Mixing Practice - Louis Bell - Magic and Music Production - SOUND & RECORDING

5/27/22, 8:58 PM Mixing Practice: Louis Bell – Magic and Music Production | SOUND & RECORDING
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MIXING PRACTICE: LOUIS BELL – MAGIC AND MUSIC PRODUCTION
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Sound & Recording 12/2019 Digital  NEWSLETTER

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About streets and houses, loops and tornadoes, wormholes and cement Submit
Mixing Practice: Louis Bell – Magic and Advertisement
Music Production
by Paul Tingen; Translation: Konrad Feuerstein , Article from the archive
https://www-soundandrecording-de.translate.goog/stories/mixpraxis-louis-bell-magie-und-musikproduktion/?_x_tr_sl=de&_x_tr_tl=en&_x_tr_hl=en&_x_tr_pto=sc 1/14
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 NEW ISSUE!
»Folgende Analogie stelle ich gerne her: Die Künstler fahren die Straßen
herunter, die ich für sie aufgebaut habe. Mein Ziel ist es, sie dahin zu
führen, wo sie hinwollen. Wenn sie dann angekommen sind, kann man sich
um die Details kümmern. Die Straße muss erst mal nicht die schönste sein,
sondern nur den Künstler von A nach B bringen. Du kannst jederzeit
zurückgehen, um die Schlaglöcher zu füllen oder die Linien nachzuziehen
oder was auch immer erforderlich ist. Aber während du die Straße baust,
muss der Künstler sehen können, wohin er oder sie fährt, d. h. die eigene
Vision sehen können. Künstler, die ihre Musik nicht selbst produzieren,
verlassen sich sehr auf die Vision des Producers. Im Gegensatz zu
jemandem wie Post Malone, der selbst auch produziert, die
Fachterminologie kennt und Dinge sagen kann wie ›Lass uns mal einen
anderen 808-Sound ausprobieren‹. Wenn wir zusammenarbeiten, kommen
wir sehr schnell zu Ergebnissen.«
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 SOUND&RECORDING – PODCAST
These words come from Louis Bell, probably the most successful producer of
these days. He has only had this status for around three years; his
accomplishments during this time include eight tracks on Post Malone's debut
album Stoney (2016), including the hit Congratulations, and all the tracks on
Malone's mega-seller Beerbongs & Bentleys (2019), including the super hits
Rockstar, Psycho and Better Now. In addition to his seminal work with Malone,
Bell's track record also includes hits by Camila Cabello, Selena Gomez, Lorde, Editing - Mixing-Session
Halsey, Cardi B, 5 Seconds of Summer, Khalid, Jess Glynne, Rita Ora and many
vorbereiten - #115
others.
Bell speaks via Skype from Los Angeles' Electric Feel Studio, where he works Andreas Mayer
most of the time, and it's quickly apparent that he has a rather particular way of
handling words. On the subject of songwriting, for example, he says: »Songs are Advertisement
like tornadoes. They come out of nowhere and sometimes deal damage, and
you don't know exactly when they'll appear. Songs take everything that's around
them, whirl it up, and it does something to people. But when you're in the eye of
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don't evenrealizeRECORDING
anything isSTUDIO GUIDE
happening. So youSTUDIO SCENE
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song, and when the dust settles, you look back at what you created and you're
like, 'What did I just do? Was it something special or did I just destroy
something?' '
The multitude of tornadoes that Bell has unleashed on the world in the last three
years is all the more remarkable because he was largely unknown until the end
of 2016, even though he had been in business for almost two decades. A long
time to wait for big success, but this gave him plenty of time to earn his spurs.
Bell was born in 1982, and when the big hit finally came, he was 34 years old
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and, by his own admission, “… overqualified. I had been honing my various
skills for over ten years so I was very prepared and ready to wear a bunch of
different hats. It only takes one song to make you visible. Until then, no one
knows you exist, and suddenly everyone's like, 'Hey, who's this guy? Let's get
him on board!' '
Hats Louis Bell has worn include songwriter, vocal producer, engineer, mixer and
producer, and the song that made him visible was DJ Snake's Let Me Love You
with Justin Bieber vocals. It was released in August 2016 and was a worldwide
hit, number 1 in more than a dozen countries. "The song was a big hit and I was
pretty happy about that," Bell recalls. "I immediately started working with Post
Malone and brought Justin right back into his song Deja Vu."
