El S XVIII en la

Historia del Arte

¿Decadencia, continuación o
modificación del gusto?
 Coexisten en este siglo diversas corrientes
artísticas

S XVIII
LA ILUSTRACIÓN

INICIO DEL
BARROCO TARDÍO ROCOCÓ
NEOCLÁSICO
 EL ROCOCÓ

• El florecimiento de este estilo tuvo lugar

en Francia, en tiempo de Luis XV, una
sombra de su predecesor el Rey Sol (Luis
XIV).
• En su reinado, con un trasfondo bucólico,
triunfó lo coqueto, lo femenino y galante.
• Es el tiempo que representó
magníficamente el pintor Antoine
Watteau.
 EL TÉRMINO DEVIENE DE UNA FORMA:
• El término “rococó” es una expresión familiar para el
término rocaille en el que se habría originado esta
expresión.
• Dicho término aparece vinculado a la expresión coquille.
Ambos aluden a formas de decoración utilizadas en este
estilo y que recuerdan las rocas y las conchillas
adheridas a ellas.
LA ROCAILLE
 ALGUNAS OPINIONES SOBRE EL ESTILO:
En la Enciclopedia (siglo XVIII).
En momentos de pleno apogeo de este
estilo, ya existía una reacción en su contra
como lo atestigua esta opinión de Diderot
al referirse a la obra del pintor y decorador
Boucher : “ todas sus composiciones
provocan a los ojos una estridencia
espantosa”
En el siglo XIX
El interés por el Rococó resurge en Francia
durante el Segundo Imperio (1852-1870),
en una época de inestabilidad, marcada
por la necesidad de encontrar referencias,
las más de las veces nostálgicas, en el
pasado.
En el siglo XX
Colecciones públicas y privadas le dan a
los artistas del Rococó, y especialmente a
los franceses, un lugar. Sus obras tienen
buena demanda, lo que no implica que
sean valoradas por la crítica o analizadas
en profundidad.
Ciertamente se ha profundizado en el
estudio de una época que fue por lo
menos muy diversa, que no se agota en el
Rococó y sobre la que no puede
imponerse una valoración única.
 Una interpretación política....
“...la reacción contra la arquitectura
rococó que se verifica en Francia hacia la
mitad del siglo XVIII tiene también una
raíz política: el rococó había sido el estilo
de los salones aristocráticos, y como tal
fue derrocado después de la Revolución
en nombre del ideal clásico.”

ZEVI, Bruno.- “Saber ver la arquitectura” Editorial Poseidón. Buenos

Aires. 1955. Pág.93.
 Otra forma de estudiar el tema…
• La evolución de las formas barrocas al rococó aparece
vinculado al “buen gusto” francés.
• Este período de la Historia del Arte es uno de los menos
estudiados. La visión que tenemos de él no puede ser
disociada del fermental período histórico en el que está
inscripto: época del surgimiento del pensamiento
ilustrado, de los albores de la Revolución Industrial,
de las llamadas revoluciones burguesas.
• Descuidado, entonces, por los estudiosos del Arte, el
rococó ha recibido la calurosa adhesión de los
coleccionistas aficionados.
• El rococó se nos presenta como un arte delicado,
intimista. Es la expresión de una época cargada de un
fuerte hedonismo.
• ¿ Es una modificación del gusto, donde sutilmente el
pensamiento burgués, partidario de la afirmación de lo
privado, aflora?
• ¿O es la expresión del decadentismo nobiliario ?
 Actividad

Hotel de Ville
La Gimblette. Clodion Jean Lamour

La perspectiva. Watteau
 Arquitectura
• La arquitectura rococó tiene sus principales
manifestaciones en los boudoirs, los departamentos, los
dormitorios.
• Se desarrolló una arquitectura de intimidad y riqueza,
caracterizada por formas finas, donde la fantasía y la
gracia son los elementos característicos.
• ¿Dónde se pusieron en evidencia estas modificaciones
del gusto?
• Algunas salas y dependencias de Versalles, en los
hotels, en el Palacio Soubisses, en París y en la Sala del
Consejo del castillo de Fontainebleau.
Sala del Consejo del castillo de
Fontainebleau.
Hogar del boudoir de María Antonieta.
Fontainebleau
Entrada de Plaza Stanislao.Jean Lamour
 Observa este ejemplo.
• Este es uno de los pocos casos
en que la concepción rococó se
impone plenamente en los
exteriores.

