in Concrete Clima e Kerouac In New York City. 40

fin dalliniziale Firewall, dove un arpeggio la Kurt Cobain finisce in una fatamorgana popadelica ed etnofunk che non spiacerebbe agli Iron & Wine. Idem dicasi, anzi con maggiore evidenza, in Ladder Song, dove timmagini Moz e Stipe abbracciati in una cameretta alla fine del mondo, cos come nella languida Approximated Sunlight, che non sfigurerebbe nel repertorio degli ultimi Flaming Lips col suo afflato orchestrale, il country-soul traslucido ed i miraggi sintetici. Malgrado la sostanziale assenza di colpi di genio - Stevens e i Lips sono su un altro pianeta - e una certa prevedibilit melodica, The Peoples Key disco di buone e diverse vibrazioni, dove ombre e luci stanno sulla stessa faccia di una medaglia insospettabilmente affilata. (7.1/10)
steFano solventi

BuFFalo toM - skins (sCraWny, Marzo 2011) Genere: american indie

Fu un ritorno di quelli graditi assai Three Easy Pieces, che nel 2007 riportava i Buffalo Tom sulle scene e a livelli di forma inattesi. Non mancava nulla, col: armonie alla Big Star, sentimento in buccia delettricit chitarristica, soprattutto quel respiro malinconico e nel contempo liricamente esaltante cos importante per certe frange del primo emocore. Ci sentivi il peso dei 90 che ne fecero dei grandi e che per loccasione permetteva di rinascere, di offrire magia sostanzialmente inalterata e scrittura come al solito di valore. Scriviamo come al solito, per ricordando che talvolta ai bostoniani qualche ciambella senza buco usciva anche nel periodo doro; che lo Smitten posto a sigillare il primo scioglimento era la loro cosa peggiore. 41

Sono umani, del resto, e comunque gli superiore Skins, alla regia il solito Paul Kolderie e ospite la concittadina Tanya Donnelly nellaggraziato country acustico Dont Forget Me. Sicurezze che vanno di pari passo con la novit di unedizione deluxe ovviamente limitata con demo e b-side senza aspettare i canonici dieci/ venti anni. Cos va il mercato e cos se vanno tre quarti dora, tra momenti in cui prevale il mestiere e una bella manciata di fulgidi bagliori (le innodiche The Big Light e Guilty Girls; la crepuscolare Out In The Dark e la straziata Arise, Watch; una Down che rimarca certe affinit con gli Afghan Whigs e il country-rock met Dylan e met Stones The Hawk & The Sparrows), tra appannamenti e cose gradevoli per marginali (The Kids Just Sleep: gli Weezer che riscrivono Green). Tra alti e bassi, in fondo, scorre anche la vita di ognuno. (6.8/10)
gianCarlo turra

CariBBean (the) - DisContinueD perFuMe (hoMetapes reCorDs, FeBBraio 2011) Genere: indie pop
Oramai veterani di una scena che non c, quella indie pop di Washington DC, i Caribbean giungono con questo Discontinued Perfume alla quinta prova in un decennio. Quella di Michael Kentoff e soci una vita da non-musicista, quella tipica di tanti protagonisti della musica indie, ma che raramente si ha loccasione di conoscere. In questo nuovo capitolo della narrazione semi-autobiografica, Kentoff ci racconta che la mattina si mette la sua bella camicia inamidata e si reca al lavoro a Georgetown, sposato, ha dei parenti, dei gatti e una lavatrice da riempire di tanto in tanto. Insomma una vita normale, come quella che abbiamo tutti noi, lontana dalle luci della ribalta di band cariche di hype o dagli stereotipi degli artisti. La vita di Kentoff e degli altri membri dei Caribbean assomiglia a quella della persona comune, con in pi una sola passione particolare: fare musica. Che tradotto in note, significa pop sotterraneo e soffuso, caratterizzato dalla voce ovattata e sinuosa dello stesso Michael Kentoff. Per il resto della strumentazione, piuttosto variegata e corposa, i singoli membri della band si scambiano gli strumenti di continuo, in un continuum che sa tanto del migliore artigianato. Le coordinati di riferimento sono sempre le stesse: le polaroid colorate dei Death Cab For Cutie e i Postal Service con una spruzzata di Appalacchi. Ma il sound dei Caribbean ama inerpicarsi su strade poco battute, senza perdere in identit, e i testi si abbandonano a un sano chiacchiericcio di ogni giorno (Thank You For Talking To Me About Israel, Municipal Stadium), talvolta immerso nellattualit sociopolitica, come nel caso di Artists In Exile: le case sono vere/ e il giardino pure/ e tutto sembra abbastanza carino da poter essere rubato mentre qualcuno in segreto registra tutto su nastro. Cos assomiglia a una minaccia lo statement stampigliato nellinterno della copertina respira e cerca di rilassarti: siamo completamente soli. Pop da musicisti segreti, poco luminoso, ma avvolgente e genuinamente disturbante. (6.5/10)
MarCo BosColo

ButCher MinD Collapse - night Dress (BlooDy sounD FuCktory, FeBBraio 2011) Genere: noise-rock
I reietti delle Marche marce sono cresciuti. La All Star Band della regione pi rumorosa dellultimo quinquennio (Jonathan Iencinella, voce; Riccardo Franconi, chitarre, synth; Nicola Amici, chitarra, sax; Giampaolo Pieroni, pelli) torna con un secondo disco che un gran bel passo in avanti rispetto allincompromissorio debutto Sick Sex And Meat Disasters In A Wasted Psychic Land. Lirruenza sboccata dellesordio e il background rumoroso ultra-citazionista covano arcigni sotto le ceneri, ma si fanno pi attitudine che cifra stilistica vera e propria: il synthnroll circense e orgiasticamente horror-punk di Complicity, il patchwork depravato di Killing A Fly With A Sword o lattacco panzer pienamente Unsane della title track lasciano pochi dubbi al proposito. Sono per le strutture e gli orizzonti a cambiare quasi drasticamente, facendosi pi complesse, le prime, e free, i secondi. Le jazzate aperture paranoiche sciolte in estatici paesaggi di The Loss, il post-rock che guarda ad oriente di Flameless Hell o lo sludge spaziale della conclusiva Spiderwebs dicono di una personale ricerca di vie altre, coraggiose e mai lineari, al rumore. Ricerca spesso e volentieri centrata in Night Dress. (7/10)
steFano piFFeri

tautorato femminile abbia prodotto negli ultimi tempi. Tori Amos, Joanna Newsom, St. Vincent, ma anche le nostre Mimes Of Wine e Beatrice Antolini, questultima promossa a pieni voti da icona indie a modello di riferimento (sospettiamo) per tutta una nuova generazione di cantantesse innamorate del pianoforte. Oltre al piano, Make Me A Picture Of The Sun prevede archi, flauto, fisarmonica, rhodes, theremin, chitarra, quasi tutto suonato dalla padrona di casa (Carlotta Sillano). Un esotico da camera costruito su voci spaziose e strutture poco lineari, ben filtrato dalla produzione e dagli arrangiamenti di Gianmaria Ciabattari e Gianluca Cangemi (gi al lavoro con profitto sul primo disco di UnePassante). Quel che si ascolta nella quarantina di minuti del disco fondamentalmente ci che una nata nel 1990 ha pieno diritto di fare, ovvero una ricerca di contenuti che prima di tutto una ricerca di identit. Portata a termine con buona perizia, qualche citazione illustre nei testi (Baudelaire, Blake, Shakespeare), un serioso eclettismo e la convinzione (condivisa dal sottoscritto) di essere gi sulla buona strada. (6.6/10)
FaBrizio zaMpighi

ottimi esercizi appunto (lipnotico breakbit jazzato di Alfred; il funk madlibiano di Joy; lelectro scura e giocosa di Textures; il wonky malacarne di Robot Balbio, davvero ottimo; il divertente doppio pedale iPhonato dellossessiva Monster) e qualche pezzo inevitabilmente buttato l (Goooood Morning, un po electro un po King Crimson; il collage psych della title track; le suggestioni ancora madlibiane di Dolphy Digital; latmosfera sospesa di Tight). Carmine, come dice il pomodoro, stai pi concentrato. (6/10)
gaBriele Marino

Carneigra - FuMatori Della sera (, gennaio 2011) Genere: folk, pop

Fumatori della sera, terzo album in studio per i Carneigra, un perfetto mix derivativo eppure fresco di cantautorato folk italiano. Prodotto e registrato ottimamente, il disco ripropone molti riferimenti eccellenti della nostra musica dautore: molto Vinicio Capossela, qua e l il miglior Paolo Conte e Fabrizio De Andr nellincipit di Lacrobata. Non mancano riferimenti alla musica popolare, quella greca e mediterranea in genere e unesplicitissima citazione di Nino Rota nel brano Click che ricorda nettamente alcuni temi delle colonne sonore della filmografia di Fellini, non un caso considerando che Matteo Pastorelli, alla chitarra, militava negli Snaporaz che devono certamente il loro nome al soprannome del protagonista di Otto e 1/2. Fumatori della sera senzaltro un lavoro riuscito che ben si direziona, con luso di una strumentazione tipica della musica popolare (mandola e mandolino la fanno da padroni), verso una giusta modernizzazione di un genere che tende a subire un po il peso del tempo. Se un difetto va trovato a un disco come questo una certa tendenza ripetitiva delle ritmiche che finisce per raffreddare i toni togliendo emotivit a suoni che sembrano invece naturalmente nati per rappresentarla. La reiterazione allontana lascoltatore, soprattutto distoglie lattenzione dai testi e la sensazione che ci siano, in questi tre musicisti, le capacit per non cadere nel tranello. (6.5/10)
giulia Cavaliere

CarMine De Maria - roBot kaarD - the love MoveMent (autoproDotto, FeBBraio 2011) Genere: beats, produzioni
Carmine De Maria, classe 85, un produttore napoletano della cerchia AvantHopperz la cui iperattivit testimoniata dallaver pubblicato ben 10 dischi dal 2009 a ora (sono tutti in free download su vari canali), prima come duo 2Cam, poi come solista a nome DMC, J. Cardema e infine Robot Kaard. Carmine produce per lo pi strumentali (electro, funk, videogame, ambient, influenze dubstep, ecc.) ma ha anche ospitato feat di rapper, cercando sempre di coinvolgere qualche nome della scena (su Overtime cerano FedeDsm dei Planet Soap e Mar Delle Blatte; su ElectroNapoli2, il suo lavoro pi ambizioso, Zona Mc, Smania Uagliuns e Helphetoz degli AlitoTetro). Il problema di Carmine che produce troppo e seleziona poco, col risultato che i suoi pezzi sono spesso esercizi da producer, stilisticamente trasparenti (manca quello scatto in potenza e personalit), magari curati sotto laspetto ritmico ma totalmente disinteressati a quello melodico e alla creazione del brano come qualcosa di univocamente riconoscibile: non ci sono killer track e anche il concept dietro ai dischi appare quasi sempre nebuloso. The Love Movement non sfugge a questa regola, ma si candida comunque a suo lavoro migliore finora, con

Carlot-ta - Make Me a piCture oF the sun (anna the granny, Marzo 2011) Genere: pop dautore
Il primo disco lungo di Carlot-ta un ottimo esempio di come si possa mettere ordine in una giovinezza esuberante mandando a mente quanto di meglio il can-

ChaiM - alive (BpitCh Control, FeBBraio 2011) Genere: house

Chaim Avital da Tel Aviv approda in debutto su Bpitch Control con la sua house detroitiana tagliata di spezie 43

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mediorientali. 13 tracce che non sconvolgono ma che fanno il loro lavoro con onest e passione certosina: quella di chi ha nelle tasche la mano calda con boutades per le consolles del Panorama Bar o dei Fabric (posti in cui luomo si esibisce di solito). Si va da accenni di balearica in progressione Novanta (Runaway Voices) al tribalismo solare (Dont Shout), dal bel featuring in odore NY con lo chicchissimo vocal di Meital de Razon (U & Eye) al dub solare della Thievery Corporation (Love Rehab). Per decorare, ci sono anche ammiccamenti al nu-rave DFA (Robots On Meth bel singoletto ballabile) e alla progressivit in filtering per pareti strobo (Popsky). Dopo le collaborazioni con Ruy Gerber il passaggio in solitaria dobbligo. Alive vale lascolto per i clubbers e anche per chi si sta infatuando delle nuove tendenze house, che dal quattro vanno allindeterminatezza e alla decompressione dellambient. Se volete vederlo sar presente alle celebrazioni del decennale della storica label tedesca. (6.8/10)
MarCo Braggion

Chapel CluB - palaCe (universal, gennaio 2011) Genere: wave, noir

Lo scorso marzo parlavamo di come act la Two Door Cinema Club, Big Pink e Delphic avessero spostato la lancetta delle produzioni UK verso un altrove ancora nebuloso ma dai contorni piuttosto chiari. Dalle chitarre garage e, in generale, dallestetica rnr pi o meno in bassa fedelt, evidenti erano i segnali verso un sound corposo, stratificato, potente e - perch no - moderno. Di quale modernit stavamo parlando lo scopriamo ora nei The Joy Formidable e soprattutto in questi Chapel Club. Due formazioni che arrivano quasi contemporaneamente allesordio e che nel range Ottanta/Novanta puntano il dito decisi verso il secondo polo. La sintetica che si ascolta nelle loro tracklist una questione di rivedere le chitarre alla luce della rivoluzione che cambi per sempre il rock di quegli anni, il suono My Bloody Valentine. Ci si rinnova con un suono shoegazey (Ride), magari sulleco delle recenti produzioni Interpol e soprattutto Editors, e lo si fa per dare un contorno di forza e magnificenza a liriche di converso angeliche e spirituali, in cerca di nuovi intimismi. Nei giri di basso e in qualche strofa, i legami con il postpunk si sentono ancora. In particolare, nei londinesi Chapel Club: il crooning una faccenda smithsiana (Fine Light), damore per i classici della celluloide, dai richiami fifties, che se a tratti ha del rockabilly di certo 44

Billy Idol in serenata (The Shore) deve molto di pi, se non tutto, agli Echo & the Bunnymen. Venendo allesordio, Palace, come The Big Roar del terzetto del Welsh, ha innanzitutto uneccellente produzione. Merito di Paul Epworth che di contaminazioni tra chitarre e sintetiche se ne intende (Bloc Party, Florence And The Machine) e dellabile intreccio di queste con i suoni pi vintagisticamente rock. Il resto ce lo mette una band con un buon gusto melodico e arrangiativo. Magari ancora in cerca di una personalit forte, eppure vestita inappuntabilmente degli intrecci chitarristici di Alex Parry e Michael Hibbert e dellaffascinante crooning di Bowman che dei Chapel Club front man, lyricist e ideatore del brand (in fissa con tematiche religiose pare). Nella tracklist troviamo singoli indie-a-porter funzionali allhype (O Maybe I, la cover modificata Dream A Little Dream Of Me intitolata Surfacing), ed episodi dal buon afflato e costruzione melodica come Five Trees (che si posiziona dalle parti del McCulloch pi efficace) e Blind (ancora i Bunnymen romantici). I mezzo, altri buoni scatti (After The Flood dalle tese trame psych e intimismi Coldplay) e senzaltro una ballata da ricordare (The Shore). Non il vero e proprio colpo al cuore. Allo stesso tempo: un buonissimo esordio. (7.1/10)
eDoarDo BriDDa

highlight
Dirty BeaChes - BaDlanDs (zoo MusiC, Marzo 2011) Genere: 50snroll madness
Riecheggiano pesantemente i Suicide pi bluesy e martoriati nellincipit di Badlands: Speedway King un macilento, straniante e industrial-oriented blues che riesuma la sofferente voce di Alan Vega e la cala in un cabaret infernale e fumoso di scorie post-industriali. Lambiente ideale, dopotutto, perch Alex Zhang Hungtai, lunico uomo dietro Dirty Beaches, un crooner e di quelli maledetti: ciuffo ribelle, nuvole di fumo di sigaretta e immaginario fifties ben saldo in testa. Rockabilly dimpianto di base e cinematico nelle atmosfere, Dirty Beaches arriva al debutto lungo dopo una serie sterminata di pezzi piccoli, cd-r e tapes, segno di un apprendistato lungo e sofferto. Proprio come le sue musiche e le sue struggenti storie di spaesamento e disperazione. Il bello che in pratica suona sempre la stessa canzone: ritmicamente ossessiva grazie ai loop della drum machine, lo-fi nelle offuscate coltri di rumori ambientali, voluti o meno, anni cinquanta (stravolti) nelle melodie. Eppure il surf rnr di Sweet 17, il reiterato pop fifties sporcato di rumori di Hundred Highways, la malinconia in bassa battuta di True Blue o Lord Knows Best, per non parlare delle horrorifiche visioni di Black Nylon o Hotel - vero e proprio immaginario stuprato da middle-class americana - sono piccole gemme di uno dei segreti meglio custoditi dAmerica. A voi scoprirlo, prima che sia troppo tardi. (7.4/10)
steFano piFFeri

ClouD nothings - ClouD nothings (WiChita reCorDings, FeBBraio 2011) Genere: power-pop
Ennesimo virgulto cresciuto a pane, cameretta e mp3, Dylan Baldi from Cleveland il responsabile unico dietro la sigla Cloud Nothings e rinnova il trend del bedroom lo-fi pop dordinanza di questi ultimi anni. C per nel self titled una bella sterzata rispetto alla solita tiritera ormai quasi nauseabonda fatta di isolazionismo posticcio e cessofonia indotta. Memore del post-indie made in Olympia, della attitudine slacker pi tradizionalmente americana (alla Guided By Voices, per capirsi), dei rigurgiti seattleiani pi aggressivi (Dinosaur Jr pi che Pavement a giudicare da Not Important) e di un senso evidentemente british nella spinta melodica (vedi alla voce Smiths per pezzi come Heartbeat o gli incastri chitarristici di Youre Not That Good At Anything) il ragazzetto mette su un disco di solare power-pop niente male. Tutto melodie sghembe e iper-catchy, scazzo giovanile mai sopra le righe, poppunk sgrezzato, vitaminico e velocizzato che va gi tutto in un sorso solo e si fa ricordare ben oltre la esigua mezzora del disco.

Con un buon 90% di potenziali singoli Baldi/Cloud Nothings il pi serio candidato al trono della decadente stella di Wavves, anche se siamo sicuri che verremo contraddetti dalla prossima next-little-thing proveniente da qualche garage della provincia americana. (6.9/10)
steFano piFFeri

CoCoon - Where the oCeans enD (soBer & gentle, Marzo 2011) Genere: country/folk pop
Morgan Imbeaud e Mark Damail sono compagni di viaggio al termine di tutti gli oceani, compagni di cammino musicale e di vita. Una delle classiche coppie che affollano il mondo del folk-pop internazionale, facendo dellintreccio delle voci maschili e femminili uno dei tratti dominanti della loro musica (leggasi alla voce Richard e Linda Thompson). A dispetto della norma, Morgan non ha la voce sottile e delicata di molte sue colleghe, ma una timbrica pi profonda e rotonda, per cui capita che in alcune canzoni, come nella movimentata e divertente Dee Doo, infarcita anche di fiati, sia lei a condurre le melodie principali mentre Mark si dedica al controcanto in falsetto. Altrove, invece, come nella delicata Super Powers si invertono i ruoli e si ristabilisce

la forma pi tradizionale. Where The Oceans End, il secondo disco per il duo francese, si avvale della collaborazione di Dickon Hinchliffe dei Tindersticks, fatto che mostra quanto il successo della prima prova li abbia proiettati in una posizione di primo piano in Francia (centomila copie, specie di questi tempi, non sono certo poche) e che dona allinsieme raffinati arrangiamenti cinematografici. Il secondo album mette ancora di pi a fuoco le radici tra Appalacchi e Midwest del loro sound, che non disdegna di guardare alla Grand Bretagna dei Fairport Convention e dei Pentagle, e trasfigura il tutto in un un folk-pop moderno che sa tanto di Sufjan Stevens quanto di Devendra Banhart. Nei brani pi upbeat, ovvero sostanzialmente la prima parte della scaletta, da Sushi a Mother (dove appare anche il tocco la Ben Harper), le cose funzionano a meraviglia. Non altrettanto bene la seconda met della scaletta, pi monotonamente adagiata su torch song e ballad, che se mescolate agli altri brani avrebbero probabilmente reso di pi. Cos si tende a ricorrere al tasto skip. Problemi di scaletta a parte, il vero unico limite che ci sentiamo di imputare al duo una pronuncia inglese che talvolta sa di pecoreccio. Per il resto bisseranno il successo del primo disco, ma a dispetto delle intenzio45

ni non sembrano avere i muscoli per uscire dal giro folk e sfondare definitivamente anche fuori dai patri confini. (6.8/10)
MarCo BosColo

CoM truise - CyaniDe sisters (ghostly international, gennaio 2011) Genere: synth, 80s, Glo-fi
Analogico vintage Settanta e sensibilit retr Ottanta sono ormai poco pi che un infausto clich a causa della quantit di progetti che da pi di un anno e mezzo rilanciano lhype a tutto spiano. Il caso Com Truise si per rivelato singolare, non tanto da un punto di vista creativo, quanto per la fervida vena di producer che ha destato parecchi consensi e drizzato non poche orecchie (Pitchfork per ultimo). Se la ristampa di Cyanide Sisters (i sette pezzi originali dellestate scorsa pi quattro bonus track) fornisce loccasione per approfondire la storia di Seth Haley, dapprima dj, passando per vari progetti paralleli (Sarin Sunday, SYSTM, Airliner), infine in odor di successo grazie ai remix delle hit di Twin Shadow e Neon indian, al producer/remixer che noi guardiamo. In tutte le produzioni sound design e architettura sono superiori alla media: dalla soundtrack hollywoodiana ai New Order fino allalt-funk e alle immancabili sonorit liquide new age, Seth ne sa quasi quanto James Ferraro e i remix di Castles In The Snow e di Sleep Paralysist ne evidenziano labilit nel gioco di sponda: dai vezzi new wave alle camerette infestate da allucinazioni settantine. Lep oltre a ci ha tutto il sapore del sunto: dancefloor, bandane, Festivalbar random, videogiochi e vocoder. Haley un cultore del genere e con la materia preferita pulito e rigoroso. Anche troppo. Del resto, la lente glo-fi si ormai cicatrizzata e il pozzo senza fondo un buco nero da cui non si esce vivi, come diceva qualcuno. Sette e mezzo al producer e sei e mezzo al disco. Si fa la media, in attesa del full-lenght che uscir nei prossimi mesi. (7/10)
FranCesCa Marongiu

Sacred Bones, lorganico si allarga a quattro elementi fissi, col fondatore sempre dietro a microfono e chitarra acustica, coadiuvato ora da sezione ritmica e violino. Come gi si paventava da alcuni episodi del mini Filthy Plumage In An Open Sea! il gruppo di Brooklyn si lascia quasi interamente alla spalle i toni angusti del classico folk-apocalittico (fa eccezione la sola Lorelei), e sterza vigorosamente verso polverose terre di frontiera western ( un caso che il pezzo che apre Cult Of Youth si chiami New West?). Niente pi ballate brown&grey alla Death In June, ma un nuovo sound tribale e guerriero, assai pi prossimo a David Eugene Edwards che a Douglas Pearce, che alterna il country irruento di Monsters alla seraficit crepuscolare di Waery passando per paesaggi lunari come limmagine di copertina (The Lamb) e le coralit solenni di The Pole-Star. E se le nuove versioni di Cold Black Earth e Lace Up Your Boots non rendono pienamente giustizia alla rabbia degli originali, proprio per il significativo cambiamento di rotta apportato. Bisogna guardare avanti. (7.2/10)
anDrea napoli

gli occhi per poter vedere, nellapocalisse casalinga e intima di Brusaschetto (casa mia, per quanto ti odi sei il posto dove voglio stare, da Fragranze Silenzio) lunica possibilit che bisogna saper perdere, bisogna sapere come perdere (Raccontamelo Come Fosse Una Favola). Mai come stavolta per a vincere Brusaschetto, mosca bianca e gioiellino da tener da conto. (7.4/10)
steFano piFFeri

dinsieme al disco lo d evidentemente lui, ma a questo punto con un po di delusione potremmo semplicemente dire che questo Owl Splinters altro non che un disco di Svarte Greiner pi morbido e rifinito. (7/10)
antonello CoMunale

DeaF Center - oWl splinters (type reCorDs, FeBBraio 2010) Genere: doom ambient
I gufi non sono quello che sembrano. Vecchio leitmotiv che aggiungeva mistero al mistero, in quella girandola impazzita che era la seconda stagione di Twin Peaks. Erik K. Skodvin e Otto A. Todland si ritrovano sotto il segno del gufo, a comporre di nuovo insieme dopo che unintera stagione passata via come se niente fosse, visto che sei anni separano latteso ritorno dallillustre primo disco dei Deaf Center, lavoro che pu ormai dirsi, a tutti gli effetti, di culto.Il gusto un po macabro di lasciare che lattimo si stiracchi fino allo spasimo il tratto dominante del nuovo disco. Dopo sei anni era poco probabile che labile duo norvegese ci fornisse un sequel sulla falsariga del predecessore. Owl Splinters rivela qualit opposte a Pale Ravine. Tanto questultimo era affidato ad unelettronica sparsa e brumosa, tanto il nuovo lavoro fa delle timbriche acustiche il motivo del suo fascino, forte com della produzione di lusso a firma Nils Frahm. Questione di duelli ideali tra i due. Erik al cello si perfezionato negli anni, facendosi le ossa con la maschera di Svarte Greiner, Otto invece suona le sparute note di piano con la cadenza esistenzialista dellultimo sopravvissuto tra i malinconici cultori di Satie.Come facile intuire, la qualit monocroma e grigiastra di Pale Ravine qui si perde, perch la musica nasce giocoforza dal contrasto tra i due autori. Si ottiene cos un lavoro che purtroppo lascia per strada buona parte della malinconia che aveva reso celebre il marchio Deaf Center, in favore di una vera e propria svolta horror doom che nei frangenti principali (New Beginning (Tidal Darkness), The Day I Would Neer Have, Close Forever Watching) li fa rimare con il Murcof di Cosmos. Stesso clangore atmosferico, stessa propensione per la tensione drammatica. Tutto il resto ragiona di scenografie di contorno. Timidi lieder malinconici per piano (Time spent, Fiction Dawn), crudi bozzetti di una dark ambient ormai calligrafica (Animal Sacrifice).In definitiva un disco con qualche qualit e molte perplessit. La mano forte rimane quella di Skodvin e il taglio

Death oF anna karina (the) - laCriMa / pantera (unhip reCorDs, Marzo 2011) Genere: post hc / noise
Ancora una volta il passaggio ai testi in italiano rappresenta uno spartiacque. Ci che era accaduto agli Zen Circus di Andate tutti affanculo e implicitamente al Teatro degli Orrori, accade ora agli emiliani The Death Of Anna Karina, che in Lacrima / Pantera toccano lapice del proprio percorso di crescita adottando la lingua di Dante. Quasi si trattasse di un nuovo punto di equilibrio per materiale che dellequilibrio stesso sempre stato un po il contraltare, post-hardcore fulminante ai tempi dellomonimo esordio del gruppo, postpunk virato noise in New Liberalistic Pleasures e assalto sonico di scuola At The Drive In ora. Limpressione che proprio lesempio del Teatro degli Orrori, quel conciliare contenuti e chitarre lancinanti con un recitato strafottente e incurante della metrica, abbia fatto scuola. Sdoganando tra i fautori delle sonorit pi heavy lidea che far convivere velocit, spigoli e italiano sia non solo possibile, ma quasi un atto dovuto. Soprattutto se a raccogliere c un pubblico ricettivo e attento, come testimoniano i sold out collezionati dalla band di A Sangue Freddo nellultimo tour italiano. C margine, insomma, e i TDOAK ne sono consapevoli. E pur non avendo lo stesso spessore semantico di un Capovilla, riescono comunque a sintetizzare una poetica personale e uno stile riconoscibile. Innescando un meccanismo virtuoso che porta la musica ad adattarsi al nuovo approccio vocale e il cantato ad abbandonare le isterie del passato in favore di una maggiore linearit. Una formula che, filtrata dal buon lavoro in appoggio di Giulio Ragno Favero, Giovanni Ferliga e Giovanni Versari, convince in pieno, come dimostrano anche il tappeto di distorsioni di Gli errori e di fronte a noi il nulla, la cavalcata in odore di psichedelia di Strumentale o il punk-hardcore contaminato della conclusiva Vile Omicidio. (7.2/10)
FaBrizio zaMpighi

