fILMMUSEUm

mÜNCHEN

Robert Bramkamp
Samuel Fuller
12 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 | 2004 2005

Mythos Bayern
Neue Filme aus Italien
Shanghai Modern
Unsichtbares Kino
Carl Theodor Dreyer
Klaus Wyborny
Working Girls
Zuschauerkino
Die Tschechows
Luchino Visconti
Neue Restaurierungen
Eintrittspreise
4 € (3 € für MFZ-Mitglieder). Bei Sonderveranstaltun-
gen (z. B. Live-Musik, Überlänge, Gäste, 3D) wird ein
Preisaufschlag von 2 € erhoben.
Die Kasse öffnet jeweils spätestens 30 Minuten vor Be-
ginn der Vorstellung. Bei allen öffentlichen Veranstal-
tungen bleibt ein Kartenkontingent für den freien Ver-
kauf an der Abendkasse reserviert. Restkarten von
nicht abgeholten Reservierungen werden spätestens
ab 10 Minuten vor Vorstellungsbeginn in den freien
Verkauf gegeben.
Kartenreservierung
Kartenreservierungen sind ab 4 Wochen im voraus
möglich und können unter der Telefonnummer 089/
233 24150 auf Band gesprochen werden. Persönliche
Beratung am Telefon steht Ihnen dienstags bis sonn-
tags von 19.00 – 20.00 Uhr zur Verfügung. Vorbe-
stellte Karten müssen bis 15 Minuten vor Vorstellungs-
beginn an der Kasse abgeholt worden sein, ansonsten
verfällt die Reservierung.
Kartenvorverkauf
Kartenvorverkauf ist ab vier Wochen im voraus möglich.
Bitte haben Sie Verständnis dafür, dass unmittelbar vor
Vorstellungsbeginn bei starkem Besucherandrang kein
Kartenvorverkauf möglich ist. Vorverkaufte Karten be-
halten ihre Gültigkeit nur bis Vorstellungsbeginn. An der
Abendkasse können vorverkaufte Karten bis 15 Mi-
nuten vor Vorstellungsbeginn gegen Kostenerstattung
wieder zurückgenommen werden.
Saalmikrofon
Das Kino ist mit einem Saalmikrofon zur Kontrolle des
Kinotons durch den Filmvorführer ausgestattet.
Mitgliedschaft
Wer sich für die Arbeit des Filmmuseums interessiert
und regelmäßig zu Filmmuseumsvorstellungen kommt,
kann Mitglied im Verein der Freunde des Filmmuseums
München, dem Münchner Filmzentrum e.V. (MFZ) wer-
den. Der Jahresbeitrag beträgt 20 € und berechtigt
zum ermäßigten Eintritt ins Filmmuseum sowie zur Teil-
nahme an den Mitgliederversammlungen des MFZ, in
denen die Programmplanungen des Filmmuseums dis-
kutiert und Projekte entwickelt werden. Mitgliedsan-
träge sind an der Kinokasse erhältlich. Die Termine der
nächsten Mitgliederversammlungen des MFZ können
Sie der Kalenderübersicht entnehmen. Weitere Infor-
mationen finden Sie unter www.artechock.de/film/mfz/.
Programmabonnement
Das Kinoprogramm und aktuelle Newsletter können Sie
im Internet unter www.filmmuseum-muenchen.de
kostenlos abonnieren. Das Programmheft wird an Mit-
glieder des MFZ auf Wunsch kostenlos versandt. An-
sonsten bitten wir um die Zusendung eines mit 1,44 €
frankierten und adressierten DIN A5-Briefumschlages
an die Adresse des Filmmuseums.
Rollstuhlfahrer / Hörgeschädigte
Der Kinosaal im Untergeschoss ist über einen Aufzug
für Rollstuhlfahrer zugänglich. Die Behindertentoilette
befindet sich im Untergeschoss neben dem Kinoein-
gang. Das Kino ist mit einer Induktionsschleife für Hör-
gerätebesitzer ausgestattet.
Verkehrsverbindung
Sie erreichen das Filmmuseum in 3 Gehminuten vom
U/S-Bahnhof Marienplatz oder in 5 Gehminuten vom
U-Bahnhof und der Tramhaltestelle Sendlinger Tor.

»Open Scene« am Donnerstag

Die Termine am Donnerstag sind teilweise für aktuelle Sonderveranstaltungen reserviert. Das Programm wird
spätestens 8 Tage vorher festgelegt und in den Schaukästen an der Kinokasse, im E-Mail-Newsletter und durch
Ankündigungen in der Tagespresse bekanntgegeben. Sie können auch gerne an Veranstaltungstagen zwischen
19.00 Uhr und 20.00 Uhr das aktuelle Programm am Telefon (089/233 24150) erfragen.

Ausstellungen im Kino-Foyer
In den Schaukästen im Kino-Foyer werden kleinere Foto-Ausstellungen zu sehen sein, die die Filmreihen und Kino-
Veranstaltungen des Filmmuseums begleiten.

Impressum
Herausgeber: Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum, St.-Jakobs-Platz 1, 80331 München, Tel. 089/233 24150,
filmmuseum@muenchen.de · Redaktion: Stefan Drößler, Claudia Engelhardt, Petra Maier-Schoen, Klaus Volkmer ·
Gestaltung: Heiner Gassen, München · Druck: J. Gotteswinter, München
Stan Laurel & Oliver Hardy, DVDs,
unsichtbares Kino, Orson Welles & das Jahr 2005
3 Robert Bramkamp . . . . . .
Ein ungewöhnliches Medienecho hat ein Fund des Filmmuseums München
im Moskauer Filmarchiv ausgelöst: Über die deutsche Version eines Filmes 7 Samuel Fuller . . . . . .
mit Stan Laurel und Oliver Hardy, in der die beiden selber deutsch sprechen,
wurde nicht nur in allen relevanten Kultur-Magazinen des deutschen Fernse- 9 Mythos Bayern . . . . . .
hens berichtet, sondern weltweit in Fernsehsendern, Radiostationen, Zeitun-
gen und auf Websites. Im neuseeländischen und amerikanischen Rundfunk 16 Neue Filme aus Italien . . . . . .
gab es Live-Interviews in den Nachrichtensendungen, BBC Worldwide stellte 19 Shanghai Modern . . . . . .
die Topmeldung auf ihre Website, und selbst in den lateinamerikanischen
Tageszeitungen wurde man über den Fund von SPUK UM MITTERNACHT 26 Unsichtbares Kino . . . . . .
informiert. Der Andrang bei den Vorführungen im Filmmmuseum war ent-
sprechend groß, so daß wir die restaurierte Fassung von SPUK UM MITTER- 29 Carl Theodor Dreyer . . . . . .
NACHT am 27. Januar 2005 in der Open Scene auf vielfachen Wunsch noch
einmal wiederholen, zusammen mit dem Film CASANOVA WIDER WILLEN, 37 Klaus Wyborny . . . . . .
ebenfalls aus dem Jahr 1931, in dem Buster Keaton deutsch spricht.
38 Working Girls . . . . . .
Zwei Rekonstruktionen des Filmmuseums erscheinen im Dezember in den
USA auf DVD: Richard Oswalds ANDERS ALS DIE ANDERN und Wilhelm 40 Zuschauerkino . . . . . .
Dieterles GESCHLECHT IN FESSELN unter den Titeln DIFFERENT FROM THE
OTHERS und SEX IN CHAINS bei Kino on Video. Beide Filme sind mit einer 41 Die Tschechows . . . . . .
Musikbegleitung von Joachim Bärenz versehen worden, die am Flügel des
45 Luchino Visconti . . . . . .
Filmmuseums aufgenommen wurden. Leider ist noch nicht abzusehen, daß
auch ein deutscher DVD-Anbieter die beiden Filme herausbringen wird. 53 Neue Restaurierungen . . . . . .
Doch auch hierzulande stehen DVD-Veröffentlichungen aus den Beständen
des Filmmuseums bald an: Vorbereitet wird eine Edition mit den Filmen von 54 Kalenderübersicht . . . . . .
Herbert Achternbusch. Auch wenn DVDs nie einen Kinobesuch ersetzen kön-
nen, machen sie dennoch Werke verfügbar, die im Kino kaum noch zu sehen
sind.
Leider spielt in der Verwertung von Filmen das Kino eine immer geringere
Rolle angesichts der immensen Erlöse aus Fernseh- und DVD-Lizenzen:
Viele Filme kommen gar nicht mehr oder nur kurzzeitig zu Kinoeinsätzen,
bevor sie in den anderen Medien verheizt werden. »Unsichtbares Kino« heißt
eine Reihe, die wir zusammen mit der Süddeutschen Zeitung durchführen,
die die Präsentation des Jahresrückblicks »Magic Moments« bei uns ablöst:
Vorgestellt werden Filme, die in München gar nicht oder eben nur ein paar
Tage zu sehen waren. Das Filmmuseum, das inzwischen das einzige Kino in
München ist, in dem noch vollständige Retrospektiven und Filmreihen an-
geboten werden, wird sich auch in Zukunft immer stärker um aktuelle Filme
kümmern müssen, die im Angebot der anderen Kinos untergehen.
2005 wird ein »Orson-Welles-Jahr« werden: Im Mai hätte Welles seinen
90. Geburtstag gefeiert, im Oktober jährt sich sein 20. Todestag. Natürlich R = Regie · B = Drehbuch · K = Ka-
wird das Filmmuseum als Verwalter des filmischen Nachlasses von Welles mera · M = Musik · D = Darsteller ·
OmU = Originalfassung mit deut-
darauf mit einer großen Retrospektive im Herbstprogramm reagieren und
schen Untertiteln · OmeU = Original-
eine Orson-Welles-Konferenz beim Filmfestival in Locarno abhalten. Aber fassung mit englischen Untertiteln ·
jetzt wünschen wir allen Besuchern, Freunden und Unterstützern zunächst OmfU = Originalfassung mit franzö-
einmal schöne Feiertage und einen guten Rutsch ins neue Jahr! sischen Untertiteln · OmÜ = Origi-
nalfassung mit deutscher Überset-
Ihr Filmmuseum zung · dtF = deutsche Synchronfas-
sung · B/s = Bilder pro Sekunde
 Rückblick

15. Juli 2004: Claudia Engelhardt im Publikumsgespräch mit 20. September 2004: Kulturreferentin Prof. Dr. Dr. Lydia Hartl und
Carola Höhn nach einer Vorführung ihres Films APRIL, APRIL! von die STARTER-Filmpreis-Träger Sikander Goldau, Benjamin Heisen-
Detlef Sierck im Filmmuseum berg, Jens Schanze und Judith Malek-Mahdavi