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Louis working intensively with Post Malone (Image: Copyright 2018. All rights reserved.) Keyboards Content Sound
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To understand how Bell finally managed to make a name for himself and then Music Producing Music
unleash heaps of storms in an amazingly short amount of time, we need a brief NAMM Native Instruments Online Stories
glimpse into his story. Bell grew up in Boston and began taking piano lessons at Recording Samples Drum Recording
age 13. His mother drew, played guitar, and was a computer teacher who filled Software Songwriting Sound Design
the house with PCs. All of these influences came together in their son, who Studio Headphones Studio
started making music with Fruity Loops as a teenager. He remembers:
Microphone Studio Monitors
“I grew up listening to hip-hop, to acts like Eminem, DMX, 2Pac, Biggie and Studio Scene Studio Scene Content
Mobb Deep, because it was music that challenged the status quo - just like rock Synthesizer Tests Recording
did in its early days. I felt like there were no rules in hip-hop, no formulas - these Studio Vst Plugins Zoom Audio
people really weren't afraid of what anyone was thinking, and I loved that
attitude. I love the lyrics and the grooves, so hip-hop was always in my blood
before I ever made pop. When this development began with 50 Cent and Drake,  SERVICE
that you also had to be able to sing in rap, it raised the expectations of rappers
in a really big way. It was fascinating to me because while I'd always loved hip-  About
hop, it gave me the opportunity to infuse it with my pop instincts as well. I also  media data
have rock instincts, by the way.  Contact
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In short, an eclectic taste in music and a dislike of formula are two crucial
aspects of Bell's background. About a third he reports: »Learning to play the  imprint
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piano was of enormous importance. By the time I was 13, it gave me muscle
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to intuitively  RECORDING
understand chords andSTUDIO
scales. GUIDE STUDIO SCENE
If I hear something in my WORKSHOPSAll and
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head, I can just sit down and play it, plus I know all the different chord  General Terms and Conditions Print
progressions that are possible. I took piano lessons for a couple of years and  privacy
got to a point with that, but it wasn't until I started producing six or seven years  Cookie manager
later that the skills I learned really came into play.
I was 19 when I started producing. I wish I had started when I was 15, but the  Terms of Use
technology didn't exist at the time. Back then you needed a mixer and a  Vacancies
keyboard, but keyboards were a lot more expensive then than they are now. I
eventually started building beats in Fruity Loops and I still do today! My first
keyboard was a Roland Fantom-X6. On that I could play the ideas in my head, in
different sounds, and layer them on top of each other. I have perfect pitch, so
when I hear something in my head, I immediately know the key of it, and that
helps with harmonizing.«
Reduced to the max

Bell continued his musical development in Boston, where he self-taught music
theory, continued to work with Fruity Loops, rapped, and eventually opened his
own studio. He has worked with many hip hop artists including an MC named
Mike Stud who invited him to Los Angeles in 2013. By this point Bell was, as he
put it, "overqualified" and ready for his big moment, so it wasn't long before big
things happened. Bell became friends with musician and producer Andrew
Wyatt, who knew Justin Bieber. Another friend from LA knew DJ Snake, and
both connections led to Bell co-writing Let Me Love You. Shortly after arriving in
LA, Bell also signed manager Austin Rosen, CEO and founder of Electric Feel
Management, which opened many doors for him and brought him together with
Post Malone. Rosen also opened the door - literally - for Bell to Electric Feel
Studios, where he has been working since late 2013.
Something seems to be going on: Louis listens carefully to what Post Malone sings
to him.
Fruity Loops (aka FL Studio) is still at the heart of Bell's setup at Electric Feel.