Forma parte del complejo urbano de Nancy.

• Los cálidos interiores rococó eran acompañados de

exteriores más severos: el neoclásico pugnaba por
salir.

• La Plaza Stanislao incluía, además, hermosas fuentes.

 Entrada de Plaza Stanislao.Jean Lamour

0bserva el remate de la puerta principal, de hierro forjado y dorado. Por

detrás de ella puedes apreciar la frondosa vegetación: en la nueva
concepción la naturaleza no debía ser “domesticada”.
Los interiores.
Hotel de Breteuil. Boudoir.
París

Escalera de honor

La pompa y la majestuosidad del

barroco fueron abandonadas por
formas más racionales y confortables.
 “Un nuevo barroquismo de
formas depuradas y finas lleno
de gracia y fantasía, cristalizó en
esa arquitectura de intimidad y
riqueza”

VELARDE, Héctor.- “Historia de la arquitectura” Ed.

Fondo de Cultura Económica. México. 1949. Pág. 180.
 • Los muros se dividieron en paneles, a menudo, polícromos,
bordeados de molduras.
• Los ángulos, tendieron a
desaparecer.
• Las habitaciones fueron dotadas
de hogares o estufas, tratando de
dar al ambiente el mayor confort.
• Rosetones, lazos, conchillas, se
transformaron en los elementos
decorativos más usados.
• Los techos se convirtieron en
cielo-rasos.
• A la espectacularidad del estuco
o a la majestuosidad del mármol
se la reemplaza por las
boiseries.
• La madera también gana los
pisos, el parquet se impone.

Hotel de Breteuil. Boudoir. París

 • Arcos rebajados,de puertas y
Escalera de honor ventanas, altos ventanales
que permiten una buena
iluminación natural.
• La escalera construida de
hierro forjado con adornos de
bronce. La herrería cobró un
importante valor ornamental
en rejas, balcones y
escaleras. Los pisos, aún los
de madera, se cubrieron de
alfombras.
• Esta escalera conduce el
salón social, quizás la parte
más importante de los
edificios del siglo XVIII.
• Simultáneamente nos da la
impresión de lujo y elegancia.
 Vocabulario
• BOISERIES: Paneles de madera, en color natural o pintados en tonos
pastel.
• ÉGLOGA: El término égloga viene del griego eklogué, "pieza escogida", en
el sentido de composición notable. Ek-logué significó, entre griegos y
romanos, "conjunto" o "reunión", y hacía referencia a unas pequeñas
composiciones poéticas, ya fueran odas, epigramas, poemas satíricos,
bucólicos, etc. En la tradición literaria ha pasado a designar un género lírico
de carácter bucólico y extensión variable, que trata el tema amoroso a
través de un aparente diálogo entre pastores en un marco convencional de
Naturaleza idealizada.
• BUCÓLICO: Se aplica al género poético que trata de la vida plácida y feliz
de unos pastores idealizados y de sus relaciones amorosas; se escribe casi
siempre en forma de diálogo entre personajes: Garcilaso de la Vega cultivó
el género bucólico. Relativo a este género poético: un paisaje bucólico; las
églogas son poemas bucólicos.
• BOUDOIR: dormitorio privado de una dama, sala de estar, vestidor.
La pintura rococó ha entrado a la Historia
asociada al tema de las Fiestas Galantes,
de los temas amorosos y porque no, del
espíritu libertino de una época. Pero los
pintores del período, son mucho más que
eso.
 Formados en las influencias de Aníbal
Carracci y de Rubens, entre otros,
además del delicado manejo del color y la
suavidad de la luz destaca el dibujo.
Éste último llega a independizarse de la
arquitectura, o deja de ser el preámbulo
de la pintura, para convertirse en un fin en
sí mismo.
Pedro Pablo Rubens 1577-1640. Nació en Siegen,
Alemania
“Representa un grupo de tres
mujeres desnudas en el bosque.
Inspirado en modelos antiguos
de la tradición clásica italiana,
por otra parte común en la
temática de Rubens.
Es una obra tardía del pintor, el
cual utilizó trementina para
conseguir una mayor fluidez en
la consistencia de los colores,
experimentando así un ligero
cambio en la técnica y pincelada.
La mujer que está situada a la
derecha del grupo es su segunda
mujer, Helena Fourment.”
Tres pintores se destacan
dentro del estilo rococó:
Antonio Watteau, François
Boucher y Jean-Honoré
Fragonard .
Refinado, melancólico minucioso, es el pintor de exquisitas figuras en medio
de una exuberante riqueza de paisaje. Es el intérprete de la renovación del
gusto que se estaba procesando en Europa.
Se apoya en un diseño sólido, lo testimonian los numerosos estudios
en sanguina, crayon blanco y carbonilla que dejó.
 Estudios, bocetos