Daniele BrusasChetto - Fragranze silenzio (sinCope, Marzo 2011) Genere: cantautorato avant
Abbandonate da un paio di album le asperit neo(post?)-industrial noise che nella loro efferata crudezza ne limitavano il raggio dazione, il lungocrinito chitarrista italiano ormai padrone di muoversi allinterno di un pi ampio raggio di possibilit senza che per questo a perderne sia lomogeneit di fondo della propria poetica o la ricerca sonora. La personale via al cantautorato di Brusaschetto trova in Fragranze Silenzio una perfetta equilibratura tra le due anime dicotomiche e conflittuali che lo sottendono. Da un lato, quella delicata, romantica, in punta di corda e/o sussurro, quasi solare verrebbe da dire, che si manifesta sotto forme astratte e post-moderne: siano essi i fruscii da glitchtronica concreta (Ali Di Mosca), la bossanova disturbata di Cauterization, il pop minimale e strumentale di Fiori Finti. Dallaltro, quella oscura e minacciosa, risvolto dai contorni dark di ogni animo sensibile che assume le forme malinconicamente struggenti di Clouds o quelle mostruose della conclusiva title-track: un monolite drone-metal in modalit sludge sfiancante e estatico. Su tutto, una forma di lirismo personale e dal retrogusto amaro, che procede per lampi di pura poesia esistenzialista e flash introspettivi di un intimismo palese. Se per i Bachi da Pietra di Non Io bisognava perdere

Cult oF youth - Cult oF youth (saCreD Bones, FeBBraio 2010) Genere: western folk
Secondo capitolo su lunga distanza nella giovane discografia del newyorkese Sean Ragon, dopo lesordio A Stick To Bind, A Seed To Grow su Dais di due anni fa esatti. Per sancire lentrata nellormai sconfinato roster 46

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MaMuthones - MaMuthones (Boring MaChines, Marzo 2011) Genere: avant-rock
La novit pi grossa indubbiamente che Mamuthones non pi un solo-project, bens una band al completo, anche se il progetto rimane appannaggio di Alessio Gastaldello. Lingresso di Marco Fasolo(luomo dietro Jennifer Gentle e amico/collega di vecchia data) alla chitarra e della vecchia gloria Maurizio Boldrin alla batteria ne allarga, per, gli orizzonti e fornisce nuove ed interessanti vie di fuga. Dal folk esoterico virato kosmische degli esordi ad una pi varia e corposa interpretazione di un rock lisergico, ipnotico, posseduto e a tratti ossessivamente violento, il passo pu sembrare breve ma il compierlo in maniera esauriente e soddisfacente cosa per pochi. Mamuthones vi riesce alla grande, giostrando con retaggio del passato - Ota Benga, Kash-o-Kashak o Ave Maria, (ri)prese da Sator o MJ74 concepito e registrato da Boldrin nel 1974 (!) - e spirito nuovo, dimostrando capacit sperimentali fuori dal comune nella rielaborazione del concetto stesso di musica psichedelica e aprendosi ad una nuova indagine interiore. Senza tagliare i ponti col passato o rimuovendo una parte del proprio essere (i liquidi passaggi dellesplicativa A New Start, lesoterismo witchy dellopener The Call, gli stessi svolazzi raga di MJ74 stanno l a conservare la propria memoria, il proprio passato fatto di atmosfere esoteriche e lande di suono nero-pece); quanto spingendo piuttosto sullacceleratore ritmico. Incendiando quelle lande angosciose e oscure che ne hanno da sempre contraddistinto loperato, aprendosi a forme pi umane (bestiali) e materiche, carnali e tangibili, pagane e ataviche, come nei fragorosi tour de force ritmico-ossessivi di The First Born o Ota Benga. Mamuthones svela lennesimo suo volto travisato dalle maschere folkloriche sarde e offre a noi poveri mortali il picco pi alto della sua pur eccellente produzione. (7.5/10)
steFano piFFeri

DevotChka - 100 lovers (anti-, Marzo 2011) Genere: roots/folk

Il loro attimo di notoriet i quattro polistrumentisti di Denver (Colorado) che rispondono al nome collettivo di Devotchka lo hanno avuto nel 2006, quando firmarno alcuni brani della colonna sonora di un film, Little Miss Sunshine, che si guadagnato una visibilit internazionale per certi versi inattesa. Con 100 Lovers arrivano al traguardo del loro quinto long playing senza che la formula sia davvero mutata. Quello che si nota un avvicinamento al modo di amalgamare voce e strumenti che ricorda lultimo lavoro degli Arcade Fire. Ma questo, sebbene debba essere sottolineato, non tragga in inganno: stiamo pur sempre parlando di musica a base gitana, balcanica, caraibica e spagnoleggiante. Anzi, a volte queste influenze sono talmente forti che anche le parole cantate da Nick Urata assumono sfumature esotiche e, talvolta, inintelleggibili. Si comincia con una marchetta in crescendo, The Alley, adagiata su un letto di archi sognanti per proseguire con leco Arcade Fire che dicevamo di All The Sand In All The Sea e The Common Good (ma basata su di un hanclapping in stile flamenco). In mezzo, gli strumenti in reverse della stoppata One Hundred Other Lovers, che sa di Field Music al loro meglio. The Man From San Sebastian tango-rock, mentre Bad Luck Heels musica mariachi in salsa europea. Lultima fatica della band un giro del mondo sonoro in dodici movimenti che lascia stupiti per la padronanza con cui i Devotchka parlano tante lingue musicali, ma che pu far venire il mal di mare a chi avvicini a 100 Lovers senza aver ben allacciato le cinture di sicurezza. (7/10)
MarCo BosColo

Fatta salvo questo lieve scarto, gli strumenti in mano ai Disappears e i risultati non sono poi dissimili da quelli messi in atto ormai quasi un ventennio addietro da Loop et similia. Ossessivit e reiterazione, distorsioni chitarristiche e drumming incessante, bassi groovey e atmosfere claustrofobiche, trance indotta a furia di procedere ipnotico: questi gli ormai ben noti ingredienti dispensati a piene mani in Guider e che pongono il quartetto americano sullo stesso piano di altri sbandati americani, drogati di kraute ossessivit come Moon Duo o Wooden Shjips. Certo poi che un pezzo come Revisiting, 16 minuti di ipnosi spossante e urbane allucinazioni alla maniera dei krauti pi drogati, rimette profondamente in pace col mondo in disgregazione. (7/10)
steFano piFFeri

DisCoDeine - DisCoDeine (psChent, FeBBraio 2011) Genere: nu-french touch

Benjamin Morando aka Pertile e Cdric Marszewski aka Pilooski: il primo (gi Octet) era nel giro Diamond Traxx dello storico Benjamin Diamond che con gli Stardust ha definito il revival balearico (quella Music Sounds Better With You cui sappiamo essere stato uno dei punti di svolta fondamentali della carriera Daft Punk). Il secondo ha militato e risiede tuttora su DT ma collabora anche con Eddyees Theme e C. Denner. Assieme sono i Codeine, gi avvistati con Jarvis Cocker su DFA e con il fido Mathias Aguayo nelle rispettive track Synchronize eSingular, ora il debutto con questomonimo dallincatalogabile fascino: balerina 80s giocattolo (vedi qui il ricordo dellultimo Munk), effetti sintetici da studio (Relapse), visione slo-mo Air (D-A in combutta con Baxter Dury), ritmica minimalworld in stile DFA (Falkenberg), quattro techy pi classico (Antiphonie, Ring Mutilation), progressivit (Homo-Compatible) e uno stipendo finale che ricorda lo stupore di Luciano (Figures In A Soundscape). Dopo il lavoro di Agoria, questo disco lennesima uscita dai binari french touch che mantiene un piglio soggettivo e credibile e che conferma cos una distanza feconda dalla (ormai) old-school di Busy P e soci. Pregevole anche liconografia delle copertine la Gustave Dor. Un disco che per la sua capacit di non ancoraggio a coordinate troppo monolitiche sar apprezzato sul lungo periodo. In odore di top. Bravi. (7.3/10)
MarCo Braggion

Desolate - the invisiBle insurreCtion (Fauxpas Musik, gennaio 2011) Genere: post-GaraGe, ambient
Non pi tempo di rivedere le principali lezioni prealla luce di un nuovo importante tassello nel continuum UK Bass. A un lustro abbondate dalle manipolazioni soniche dubstep, agli Untrue e ai A Mutual Antipathy, sono subentrate produzioni smarcate, ibride e luminose, in cerca di nuovi equilibri e occhi di riguardo verso istanze e tool differenti. Con Mount Kimbie e James Blake, avevamo evidenziato come laptop, campionamenti, pianoforte e unestetica deformata ma diurna, fossero state pratiche liberatorie quanto efficaci: da una parte, tagliavano il cordone ombelicale con le frange scure dei club (Benga, Pinch ecc.), dallaltro, aprivano alle contaminazioni arty. Post-soul e il garage Burial-iano sono gli spunti dai quali Sven Weisemann, ovvero Desolate, riprende un discorso che ha fatto storia. Lo fa appunto con lo sguardo smaliziato di chi frequenta gli stessi luoghi elettroacustici e nel contempo ha frequentato i tanti salotti buoni di Ger48

mania (dance e non dance) nei quali piano e manipolazioni elettroniche si sono sposati tante e pi volte. The Invisible Insurrection ne il raffinato risultato. Il primo album lungo ad essere pubblicato sulla Fauxpas Musik di Amburgo, label che aveva inaugurato proprio con lui (Heroic Death EP) giusto un anno fa, vede Weisemann come il perfetto esempio di Burial nel 2011. Peccato per Burial che ancora tace. Molto bene per uno come lui che lo brucia sul tempo cogliendo le evoluzioni sopracitate e coerentemente si riconduce allapproccio suonato di Xine (Wandering, 2009), tolto quasi del tutto degli aspetti ambient techno-dub l presenti, e addizionato dellambient-soul del ragazzo misterioso (pi campionamenti vari e manipolazioni laptop). Il cuore narrativo si riconduce a un soffusa quanto superficiale melanconia ambient. E il lato debole di unoperazione di notevole sintesi e capacit tecniche per. Un ottimo artigianato. (7.1/10)
eDoarDo BriDDa

Disappears - guiDer (kranky, Marzo 2011) Genere: psych-kraut

Riattiva alla memoria limmaginario hard psichedelico inglese di fine anni 80 il comeback dei Disappears. Tutto quel sottobosco di rockers duri in fissa con la psych pi dilatata e le ossessive reiterazioni kraute - dagli Spacemen 3 ai Loop fino ad arrivare agli Hair & Skin Trading Co. - sembrano convenuti al sabba orchestrato dallex 90 Day Men Brian Case (voce e chitarra) in combutta col chitarrista Jonathan van Herik, il bassista Damon Carruesco e il dimissionario drummer Graeme Gibson. C lo stesso gusto per ambientazioni postindustriali seppur con le debite distanze: lInghilterra tatcheriana dei sobborghi post-crisi era molto pi deprimente e oscura rispetto alle lande da cui provengono i quattro ceffi qui presenti.

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MarCo parente - la riproDuzione Dei Fiori (WolanD, Marzo 2011) Genere: canzone dautore
Materia sfuggente, la musica di Marco Parente. Suoni che devono respirare, sedimentare, nella speranza che il loro modo di vedere il mondo prima o poi diventi anche il nostro. E stato cos fin dagli esordi e il qui presente La riproduzione dei fiori non fa eccezione. Declinando i soliti testi antitetici in intrecci strumentali dal passo irregolare e affezionati a unetica libertina di matrice jazz che anche rock, canzone dautore e molto altro. Cinque anni fa il binomio Neve ridens 1 / Neve ridens 2 rappresent uno scatto in avanti sul versante della credibilit e dellautorevolezza per un artista maturo e per nulla spaventato dalla sperimentazione. Il qui presente La riproduzione dei fiori assomiglia invece a un trait dunion tra il pop allargato di Trasparente e la complessa contemporaneit del musicista napoletano. Complessa, perch non rinuncia nemmeno in questa occasione a confezionare un ideale rebus, tra punti di riferimento solidi (il binomio voce-chitarra de Il diavolaccio, le malinconie immediate della title-track, gli archi Beatles/Nick Drake arrangiati da Robert Kirby di Sempre) e rimandi che sembrano veri e propri salti nel vuoto. Quelli che si colgono da alcune citazioni piuttosto radicali (i Rolling Stones di Sympathy For The Devil adottati da una funkeggiante Lomino patologico, lelettricit di una Cera una stessa volta che fa le pulci alla Hurricane di Dylan o i Radiohead posti in chiusura de La grande Vacanza) e da certe scorribande stilistiche vorticose (DJ J) comunque in linea con lingorgo concettuale ed estetico tipico di Parente. Il risultato un disco dal carattere scontroso, ma solo in apparenza. Perch alla fine Marco ancora uno di quelli che riesce a rendere credibile anche la carne viva, oltre che un musicista capace di dettare i tempi a chi gli si avvicina. Aiutato in questo da collaboratori prestigiosi come Andrea Allulli, Andrea Angelucci, Emanuele Maniscalco e Asso Stefana, bravi nellinterpretare nella maniera migliore laliena eleganza della scrittura parentiana. (7.5/10)
FaBrizio zaMpighi

Dj rashaD - just a taste (ghettophiles, gennaio 2011) Genere: Juke, Ghettotech

Lavevamo gi sentito nelle varie compilation di footwork e in un singolo lungo su Mu-ziq (Itz Not Rite) che prometteva bene. DJ Rashad torna con la sua spezzettata teoria di tracce in visibilio per il breaking, il pitchshifting e le beatbox, e prosegue la strategia del suddetto esordio, cio osare con la variet in un genere che sembra fatto solo ed esclusivamente per ballare e che quindi riduce la musica a mero strumento tecnico. Qui il cut-and-paste diventa una malattia infarcita di voci angeliche (Ghost), percussioncine spastiche da beatbox (Make It Happen), il cool jazz soul degli anni Sessanta (We Run It), samples di Gil Scott-Heron (Im Gone) e di Bobby Caldwell (Ghetto Tekz Runnin It), il funk UK pi tirato e sporco (You Azz) e lepifania cosmic blues (Love U Found, Im Gone). 50

Un piacevole e necessario ripensamento di un genere che sembrava essere nato gi per implodere su se stesso, e che invece con personaggi come Rashad ci fa intravedere un futuro pieno di cose da dire e da mixare. Il ragazzo da Chicago si accosta con questo suo full ai lavori che hanno definito il genere di DJ Roc e DJ Nate, prendendo la via del soul sulla sua neonata etichetta Ghettophiles. La sacra trimurti del Chicago Juke cos formata. Adorateli. (7.3/10)
MarCo Braggion

nici. E un genere di percorso che a quanto pare fa gola a molti, come testimonia ad esempio lultimo Tapes N Tapes, ma che difficilmente porta risultati incisivi, e infatti entrambi gli album hanno lasciato i rispettivi gruppi in un limbo: le aspettative dei fans sono state disattese e al contempo i riferimenti cui si tendeva non sono stati raggiunti. Ora esce No Color, quarta prova per il duo californiano, e subito traspare lammissione di questo passo falso e la volont di recuperare: nella cartella stampa non si fa alcun riferimento al disco precedente e ci si affretta invece a nominare John Askew, gi produttore dei primi due dischi e qui nuovamente in console. Certo non possiamo dire che questa mossa sia sufficiente a tornare indietro davvero: la freschezza delle prime due prove sembra persa definitivamente in luogo di un profilo pi alto. Semplicemente stavolta ci si rivela abili ad approfittare dello status raggiunto per contemplare una gamma di possibilit pi ampia, mentre sottotraccia si recupera in parte la formula magica che fece da ponte tra la vecchia scuola folk di un John Fahey e quella contemporanea dei Fleet Foxes (Dont Try And Hide It e Dont Stop). Ecco allora ancor pi di prima le chitarre elettriche a declinare riff sulle armonie acustiche di Meric Long (Black Night); e a mescolare ulteriormente le acque ecco chiamata in causa nientemeno che Neko Case, i cui cori spingono qua e l in direzione Canada: inevitabilmente la Vancouver dei suoi New Pornographers, ma forse ancor di pi la Montreal degli Arcade Fire, soprattutto nei momenti in cui il drumming si fa meno brioso e pi cadenzato. Un suono generale pi ricco di prima, insomma, ma pure limpatto energico che ricordavamo, quelle tentazioni melodiche puntualmente stemperate da serratissime fughe strumentali (Going Under), la voglia genuina di divertirsi applicata a un linguaggio fortemente personale sul piano delle liriche cos come degli arrangiamenti: i marchi di fabbrica dei Dodos, che oggi sposano unautentica voglia di rinnovamento. Siamo di nuovo sui binari. (7/10)
siMone MaDrau

stalgie surfiste, tramonti on the road chitarra alla mano, ma uno slittamento percettibile sembra far svanire quellaura di sporca vaghezza e indeterminatezza in lofi che la contraddistingueva. Lalbum, infatti, un insieme di composizioni brevi, spari da due minuti o poco pi in cui la chitarra di Mondanile scorazza libera e ispirata sul versante sixties-pop: siano esse beach song dal riff scanzonato quanto efficace, immerse in coretti mid-80s alla Real Estate (Killin The Vibe), piccoli capolavori pop in stile Guided By Voices, arrendevoli nella propria semplicit (Art Vanderlay) o assolate coralit da spiaggia (Dont Make Plans). Il passato non si dimentica n si rinnega, ovviamente. I dieci minuti di chitarre impastate tra strilli di gabbiani e fruscii filtrati dalla spirale di una conchiglia sono lemblema hypnagogic delluniverso Ducktails, solo che lhic et nunc di Mondanile molto pi messo a fuoco sul versante delle songs e limmaginario scivola in secondo piano. (7/10)
steFano gaz

DuM DuM girls - he gets Me high (suB pop, FeBBraio 2011) Genere: indie rock
Un ep che suggerisce molte considerazioni, quello in questione, ancor prima di addentrarci nei suoi contenuti musicali. Kristin Gundred (aka Dee Dee) in posa da star sulla copertina. Pensiero #1: sono passati i tempi della foto sfocata rubata dallalbum di famiglia (sembra infatti che la donna intenta a rovistare nellarmadio che campeggiava sulla cover di I Will Be, fosse la madre della cantante). La normalizzazione aggredisce innanzitutto il lato estetico del progetto. Pensiero #2: per quanto si sia parlato delle Dum Dum Girls, e la Grunded abbia intrapreso il recente tour con una formazione affiatata che anche in fatto di look vantava una compattezza degna dei Ramones (ma con molto pi glamour), il progetto resta affar suo. Sebbene le aspirazioni crescano a dismisura. He Gets Me High il definitivo sdoganamento dellex generazione lo-fi di questo primo scorcio di secolo. La title track semplicemente il miglior brano inciso dallartista, sotto ogni punto di vista: dai suoni perfettamente bilanciati fra pulizia sonora e lucentezza delle chitarre noisy, alla melodia che rappresenta il mix ideale di innocenza 60s e cuor di tenebra post punk. Take Care Of My Baby ribadisce il concetto aggiungendo una buona dose di romanticismo e pompa spectoriana. Lapertura di Wrong Feels Right forse meno con51

DoDos (the) - no Color (WiChita reCorDings, Marzo 2011) Genere: indie-pop

Avevamo lasciato i Dodos alle prese con il produttore Phil Ek (Built To Spill) e con la svolta di Time To Die: un album che prendeva le mosse dal fingerpicking cristallino di Visiter per avvicinarsi a modelli indie pi cano-

DuCktails - DuCktails iii: arCaDe DynaMiCs (WooDsist, FeBBraio 2011) Genere: hypna-pop
A piccoli passi Matt Mondanile aka Ducktails, affermatosi come uno dei migliori interpreti del recente trend tropical-hypno-pop, si va smarcando dalletichetta che lo ha consacrato. La sua musica resta strettamente legata ai paesaggi evocati, tra canzoni da spiaggia, no-

vincente ma altrettanto efficace. La sorpresa sta tutta nella quarta traccia: la cover di There Is A Light That Never Goes Out degli Smiths testimonia una discendenza poetica che si sarebbe potuta intuire, ma che in questa occasione viene ribadita con uninterpretazione senza fronzoli, che coglie lurgenza e lo spirito esistenzialista del pezzo originario. Un ep luminoso, dal primo allultimo secondo, il cui unico limite la breve durata. (7/10)
Diego Ballani

Dustin ohalloran - luMiere (Fat Cat, Marzo 2011) Genere: strumentale

DallArizona, passando per le Hawaii e per Los Angeles fino ad approdare a Ravenna e a Berlino: questo il lungo percorso di Dustin OHalloran, dal 1996, con Sara Lov, fondatore dei Devics e dal 2004 - anche - music maker in solo. Un disco sospeso, onirico, questo nuovo Lumiere, arrivato dopo Piano solo vol. 2 del 2006, qualche soundtrack (ricordiamo la partecipazione allOST di Marie Antoinette di Sofia Coppola), e Runner del 2007. Un album dove non si dimenticano le grandi citazioni, da Chopin a Debussy passando per Satie e Sakamoto senza che si lascino da parte le tensioni alla musica classica contemporanea e, in primis, a una nuova modalit, pi completa e stratificata, di concepire lorchestrazione. In suo aiuto c lensemble ACME, gi, tra gli altri, con Owen Pallett, Grizzly Bear e Matmos. Figlio di una lunga gestazione - pi di tre anni - Lumiere sta alla musica come la luce, appunto, alle immagini, ricordando una candela capace con il tremolio del suo barlume, di illuminare lincontro tra spazi sonori antichi e nuovi. La perla? Quintette n.1. (7/10)
giulia Cavaliere

a una Rephlex archelogica e affamata del suono delle origini pre-IDM, dunque un assoluto piacere. Multi Funk non propriamente una raccolta di inediti, anzi rappresenta una compila di vecchi successi degli 80s (This Partys Jam Packed, Save The Children, Breakdown New York Style, Mr. Gigolo) e qualche nuova track very old fashioned, in pratica, un tuffo nei primi Ottanta della grande mela, un monumento alla rnb robotica con tastiere e drum machine primo Prince e Madonna, sincopi e scratch la MC Miker G & DJ Sven (quelli di Holiday per capirci), claps old skool, luci strobo, e una tonnellata di robot vocal funkato che il vero marchio di fabbrica delluomo. Indispensabile per chi voglia scoprire lorigine di ogni funk electro contaminato e altrettanto imperdibile per chi, in epoca wonky e sound retr, voglia fregiarsi di qualche citazione di lusso. (7.2/10)
eDoarDo BriDDa

Quei leoni che a volte ritornano (vedi su altri lidi la rinascita di Wagon Christ) e riportano suoni e atmosfere dantan a galla. E noi che ci accorgiamo di come ogni tanto abbiamo bisogno di certezze. DJ Vadim c, per fortuna sempre vivo e vegeto. Respect Vad, guys. (7/10)
MarCo Braggion

eternal tapestry - BeyonD the 4th Door (thrill joCkey, Marzo 2011) Genere: psych
Ne parlavamo come di una band dallimmaginario space-primitivista in occasione del precedente The Invisible Landspace. Ora, passati dalle etichette di culto Digitalis e Not Not Fun alla prestigiosa Thrill Jockey, i tre di Portland sembrano darci ragione. Lincipit del comeback infatti si intitola Ancient Echoes ed nulla pi di quello che potete immaginare: lontani, ancestrali echi di psichedelica soffusa tra chitarre che cinguettano e tappeti ritmici da raga per un immaginario da pieno trip 60/70. Non questione di singola canzone per. il senso del tutto a connotare Beyond The 4th Door come un unicum di psichedelica morbida e vellutata, impreziosito anche dalluso del sax. Fatta eccezione per lepica heavy di Galactic Derelict - meno dirompente delle ambientazioni kraute del precedente, ma pur sempre una bella botta di psych spacey a volumi pieni - lalbum si muove su continui rimandi floydiani, visionarie evanescenze da contorni sfocati (Reflections In A Mirage) e increspature ambientali tra corde pizzicate e dilatazioni ipnotiche (Time Winds Through a Glass, Cleary). Molto meno corposi e cosmici che in passato e pi radicati ad una visionariet terrena e deserticamente materica, Dewey Mahood (chitarra) e i fratelli Nick (chitarra e voce) e Jed Bindeman (batteria) mettono da parte lirruenza e puntano sui dettagli per oltrepassare le porte della percezione. (6.9/10)
steFano piFFeri

eleCtriC (the) - liFe is Moving (organiCally groWn sounDs, Marzo 2011) Genere: soul, hip-hop
DJ Vadim ritorna dal tour del suo ultimo U Cant Lurn Imaginashun con due voci nella manica: il rapper chicagoano Pugs Atomz e la soulness inglese di Sabira Jade. Dopo il successo in giro per il mondo, il DJ ha voglia di formare un supergruppo. Presto fatto, dato che gi a novembre scorso avevamo sentito il loro singolo Beautiful. Oggi esce il full, un disco, secondo Daddy Vad, che ha in s elementi di hip-hop, soul e musica elettronica, ma che per me suona come hip-hop fatto in maniera innovativa. Ovviamente la matrice street non pu mancare: le tracce sono state registrate e pensate on the road, in camere dalbergo, in macchina e in aereo. Un disco che ritorna al vecchio amore di Vadim per il soul, viene pubblicato in casa per la sua neonata etichetta Organically Grew Sounds (che per ora ha nel suo roaster Yarah Bravo) e che spazia con un suono classico tra lascivi ammiccamenti (Overloaded), giochini di synth (Electric Company) basi ultrablack (il funk Settanta di So Now You Know) e atmosfere da struscio soul pompate con bassi giocattolosi, decorati con i classici catenoni dorati e con gli sculettamenti dordinanza. Il gioco di dialogo tra i due pupilli incolla ancora di pi lidea del maestro, formando una melassa compatta, che si lascia ascoltare senza soluzione di continuit e che si pu ricollegare alle esperienze del neo-soul di Andreya Triana e della cricca now Ninja Tune (label su cui Vad ha stampato pi di qualche album memorabile).

coordinate poetiche e atmosferiche irrimediabilmente sfalsate. Sai solo che in qualche modo le otto tracce di αω sono riuscite a farti fare il giro di giostra. E non senza effetti speciali: come le vibrazioni desertiche rimbalzate fino al cielo di Omega, il teatrino tra il brechtiano e lacido di Last Time at Alpha Centauri, la suite ieratica e schizofrenica di Terrible n.1 e - appunto quella Lunar 8 che spedisce i Mm in unorbita geostazionaria - ohib - quasi Nick Drake.Ti resta una sensazione strana, come aprire un cassetto pieno di oggetti apparentemente scollegati e scoprire che in qualche modo sono riusciti a sviluppare una connessione, a raccontare una storia. Come leggere un libro costruito scozzando pagine di libri gi letti e trovarlo incredibilmente congruo, stranamente sensato. Chi siano davvero gli Eveline, cosa vogliano fare da grandi, questione secondaria fintanto che lo spettacolo darte varia sar tenuto assieme dal filo sottile ma tenace della convinzione. (7/10)
steFano solventi

ex-otago - Mezze stagioni (autoproDotto, Marzo 2011) Genere: pop

Il terzo disco degli Ex Otago fissa alcuni punti importanti: il primo che la formazione genovese ha ormai raggiunto una cifra stilistica riconoscibile e a suo modo esemplare; il secondo che i testi in italiano di questo Mezze stagioni funzionano quasi meglio di quelli in inglese del precedente Tanti saluti; lultimo che chiedere al gruppo qualcosa che vada oltre la leggerezza pop scazzata e in bilico tra synth estivi, coretti e chitarrine sincopate significa spersonalizzarlo. Gli Ex Otago sono questi, prendere o lasciare. Dei Beach Boys involuti, dei buskers mancati, una band legata a un immaginario indie da loser che macina una quotidianit ironica (Patrizia, Una vita col riporto) e una sincera sensibilit alla costante ricerca della perfetta melodia pop. In conclusione tutto funziona come dovrebbe e chi ha apprezzato la produzione passata della band non faticher a trovare nuovi spunti anche in questo disco. Finanziato, tra laltro, con un progetto di azionariato popolare senza precedenti in Italia che ha coinvolto direttamente i fans. (6.7/10)
FaBrizio zaMpighi

DWayne oMarr - Multi Funk (rephlex, gennaio 2011) Genere: space funk
Non occorre essere addetti ai lavori dello space funk o di certo vocoder rnb primi Ottanta per conoscere ogni singola sfumatura del suono del bostoniano Dwayne Omarr. Lui sicuramente un ghost writer, un producer per cultori del suono Giorgio Moroder quali Daniele Baldelli, Daft Punk, Dam-Funk o Squarepusher, eppure la sua musica, grazie a loro, e alla cultura mediatica che li ha preceduti, patrimonio di tutti. Riascoltarlo oggi con il primo album a suo nome grazie 52

eveline - αω (soniC vista, Marzo 2011) Genere: psych-wave

Terzo album in sei anni per i bolognesi Eveline, e il mistero sinfittisce. Ascolti questo brodo apocalittico Low, la fregola psichedelica Doors e lestro art-wave vagamente Stranglers, non manchi di intercettare capricci insidiosi Afghan Whigs, cori ectoplasmatici Sigur Ros per poi atterrare in un dolce tedio glitch, ed comprensibile uscrine senza una fisionomia precisa, le