Because, according to Bell: »It is structured in such a way that you can change
sounds very smoothly without putting excessive strain on the CPU. The program
allows me to have many options pre-selectable, which gives me the freedom to
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justGerman term PODCAST
started English
and  creative.
be super RECORDING STUDIO GUIDE STUDIO SCENE
Because it all fits together right away and WORKSHOPS  SHOP
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sounds great, so I don't have to do the EQs and stuff for now. Everything is
ready for use, almost plug & play. That way I can think about the song, the
melody and the chords, instead of whether the bass is just colliding with
something else. I just don't think about that kind of stuff. I prefer to do that later
in Pro Tools. Creativity is like wet cement, you have to keep it moving. If you wait
too long
Here, too, Bell's way of dealing with language produces an impressive

metaphor. We'll learn more about wet cement, roads, and tornadoes as he
explains more about the gadgets he uses in Electric Feel. “I have an ASUS PC
running both Fruity Loops and Pro Tools, plus the UAD Apollo Twin [audio
interface] with QUAD Core [including DSP expander] and that's about it. There's
an API mixer in this room with Apogee outboard gear and stuff like that, and
other people use stuff like that occasionally, but I don't really. It's more like 'My
laptop and I', plus a Native Instruments S61 Komplete Kontrol keyboard. I have
always used minimal equipment. I've had the Apollo Twin since 2014, and before
that the MBox 3, and from 2003-2006 the Pro Tools 002 rack.
My vocal mic is a Sony C800 which I love. It has a lot of high end but I can
balance that with the EQ if needed. I focus on certain frequencies that can be
problematic at times, and with any artist I work with who uses this mic, I get the
right sound and dynamics from it. Post Malone and Swae Lee used this mic for
Sunflower, Camila Cabello sang Havana with it. While every artist feels like they
have their favorite mic, and they may have good reasons for not doing so, if I'm
not getting the right sound from the Neumann - or whatever they're planning to
use - I always suggest at least trying the Sony. I use Genelec in-wall monitors in
this studio, which are my favorite monitors, but unfortunately no longer
manufactured. For my home setup, which I am currently building, I am still
looking for smaller monitors. I would also like to be able to work from home so
that I can give my creativity more free rein. It's more relaxed then than here,
because you always feel this urgency in the studio, you always have time and
efficiency on your mind.«
Be Authentic
By his own estimation, Bell produced "probably 95% of my songs" in the
Electric Feel space. “I just sit in the studio and play different chords and more for
hours. Then, when there is a flow and you really get lost in it, you may not know
exactly what you are getting at. But you know that what you play has something
more to do with what's inside you than just clicking notes. The latter would also
take longer, and you wouldn't get that natural flam effect when you play chords
and your fingers don't hit all the notes at exactly the same time. There are very
palpable emotions in these very slight delays. If you quantized that or plotted it
out as notes, it would sound like trying to fool people by comparison. It would
then be like reading from a screenplay, no longer authentic. You lose the feeling
like that, and the feeling is where the magic is. Okay, if I play a wrong note or if
I'm out of time I correct that too, but I try to keep as many mistakes and flams
as possible because they represent how you felt while playing.
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Louis and producer Frank Dukes along with Camila
Cabello on grand piano
A lot of my ideas start out a cappella," he adds, "in my living room or bathroom
or whatever. I then sing them into my phone as a voice memo and email them to
me. Then when I'm in the studio, I go through whatever I can remember as good
and add chords to those melodies. And when magic happens, I stick with it.
Otherwise I move on to the next idea. When harmonizing, I like a more subtle
musicality. I don't want to smack people with complexity and it's well
documented that you can get away with just four chords in a song, sometimes
two. Drake's God‹s Plan consists of only two chords, but with some additional
notes, e.g. B. Nones that give the ear something to play with. Michael Jackson's
Remember The Time also has only two chords,
The original melody idea and the first lyric idea are the most important thing and
then you can always complicate things with passing chords and an interesting
bass line or something. I prefer more musical things because they allow me to
do more with the melody. Sometimes you add something else to the pre-chorus
to make the hook sound new again. Stuff like that helps keep things fresh.