7. Oktober 2004: Pressekonferenz im Filmmuseum zu den 22. Oktober 2004: Stefan Drößler und Robert Gitt vom UCLA Film
»Jugendkinotagen« mit Elisabeth Wicki-Endriss, Karl Freller, Dana and Television Archive, der im Filmmuseum die Outtakes von
Vavrova, Prof. Dr. Dr. Lydia Hartl und Martin Gebrande Charles Laughtons THE NIGHT OF THE HUNTER vorstellt

28. Oktober 2004: Chantal Akerman und Lynne Cooke, Kuratorin 5. November 2004: Jonas Mekas präsentiert im Filmmuseum sei-
am Dia Center for the Arts in New York, die das »Sputnikprojekt« nen Film NOTES ON UTOPIA sowie die Filme von Joseph Cornell
des Kunstvereins München betreut aus der Sammlung des Anthology Film Archive in New York
Werkschau Robert Bramkamp
Robert Bramkamp (geb. 1961) dreht seit 20 Jahren in-
novative Spielfilme, in denen das Verhältnis von Fakt
und Fiktion immer wieder andere, faszinierende Verbin-
dungen eingeht. Bramkamp nennt seine Filme »Proto-
typen«, es sind weder Essays noch verfilmte Dramen;
stattdessen geht es »um ein Denken in Bildern und
Worten, das über den psychologischen Realismus hin-
ausgeht«, um ein Erzählen, das Georg Seeßlen in sei-
ner hier auszugsweise wiedergegebenen Besprechung
von DIE EROBERUNG DER MITTE beschreibt.
Was einen als Zuschauer in Bann schlägt, ist nicht die
Sympathie oder Antipathie zu diesem oder jenem
Schauspieler oder dieser oder jener Schauspielerin, die
für die Dauer der Einstellung vergessen ließe, daß es
einen Unterschied gibt, zwischen Darstellung und
Rolle, Gegenwart und Repräsentanz des Schauspielers,
sondern der Beginn eines unendlichen Kreisens der
Diskurse, eines positiven Kreisens nach Außen, das
weder auf ein imaginäres Zentrum der Probleme noch
gar auf den Mythos einer Lösung zusteuert, sondern
vor allem in einer wundersamen, kosmischen und ko-
mischen Weiterung des Blicks besteht. Sanft, aber mit
listigem Nachdruck verführt uns Bramkamp zu einem
Robert Bramkamp
3
anderen Sehen auf das Geflecht von Liebe und Macht.
Die Liebe (das Leben), die Krankheit (der Tod), die Me-
dizin (die Macht) und die Versicherung (die Metaphysik)
sind voneinander nicht nur kausal abhängig, sondern
verhalten sich auch wie ihre gegenseitigen Erfindun-
gen. Und so betreibt die Bewegung des Films nicht nur
die Auflösung der obsoleten Rationalisierungen (ohne
sich dem barbarischen Diskurs der neuen Ganzheit zu
öffnen, der wie mir scheint, eine Mehrzahl der deut-
schen Filmemacher und Filmemacherinnen mitsamt
ihrer Klientel verfallen ist), sondern beginnt, in das Ge-
flecht dieser Erfindungen einzutauchen, wobei es
immer deutlicher wird, daß es eine fundamentale
Wahrheit nicht gibt, nicht einmal die des Körpers. Hin-
ter dem Text wird nicht die Wirklichkeit, sondern immer
nur ein anderer Text sichtbar, und umgekehrt kann sich
kein Text darauf hinausreden, ja nur Text und damit
»unwirklich« zu sein. Bramkamps Figuren sind deshalb
zwar nicht Subjekte als »Herren ihres Textes«, keine
medialen Wiederholungen bürgerlicher Personen, aber
es sind auch nicht rhetorische Hülsen, wir können
ihnen immer wieder auch auf ganz direkte, naive Weise
nahe sein, auch während sie weit davon entfernt sind,
direkt und naiv sie selbst zu sein.
 Bei alledem ist der Film nicht nur gelegentlich umwer-
Robert Bramkamp
fend komisch, wenn auch auf eine eher philosophisch-
zerebrale Art, sondern auch auf eine ganz einfache Art
schön, in den Bildern und ihren Bewegungen – nur ist
eben auch diese Schönheit nicht auf die gewohnte Art
über-identifiziert: so ist auch die Schönheit nicht iden-
tisch mit ihrem Empfinden. Aber das, was nicht iden-
tisch ist, ist deshalb noch lange nicht unabhängig von-
4 einander.
Dies ist, wenn man so will, ein »postmoderner« Film,
weil er seinen Reichtum nicht aus einer Geste der Ne-
gation gewinnt (es gibt ja das Romantische, das Komi-
sche, das Symbiotische, das Kritische und das
Sehnsüchtige noch, und der Film registriert es mit iro-
nischer Zärtlichkeit), sondern aus der Überschreitung
und Überlagerung, eben jener spiralförmigen Bewe-
gung, die das, was man hinter sich gelassen hat, nicht
unsichtbar werden läßt, so wie sich das Metaphysische
ohne Zwang erkennnen läßt. Jeder Bramkamp-Film ist
ein kleines Werk der Befreiung, und weil das stets mit
Glück verbunden ist, auch mit ein wenig Arbeit der
Phantasie, können diese Filme auch ein bißchen süch-
tig machen.
Auch mit noch so angestrengtem Sehen kann ich in
diesem Film weder die Herrschaft der Zentralperspek-
tive, noch die Konstruktion der Person durch die Erzäh-
lung, ja vielleicht nicht einmal das, was man herkömm-
lich als »Sinn« mißversteht, wiederherstellen. Die dra-
matischen Konflikte der Hauptpersonen entpuppen
sich auf der jeweils nächsten Ebene immer wieder als
Komplizenschaft, und statt der melodramatischen
Klärung der Fronten betreibt der Film die vollständige
Vernetzung von Wahrnehmung und Interesse. Nie
»setzt sich jemand durch«, nie »sagt jemand mal end-
lich die Wahrheit«, aus dem Zusammenbruch einer In-
trige ersteht sogleich die nächste. Aber zugleich kann
ich mich nirgendwo auf Kälte und Distanz einstellen.
Denn wir sind so sehr in das Spiel involviert, daß wir,
um es mit Umberto Eco zu sagen, selber am Text des
»offenen Kunstwerks« arbeiten. Bramkamps Film
»denkt« über Körper, Sprache, Ökonomie und Macht
und kommt zu dem Schluß, daß ein Beginn erreicht
werden kann. Die Idee bei Bramkamp ist keineswegs
»filmisch dargestellt«, sie ist selber Film geworden.
Einen besonderen Reiz (und für den einen oder die an-
dere auch die besondere Schwierigkeit) erzeugt der
Film schließlich dadurch, daß er seine Methode ausge-
rechnet auf einen gesellschaftlichen Bereich anwendet,
der einer besonders rigiden sozialen Bearbeitung zwi-
schen Rationalität und Scharlatanerie unterworfen ist
und dessen Fähigkeit, die Mitte zu erobern, vor allem
aus dem Leidensdruck erwächst. Seine seltsame Frei-
heit taucht ausgerechnet am unfreiesten Ort der Ge-
sellschaft und der Biographie auf, dort, wo Sprache und
Körper am dramatischsten aufeinanderzuprallen schei-
nen. Das wiederum aber haben Therapie und Film mit-
einander gemeinsam, und so wird DIE EROBERUNG
DER MITTE schließlich zu einem Essay über das Filme-
machen. Auch der Autor und sein Werk sind nicht mehr
identisch, und die Bewegung der Personen und Bezie-
hungen in Bramkamps Films bewegen sich aus der
Mitte heraus; die Personen suchen ihren Autoren nicht
mehr, und der läßt sie frei. Das ist die nächste Umdre-
hung der Spirale, und nicht die letzte. Bramkamp ge-
lingt es, im Film endlich Räume zu öffnen, die in der
Literatur und in der Bildenden Kunst schon betreten
sind, und er ist dabei einer der wenigen Neuerer des
Kinos, bedeutender als all die melancholische Kalligra-
phie, die Zeitgeisterei und Mythomanien, an die wir uns
gewöhnt haben. Da zeichnet sich ein Kino für Zeitge-
nossen ab, die keine »Schule des Sehens« brauchen,
sondern Filme, durch die sich etwas denken läßt. Viel-
leicht können wir uns ja, was die ästhetische Produk-
tion anbelangt, wirklich noch einmal vom neunzehnten
Jahrhundert verabschieden. Sogar im deutschen Film.
Georg Seeßlen (epd-Film September 1995)
GELBE SORTE – Deutschland 1987 – R+B: Robert
Bramkamp – K: Herbert Baumann – D: Josef Drees,
Cristin König, Henry Spencer, Heinrich Hüser – 90 min
– 1986: US-amerikanische Hochsilos breiten sich in
Westfalen aus, einhergehend mit einer Umstellung der
Landwirtschaft auf Futtermais und industrielle Schwei-
nemast. Die Folge ist eine zyklische Preisverfallkrise bei
Schweinefleisch. Henry, der sich auf die Sanierung
maroder Höfe spezialisieren will, bringt seinen Freund
Bernd mit einem dubiosen holländischen Lageristen
zusammen. Nur eine besonders verschleierte Billig-
Produktion kann dem Bauern eine ökonomische Über-
lebenschance bieten – der Subventionsbetrug als »drit-

Robert Bramkamp
ter Weg«. Aber wie können die dazu passenden blühen-
den Landschaften aussehen? Bernds Freundin Francis,
die sich gerade mit »Penthesilea« auf die Schauspiel-
schule vorbereitet, hat einen künstlerischen Einfall zur
praktischen Landschaftsgestaltung. »Man muß das
banale Scheitern dem Zugriff der Betroffenheit entzie-
hen und solange geographisch oder historisch ver-
schieben, bis es in einer neuen Konstellation brisant 5
wird.« (Robert Bramkamp)

Dienstag, 30. November 2004, 18.30 Uhr

SKLAVENTREIBER DER SEELE – Deutschland 1995 –
R: Alexander Kluge – Mit Robert Bramkamp – 25 min –
Eine Folge von Alexander Kluges »10 vor 11« Magazin-
sendung. Es geht um Tumor, Terror, allgemeine Hyste-
rie, die Suche nach Normalität und die Anwendung der
Menippeischen Satire im deutschen Film. – DIE ER-
OBERUNG DER MITTE – Deutschland 1995 – R+B:
Robert Bramkamp – K: Ekkehart Pollack – M: Robert
Forster – D: Karina Fallenstein, Peter Lohmeyer, Mat-
thias Fuchs, John S. Mehnert – 77 min – Der Film
schildert die Abenteuer des skrupellosen Erfolgsthera-
peuten Mark Stroemer und seiner Gegenspielerin Wol-
ke Donner, die unter falschem Namen sein Vertrauen
erwirbt, um ihm das Handwerk zu legen. Stroemer ver-
arbeitet trostlose Therapiefälle zu dubiosen Lebens-
hilfe-Bestsellern. Herausgefordert durch die intelligente
und attraktive Spionin läuft der Scharlatan zu Höchst-
form auf: Er besiegt den Krebs des therapiesüchtigen
Maklers Jakoby. Die Schulmedizin bleibt auf der
Strecke, aber ein Versicherungskonzern wird hellhörig.