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exploDing star orChestra - stars have shapes (DelMark reCorDs, setteMBre 2010) Genere: freeJazz
sufficiente concentrarsi sulla ragione sociale Exploding Star Orchestra per capire dove ci accompagna oggi Rob Mazurek - ma anche dove ci ha sempre condotto. La stella esplode, e noi guardiamo il big bang, parte di una platea che non pu che essere interessata dalla portata cosmica dellevento. Lesplosione non affidata tanto a prime voci, a protagonisti, ma disseminata coralmente nella collettivit di unorchestra. Non possiamo che pensare a Sun Ra, non nel sottotesto ma nel testo stesso della musica. Mazurek aveva probabilmente questo obiettivo in testa, quando ha deciso di chiamare cos il combo multiforme. E Stars Have Shapes, doppia sottolineatura della questione, il compimento del fine. Conosciamo fin troppo bene il talento sconfinato di Rob nel saper creare con la musica dei mondi interi, se non rappresentazioni di universi. LExploding Star Orchestra, nella maturit pi estromessa dal tempo che si possa pensare, procede mettendo a frutto una capacit che le sembra innata, ossia la tenuta di uno stato danimo. Sulla lunga durata come sulla breve. La prima traccia (i venti minuti di Ascension Ghost Impression no. 2) lapoteosi del free jazz, un flusso libero, una destrutturazione supersonica che scatena una grande cacofonia patemica, in realt scientifica come fosse elettroacustica. Questo il nuovo mondo di riferimento che vediamo mostrare i muscoli sotto le briglie sciolte del jazz. la composizione, il Novecento, la colta che prende forma nella complessit delle partiture apparentemente del tutto libere. Laltro brano lungo (Three Blocks of Light) ancora un viaggio astrale, ma a diversa velocit, una lunga scia decostruita con micro-suoni avanguardistici. Non esiste pi la pertinenza locale, n lantropologia di Chicago come un modello di mondo musicale. Come a dire che unera finita, e che la Exploding Star Orchestra - comunque chicagoana per organico e definizione - fa a meno di un luogo preciso per dialogare con la classicit contemporanea, e con uno stile irresistibile. (7.4/10)
gaspare Caliri

di prodotti beachpop. Colpisce di Unlearn la capacit di spiazzare lascoltatore spingendosi verso direzioni inattese: in Wanna know what I would do? in mezzo a tanto istinto punk & roll ci trovi il Bowie della trilogia berlinese o il primo David Byrne, qua e l saffacciano, tra una ballata e un inserto di world music (Where the walls are made of grass), il primo Elvis Costello (Powerful lovin), Richard Hell (Michael Kelly) e uno a scelta tra quei cantanti di fine anni 50 da milkshake on the road (Unlearn). Talvolta stonati e spesso nostalgici e onirici nel sound, i Fergus & Geronimo, con questo nome da cartoni animati e le inquietanti maschere indossate nella foto in copertina, hanno anzitutto il pregio dellinconsueto e delleterogeneit della proposta. Un ellep distante da tutto quello che lindie - tra pi o meno fortunate imitazioni dei Beach Boys - ci sta donando in questi ultimi tempi. (7.4/10)
giulia Cavaliere

highlight
Martial Canterel - you toDay (WierD, FeBBraio 2011) Genere: synth-wave
Si nutre dello stesso marziale lirismo dei cantori del folk apocalittico made in England, il newyorchese Sean McBride aka Martial Canterel. Come un novello Douglas P - si ascolti la conclusiva For Us col declamato stordente e enfatico di mr. Death In June, per farsi una idea - si staglia algido e fiero sulle ceneri dellesistente imbastendo un disco di synth-wave ben al di sopra della media dellattuale revival. Met Xeno & Oaklander e agitatore della prima ora nel sottobosco electro dark-wave della grande mela, McBride ruba il nome al protagonista del Locus Solus di Raymond Roussel e i suoni allala pi gloomy e minimale della cold-wave e di quella meno ossessiva ed electro-oriented dellebm. Fa tutto da solo, Martial Canterel, con grazia ed eleganza: ipotizza canzoni insieme ballabili e malinconiche, dalle atmosfere oscure e impenetrabili, ossessivamente robotiche ma dal cuore innegabilmente umano. Proprio come le opere del suo omonimo narrativo. Procede in modalit visionaria e strettamente analogica, stratificando visioni e suoni intorno ad un concept sulla crescente difficolt nel connettersi con persone reali. Ha una filosofia forte, un immaginario ben delineato e una visione dimpatto. Soprattutto, nessuna remora nel manifestarle. Immaginate un cantautorato al limite dellesistenzialismo ma impiantato in un retro-futurismo dal sapore amaramente dark e avrete You Today. Le atmosfere create dalluso di synth datati, carcasse di un futuro fallito, e limmaginario evocato fanno della musica di Martial Canterel una delle pi originali e sincere visioni distopiche su un futuro mai manifestatosi. (7.5/10)
steFano piFFeri

FounD - FaCtoryCraFt (CheMikal unDergrounD reCorDs, Marzo 2011) Genere: indie

Dimmi con chi vai e - allincirca - ti dir come suoni. Compagni di palco e merende della Phantom Band, gli scozzesi Ziggy Campbell (voce, chitarra), Tommy Perman (basso, synth) e Kev Sim (percussioni, elettronica) possiedono piglio acuto studenti di scuola darte, ma al contempo irridono i vacui intellettualismi con la faccia tosta di chi sappoggia spesso e volentieri al bancone del pub. Lo capisci al volo nei loro gustosi sberleffi che spruzzano di tecnologico avant-garage una new wave venata dobliquo pop e viceversa: grossomodo i DNA di Wire e Maximo Park, di Art Brut e Supersystem shakerati in laboratorio per la gioia dei sostenitori della melodia subdola e gli amanti della ricerca sonora. Tipi non banali, avrete inteso, dotati defficace senso della misura e che forse ci stanno prendendo in giro (gli inizi da collettivo nelle gallerie darte, un robot emotivo di loro invenzione Cybraphon che ha interessato BBC e CNN ). Anche fosse, poco importa alla luce di due lp e svariati singoli di pregio consegnati in un paio danni, perch rimarrebbe tutto un hype se la loro personalit spigliata e schizoide non regalasse Every Hour That Passes (Young Marble Giants felici ed ebbri di malto) e Blackette (melodia irresistibile, passo di ballata disturbata), Shallow (gemma in furente per leggiadro volo tra Sheffield e Manchester) e Johnny I Can Walk The Line (i James ridotti allosso e alle prese con un folk girato space-rock).

Canzoni che paiono palline di vetro (Ill Wake With A Seismic Head No More schizza e si rifrange incontenibile, la sardonica Youre No Vincent Gallo, una Machine Age Dancing pastello e sghemba) gettate per farci cadere con un sorriso di soddisfazione. Canzoni che vinvitiamo a scoprire perch i Found sono ragazzi, dunque c da capirli e non da caricarli di responsabilit. Parafrasando quei giovani XTC coi quali hanno pi dun punto di contatto, anche questo pop. E meno male. (7.3/10)
gianCarlo turra

Frankie & the heartstrings - hunger (WiChita reCorDings, Marzo 2011) Genere: brit rock
Allappello del new wave revival mancavano ancora i suoni scabri della Postcard (se si esclude il colpo di fulmine dei quasi dimenticati Hatcham Social: una rondine che evidentemente non ha fatto primavera). Ora arrivano Frankie Francis e i suoi Heartstrings a metterci una pezza. A partire dalla produzione, affida-

Fergus & geroniMo - unlearn (harDly art, gennaio 2011) Genere: indierock, punk
A cavallo tra il garage punk e il rocknroll puro, i texani Fergus&Geronimo sanno ben distinguersi dalla massa 54

ta allex Orange Juice, Edwyn Collins, Il quintetto del Sunderland non fa certo mistero della propria discendenza spirituale. Il suono della giovane Scozia funge da punto di partenza per un guitar pop sovraeccitato a colpi di jingle jangle dassalto, romantico e gentile ma tuttaltro che oleografico. Frankie finalmente un performer di razza come non se ne vedeva dai tempi di Brett Anderson, ha un look vagamente rockabilly e una voce che modula in sinuose melodie blue eyed soul. La chiave di lettura di Hunger sta tutta l, in quei 50s edulcorati e cromati da una lucente produzione 80s. Photograph, ad esempio, parte a razzo per aprirsi ad avvincenti stacchetti doo wop. Ungrateful riprende il chitarrismo mercuriale di Josef K e Orange Juice, su cui, il crooning di Francis, appiccica una della melodie pi romantiche dellalbum. Possibilities un divertentissimo Elvis finito a Glasgow a duettare con gli Aztec Camera. C anche il tempo per la citazione scherzosa di That Postcard, a riprova di unattitudine scanzonata che fa 55

degli Heartstrings uno dei nomi pi freschi e promettenti del nuovo indie rock britannico. (7/10)
Diego Ballani

gerManotta youth - the harvesting oF souls (WallaCe reCorDs, FeBBraio 2011) Genere: Grind-techno
un catalogo non ragionato delle musiche estreme quello messo in atto dai tre Germanotta Youth. Tutto istinto, cuore e coglioni, The Harvesting Of Souls un concentrato di blast beats, techno madness, grindcore afono e hardcore impazzito sempre in bilico tra umano e meccanico, analogico e digitale. Massimo Pupillo (basso), Andrea Basili (batteria) e Reeks (synth e sampler), geniali sin dal titolo nel riecheggiare loperazione sonicyouthiana sul corpo vivo del mainstream (allora Veronica Ciccone aka Madonna, oggi Stefani Joanne Angelina Germanotta conosciuta ai pi come Lady Gaga), mostrano di saper trafficare con rumore e ironia. Titoli come Honey Bee Dapopulation Syndrome o A Closer Look Into The Mind And Soul Of Pope Benedict XVI dicono di sfuriate strumentali degne di Locust, Melt Banana e Phantomsmasher o, per rimanere a casa, Inferno virati universo electro postclicksncuts: ovvero, grindnroll senza voce e technologia debordante e devastata. A volte i ritmi rallentano e la visione si dilata verso forme synth-sludgey inquietanti e malsane (Blackfriars Bridge), potenziale via di fuga per sviluppi futuri. Da dove vengono evidente, anche nei curriculum personali; dove vogliano andare ignoto. Di fatto resta una mezzora di devastazione strumentale in modalit elettrochoc, a volte fine a se stessa. (6.8/10)
steFano piFFeri

gay Beast - to sMithereens (skin graFt reCorDs, Marzo 2011) Genere: android math
La passione per gli Hella e per quel mondo antitetico alla sintesi si sente ancora molto, in To Smithereens. Eppure, rispetto a Disrobics e Second Wave, c pi pensiero, nel sound del terzo album dei Gay Beast. Per quanto il tachimetro non accenni a scendere dalla zona rossa, le atmosfere sono meno frenetiche, le idee musicali - specie nel lato B - appaiono pretendere che si dia loro una forma riconoscibile prima che il delirio strumentale le spazzi via per sempre. La quasi titletrack (Smithereens) fa persino baluginare gli Animal Collective e una certa pasta di studio che non passa necessariamente dalla pasta tutta live-oriented degli strumenti che suonano in contemporanea. Se To Smithereens classificabile come la Third Wave della Bestia, essa comunque catastrofica e apocalittica come la wave di San Francisco di fine Settanta (Chrome il nome da spendere) e compressa in granate prog che il reparto artiglieria del math cervellotico ha insegnato a costruire. Collage ancora, dopo sei anni, la parola chiave dei Gay Beast. Un taglia e cuci improvviso - improvvisato?, dato che la band dichiara di comporre tracciando dei segni ritmici e dei grafi su un foglio. Una materia di chitarra tastiere drumming non sempre facile da seguire, decostruito come le chitarre di US Maple, spesso incapace di sedimentarsi nelle orecchie. Lunico appiglio cognitivo il grezzume estetizzato da synth e punk androide, in mezzo al flusso. Si rischia che letica di composizione, che lascia una sensazione di stordimento inevitabile, in un tale coacervo arrangiativo, resti come unico ricordo. Ci che riesce meglio ai Gay Beast mantenere invece la tensione, lattenzione, ed con la personalit di alcune opzioni di timbro che questo accade (We Keep Our Victims Ready). Su tale terreno, i Gay Beast lasciano gli Hella per strada, e puntano a un immaginario deciso (musicale e visivo), necessario per gli intenti attivisti che propugnano. (7/10)
gaspare Caliri

invece niente, stessa storia di cui sopra. Giusto qualche sprazzo della tanta grandezza possibile, nessun vero azzardo sul fronte delle produzioni, tanti interludi inutili e soprattutto pochissimi pezzi penetranti (che sono poi praticamente gli stessi delloriginale, per quanto virati su altri toni). In salsa dubstep, My Cloud una bellissima sospensione trip-hop; The Crutch un bel breakbeat; Ur Soul and Mine una house trascinante; N.Y. Is Killing Me rimane il nuovo classico che era, magnificamente poeticamente disperata; Ill Take Care Of U diventa una disco barcollante e ubriaca. Ma il resto non esiste. Occasione sprecata. (6/10)
gaBriele Marino

gli eBrei - 2010 (sinusite, gennaio 2011) Genere: post-punk lo-fi

Piccoli Altro crescono. Stessa nervosa attitudine postpunk liofilizzata e stesso lirismo incisivo nellidioma patrio. 2010 segna la nascita di una piccola e curiosa etichetta, la Sinusite di Duilio Scalici e Marco Gargiulo, interessata a scandagliare i patri terreni alla ricerca di eccitanti realt. Proprio come questi Ebrei marchigiani, quartetto non di facce nuove - gente del giro Soviet Soviet, The Barbacans, Obelisco Nero e Uzi - che mette in scena il proprio flusso di coscienza purificatore. Proposta altisonante che in musica si rivela essere un rock in registrazione lo-fonica, urlato ma aggraziato e in the vein of italian post-punk: bianco e nero, lirismo ribelle e da istantanea rabbiosa che non disdegna aperture melodiche e passaggi riflessivi, chitarre come stiletti e sezione ritmica scarnificata. Composizione e registrazione praticamente in presa diretta rendono lidea dellimmediatezza del disco: 20 minuti dritti in faccia in un tourbillon di Diaframma e Altro, Sonic Youth e CCCP, punk italiano pi scomposto e rigido e ironia tagliente nei testi, alla Bugo dei primordi. Liniziale La Noia, 2010 Anno Di Cambiamento e Maratona sono un ottima ragione per spingere sullacceleratore. (6.9/10)
steFano piFFeri

La troviamo dunque nei panni della musa folk (Devon) dagli ovv rimandi dream Ottanta (Cocteau Twins, Dead Can Dance), e in quelli cassa quattro negli episodi riconducibili alla scena nordica. In pratica, Claire sembra la versione Bedroom e weird pop di Likke Li, si occupa personalmente di tutto loutput musicale, dallartwork alla miriade di riferimenti sonici, hip hop (le drum machine, la boombastica ritmica) e traduzioni mesmeriche del rnb da classifica comprese. Halfaxa, debutto ufficiale che segue una cassetta (Geidi Primes) disponibile in free stream sul sito della Arbutus, dunque un album che sa di hype annunciato e che ha gi raccolto buoni consensi dalla sua pubblicazione (settembre 2010) ad oggi. Niente di sbagliato, pure con le citazioni per connoisseurs di Burial e certo dubstep in Hallways; per promettere la Boucher promette bene, eppure il mix fin troppo variegato e il pop che lega le tracce, bench decostruito e smaterializzato ad hoc, scivola spesso in una generica vaghezza e inconsistenza arty-. Aspettiamo la prossima mossa, e di certo non ne sconsigliamo lascolto. Le antenne di Claire sono ben rizzate, si tratta di sintonizzarle meglio. (6.8/10)
eDoarDo BriDDa

guiDo Maria grillo - non quasi Mai quello Che appare (aM proDuCtions, FeBBraio 2011) Genere: canzone dautore
Lo stile barocco, la voce volutamente teatrale, lobiettivo chiaro: far convergere gli esuli di Jeff Buckley, gli estimatori di Antony Hegarty e il seguito fedele di Alessandro Grazian su una proposta che li sintetizzi tutti nella maniera migliore. O che almeno ci provi. Servirebbe uno scatto di reni osservava giustamente il nostro Luca Barachetti nella recensione dellomonimo esordio del musicista salernitano. Scatto che anche in questo secondo disco non si coglie, per lo meno dal punto di vista della personalit. Perch se il labirinto di arrangiamenti darchi, pianoforte, synth che regge Non quasi mai quello che appare ben enfatizza la melodia e in qualche occasione rapisce con la sua eleganza, assomiglia anche pi a un rimirarsi da esteta che a un reale mettersi in gioco. Guido Maria Grillo bravo. Nel forgiare un suono che ha mille livelli di interpretazione, nel pettinare a dovere una voce piena di orpelli, nel fondere classica e tradizione autoriale (il Fabrizio De Andr della cover di Il sogno di Maria) in una musica filigranata e concettualmente alta. Quel che ancora gli manca, pero, lindi57

gil sCott-heron/jaMie xx - Were neW here (young turks, FeBBraio 2011) Genere: dubstep
Im New Here aveva riproposto un Gil Scott-Heron sempre uguale a se stesso eppure nuovo, con la sua voce ruvida e profonda adagiata su scenari elettronici pauperistici, in salsa new-trip hop. Tutto perfetto sulla carta. E invece, nonostante qualche brano realmente da brividi, linsieme mancava di qualcosa, tanto sotto il profilo musicale quanto dellinterpretazione del nostro (sul cui carisma immenso era giocata, stringendo stringendo, lintera riuscita del disco). Pur consapevoli del carattere furbo e modaiolo delloperazione (il disco era stato osannato dalla critica; Jamie xx ovviamente il Jamie Smith dietro gli xx; da tutto il 2010 tirano forti venti di riduzionismo e revisionismo dubstep, vedi James Blake), eravamo molto curiosi e ben speravamo in questo remixaggio: dopo un soul, ci aspettavamo magari anche un blues post-dubstep. E

griMes - halFaxa (arButus reCorDs, setteMBre 2010) Genere: Goth pop

Canadese classe 1988, Grimes Claire Boucher da Montreal, unartista/musicista che sonicamente rappresenta una via di mezzo tra lart techno dei Knife e gli spettri goth - a partire dallinfluenza dichiarata dei Salem - della Witch House.

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highlight
Missill - kaWaii (atMospheriques, FeBBraio 2011) Genere: mesh-up
Ci mancava un disco di classe dopo Tons Of Friends dei nostrani Crookers. Classe che mescola voci dal mondo, che supera i confini geografici e musicali. Missill, la DJ francese campionessa del mesh, ritorna con una cosa mutante che evolve in positivo il successo di Targets, con cui ci eravamo esaltati qualche anno fa. Il mix/mesh/meltin/patchwork la base estetica su cui costruire il nuovo sound che oggi osa sulla pesantezza dei problematici lidi del fidgeting e sulle spiagge pixellate degli 8-bit nippo. Lei, che ha progettato per limminente tour un controller midi con cui spara video a ripetizione sul palco, musica e come in un videogioco si trasforma in una creatura nippo-fantasy, spacca con una crew di tutto rispetto: lamica di M.I.A. Rye Rye (Kawaii), la pupilla di DJ Vadim Yarah Bravo (Fire), Dynamite MC, Spoek Mathambo (Invincible), la cantante giapponese Tigarah in Feel That Bit, Plastic Little in Raw Dog (due MC da Philly nel giro Spank Rock) e molti altri. La prima parte del disco si assesta su un post-hop con bassi overloaded che fa molto Kanye West, un colpo che ad un primo ascolto potrebbe essere pensato come una caduta, ma dopo un po ci si accorge che invece la cura tecnica delle basi in visibilio hyperbass e le ritmiche pressoch perfette sono la giusta mediazione tra lal-di-qua e lal-di-l del palco. Street e rispetto nella title track parlano con La Roux tagliando i suoni con gli 8 bit dei giochini che i nerd poshy hanno gi scaricato sul nuovo e fiammante iPhone. Cantabilit che potrebbe stare nel disco di Kylie Minogue (vedi anche la leccata in Fire e le paillettes in Glitter), ma che con gli inserti degli MC giusti trova il contrappeso ottimale. Si passa poi a dei colpi di basso taglienti e spaccapetto, una Starz che preannuncia la seconda met del disco e una Be More che ricorda le percussioni dei Beastie Boys rinnovate con il bbreaking in acido now-bass. Dopo il Music Box Interlude si approda al pesissimo ballabile del fidget: Magic Potion il singolo da salto e da smascellamento, una cosa che non prevede coming back, Missill allo stato brado, movimento e ballo, crescendi e filtering, scuola french rivista da angolature videodromiche. Chuppa rilegge i Korn e ci butta dentro le rasoiate di Steve Aoki e di Bob Rifo in un tourbillon trash che emette luci al led squadrate e deformi, Terrible Square il Tetris in crescendo tastieroso e deeppissimo, una cosa senza peli sulla lingua che parla robotichese. Le possibili uscite dalle crew parigine di Busy P e dalle reginette del banghra pop spocchiose e atteggianti. Missill esce dal mondo del palco ed entra nella fascinazione nipponica a 8 bit, tanto che il disco anche un gioco per iPhone in stile retrofuturistico platform la Mario Bros. Il disco carino (questo il significato dela parola kawaii) della DJ gallica ci fa vedere come si possa ancora far ballare con gusto, charme ed energia. Il gioco non ancora finito, abbiamo ancora una vita. Giochiamocela. 12 tracce, 12 schermi. (7.4/10)
MarCo Braggion

senza dimenticarsi della classe di Robyn (il featuring in salsa electro-Cure in Caesar) e un certo sentimento di incompiutezza che si rifugia nel pi classico e squadrato pop uber-prevedibile (gi successone guardacaso in Svezia). Il singolo Selfmachine non malaccio, ricorda in qualche modo le tastiere degli Animal Collective mescolate ai ricordi futur-pop dei Police di Synchronicity; la cover reggaetronica di Only Love Can Break Your Heart (Neil Young) con quel piglio po onirico e un po malinco-teen funziona, mentre il resto mainstream fischiettabile che sale il giusto e rimane a mezzasta. La ragazza sembrerebbe avere una voce interessante (vedi i giochi nella title track) e The Constant , di fatti, un punto di partenza. (6/10)
MarCo Braggion

isole - Well spent youth (paMpa reCorDs, gennaio 2011) Genere: house eclectica
Torna sei anni dopo leccellente We Are Monster il buon vecchio Rajko Mller. Dalla Playhouse alla Pampa di DJ Koze ne sono passati di momenti, di EP e di remix, ma quello che luomo non si toglie di dosso - per fortuna - una fruttifera nostalgia per i suoni pop degli anni Ottanta, quelli che riuscivano a costruire canzoni memorabili, con strumentazioni e suoni che costruivano un mood epocale. Pi che ripercorrere la strada indie-minimal dello scorso album (che era un ottimo prototipo di quella che al tempo chiamavamo micro-house), Isole si rintana su sciccherie degne dei Japan (Paloma Triste), clubbismi per party di classe in slo-mo (Thirteen Times An Hour, One Box), limmancabile balearica (Taktell, Journeys End), ambient eccellente che ricorda i suonini di Four Tet (Going Nowhere) e una puntatina di acido, ma sempre imbrigliata con il soul (Hold On). Un suono pi maturo, meno catchy, ma non per questo meno intrigante. Rajko ha ancora qualcosa da dire al pubblico dellhouse. Un produttore come pochi che se ne esce con qualcosa fuori dal tempo. Necessario in tempi di plagi ed effimere sciacquette. Preferibilmente da lasciare in loop. (7.3/10)
MarCo Braggion

abbandona ogni indugio e scrive quellalbum folk che ha nella penna sin dagli esordi con i Dinosaur Jr Il Neil Young dellalternative rock non ha mai fatto mistero delle proprie radici culturali, pur mascherate a suon di densi fiotti di elettricit. Naturale dunque che questo Mascis naked paghi pegno al grande cantautore canadese, suonando tuttavia meno calligrafico di quanto ci si sarebbe potuto aspettare. A dispetto dei numerosi ospiti (si va dal talentuoso Kurt Vile a Ben Bridwell dei Band Of Horses) Shades un album che fa della dimensione intima il proprio punto di forza. In Make It Right, ad esempio, la slide si carica sulle spalle tutta la malinconia dei grandi spazi americani, mentre a Too Deep, bastano poche e insistite pennate di chitarra per arrivare dritta al cuore. In generale la specificit dellalbum sta nellimmediatezza delle melodie, colorate a posteriori di tutte le sfumature del folk. Come nel madrigale romantico della title track, cui lutilizzo misuratissimo degli archi conferisce una inattesa classicit, o nel West Coast corale circa 67 di Not Enough. Very Nervous And Love il piccolo capolavoro dellalbum e come i tanti capolavori ha il dono della concisione, con la voce ridotta ad un sospiro, la chitarra acustica che lavora ai fianchi e una seconda chitarra elettrica ripresa in lontananza a donare un tocco di spettrale eleganza. Alla fine Mascis lha scritta la sua personale elegia folk soul; ci sono voluti un p di anni per estrarla dai rottami metallici delle sue produzioni noisy, ma ora che ce lha fatta possiamo solo dire che ne valsa la pena. (7/10)
Diego Ballani

jaCoB 2-2 - CaBazon ep (Cereal systeM, gennaio 2011) Genere: electro-Glo

Jacob 2-2 (dal nome di un cartone animato canadese) un giovane produttore di New York che ha esordito lo scorso settembre con un EP autoprodotto di quattro tracce, Gifted Child. Lavoro buono (6.9/10) ma decisamente surclassato da questo secondo EP di sei pezzi, disponibile in free download sul suo canale bandcamp. Cabazon propone in sintesi una hauntologia electro che una hip house in salsa spacey messa a stingere in candeggina Ottanta glo/wonky. Ci sono i tastierisimi di un Jarre o di certo prog/Kraut (Down the Hydrolator), ricordi addirittura Synclavier/drum machine (Cuckle Buckle Houses), un immaginario che nei titoli e in certe conditure produttive cita videogame e tivv via cavo 59

pendenza stilistica, lemarginata impudenza e lo spessore nella scrittura di chi lo ha preceduto e ispirato. (6.5/10)
FaBrizio zaMpighi

i BlaMe CoCo - the Constant (universal, noveMBre 2010) Genere: synth-pop

Una voce un po androgina e roca che ricorda quella del pap Sting per la giovane Eliot Pauline Coco Sumner. Il debutto sfoggia un synth pop in odore Ottanta, tune che si avvicinano alle prove di Lykke Li e La Roux

j MasCis - several shaDes oF Why (suB pop, Marzo 2011) Genere: alt rock
Con un piccolo aiuto da parte dei suoi amici J Mascis

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(Episode Never Aired). E poi c Brainstorms, pezzo bomba dal grip giocoso ed efficacissimo. Ecco, pur inserendosi in un filone coi piedi ben piantati nella nowness anche pi modaiola (sponsorizzatissimo da Com Truise, per dire) e quindi facile a invecchiare presto sotto i colpi di follower vari e seconde file derivazionali, Jacob/David, oltre ad essere molto bravo, riesce a suonare fresco e personale. (7.3/10)
gaBriele Marino

jaMes WalBourne - the hill (heavenly, gennaio 2011) Genere: americana

Quando dici liperattivit: poco pi che trentenne, Walbourne ha gi prestato la propria abilit di strumentista a Pernice Brothers e Son Volt, Jerry Lee Lewis ed Edwyn Collins, Pogues e Pretenders. Il ragazzo di Muswell Hill - lo stesso quartiere dove nato Ray Davies: le assonanze finiscono l - possiede entusiasmo ed energia, nondimeno farebbe meglio a capire cosa vuol fare. Perch un conto sono le composizioni altrui: le tue sono come figli che devi nutrite e allevare. Non basta abbellirle per cavarsela, altrimenti rimangono esempi di bella calligrafia persi nelliperproduzione odierna. Nonostante la buona volont, il Nostro (coadiuvato da navigati strumentisti come il batterista Jim Keltner e Ivan Neville alle tastiere) propone infatti un rock bagnato di folk e country che persuade solo nel Richard Thompson senza pathos di Northern Heights, nei Little Feat gi alla fattoria di Waiting Room Blues e nellIrlanda a stelle e strisce di Sailed The Seas. Principalmente smarrendosi dentro un patinato songwriting primi anni 70 (BBC), carinerie dal basso peso specifico (Songbird) e presentazioni impeccabili (il Paul McCartney zuccheroso in Fool, laddove Road guarda a Harrison; meglio per lElvis Costello convocato per Never Going To Leave). Gioca a nascondino con lascoltatore e forse anche con se stesso, James, ma limpressione che debba ancora sgobbare per s, e parecchio. (6.5/10)
gianCarlo turra

meritato ingresso nel panorama musicale italiano, arriva soltanto ora alla pubblicazione sulla lunga distanza ma lo fa nelle giuste mani con Pippola music, una di quelle label indipendenti oggi capaci di dare giusto prestigio e volto adeguato al nuovo cantautorato italiano. Matrimonio pi calzante, in effetti, faticava a esistere visto che Lui ama me, lei ama te si presenta come un perfetto mix di leggerezza pop e di quella solo apparente lievit nellapproccio alle parole, gi caro ad altre band di punta della scuderia (in primis Brunori Sas). Quelle che in apparenza sembrano piccole canzonette orecchiabili che passano per non tornare o quantomeno senza chiedere di essere riascoltate nascondono, in realt, piccoli drammi amorosi affrontati con un impeccabile e pressoch perfetto gusto per il pop. Brani come Lamericano, Io e te, Respirare che si dividono tra synth, chitarre acustiche e lievi riferimenti a Lucio Battisti, sono dimostrazioni dabilit non consueta nella costruzione di una giovane canzone italiana che non abbandona i dettami del passato e sa collocarsi perfettamente nel nuovo. Limpressione che gli Jang senato siano un altro di quei nomi (il gi citato Brunori Sas e prima e meglio di lui Dente) capaci di proseguire una tradizione di musica italiana non forzatamente impegnata ma capace di raccontare lintimo e la contemporaneit. (7/10)
giulia Cavaliere