Although something like that has become rarer in rap, because rappers now sing
so much in the hooks and only rap in the verses that you no longer need chord
changes to distinguish between the sections. My path is what I call ›predictable
innovation‹. It's a predictable percentage of how much people expect a
particular chord change to be next. Harmonies, overtones and so on can all be
operationalized and factored into what the brain expects to happen next. At the
same time, in this new digital landscape where music is a lot more available
because anyone can make it, we have a responsibility to make it something
better [than the predictable]. You have to challenge yourself even if you are
inspired by this or that artist. Then you find ways to take the souls of your
favorite songs and reincarnate them in new bodies.« to breathe something better
[than the predictable] into her. You have to challenge yourself even if you are
inspired by this or that artist. Then you find ways to take the souls of your
favorite songs and reincarnate them in new bodies.« to breathe something better
[than the predictable] into her. You have to challenge yourself even if you are
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inspired term PODCAST
by this orEnglish  Then
that artist. RECORDING STUDIO GUIDE STUDIO SCENE
you find ways to take the souls of your WORKSHOPS  SHOP
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favorite songs and reincarnate them in new bodies.«
Sounds, Samples & »Loops«

Terms like 'predictable innovation' and 'reincarnation of the souls of songs' are
further examples of Bell's inimitable use of language. He explains his creative
process, starting with the main sound sources he uses in FL Studio. »I love
Native Instruments Kontakt because it includes so many sample libraries. There I
keep coming across quirky libraries with maybe only two sounds that interest
me, like a weird flute or a harpsichord or unusual horns or a choir. I love using
classic 80s synth sounds and pads and I also find ways to emulate devices like
the Prophet, Oberheim, Clavinet or Linn Drum in NI Kontakt. I then save these
sounds and tweak them to make them meatier and fatter, or maybe, to upset
them. NI Kontakt gives me all these sounds.
For synth sounds I use Spetrasonic's Omnisphere 2.5 because it has so many
sounds and also because of its 80's synths. I love the ability Omnisphere gives
you to really design sounds and tweak a lot of granular aspects. They somehow
managed to implement the synthesis forms from the original synths; I guess they
replicated the algorithms from the original keyboards. The great thing is that you
now have full control over everything. When creating, it's important to keep the
flow going, so it's good to have a one-stop synth. So you don't have to load
tons of stuff, but have everything in one place, which also pulls far less on the
CPU. I often find one-shots in sample libraries, which I then manipulate with
plug-ins, to spice it up with some sauce and make it sound different than
anything I've heard. I like to layer something like that over more traditional
sounds to get some contrast.
So Kontakt and Omnisphere 2.5 are my top addresses for organic sounds and
synths,” summarizes Bell, and this organized way of working carries over to
adjacent areas as well. “I'm super-compulsive about organizing into fruity loops.
I sort my sounds by the song they remind me of or by year. Just like I have drum
sounds divided into folders of 2017, 2018 and so on, I combine all my 808
sounds into one folder. I have folders with thousands of wav files sorted by
piano, strings, harpsichord, brass, choir − with further sub-folders within each
folder. I name and classify them so that I can find them immediately.
So after my sounds are super organized I start with sounds and chords and
sometimes a melody inspires a loop, sometimes a loop inspires a melody. I work
on maybe 20 loops a day and do 20 more the next day. And a few days later I
come back to them and listen to them all. Then I have a new perspective on
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loops term
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and know  ones
which RECORDING STUDIO GUIDE
I like immediately and whichSTUDIO SCENE
ones still need WORKSHOPS  SHOP
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work. i work fast If you work too long on a song and it doesn't really inspire you,
you'll hurt it more than you'll make it better. That can hurt the creative ego a bit.
So if I don't immediately get what I'm getting at a loop, I move on to the next. I
organize my loops well and file them by date.«
When asked what exactly he means by "loops," Bell explains that he calls it
short musical fragments that he programs and then loops. “I don't like using
loops from sample packs, because otherwise I'd always wonder how many
people are going to use the same loop. I always want to feel like I'm the only one
creating exactly what I'm creating. That's why I like to program everything
myself. What I actually want to say: I like to have all my sounds at hand so that I
can simply play them: invent drum patterns, chords and arrangements,
experiment and find out, make the loop more and more complicated. In Fruity
Loops, I like to build the most complicated loop you can think of first so I know
all the sounds I'm using will fit together, and then I can start
I build the beats in Fruity Loops, but then export to Pro Tools once the beat is in
place. I won't do anything in Fruity Loops from then on. In Fruity Loops I don't
use a sequencer, I play or program everything in four or eight bar loops. Then in
Pro Tools I start adding EQs and stuff, sequencing things, building the song
structure. This also means that Pro Tools sessions exist for most of a production
process. I have a nice template in Pro Tools that allows me to call up specific
VSTs and plug-ins, and where everything is color coded and organized.”