Mittwoch, 1. Dezember 2004, 18.30 Uhr
PRÜFSTAND 7 – Deutschland 2001 – R+B: Robert
Bramkamp, unter Verwendung von Motiven aus dem
Roman »Gravity’s Rainbow« (»Die Enden der Parabel«)
von Thomas Pynchon – K: Jakobine Motz – M: Max
Knoth, Robert Forster – D: Inga Busch, Matthias Fuchs,
Peter Lohmeyer, Mario Mentrup, Robert Forster –
114 min – Am 3. Oktober 1942 startet in Peenemünde
die erste Rakete ins Weltall. Die Deutschen hatten
keine Ahnung, daß sie damit einen Geist ins Leben
gerufen hatten. Der Geist der Rakete heißt Bianca. Nur
in den Bildwelten der Rakete kann uns Bianca begeg-
nen. Sie ist Astronautin auf der Internationalen Welt-
raumstation. Sie wird Romanfigur, Filmdiva, Raketen-
freundin, US-Soldatin im KZ-Dora Stollen, Space-Mo-
dell, UFA-Star, Geschichtsforscherin in Peenemünde.
Auf den Spuren Biancas entsteht die Charakterstudie
einer Maschine, die alles auf den Punkt bringt, was wir
nicht mehr zusammenbringen können. Diese Maschine
ist vieles zugleich: Super-Phallus, Maschinenbraut, jun-
ges Ding, alte Hexe, Technik mit 20.000 Einzelteilen
und auch Geist, Gespenst, Inspiration und nicht zuletzt:
Vampir. Vielleicht sogar ein Kunstwerk, oder eher ein
»Quasi-Kunstwerk«? – »Der Film ist vieles in einem: ein
großartiger Bilderpool zu Zusammenhängen zwischen
Hightech und Holocaust, zwischen Furcht vor dem
Sterbenmüssen, Unsterblichkeitswunsch und Todes-
sehnsucht; ein Film, der eine radikale Kritik daran ist,
wie Geschichte in Kino, TV, Feuilleton aufbereitet wird
und der zugleich selber eine umfassende Konzeption
von Geschichte ist.« (Michael Girke) – Es wird die im
Vergleich zur deutschen Kinofassung um 14 Minuten
längere Orginalfassung gezeigt.

Donnerstag, 2. Dezember 2004, 19.00 Uhr (Robert
Bramkamp ist anwesend)

Mittwoch, 8. Dezember
2004, 18.30 Uhr
BECKERBILLETT – Deutschland 1992 – R+B: Robert
Bramkamp – K: Uli Fischer – D: Michael Gerthsen, Jür-
gen Dorn, Michael Tschech – 19 min – »Mit einer
schon typisch zu nennenden Mixtur aus Dokumentar-,
Essay- und Spielfilm untersucht Robert Bramkamp die
Tätigkeit des Hamburger Eintrittskartenherstellers
Beckerbillett, der, bei genauer Betrachtung, nicht ein-
 fach nur Billetts fertigt, sondern eher eine geheime
Robert Bramkamp
Währung auf den Markt bringt, bei ›Abriß‹ jedesmal ein
Ereignis verheißend.« (Rainer Rother) – DER HIMMEL
DER HELDEN – Deutschland 1987 – R+B: Robert
Bramkamp – K: Herbert Baumann – D: Cristin König,
James Irving, Robert Bramkamp – 15 min – Dokumen-
tation und Phantasie. Während der echte (Ex-)Astro-
naut James Irving auf einer christlichen Missionsveran-
6 staltung in Bielefeld predigt, dabei waghalsig die Liebe
Christi mit dem Nutzen der deutschen Raumfahrt-
Technologie verknüpft, tanzt übermütig ein unechter
Astronaut »hoch oben« (auf dem Mond), und schließt
seine sowjetische Kosmonauten-Braut in die Arme.
Unten auf der Erde heißt es Abschied nehmen, denn
hier herrschen andere Gesetze, z.B. die der bösen Poli-
tik. »… was hat aus einem Astronauten werden müs-
sen, und was hätte geschehen können … der Film er-
zählt so materialistisch über Metaphysik, zeigt klug und
heiter, wie Politik und Liebe zusammengehören.«
(Georg Seeßlen) – DER MANN AM FENSTER –
Deutschland 1989 – R+B: Robert Bramkamp – K: Her-
bert Baumann – D: Heinrich Hüser, Karl-Heinz Hucke,
Angelika Schirmer, Bernd Konrad – 18 min – »Ein Kurz-
film mit merkwürdigen Protagonisten, deren Benehmen
einigen Godardfilmen zur Ehre gereichen würde. Ver-
störung und Wut packt sie über ihr verplantes Leben in
einer sozialen Wohnanlage, die im Gewand des ›Hu-
manen Städtebaus‹ der frühen Achtziger daherkommt.
Einige Bewohner läßt das handeln: der Architekt wird
kurzerhand gekidnappt und muß einem Tribunal in der
Schachtelküche oder im ›gemütlichen‹ Wohnraum Re-
de und Antwort stehen. Sein Versagen ist offensicht-
lich. Der Mensch hat als Bewohner nur noch die Funk-
tion, die Zweckmäßigkeit der Architektur zu unterstrei-
chen. Unter Waffengewalt muß der Architekt unter-
schreiben, statt eines Zuhauses ein Wohnquartier
geliefert zu haben.« (Rainer Rother) – CUT A LONG
STORY SHORT – Deutschland 1993 – R+B: Robert
Bramkamp – K: Ekkehart Pollack – 2 min – Eine Hom-
mage an die Anfangssequenz von Kubricks 2001. In
Verbindung mit Bildmaterial vom Ersten Golfkrieg spult
sich ein historischer Schnelldurchlauf ab, in dem nur
das »No-Budget Filmfestival« ein Ende der Wiederho-
lungen verspricht. – DER GEFRORENE BLITZ –
Deutschland 2002 – R: Alexander Kluge – Mit Robert
Bramkamp – 50 min – Gespräch über den Film PRÜF-
STAND 7. Weil die Rakete einschlägt und erst danach
donnert, nennt man sie den »Gefrorenen Blitz« – und
auch wegen der ungeheuerlichen Gewalt, die in ihr
steckt …

Dienstag, 7. Dezember 2004, 18.30 Uhr
Fotos: DIE EROBERUNG DER MITTE / Robert Bramkamp in
DER HIMMEL DER HELDEN / GELBE SORTE / PRÜFSTAND 7 /
BECKERBILLETT / DER MANN AM FENSTER
Hommage à Samuel Fuller
THE BIG RED ONE: THE RECONSTRUCTION – USA
1980/2004 – R+B: Samuel Fuller – K: Adam Green-
berg – M: Dana Kaproff – D: Lee Marvin, Mark Hamill,
Robert Carradine, Bobby Di Cicco, Kelly Ward,
Stéphane Audran, Siegfried Rauch, Serge Marquand,
Samuel Fuller – 163 min, OF –

Freitag, 3. Dezember 2004, 21.00 Uhr

Samstag,
4. Dezember 2004, 21.00 Uhr
It was always in the data base – boxes and boxes of
footage, supposedly labeled THE BIG RED ONE, were
allegedly stashed in the Warner Bros. vault in Kansas
City. But as we all know, between data bases and
palpable reality a shadow often falls. If everyone was
very lucky those boxes would (a) actually still exist and
(b) contain at least some of the footage – close to
an hour’s worth – excised by the studio from Sam
Fuller’s great war movie just prior to its initial release
in 1980. If we were unlucky, the boxes might already
have been shuffled out the door and into the limbo of
lost films. Or they might merely hold footage duplicat-
ing the severely truncated version of Sam Fuller’s
episodic epic of World War II combat that first appeared
in 1980.
Samuel Fuller
7
But there was a further problem. The picture had been
made by Lorimar which went belly up not long after
putting the film out. Its assets had been acquired by
Warner’s, which, in turn, had not had a fiscally thrilling
experience releasing it on TV, tape and DVD. It had no
friends in court. It was only among powerless cine-
philes and cineastes that THE BIG RED ONE became
The Great White Whale, ranking right up there with the
44 missing minutes of THE MAGNIFICENT AMBER-
SONS as a dream quest.
But then luck began, ever so slightly, to turn in the
film’s favor. Sam’s reputation, especially in Europe,
began to grow after his death in 1997 and that gave
impetus to our restoration project. I made a documen-
tary about him, in the process converting myself from
warm appreciator of his work to passionate advocate of
it. Then I made another documentary, this time about
Charlie Chaplin, for Warner Bros., during the course of
which I worked closely with Brian Jamieson, a studio
VP who also loved Sam’s work. Together we mounted a
campaign to at least locate and open those mysterious
boxes.
The first reports were discouraging – they found per-
haps 20 rolls of film, unaccompanied by sound. Look
 again, we asked. Seven rolls of sound turned up. Again
please? And again? Slowly the material began to ac-
crete. Eventually about 70,000 feet of negative and
112 quarter-inch reels of location sound were located.
When this stuff was printed and synchronized, we had
close to an hour of film never before seen in public. We
Samuel Fuller
also had camera and sound reports and a copy of
Sam’s shooting script to help us properly place the re-
covered material in the film. Several boxes of film re-
main missing, but every scene in Sam’s script, with two
exceptions (which we think he may not have shot) is
8 now present and accounted for. Also still missing, we
think, are alternative angles from any number of shot
sequences and there’s one pretty good sequence for
which we have picture, but no sound.
On the other hand, what we do have is, I think, remark-
able: 15 entirely new sequences as well as inserts and
extensions added to another 23 sequences. A film that
went out 24 years ago at one hour, 53 minutes and 11
seconds is now two hours, 42 minutes and 56 seconds
– within seconds, incidentally, of the lost AMBERSONS’
footage. Some of these additions are (seemingly)
minor: an opening title card (»This Is Fictional Life,
Based on Factual Death«); The Big Red One, on the
First Division’s shoulder patch shown as the only splash
of color in the film’s black-and-white prologue; Sam
himself playing a combat cameraman in short se-
quence. Some of them are major. For example, a battle
between a German tank and some French horse sol-
diers in a Roman Amphitheater in North Africa; a heart-
breaking sequence in which a little Sicilian girl is shot
by a sniper as she embraces Lee Marvin (whose la-
conic tenderness constitutes great movie acting); a
powerful sequence in which his habitual stoicism is
shattered by the discovery of an infiltrator who has ac-
tually joined his squad for breakfast in a Belgian
kitchen.
I think that by substantially lengthening Sam’s realiza-
tion of the D-Day landing in Normandy we have re-
stored this sequence to its rightful place as the best
representation of that engagement prior to SAVING
PRIVATE RYAN. Beyond that we have restored an entire
character to the film – a German soldier named
Schroeder, dark doppleganger to Sam’s more innocent
GIs. In the original release he was just a shadow; now
he’s a full-blown monster. And that’s just the top of the
line. A point Sam often made in interviews (and in all
his war movies), about how orphaned children are om-
nipresent in war, on-site victims of its horrors, is vividly
made by our restorations. So is his often stated obser-
vation that an ordinary soldier’s main obligation is not
to heroism, but to survival – »to live, live, live« as he
once put it to me.
Of course our reconstruction restores narrative coher-
ence to his work. But more important it restores emo-
tional coherence to it. What was admittedly a pretty de-
cent war movie is now a true Sam Fuller movie, full of
that tabloid absurdity – sudden death and sudden
laughter wildly mixed – that was his trademark. And his
glory. We’ll never know exactly what Sam’s »director’s
cut« would have looked like. But I think we have come
as close as humanly possible to realizing his intentions.
And I’ve never done anything in film that I am prouder
of. Richard Schickel
VERBOTEN! – USA 1959 – R+B: Samuel Fuller – K:
Joseph Biroc – M: Harry Sukman – D: James Best,
Susan Cummings, Tom Pittman, Paul Dubov, Harold
Daye – 86 min, OmU –