In pi c un buonissimo disco di bonus (solo nella versione deluxe) che tenta di spingersi sulle lande dellelettronica pi tirata, quasi a rivendicare una carriera di DJ, che Lorenzo non ha peraltro mai abbandonato: la deep-tribal di Dabadabadance, lacid di Spingo il tempo al massimo, il trip-hop ne La medicina e il classico 4 a 8-bit in Go!. Ogni tanto ci sono le solite liste di nomi e di parole messe l per far colpo su qualche innocente ragazzina, qualche concetto di sinistra che sottolinea unappartenenza ad un orizzonte alternativo che oggi appare sempre pi sbiadito, ma quando Lorenzo si mette a parlare dei sentimenti che conosce meglio (vedi la versione acustica di Lelemento umano) o prevede di spinnare i suoi pezzi su qualche consolle, beh, ci sa ancora fare. Jovanotti for President? (6.8/10)
MarCo Braggion

julianna BarWiCk - the MagiC plaCe (asthMatiC kitty reCorDs, Marzo 2011) Genere: drone folk
A quasi un lustro dal debutto, il breve e autoprodotto Sanguine, la newyorkese Julianna Barwick approda su Asthmatic Kitty per dare forma ben pi compiuta al proprio immaginario etereo, alla congerie di giustapposizioni e loop vocali, a quella fatamorgana scarnificata cos inquietante e fascinosa. Sospesa in un limbo indefinito electro-ambient, freak-folk, neo-gospel e new age, Julianna sembra voler azzardare una sorta di simbiosi con le (presunte) vibrazioni della Natura, prefigurando un ritorno allo stato dinnocenza che ovviamente non pu non sembrare pernicioso e incongruo. E un effetto voluto? Credo di s. Le nove tracce di The Magic Place definiscono una dimensione tanto incantata quanto problematica, una trance spettrale infarcita di retropensieri e sbigottimento. E tutto un baraccone e lei sembra saperlo, sono tentativi velleitari in nuce di escogitare altrove mitologici. Funziona eccome la formula quando si limita a qualche pennellata pastello come una ninfa bucolica col cuoricino trepido (i cartigli di chitarra, la caligine di piano, le ascensioni vaporose del canto in Bob In Your Gait), ma quando sale sulla cattedra della solennit (Cloak, la title track) ahinoi facciamo subito i conti con una disarmante, supponente, arida monotonia. Non so dove voglia andare a parare, ma i margini di manovra appaiono strettini. (5.8/10)
steFano solventi

joy ForMiDaBle (the) - the Big roar (atlantiC reCorDs, gennaio 2011) Genere: pop-rock
Se si parl di rigurgiti Novanta nei Blood Red Shoes il fatto era prettamente isolato e ininfluente. Trovarci di fronte a un disco potente e magico (Florence And The Machine, Bat For Lashes) dominato da sprawl (shoe) gaze devastanti, vuol dire che ci troviamo davanti a un probabile momento si svolta. Il debutto sulla lunga distanza dei Joy Formidable ancor prima uno statement che un qualcosa di specifico: sembra voler chiudere i conti con una generazione di waver e post-punker (gli Wombats altezza 2007 di Candle, qualcosa dei Bloc Party in Chapter 2) a bordate di feedback. The Big Roar taglia deciso lemo su arrangiamenti chitarristici grungey (Smashing Pumpkins), hard psych (Flaming Lips in Buoi) o glam (Placebo). Ti stende lascoltatore sotto un mulinello post-My Bloody Valentine (A Heavy Abacus). Impressionanti la forza e la compattezza della produzione eppure questi brani, come il sogno ad occhi aperti e le pose punky la Yeah Yeah Yeahs di Ritzy Bryan, cadono spesso in banali copia incolla. I chorus e i trick melodici di questo trio, da oltre tre anni sotto i riflettori dei media, sono presi di peso da altre ricette, omologati a qualche standard radiofonico (ancora echi Bloc Party nel singolo Whirring). Un peccato, considerando la potenza sonica espressa. The Big Roar un formidabile fal che brucia in fretta. Fatene ci che meglio credete. (6.5/10)
eDoarDo BriDDa

jovanotti - ora (universal, gennaio 2011) Genere: pop

Lorenzo che cos giovanotto pi non - porta comunque bene i suoi 44 anni - ritorna con un album pop dance che si configura come una playlist di singoli pi che come un concept (cos ha dichiarato ai giornalisti appena uscito). Il leitmotif c, e non pu che essere lamore. Impantanarsi su un terreno inflazionato dalle melme pop dei vari Amici et similia sempre rischioso, ma Jova stavolta non fa male il suo lavoro di onesto scribacchino electro pop. Gi dal singolo Tutto lamore che ho (pi venduto in Italia nel 2010) si capisce che la melodia la fa da padrona, per non la solita minestra da classifica: la tracklist infatti imbevuta di tecnicismi electro che smuovono sottopelle il buon vecchio ballerino che in tutti noi. Seppur ci siano le ballad dobbligo (Le tasche piene di sassi, Ora e lispirata Unillusione) i pezzi che si ricordano subito sono quelli pi ritmati e positivi: lhip-hop sporco di Megamix, il quattro delicato di Amami, il rockettino basico di Il pi grande spettacolo dopo il Big Bang, il ritmo afrik cest chic di La bella vita, il bbreaking di Io danzo.

la sera - la sera (harDly art, FeBBraio 2011) Genere: indie pop

Non contenta di averci deliziato con il fuzz pop ricoperto di detriti lo-fi delle sue Vivian Girls, Katy Goodman, che alle ragazze di Brooklyn presta voce e basso, torna con un progetto che rappresenta la glorificazione dellepoca aurorale del teen pop. Con i suoi La Sera tira a lucido le melodie dei girl groups e intraprende un percorso lineare che dalle Velvelettes porta ai Talulah Gosh, seguendo il filo rosso della naivet. Certamente la Goodman ha il dono della semplicit, sia livello vocale (muovendosi sul filo della stonatura, crea quella sensazione di precariet un p paracula che, diciamocelo, ci piace) che strumentale, giocando con limmediatezza di riff e melodie, grazie alle quali riesce a portare a casa gioiellini pop che non raggiungono mai il traguardo dei tre minuti. In brani come I Promise You e Never Come Around (di 61

jang senato - lui aMa Me, lei aMa te (pippolaMusiC, gennaio 2011) Genere: indie, italiano
Allattivo il premio Fabrizio D Andr e il premio Lucio Battisti, vittorie a numerosi concorsi musicali di prestigio e una partecipazione al Tenco nel 2008, gli Jang Senato sono una rivelazione per modo dire. La band romagnola, che da diversi anni tenta il degno e 60

cui gira un bellissimo video che rilegge lestetica pulp horror dei giornaletti di serie z, con grande ironia), gira al minimo la manopola del distorsore e insuffla pi folk celtico che punk. Condisce il tutto con una produzione sontuosamente spectoriana che iperamplifica le ritmiche ed esalta riverberi della chitarra, coprendo con stile i vuoti di un arrangiamento minimale e trasformando ballate surf come Under The Trees (con i suoi soffici twang crepuscolari) un piccolo capolavoro di minimalismo pop. Niente di nuovo sotto il sole, certo, ma dopo il successo di Best Coast e Wavves, act come i La Sera, restano fra le cose pi cool che si possano ascoltare in ambito strettamente rock, anche se difficile stabilire ancora per quanto. (6.9/10)
Diego Ballani

laraDura - senza Fine (reD BirDs, gennaio 2011) Genere: rock, italiano
Su tappeti sonori lievi e dal gusto post rock, una sonorit e un cantato decisamente affiliabili a quelli, ancora una volta, dei Massimo Volume, nasce Senza fine, secondo lavoro dei Laradura, band di stanza a bologna delle provenienze variamente legate al sud della nostra penisola (un po di Calabria e po di Sicilia e Sardegna). Suoni ben registrati, curati, una capacit innegabile di mantenere alto il livello dei brani vanno a scontrarsi con la reiterazione di un sound risaputo e con poche varianti tra una traccia e laltra: salternano lunghi momenti strumentali a pi rari spazi concessi a un cantato che spesso si fa subito parlato. Di converso, la bellissima voce di Luca Li Voti, che a tratti ricorda quella di Max Collini (Notte verde), un amalgama di linee sonore attentamente composto e i testi, cosa essenziale e assai rara, sono ben lontani dalla retorica. Peccato per la formula appunto, laddove finiscono in un angolo Clementi & soci, sascoltano belle e riuscitissime ballate la Marta sui tubi. (6.4/10)
giulia Cavaliere

del Bar pi mortifero del panorama europeo. Introdotto da una cover sinceramente brutta (ripresa da un men da kebabbaro) ma esemplare del melting pot ad alto contenuto vitaminico del trio, Babylon si apre nel segno della schizofrenica muscolarit di stampo Primus (Bombadilhom) per poi proseguire nei saliscendi tra vuoti pneumatici e accelerazioni schizo-core di Ouzfat. Cifre stilistiche che si ripropongono durante lalbum in un vorticoso procedere che prende e rilascia, tritura e mescola insieme prog, funk-metal, noise-core, noise-rock e altro ancora. Roba che fa fruttare al meglio linsolita e atipica strumentazione (doppio basso e batteria a garantire mobilit e resa corposa) e le schizofreniche vocals in semifalsetto (Electromax su tutte), fornendo incastri ritmici repentini e scioglilingua quasi nonsense di alto impatto. musica (quasi) fuori moda, ma energica e slanciata, proud to be unhype. Per questo da premiare. (6.9/10)
steFano piFFeri

highlight
paperCuts - FaDing paraDe (suB pop, Marzo 2011) Genere: dream pop
Quarto disco per Jason Robert Quever e la sua creatura Papercuts, e il primo inciso per la Sub Pop. Per queste dieci tracce di pure dream pop al caramello, il musicista californiano ha messo da parte quasi del tutto le influenze folk dellinizio (quando collaborava con Vetiver) per accentuare la sua immersione in atmosfere da West Coast Sixties, accentuando quelloperazione di ripescaggio di quel genere di pop che lanno scorso ha dato fama ai Morning Benders. Oramai pare che su questo filone, fatto di ripescaggi Beach Boys, Zombies, Van Dyke Parks (per citare solo i nomi di maggior rilievo), si giochi una grossa fetta del mercato indie. La particolarit di Quever, qui ai massimi livelli di maturit, di riuscire a dare a questa materia sonora una veste spectoriana, cercando di costruire un vero e proprio muro di suono fatto con una miriade di strumenti diversi: archi, Mellotron, moog assortiti, chitarre acustiche ed elettriche, pianoforte, echoplex, pi tutta una serie di trick di registrazione sia analogici che digitali. Provate a sentire quello che verrebbe da chiamare pieno orchestrale delliniziale Do You Really Wanna Know o la profondit del paesaggio sonoro di Ill See You Later, I Guess (alla quale si sommano anche un coro di voci). La piano ballad Winter Daze fa nevicare sulle note, mentre leco del folk si manifesta almeno in Marie Says Youve Changed che sembra un incrocio Vetiver/Belle And Sebastian. Meno solare rispetto ad altri colleghi di (sotto)genere, Quever sembra possedere la chiave che apre le porte verso atmosfere ovattate, eteree e agrodolci come pochi altri, riuscendo a coniugarle con linee melodiche che si appiccicano alle orecchie nella migliore tradizione pop. (7.3/10)
MarCo BosColo

loW antheM (the) - sMart Flesh (Bella union, FeBBraio 2011) Genere: folk roots
Si diceva un anno e mezzo fa, in occasione del bel debutto della band di Providence, della sua attitudine al recupero vintage in musica, in questo caso lAmericana, con un approccio estetico DIY alla materia e un disco metamusicale sul recupero dellanalogico, e insieme luso di altri linguaggi, in quel caso gli stilemi della world music. Il comeback della band, Smart Flesh, se possibile, ancora pi ancorato al passato, sempre in riferimento allacustico e alla roots music di The Band, Bob Dylan e del folk rock USA tra Sessanta e Settanta. Album pi crepuscolare e spoglio del precedente, si snoda acusticamente tra omaggi al maestro Neil Young e allamata Band, con aggiornamenti alloggi che ricordano gli analoghi Fleet Foxes e Midlake riguardo alla materia, a formare tematicamente un ideale seguito al primo album Oh My God, Charlie Darwin. Scheletrico e ridotto allosso, Smart Flesh dimostra il valore e le scelte fuori moda della band, capace di esprimersi al meglio in forma concentrata e meditata. (7/10)
teresa greCo

le singe BlanC - BaBylon (Bar la Muerte, gennaio 2011) Genere: schizo-wave

Avvistati nel 2007 (Strak!) e poi persi di nuovo di vista (lottimo cd+dvd Bai Ho del 2009, che in allegato documentava il tour in Cina) in un continuo saliscendi di notoriet mai privo di energia e presenza discografica, i tre francesi Le Singe Blanc si ripresentano sotto legida 62

MalaChai - return to the ugly siDe (DoMino, Marzo 2011) Genere: psych rock
Dopo un cambio nel nome (hanno perso la K di Mala-

kai per problemi di copyright) e il passaggio ad altra etichetta (dalla Invada di Geoff Barrow alla Domino) i Malachai ovvero il cantante e songwriter Gee e il musicista Scott, rispettivamente un dj e un MC, tornano con un nuovo album, che sin dal titolo un ideale proseguimento del fortunato precedente Ugly Side Of Love di un paio di anni fa. Il trattare la materia con divertita autoironia e unattitudine al cut up post-tutto sono le caratteristiche del duo di Bristol, che prosegue su questa scia, usando sempre basi e samples per costruire stratificando per arrivare alla loro forma canzone. Allo psych rock sixties piuttosto acido e garagistico aggiungono influssi di marca portisheadiana, insieme alle consuete coloriture funkadeliche e black. Di nuovo e pi preponderante in questo Return To The Ugly Side c unattitudine maggiormente psichedelica (in pieno trip Beatles in alcuni pezzi) e persino lounge tropicale, che si assomma alle precedenti incarnazioni dei due. Echi e citazioni sixties (SF Sorrow dei Pretty Things in My Ambulance) e pi contemporanei

(il riferimento alla colonna sonora di Eternal Sunshine of The Spotless Mind di Jon Brion nellopener Monsters; la loro ammirazione per il recente Gonjasufi e per i Flying Lotus) fanno ancora questa volta del disco un collage coeso, che ci ha ricordato il Beck soul funk dei tempi andati (Mellow Gold e dintorni). Una bella conferma. (7.2/10)
teresa greCo

MarCellus hall - the First line (glaCial paCe, Marzo 2011) Genere: modern folksinGer
Suppongo non siano in molti a ricordare i Railroad Jerk, che attraversarono i 90 senza clamore ma tanta sostanza, dimostrando profonda conoscenza delle radici e la ferra volont a strapazzarle. Grossomodo quel che avrebbe fatto Jon Spencer avesse guardato pi a Captain Beefheart e ai Fall che a Rolling Stones e Cramps. Nonostante ci, chiudevano bottega dopo un pugno di lp e il cantante e fondatore Marcellus Hall 63

(laureato alla Rhode Island School Of Design, lavora come illustratore free lance per il New Yorker, il Wall Street Journal e Time; nel tempo libero disegna libri per bambini e pubblica da solo racconti) ci riprovava con i White Hassle. Stessa solfa di grana meno fine, cos che nel 2006 arrivava una carriera solista. La quale, radici per radici, non pu che assumere la forma del songwriting; e il Nostro, trapiantato a New York, non pu che guardare allepoca doro in cui chitarre acustiche e armoniche cambiavano il modo di vedere il mondo. Approdato sulletichetta di Isaac Brock dei Modest Mouse, Hall consegna cos canzoni poetiche e ironiche di una solidit lontana dal vuoto revival, alternando ballate spruzzate darchi a parentesi un filo pi ruvide (unobliqua During The War; la garagistica When You Can), dichiarazioni in punta di jazz-folk (Laughing With You) a virile country inurbato (Dont Go). Sorretta da una voce che ricorda Robyn Hitchcock (Star Position, Broken Phone), la penna saccosta a Bob Dylan (il blues funereo Wishing My Heart Was Stone, soprattutto The First Line: tristallegra gemma tra Moss Elixir e Another Side), reca visita ad Aftermath (Its My Life) e mostra alle generazioni odierne come si scrivono brani - basterebbe da sola One Drop Of Rain - che si reggono in piedi senza effetti speciali e orpelli. Disco intenso e frizzante come un pomeriggio invernale nel Greenwich Village, si consiglia ledizione che allega un tomo di quaranta pagine con disegni del buon Marcellus. (7.3/10)
gianCarlo turra

gan) alle pi stagionate Goin Back (di una struggente Carole King, portata al successo da Dusty Springfield), quella Love Song che Lesley Duncan - deceduta lo scorso anno - prest ad Elton John, una Past Present And Future che spalma talking allampanato su tema pianistico di Beethoven (fu un successone pop per le Shangri-Las) e quella No Reason presa dal repertorio di Jackie Lomax e pervasa di ragguardevole estro stoniano. Tra patinature folk-soul e guizzi acidi, brume cameristiche e una sottile strategia di sample, ne esce unistantanea vivace, quasi festosa, malgrado tutto quel senso di dolore metabolizzato, di vita stropicciata, di amarezze tenute al guinzaglio nel canto di Marianne (che tra le altre cose deve fare i conti con lennesima relazione andata a rotoli). La aiutano nellimpresa le chitarre di Lou Reed e Wayne Kramer, nonch Dr. John al piano in quella Back in Babys Arms scritta nel 75 da Allen Toussaint. Tutto bene, se non fosse che la Faithfull sembra un po troppo presa dallaffanno di convincere, di non venire meno alla propria fama. Finendo cos per sedersi spesso sullo scranno del proprio status, esalando affettatezza da polvere di stelle, una sindrome da piacionismo a fine corsa strisciante sia nei passaggi languidi che nei ruvidi sussulti erreb, cos evidente nel country blues Gee Baby e in quella The Old House scritta per loccasione da Leo Abrams su testo del drammaturgo Franck McGuiness. Non il caso di biasimiarla troppo, ma non un difetto da poco. (6.1/10)
steFano solventi

te a un immaginario volutamente disturbante, cinico ma francamente poco credibile. Per nulla valorizzato da unelettronica claustrofobica vagamente Depeche Mode / Burial che si sostituisce alla wave del primo disco evidenziando ancora di pi la monotonia di una formula che vorrebbe veicolare un supposto disagio e invece mostra ampiamente la corda. (4.8/10)
FaBrizio zaMpighi

MiCha soul - seven soul sins (seMai, FeBBraio 2011) Genere: soul
Italo-belga perfettamente a proprio agio con linglese, Leocadia Duggento aka Micha Soul, classe 1978, si fatta le ossa nella stessa crew bolognese, Fuoco Negli Occhi, da cui proviene Brain (di cui lo scorso anno abbiamo recensito lesordio da solista: in due parole, ottimo ottimo rap su basi un po cos). Esercitatasi sulla black con una cover band di classici funksoul, adesso anche Micha esordisce in proprio, e sempre su Semai, etichetta gestita dal breaker Andrea Scardovi aka Duna.Impeccabile sotto il profilo squisitamente vocale, uno smooth soul dalla chiara impostazione funky (le basi di Freshbeat e Hiko la servono alla perfezione; dei due preferiamo il primo, pi rifinito e affusolato), il disco ha un appeal, anche pop, potenzialmente internazionale, tocca punte di concitazione rnb e rilassatezze ballad/jazzy (nei momenti pi soffusi potrebbe anche sembrare una Corinne Bailey Rae), riuscendo a scavalcare quel sentore come di eccessivamente artigianale che spesso si avverte in prodotti simili. Buono il feat di Brain, molto oldskool Italia svacco. E brava davvero Micha. (6.7/10)
gaBriele Marino

Il risultato che il loro primo album prende il peggio di entrambe i mondi, nella fattispecie la volatilit della melodie dreamy e la peggiore effettistica post punk: provare per credere il terribile vocoder che affligge Funeral Song. Un peccato, perch By The Edge ha pure i suoi momenti validi; i Minks sono maestri nel creare eteree suggestioni ambientali e lo dimostrano nei diafani deliqui chitarristici di Indian Ocean o nel finale mesmerico di Arboretum Dogs. Falliscono invece quando cercano di portare a casa il risultato, apparentemente pi abbordabile, della pop song, finendo impantanati in unaurea mediocritas che non turba ma non provoca nemmeno unalzata soddisfatta di sopracciglia. Il buon Mike Sniper, in qualit di talent scout, ci ha abituato decisamente meglio. (6/10)
Diego Ballani

MonDongo - transparent skin (MegaploMB, Marzo 2011) Genere: Jazz funk

Il batterista canadese Andr Michel Arraiz-Rivas tipo versatile, uno che te lo ritrovi a macinare prog coi Quasiviri e spettri post-folk coi Ronin, tanto per dire. Capita poi che gli prenda lurgenza del jazz, ed eccolo imbastire dambl un quartetto made in Italy, battezzarlo Mondongo - come una ipercalorica zuppa tradizionale sudamericana - e licenziare un album da far drizzare le orecchie. Transparent Skin - questo il titolo - sono otto tracce pi una (fantasma) allinsegna di modern jazz molto groovy, due sax - lalto di Piero Bittolo Bon e il tenore di Francesco Bigoni - a pennellare melodie calde, duttili e pensose sulla trama ritmica ora serrata, ora sinuosa e mai banale intrecciata da Arraiz-Rivas col basso elettrico di Giacomo Papetti. Il lirismo cinematico di Wayne Shorter e limmediatezza angolosa di Steve Coleman sono i riferimenti dichiarati, lesito un post-bop che ammicca limprovvisazione con una brama di nuove direzioni prediligendo allastrazione una fisicit coinvolgente, al cui orizzonte estetico non sono estranee movenze hip-hop pi o meno omeopatiche (Our Connection, Unconcurred). Non capita spesso dimbattersi in un jazz tanto contemporaneo. (7.4/10)
steFano solventi

Marianne FaithFull - horses anD high heels (naive, gennaio 2011) Genere: folk rock errebi
Due anni e spiccioli dopo il buon Easy Come Easy Go, Marianne Faithfull torna a recitare il ruolo di signora del Rock. Se quello si dedicava ad esplorare il presente ed il passato proponendo un manipolo di cover disparate, questo Horses And High Heels - inciso a New Orleans e prodotto nuovamente da Hal Willner - alterna alle rivisitazioni, quattro originali che vedono la Nostra tornare a cimentarsi con la composizione. Tutte ballate, quelle firmate Faithfull, dalla dylaniana Prussian Blue alla speziata Eternity fino al respiro Fairport Convention di Why Did We Have to Part e della title track. Venendo alle cover, una selezione di perle insolite, dalle recenti Thats How Every Empire Falls (del poeta, cantautore e attore RB Morris, di Knoxville, Tennessee) e The Stations (gi opening track di Saturnalia, album dei Gutter Twins ovvero la premiata ditta Dulli & Lane64

Max petrolio - teleFoni MortiMer (reD BirDs, FeBBraio 2011) Genere: electro
Lo aspettavamo al varco, Max Petrolio. Curiosi di sapere se le nostre perplessit su un secondo disco filiazione diretta dello stile di artisti come Le luci della centrale elettrica - soprattutto nei testi - si sarebbero attenuate con la terza prova discografica. In realt Telefoni Mortimer non aggiunge nulla a quanto gi ascoltato in Discussioni in farmacia con animali abili, riconfermando in toto i grossolani difetti e gli stretti legami di parentela del Nostro con una serie B del cutup brondiano. Dove Brondi contestualizza ricorrendo a una dimensione autobiografica che quantomeno offre una chiave di lettura solida al materiale - e una giustificazione non da poco -, infatti, Petrolio colleziona semplicemente una narrativa frammentaria, ammiccando costantemen-

Minks - By the eDge (CaptureD traCks, gennaio 2011) Genere: indie wave
Passato lentusiasmo della prima ondata DIY, sarebbe forse il caso di mostrarsi pi esigenti di fronte ad uno stillicidio di produzioni indipendenti che finiscono per appiattirsi su un minimo comune denominatore assai poco confortante. I Minks, ad esempio, costituiscono lepitome del Captured Tracks sound, sedimentatosi ormai dalle parti di una wave pop, con svolazzi shoegaze, declinata in bassa fedelt. Quel canovaccio viene interpretato dalla band newyorkese con la pi fiera ortodossia e senza particolari slanci di originalit.