Watch&Learn
So toll die Instrumental-Loops und Songideen auch sind, die Bell
zusammenbaut, sie brauchen offensichtlich eine Gesangsmelodie, Text und
einen Sänger, um sich in Tornados zu verwandeln. »Wenn ich mir eine Idee eine
Woche oder einen Monat später wieder anhöre und sie für besonders befinde,
lasse ich sie trotzdem erstmal im Regal liegen, solange ich nicht den richtigen
Song oder Künstler dafür finde. Ich benutze sie nur, wenn der richtige Künstler
oder Song vorbeikommt. Ich hatte Ideen, die drei Jahre lang herumlagen, bevor
sie in einen Hit verwandelt wurden. Ich möchte meine Idee nicht an den falschen
Künstler vergeben. Mir geht es nicht darum, Songs zu machen, sondern darum,
die richtigen Songs zu machen. Ich möchte sichergehen, dass alles, in das ich
meine Energie investiere und worunter ich meinen Namen setze, etwas ist, das
ich in diesem Moment liebe.
Ich kann mich bei jedem Song, den ich jemals gemacht habe, genau erinnern,
wo ich war, wie ich mich gefühlt habe und wer dabei war. Ich denke, das sagt
viel aus. Ein Song wird auf die Art wie ein Wurmloch in der Zeit, das es mir
ermöglicht, immer wieder zu diesem Moment zurückzugehen. Wenn du es
richtig machst, hast du für dich selbst ein persönliches kleines Synapsen-
Netzwerk erschaffen, das es dir ermöglicht, Dinge zu wiederholen, nostalgische
Gefühle auszuleben und ein bestimmtes Gefühl nochmal anzuzapfen. Das macht
dich zu einem größeren Schöpfer, und es hilft auch, um den Künstler für etwas
zu begeistern. Ein Künstler mag ein wenig unentschlossen hereinkommen oder
sich noch nicht bereit fühlen, aber wenn man ihm etwas vorspielen oder
erzählen kann, was in seinem Kopf etwas auslöst, und er dann plötzlich anfängt,
etwas zu singen oder zu spielen, muss man das kanalisieren. Viele Künstler sind
sehr empathisch. Sie können deinen Gefühlen gegenüber sehr einfühlsam sein,
sie können eine Energie spüren. Wenn du also Beats hast und Emotionen, die du
anzapfen kannst, kannst du den Künstler anschubsen. Es geht nicht darum,
dass ich ihnen sage, was sie tun sollen.«
Anscheinend sieht Bell seine Aufgabe darin, eine Art Magier zu sein, der mit den
Grundzutaten Loops, Beats, Arrangements, Energie, Emotion und Inspiration
einen Tornado aus der Luft heraufbeschwört und so ein »Wurmloch in der Zeit«
oder ein Haus baut. »Früher habe ich meine Sachen einfach an die Leute
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a searchaber
German
geschickt, English
inzwischen ist ein Lied
RECORDING STUDIO GUIDE STUDIO SCENE
zu bauen für mich eher wie ein Haus zu WORKSHOPS  SHOP
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bauen. Du musst jemanden finden, der in diesem Haus wohnen will. Ich mag es,
wenn all die verschiedenen Materialien herumliegen − Ziegel, Holz, Stroh, Möbel,
Marmor, was auch immer es sein mag −, und wenn ein Künstler kommt, frage
ich: ›Was für ein Haus möchtest du?‹ Wenn ich dagegen allein ein Haus baue,
verbringe ich viel Zeit damit, Dinge zu machen, die vielleicht überhaupt nicht
nützlich sind. Manchmal weiß ein Künstler sofort: ›Ich mag diese Akkorde nicht.‹
In dem Moment sind alle Drums, die ich schon daruntergelegt habe, wertlos.
Deshalb arbeite ich heute lieber mit Künstlern im selben Raum. Ich fange damit
an, ihnen Loops vorzuspielen und beachte dabei ihre Körpersprache.