Dienstag, 30. November 2004, 21.00 Uhr

Mitt-
woch, 1. Dezember 2004, 21.00 Uhr
Daß ein engagierter Filmemacher, der beeindruckt ist
von der Kraft der Archivdokumente über die Nazigreuel,
die Konzentrationslager und den Nürnberger Prozeß,
die Idee hatte, um diese Dokumente herum eine Spiel-
handlung aufzubauen, um sie einzukleiden, ihnen ihre
grausame Objektivität zu nehmen, eine moralische Be-
trachtung daraus abzuleiten, das ist eine starke und
schöne Filmidee. Was mich aber an VERBOTEN! noch
mehr begeistert: daß es der Arbeit des Regisseurs ge-
lingt, es mit der Schlagkraft, Rohheit und Wahrheit die-
ser umkopierten Dokumente aufzunehmen, wie Balzac,
wenn er dem Personenstandsregister Konkurrenz ma-
chen wollte. Die Dinge sind, was sie sind, so gefilmt,
wie es sein muß: direktes, nicht zu kritisierendes, ma-
kelloses Kino. Wenn ich VERBOTEN! ansehe, weiß ich,
was ich alles noch zu lernen habe, um einen Film ganz
in die Hand zu bekommen, ihm einen Rhythmus zu
geben, einen Stil, in jeder Szene Schönheit zu schaffen,
zur reinsten Poesie zu gelangen, ohne sie mit Nach-
druck zu bemühen. Aus einem Film von Samuel Fuller
komme ich jedesmal voll Bewunderung und Neid.
François Truffaut
Foto: THE BIG RED ONE
Mythos Bayern (2)
Bayerische Filme – Schuhplattlergestampf
Rauferei auf Kirchweih – Schmalznudelgedampf.
Zum Kammerfensterl’n schleicht der Bu-a
Beim Bayernfilm ist alles da: Ha, ha, ha, ha, ha, ha
- ha, ha, ha, ha, ha. Karl Valentin
Das Bekenntnis zur Heimat erfährt der Kinobesucher
über einen Zwischentitel in dem Stummfilm WENN DIE
ABENDGLOCKEN LÄUTEN: »Weißt Annerl, was ich
jedes Mal aus dem Abendläuten heraushör? – Daß es
nirgendwo schöner sein kann als in der Heimat.«
Hanns Beck-Gaden, 1891 in München geboren, aufge-
wachsen in Berchtesgaden, führte Regie und spielte
die Hauptrolle. Leo-Film, München und Georg Ziegler,
Nürnberg ermöglichten die Produktion. Kinostart:
1930. Seinen ersten Stummfilm HOCHLAND dreht er in
Berchtesgaden, zusammen mit den Laienspielern des
dortigen Bauerntheaters. Dem Genre Heimat bleibt
Beck-Gaden treu. In allen seinen Filmen geht es um
Heimatverlust und Heimattreue.
Unter dem Aspekt bayerischer Heimatliebe und in Kom-
Mythos Bayern
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bination mit der Vorstellung von Bayern als wilder
Süden, in dem geplattelt, gerauft, geliebt, gesungen,
gebetet, gewildert, gefensterlt und kräftig getrunken
wird, entstehen Drehbücher, in denen zwischen drama-
turgisch anspruchsvoller Berg-, Bauern- und Bayernro-
mantik bis hin zur Schnulze billigster Machart alles
möglich ist. Von 1947 bis 1960 werden deutschland-
weit 1437 Spielfilme produziert, dreihundert davon mit
der Thematik »Heimat«. Etwa zweihundert spielen im
wilden Süden, in Bayern.
München und Wien entwickeln sich seit 1912 zu Zen-
tren der Volksfilm-Produktion. Die Dorfgeschichten und
Bauernschwänke der Heimatschriftsteller des 19. Jahr-
hunderts bieten reichlich Stoff dafür. Heimatromane
und Bühnenstücke werden zu Drehbüchern umge-
schrieben. Ludwig Anzengruber (1839-1889) verfaßt
den »Pfarrer von Kirchfeld«, eine Dorfgeschichte, die
von der Zuneigung eines jungen Mädchens zu einem
Pfarrer und von der Eifersucht eines im Dorf belächel-
ten Außenseiters erzählt. 1913 wird die Geschichte das
erste Mal verfilmt. Der Film zählt heute zu den frühen
 Beispielen des Heimatgenres. Das Plakat zum PFAR-
RER VON KIRCHFELD gestaltet der Münchner Graphi-
ker Ludwig Hohlwein. Immer wieder wird das Thema
für das Kino neu aufbereitet: 1926 als Tonfilm, 1937
mit Hans Jaray in der Hauptrolle, 1955 unter der Regie
von Hans Deppe.
Noch zu Lebzeiten des Heimatliteraten Ludwig Gang-
hofer (1855-1920) hat man dessen Romane verfilmt.
DER JÄGER VON FALL kam 1918, GEWITTER IM MAI
Mythos Bayern
und DER OCHSENKRIEG 1919 in die Kinos. Der Produ-
zent dieser Filme, Peter Ostermayr, einer der Pioniere
des neuen Mediums, 1882 in Mühldorf am Inn gebo-
ren, gründet 1907 zuerst die Münchener Kunstfilm AG
dann, 1919, die Filmstudios Geiselgasteig. Er steigt ein
10 in den Trend Mythos Bayern und Heimatliebe, wittert
gute Erträge und spezialisiert sich als Drehbuchautor
und Produzent auf die Herstellung qualitätvoller Hei-
matfilme. Ostermayr fühlt sich der Tradition jener Spiel-
freude an bayerischen Bauerntheatern verpflichtet, in
der jede Pauschal-Folklore, die der Förderung des
Tourismus dient, gemieden wird. Schnell gedrehte
Billigproduktionen lehnt er ab, weil ein zu niedriges An-
spruchsniveau mit Sicherheit zur Entstehung jener kli-
scheehaften, abgedroschenen Heimatschnulzen führt,
in denen der Bayer den Preußen linkt, der trunkene
Alpentourist das falsche Fenster erwischt, der Sepp
dem Xaver den Maßkrug überzieht und wo am Mist-
haufen in Depperl-Bayrisch Heimattreue geschworen
wird.
Dem entgegen steht die Tradition des engagierten Hei-
matfilms, der seine Wurzeln hat in den Saaltheatern
oberbayerischer Dorfwirtshäuser, in den Komödienhüt-
ten von traditionsbewußten Spielerfamilien und inner-
halb der Brauchtumspflege der bayernweit existieren-
den Trachten-Erhaltungs-Vereine. Aus dieser Tradition
heraus entstehen sozialkritisches Bauerntheater wie
Ludwig Thomas »Magdalena« von 1912, und kritische
Heimatfilme wie DER SÜNDIGE HOF von 1931 unter
der Regie Hanns Beck-Gadens.
Weil die Landschaft des Wilden Südens so kulissenhaft
schön ist, liegt es auf der Hand, daß Filmemacher vor
Ort produzieren. Als Filmstudio dient die Oberlandhalle
in Miesbach, in der sonst Bauern ihr Vieh ersteigern,
ebenso wie der Saal des Schlierseer Bauerntheaters.
Um sich eine aufwendige Komparserie und teure Ko-
stüme zu sparen, greifen die Regisseure der Heimat-
filme auf Prozessionen und Festumzüge zurück, die so-
wieso auf dem Dorf stattfinden und an denen sowieso
Festtracht getragen wird. Die Filmer schneiden diese
Szenen in ihre Filme hinein. Das Sujet, ob wirklich oder
gestellt, bleibt ja das gleiche. So vermischen sich Ele-
mente des Spiel- und Dokumentarfilms auf der Ebene
des Heimatfilms und bieten auf diese Weise eine be-
sondere Mischung von Wirklichkeit und Spiel.
Bayern erscheint im Film wild und schön zugleich.
Wenn der Wildschütz bei Mondlicht am Wildbach ent-
lang zur Sennerin hinaufsteigt, um ihr die große Liebe
zu gestehen. Wenn der Jäger den Wilderer aus Eifer-
sucht aus dem Hinterhalt wie ein Stück Wild gegen den
Wind erlegt, dann versteht man den Fernsehdirektor,
wenn er für Sonntag Nachmittag Western und Heimat-
film abwechselnd ins Programm stellt. Hier halten sie
sich die Waage, der wilde Westen Amerikas und der
wilde Süden Deutschlands.
Auch der Produzent Peter Ostermayr verbucht mit einer
Westernserie erste Erfolge, bevor er sich mehr und
mehr dem Heimatfilm zuwendet. In den Isarauen dreht
er mit Josef Stöckel (1894-1959) in der Hauptrolle die
Reihe JOE MARCO – MANN DER KRAFT. Der Theater-
schauspieler Josef oder Peppi Stöckel, Sohn eines
Münchner Maurermeisters, wird auf diesem Weg zum
Filmschauspieler und nennt sich fortan Joe Stöckel.
Nach dessen Filmdebüt als Westernheld konzentriert
sich auch Joe auf das Heimatgenre. In über 170 Filmen
spielt er tragende Rollen oder führt Regie. DAS SÜN-
DIGE DORF, DER SCHEINHEILIGE FLORIAN, DIE DREI
DORFHEILIGEN, DER VERKAUFTE GROSSVATER, EHE-
STREIK sind einige seiner bekannteren Filme. Alle Titel
kommen von der Bauernbühne, sind Theaterstücke, die
zu Drehbüchern für Filme umgeschrieben werden. In
den 50er entwickelt sich diese Szene immer mehr zum
Schauplatz grober Witze und billiger Klischees. 1956
schießt der Regisseur Hans Albin mit dem Streifen I A
IN OBERBAYERN (I A ist das Autokennzeichen von Ber-
lin) den Vogel ab. Die Schauspielerin Elfi Pertramer
sprach öffentlich von einem »Misthaufenfilm« und von
»Bayrischen Deppen«, was ihr einen gerichtlichen Ver-
gleich mit dem Produzenten einbrachte. Joe Stöckel
hatte mit dem Bayernklamauk keine Probleme und
spielt in dem Film den letzten Bayern, der in einer Mu-
seumsvitrine Besuchern aus Norddeutschland vorge-
führt wird. Joe Stöckl spielte, was er lebte, glaubt man
dem Verfasser seines Nachrufs vom 15. Juni 1959, in
dem es heißt: »Joe Stöckel war ein echter Volksschau-
spieler, deftig und urwüchsig, der seine bayerische
Herkunft nie verleugnet hat.« Helmut Bauer
Das Dorf
WENN DIE ABENDGLOCKEN LÄUTEN – Deutschland
1930 – R+B: Hanns Beck-Gaden – K: Karl Attenberger
– D: Hanns Beck-Gaden, Josef Berger, Rosa Kirchner-