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Munk - the BirD anD the Beat (goMMa, FeBBraio 2011) Genere: nu-disco
Ad ottobre dello scorso anno usciva il suo Mondo Vagabondo EP con lanthem italo La Musica usato in prerelease gi a giugno 2010 da Erol Alkan, Ellen Allien, Tim Sweeney, Aeroplane e Luciano tra gli altri. Busy P lha inserita nel suo primo CD mixato, ed stata utilizzata anche dal gotha delle compilation mainstream house come Kitsun, Bugged Out (il volume dei Friendly Fires) e Hed Kandi. Per finire lhype ci ha messo lo zampino pure Karl Lagerfeld che lha voluta nel suo film Remember Now sul personaggio di Chanel. Oggi Mathias Modica (dopo aver remixato negli ultimi tempi pezzi per Etienne de Crecy, Bottin, Yeasayer e Social Disco Club) prova a sbancare sulla lunga durata e assembla il tanto agognato successore di Cloudbuster che gi di lounge ne sapeva a pacchi. La moda ormai sdoganata della chill in ambito house trova terreno fertile nelloperazione delluomo che coinvolge 12 voci femminili per aggraziare ancora di pi il cocktail. Tra le altre la parigina Clara Cometti (gi nei Koko Von Napoo e alle tastiere nei The Teenagers) in Violent Love, Lou Hayter dei New Young Pony Club e Pollyester dalla scuderia Permanent Vacation. Il risultato un mix di influenze 90 tagliate con un piglio soft-house che sbassa i toni da pista. Salotteria innocua? Non proprio. Tutto il disco stato suonato dal vivo dallo stesso Mathias, che si prodigato tra drum machines, synth, piano, basso, chitarra, xylofono e percussioni varie. Uno one man show che merita per la sciccheria e per il buon gusto. Potrebbe garbare molto agli estimatori di Air, de Crecy e - perch no - pure Stereolab. (6.9/10)
MarCo Braggion

Tracce che rispetto alle produzioni precendenti sembrano essere pi compatte (il disco ne presenta solo sei, anche se comunque le durate sono quasi sempre superiori ai dieci minuti), come a dire che si stava odorando un sentore di ruggine nel meccanismo compositivo del duo folk francese. Ma non solo. Qui c anche molto post-rock (perch non catalogarle anche cos, affezionate come sono a quelle distorsioni quasi coniugabili ai live dei PiL?) e molta voglia di sperimentare, con un piglio che ricorda i Current 93 pi sciamanici e visionari. Leredit degli NSB probabilmente ha gi segnato parecchi sentieri, e questo disco non dice molto di nuovo rispetto ai primi e pi significativi capolavori; quello che importa per che il progetto riesce comunque a trasmetterci una visione, un futuro, una possibilit. E perci, almeno per chi scrive, il primo disco di folkdrone del 2011 da segnare con il pollice su. E facciamoci sto trip! (6.5/10)
MarCo Braggion

highlight
peaking lights - 936 (not not Fun, FeBBraio 2011) Genere: psych-dub, Glo-fi
La prolifica Not Not Fun tra alti e bassi ha recentemente licenziato il buon LA Vampires Featuring Matrix Metals (So Unreal, Not Not Fun, 2011) e ora, a pochi mesi di distanza, rif il colpaccio con lopera seconda del duo nerd sottacido a nome Peaking Lights. Rifugiati nel Wisconsin, lontani dalle palme losangeline della scena di provenienza, Aaron Coyes e Indra Dunis mettono a segno una rivisitazione On-U Sound con Adrian Sherwood a lasciar accumulare sporcizia lo-fi negli angoli di casa ed echi sparsi di Slits e New Age Steppers. Sei tracce dalla lunghezza media di sei minuti ciascuna segmentano il mantra ossessivo officiato dal duo, a partire dal post-reggae ipnagogico della single track, cartina di tornasole di un disco che si muove al di qua di un dub allucinato, abbagli kraut, vizi new age primi Ottanta e spruzzate analogiche tardo Settanta. E scusate se poco: il giochino ormai noto di inumidire vecchie glorie in scolorina glo-fi qui perfettamente calibrato, bench al solito c coolness l dove cera battaglia e fur&gold l dove cerano rasta e tette allaria. La pratica hauntologica invece giocata quasi sottobanco (si veda ad esempio la coppia di sei rovesciati sul pick-up di Aaron nel clip di All The Sun That Shines). Se il maschio ci mette la predilezione per oscillatori home made, la femmina intona neniette narcotiche care al ricettario due cuori, un synth e una capanna. Sar ossessione, sar hype, ma la psych youth anni Duemila continua a mietere vittime e a fare proseliti anche tra gli addetti ai lavori. (7.3/10)
FranCesCa Marongiu

oh no oh My - people proBleMs (Moelloux reCorDs, FeBBraio 2011) Genere: indie-pop

Esordiscono nel senso propriamente detto, ovvero con alle spalle una vera etichetta, i quattro polistrumentisti texani (di Austin), che come altre band prima di loro (e c da scommettere, sempre di pi in futuro) hanno costruito le premesse della loro visibilit attraverso lautoprodotto omonimo del 2006 distribuito via web. Le ambizioni sono grandi, per gli Oh No Oh My, che dopo aver fatto cadere i punti esclamativi della ragione sociale hanno realizzato una cartella stampa da major e costruito una modalit tutta loro di rinsaldare il rapporto con i fans. Trattandosi di People Problems, ovvero di problemi della gente, di tutti noi, chiusi o meno dentro a camerette in qualche angolo del globo, ora sappiamo che possiamo scrivere direttamente alla band, che ci risponder. La band del cuore che apre una posta del cuore (e non solo). Ma se vi aspettate di essere sopresi dai brani degli Oh No Oh My, avete sbagliato indirizzo. Fatta salva la capacit di costruire testi non banali, sul fronte musicale si prendano un po di band indie oramai consacrate sullaltare della critica (a volte anche mainstream) come Death Cab For Cutie, Midlake e i Travis meno sboroni, si aggiunga qualche tocco Eighties, che di questi tempi non si pu evitare (in questo caso guardando a Mike + The Mechanics e al mood naive degli Young Marble Giants). Il tutto senza rinunciare a qualche tocco tardo-

natural snoW BuilDings - Waves oF the ranDoM sea (BlaCkest rainBoW, gennaio 2011) Genere: folk-drone
Per ascoltare la nuova uscita di Mehdi e Solange bisogna accomodarsi in una poltrona o in un cuscino, avvolgersi in qualche drappo di batik a tinte forti e lasciarsi andare. Abbandonarsi allascolto multiple volte, farsi attraversare dalle lunghe note distorte degli effetti (chitarristici?) o ascoltare le vocals in lo-fi cantate come se fossero in qualche landa desolata (la fine di This Ice Fortress ad esempio), come quei trip psicofisico che Vashti Bunyan fece attraverso lInghilterra con lamico Robert Lewis nel lontano 1967. 66

Nineties che ricorda tanto i Sixpence None The Richer (So I Took You, I Dont Know) quanto i Counting Crows, per mettere daccordo anche qualche ascoltatore pi maturo, e una spruzzatina di Sufjan Stevens (Walking Into Me), che fa tanto trendy. People Problems suona che una meraviglia, soprattutto quando incontra certi echi college/power (You Were Right), probabilmente il brano pi incisivo del lotto, ma raramente scalfisce lanima. Ci non impedir agli Oh No Oh My di calcare tutti i maggiori palchi festivalieri dellanno. (6.6/10)
MarCo BosColo

oMMas keith - uh oh its love (plug researCh, gennaio 2011) Genere: black tamarra
Da mesi aspettiamo City Pulse, lalbum solista di OmMas. Le registrazioni a quanto pare sono terminate e luomo sta smanettando di post-produzione. Vedremo. Questo dodici pollici in 300 esemplari intanto, tre brani per club puttaneschi e fumosi con relativi

strumentali e a cappella, di fatto la sua prima release pubblicata come solista (la bomba Wind it up era cointestata con Pritchard). Tamarra come (forse) non ce la si poteva aspettare. E poi qui di bombe non ce n. La title track sfiora tranquillamente certe schifezze TPain; China White una appiccicosa psych-pimperia in perfetto stile Sa-Ra, ma senza quel tocco magico che i tre finora hanno dimostrato di avere quando si muovono assieme; Suga Lady il pezzo migliore e pi divertente, da solo riesce quasi a tenere in piedi il 12 (che, per inciso, costerebbe 21 bigliettoni), con fortissimi sapori Ottanta, molto Prince sopra le righe, e Rozzi Daime alla voce. Speriamo lalbum sia di tuttaltra pasta... (5.1/10)
gaBriele Marino

paolo Benvegn - herMann (la pioggia / venus, FeBBraio 2011) Genere: canzone dautore
Nellottobre dello scorso anno i Paolo Benvegn trovano e leggono un manoscritto di tale Fulgenzio In67

nocenzi, titolo Hermann, e decidono di realizzarvi a riguardo un disco. Non si trova una riga di questo Innocenzi in rete e la cosa sa di fantasioso espediente per raccontare la genesi del primo disco dellex Scisma e compagni dopo la conclusione con il live Dissolution della sua educazione sentimentale. Hermann infatti smette le peregrinazioni interiori degli splendidi Fragili piccolissimi film e Le labbra per rivolgersi allintera storia umana, scandagliata nella sua continua tensione verso limpresa, la conquista, la sconfitta, lAmore. Lintento ambizioso, ma daltra parte i Paolo Benvegn non hanno mai rinunciato ad una complessit talvolta esclusiva nonostante lintensit di un percorso ad oggi senza un passo falso. Ed alla fine probabilmente questo il difetto di Hermann: ambizioso, denso, certamente non brutto, ma anche difficile e fin troppo carico, a fronte di una serie di episodi interlocutori che ne appiedano il percorso. Dunque, mescolanze di letteratura (Melville, Sartre, Miller) e mitologia (Narciso, Perseo ed Andromeda, Ulisse) a parte, non ci rimane che il computo delle canzoni per trovare la chiave di un meccanismo volutamente intricato. A rilento le iniziali Il pianeta perfetto (trama acustica e archi, con sentore da ultimi Afterhours) e Moses (quadratura Coldplay con ritornello marchio di fabbrica). Da antologia la terzina formata da Love is talking, Avanzate, ascoltate e Ho visto un sogno, segnali di una tensione fra lepico e il cosmico che riassumendo lintera geografia del disco si fa prima fluorescenza wave, poi pop-song dalta classe con sontuosit darchi e infine epopea folk di uno sguardo sul mondo ebbro di sangue e amore (lo stesso di una non meno bella Achab in New York, vitalistica invettiva su crescita orchestrale). Tuttavia, lo preannunciavamo, Hermann anche lavviso di una certa ripetitivit nella produzione di Benvegn, mai come oggi allo svicolo fra evoluzione e riscrittura di s. Perch se da un lato non manca la volont dintraprendere direzioni nuove (laurea fra il funky e gli Wilco di Sartre Monstre, la somiglianza Beck nellarrangiamento delle strofe di Good morning, Mr. Monroe, la geometria Police di Date fuoco), dallaltro questi stessi episodi mostrano un po la corda. Una corda di buonissima fattura, certo, ma anche prevedibile nel replicare rotondit pop e volute darchi (Andromeda Maria), o nel frugare ancora una volta le tasche in cerca di una zampata new-wave (il ritornello di Good morning, Mr. Monroe), o ancora nellandare a scovare soluzioni di volontaria semplicit non sorrette dalla giusta ispirazione (Johnnie and Jane). Paolo Benvegn rimane comunque una delle migliori penne 68

dItalia, fa solo strano ritrovarlo (giusto un filo) sottotono. (7/10)

luCa BaraChetti

parts & laBor - Constant Future (jagjaguWar, Marzo 2011) Genere: noise-pop
Pi che di un futuro costante, il quinto album della combriccola newyorchese in onore di un suono costante. Accantonate le prime, rovinose formule noiserock tutte spigoli e velocit da brividi e fatta eccezione per la serie sperimentale denominata Escapers, da un paio dalbum a questa parte il quartetto americano si infatti attestato su un noise-rock corposo nei volumi, reiterato nelle forme e melodicamente weird-pop nelle vocals (i Butthole Surfers di Pepper riecheggiano nella title track, per capirsi). In una parola art-punk post-moderno e futuristico che viaggia ora a media velocit, ottenuto fondendo tastiere distorte oltre misura, drumming intenso e ipnotico, chitarre granitiche e compatte. La resa indubbiamente meno dispersiva rispetto a Receivers, quando gli input dei molti samples inviati dai fan e rielaborati come un collage gigantesco allinterno dei pezzi tendeva naturalmente alla frammentazione. In Constant Future art-wave, space-rock mutante e post-punk futuristico mantengono una linea coesa e compatta e gli evidenti rigagnoli di suoni altri (disturbi electro, noises, stratificazioni di ampli) pronti a sgorgare dal flusso centrale non disturbano la pienezza di pezzi carichi e anthemici. Ad aleggiare sul tutto per un senso di vaga ripetitivit o di accademica riproposizione di uno standard sonoro che ormai sembra avere poche frecce al proprio arco. Non un brutto disco, ma nemmeno il passo decisivo che ci saremmo aspettati. (6.7/10)
steFano piFFeri

pio Origins And Primitives Vol. 1 & 2 dellanno successivo - non sembra aver minimamente placato il sacro fuoco dellavant-rock che arde nelle vene dei newyorchesi. I tre riprendono, infatti, il discorso interrotto col debutto e se possibile lo amplificano e irrobustiscono ancor di pi. Quello cio che parla di un avant-rock corposissimo e reiterato, in accelerazione spacey e con scorie kraut disseminate qua e l a far pendant con una attitudine jazzy nella deflagrazione ritmica libera e incompromissoria del batterista Conaway. A jazzier John Bonham com definito nella press, capace di sparare ad alzo zero come un terrificante black metaller o contrappuntare elegantemente gli squarci elettrici dei compagni. Forza durto a livelli da noisers e mobilit strutturale da (hard)proggers intrippati con lacid-rock e la psych pi densa sono poi il marchio di fabbrica dei due ex compagni di mathematiche evoluzioni strumentali. Che si espleti sotto le forme di una ossessione circolarmente jazzy (RW, la conclusiva N5 CODA), di frenetiche scosse telluriche (N5), di mareggiate di distorsioni heavy virate weird-sound (N6) o di reiterate stratificazioni avantnoise alla Chatham (DDB), il tour de force mantiene sempre altissimo il livello dellattenzione senza scadere nel gi sentito. Di questi tempi, una gran cosa senza dubbio. (7.3/10)
steFano piFFeri

raDioheaD - the king oF liMBs (autoproDotto, FeBBraio 2011) Genere: electronic, alt-rock
La storia del rock fatta di molteplici vicende: percorsi lineari, parabole artistiche, passi indietro ed in avanti, scarti di lato. Senza dilungarci sul percorso Radiohead fino qui, potremmo sintetizzare quantomeno le varie nature espresse a seconda del periodo: attenti manipolatori di suoni e segnali, abili creatori di codici, propagatori di etiche e slogan, scaltri operatori di marketing 2.0 e infine autori di grandi canzoni pop. Da questultima attitudine The King Of Limbs, ottavo capitolo della saga nuovamente prodotto e distribuito dal gruppo stesso, si discosta. Il tentativo pare quello di una nuova svolta, e sarebbe quindi gi pronto e servito il paragone con la premiata coppia Kid A / Amnesiac. Non fosse che quelli erano titanici esempi di musica in rappresentanza di unepoca (statuario il primo fin dalla sua copertina: la ice age coming che era fotografia di un presente storico, oltre che musicale), mentre qui la chiave di lettura differente. Mancano nelle nuove liriche quella serie di immagini e riferimenti tra il colto e il metaforico che erano la forza del gruppo tra Ok Com-

psyChiC paraMount (the) - ii (no quarter, FeBBraio 2011) Genere: avant-rock

Ci hanno messo solo 6 anni a dare un seguito a Gamelan Into The Mink Supernatural, ma ora che ce lo abbiamo tra le mani lamentarsi diventa lultimo dei pensieri. Data infatti 2005 lesordio del trio formato dagli ex Laddio Bolocko Drew St. Ivany e Ben Armstrong, rispettivamente chitarrista e bassista, col drummer extraordinaire Jeff Conaway a completare un terzetto onnivoro e forsennato. Uno iato pluriennale che - escluso il dop-

puter e Hail To The Thief e tutto suona invece pi che mai diretto e intimo, un po alla guisa dellopera solista di Thom Yorke, ovvero The Eraser. E un paragone, quello con questultimo disco, reso lecito anche dal primo blocco di nuove tracce che si muove allinsegna di fascinazioni elettroniche ben esplicitate dalla mente dei Radiohead nelle recenti playlist ospitate sul blog del gruppo: su tutto spiccano le andature asincrone (Morning Mr Magpie) e scoordinate (Bloom) di Flying Lotus, il primo Four Tet a punteggiare di folktronica la trascinante Little By Little, gli echi dubstep di Burial che svecchiano Feral dalla possibile outtake di Amnesiac che sarebbe altrimenti. E un flusso in cui i cinque marciano compatti, con Yorke a dispensare le usuali melodie e gli altri pi intenti ad armonizzare il beat che a personalizzarne le trame. Gli strati di suono, i rimandi e le pur buone idee che costellano questo ritorno spiazzano e danno da riflettere ai reduci di In Rainbows. Solo nella seconda met del disco il gruppo rimette in gioco lo spleen di cui capace, ma sempre meno di quanto potrebbe. Perch Give Up The Ghost un brano che gioca molto pi sui crescendo e le intersezioni della voce magistralmente loopata che sulla forza del testo, invece esiguo e diretto come mai prima. Perch Codex sembra fin dalle prime note di piano lennesima ballad per cuori infranti, invece ancora Yorke che rievoca i grandi della musica pop con cui cresciuto, e quindi altro che pianti in cameretta: eccoci alla finestra di un grattacielo che domina su una metropoli in piena notte in compagnia di Scott Walker, Brian Eno e i Talk Talk di Spirit Of Eden. Quanto a Lotus Flower, lelettronica che le fa da sfondo segue pattern e ritmiche pi familiari ai Radiohead classici: seducente e falsettata, spettrale quanto una House Of Cards e al contempo pi soulful e calorosa; ma nondimeno un singolo che nemmeno da lontano pu vantare lappeal corale di una All I Need, per rimanere su esempi recenti. Solo Separator tradisce degli slanci epici per cui gli U2 simpatizzerebbero, nel testo e nelle linee vocali, ma sempre un guizzare in mezzo al quasi onnipresente pastiche di suoni sintetici e i curiosi ma riusciti inserti di chitarra prelevati da quellaltro storico punto di riferimento che Tim Buckley. Quando credevamo che la band di Oxford iniziasse a vivere di rendita su quelli che erano gli schemi degli ultimi album, eccoci di nuovo alle prese con un disco che mostra desideri di cambiamento. Lasteroide Radiohead non ha mai smesso di ruotare intorno a quello che succedeva nellunderground, e oggi come ieri si mostra abile a reinterpretare tutto in unottica personale. Ne risulta una svolta che, come detto in apertura, 69

highlight
pj harvey - let englanD shake (islanD, FeBBraio 2011) Genere: folk rock
Che White Chalk fosse un album definitivo per PJ Harvey, la chiusura della parabola introspettiva iniziata con Dry, era facilmente ipotizzabile. In venti anni sette dischi (tolti quelli assieme a John Parish) ed altrettante maschere, ognuno una tappa sentimentale, culturale e geografica, uno specchio in cui riflettersi, cui concedere lonere della prova. Dalla periferia alla metropoli e ritorno, con lobiettivo di indagare i tumulti e ricomporre linquietudine. Fino ad accettare se stessa - il contrasto tra le proprie radici e le aspirazioni, tra anima e natura - come una dolce inevitabile maledizione. Con Let England Shake inizia quindi a tutti gli effetti una nuova fase nella carriera di PJ. Niente pi maschere, niente pi ricerca di s: sar un caso se per la prima volta Polly non compare in copertina? La sua emotivit libera di indagare altrove, di aprirsi al mondo prendendosene cura, mettendo al centro della questione il tema evergreen della guerra, o meglio lidea del conflitto come mito fondante di un popolo. Lo fa esplicitamente senza rinunciare ad una spiazzante elusivit, ovvero parlando a nuora perch suocera intenda, allInghilterra assunta come simbolo arcaico di un imperialismo globale che - mutando modi, forme, alibi, nome - continua ad essere la spinta che pianifica le sorti della nostra civilt. In questo senso, Let England Shake un disco daltri tempi, nel quale puoi addirittura avvertire la fragranza folle e urticante dei Sixties californiani antagonisti (in All And Everyone, con la sua madreperlacea solennit, sembra ammiccare al lirismo emblematico dei Jefferson Airplane). E solo un rumore di fondo tra gli altri di un programma che con gli ascolti svela un variegato ventaglio di frequenze e radici, non a caso inaugurato dalla grottesca ambiguit della title track, imperniata sul sample di Istanbul (Not Constantinople), uno swing ibrido inciso negli anni Cinquanta dai The Four Lads. Siamo lontanissimi dalla vecchia, selvatica PJ. La rocker aspra e convulsa degli esordi ha lasciato progressivamente il posto ad una cantastorie conturbante e riflessiva, che ha imparato a manipolare lirrequietezza per farne narrazione, a trasfigurare la patologia in racconto, lo schizzo furibondo in una trama di cromatismi ammalianti. C ancora un lato rabbioso che sgomita per farsi luce, ma come domato, ricondotto nei ranghi come una frase che sta tra le righe (vedi il folk blues indiavolato di Bitter Branches). Labito sonoro - allestito assieme ai fidi John Parish, Mick Harvey e Jean-Marc Butty, con Flood ad occuparsi del missaggio - parco ma prezioso, fatto di percussioni terrigne e frugali, di chitarre semiacustiche ed elettriche dal timbro morbido, mai invasive, spesso echoizzate come un sogno esotico. Poi c lautoharp, diventato un po il feticcio della rinata Polly Jean (e quanto se ne sia ormai impadronita palese in The Words That Maketh Murder, sorta di pseudorumba col veleno dentro), quindi discreti ma incisivi interventi di sax e trombone, le apparizioni commoventi del piano, pochi e vaghi sfondi di tastiera. Il canto stesso di Polly ormai strumento versatile, capace di sconcertanti mutazioni secondo le necessit espressive, vedi il lalleggiare ruvido in England, con quella studiata mancanza di grazia che rievoca la struggente devozione delle preghiere popolari, oppure lincedere beffardello e listeria pilotata nel finale di The Glorious Land, o ancora lafflato operistico della flamencata On Battleship Hill. Soprattutto, la scrittura rivela una bellezza desueta, scostante, capace di esaltarsi nei dettagli darrangiamento (In The Dark Places sarebbe stata lennesima ballad ingrugnita altezza Uh Huh Her, non fosse per la magnifica apertura di sax e cori nel bridge), di misurarsi con frequenze diverse (vedi quella specie di post-reggae di Written On The Forehead, quasi un Moby nobilitato Brian Eno) senza tradire lunicit del mood e la poetica di fondo. Oltrepassata la soglia dei quarantanni, PJ Harvey diventata artista dalle molte sfaccettature e imprevedibili prospettive. La sua figura forse non sar mai pi centrale come lo stata in passato: lepoca reclama interpreti nuovi e diversi, ed giusto cos. Ma tutto lascia credere che sapr condurre una marginalit intensa e staordinariamente peculiare. (7.5/10)
steFano solventi

non bissa quella ormai storica di Kid A, ma nemmeno sembra volerlo. Consapevole dellepoca in cui esce The King Of Limbs abbassa invece il profilo del gruppo e lo riconfigura intenzionalmente da stadium band a gruppo quantomai mutante: si propone come un album di elettronica molto pi che di canzoni, e quandanche mira al cuore lo accarezza molto pi che colpirlo. Pi di tutto un oggetto che fin dal ridotto numero di tracce si mostra agile e veloce, in qualche misura fresco. Non un classico, n tantomeno unuscita determinante per il presente musicale, ma un disco da consumare e godersi qui e ora. Fast music for a fast era.(7/10)
siMone MaDrau

sara lov - i alreaDy love you (irMa group, FeBBraio 2011) Genere: folk-pop
A due anni da Seasoned Eyes Were Beaming torna la ex Devics Sara Lov, (anche se definirla ex sarebbe inappropriato, visto che i Devics si sono ritrovati tra ottobre e novembre dello scorso anno per un tour in Cina), questa volta con un disco di sole cover riarrangiate seguendo i propri canoni musicali. Il che significa pop da camera, atmosfere intime e una naturale eleganza, il tutto prodotto in maniera impeccabile dallo stesso Zac Rae che gi si occup del disco precedente. Il fine ultimo scovare la grazia nascosta di brani come Papa Was A Rodeo dei Magnetic Fields, Square Hearts dei Black Heart Procession, Just My Heart Talkin di Ron Sexsmith o magari rileggere una The World We Knew (Over and Over) di Frank Sinatra con un uninquietudine solenne e dolorosa. Apponendo una firma non invadente ma ben riconoscibile su tutto il materiale. Nessuna sorpresa, quindi, ma nemmeno una delusione, perch lintensit e il sincero trasporto con cui la cantante americana affronta la prova non hanno nulla a che vedere col mestiere. Una voce placida e riconoscibile, la sua, che riesce a glassare la poesia intrinseca di brani come Cape Canaveral di Conor Oberst, I Want To Vanish di Elvis Costello, Winter Is Blue di Vashti Bunyan o magari a stupire con una La Bambola cantata in italiano e arrangiata alla maniera di Nancy Sinatra/Lee Hazlewood. (7.1/10)
FaBrizio zaMpighi

degno successore di Ali Farka Tour. Non che nel resto della stessa dichiarazione faccia sfoggio di cautela, eleggendolo il migliore tra i musicisti Songha, ma di essere cos entusiasta ha tutti i motivi. Almeno nove come i brani che sfilano qui, rilasciando un profumo di blues atavico che giunge dal cuore e dal quale promana un calore al quale non siamo forse pi abituati. Facile capirne le ragioni, pensando alla vicenda di questo cinquantaduenne del Mali, nato nella citt di Gao da nobili origini e costruitosi la prima chitarra quandera ancora bambino. E che crescendo affront il dilemma tra le aspettative dei genitori e una passione divorante per la musica, accontentata senza starci troppo a pensare sopra. Ben gliene incolse, dato che entrava adolescente nellorchestra regionale Songha Stars e a met degli 80 iniziava a portare a casa onorificenze e premi. Mettendo in atto piccole ma significative rivoluzioni, come affidarsi a materiale autografo nellidioma della tradizione Songha e cercando ispirazione in occidente senza forzature. Ascoltando J.J. Cale e comprendendo come le radici siano in fondo le stesse; che le sue, anzi, si estendono molto pi in profondit e oggi donano linfa a un secondo album sensazionale. Sahel Folk si giova infatti di pienezza ed equilibrio garantiti dalla registrazione sul campo e della presenza, in ogni brano, di un diverso collaboratore. Con spontaneit, Sidi e lamico di turno sceglievano il brano e lo suonavano con tranquillit per registrarlo il giorno seguente, concedendosi al massimo una seconda take. Con lobiettivo ampiamente raggiunto di fissare la spontaneit e il senso di comunanza dellevento. Da qui origina in parte il calore di cui sopra, che rende vieppi splendide gemme come le Artiatanat e Snji che scambieresti farina del sacco di John Fahey, come le ipnosi profonde Taray Kongo e Bon Koum, come gli arabeschi danima Wayey Zarrabo e Adema. Non esagera, Bassekou, e limpressione forte che Sidi possa arrivare ancor pi lontano. (7.4/10)
gianCarlo turra

sohraB - a hiDDen plaCe. (touCh MusiC uk, noveMBre 2010) Genere: elettroacustica
Lisolazionismo sembra essere la chiave di A Hidden Place., primo LP delliraniano Sohrab. La questione sia personale che globale: va dalla piccola scala alle frontiere di una scena intera. Da un lato, infatti, lautore dellalbum un ventiseienne musicista di Teheran che comunica con il mondo la vicenda individuale e solip71

siDi tour - sahel Folk (thrill joCkey, Marzo 2011) Genere: african blues
Ha ragione Bassekou Kouyat quando, interpellato circa il valore di Sidi Tour, si lascia sfuggire che sia il