Ich möchte mitbekommen, wie begeistert sie sind oder eben nicht. Ich warte auf
ein Gesicht, das sagt: ›Oh mein Gott, das ist wirklich genau mein Ding.‹ Ich kann
erkennen, ob ein Künstler nur versucht, höflich zu sein, oder ob er wirklich an
das glaubt, was wir tun. Manche Künstler fühlen sich vielleicht unter Druck
gesetzt, meine Ideen zu mögen, aber ich möchte niemanden zu irgendetwas
nötigen. Und wenn ich sie mit mir im Raum habe, kann ich besser erkennen,
was die Person wirklich mag und was nicht. Ich kann in Echtzeit Dinge ändern
oder hinzufügen, während sie dabei sind, basierend auf den Reaktionen, die sie
mir geben. Es ist wie an einem Pokertisch zu sitzen − ich muss jemanden lesen.
Ich muss wissen, was sie auf der Hand haben. Ich muss ihre Körpersprache
sehen, den Ton ihrer Stimme hören und darauf achten, wie sie sich ausdrücken.
Beats spontan mit dem Künstler im Raum zu bauen, kann auf

verschiedene Weise ablaufen. Normalerweise habe ich aber ein Sound-Template
in Fruity Loops vorbereitet, das speziell auf den Künstler oder eine Songidee
zugeschnitten ist. Das bedeutet auch, dass ich von den Sounds, die ich fertig
zur Nutzung gesammelt habe, weiß, dass sie zueinander passen. Ich habe
beispielsweise neun Snares und zehn Claps spielbereit, kann sie schnell mal
eben durchspielen, und eine davon klingt normalerweise passend. Und wenn du
jemanden mit dir im Raum hast, wird auch seine Energie in das, was ihr tut,
eingeschrieben. Wenn ein Künstler dabei ist, wird er das Gefühl haben, dass es
auch sein Beat ist. Künstler wie Whitney Houston und Elvis Presley sangen
Songs, die andere für sie geschrieben hatten, und sie waren so bemerkenswerte
Performer, dass sie diese Songs zu ihren eigenen machten. Aber heutzutage
wollen Künstler wirklich mit den Songs verbunden sein, die sie singen, und das
bedeutet, dass es viel besser ist, sie beim Komponieren im Raum zu haben.«
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German English
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In Tune
Erst wenn der Tornado, das Wurmloch, das Haus, die Straße oder wie
auch immer Bell die Songs nennt, die er mitgestaltet, mehr oder weniger fertig
ist und alle Gesangsaufnahmen abgeschlossen sind, arbeitet er wieder alleine.
»Ich verbringe dann viel Zeit damit, mir jede einzelne Gesangsaufnahme
anzuhören und sie zu compen, zu editieren und zu stimmen. Vielleicht ist das
wieder meine zwanghafte Seite, aber ich hätte das Gefühl, etwas zu verpassen,
wenn ich nicht alles höre. Leider kannst du keine Leute anheuern, die genau
deinen Geschmack haben, also muss ich das alles selbst machen. Ich schicke
dann das, was ich gemacht habe, dem Künstler zum Abnicken, und meistens ist
er damit ziemlich glücklich.
Meine Standard-Plug-ins für die Vocals sind das UAD 1176, das die
Dinge anwärmt und schön rund und laut macht, und das Waves CLA Vocals für
EQ, das eine Art One-Stop-Shop ist, mit dem man viele Dinge einfach erledigen
kann. Der 1176 ist meine erste Wahl als Kompressor. Sobald man Ratio und
alles andere richtig eingestellt hast, hilft es, den Sound zu arretieren. Dem
CLA sagt man einfach: ›Ich will mehr Biss‹, und es lässt dich sofort machen,
ohne viel wissen zu müssen. Mein Lieblings-Reverb ist im Allgemeinen das
RVerb, das so einen klassischen Sound bietet. Und ich liebe den UAD SPL
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German
Vitalizer MK2, PODCAST
 RECORDING
Englishdas High-End
er bringt in den STUDIO GUIDE
Harmonien STUDIO SCENE
zum Vorschein und WORKSHOPS  SHOP
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erweitert die Dinge sehr angenehm, das ist einfach magisch.