Destacamos el cuidado de los aspectos anatómicos y también la

torsión que le impone a la figura humana, las sombras y los leves
toques con que resuelve detalles como el cabello o las sábanas.
 Las fiestas galantes

Las fiestas galantes tienen una atmósfera dual, hay una mezcla de
estilos y tiempos, hay alegría, hay máscara; hay un tiempo de fiesta y
otro de retorno. En Watteau hay una eterna galantería, en medio de un
paisaje calmado y sumamente refinado.
Fiesta Veneciana
Conversación al aire libre
 1717.Museo del Louvre

Son pinturas de bellos seres humanos, hermosamente ataviados, en

jardines donde reina la perfección y el sonido alegre de la música. Hay
armonía musical en sus obras, una armonía conseguida por el color.
 Antoine Watteau y la música.
Las pinturas de Watteau son una fuente para el
conocimiento de los instrumentos de la época.
Pinta y dibuja personajes tocando instrumentos
musicales.
Se interesó mucho en la guitarra, de la cual
conocía bien la técnica. Estudió bien la posición
y el empleo de los dedos, haciendo variar las
sonoridades.
En todos estos cuadros la posición de las manos
muestran que el quien toca busca obtener un
sonido dulce y tierno.
• Realiza el juego barroco de la seducción, la
guitarra no es como el laúd y la época no tiene
la melancolía del Luis XIII.
Mezzettin parece querer emitir
emocionantes trémolos, como lo indican
las posiciones del index, del medio y del
anular, prontos a dar impulsos sucesivos,
sin duda busca enternecer a una bella
indiferente, simbolizada por la fría estatua
que se da vuelta.
Detalle
La realidad le brindaba
modelos que él luego
transformaba de
acuerdo a su
temperamento
melancólico.
 Museo del Louvre

Esta obra le permitió a Watteau ingresar en la Academia, que había sido

creada en 1648. Es una de sus pocas obras de mayor tamaño (1,29m. X
1,94m.
 Embarque para Citerea.
Museo de Berlín.

Existen dos versiones:

una en el Museo del Louvre y otra en el Museo de Berlín.
 El tema
La seducción, el cortejo.
En un claro de un bosque frondoso, un grupo de
parejas se entretienen en devaneos amorosos.
Los altos árboles superan en mucho a la figura
humana y le dan a sus composiciones un
carácter melancólico.
El tema del embarque le fue sugerido a Watteau
por una comedia de Dancourt.
Esta obra cuyo tema aún hoy se discute, se le dio
también el nombre de “Fiesta galante”
Watteau ha procedido a
la mezcla de la
realidad con la
fantasía.
Lo real es la costumbre
noble de irse a casas
de campo a merendar
o pasear en barca.
La fantasía es la
inclusión del elemento
mitológico.
 Aspectos formales y técnicos
• Las delicadas figuras de Watteau, bañadas
suavemente por la luz, vestidas de sedas y
rasos, se desplazan con gracia por un ambiente
idílico.
• El pintor logra un colorido rico, nacarado, en
parte influencia de Rubens, como ya se ha
señalado, en parte influencia de los pintores
venecianos. Watteau tiene gran amor por la
pincelada muy suelta y pastosa.
• El resultado es un paisaje brumoso e idílico.
Los amantes se disponen a embarcar para la isla de
Citera, o, ¿están a punto de dejar la isla del amor?
Aunque aparecen varias parejas,
todas representan la misma.
Watteau ha pintado los momentos
sucesivos del pensamiento de
la mujer ante la invitación del
enamorado:
La primera pareja es captada en el
instante en que el galán intenta
convencer a la mujer para que
le acompañe. Ella se niega.
La mujer de la siguiente pareja ya
se levanta ayudada. Las demás parejas ya se dirigen
La tercera va andando y ella hacia el barco, donde aparece la
vuelve la vista hacia atrás
como si no estuviera segura de rocalla típica del rococó.
su decisión.

Significado de la obra y descripción.

Además de los temas galantes, Watteau
pinta personajes de la “Comedia del arte”
italiana.