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sistica della creazione, la breccia tentata in un mondo non certo uso alla musica elettroacustica. Sohrab sceglie un moniker che viene da un poema tragico che parla di guerra e di solitudine, di individuo e mancata accettazione. Ma quanto si avverte, nel linguaggio della musica elettroacustica, lemarginazione? Ce ne accorgiamo per differenza, quando ne sappiamo lorigine - di cui la Touch, in questo caso, si prodiga a metterci a conoscenza. Il discorso si estende per anche a un contesto musicale - occidentale - dove lascoltatore talmente abituato a suoni che mal celano uninquietudine da rischiare perdere lo stupore per lo stato danimo connotato. A Hidden Place. ci riporta al significato immediato di questi suoni, al senso di un paesaggio musicale quasi rasserenato nella rassegnazione, che si chiude (Pedagogicheskaya Poema) con un guizzo di noise. Le voci stradaiole di un mercato (nella title-track), che invadono la parte forse pi oscura dellalbum, sono semplicemente uno schiaffo allisolamento, un violento ritorno alla realt. Allo stesso modo, il contrappunto di un canto del gallo strozzato e trattato in background (Somebody) non d limpressione percettiva del field recording o della concreta, ma ci restituiscono una quotidianit che non riesce a fuoriuscire dalla testa di Sohrab, filtrando leveryday life ed entrando prepotentemente nelle sue ambientazioni. E cos lambiente se non questa dialettica tra un posto nascosto e la realt con cui si scontra? A Hidden Place. unottima applicazione dellespressivit ambient. Nasce la curiosit di sapere quanto lesposizione ai nostri palchi possa cambiare la materia da cui scaturita questa finestra con gelosia. (7.1/10)
gaspare Caliri

figlio di evidente devozione post-bop (Beneamata improsatura). Altrove capita dimbattersi in fregole etniche nonch atmosferiche (vedi larpeggio sperso tra Peter Gabriel e Brian Eno di Culuri vitru), in suggestivi bozzetti postfolk (lafosa pensosit di U cantu da lupa, quasi un John Fahey mediterraneo) o ancora in un brancolare ipnotico abbastanza fricchettone, tipo gli esotismi acidi di Musciacc (echi dei primi Grateful Dead e qualcosina dei Floyd). E un gran bel disco, assorto e appassionato, vago come certi sogni estivi e chirurgico come una vendetta dinnamorato. (7.3/10)
steFano solventi

highlight
thousanDs - the sounD oF everything (Bella union, Marzo 2011) Genere: folk duo
Leggendo le note che accompagnano luscita del primo disco per unetichetta dei Thousands si scopre che quasi tutto quello che ci si trova frutto di session in fienili, cimiteri abbandonati, giardini in campagna e altri luoghi bucolici di tal fatta. Ed un paesaggio, quello che il duo di Seattle ha deciso di far entrare nel proprio disco, che va a coincidere velocemente con quello dellanima. La musica del duo non niente pi che un intreccio di due voci e due chitarre acustiche, occasionalmente supportate da un harmonium. Quindi, facile pensare a Simon And Garfunkel, Kings Of Convenience e a tutta la combriccola del folk intimista che ha fatto capolino negli ultimi anni. Ma c molto altro, perch lariosit che Kristian Garrad e Luke Bergman hanno scelto per registrare i loro brani ha permesso al suono di arricchirsi di sussurri della natura (ascoltare in cuffia, please), di riverberi naturali, di sfumature che (probabilmente) non sarebbero state possibili in un canonico studio di registrazione, o per lo meno non sarebbero suonati cos naturali. A dispetto di questo viaggio in loci amoeni sparsi nella grande pianura interiore, il disco suona fresco, a tratti divertente, mai monotono come alcune produzioni di questo genere a volte si rivelano (ma che non vengono definite tali perch non chic). A fare davvero la differenza, oltre alla cura particolare delle atmosfere, sicuramente la capacit di scrittura, che supera abbondantemente la media di oggi. Le linee melodiche di Sun Cuz, Big Black Road e Everything Turned Upsidedown sono appiccicose e scaldano il cuore come fossimo con il duo attorno al fuoco di un bivacco. Ma la perizia messa in tutto il disco a mettere i Thousands tra le realt da tenere sottocchio per quanto riguarda lindie-folk. (7.3/10)
MarCo BosColo

soviet soviet - niCe (tannen , FeBBraio 2011) Genere: wave punk

La ricerca dellessenzialit wave condotta fino ad una purezza che non sai bene se pi entusiastica, ingenua o asettica. E quellinsidioso, inevitabile suppurare noise che ammicca ai primi Sonic Youth, senza peraltro mancare di omaggiarli esplicitamente. I Soviet Soviet vengono da Pesaro e sono in tre: il basso che trincia laria come un ordigno invasato, i flash affilati e convulsi di chitarra, il rutilare meccanico della batteria, due voci a giostrarsi le invettive. Forma e sostanza punkwave appunto, storia che si ripete come un frammento sfuggito al controllo, unallucinazione metodica o una lucidissima paranoia. Il bello sta nel contrasto tra il piglio filologico e la frenesia espressiva, nello sbattersi entro codici riconoscibilissimi fidando in una calligrafia propria. Metterci quintali di convinzione per ogni grammo di devozione in eccesso: questa la ricetta, questo il difficile. Il risultato, alla fine, accettabilissimo: molto pi che divertente, un po meno che coinvolgente. (6.8/10)
steFano solventi

soni sFarDati - tri soni (iMprovvisatore involontario, FeBBraio 2011) Genere: avant Jazz
Il chitarrista Enrico Cassia ed il batterista Antonio Quinci hanno avuto unidea meravigliosa e vagamente blasfema, quella cio di dare vita ad una musica improvvisata senza interazione, cio eseguendo le proprie parti in perfetto isolamento, uniti dal cordone ombelicale del suono attraverso le cuffie. Per questo hanno deciso di farsi chiamare Soni sfardati, anche se alla resa dei conti quel che ci dato sentire suona straordinariamente organico. Improvvisazione s, per su canovacci che rimandano spesso a fatamorgane psych in un ampio scenario di fusion davisiana, colta nel suo dispiegarsi pi essenziale (la title track), lattitudine lirica/esoterica capace altres di razzolare in un divertissement febbrile 72

spaCe invaDas - soul:Fi (invaDa, FeBBraio 2011) Genere: spacey blaxsoul

Anticipato dal mixtape in free download Follow The Signs a fine 2009 e pubblicato praticamente gi un anno fa, aprile 2010, arriva solo adesso qui da noi con distribuzione BBE il debutto della coppia di antipodi, nativo il primo, acquisito il secondo, Ashley Anderson aka Katalyst (sua e di Geoff Barrow la label Invada) e Steve Spacek (dal quale aspettiamo nuove prove a nome Africa Hitech, assieme a Mark Pritchard). Perch

ancora questi slittamenti nellepoca del web (e del peer to peer)? In ogni caso il disco in streaming integrale sul sito ufficiale. Poco da dire, per altro, se non che c da togliersi il cappello davanti al falsetto soul di Spacek, perfettamente incastrato sui ruvidi sample funk Settanta e Blax in salsa hop di Anderson. Il tutto avvolto da sentori vagamente futuristici e spacey, cui contribuiscono per buona parte quelli sembrano essere dialoghi estratti da film di Sun Ra. La formula davvero semplicissima, i pezzi molto omogenei, giocati su poche significative variazioni melodiche e ritmiche, ma la resa eccezionale e molti dei diciassette numeri in scaletta spaccano senza appello, a partire dalliniziale Imaginist. Un paio di feat femminili a condire e una vecchia conoscenza di Spacek fin dai tempi della comune collaborazione con Dilla, Dank del duo FranknDank. (7.3/10)
gaBriele Marino

steariCa/aCiD Mothers teMple - steariCa invaDe aCiD Mothers teMple (hoMeopathiC reCorDs, gennaio 2011) Genere: impro-rock
Colpevolmente sottovalutati in casa propria, tanto da attualizzare lassunto per cui nemo profeta in patria, gli Stearica si sono costruiti con anni di forsennata presenza sul campo un invidiabile seguito di pubblico e stima di colleghi in giro per il mondo. Ne ulteriore dimostrazione, dopo la parata di stelle sul debutto Oltre, questo comeback in cui il terzetto torinese condivide lesperienza sonora coi maestri del psych-rock made in japan AMT di Kawabata Makoto. In realt lalbum figlio di un tour comune e frutto di una vera e propria invasione reciproca in una sessione di improvvisazione collettiva presso lOrtosonico di Pavia. Anzi, una fotografia scattata il 32 giorno del tour in cui le band hanno invaso un pezzo di storia gli uni degli altri, nelle loro parole. E linvasione si manifesta sotto forme cangianti e mobili, muovendosi tra industrial-rock groovey e corposo (Queen Kong), space73

rock tribale e futurista (Warp Leg), post-rock materico e psichedelico (Noodles + Peperoncino), isolazionismo avant-rumorista from outer space sgretolato in assalto noisy (I Nani). Non per un caso che il pi alto tasso di freakedelia si presenti nella lunga jam conclusiva 7 Alieni Al Di Sopra Di Ogni Sospetto: dilatata, spacey, rumorosa e aliena mostra al meglio il terreno dincontro dei due progetti. Un disco - anche in ricercata edizione vinilica con accluso dvd per linglese Robot Elephant - che unisce alla perfezione la mobilit del post-rock futurista degli Stearica e le dilatate atmosfere post-psych dei nippos e che fa, insomma, della libert dazione la sua forza principale. (7/10)
steFano piFFeri

no la bont iniziale ma ne limano larrangiamento (Trust Me una deliziosa ballad dai sapori soul-hop primi Nineties, Outside Inside gioca in meteoropatia e forse ha il testo migliore del lotto), e propone una manciata di freschi episodi antologici come Omg (ennesima ballad sul filo del kitch rnb), Trying to Kill M.E. con Laura Vane (bellintreccio chamber folk e strofe love) e il finalone blaxploitation di Lock The Locks con Clare Maguire. Pelle doca per gli hip-hopper sensibili. Grande generosit e grande verve per un Mike Skinner a grandi livelli, che furbo e intelligente gioca sul doppio binario di personaggio da nuovi e da vecchi media (per i primi, occhio anche al mixtape uscito il mese scorso via iphone, titolo Cyberspace and Reds). (7.3/10)
eDoarDo BriDDa

highlight
tiM heCker - raveDeath, 1972 (kranky, FeBBraio 2011) Genere: ambient, noise
La foto in bianco e nero che emerge dalla copertina del nuovo disco di Tim Hecker ferma un attimo preciso, quello in cui lanalogico cede il passo al digitale e latto stesso di gettare il pianoforte dal tetto di un edificio si cristallizza filosoficamente come un addio eterno al suono che fu. Lultima volta che una foto in bianco e nero apparsa su un disco di Tim Hecker, vivevamo i tempi di Radio Amor e dello scatto romantico di un pescatore aggrappato acrobaticamente tra le funi e le vele di una imbarcazione in mare aperto. Questione di fascinazione per gli equilibri precari, che sono il focus perenne delle geometrie sonore del musicista di Vancouver, eppure proprio dai tempi di Radio Amor che la sua musica, pur allinterno di un progresso costante sul piano della forma, non riusciva al tempo stesso a trovare un concept altrettanto denso, capace di reggere architetture sempre pi alienate e virtuose. Sar la chiesa a Reykjavik in cui stato registrato, le parti dorgano registrate dal vivo in un giorno di session, eppure il terzo album di Tim Hecker per Kranky non quella voragine nera che, titoli delle tracce, liner note e copertina paventavano. Al pastoralismo del predecessore An Imaginary Country, il canadese sostituisce un gioco di vetrate e sprazzi luminosi, osservando il gotico nei contrasti di luce e tenebra. Pi che un requiem per il pianoforte raffigurato nella cover, come se le ceneri di Vangelis, Pink Floyd e Bach venissero gettate in mare (o dalla palazzina). La maniera del noise nonnoise dagli effetti cosmici, inaugurata allaltezza di Harmony In Ultraviolet, con Hecker che si toglieva di dosso le scaglie dellambient tout-court o per lo meno di quel tipico suono mid nineties che fece la fortuna di etichette come Mille Plateaux e Staaplaat, con Ravedeath, 1972 subisce, se possibile, uno scarto ulteriore. Lavoro fortemente spirituale dove trascendenza, forza wagneriana e dialoghi con la cosmica tedesca (Irrlicht di Klaus Schulze sembra espressamente citato in In The Fog II) sintrecciano in spirali ascendenti (Studio Suicide, 1980). La variet dellindagine (lorgano di marmo della terna In The Fog e del dittico Hatred Of Music savvicenda incantevolemente ai droni celestiali, al piano eno-iano e ai cluster di noise della trilogia In The Air, forse il picco del disco), il fantastico riverbero ottenuto nella location deccezione, nonch lottimo contributo e engineering di Ben Frost, che pi di qualche idea di mastering sembra averla presa dal suo primo disco, Steel Wound (si senta la densit fumosa dei corridoi cosmici di Analog Paralysis, 1978) completano infine quella che lennesima grande opera del canadese. Pi che lultima lost tape di William Basinski o lavant classica fennesziana, il caso di vedere in lui la mente pi vitale dellambient music contemporanea. (7.7/10)
eDoarDo BriDDa, antonello CoMunale

streets (the) - CoMputer anD Blues (atlantiC reCorDs, FeBBraio 2011) Genere: slack hop
I blip on a screen / You dont know me / I think about you / What youll grow to be (Bleep On A Screen). Life isnt easy / You cant google the solutions (Puzzled By People). Mike Skinner ha tribolato fino alla fine sulla scaletta definitiva che doveva comporre il dark e futuristico Computer And Blues e del resto lalbum crudo e diretto dalle basi sporche e cattive i fan lo avevano gi ascoltato. Twitter Album, un bootleg che raccoglieva le pubblicazioni web (dal sito e da Twitter) di The Streets, era un lavoro coeso e qualitativamente gi rifinito a sufficienza da essere definitivo, recensibile e quindi recensito, figlio di uno Skinner secco e senza fronzoli come aveva dichiarato, una ventata di freschezza dopo i buonismi al giro dei trenta di Everything Is Borrowed. Sul contributo e la collaborazione di Robert Harvey, ex cantante degli sfigati The Music, avremmo fatto a meno sentiti ora i risultati (il pur simpatico singolo la Aerosmith/Run Dmc Going Through Hell, le cheesy ballad Soldiers e We Can Never Be Friends) e di computer, nel senso di elettronica analogica e cruderie street, rimane veramente poco nellalbum (la sola gi nota Bleep On The Screen identifica appieno lo spirito del sentirsi blues nellera dei social network). Eppure lo Skinner perfezionista, a sorpresa con un disco solare, variegato e dominato da una bucolica vena indie-pop (Roof Of Your Car in particolare, in stato di grazia), tutta protesa mainstream per, riesce persino a superare le aspettative o i classici sospetti. Computer And Blues il vero disco della maturit: si pone oltre le pose e i ghetti sonici, contiene gli episodi migliori del Twitter Album in versioni che non ne altera74

sWorD (the) - Warp riDers (keMaDo, setteMBre 2010) Genere: metal, stoner
Se il nuovo album dei The Sword ha un pregio quello di mettere in chiaro le cose gi dalla cover: il nero dominante e limpaginazione retr sono lanalogo di unenorme etichetta con scritto Thrash Metal. Ascoltandolo per ci si accorge che Warp Riders punta invece verso sonorit pi moderne e tenta di ibridare con lo stoner quella scrittura di derivazione sabbathiana a cui la band di Austin ci ha abituato gi dallesordio Age Of Winters. E subito, quindi, sorgono le prime perplessit.Nonostante lottimo lavoro del produttore Matt Bayles, il sound potente e ben definito che Cronise e soci hanno in questo set non basta a risollevare la situazione e a parte pochi buoni episodi (Acheron / Unearthing the Orb e Arrows in the Dark) il resto una sequela di cornucopie tra Metallica e Monster Magnet (Tres Brujas). Nei momenti migliori suonano sinistramente simili ai Mastodon - di cui Bayles ha prodotto Blood Mountain - anche se non gli si avvicinano nemmeno lontanamente per qualit tecnica e compositiva.Lidea che lascia Warp Riders quella di un disco furbo che punta sul sicuro inseguendo la moda stoner. Non scontenteranno gli headbangers pi incalliti, ma a mancare qualcosa di fondamentale, la personalit. (5.5/10)
alBerto lepri

taprikk sWeezee - poly ep (Musik aus stroM, FeBBraio 2011) Genere: club electro-soul
Eccolo qui lEP di collaborazioni con alcuni produttori americani che ci aveva promesso Taprikk. Il suono gio-

coforza meno intimista e affilato, una versione da club e a tinte forti del suo space-soul. Newend (prodotto da E.A.R.L.) un Prince spastico; Volt (HBO) autotunato e pimpato come potrebbe farlo un OmMas Keith dei Sa-Ra (e farcito di trapani post-fidget); Eating the Void (BUSY) un esercizio lidelliano/chelonisiano. Bonus per la sola versione digitale una Mercury autoprodotta molto pi vicina alle atmosfere siderali e collassate di Conversea (per quanto animata da un certo feel psych/

prog Settanta). Un lavoro in cui Taprikk cerca nuove vie, ma tutto sommato un lavoro di stretto mantenimento. (6.5/10)
gaBriele Marino

tennis - Cape Dory (Fat possuM, gennaio 2011) Genere: indie-pop

Curiosa la storia dietro a questa band di Denver. Due 75

ragazzi in et da college ma gi sposati completano gli studi e mollano tutto, comprano una barca e girano per mesi nei mari dellEst. Poi tornano e mettono insieme questo progetto, i Tennis, le cui liriche si basano sui loro trascorsi sulloceano. Come accompagnare musicalmente unidea tanto insolita? In maniera purtroppo meno interessante. Sul piano della produzione la formula sempre quella che parte dagli Strokes e incrocia il presente gusto lo-fi ma se parliamo di arrangiamenti tutto, dalla voce suadente della brava Alaina Moore fino alle ritmiche di chitarra, rimanda molto pi indietro: siamo ancorati ai 60s pi melodici, voci e coretti (Marathon) che sembrano uscire tanto da un variet statunitense dellepoca (Pigeon) quanto dalle spiagge californiane pi drogate. Ci che spicca in questo esordio labilit nel saper costruire canzoni. Non una raccolta di brani epocali, Cape Dory, ma la cura certosina dietro ognuno di essi evidente quanto inappuntabile: la rievocazione di certe sonorit non sembra casuale, anzi il gruppo deve averle mandate a memoria a giudicare dalla competenza e dalla sicurezza con cui va riproducendole. Banalmente, per, un buon disco ha bisogno anche di altre qualit per farsi riconoscere. Diversamente la parola gradevole rischia di divenire sinonimo di prescindibile, tanto pi se contempla un range di suoni inflazionato: e qui, per tornare alloggi, ci si muove in un territorio dove Best Coast e Dum Dum Girls gi primeggiano. (6.3/10)
siMone MaDrau

ni meno connotati da un universo indie, per quanto leggero e gi spendibile. La voce di Linnea Jnsson, trascinatrice nellalbum desordio, non rimanda pi al Northern soul; le chitarre - e le tastiere - non ricordano pi il primo post-punk, ma semmai occhieggiano al pop marcato Cure (Cant Find Entrance): inquadrando col grandangolo, si passati dalla leggerezza dei wultitzer di fine Settanta alla pillola indorata degli Ottanta inoltrati (Help Me Close My Eyes). Reaching Forward, brano numero uno della scaletta, sembra essere su pi fronti il manifesto di quanto detto. Un manifesto radiooriented, con poca personalit e senza pi un briciolo di quella freschezza trascinante dellesordio. Non tutto il disco, per la verit, soffre la stessa povert differenziale. Non il singolo Fuckarias, che per, posizionato cos com a met disco, pare un baricentro forzato. Risparmiamo anche Ill Be Yours (con tanto di video sulla quotidianit, dove la band recupera qualcosa in leggerezza) e soprattutto One Day Forever, forse il brano pi convincente, che conclude il lotto lasciandone tutto sommato un buon ricordo, e soprattutto unimpressione di crescita. A quanto pare, insomma, le TDD cercano la propria maturit. Il vero problema che si vede il gesto di cercare. (5.7/10)
gaspare Caliri

highlight
toro y Moi - unDerneath the pine (Carpark reCorDs, FeBBraio 2011) Genere: sweet & sour muzak
Il debutto Causers Of This stato uno dei dischi pi compiuti dellondata glo/chill, candidando il ragazzo a musicista pi consapevole dei propri mezzi di tutta la compagine. Invece di battere la stessa strada, adesso Toro mostra (ampiamente anticipato dai due singoli) laltra faccia del suo revisionismo nostalgico, una faccia - apparentemente - meno postmodernamente costruita e meno intellettuale: spostando leggermente lasse, lo scarto con i modelli si fa pi sottile, puntando a una godibilit meno obliqua dellascolto. Abbandonati gli spasmi ritmici e il taglio -tronico, del glo di Causers restano allora le fonti hauntologiche e il gusto insistito per la voce annebbiata, echizzata, sfocata. Feel decisamente caldo e suonato, Toro scava a ritroso nella propria memoria e mescola ad arte funkydiscomusic (i due singoli appunto), westcoast Sessanta, colonne sonore e pop Settanta (certe progressioni alla Todd Rundgren), folkie (Before Im Done) e soft (Machine) prog in odor di fusion (il basso pulsante, i fondali e gli intrecci di tastiere elettriche), illuminando il tutto di soffice luce psichedelica. Operazione parallela e diversa, condotta per con lo stesso humour e lo stesso amore per i materiali di partenza, a quella di un Destroyer (e altrettanto capace, aggiungiamo, di farsi ridurre dai possibili detrattori a un - pur intelligente - manierismo). Quello che ascoltiamo un raffinato - agrodolce - impasto easy listening (le dinamiche della batteria, gli arrangiamenti di piano, archi e fiati), tutto miele, tramonti e zucchero di canna. Toro padroneggia linguaggio e strumenti, cresce (diventa?) come autore di canzoni, espone con stile e personalit il proprio immaginario (in un continuo ma tutto sommato soprassedibile ammiccare ai modelli di riferimento), staccandosi di un palmo da certe recenti marmellate automatiche dei compagni di banco (Ariel Pink, El Guincho). Un disco molto pi jazzy di quanto non sembri al primo ascolto, e sicuramente di genere, da sottofondo. Ma da ascoltare con attenzione. (7.3/10)
gaBriele Marino

unthanks (the) - last (rough traDe, Marzo 2011) Genere: uk folk

A rendere il progetto Unthanks speciale, oltre la raffinata rielaborazione del folk albionico, la capacit di impregnare ogni disco con lo spirito del momento che lo ha generato. Se lopera seconda The Bairns ne imponeva quattro anni or sono il talento, Heres The Tender Coming raccontava nel 2009 una formazione vera e capace di cambiamenti nella continuit. Oggi, Last ne conferma la natura multiforme nel solco della tradizione rinnovata, siccome un anno di frenetici impegni (film, televisione e teatro; collaborazioni sparse con Anthony & The Johnsons, Damon Albarn, Joan As A Police Woman; un bimbo in arrivo per Rachel, sposata con il collega di banda Adrian McNally) si traduce in un lasciapassare tra presente e futuro di robustezza e inventiva mai dome. Figlio di un aiutare le cose ad accadere da sole che in parte zen e in parte empirismo anglosassone, Last accosta originali, traditional e una cover dei King Crimson Starless, leggiadra e appassionata - senza che si notino cesure. Gioco di prestigio da cantastorie che portano con s la spontaneit e la saldezza di registrazioni svol-

those DanCing Days - DayDreaMs anD nightMares (Cooperative MusiC, Marzo 2011) Genere: pop
Una svolta radiofonica era ipotizzabile, ma non ovvia. Dopo il piccolo scrigno indie di In Our Space Heroes Suits, unalternativa a probabilit forse maggiore era una replica fotocopia che cercasse di replicarne londa. Le cinque ragazze svedesi sono ancora giovanissime e nella gioia dei ventanni lattenzione della cerchia dei club indie non sembrava necessariamente dovesse intaccarne lapproccio. In Daydreams And Nightmares, produzione Whichita / Cooperative, tutto o quasi invece cambiato, sia nella scrittura che nella produzione. La prima non cerca pi la semplicit e lefficacia ma segue direzioni che ogni tanto sembrano perdere lorientamento. La seconda, a sua volta, imbriglia la messthetics dellorganico, appiattendo le tastiere, pulendo dove prima si decideva di non correggere, tirando una linea dritta verso suo76

te in unantica sala da concerto e in una fattoria del nevoso Northumberland, lontani da cartoline vetero-hippie e fieri della propria chiarezza dintenti. Pescando a caso in un felice ibrido dintimismo ricercato ed epica trattenuta, impressionano la complessit solenne per asciutta di Gan To The Kye, una Close The Coalhouse Door prossima ai Rachels di Music From Egon Schiele, il Tom Waits riletto la Nick Drake in No One Knows Im Gone. Attestati di una classicit che guarda avanti partendo da lontano e che lontano ci arriver. Anzi, che lontano giunta di gi, senza stanchezza n retorica. (7.4/10)
gianCarlo turra

valentina lupi - atto terzo (al BuMaye, FeBBraio 2011) Genere: pop rock
Chiss che fine ha fatto il secondo degli atti di Valentina Lupi, classe 1981 da Velletri (non esattamente Brooklyn o Londra), che con il terzo torna a cinque anni di

distanza dallesordio Non voglio restare Cappuccetto Rosso. Testi adulti e maturi si confanno perfettamente a una voce tra le pi interessanti del panorama italiano, incastrata tra la grinta della cantantessa Consoli, il velluto graffiante di Syria, ma anche le ruvidezze di Nada. Il tutto attingendo da una tavolozza di sfumature che va dal mainstream al rock pi muscolare. Valentina Lupi canta delle difficolt del cuore (Il modo migliore), delle nostre manie da social network consumistico (la nervosa Non cambiato nulla) e dellamore su un tappeto di organo (Lessenziale) facendo quasi sempre centro. La band supporta la sua interpretazione andando a pescare spesso e volentieri da quellimmaginario indie italico da anni Novanta che tanto sta continuando a riverberare in giovani artisti. I riferimenti sono quelli del rock americano, dal grunge (versante Peal Jam post-Ten) al mainstream, fino agli onnipresenti tocchi la Ritmo Tribale. Lintensit sempre alta, alcune soluzioni sono interessanti (la sincope de Lantieroe, brano da Carmen Consoli in trip Teatro degli 77

highlight
Wagon Christ - tooMorroW (ninja tune, Marzo 2011) Genere: kitch-tronica vibert
Richard D. James (Aphex Twin), Tom Jenkinson (Squarepusher), Mike Paradinas (-Ziq) e Luke Vibert. Vi abbiamo tessuto pi volte le lodi della cricca illuminata che ridisegn le coordinate dellelettronica britannica e mondiale nei Novanta. Di ragazzi che consapevoli o meno, aggiornarono alcune avanguardie novecentesche (Musique Concrte e da tappezzeria, Stockhausen) al proprio tempo donando ritmo e urgenza a una tradizione e rompendo cos barricate (ballo non ballo), mode (house vs techno) e steccati (drillnbass). Lhip hop aveva forgiato una nuova cultura sulle stesse basi (synth, drum machine, sampler), formati, limiti e modalit che i briannici riadattavano al proprio contesto, cultura e visione. In particolare, Luke Vibert, con Wagon Christ, fu la classica anomalia allinterno di un pi vasto terreno danalisi interlacciato con Techno e (hip)House. Unidea che ritornava al cut up del ghetto: un mix tape dove collage di cassettacce da autogrill e effetti analogici gareggiavano per una personale idea di retro-futuro ad alto tasso di THC. Il ragazzo invent la sua cosa, la kitch-tronica, una modalit buffa e stonata che a suon di sarcasmo e cinismo era diventata missione, collante di tanti passati per una nuova easy listening nellepoca post-E. A riposo dal 2004 (Sorry I Make You Lush) la sigla Wagon Christ aveva lasciato il posto a Luke Vibert in solo, che ci metteva nome e cognome, allargando lo spettro danalisi dei diversi alias specialistici (Plug, Amen Andrews, Kerrier District, The Ace of Clubs) secondo uno sguardo autoriale. Fondamentale, infine, la collaborazione con il Jean Jacques Perrey, una sorta di padre kitchtronico riconosciuto e ritrovato, un bagno di storia che rigenerando il ragazzo lo ringiovanisce talmente bene da farlo suonare - nellultimo biennio - pi fresco di tutti, persino di Aphex Twin. In epoca oltre glo e wonky non c momento pi propizio per un mix gi propiziatorio. We Hear You stato forse il miglior album in solo per Luke. Adesso non vi sorprenderete se Toomorrow gareggia come il best del moniker preferito. La zampa delluomo, aggiornata un filo dubstep, accortissima nellincamerare la nuova hip-hop strumentale per bianchi post-Harmonic 313, libera di masticare lennesimo mix a base di funk, etno e soul soffritto nei soliti ingredienti Christ (sci-fi, muzak, easy listening, acid, hip hop e altre perle old skool house) sotto il tipico riff stoned che ancora una volta brand, garanzia, illuminazione. E come sentirlo per la prima volta, quando sar la centesima o la millesima. A Sound for today. (7.3/10)
eDoarDo BriDDa

o King Crimson (How Far?) dicono di un trio energico, denso e muscolare eppure coraggioso nelle scelte sonore e attento a sfumature e umoralit. Nota di merito ulteriore per lartwork opera di Luca Zamoc e per il 7 allegato al vinile con due remix di Simon Scott (Slowdive) e Isan. (7/10)
steFano piFFeri

versailles - Dust & ChoColate (stop reCorDs, FeBBraio 2011) Genere: power noise
Uno la batteria dei Damien*, laltro voce e chitarra nei Container 47. Incontrandosi hanno avvertito la possibilit/necessit di allestire un duo power-rock. Distorto, veemente, tosto, devoluto, arguto, trafelato, essenziale, massimalista. Tra wave punk, garage avariato e fregole noise, sbrigandosela in inglese tranne in un caso (la stolida Credere), omaggiando limmarcescibile verbo Devo con una adrenalinizzata Mongoloid, bazzicando certo revanscismo funk-punk (Hate) e carbonizzando i White Stripes in un calderone hard-psych (The Summer) senza smettere di far pulsare la vena pazzarella che diresti un po P.I.L. (Very Nice) e un po Ramones (Shoot The Band). Ci sono i pezzi, c lavventatezza, c un suono che si sgrana come certe ferite dure a rimarginarsi. Non manca nulla, o manca poco. Dipende dagli obiettivi. (7.2/10)
steFano solventi

tanto accogliendolo a braccia aperte. Novit che talvolta zavorra le composizioni (la piatta Let You Break, le maniere alla lunga stucchevoli di Psychastenia e Fade And Then Return) e talaltra ne agevola il passo (The Tide Pulls From The Moon). Perch lautore di vaglia dentro laudace folk-pop Bird Of Winter Prey e nella spedita The Winter From Her Leaving, spirito di Elliott Smith e respiro di Neil Halstead dove il solo Elliott illumina il valzer Wounded Heart e Nick Drake apprezzerebbe la delicata gemma Beautiful Girl. Pu bastare a dimenticare il resto, come a consigliare Gold In The Shadow basta lemotivit pura della conclusiva What Hold. (7.1/10)
gianCarlo turra

yut - yut! (sMoking kills, Marzo 2011) Genere: new wave italiana
Una manciata di anni fa Yut! sarebbe stato annoverato come un album in pieno revival post-punk italiano. Oggi un esercizio che procede a cavallo tra quei primi Ottanta italiani e la loro riproducibilit nel presente. I milanesi Yut fanno riferimento a quel mondo che si trascin dal punk al dark, come si chiamava in Italia, e a quel bacino di new wave italiana (con accenni funkpunk, forse il tratto pi interessante) che nellultimo lustro abbiamo imparato un po tutti a riprendere in mano e riconoscere, nellinteresse storiografico o nella qualit effettiva di alcune produzioni. Allinterno del mondo dei primi Eighties italiani, tra i club e le scene cittadine, il modello per Yut! la situazione fiorentina di quegli anni. Quei suoni che vanno dai primi Litfiba (accumunati agli Yut dalla scelta della lingua italiana, allora controcorrente nellimperativo - comprensibilmente - esterofila del contesto), ai Diaframma (Luminoso & Nero), ai Neon. Non si tratta per davvero solo di applicazione pedissequa, anche se il mimetismo in certi casi (Martin Eden, RUV) non lascia spazio ai dubbi - o ne crea almeno uno, circa le coordinate temporali della band, formata invece solo dal 2009. nei testi (e raramente, come in Sciamenna, nelle strutture musicali) che si coglie lo sforzo di declinazione al presente. Anche se va detta una cosa: lincaponimento su ci che non va comune a oggi e ad allora. Ma questo non dipende da Yut. (5.9/10)
gaspare Caliri