Lang, Franz Loskarn, Maria Mindszenti, Theo Kasper,
Fritz Müller – 88 min (22 B/s) – Wenn die Zigeuner
kommen, geraten die eingefahrenen Verhaltensmuster
des Dorfes ins Wanken. Als Hanns sich in eine Zigeu-
nerin verliebt, hindert ihn der Klang der Abendglocken,
die Sünde zu begehen. Reumütig kehrt er ins Dorf
zurück.

Freitag, 3. Dezember 2004, 18.30 Uhr
DIE LANDÄRZTIN – BRD 1958 – R: Paul May – B: Kurt
Wilhelm – K: Oskar Schnirch – M: Wolfgang Zeller –
D: Marianne Koch, Rudolf Prack, Margarete Haagen,
Friedrich Domin, Beppo Brem, Willy Millowitsch –
93 min – Eine junge Ärztin aus der Stadt übernimmt
eine verwaiste Praxis im bayerischen Kürzlingen und
muß sich gegen allerhand Widerstände der Dorfbewoh-
ner und Bauern durchsetzen.

Samstag, 4. Dezember 2004, 18.30 Uhr
JAGDSZENEN AUS NIEDERBAYERN – BRD 1969 –
R+B: Peter Fleischmann, nach dem Theaterstück von
Martin Sperr – K: Alain Derobe – M: Karl-Heinz Frank –
D: Martin Sperr, Angela Winkler, Else Quecke, Maria St-
adler, Michael Strixner, Hanna Schygulla, Erika Wacker-
nagel – 88 min – Polemischer Klassiker des neuen
deutschen Heimatfilms über die Vorteile und Aggres-
sionen in einem bayerischen Dorf. Die Hauptrolle des
homosexuellen Außenseiters spielt Martin Sperr, auf
dessen Theaterstück der Film basiert.

Sonntag, 5. Dezember 2004, 18.30 Uhr
GESPRÄCH MIT MARTIN SPERR – Deutschland 2000
– R+B+K: Kurt Benning – 60 min – NACH DER JAGD.
SZENEN – Deutschland 2001 – R+B: Christoph Nuß-
baumeder – 20 min – Zwei Filme mit dem Schriftsteller
und Schauspieler Martin Sperr, der im Alter von 58
Jahren am 6. April 2002 in Landshut verstorben ist. In
seinen heimatkritischen Stücken sah er sich in der Tra-
dition von Marieluise Fleißer, berühmt wurde seine
bayerische Trilogie »Jagdszenen aus Niederbayern«,
»Landshuter Erzählungen« und »Münchner Freiheit«.

Sonntag, 5. Dezember 2004, 21.00 Uhr
Die Berge
DER HEILIGE BERG – Deutschland 1926 – R+B:
Arnold Fanck – K: Sepp Allgeier, Albert Benitz, Helmar
Mythos Bayern
Lerski, Hans Schneeberger – D: Leni Riefenstahl, Luis
Trenker, Ernst Petersen, Frida Richard, Hannes Schnei-
der, Friedrich Schneider – 118 min (21 B/s) – Eine Tän-
zerin wird von zwei Bergsteigern geliebt, die sich ihrer
Rivalität erst bei einer gemeinsamen Bergtour bewußt
werden. Im ersten von der Ufa produzierten Bergfilm 11
von Arnold Fanck, »ein Heldenlied aus ragender Höhen-
welt«, ist Leni Riefenstahl erstmals als Schauspielerin
zu sehen.

Freitag, 10. Dezember 2004, 18.30 Uhr
DER BEBENDE BERG – Deutschland 1931 – R: Hanns
Beck-Gaden – B: Luitpold Nusser – K: Karl Attenberger
– M: Anton Profes, Alexander Laszlo D: Hanns Beck-
Gaden, Hilda Rosch, Hanna Waag, Anbert von Kersten,
Karl Hanft – 64 min – Ein Berg wehrt sich gegen den
Bau einer Seilbahn: Der Bauer eines Dorfes, das sich
seit Generationen allen Neuerungen verweigert, muß
erkennen, daß die Natur stärker ist als der Mensch.
Hanns Beck-Gadens Film ist nur unvollständig erhal-
ten, es fehlen die Rollen 2 und 4 von insgesamt fünf
Rollen. Die Handlung ist aber dennoch leicht nachvoll-
ziehbar.

Samstag, 11. Dezember 2004, 18.30 Uhr
SCHLAFES BRUDER – Deutschland 1995 – R+K:
Joseph Vilsmaier – B: Robert Schneider, nach seinem
Roman – M: Norbert J. Schneider, Hubert von Goisern
Mythos Bayern
12
– D: André Eisermann, Dana Vávrová, Ben Becker,
Jochen Nickel, Jürgen Schornagel, Paulus Manker, Eva
Mattes, Lena Stolze, Heinz Emigholz – 127 min – In
einem abgeschiedenen Alpendorf wächst ein junger
Mann mit genialischer musikalischer Begabung auf,
der als Außenseiter an seiner unerfüllten Liebe schei-
tert.

Sonntag, 12. Dezember 2004, 18.30 Uhr
Das Ausland
OUT OF ROSENHEIM – BRD 1987 – R: Percy Adlon –
B: Eleonore Adlon, Percy Adlon, Christopher Doherty –
K: Bernd Heinl – M: Bob Telson – D: Marianne Säge-
brecht, CCH Pounder, Jack Palance, Christine Kauf-
mann, Monica Calhoun – 108 min – Eine Bayerin
strandet in der Mojave-Wüste, wo sie ein herunter-
gekommenes Motel wieder in Schwung bringt. Percy
Adlons märchenhafte Komödie war – in einer gekürz-
ten Fassung – unter dem Titel CAFE BAGDAD auch im
Ausland sehr erfolgreich.

Dienstag, 11. Januar 2005, 18.30 Uhr
MAN SPRICHT DEUTSH – BRD 1988 – R+M: Hanns
Christian Müller – B: Hanns Christian Müller, Gerhard
Polt – K: James Jacobs – D: Gerhard Polt, Gisela
Schneeberger, Dieter Hildebrandt, Werner Schneyder,
Michael Gahr, Enzo Cannavale, Pamela Prati – 84 min
– Satire auf deutsche Urlauber in Valcina Mare, südlich
von Rom: Brütende Hitze, Teer und Abfall am Strand,
deutsche Mahlzeiten, Bild-Zeitung, Staumeldungen auf
Bayern 3, viele Landsleute.

Mittwoch, 12. Januar 2005, 18.30 Uhr
Der Sex
DER SÜNDIGE HOF – Deutschland 1933 – R: Franz
Osten – B: Franz Kaiser – K: Franz Koch, Ludwig Zahn
– M: Friedrich Jung – D: Fritz Rasp, Theodor Auzinger,
Hanna Ralph, Hanns Beck-Gaden, Maria Byk, Philipp
Weichand – 87 min – Ein Eifersuchtsdrama auf einem
Bauernhof nahe Berchtesgaden, in dem sich die Frau
des Ödhofbauern in einen Fremden verliebt und diesen
zum Schein mit der Tochter ihres Mannes verheiratet.
Die komplizierten Verwicklungen nehmen ihren Lauf
und enden dramatisch.

Freitag, 21. Januar 2005, 18.30 Uhr
SEX BUSINESS – MADE IN PASING – BRD 1969 –
R+B: Hans Jürgen Syberberg – K: Christian Blackwood
– mit Alois Brummer, Günter Hendel, Ricci Holt, Ursula
Holstein, Rinaldo Talamonti, Rita Weinberg – 100 min –
Dokumentarfilm über Alois Brummer und seine »Leder-
hosen-Sexfilme«: »Praktische Proletkunst, vermarktet,
geistlos, pervertiert, deutschen sauberen Sex aus Bay-
ern. Das ist das Gegenstück zu den Blue Movies, zum
internationalen Porno – Witz ohne Witz, witzig, unfrei-
willig komisch – Landserphantasie für den Hausge-
brauch im Frieden.« (Hans Jürgen Syberberg)

Samstag, 22. Januar 2005, 18.30 Uhr
PIONIERE IN INGOLSTADT – BRD 1971 – R+B: Rainer
Werner Fassbinder, nach dem Stück von Marieluise
Fleißer – K: Dietrich Lohmann – M: Peer Raben – D:
Hanna Schygulla, Harry Baer, Irm Hermann, Rudolf Wal-
demar Brem, Walter Sedlmayr, Klaus Löwitsch –
84 min – Die Mädchen von Ingolstadt warten auf die
dort stationierten Pioniere. Sie sind auf der Suche nach
einem Liebhaber oder nach der großen Liebe. Fassbin-
der läßt das Stück von Marieluise Fleißer in einer irrea-
len Zeit spielen, in der Miniröcke, Nazi-Embleme und
Ostermarsch-Parolen nebeneinanderstehen.