La trouppe entera o algunos de sus

personajes arquetípicos, aparecen en la
obra de Watteau.
Comedia del Arte.
Esta es otra obra de “gran tamaño” (1,84 m. X 1,49m.),
realizada sobre lienzo. El pintor trabajó, en muchos casos sobre
tabla, y las dimensiones de su obra superan en poco el medio metro.
 El tema
El personaje, colocado en primer plano y rodeado
de otros personajes de la “Comedia del Arte”,
como el Doctor y Scarpin, destaca por su
aspecto melancólico.
El personaje de Pierrot, que luego sería retomado
una y otra vez por los seguidores de Watteau,
sería un retrato del comediante Belloni.
Aparece representado con su vestimenta típica,
que por su color destaca del fondo.
Detalles
 François Boucher.
(1703 -1770).
Pintor francés, famoso por sus escenas
pastoriles y mitológicas, claros ejemplos
de la alegría y sensualidad del rococó.
• En 1765 el rey le nombró primer pintor de la
corte, director de la Real Academia de Bellas
Artes y diseñador de la Real Fábrica de
Porcelana.
• su éxito aumentó por el mecenazgo de la
marquesa de Pompadour, favorita de Luis XV,
de quien pintó varios retratos.
“En el siglo en que Europa fue gobernada por mujeres, era
muy justo que el arte atendiera principalmente a
representarlas, ya fuera con sus complicados atavíos
contemporáneos, ya desnudas y metamorfoseadas en
diosas, multiplicando las versiones de Venus, de Diana y de
incontables ninfas. Esa fue la tarea de un parisiense bien
dotado, François Boucher, que había permanecido en
Roma de 1727 a 1731 y que había de ser el pintor favorito
de la Pompadour.
Ya sabemos que su pintura, frívola, voluptuosa y casi
declaradamente libertina, tenía su lugar en los interiores
cortesanos. Hoy, desconectada de ellos, puede parecer
demasiado reiterativa en su temática. En todo caso, plena
de seducción y de espíritu efectivamente amoroso.”

GAYA NUÑO, JUAN.- “Museo del Louvre”. Serie LIBROFILM. Ed. Aguilar.
Madrid.1968. Pág.352.
La princesa de Pompadour.
 Se especializó en los temas mitológicos que le daban la
posibilidad de desarrollar el desnudo femenino

Sus representaciones de deidades femeninas clásicas,

amables, desenvueltas y ataviadas como elegantes
pastoras hicieron las delicias del público, que lo consideró
el pintor de moda de la época.
 El baño de Diana.
1742,óleo sobre lienzo. Museo del Louvre, París.

O
B
R
A

Los temas mitológicos fueron una excusa para que Boucher

abordara un erotismo que llevó a que, en su época, fuera acusado
de inmoral.
 El relato que desarrolla la obra de Boucher está

T
tomado de la Metamorfosis de Ovidio.
E
M
A “… sus desnudos femeninos se ajustan
G
É
a un tipo generalizado, el cual, como
N
E
todos los tipos, tiene mucho menos
R
O
poder para despertar la imaginación
E erótica que algo absolutamente
S
T explícito.”
I
L
O
LUCIE-SMITH, Edward.- “La sexualidad en el arte occidental”. Ediciones
Destino. Singapur. 1994. Pág. 98.
El baño de Diana.
E
L
E ANÁLISIS • En el lienzo, es
M evidente, el gusto del
E
N
artista francés por las
T formas plenas y bien
O
S modelas.
F • Las características
O
R del estilo rococó
M están aquí muy
A
L elaboradas. Se
E
S
conserva el acorde en
T
verdes, azules y
É tierras del fondo.
C
N
I El pintor logra, consigue, el ambiente que rodea a
C
O
toda obra galante.
S
 CONEXIONES DE LA OBRA, MARCO HISTÓRICO, REFLEXIONES…
SIGNIFICADOS Y SIMBOLISMO.