WilliaM FitzsiMMons - golD in the shaDoW (gronlanD reCorDs, Marzo 2011) Genere: american sonGwriter
Sulle prime e sulla base del ricordo di The Sparrow And The Crow colgono incredulit e dubbio. Poi ti documenti, e capisci che per chi da sempre colloca il proprio vissuto nella musica normale che le cose della vita dicano la loro. Che le canzoni ne siano plasmate e rese materia pulsante cui oggi, sommersi di dischi precotti e canzonette finger food, non siamo quasi pi abituati. Anche se magari il risultato non convince del tutto, lasciando nuovamente limpressione di splendide potenzialit autoriali sul punto di sbocciare. Fuor di metafora, lalbum di cui sopra ruotava attorno a un asciutto folk confessionale perch esponeva senza pudore lo sfasciarsi del matrimonio di William. Siccome dalle disgrazie per fortuna si esce, il ragazzo ha poi ritrovato amore e serenit, qui palesi in arrangiamenti ricchi (elettronica di gusto organico, bassi rotondi, archi) e una scrittura che lascia intravedere il sole, ogni

Orrori), e limpressione generale di unartista che pu dire la sua nel panorama italico. Benvenuta. (7/10)
MarCo BosColo

valerian sWing - a sailor lost arounD the earth (antistar, Marzo 2011) Genere: heavy post-rock
Trio in assetto prevalentemente strumentale e dal respiro internazionale, i Valerian Swing partono da Correggio e vanno alla conquista del mondo. Registrano in quel di Seattle con Matt Bayles (Mastodon, Isis e Pearl Jam) e hanno le carte in regola per catturare quellampio segmento di fan delusi dallultimo Mogwai, orfani degli Explosions In The Sky o legati 78

romanticismo post- targato Sigur Rs. Stefano Villani (chitarra, voce, elettronica), David Ferretti (batteria) e Alan Ferioli (basso, tastiere) non rappresentano lennesima sterile riproposizione dei clich del genere. La loro una foga non equiparabile alle ormai bagnate polveri degli scozzesi o alle delicate atmosfere diafane dei nordici, cos come il raggio dazione non si riduce a statici passaggi ambientali o dicotomie vuoto/pieno. Gli innesti da truce rock hardnheavy (Since Last Century un rnr dassalto che transita per hard-rock seventies e heavy metal del terzo millennio), le aperture jazzy aliene (ospite in un paio di pezzi anche il trombone del jazzista Gianluca Petrella) di Dr Pengl Is There o certi passaggi da prog-metal alla maniera di Voivod, Cynic

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Gimme Some Inches #14

Molte anticipazioni di album upcoming questo mese su GSI. Puerto Rico Flowers, l'ex Gowns EMA, Dirty Beaches fanno compagnia alle efferatezze di Fecalove, Compoundead e altri manipolatori del rumore.
Graditi ritorni e ghiotte anticipazioni sul giradischi di SA. Alla prima categoria appartiene Axion, 7 grigio targato Public Guilt in cui James Plotkin e il suo alter ego Phantomsmasher rielaborano due tracce degli Zu. Solita trasfigurazione in un concentrato di devastante e futuristico assalto tra glitchtronica e rimasugli di sax per la title track, a firma Phantomsmasher, mentre sul lato b Plotkin svisa verso una allucinazione orientale Chthonian, sempre dallepocale Carboniferous. Della serie, la musica degli Zu si presta ad ogni trattamento. Ben pi corposa la seconda categoria. EMA la sigla dietro cui si nasconde Erika Anderson, gi met Gowns, da quando questultimo progetto ha detto stop gettando nello sconforto fan e critica. La chitarrista pubblica lultimo passo prima del debutto Past Life Martyred Saints sotto forma di 7 digitale per Souterrain Transmissions. 80 La Anderson si muove drammaticamente ispirata nella title track, 7 minuti di fantasmatiche visioni per chitarra acustica e voce, prima, e esplosioni di feedback e incedere ritmicamente acceso, poi. Sul lato b, invece, la cover di Kind Hearted Woman di Robert Johnson un tour de force di 17 minuti teso, epico e sinfonico come nella miglior tradizione di casa Gowns. Altro nome in procinto di debuttare quello di Alex Zhang Hungtai aka Dirty Beaches, di cui leggete ampiamente altrove. Lapolide dal ciuffo ribelle non disdegna puntate a 45 giri se vero che ha disseminato qua e l molte prove piccole nel formato, non nella qualit. Si prendano le ultime due uscite che aprono la strada a Badlands: nello split con Conor Prendergast uscito per gli scozzesi di Soft Power, il nostro rilegge alla sua maniera la cashiana The Singer, ossia seppellendola tra riverberi lo-fi e echi di

corde. Nellupcoming per Italian Beach Babes, invece tocca al classico No Fun degli Stooges venire trasfigurato in una essiccata e ballabile, seppur disperatissima versione in cui stacca la voce baritonale di Alex. Indubbiamente uno dei nomi pi caldi (e ostici) del momento. Nuovo EP su 12 anche per i Beach Fossils da Brooklyn. Dopo il successo di pubblico e di critica del self titled, un tour che li ha portati anche in Italia per un paio di date, e il singolo Face It/Distance, ecco What A Pleasure, ovviamente per letichetta di Sniper Captured Tracks, EP che recupera entrambi i pezzi del suddetto 7, aggiungendovene altri sei. Queste le note tecniche; la musica non si sposta di un centimetro da quella che ci aveva piacevolmente ammaliato negli scorsi mesi: pop sfuocato, melodie semplici e velate, tiro da band surf sotto tranquillanti. I fan del gruppo sanno gi tutto e potranno ora placare la sete in attesa del prossimo full-length. Discorso analogo per Puerto Rico Flowers, il progetto solista dell ex-Clockcleaner John Sharkey III, che giunge al terzo singolo su

Fan Death. 3 Sisters apre la strada a 7, lalbum previsto per questa primavera e per ingannare lattesa il nostro ci regala unanticipazione degna dellattenzione che si creato attorno. Solo una manciata di minuti per synth solenni, percussioni marziali e il cantato torbido, baritonale ed intimista di Sharkey. Un ulteriore singolo (House) previsto prima delluscita del disco vero e proprio, come a dire: coltiviamo lattesa con la lentezza di uno stillicidio. Dei //Tense// di Houston e della loro EBM in salsa Wax Trax! abbiamo gi avuto modo di parlare ma torniamo a segnalarveli grazie alla ristampa su 10 di Consume. Precedentemente edito in sole cento copie su cd-r da Disaro, lEP viene ora riversato su polivinile dalla francese Desire, la label che per prima si accorta del potenziale del duo texano. Per loccasione viene scelto il formato meno convenzionale del gi minoritario vinile, stampato in 300 esemplari e in colore viola, per dare il giusto risalto alle sei tracce di electro dance-industriale che compongono il mini. Nei prossimi mesi verr dato alle stampe anche un nuovo 12 (Escape) per la ro-

mana Mannequin, affermata realt del giro electro-dark; nel frattempo gustatevi le pulsazioni meccaniche di TV Teach Me e Cash In cercando di resistere allimpulso di ballare in modo compulsivo. Chi invece proprio non sa stare con le mani in mano Viktor Ottosson. Non pago di suonare negli ttestupa e Street Drinkers, e di gestire letichetta di vinili Nattmaran con il sodale Dan Johansson (ttestupa e Sewer Election), il ragazzo di Goteborg ha deciso di aprire una nuova tape label. E con ben tre cassette prende il via lopera di Jrtecknet, tutte per altrettanti progetti del nostro. La prima del lotto, Hmnaren, la seconda release diBlodvite, act solista di noise/industrial minimale e carica di feedback. Med Repet Runt Halsen invece la prima uscita a nome Hngd, nuovo duo locale prossimo alle distorsioni e ai clangori parossistici del power electronics pi incompromissorio. La terza e ultima cassetta vede unulteriore nuova formazione in cui Viktor coinvolto, Niding. Probabilmente luscita pi particolare di questa prima tranche, Afgudaskymning si colloca

in un ideale punto di incontro tra i citati ttestupa e Street Drinkers. Percussioni cadenzate, melodie funeree, cantato scandito e liturgico allinterno di una forma canzone, questa volta, dal giusto perimetro. Full-length in arrivo da cui ci aspettiamo grandi cose. Prima di concludere, buttiamoci nellunderground pi rumoroso con due tapes targate Sincope recs. La prima lennesima prova di forza di Fecalove aka Nicola Vinciguerra: Wrong, definita dallautore ugly Motorhead harsh noise, mantiene fede alla fama del noiser e offre due prove di puro dolore in modalit harsh : in overdrive Trash & Void, in modalit spacca-subwoofer Motorizer II. Rispondono nella seconda lamericano Regosphere e i padroni di casa Compoundead, anchessi anime pie della sottomissione al rumore. Se il primo gioca tra basse frequenze e cut-up rumoristico, ma tedia un po, Mara e Truculentboy si mostrano pi astratti e droning e, sinceramente, pronti per un fulllength dai contorni pi definiti. Lo aspettiamo.
steFano piFFeri, anDrea napoli

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Re-Boot

#13

Un mese di ascolti emergenti italiani

Mutazioni cantautorali e rigurgiti grunge: questa la nota dominante di un mese al solito prodigo di proposte emergenti ed emergenze propositive. Avanti cos.
Tre pezzi di hard-psych tosto e melmoso per i Joykin, trio al debutto con questo The New Raw (autoproduzione, 6.7/10). Se volete, una mutazione acida del grunge che va a grattarsi i gomiti in uno spigoloso cantuccio tra garage e stoner, da cui i nostri spremono cavalcate ingrugnite e ghirigori intossicati. Mi piace il piglio, malgrado gli esiti tuttaltro che inauditi. Se sapranno scrollarsi dalle spalle il fantasma di Cobain (appollaiato nel caracollare mattoide di Break2), se sapranno cio metabolizzare la residua devozione per digrignare calligrafia propria, potremo sentirne delle belle. Licenza Creative Commons per gli Anelli Soli, dei quali via Jamendo potrete scaricare Il super razzo e il cane stanco (autoproduzione, 6.9/10). Sono un duo messinese con le stimmate Marlene Kuntz cauterizzate con impacchi arty Marco Parente e certe rielaborazioni etno-folk gi Sursumcorda, 82 salvo poi risalire le radici fino ai De Andr e alle congetture tra prog e cantautorato di PFM e Le Orme. Interessante lapproccio, il piglio selvatico e veemente ma stringato, senza teatralit o autocompiacimenti. Il passo pi difficile adesso confezionarsi una statura contemporanea. Possono farcela. Torna la Mescal con Retrattivo (7.1, Mescal), primo disco dei Versus. Curiosa quanto riuscita la mistura di atmosfere sognanti la Pink Floyd (altezza Shine On You Crazy Diamond ma anche The Division Bell) e Ottanta pop la Bluvertigo della band, nobilitata anche dalla presenza di ospiti illustri come Lele Battista, Andy, Franco Battiato e Megahertz (responsabile della produzione artistica). Assoli la Gilmour in Cosa ti aspetti da questa notte, certi Ride inconsapevoli disegnati dallAntonio De Curtis psych di Stare Alzati, il pop morbido decodificato da violoncel-

lo, slide guitar e theremin di Frasi a met: c pi di un motivo di interesse nel disco di Daniele Dupuis, Sandro Martino, Francesco Costantino e Andrea Dupuis. Non ultimo, una classe lontana anni luce dal tritatutto in forma di bit con cui dobbiamo confrontarci giornalmente. Annalaura Avanzi il volto che si cela dietro al progetto Aua, cantautorato al femminile con in testa Joni Mitchell e il cuore diviso tra un folk acustico chitarra, archi, pianoforte e certo pop contaminato da drum machines marginali e soffuse. Progetto in compropriet, a dire il vero, visto che delle musiche di Marted (6.5, Tomobiki) responsabile la Avanzi pi tutta una serie di collaboratori tra cui Giovanni Ferrario, Terje Nordgarden e Stefano Stefanoni. Leggerezza e voce gradevole, qualche nota familiare (la Cristina Don de Il ballo dei Tigli, lAnna Calvi pi blues di Reincontrarti) e una spiccata femminilit, in un pugno di melodie intime e sbarazzine cui per manca forse la zampata decisiva. Nonostante una rilettura della Canta Ragazzina di

Bobby Solo davvero niente male. La compagnia del tuo pensiero (6.3, autoproduzione) un libro che raccoglie piccoli frammenti di narrativa scritti da Alessandro Muroni degli Charme De Caroline e ispirati a Nessuno scrive al colonnello di Garbiel Garcia Marquez, Lodore di Rocco Familiari, Il pomeriggio del Sig. Andemas di Marguerite Duras e La casa di Michele Perriera. Prosa efficacie, quella del Muroni, che genera veri e propri testi e musiche (allegate al libro). In un morphing metalinguistico coerente con le linee guida di una band da sempre vicina alle forme darte ibride (nel passato del gruppo, reading di poesia e spettacoli teatrali). La parte narrativa del progetto apprezzabile, mentre la musica si adagia troppo spesso su forme di cantautorato jazz-folk piuttosto stereotipate e non del tutto in grado di rendere il forte senso di partecipazione e di attesa creato dai racconti. Dopo numerosi cambi di formazione e una storia quindicennale, The Dust, dalla provincia di Treviso, sono ora un duo che ruota attorno

al fondatore Roberto Grillo e ad Andrea Gottardi. Arrivano al quarto disco autoprodotto, Portrait Of A Change (6.8) dove ripercorrono il rock inglese di Sessanta e Settanta, tra glam e pop, blues e hard rock, progressive e psichedelia; un ampio catalogo di ispirazioni e un cantato in inglese, per una canzone dautore sufficientemente poliedrica che si regge sulle proprie gambe, mostrando discreta personalit compositiva e melodica. Ci spostiamo a Genova, da dove proviene Matteo Calabr, che dopo varie esperienze e un altro progetto in corso, fa uscire Arte Povera (Tesla Dischi 7.1). Trattasi di EP di cinque pezzi di cantautorato, che usa tra laltro il recitativo anche in lingua genovese, tra rumorismi di fondo e concisivit. Canzoni arrangiate insieme a Matteo Filippone per un disco altamente evocativo, che si fa notare per espressivit. Una bella sorpresa e laugurio di un proseguimento in questa direzione. Concludiamo col tarantino Michele Maraglino ed il suo ep

Vogliono solo che ti diverti (autoproduzione, 6.8/10). Trattasi di cantautore con lo sguardo ad altezza duomo, arguto quanto basta per allestire un teatrino che pesca dalla post-disco targata Zero e dal Battisti dei tardi settanta, tenuti a bada da unamarezza disarmante e apatica la Luca Carboni, capace altres di rievocare lincantesimo amniotico dun Al Stewart. Detto ci, vi parr strano ma possiede una propria coerenza e persino un senso, gli manca semmai il segno forte che lo imponga ai nostri tempi. Chiss.
steFano solventi, teresa greCo, FaBrizio zaMpighi

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ME:MO China underground#4

Quando la musica memoria

Me:Mo e lindietronica cinese. Le ultime fatiche (italiane e non) di un musicista pechinese: dalla collaborazione con la Disasters By Choice allultimo album Peking Scenes...
Berlino ama la musica. il nome di un complesso residenziale costruito da un architetto tedesco alla periferia di Pechino. In una di quelle zone della citt tutte uguali tra loro: alti palazzi spersonalizzati, le strade dominate dai centri commerciali di prodotti di elettronica e dai punti vendita delle compagnie di telefonia mobile. Un quartiere raggiungibile dal centro con due o tre cambi di metropolitane o con un paio di ore di traffico. Zhai Ruixin, alias Me:Mo, vive qui, in un palazzo come tanti e fra i tanti del compound, dove limmaginario di una scena musicale pu rimanere solo sospirato in un nome. Poi, per, entro dentro la sua casa e tutto cambia: migliaia di dischi, cd, libri e dvd di ogni genere e provenienza geografica. Pc e chitarre. Ogni oggetto nel piccolo salotto riesce a rendere reale un mondo che fuori sembrava distante anni luce. Un mondo confortante, fatto di calore musicale. 84 Alfiere della musica indietronica in Cina, Zhai Ruixin un giovane di trentanni che non ama il partito comunista e i suoi dirigenti. Lo dice senza troppi peli sulla lingua ed convinto che la maggioranza dei cinesi la pensi come lui. Ricorda Tinn mn. Allepoca aveva solo dieci anni, ma viveva nei dintorni della centralissima piazza. Nei successivi ventanni ha assistito allo sviluppo economico da una posizione privilegiata, il cuore di una citt piena di storia come Pechino, che ha saputo per svecchiarsi (ma anche snaturarsi) a velocit inimmaginabili imponendosi come una delle capitali moderne nel mondo globalizzato. Gli htng, i labirintici vicoli della vecchia Pechino, hanno fatto spazio a grandi viali; le basse case tradizionali e i courtyard che li affiancavano hanno ceduto a grattacieli, shopping mall e marchi commerciali. La storia di Zhai Ruixin quella di tanti pechinesi, sradicati e

rilocati ai margini della nuova citt, negli alti grattacieli dei compound, lungo i bordi di una metropoli. Me:Mo significa memoria: Allinizio ho scelto il nome senza prestarci troppa attenzione, ma poi divenuto un simbolo per me, un segno distintivo della mia musica. Musica come ricordo di una citt che non c pi, delle case e di uno stile di vita privati di identit. Come fossero rievocazione di quelle scene di Pechino che danno il nome allultimo album di Me:Mo, uscito alla fine del 2010 per la giapponese Plop (Gel, Kazumasa Hashimoto, Fonica, Sora) con la partecipazione della indie-label malese M-nest. Quello di Me:Mo un atto di amore verso una citt scomparsa: Non mi sento di rappresentare la Cina, ma nei miei pezzi c una percezione di Pechino, delle sue trasformazioni in negativo e della mia nostalgia verso lambiente in cui sono cresciuto da piccolo, verso la cultura della Pechino sparita. Questo il tema costante del mio ultimo lavoro, dallinizio alla fine. Malgrado allora non vivessimo bene come oggi e non avessimo nulla, cera una dispo-

sizione di spirito diversa, pi comunitaria e meno disordinata rispetto a oggi. Memoria tracciata nella rielaborazione di un percorso ben preciso, fatto di elettronica soffusa e di una moltitudine di suoni sovrapposti, dove per le tradizionali campionature sono al servizio di unattitudine acustica e che ricerca la melodica. Per la mia musica non amo la definizione di glitch pop, perch rimanda subito a un idea precisa di suono. Invece mi piace parlare di indie electronic, perch unespressione molto aperta e non una vera etichetta di genere; quel tipo di definizione che pu prestarsi a vari generi senza esaurirsi in uno di essi, lasciando un artista libero di fare la musica che preferisce. Se dovessi indicare degli stati danimo rappresentativi per la mia musica direi che un qualcosa che scuote lanimo, qualcosa di nostalgico del passato. Unatmosfera ambient, acustica. Nel 2008 la storia di Zhai Ruixin si intreccia con quella di un altro appassionato di musica, questa volta proveniente dallItalia: Salvo Pinzone, il creatore della Disasters By Choice, etichetta di culto romana attiva dalla seconda met degli anni 90 con pubblicazioni di elettronica di riconosciuto spessore. A metterli in contatto Layer, un altro degli artisti della label, emigrato in terra cinese. Attraverso la passione di Salvo, la musica di Me:Mo arriva in Italia, divenendo uno dei primissimi esempi - se non il primo - di pubblicazione di musica cinese indipendente in Italia. Loperazione riflette un modo di essere condiviso tra Me:Mo, la Disasters By Choice e i suoi artisti, dedito alla valorizzazione di opere indipendenti. Pi che essere diffusi in un mercato, questi lavori vengono estratti direttamente dalle case, con lidea di favorirne la circolazione tra gli amanti della musica. Dalla fine del 2008 la collaborazione cre-

sce spontanea e nellautunno 2010 diviene realt: Acoustic View, secondo album di Me:Mo, viene pubblicato in versione italiana, con laggiunta di quattro remix effettuati da diversi artisti legati alla Disasters By Choice (Obsil, Layer, Populous e Slow motion): Layer mi ha contattato dicendomi di avere apprezzato il mio lavoro. Poi lo ha fatto ascoltare a Salvo. stato tutto molto semplice, non si trattato di una transazione commerciale; a loro piaceva e volevano pubblicarlo in Italia. un progetto nato tra appassionati di musica e che rimasto tale. Una volta Salvo venuto a Pechino, in quei giorni con Layer abbiamo improvvisato anche un live gratuito per il suo compleanno. Un percorso simile si sarebbe delineato anche durante la produzione di Peking Scenes: La collaborazione con la Plop nata perch un giornalista cinese ha intervistato il suo fondatore [Nao Sugimoto n.d.r.], che gli ha chiesto se in Cina ci fossero dei progetti simili a quelli da loro prodotti. Il giornalista ha fatto il mio nome, cos mi hanno contattato, io ho inviato il mio demo ed iniziata la collaborazione. Nella discografia di Me:Mo, Peking Scenes il primo album con parti di cantato. Per molti versi questo lavoro rappresenta un nuovo punto di partenza: Le differenze con i due lavori precedenti ci sono, anche se non cos grandi. Probabilmente un album meno elettronico, ho fatto molto lavoro sulle chitarre e le parti elettroniche sono ridotte al minimo indispensabile. Non un disco standard di elettronica. Si trattato di un mio bisogno personale, come unaffermazione del mio modo di fare musica, che nei lavori precedenti non era stata mai cos completa come ora. Lautenticit del percorso musicale un tema ricorrente nelle conversazioni con Zhai Ruixin. Quando entrato in contatto con lelettronica (attraverso i To Rococo Rot), a col-

pirlo stata lesistenza di un modo diverso di fare musica, totalmente estraneo a una scena musicale cinese allora dominata da stereotipi punk e rock. Nellelettronica Me:Mo aveva trovato delle propensioni al cambiamento e allinnovazione, che riteneva ben distanti dalla sterile reiterazione di un genere musicale. Dalla sperimentazione-assimilazione di un modo totalmente nuovo di fare musica, riprodotto e proposto in Cina nei suoi primi due lavori, egli si quindi sempre pi impegnato nellemancipazione da questi modelli per trovare delle forme creative strettamente personali: Quando ho iniziato a suonare non ho mai pensato di considerarmi un artista, ero solo un ragazzo che ascoltava tantissima musica. Solo verso il 2007 ho iniziato a riflettere sulle relazioni tra quello che stavo facendo e qualcosa di assimilabile a forme artistiche, ma ancora oggi non mi ritengo di fare arte. Parlando da ascoltatore e da amante della musica, in Cina adesso ci sono troppe persone che fanno musica male e si propongono come artisti, perci preferisco evitare di definirmi un artista. Delle persone che fanno arte in Cina oggi ce ne sono un buon 70% che in realt non conoscono n capiscono larte. E ci sono tanti potenziali artisti che per questo motivo e per lesistenza di un mercato dellarte non riescono a emergere e desistono. Il problema quello di un mainstream allinterno della musica non commerciale: Il pubblico troppo influenzabile negli ascolti. Se un genere musicale va di moda allestero, anche in Cina cominciano a replicarlo allinfinito. In fondo un problema di assenza di creativit, in giro ci sono un sacco di idioti che copiano e basta. Negli anni 90 in Cina ascoltavano tutti heavy metal, a cavallo del 2000 tutti hanno iniziato a fare punk, poi sono comparsi gli indie e gli emo. In Cina tutto cambia nellarco di pochi 85

anni, poich abbiamo cominciato in ritardo. Prendi il Giappone, anche l i generi musicali sono giunti dagli USA e dallInghilterra, ma il Giappone si aperto prima della Cina e ha seguito gli sviluppi musicali contemporaneamente allOccidente, maturando anche forme musicali ed estetiche proprie, come dimostra linfluenza dellelettronica giapponese nel mondo. Ormai Me:Mo sembra avere trovato il suo spazio in una nicchia che non ambisce a divenire mercato. In parte rassegnato alla mancata crescita di una scena musicale pressoch inesistente e in parte anche limitato dallassenza di locali dove esibirsi nella Pechino dei rock-livehouse: Nelle date che ho fatto recentemente in Giappone mi sono reso conto di come l gli spazi

per le esibizioni sappiano valorizzare la musica elettronica come un genere adatto a un live. Ma senza dubbio sa di godere allo stesso tempo di una sostanziale libert e indipendenza nel proprio percorso artistico. C chi ha bisogno di riconoscersi in una scena musicale e chi sente il bisogno di sfuggire a delle etichette. Lultima via sicuramente quella che rende meno e che ha minore riscontro esterno, ma anche quella che riceve dagli ascoltatori lapprezzamento pi autentico. Poi, quando arrivano i momenti difficili, la musica sempre un buon rimedio. My Spiritual Medecine il podcast che Me:Mo dedica al ritmo della musica anni 50: Abbiamo iniziato nel 2007. unesperienza che condivido con un mio amico, principalmente nata come un divertimento e tale

rimasta. In questo periodo mi piace sentire musica del passato, mi aiuta molto e mi stimola anche dal punto di vista musicale. In realt ho sempre ascoltato tutti i tipi di musica, esclusa quella classica (tutta) e il metal (ne sento solo un po). Forse ultimamente sento meno musica di una volta, mi concentro pi sullelettronica e sulla musica del passato, ma meno sul rock. Sta di fatto che tutta la musica occidentale per i cinesi nuova, non importa se sia di due anni fa o degli anni 50.
Mauro CroCenzi

d IscograFIa :
ME:MO (demo autoprodotto, 2003) Static Scenery (2006) Acoustic View (2008) Peking scene (2010)

www.sentireascoltare.com

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Rearview Mirror

speciale

Cocteau Twins

Dream A Little Dream Of Me

Negli ultimi tempi non si fa che citarli. Dall'indie al recupero dream dei bedroom artist, dai rigurgiti shoegaze alla Witch house. La lezione Cocteau. Pi che mai viva
Testo: Antonello Comunale
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La storia del rock fino ad ora ha ragionato per decenni. Negli anni 50 il rocknroll ed Elvis si incaricavano di seminare il germe della presa di coscienza individuale, mentre nei 60 e 70 tutto questo irrompeva nelle dinamiche sociali, nella ribellione collettiva. Gli anni ottanta in questo senso non potevano che ripiegare sullindividuo, ma da una prospettiva profondamente diversa. In superficie tutto era finito in un bagno di sangue ed in vita erano rimasti pochi di tutti quegli slogan che erano stati il leitmotiv del 68. I Beatles e John Lennon icone di massa polverizzate in un attimo, in un colpo di pistola in Central Park. E cosa dire poi del punk? Il 77 e i Sex Pistols erano durati lo spazio di una risata maligna, la stessa con cui John Lydon apriva sarcastico Never Mind the Bollocks e metteva in piedi la grande rapina di Malcolm Mclaren. Di contro il post punk dei sobborghi inglesi nemmeno aveva avuto tempo di prendere piede che gi viveva sul lutto per la corda tesa di Ian Curtis. E in questi anni, allinizio di una decade sottovalutata, vilipesa e mai compresa del tutto come quella degli anni ottanta che muovono i primi passi gli scozzesi Robin Guthrie e Will Heggie, prima embrionale e iper acerba formazione di quelli che di li a poco sarebbero diventati i Cocteau Twins, band di culto, intergenerazionale e fuori dal tempo. Ci sono band che vivono lo spazio di una decade e ne incarnano perfettamente lo spirito del tempo. Altre che invece allungano la propria esistenza su due o tre decenni, spesso proprio le formazioni pi scaltre sul piano commerciale. Sono davvero poche invece quelle che inventano un suono e vivono tanto a lungo da vederlo crescere e fiorire nel corso degli anni. I Cocteau Twins sono fra questi, un caso emblematico. Attraversano gli 80 e i 90, inventando ex novo una forma di psichedelia molto elegante, soffice ed eterea che ormai viene generalmente identificata con il termine dream pop, sottogenere tra i pi influenti per pi di una generazione di musicisti. Come se non bastasse il lavoro immane fatto sul suono gli scozzesi diventano un caso anche sul piano pi strettamente vocale, per la vocalist Elizabeth Frazer e quella che qualcuno ha definito The voice of God. Va da s che tolte le ascendenze strettamente gotiche degli esordi il loro un suono che davvero poco ha a che spartire con il classico rocknroll, di cui diventa infatti una via di fuga, un sogno ad occhi aperti / chiusi che non si vergogna di andare a prendere influenze dalle musiche colte del passato per quello che, diventa il primo fenomeno di suono non rock dedicato ad un pubblico rock che esula dalle avanguardie in senso stretto. E questo lultimo dei tre meriti storici della band, perch fondamentalmente nes-

suno sta a sentirti se ti metti a predicare da un serioso pulpito pieno di retorica e supponenza. Gli effetti pi forti si ottengono nascondendosi nelle melodie pi sottili e nelle canzoni pi orecchiabili e i Cocteaus hanno sempre avuto il merito di cercare la melodia perfetta per i tre minuti, spesso riuscendoci e diventando nel corso del tempo, forse anche per le qualit immaginifiche della loro musica, uno dei nomi pi sfruttanti dai creatori di immagini, siano spot pubblicitari o film.