Die Vocals tune ich in Melodyne, und erst danach gebe ich Antares AutoTune
hinzu, aber nur ganz leicht, um die Dinge tight zu halten; nur, damit alles sicher
zusammensitzt. Aber auch nach Benutzung von Melodyne kann mal eine Note
dabei sein, die sich etwas verirrt. Ich weiß, dass viele Leute denken, dass Post
Malones Vocals stark mit AutoTune bearbeitet sind, aber es ist Melodyne, und
erst dann lege ich AutoTune noch auf bestimmte Zeilen, eher als Effekt, wie
einen Flanger oder ein Slap Delay. Nicht, weil er den Part nicht tonsicher singen
könnte, sondern weil es cooler klingt. Die Leute denken auch, dass das Zittern in
seiner Stimme, zum Beispiel in Rockstar, AutoTune sei, aber so singt er.
Post Malone hat beim Freestylen gern AutoTune eingeschaltet, weil es ihm hilft,
zu hören, wie die Melodie sein sollte. Aber danach braucht er AutoTune nicht
mehr. Ich möchte, dass seine Stimme tight und futuristisch klingt und diese
Weite behält, und vor allem möchte ich, dass seine Seele durchscheint. Ich will
die Aufrichtigkeit und die Deepness seines einzigartigen Tons. Seine Stimme ist
so einzigartig, dass ich sie nicht zu sehr einkleiden will. Alles, was ich tue, ist,
den richtigen Reverb hinzuzufügen, weil er viel Reverb mag. Sein Gesang fühlt
sich dadurch hymnisch und stadionmäßig an, daher möchte er den Hall eher
wet. Songideen gefallen ihm besser, wenn seine Vocals wet sind,
aber manchmal ›trockne‹ ich sie etwas, bevor ich sie für den endgültigen Mix an
Manny [Marroquin] schicke − je nachdem, was musikalisch gerade passiert.
Boom The Bass

»Ich benutze gern UAD Brainworx bx_subharmonics für das Low-End,
insbesondere für die 808 und für Kickdrums. Es lässt die Kick so klingen, als
läge noch ein Bass darunter. Das Waves LoAir Plug-in macht das Gleiche. Ich
benutze auch gerne den UAD Raw, um Verzerrungen dazuzugeben, und
schneide dann etwas High-End ab, wenn es zu lärmig wird. Keinen Basslauf zu
haben, kann bedeuten, dass Frequenzen um 100 Hz fehlen, und dafür ist [der
Bass-Enhancer] Waves RBass wirklich gut. Er ermöglicht, eine
bestimmte Frequenz zu sättigen. Man kann eine bestimmte Frequenz über dem
Subbass einstellen und diese nach vorn holen. Aber man muss sehr vorsichtig
damit sein, wie man es automatisiert und wann es eingreift.
Wenn ich eine 808 in einem Song habe, versuche ich, dafür zu sorgen, dass du
den Song nur aufgrund des 808-Parts erkennen würdest, wenn du gerade in
einem anderen Raum wärst. Für Bassläufe im Allgemeinen versuche ich, einen
Sound zu bekommen, mit dem ich herumspielen kann, als wäre es ein Live-
Bass. Ich mag es, das Feeling eines Live-Bassisten nachzuahmen, nur dass ich
ihm viel mehr Low-End gebe, als ein Live-Bassist je bekommen wird. Ich neige
dazu, beim Bass einen Teil des Attacks wegzunehmen, es sei denn, ich strebe
genau dieses Gefühl an. Ich emuliere oft diesen 80er-Giorgio-Moroder-Bass-
Sound. Den kombiniere ich gern mit einer hart aufschlagenden 808 − eine
Balance, die ich interessant finde und vorher so noch nirgendwo gehört habe.
Post Malones and Swae Lees Track Sunflower z. B. beginnt mit einem 80er-
Synth-Bass, den ich durch einen Haufen Sachen habe laufen lassen, um ihm
schwurbelnd und etwas verstimmt klingen zu lassen. Dieser Bass geht
definitiv auf 80er-Synth-Bässe zurück und hat dann eine 808 darunter. Diese
Balance wollte ich, damit es einen Hip-Hop-Vibe hat. Der Tracks sollte keine
80er-Reminiszenz sein, sondern modern klingen. Ich versuche, nicht zu viel
darüber nachzudenken, woran mich ein Stück erinnert, weil ich fürchte, dass
mich das zu sehr abschweifen ließe.