Sonntag, 23. Januar 2005, 18.30 Uhr
Die Kirche
DAS HEILIGE SCHWEIGEN – Deutschland 1930 – R:
Hanns Beck-Gaden – B: Hanns Beck-Gaden, Joseph
Dallmann – K: Karl Attenberger – D: Helga Thomas,
Rolf Pinegger, Hanns Beck-Gaden, Rost Kirchner-Lang
– 96 min (22 B/s) – Ein Bergfex kann kein Mönch sein,
er kann dem Berg und der Liebe nicht entsagen. Als er
seiner Liebe folgt, stirbt er daran – im Berg. Beck-
Gaden »schildert psychogene Engpässe und Sackgas-
sen, in denen die Personen so handeln müssen, wie es
von der Heimat bestimmt wird.« (Helmut Bauer)

Freitag, 28. Januar 2005, 18.30 Uhr
DIE MARTINSKLAUSE – BRD 1951 – R: Richard
Häussler – B: Olaf Hinz, Peter Ostermayr, nach dem
Roman von Ludwig Anzengruber – K: Josef Illig, Franz
Koch – M: Bernhard Eichhorn – D: Willy Roesner, Gisela
Fackeldey, Heinz Engelmann, Paul Richter, Ingeborg
Cornelius, Ferdinand Anton, Sepp Nigg – 95 min – Der
Kampf der Augustinermönche, die im 12. Jahrhundert
gegen den mächtigen Landesverweser das Berchtes-
gadener Land für das Christentum wiedergewinnen.

Samstag, 29. Januar 2005, 18.30 Uhr
DAS GESPENST – BRD 1983 – R+B: Herbert Achtern-
busch – K: Jörg Schmidt-Reitwein – D: Herbert Ach-
ternbusch, Annamirl Bierbichler, Kurt Raab, Dietmar
Schneider, Judit Achternbusch – 88 min – Eine Chri-
stusfigur in einem Kloster wird lebendig, steigt vom
Kreuz herab, wandert als Ober mit einer Oberin, die ihn
liebt, durch die bayerischen Lande und gerät mit Auto-
ritäten und Münchner Passanten in Konflikt. Herbert
Achternbuschs Film provozierte heftige Proteste von
Kirche und Staatsanwaltschaft, das Bundesinnenmini-
sterium verweigerte ihm die Auszahlung der ihm zuste-
Mythos Bayern
henden Fördermittel.

Sonntag, 30. Januar 2005, 18.30 Uhr
Der Waldrausch
WALDRAUSCH – Deutschland 1939 – R: Paul Oster- 13
mayr (= Paul May) – B: Karl Peter Gillmann, Paul Oster-
mayr (= Paul May), nach dem Roman von Ludwig
Ganghofer – K: Hugo von Kaweczynski – M: Herbert
Windt – D: Paul Richter, Erika Dannhoff, Hansi Knoteck,
Hedwig Bleibtreu, Carl Günther – 81 min – Beim Bau
eines gigantischen Wildwasser-Staudamms in der
Nähe seines bayerischen Heimatdorfes begegnet ein
Ingenieur seiner als Herzogin unglücklich verheirateten
Jugendfreundin. Eine werkgetreue Verfilmung von
Ganghofers Roman, der in der Zeit vor dem Ersten
Weltkrieg spielt.

Freitag, 4. Februar 2005, 18.30 Uhr
WALDRAUSCH – Österreich 1962 – R: Paul May – B:
Kurt Heuser, Erna Fentsch, nach dem Roman von Lud-
wig Ganghofer – K: Elio Carniel – M: Johannes Fehring
– D: Gerhard Riedmann, Ingeborg Schöner, Marianne
Hold, Sieghardt Rupp, Paul Hartmann, Sepp Rist –
93 min – In die Gegenwart von 1962 verlegte Ge-
schichte um den Bau eines Staudamms, die Regisseur
Paul May bereits 23 Jahre vorher schon einmal verfilmt
hatte. Diesmal allerdings in Farbe und mit Starbeset-
zung.

Samstag, 5. Februar 2005, 18.30 Uhr
WALDRAUSCH – BRD 1977 – R+B: Horst Hächler,
nach dem Roman von Ludwig Ganghofer – K: Ernst W.
Kalinke – M: Ernst Brandner – D: Alexander Stephan,
Uschi Glas, Kristina Nel, Siegfried Rauch, Adrian Hoven,
Sigfrit Steiner – 101 min – Die Geschichte um den Bau
eines Staudamms im bayerischen Alpengebiet zu An-
fang des Jahrhunderts wird diesmal in Cinemascope
und Farbe erzählt und um einige Probleme bereichert:
So bringen die italienischen Arbeiter auf der Baustelle
das Thema »Gastarbeiter« ins Spiel.

Sonntag, 6. Februar 2005, 18.30 Uhr
Mythos Bayern
14
Die Vergangenheit
TRIUMPH DER GERECHTEN – BRD 1987 – R+B:
Josef Bierbichler, frei nach einer Erzählung von Oskar
Maria Graf – K: Jörg Schmidt-Reitwein – M: Rudolf
Gregor Knabl – D: Josef Bierbichler, Rudolf Klaffen-
böck, Alfons Scharf, Annamirl Bierbichler, Edgar Liegl,
Oskar Neumann – 81 min – »Ein Neugeborenes ris-
kiert einen Rückblick in den Dreißigjährigen Krieg und
altert während des Erzählens in die Zukunft hinein. Die
sieht aus wie ein Neandertaler. Der sieht einem Affen
ähnlich oder einem Menschen. Der Standpunkt des Be-
trachters wird das endgültig entscheiden.« (Josef Bier-
bichler)

Freitag, 11. Februar 2005, 18.30 Uhr
ABRAHAMS GOLD – Deutschland 1990 – R+B: Jörg
Graser – K: Henning Stegmüller – D: Robert Dietl,
Günther-Maria Halmer, Hanna Schygulla, Daniela
Schötz, Maria Singer, Karl Friedrich, Otto Tausig –
95 min – Ein ehemaliger KZ-Wächter versucht, einen
seinerzeit in Polen eigenhändig vergrabenen Gold-
schatz zu heben und stürzt damit mehrere Menschen
in seinem bayerischen Heimatdorf in eine Katastrophe.
Jörg Grasers unspektakulärer Heimatfilm über Verdrän-
gungsmechanismen und unbewältigte Vergangenheit
erhielt 1990 den Publikumspreis der Filmfestspiele in
Cannes.

Samstag, 12. Februar 2005, 18.30 Uhr
DAS SCHRECKLICHE MÄDCHEN – Deutschland 1990
– R+B: Michael Verhoeven – K: Axel de Roche – M:
Lydie Auvray, Billy Gorlt, Mike Herting, Elmar Schloter –
D: Lena Stolze, Robert Giggenbach, Hans-Reinhard
Müller, Monika Baumgartner, Elisabeth Bertram, Chri-
stof Wackernagel, Rudolf Klaffenböck – 92 min – Ein
als polemisches Lehrstück inszenierter, mehrfach
preisgekrönter Film über eine junge Frau, die bei
scheinbar harmlosen Geschichtsrecherchen die brau-
nen Flecken in der Vergangenheit und Gegenwart ihres
Heimatortes aufdeckt und dabei die Honoratioren der
bayerischen Bischofsstadt aufschreckt.

Sonntag, 13. Februar 2005, 18.30 Uhr
Die Jagd
DER JÄGER VON FALL – Deutschland 1936 – R: Hans
Deppe – B: Josef Dalman, nach dem Roman von Lud-
wig Ganghofer – K: Karl Attenberger – M: Albert Fischer
– D: Paul Richter, Maria Sera, Franz Loskam, Georgia
Holl, Hans Adalbert Schlettow, Willy Rösner, Rolf Pineg-
ger – 87 min – Eine schöne Sennerin befindet sich im
Konflikt zwischen einem skrupellosen reichen Wilderer,
der der Vater ihres Kindes ist, und einem gewissenhaf-
ten, armen Jäger, der um sie wirbt.

Freitag, 18. Februar 2005, 18.30 Uhr
ICH LIEBE DICH, ICH TÖTE DICH – BRD 1971 –
R+B+M: Uwe Brandner – K: André Dubreuil – D: Rolf
Becker, Hannes Fuchs, Helmut Bratsch, Thomas Eckel-
mann, Nikolaus Dutsch, Wolfgang Ebert, Stefan Moses
– 94 min – Ein eigenwilliges »Bilderbuch« mit Science-
Fiction-Elementen, das von einem Lehrer und einem
Jäger erzählt, die in einem bayerischen Dorf leben, in
dem die Polizisten zur Beruhigung der Bevölkerung
Drogen verabreichen und die Obrigkeit einmal im Jahr
mit Hubschraubern einfliegt, um auf die Jagd zu gehen.

Samstag, 19. Februar 2005, 18.30 Uhr
JENNERWEIN – Deutschland 2003 – R+K: Hans-
Günther Bücking – B: Hans-Günther Bücking, Holger
Zimmermann – M: Hans-Jürgen Buchner – D: Fritz
Karl, Christopher Walz, Sabrina White, Monika Baum-
gartner, August Schmölzer, Petra Berndt, Florian Brück-
ner – 90 min – Die Geschichte des Girgl Jennerwein
(1848-1877), der als Wilderer und Rebell in den Ber-
gen zum Volkshelden wurde. Der für seine Kamera-
arbeit ausgezeichnete Film schildert eine Geschichte
über Freundschaft, Liebe und Verrat in einer kalten,
feindseligen Alpenlandschaft.

Sonntag, 20. Februar 2005, 18.30 Uhr
Das Volkstheater
DER TOBISTRICHTER: VOLKSHUMOR AUS DEUT-
SCHEN GAUEN – Deutschland 1941 – R: Hans Albin –
D: Adolf Gondrell, Karl Valentin, Liesl Karlstadt, Weiß
Ferdl – 17 min – Drei Bühnen-Sketche von »Münchens
berühmten Komikern«. – 1 A IN OBERBAYERN – BRD
1956 – R+B: Hans Albin, nach dem Stück von Hans
Fitz – K: Ernst W. Kalinke – M: Peter Igelhoff – D:
Renate Ewert, Harald Juhnke, Joe Stöckel, Beppo
Brem, Elise Aulinger, Maria Stadler, Gunther Philipp –
85 min – Eine junge Berlinerin mit flottem Sportwagen
und die ihr nachfolgenden beiden Verehrer bringen ein
bayerisches Dorf in Aufruhr. Der Titel des Films, der
Mythos Bayern
sich auf das Berliner Autokennzeichen der Hauptdar-
stellerin bezieht, wurde später umgeändert in ZWEI
PREUSS’N IN BAYERN.