• “Es posible que la pintura más famosa del

maestro sea la que aquí es reproducida y
que Renoir aseguraba haber amado como a
su primera novia. En verdad, es pintura que
pudiéramos llamar primaveral, dada la fresca
juventud, en ningún modo provocativa, de
los dos bien trazados desnudos de
muchachas, certeramente compuestas y
contrapesadas sus actitudes, enmarcado
todo en la suave égloga verde de una
vegetación de ribera...”
GAYA NUÑO, J.- Op. cit. Pág.352.
La toilette de venus.
 Jean Honoré Fragonard
(1732-1806)
Pintor francés del periodo rococó, uno de los
artistas favoritos de la corte de Luis XV y Luis XVI,
por sus escenas amorosas de delicados colores,
situadas a menudo en jardines.
 Apreciado por la burguesía o la nueva aristocracia,
recordando la tradición de las fiestas galantes
de Watteau, al principio Fragonard desarrolló un
estilo acorde con la temática religiosa e histórica

.
La lección de música
• Se dedicó sobre todo,
a partir de 1760 a las
escenas sensuales y
eróticas
• Formado en contacto
con Chardin, Van Loo
y Boucher, Con este
pintor se va a cerrar el
ciclo de la pintura
rococó.
LA GALLINA
ROBADA
Después de 1765 siguió el estilo rococó,
que entonces estaba de moda en Francia.
Las obras de esta última época, que son
las más conocidas, reflejan la alegría,
frivolidad y voluptuosidad del periodo.
Se caracterizan por la fluidez de líneas,
las vaporosas flores en medio de un
suave follaje y las figuras con poses
llenas de gracia y elegancia,
normalmente de damas con sus amantes
o de campesinas con sus hijos.
• “Honoré Fragonard es mucho más pintor que su
maestro, y lo es de un modo instintivo, por más
soleado y ansioso de luz, por ser aún mayor
dibujante, por haber consultado tantas y tantas
veces al infalible dueño de la vitalidad, es decir,
a Rubens. Cada día, como este, es mas rápido
y prolífico, cada día, igualmente, más vario y
diverso, y más convincente. Lo de menos es el
indudable carácter erótico de la mayor parte de
su obra, porque siempre quedará compensado
por la gracia de color, por la amable pompa de
su trazo, por ese jovial optimismo...”
GAYA NUÑO, J. Op. cit. Pág.358.
Las bañistas.
Las bañistas
El Columpio.

El columpio es
una de las obras
más
representativas
del arte rococó.
 Tema
Encargada por el abad Claude Richard, su
protector , presenta una escena de
voyeurismo.
El abad le había dado las instrucciones:
“Desearía que pintara a la señora en un
columpio empujado por un obispo, a mí
de forma que pueda ver las piernas de
ella o algo más si quiere alegrar el
cuadro.”
Descripción de la obra
• Un noble contempla desde
abajo cómo se hinchan las
faldas de una joven .
• Fragonard, que fue un
colorista virtuoso, dio vida
sobre todo a hojas y a nubes.
• Los tonos empleados son de
una extrema dulzura, la
pincelada es muy suelta .
Esta obra recuerda a su maestro
Boucher.
Detalle
• Algunos consideran
que sus colores
parecían artificiales
debido a la gran
cantidad de blanco
que les añadía.
• La dama no tiene
psicología, lo que
importa es el
ambiente.
 Escultura.

La escultura rococó se ve
representada en la obra de:
Jean-Baptiste Lemoyne
C.M.Clodion
Etienne-Maurice Falconet.
 La bañista.
Falconet

La Pompadour como Venus

La Gimblette. Andiómene.

C.M. Clodion Falconet

 Etienne-Maurice Falconet.
• Director de la Manufactura de
Sèvres,produjo cientos de modelos
que fueron realizados luego en
biscuit (pequeña escultura
decorativa),apropiados para la
decoración de los apartamentos y
salones.
• Escultor predilecto de Madame de
Pompadour, una de las amantes de
Luis XV.
• Sus esculturas muestran una hábil
combinación de gracia y elegancia
mundana, representan el gusto de
la época.
• Existe en su obra una cierta
tendencia a idealizar, como puedes
apreciar en la estatua de la
Pompadour de apenas 75 cm. de
altura.
 Claude Michell Clodion

• La obra de Claude-Michell Clodion se encuentra

a mitad de camino entre la escultura y las artes
decorativas
• En su obra la terracota, muchas veces usada
para bocetos o como paso previo para proceder
a la fusión en bronce, se transforma en material
definitivo.
• El escultor aprovecha la ductilidad y la
capacidad de improvisación que le ofrece este
material.
 Pequeño perro. Terracota. h.16c m

Escultor de ninfas, cupidos y pequeñas mascotas domésticas, su obra

traduce la feliz indiferencia con que vivía una parte de la sociedad de la
época.
Artes decorativas
 Tapiz de la manufactura de Beauvais
Cama a la polaca