Musik ist manchmal wie ein wiederkehrender Traum. Es gibt bestimmte Klänge,
die dich etwas bestimmtes empfinden lassen. Vielleicht spielst du sie einfach
weiter, oder vielleicht versuchst du, einen Weg zu finden, etwas Neues zu tun.
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Versuchst duterm PODCAST
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absichtlich, GUIDE
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entscheidest dich immer wieder für die gleichen Klänge, mit denen das
vorhersehbar funktioniert, oder versuchst du, zum nächsten zu wechseln?«
Eine gute Frage, die sich auf das bezieht, was Bell über »vorhersehbare
Innovation« gesagt hat. Aber was auch immer Bell aus der Luft oder aus Zement
beschwört oder indem er die Seelen von Liedern reinkarniert, ob
Tornados, Häuser, Wurmlöcher, wiederkehrende Träume oder Straßen − er
bewegt sich kontinuierlich auf das nächste Ding zu. Freuen wir uns also darauf,
noch viel mehr von ihm zu hören.
PC vs. MAC
Der Mac bleibt der dominierende Computer zur Musikproduktion, aber PCs
werden immer häufiger eingesetzt, und Bell ist vor langer Zeit konvertiert. »Ich
bin seit 2006 PC-User«, sagt er. »Ich habe vorher einen Mac benutzt. Aber mit
einem PC habe ich angefangen, noch früher. Als ich jung war, interessierte
meine Mutter sich sehr für Computer, sie war Computerlehrerin und benutzte
immer PCs, sie waren im ganzen Haus. Ich bin also mit PCs aufgewachsen. Als
Macs herauskamen, wurden sie in der Schule benutzt, und so bin ich auch dort
ein wenig hereingewachsen − der Mac galt damals als der kreative Computer,
während der PC vor allem gut für Tabellenkalkulationen schien, und man konnte
darauf Solitaire spielen. Man hatte das Gefühl, der PC wäre eher eine ernste
Sache, während der Mac sagte ›Let’s have fun! Ich bin der Kreativ-Computer!‹
Aber eines Tages dachte ich zufällig: ›Ich habe noch nie jemanden gesehen, der
Pro Tools auf einem PC benutzt − ich frage mich, warum. Muss ich mal
ausprobieren!‹ Das tat ich und dachte: ›oh mein Gott, Pro Tools läuft reibungslos
auf einem PC!‹ Es schien mir sogar smoother [als auf dem Mac], und das
Interface des PCs ziehe ich auch vor, weil es dort einfacher und schneller geht,
meine Fenster und Dateien zu organisieren. Es gibt irgendetwas an der
Funktionsweise des PCs, das für mich viel besser funktioniert. natürlich lief auch
Fruity Loops ausschließlich auf dem PC, bis letztes Jahr Fruity Loops 20 für Mac
herauskam. Bis dahin gab es keine FL-Version, die auf dem Mac gut lief.
Was aber den PC betrifft: Auch die Verwendung von Plug-in-Wrappern und die
RTAS-Sache [Real Time Audio Suite] ließen mich mit Plug-ins in Pro Tools Dinge
tun und Sounds bekommen, die ich auf dem Mac nicht hätte bekommen
können. So bekam ich ein wenig meinen eigenen kleinen Blickwinkel und Sound.
Ich kenne sonst niemanden in L.A., der bis heute Pro Tools auf einem PC
verwendet. Das zu tun, gibt mir so ein Gefühl von Einzigartigkeit. und manchmal
führt die Verwendung eines ungewöhnlichen Werkzeugs auch zu anderen
kreativen Ergebnissen.«
Schlagwörter: Musik mixen, Musik produzieren, Online Storys
Sound & Recording 07-08/2019 Digital

STUDIOSZENE: Bauer Studios, Ludwigsburg +++
MIXPRAXIS: Manon Grandjean / Santan Dave +++ TONI
LOITSCH – Studiobau und Verkabelung des Nautilus
Studios +++ EVENTIDE H9000 – Next Generation
Harmonizer +++ HITS NACHGEBAUT: Henning Wehland
de/constructed
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