Freitag, 25. Februar 2005, 18.30 Uhr
DER HERRGOTTSCHNITZER VON AMMERGAU – BRD 15
1952 – R: Harald Reinl – B: Peter Ostermayr, nach dem
Stück von Ludwig Ganghofer – K: Josef Illig, Franz
Koch – M: Giuseppe Becce, Fred Rauch – D: Erich
Auer, Elise Aulinger, Willy Rösner, Ingeborg Cornelius,
Paul Richter, Sepp Rist, Walter Sedlmayr – 90 min –
Die Geschichte eines jungen Künstlers, der nach lan-
gen Hindernissen ebenso seine Liebe findet wie auch
noch zwei weitere Paare. In dem bayerische Dorf , das
als Handlungsort dient, treten derweil die Jodlergruppe
Anderl Ostler und zwei Musikkapellen in einen Wett-
streit zwischen Bier und Limonade.

Samstag, 26. Februar 2005, 18.30 Uhr
DIE SELTSAME GESCHICHTE DES BRANDNER KAS-
PARS – BRD 1949 – R: Josef von Baky – B: Erna
Fentsch, nach dem Stück von Josef Maria Lutz – K:
Hans Schneeberger – M: Alois Melichar – D: Paul Hör-
biger, Viktor Staal, Gustav Waldau, Ursula Lingen, Carl
Wery, Georg Thomalla, Beppo Schwaiger – 98 min –
Der 70jährige Brandner-Jäger überlistet den Tod, wird
dann aber doch noch zu einem Probeaufenthalt in
einem original-bayerischen Himmel überredet.

Sonntag, 27. Februar 2005, 18.30 Uhr
Fotos: DER SÜNDIGE HOF / WENN DIE ABENDGLOCKEN LÄU-
TEN / DER BEBENDE BERG / OUT OF ROSENHEIM / DAS
SCHRECKLICHE MÄDCHEN / JENNERWEIN

Neue Filme aus Italien
16
Als italienische Filme kaum noch den Weg in deutsche
Kinos fanden und auch im eigenen Land angesichts
der Dominanz des amerikanischen Kinos in der neuen
Medienlandschaft nur noch ein Schattendasein friste-
ten, wurde die Festivaltournee »Cinema!« ins Leben
gerufen, die jedes Jahr neue italienische Filme mit
deutschen Untertiteln durch deutsche Kinos schickt
und 2004 bereits zum 7. Mal stattfindet. Organisiert
wird die Reihe von Made in Italy in Rom, einer enga-
gierten Initiative italienischer Filmkritiker und Filmjour-
nalisten, die Disposition in Deutschland besorgt die AG
Kino, und die Aufführungen in München werden unter-
stützt vom Italienischen Generalkonsulat. Zu entdecken
gibt es auch in diesem Jahr wieder interessante Auto-
renfilme, die leider bisher keinen deutschen Verleih ge-
funden haben. Dies kann sich durchaus noch ändern:
Einige Filme der Festivaltourneen der vergangenen
Jahre haben im Anschluß dann doch noch einen Verleih
gefunden und sind anschließend noch länger in deut-
schen Kinos zu sehen gewesen.
LA FINESTRA DI FRONTE (WAS SOLL ICH TUN ?) –
Italien 2003 – R: Ferzan Ozpetek – B: Ferzan Ozpetek,
Gianni Romoli – K: Gianfilippo Corticelli – M: Andrea
Guerra – D: Giovanna Mezzogiorno, Massimo Girotti,
Neue Filme aus Italien
Serra Yilmaz, Raoul Bova, Filippo Nigro – 106 min,
OmU – In seinem vierten Film wirft der italotürkische
Regisseur Ferzan Ozpetek einen liebevollen und ironi-
schen Blick auf das Alltagsleben einer vierköpfigen Fa-
milie in Rom. Massimo Girotti – in seiner letzten Rolle –
ist ein älterer Herr, der vorübergehend sein Gedächtnis
verloren hat und dessen Geheimnis in die Zeit des
Faschismus hineinreicht. Der Film gewann 2003 den
italienischen Filmpreis David di Donatello für den be-
sten Film, die besten Hauptdarsteller und die beste
Filmmusik. »Der italienische Film lebt. LA FINESTRA DI
FRONTE besteht aus zwei Geschichten: einer Kriminal-
und einer Liebesgeschichte, wobei der kriminalistische
Teil der Geschichte dazu dient, die Identität des Alten
und seine Vergangenheit aufzudecken. Ergreifend aber
nie pathetisch verknüpft der Film zwei verschiedene
Zeitebenen, manchmal sogar in ein und derselben
Einstellung, indem er der Erinnerung eine körperliche
Präsenz und eine Stimme verleiht.« (Roberto Nepoti)

Dienstag, 7. Dezember 2004, 21.00 Uhr

Dienstag,
14. Dezember 2004, 18.30 Uhr
LA SPETTATRICE (DIE ZUSCHAUERIN) – Italien 2004
– R: Paolo Franchi – B: Paolo Franchi, Heidrun Schleef,
Diego Ribon, Daniela Ceselli, Rinaldo Rocco – K: Giu-
seppe Lanci – M: Carlo Crivelli – D: Barbara Boulova,
Andrea Renzi, Brigitte Catillon, Matteo Mussoni, Chiara
Picchi – 100 min, OmU – Die Übersetzerin Valeria lebt
in Turin und beobachtet ihren Nachbarn Massimo. Als
dieser nach Rom zieht, folgt sie ihm. »Selten wurde
Voyeurismus mit einer so wunderbar melancholischen
Schönheit gezeigt wie in Paolo Franchis erstaunlichem
Debütfilm LA SPETTATRICE. Unterstützt von Giuseppe
Lancis atmosphärischer, fast hypnotischer Kamera und
Barbara Boulovas feiner, somnambuler Schauspiel-
kunst, strahlt diese Geschichte über eine Frau, die wie
besessen von ihrem Nachbarn ist, eine ganz eigene
magnetisierende Faszination aus.« (Ronnie Scheib)

Mittwoch, 8. Dezember 2004, 21.00 Uhr
IL POSTO DELL’ANIMA (CAMPOLARO – DIE WÜRDE
IST UNANTASTBAR) – Italien 2003 – R: Riccardo
Milani – B: Domenico Starnone, Riccardo Milani – K:
Arnaldo Catinari – M: Leandro Piccioni – D: Silvio Or-
lando, Michele Placido, Claudio Santamaria, Paola Cor-
tertellesi, Imma Piro, Flavio Pistilli – 106 min, OmU –
»Bei IL POSTO DELL‘ ANIMA handelt es sich um eine
bittere Komödie aus der Arbeitswelt, in der eine Gruppe
von Arbeitern aus einem kleinen Bergdorf unverhofft
ihren Arbeitsplatz verliert. Die Kündigung bedeutet für
sie das Ende und stellt alles in Frage. Am Beispiel eines
Mikrokosmos der italienischen Gesellschaft mit seinen
Krisen, Konflikten und Widersprüchen beschreibe ich
die Veränderungen, die Italien in den letzten zwanzig
Jahren erfahren hat. Darüber hinaus handelt der Film
von dem Wunsch, seine eigene Identität zu bewahren.«
(Riccardo Milani)

Freitag, 10. Dezember 2004, 21.00 Uhr
PATER FAMILIAS (IM SCHOSSE DER FAMILIE) – Ita-
lien 2003 – R: Francesco Patierno – B: Francesco Pa-
tierno, Massimo Cacciapuoti – K: Mauro Marchetti – M:
Angelo Talocci – D: Domenico Balsamo, Luigi Jacuzio,
Federica Bonavolontà, Francesco Dirozzi, Francesco Di
Leva, Ernesto Mahieux – 90 min, OmU – Nachdem er
zehn Jahre im Gefängnis war, kehrt Matteo in sein Hei-
matdorf in der Nähe Neapels zurück. »Endlich ein Film,
der mit einem bewußt brennenden Stil das alltägliche
Inferno im neapolitanischen Hinterland erzählt. Die
Geschichte spielt nicht im kriminellen Milieu, sondern
im erschreckenden Mikrokosmos einer zerfallenden
Familie. Ein Vater klaut die Ersparnisse der eigenen
Kinder, ein anderer bespuckt seine schwangere Toch-
Neue Filme aus Italien
ter, noch einer vergewaltigt seine Frau. So bekommen
die Kinder zusammen mit der Muttermilch eine atavisti-
sche Mischung aus Aberglaube und Gewalt verab-
reicht, hier gibt es keine Werte wie Staat, Gesellschaft
oder Schule. Das einzige Bollwerk dagegen wird von
Nonnen und Pfarrern repräsentiert, die bereit sind, eine
Ehe zu annullieren, um ein Menschenleben zu retten.
Das Zuschauen tut weh, aber dennoch kann man nicht
wegschauen.« (Fabio Ferzetti) 17

Samstag, 11. Dezember 2004, 21.00 Uhr (Francesco
Patierno ist anwesend)

Mittwoch, 15. Dezember
2004, 18.30 Uhr
IL MIRACOLO (DAS WUNDER) – Italien 2003 – R:
Edoardo Winspeare – B: Giorgia Cecere, Pierpaolo
Pirone – K: Kamera: Paolo Carnera – M: Cinzia Marzo –
D: Claudio D`Agostino, Carlo Bruni, Anna Ferruzzo, Ste-
fania Casciaro, Angelo Ramarro – 92 min, OmU –
Nachdem der 12jährige Tonio aus dem Koma erwacht
ist, begegnet er im Krankenhaus einem todkranken
Mann, dem es nach der Begegnung mit dem Jungen
wieder besser zu gehen scheint. Seitdem werden ihm
wunderwirkende Kräfte nachgesagt. »Obwohl es sich
bei IL MIRACOLO um eine einfache Geschichte han-
delt, habe ich zwei Jahre gebraucht, um sie zu er-
zählen, da das Einfache häufig das Schwierigere ist. Ich
wollte von der Fähigkeit erzählen, Sanftheit, Schönheit
und Liebe wahrzunehmen, wo keiner sie mehr vermu-
tet. In einer zynischen bürgerlichen Konsumgesell-
schaft entdeckt ein Kind die Poesie, wo niemand sie
Neue Filme aus Italien
18
wahrnimmt. Ich habe ein Kind als Protagonisten ge-
wählt, da nur ein Kind den notwendigen unschuldigen
Blick hat und über diese Leichtigkeit verfügt. Ich er-
zähle von einem profanen Wunder der Liebe. Liebe
kann Berge versetzen, und so gelingt es Tonio, das
Leben anderer zu verändern.« (Edoardo Winspeare)