I t woUld have Been the s UMMer oF 1981. I really enjoyed what I

heard even thoUgh the voIce was Barely aUdIBle .

(Ivo Watts-Russell a proposito del primo demo tape dei Cocteau Twins) Primissimi anni 80 quindi. Robin Guthrie e Will Heggie sono due giovanotti scozzesi originari di Grangemouth, piccolo centro urbano tra Glasgow e Dublino, che Robin descrive amorevolmente con il termine di toilet. I due, compagni di scuola, stanno al passo con i tempi, quindi portano i capelli con il ciuffo dark e passano le giornate ascoltando Birthday Party, Cure e Joy Division. Fanno anche il giro dei pub ed proprio in uno di questi che una sera vedono ballare Elizabeth Davidson Frazer, ragazza cresciuta sotto legida di Siouxsie, di cui condivide lo stile diafano e goth e unugola stentorea e veemente, seppure gi padrona di una serie di inflessioni che alla signora dei Banshees resteranno per sempre preclusi. Il trio si forma presto sulla falsariga delle formazioni britanniche dellepoca con Robin alla chitarra, Will al basso, Elizabeth al canto e una drum machine a tenere il tempo. I primi esperimenti producono subito una musica tesa ma languida, con il taglio post punk gi sul punto di evolversi verso una nuova ragione del suono. Per darsi un nome i tre prendono in prestito il titolo provvisorio di una canzone dei Simple Minds, altra formazione scozzese che andava muovendo i primi passi allepoca e che poi pubblicher la canzone con il titolo No Cure sul primo album ufficiale, Life in a Day. Alla ricerca di unetichetta che potesse pubblicare il loro materiale, Robin decide di inviare una cassetta ad Ivo Watts Russel, ovvero la stessa 4AD che stava ottenendo un discreto successo con i Birthday Party. Ivo, da sempre alla ricerca di un sound che avesse qualit originali e fuori dal tempo, rimane sufficiente impressionato dal gruppo da rispondergli a stretto giro ed esortandoli alla produzione di nuovo materiale. Detto fatto. I tre si ritrovano rapidamente con un piccolo re89

disegno generale che fondamentalmente quello di costruire madrigali ultraterreni che si appoggiano a nientaltro se non allinteriorit di ciascuno. E il viaggio interiore che evocheranno da qui in poi centinaia di band che manderanno a memoria la lezione di questi anni e di questi dischi. Centinaia di band, eppure nessuna che possa vantare una sola voce capace di avvicinarsi a quella di Liz Frazer che qui prende il sopravvento e diventa il vero e proprio strumento aggiunto del gruppo. Brani misteriosi, energici eppure elegantissimi come When Mama Was Moth, Five Ten Fiftyfold, In the Gold Dust Rush, Musette And Drums forniscono alla vocalist loccasione per giocare ad incastri infiniti in labirinti mentali dal fascino arcano. Magnifiche le doppie voci di The Tinderbox e My Love Paramour, mentre nel frattempo la vena pi propriamente pop gi capace di produrre piccoli classici come Sugar Hiccup. Il disco ottiene un successo planetario e consacra licona dei Cocteau Twins e di Liz Frazer. Ivo Watts-Russel non potrebbe essere pi contento anche perch ormai la sintesi tra la band scozzese e la 4AD diventa quasi simbiotica e a rinforzarla ulteriormente, forse in maniera indelebile, ci pensa proprio lui con il progetto This Mortal Coil al cui primo disco, Itll End In Tears, i Twins contribuiscono con una reinterpretazione di Song To

The Siren di Tim Buckley, in una versione magica ed eterna, tanto che diventer rapidamente pi celebre della versione originale stessa.

c IM

sUloMegh yeIlck vola - vola coco la FUllagh Me - nag

keel MakIlagh telUxa

(Trascrizione del testo di Whales Tails, fatta da Liz Frazer leggendo le parole alla BBC Radio 1 nel 1994) Dopo alcuni sparuti concerti di supporto alluscita di Head Over Heels e un altro ep, il denso Surnbust And Snowblind, i due si convincono che serve un altro elemento nella band che possa rimpiazzare il vuoto lasciato da Will. Il sostituto viene trovato verso la fine del 1983, nella persona di Simon Raymonde, gi musicista nei Drowning Craze e soprattutto personalit sulla stessa lunghezza donda dei due. Di nuovo in formazione di trio, i Cocteau Twins producono il loro primo e vero hit da classifica, ovvero Pearly-Dewdrops Drops successivamente inclusa nellep The Sprangle Maker che marca unaltra profonda evoluzione del loro sound: meno tenebra, pi profondit del suono, taglio degli acuti soprattutto della voce ancora pi marcato, in definitiva una ulteriore progressione verso

pertorio che di li a poco andr a formare il primo album vero e proprio, il mesmerico Garlands. La tradizione gotica ancora predominante e i tre vengono etichettati frettolosamente come epigoni di Siouxsie and The Banshees. Accusa da cui si tirano rapidamente fuori, in virt tanto della carica preveggente del sound quanto del piglio eretico dato ai vocalizzi da Liz Frazer. Basta del resto ascoltare tesi lieder con il carattere del thriller come Wax And Wane e Blood Bath per capire che quelle con gli autori di Scream e Juju sono solo assonanze dettate dallaria dei tempi e dal carattere ancora acerbo della formazione. Ci non toglie che i Twins assurgano velocemente al rango di culto. John Peel se ne accorge e li invita per una delle sue classiche session radiofoniche con tanto di Gordon Sharp dei Cindytalk in veste di guest star, per quattro tracce successivamente incluse nella versione cd di Garlands. Nello stesso anno, il 1982, i Twins danno alle stampe il primo di una lunga e fortunata serie di ep che diventeranno presto il ritratto nascosto della band. Lep in questione Lullabies, con tre tracce sulla falsariga di quelle inserite 90

nellalbum con il taglio gotico, le primitive e timide inflessioni traditional gaeliche, un marziale mesmerismo macabro e soprattutto il canonico dialogo di chitarra e basso che cercano gi a pi riprese di evolversi verso partiture pi aliene dei classici canovacci post punk. Lo stesso si avverte in Peppermint Pig, ep dellanno successivo che precede di poco il secondo disco ufficiale della band, che da trio si trova in un attimo ad essere un duo. Will Heggie decide amichevolmente di lasciare la barca e Robin e Liz si trovano cos a fare tutto da soli per Head Over Heels, disco intorno alla cui gestazione cominciano ad avvertirsi estenuanti pressioni, sia da critica che da pubblico. La defezione del bassista fornisce per il pretesto ai due per ripensare al proprio sound e quello che ne consegue il primo disco propriamente etereo e atmosferico dei Cocteau Twins, in altre parole la prima prova che pu definirsi dream pop. Head Over Heels pu addirittura essere preso come il documento definitivo dei Twins o comunque quello pi indicativo della loro poetica. Il sound non ha ancora perso del tutto la radice gotica, ma lha piegata al 91

un canzoniere originale e sofisticato. In pratica tutte caratteristiche che marcano il nuovo corso dei Cocteau Twins di Treasure, terzo disco effettivo, datato 1984 e a tuttoggi uno dei loro prodotti pi amati. Linflusso di Simon Raymonde si avverte subito nel missaggio originalissimo del disco. Le linee di basso che prima erano unossatura evidentemente calcata sulle ombre della darkwave qui perdono gran parte della loro presa, relegate in profondit per dare il giusto dinamismo ad una tela mossa da una mano quanto mai barocca sul piano degli arrangiamenti. Ma tutto deve servire a fornire il giusto habitat per lo strumento principale che altro non se non la voce della Frazer qui ormai diventata vero e proprio trademark di un modo di utilizzare lugola come tratto distintivo del sound. Pandora lapice di questo suo nuovo approccio. Il nonsense dei testi, spesso ridotti alla pura elencazione di fonemi senza senso incomincia a fornire i frutti sperati. Liz coniuga un nuovo linguaggio e per questo 92

comincia ad essere finanche inutile includere le liriche nei booklet di accompagnamento. Una scelta questa che porter sia critiche che approvazioni, ma che vista nellottica dellautrice altro non che una scelta di libert. In unintervista del 1994 ad Alternative Press ragionando sulle continue richieste che arrivavano dai fan giapponesi affinch pubblicasse i testi delle canzoni Liz ammetteva candidamente di non cercare affatto di trovare un senso alle cose che canta: Ho scritto veri testi per Garlands e Head Over Heels e parzialmente per Treasure, ma dopo stata soltanto una questione di suono . Il carattere eccessivo e barocco degli arrangiamenti, i titoli delle canzoni tutti presi da nomi storici (Aloysius, Lorelei, Persephone, Otterley) e il design del packaging, come sempre firmato da 23Envelope, tutto a base di merletti e pizzi contribuir non poco alla definizione di novelli pseudo vittoriani, sottintendo in questo una neppure tanto velata critica a certa altera pretenziosi-

t, almeno in apparenza del tutto slegata da qualsiasi appiglio alla realt che ci circonda. Questioni che lasciano il tempo che trovano ma che rimangono addosso alla band per un bel po, il tempo di produrre altri 3 ep nel 1985: Aikea-Guinea, Tiny Dynamine e Echoes In A Shallow Bay, questi ultimi due subito riuniti in un unico cd, mentre per il mercato americano, quasi del tutto inesplorato dalla band, sempre lo stesso anno, veniva data alle stampe una compilation intitolata The Pink Opaque, che almeno nelle intenzioni della 4AD avrebbe dovuto facilitare il contatto con un territorio abbastanza immune dalle evocazioni prettamente albioniche dei Twins. Caratteristica predominate di questo fitto anno di pubblicazioni, un lavoro pressoch costante sul suono, sempre pi evoluto e atmosferico. Soprattutto il dittico Tiny Dynamine e Echoes In A Shallow Bay, che infatti presto diventa un must per i fan, mostra un evoluzione quasi inarrestabile verso un sound sempre pi alieno. I magici delay delle chitarre di Pink Orange Road e Great Spangled Fritillary diventano nuovi classici del settore, mentre la Frazer continua a far parlare per le sue eccentricit, prima fra tutte quella di Melonella, il cui testo altro non che un semplice elenco di nomi scientifici di farfalle. Arrivati a questo punto non sorprende lo scarto acustico-ambient che Robin e Liz, nel frattempo diventati coppia fissa anche sul piano affettivo, danno al nuovo album, Victorialand. E un ritorno parziale alle languide memorie di Head Over Heels, forse anche per lassenza del contributo di Simon Raymonde ma la sezione ritmica si quasi del tutto dissolta in favore di un languore celestiale e atmosferico a tratti anche estenuante. Le volute arcane di Throughout The Dark Months Of April And May sembrano quasi fare il verso a quelle dei compagni di scuderia Dead Can Dance, mentre tutto il canovaccio del disco poggia sullavanguardastico lavoro di Robin Guthrie che evolve ulteriormente lo studio delleffettistica per chitarra. Che sia un prodotto un po freddo e molto tecnico dimostrato anche dal fatto che tutte le registrazioni vengono effettuate nel nuovo studio della band, situato nel sud di Londra, e ribattezzato September Sound. Un esperimento dal forte odore davanguardia che non porter favori e successi al gruppo. Lep successivo, Loves Easy Tears, segna un ritorno sui propri passi, quelli di Head Over Heels e Treasure. Quindi balland malinconiche e orecchiabili con le chitarre in delay perenne e la voce di Liz Frazer ad intonare evocazioni eteree, ma si dimostra una parentesi veloce perch nella loro discografia va subito ad incastrarsi The Moon And The Melodies, lavoro in collaborazione con Harold Budd per una serie messa in

cantiere da Channel 4 dedicata agli incontri tra artisti e che non prender mai davvero piede lasciando il disco come un caso isolato. Esperimento estemporaneo per i Twins che appaiono un po persi negli acquerelli ambientali del musicista inglese, tanto che risaltano giusto i brani pi autografi: Eyes Are Mosaics e She Will DestroyYou.

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(Robin Guthrie riflette sul campionamento di Fifty-Fifty Clown fatto da Prince) Dopo un biennio di produzione bulimica il 1987 passa quasi in un attimo, giusto il tempo per Robin Guthrie di produrre il terzo disco dei Gun Club, Mother Juno, per poi dedicarsi di nuovo alla propria band che lanno successivo dar alle stampe il primo di una lunga serie di uscite tendenti sempre pi alle produzioni mainstream, secondo un processo inarrestabile che gli far perdere fan e gliene far acquistare altrettanti. Il disco in questione Blue Bell Knoll, lavoro rapido, asciutto, molto solare e soprattutto forte di un melodismo pop mai cos pronunciato. Non a caso il primo singolo tratto dallalbum diventa uno dei loro hit di maggior successo, ovvero la riconoscibilissima Carolyns Fingers che sar usata dalla pubblicit a pi riprese. I fan della prima ora del resto, non possono che storcere il naso di fronte a canzoni come Suckling the Mender e Kissed Out Red Floatboat, perfette ballad pop forti di scelte darrangiamento assai meno pesanti che in passato. Molti prenderanno tutto questo per una svolta dedicata alla leggerezza, scambiandola per una contestuale perdita di autorialit. Pochi allepoca si rendono conto che la ricerca della perfetta pop song presuppone un lasciarsi alle spalle le tante, eccessive e pressanti sovrastrutture che tanti anni di carbonara visione underground avevano imposto. Tutto questo finisce per coincidere con il passaggio di decade. Anno 1990, i Cocteaus danno alle stampe il loro lavoro in assoluto pi accessibile e quello infatti che finisce col riscuotere il maggior successo commerciale, Heaven Or Las Vegas. Disco ampiamente preveggente per il settore che decide di occupare, ovvero quello del pop sofisticato. Le malie dream del passato vengono asservite al disegno produttivo che inquadra le melodie in perfetti congegni pop, con la produzione in gran spolvero. Pi di un timido accenno di trip hop finisce cos per saltare fuori dai corteggiamenti funk di Cherry Coloured Funk, dallelettronica rotonda di FiftyFifty Clown e dalle atmosfere malinconiche di I Wear 93

Your Ring. Ivo Watts-Russell va letteralmente in brodo di giuggiole ed elegge il disco il migliore mai apparso nel catalogo 4AD, giusto in tempo per vedersi le galline dalle uova doro sfuggirgli di mano. Heaven Or Las Vegas rimane infatti per i Twins, lultimo disco per letichetta che tanto avevano contribuito a plasmare con lappellativo di 4AD sound. Scelte dettate da molteplici fattori, innanzitutto quello di slegarsi da limmagine settoriale e cos definita della label inglese e poi per i mutevoli cambiamenti che stavano minando nelle fondamenta la band stessa. A dispetto della nascita di Lucy-Belle, primogenita della coppia Frazer-Guthrie, segue un periodo di profonda depressione per entrambi. Lei si sottopone a ripetute sedute di psicanalisi probabilmente anche come reazione alla

progressiva discesa nelle tenebra della droga e dellalcol di Guthrie. Simon Raymonde non pu fare altro che assistere preoccupato allevoluzione degli eventi mentre vengono assoldati due nuovi strumentisti a supporto del tour mondiale di Heaven Of Las Vegas. La dipartita dalletichetta di Ivo Russell fornisce il pretesto per raccogliere tutti gli ep pubblicati fino ad allora in un box deluxe con laggiunta di 4 tracce mai pubblicate prima. Classica chicca per i fan in attesa di vedere cosa succede. La situazione si sblocca con la firma di un contratto per la Mercury Records, affiliata alla pi grande Fontana, che si incarica di pubblicare le nuove produzioni della band. Il primo parto del nuovo corso arriva nel 1993 con lassai controverso Four-Calendar Caf. Disco che rispetto ai precedenti lavora di sottrazione, alleggerendo tutto quello che aveva reso il Cocteau Sound cos tipico e inimitabile. Innanzitutto il lavoro in sede di produzione toglie tutte le pesanti sovrastrutture di effettistica che avevano reso Guthrie uno dei guru della generazione post-shoegaze. Come se non bastasse la stessa Frazer, lascia da parte lidioma fantasy e onomatopeico che laveva resa celebre, per tornare a testi veri e propri. Ne risulta un disco stanco e sfuocato. Una collezione di ballad pop senza mordente. Si salvano giusto i brani che hanno qualcosa che rimanda al passato: Oil Of Angels con i delay pulitissimi delle chitarre; Essence che ai confini con lambient a la Vangelis di Victorialand. Il resto semplice melassa pop zuccherosa, a partire dai singoli Evangeline e Bluebeard, tra le peggiori cose mai pubblicate dagli scozzesi. Critica e pubblico disapprovano in maniera manifesta e la band perde lequilibrio perfetto avuto fino ad ora. Lo dimostrano i due nuovi ep pubblicati nel 1995, Twinlights e Otherness, ovvero diversi modi per ritrovare una verve creativa che sembra perduta per sempre. Il primo un lavoro prettamente acustico, con quattro brani costruiti su pianoforte e chitarra. Niente effetti e una produzione quasi da presa diretta. Laltro, di contro, sperimentale in senso opposto, giacch si tratta di una collaborazione con Mark Clifford dei Seefeel che remixa alcuni brani della band, piegandoli al taglio elettronico che lo contraddistingue. Passi confusi di avvicinamento allottavo disco della band, Milk and Kisses, che un vero e proprio ritorno alle origini. Robin Guthrie ritrova tutta la sua maestria produttiva forgiando, anche grazie alle evoluzioni tecniche intercorse in questi anni, un nuovo sound denso e iper stratificato, che pura gioia per le orecchie dei fan della prima ora. Anche la Frazer riprende a trafficare con il nonsense e la gestione pirotecnica dei fonemi e

degli echi. Violaine, primo singolo tratto dal disco, fa capire subito quanta influenza abbiano avuto i Twins su pi di una generazione di musicisti impegnati ad usare lo studio e la produzione in funzione attiva e creativa. Ma tutto il disco che ripristina un trademark di qualit che non si avvertiva in maniera cos evidente dai tempi di Heaven Or Las Vegas. Brani come Serpentine e Treasure Hiding sono pura magia Cocteau, con la chitarra effettata a reggere la voce narrante e aliena della Frazer; cos come i brani pi pop come Tishbite, Half-gifts e Calfskin Smack ritrovano una quadratura melodica che sembrava persa dietro ai corteggiamenti mainstream di Bluebeard.

... thIs

Is strange I know BUt In two

I n c hrIstMas I sland we sold 424 cds and the popUlatIon In j Une 2002 was cIted as ......424! weIrd hUh ? and In B IkInI I sland we sold 22 copIes and the pop. there Is .....22 ! what can I tell yoU ..?
(Simon Raymonde a proposito di dinamiche commerciali) Il passo successivo, quello cio di un tour mondiale di supporto al disco, mostra altrettanta coesione e visione di gruppo, tanto che la notizia dello scioglimento della band, arrivata nel bel mezzo delle registrazioni di un nuovo lavoro, nel 1997, lascia pi di qualcuno sorpreso. Le motivazioni confuse addotte come giustificazione per la scelta di separarsi non possono comunque preludere da quella principale, cio la rottura del rapporta affettivo tra la Frazer e Guthrie. Le session per il nuovo disco, nonostante pi di qualche canzone fosse finita, rimangono inedite e la Fontana non pubblicher pi nulla per la band, che arrivata a questo punto decider di fare tutto in proprio. Guthrie e Raymonde, nel 1999, inaugurano la Bella Union, etichetta totalmente controllata da loro, che pubblica il doppio BBC Sessions, doppia compilation che fotografa tutte le apparizioni live della band al programma radiofonico inglese, dal 1983 al 1996, includendo ovviamente qualche traccia inedita. Lultima pubblicazione con materiale inedito a tuttoggi. Dopo di che sar tutto un amarcord o un revival. 4AD pubblicher dopo poco Stars And Toipsol, il loro best of, tutto il catalogo rimasterizzato e soprattutto Lullabies to Violaine, monumentale box set che riunisce tutti gli ep e i singoli mai pubblicati dalla band. Tutte cose che

terrItorIes we actUally sold one record per capIta .

non fanno altro che aumentare la sensazione di vuoto lasciata dai tre, anche perch nel frattempo il verbo degli scozzesi non passa affatto di moda, ma ritorna in maniera incessante come uno delle influenze pi presenti e capillari della musica popolare degli ultimi due decenni. A partire proprio dallattivit dei singoli. Nessuno decide di appendere le scarpe al chiodo, ma anzi tutti si ritagliano il proprio spazio. Robin Guthrie rimane il pi musicista in senso stretto dei tre. Al di l dellattivit di autore di colonne sonore (Misterious Skin) pubblica tre dischi solisti, dove riprende in larga misura i suoni e gli effetti dei Cocteat Twins e forma una nuova band, chiamata Violet Indiana, da cui non trarr per molte soddisfazioni. Anche Raymonde pubblica un disco solista prima di dedicarsi ad una promettente carriera di produttore e tecnico del suono. La Frazer invece rimarr alla ribalta soprattutto grazie alle apparizioni in veste di guest star nei dischi di The Future Sound Of London e soprattutto come voce femminile di Mezzanine dei Massive Attack. Ci non toglie che il vuoto lasciato dai Cocteau Twins rimane a tuttoggi senza candidati ed eredi plausibili. Neppure una reunion stata concessa. Ad un certo punto, sembrava che i tre dovessero apparire sul palco delledizione 2005 del Coachella Festival, in perfetto timing con tanti altri (primi fra tutti i compagni di scuderia Dead Can Dance) che tornavano dalloblio per una nuova generazione, ma allultimo minuto un comunicato della Frazer rendeva la reunion impossibile per le solite questioni personali che avevano minato la carriera di una delle poche band realmente fondamentali della storia della musica popolare. Lultima apparizione insieme, qualche anno fa, ai Q Awards del 2008, per ritirare il Q Inspiration award. Eppure alla fine poco importa se non ci sar mai pi un nuovo disco firmato Cocteau Twins. In ambito pop rock sono davvero pochi i musicisti che possono vantare un lavoro altrettanto denso, avventuroso, creativo per cui il ritornare sempre ai vecchi dischi sortisce sempre una sensazione di riscaldamento emotivo. Come le vecchie foto ingiallite dellinfanzia. Una volta esistenza una band che aveva inventato un suono malinconia. E questo lumore pi aderente ai Cocteau Twins.

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CAMPI MAGNETICI #2

classic album rev

Fabrizio De Andr
storia Di un iMpiegato (riCorDi, luglio 1973)

AR Kane
69 (rough traDe, luglio 1988)

Storia di un impiegato rappresenta davvero un campo magnetico. E non tanto per linfluenza musicale che ha avuto, quanto per come ha assorbito elementi sociali e biografici dal momento storico in cui stato pubblicato. Sociali, perch il disco (uscito nel 1973) rielabora le tematiche dei movimenti studenteschi sessantottini, della controcultura ma anche dellepoca delle stragi (piazza Fontana risale al 1969). Biografici, perch costringe per la prima volta il De Andr anarchico e fuori dalle correnti politiche a prendere posizione sui cambiamenti in atto. Tanto da portarlo ad esprimere una sorta di disagio postumo nei confronti di un parto evidentemente sofferto: Quando uscito Storia di un impiegato avrei voluto bruciarlo. Era la prima volta che mi dichiaravo politicamente e so di avere usato un linguaggio troppo oscuro, difficile. Lidea del disco era affascinante: dare del Sessantotto una lettura poetica. Invece venuto fuori un disco politico. E ho fatto lunica cosa che non avrei mai dovuto fare: spiegare alla gente come comportarsi. In realt laspetto biografico non si limita soltanto a questo. La stessa figura dellimpiegato che riflette sul maggio francese non avendolo vissuto in prima persona, ricalca lesperienza di un De Andr emotivamente toccato dai moti studenteschi ma estraneo allattivismo. Mescolandosi a vicende legate alla vita privata di questultimo, come dichiara una Verranno a chiederti del nostro amore in realt dedicata a una relazione affettiva del cantautore. Ad ogni modo, si parla di unopera piuttosto controversa. Per un equivoco sulle intenzioni con lallora coautore Giuseppe Bentivoglio ma anche per una verbosit eccessiva e a volte contorta (Al ballo mascherato) riassorbita a fatica dallimpianto musicale. Questultimo in bilico tra i prodromi di quella svolta progressive che avverr definitivamente grazie alla PFM nel 1979 (con il doppio In concerto) e gli arrangiamenti classici di Nicola Piovani. A parte il folk di Canzone del maggio e Nella mia ora di libert, il resto mescolanza, intreccio 96

tra modernit e tradizione. Con una La bomba in testa attualizzata dal sintetizzatore di Giorgio Carnini e dai ritmi sincopati della batteria di Enzo Restuccia; una Sogno numero due in cui rimembranze Jethro Tull sostanziano il recitato imperioso del giudice che ringrazia limpiegato per aver rafforzato con le sue bombe lo status quo; una Il bombarolo che parte come una marcetta popolare quasi comica nel descrivere lattentato fallito, per poi concludersi con una coda orchestrale maestosa. Una mescolanza affascinante ma non priva di debolezze, per un disco che rimane uno specchio fedele di unepoca anchessa difettosa, prolissa e piena di contraddizioni. In cui alla solidariet sociale e alle conquiste di civilt si affiancava unideologia capace di blindare la ragione e di sfociare nella stagione della tensione. In questo senso, il Fabrizio De Andr di Storia di un impiegato si rivela una cartina di tornasole importante, oltre che un triste profeta di un decennio di devastazioni.
FaBrizio zaMpighi

Lascolto a posteriori di 69 unesperienza in tutti i sensi stupefacente. Semplici, in fondo, le ragioni: la storia della musica colma di geni loro malgrado in eccessivo anticipo sui tempi; di visionari che vanno oltre il raccogliere lo spirito dei tempi che permea laria e tradurlo in canzoni, e gi basterebbe. Alcuni persino scrivono regole che, nellindifferenza diffusa, ci mettono anni prima di divenire patrimonio comune. Nel caso degli A.R. Kane riconosci un misto delle circostanze di cui sopra, con un successo planetario sotto mentite spoglie a confondere ulteriormente le carte. Un passo indietro alla fine degli anni 80, adesso: lortodossia rock sta cadendo sotto i colpi del crossover e contaminazione diventa la parola dordine, che prevarr lungo il decennio successivo riverberandosi fino ai giorni nostri. In quelli, di giorni, cadevano i muri e il mondo come lo conoscevamo perdeva le certezze su cui si era basato dal dopoguerra in poi, mentre il pop gli andava felicemente dietro. Presto il 1991 avrebbe fatto piazza pulita dei manichei e la nostra musica sarebbe cambiata per sempre e per fortuna. A Londra, in un 86 dominato da bellimbusti da classifica e da un indie-sound dedito alla riscoperta - in certi casi, alla rielaborazione - dei Sessanta, si incontrano Alex Ayuli e Rudi Tambala: il primo singolo si guadagna spallucce e la definizione di Jesus & Mary Chain di colore. Cosa che in parte sono, ancorch pi attenti alla componente ritmica (felice retaggio di negritudine) e ovviamente pi psichedelici dei fratelli Reid. Chiarisce in parte le cose il passaggio da One Little Indian a 4AD per le.p. Lollita, pop onirico asperso di feedback prodotto da Robin Guthrie di Cocteau Twins. Ancora non lo chiamano shoegaze, per in anticipo ci siamo eccome. Succede poi che il capo delletichetta Ivo WattsRussell persuada il duo a far comunella con Martyn e Steven Young dei Colourbox, pi lasso della consolle Chris C.J. Mackintosh e il DJ Dave Dorrell: in testa lidea meravigliosa di un brano prodotto basandosi solo su campionamenti e breakbeat. Dellepocale Pump

Up The Volume si smerciano milioni di copie, portando lavanguardia in classifica e incidendo sulle sorti della black music a venire. Siccome il progetto M/A/R/R/S non va oltre, i piccati A.R. Kane approdano a Rough Trade per un esordio che non tradisce le attese createsi nel frattempo. Gran parte della bellezza atemporale di 69, oltre che nel tratteggiare in modo sensazionale e con largo anticipo alcuni momenti chiave degli anni Novanta, sta infatti in sonorit sospese e oceaniche. Come dei My Bloody Valentine che trattengono le distorsioni sullo sfondo per lavorare sul ritmo, lasciano emergere melodie eteree e un canto che - lambendo il Tim Buckley pi trasparente - si inerpica tra volute di psych-funk siderale toccando una musica di sfere celesti, per fisica. Liquidi groove e slarghi dub si sciolgono dentro il noise-pop in voga e indicano la strada a Bark Psychosis e Seefeel, si staccano per inventiva e piglio sia dal plotone degli osservatori di scarpe che dagli austeri alabastri di scuola 4AD. Miracolo a s stante, lestetica di 69 (ineguagliato anche dagli artefici: un anno dopo i sar stimolante bench dispersivo; Americana e New Clear Child avranno tra 92 e 94 viceversa poco da dire) porge unestasi sensuale e insieme spirituale, canzoni-collage che si arrestano un attimo prima di perdere forma e trasporto emotivo. Anche in questo, una fulgida lezione per la contemporaneit.
gianCarlo turra

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