Jarra 1740-1750
 Cambios en la vida, cambios en el arte
• La arquitectura del período tendía a combinar
el confort con la elegancia. A partir de esta
premisa el mobiliario y la decoración de
interiores deberían cambiar.
• Los cambios no están sólo vinculados a una
modificación del gusto, sino también a otros
factores como la reducción de los espacios
arquitectónicos, la ampliación de la
“clientela” como resultado del aumento de las
posibilidades de consumo de ciertos sectores
de la sociedad.
 Protagonista: el mueble
• Los muebles de este período se redujeron en
tamaño por lo cual, a pesar del fino trabajo, los
costos se redujeron en comparación con los del
período anterior.
• Debemos tener en cuenta, que más allá de lo
decorativo, cumplían una función utilitaria.

• En este período los petits-meubles fueron los

predilectos.
• El que sigue es un ejemplo típico del arte
francés.
Mueble realizado por Adrien Faizolet
Delorme
Descripción
• Hay un nítido predominio de las líneas
curvas.
• Combina varias técnicas muy usadas en
este período.
• Detalles en bronce,el mueblero no podía
realizar él mismo las incrustaciones.
• Los paneles fueron realizados en madera
laqueada con delicados diseños.
• Esta cómoda tiene dos cajones que
quedan casi disimulados en la decoración
del mismo.
 Estilo Chippendale
Inglaterra. S XVIII
• Thomas Chippendale (1718-1791) El
mueblero y ebanista inglés, fue el creador de un
estilo de muebles de lujo que alcanzó gran
difusión y que se consideró típicamente inglés.
• Fundó una escuela donde enseñaba a
alumnos, no sólo de Inglaterra, sino a otros,
procedentes de distintos países.
• Empleaba fundamentalmente el ébano, madera
dura y por tanto, difícil de trabajar.
• El estilo se caracterizaba por las patas curvas y
el uso de caladas y rejillas.
 Diseños

Un escritorio Chippendale del siglo

XVIII, hecho de madera pintada y
Una silla estilo Chippendale con un dorada con motivos chinescos
elaborado respaldo en «lazada».
 Textiles
• La manufactura de tapices y gobelinos ya
había sido impulsada en el gobierno de Luis
XIV.
• La ciudad de Lyon se destacó en estas
actividades.
• La manufactura de Aubusson , en esta ciudad,
produjo obras de excelente calidad.
• La otra manufactura textil de importancia era la
de Beauvais , en París.

Gobelino: Tapicero de la fábrica que estableció el rey de Francia Luis XIV en la de

tejidos fundada por los Gobelin, célebre familia de tintoreros.
Tapiz hecho por los gobelinos o a imitación suya
Observa la imagen:
Poco a poco la temática
se fue desvinculando de
los temas religiosos o
históricos, para acercarse
a la temática de la pintura
contemporánea: las
fiestas galantes, las
escenas de cacería.

Tejido de Lyon.
Observa la imagen

Materiales: pasta de papel laqueada

detalles en bronce
 Arte y ciencia

• En un siglo que dio importancia a la ciencia, es

lógico que los instrumentos de medición
cobraran especial importancia, al grado de
volverse por sí mismos objetos presentes en la
vida cotidiana de los hogares acaudalados.

• Artistas y artesanos trabajaron para

transformarlos en objetos decorativos.
Tal cosa ocurrió con barómetros y relojes.
Barómetro. Estilo
Luis XV.

Realizado en bronce
dorado, presenta
suaves irregularidades.
Cuatro figuras lo
adornan: una
representa al tiempo,
otra es un pequeño
cupido y las otras dos
probablemente sean
Venus y Minerva
 Chinoiseries y turqueries

Sopera. Porcelana de Saint- Cloud. París.

• El gusto por los artículos de Oriente se fue
desarrollando gradualmente a lo largo de la
Época Moderna. Los relatos de Marco Polo,
Madeville y otros viajeros atrajeron el interés
hacia Oriente en general y China en particular.
• La afluencia de artículos de China fue en
aumento y de entre todos, la más buscada era la
porcelana.
• En el siglo XVIII se descubrió una técnica que
permitía elaborarla en Europa, pero de todas
formas la importación desde China no sólo no
disminuyó sino que aumentó.
• Cuando la porcelana se producía en Europa de
todas formas se imitaban los diseños chinos.