Sonntag, 12. Dezember 2004, 21.00 Uhr
L’AMORE RITORNA (DIE RÜCKKEHR DER LIEBE) –
Italien 2004 – R: Sergio Rubini – B: Sergio Rubini,
Domenico Starnone – K: Paolo Carnera – M: Pierluigi
Ferrandini, Ivan Iusco – D: Fabrizio Bentivoglio, Sergio
Rubini, Giovanna Mezzogiorno, Margherita Buy, Mari-
angela Melato, Michele Placido – 111 min, OmU – Ein
Schauspieler erleidet während der Dreharbeiten einen
Zusammenbruch, woraufhin er ins Krankenhaus einge-
wiesen wird. Kollegen, Freunde und Angehörige wissen
mit seiner schweren Krankheit nicht umzugehen. „Es
ist die Geschichte eines Schauspielers, der aus dem
Scheinwerferlicht tritt. Zunächst ist er erschrocken
über die ungewohnte Dunkelheit, die ihn umfängt.
Doch bald darauf wird er selber zum Zuschauer, der die
Verhaltensweisen der anderen studiert und deren Be-
weggründe erkennt. … Ich bin von meinen eigenen Er-
fahrungen ausgegangen, um eine Geschichte mit der
Atmosphäre des Südens zu erzählen, wo Gegenwart,
Vergangenheit und Zukunft parallel laufen und eine
neue enthüllende Realität bilden.« (Sergio Rubini) »Die
Puristen werden Anstoß nehmen an der von Sergio
Rubini gewagten Mischung der Genres und Stile. Aber
es ist vielleicht gerade diese Fähigkeit zur Vermi-
schung, zur Auflösung und Neubildung, die das Ge-
heimnis dieses Films ausmacht.« (Fabio Ferzetti)

Dienstag, 14. Dezember 2004, 21.00 Uhr
MIO COGNATO (MEIN UNGELIEBTER SCHWAGER) –
Italien 2003 – R: Alessandro Piva – B: Alessandro Piva,
Salvatore De Mola, Andrea Piva – K: Gian Enrico Bian-
chi – M: Ivan Iusco – D: Sergio Rubini, Luigi Lo Cascio,
Alessandra Sarno, Mariangela Arcieri, Gigi Angelillo,
Carolina Felline, 90 min, OmU – Zwei Schwager, die
gegensätzlicher nicht sein können, sind in den Straßen
Baris auf der gemeinsamen Suche nach einem gestoh-
lenen Auto unterwegs. Was als Komödie beginnt, ver-
dichtet sich durch verschiedene Begegnungen und
Konflikte zu einem Drama um Freundschaft und Loya-
lität. Ein Roadmovie, das vor allem durch zwei der
meistgefragten Schauspieler Italiens lebt: Sergio Rubini
und Luigi Lo Cascio. »Nach dem Überraschungsfilm LA
CAPA GIRA ist Alessandro Piva mit MIO COGNATO ein
bemerkenswerter Film gelungen, der in apulischem
Dialekt gedreht ist. Mit seinen diversen Schwarzabstu-
fungen und kräftigen Farben gelingt es dem Regisseur,
seinem Werk eine beunruhigende Irrealität zu verleihen
und so die verborgenen Seiten Baris einzufangen.«
(Alessandra Levantesi)

Mittwoch, 15. Dezember 2004, 21.00 Uhr
Fotos: LA FINESTRA DI FRONTE / IL POSTO DELL’ANIMA / IL
MIRACOLO / MIO COGNATO
Shanghai Cinema – Old & New
Shanghai ist eine Stadt der Superlative. Die kulturelle
Hauptstadt Chinas setzt als Metropole des 21. Jahr-
hunderts Zeichen. Auch zu Beginn des 20. Jahrhun-
derts stand die Stadt schon einmal im Mittelpunkt des
Interesses von Intellektuellen, Künstlern, Schriftstellern
und anderen Kulturschaffenden, war Zentrum revolu-
tionärer Ideen, widerstreitender nationaler Bestrebun-
gen und der Entwicklung neuer Formen der Moderne.
Die Ausstellung »Shanghai Modern« im Museum Villa
Stuck erweckt diese wenig bekannte Episode der
Kunstgeschichte zu neuem Leben.
Das Shanghai der zwanziger und dreißiger Jahre des
vorigen Jahrhunderts war eine Legende – das »Paris
des Ostens«, das »New York des Westens« – oder,
weniger wohlwollend, die »Hure des Orients« genannt.
Der Glamour war allgegenwärtig – in den Tanzhallen,
den Filmstudios, den Opiumhöhlen, den Art Deco-
Hotels, den extravaganten Häusern, im brodelnden
Hafengewimmel … Shanghai war ein Schmelztiegel,
war die erste wahrhaft internationale Stadt. Aldous
Huxley schrieb 1926 in sein Tagebuch: »Ich habe Orte
gesehen, die zweifellos genauso geschäftig und
ebenso dicht besiedelt waren wie Shanghai, aber nir-
gendwo sonst war ich so überwältigt. In keiner Stadt,
West oder Ost, hatte ich je solchen Eindruck von einem
dichten Morast üppigst verflochtenen Lebens. Das Alte
Shanghai ist Bergsons elan vital – roh und überspru-
delnd. Es ist das Leben selbst. Kein intensiveres Leben
ist vorstellbar. Jeder einzelne Chinese hat mehr über-
springende Vitalität als jeder beliebige Inder oder Euro-
päer. Diese Vitalität des sozialen Organismus hat sich
über Jahrhunderte hinweg durch Brauchtum und Tradi-
tion angesammelt und verdichtet. So viel Leben, so
Shanghai Modern
sorgfältig kanalisiert, so schnell und heftig strömend –
dieses Spektakel kann fast erschrecken.«
Die künstlerische »Geburt der Moderne«, die sich da-
mals – zwischen 1919 und 1945 – in Shanghai voll-
zog, hatte weitreichende Konsequenzen. Chinesische
Künstler hatten die moderne Kunst des Westens ent-
deckt, Ausdruck und Technik ihren eigenen Bedürfnis-
sen angepaßt. Jetzt drängten sie nach Europa, wo sie 19
in Ausstellungen in Berlin und Paris, in Frankfurt und
Mailand, in Hamburg und Amsterdam Brücken zu
schlagen suchten.
 Das die Ausstellung begleitende Filmprogramm kon-
zentriert sich auf zwei Epochen. »Shanghai Cinema –
Old« (in Zusammenarbeit mit der Villa Stuck) umfaßt im
Dezember die dreißiger Jahre in Shanghai und den
USA. Der Mythos des glitzernd-verruchten Shanghai ist
der Hintergrund herzzerreißender Melodramen mit den
großen Filmdiven Hu Die und Ruan Lingyu sowie weite-
rer Raritäten, die dank der großzügigen Unterstützung
des China Film Archive in Beijing teilweise zum ersten-
mal außerhalb Chinas zu sehen sind. Josef von Stern-
berg, der große Visionär und Stilist, hat sich zur selben
Zeit in Hollywood sein eigenes China und speziell
Shanghai erträumt und erschaffen – mit Marlene Die-
trich und später nochmals mit Gene Tierney – »a
Shanghai Modern
Shanghai of the mind«. »Shanghai Cinema – New« (in
Zusammenarbeit mit dem Forum Goethe-Institut) bietet
dann im Januar einen vielfältigen und genreübergrei-
fenden Blick auf Geschichte und Gegenwart Shanghais
mit Dokumentationen, Spielfilmen und Künstlervideos
von den achtziger Jahren bis heute.
20 DAUGHTER OF SHANGHAI – USA 1937 – R: Robert
Florey – B: Gladys Unger, Garnett Weston – K: Charles
Edgar Schoenbaum – D: Anna May Wong, Philip Ahn,
James Bickford, Buster Crabbe, Anthony Quinn –
61 min, OF – Schauplatz ist die Chinatown von San
Francisco, Shanghai ist nur der Hintergrund der Ge-
schichte, die Vergangenheit der Immigranten. Eine Ge-
schichte von Schmugglern, Mafia-Killern, verletzter
Ehre, grausamer Rache und schließlich erfüllter Liebe.
Anna May Wong, der erste internationale asiatisch-
amerikanische Filmstar, hat hier die Hauptrolle in einem
virtuosen B-Picture des Avantgarde-Auteurs Robert
Florey, gedreht in Paramount-Sets, in denen auch Josef
von Sternberg schon gearbeitet hatte – so bekommt
der Film noch zusätzlichen Glamour. – SHANGHAI
EXPRESS – USA 1932 – R: Josef von Sternberg – B:
Jules Furthman – K: Lee Garmes, James Wong Howe –
M: W. Franke Harling, Rudolph G. Kopp – D: Marlene
Dietrich, Clive Brook, Anna May Wong, Warner Oland,
Eugene Pallette, Gustav von Seyffertitz – 82 min, OF –
Hier ist Shanghai die Zukunft, für Marlene Dietrich und
Clive Brook, und Anna May Wong verschafft sie ihnen,
mit einem Dolch … »Sternbergs Filme sind nichts ohne
die Investitionen der Blicke seiner Zuschauer. Das
heißt, sie sind extrem variabel, mobil, von keiner fixen
Gegenständlichkeit. Sie realisieren Vorstellungen in
Bewegung, Wünsche, Lüste. Eine Zugfahrt von Peking
nach Shanghai mit vielen Stops und Unterbrechungen
und Überraschungen. Mit Marlene, gehüllt in Pelze und
Federn und Schleier, als Trompe-l’œil. Man darf sich
nicht dazu hinreißen lassen, in Shanghai Lilys Ge-
schichte das Sujet des Films zu sehen. Sie ist nur Aus-
löser für real nicht Darstellbares. Sternbergs Filme sind
keine Spiegel, sondern reine Erfindung. Weil es um
Weiblichkeit geht.« (Frieda Grafe)

Donnerstag, 16. Dezember 2004, 19.00 Uhr
XIN JIU SHANGHAI (DAS ALTE UND DAS NEUE
SHANGHAI) – China 1936 – R: Cheng Bugao – B:
Hong Shen – K: Dong Keyi – D: Shu Xiuwen, Wang
Xianzhai – 107 min, OmeU – »Im alten Shanghai lebten
viele einfache Bürger in typischen ›Durchgangshäu-
sern‹. Fußgänger betraten diese Gebäude durch eine
Außentür und fanden sich zwischen zwei oder drei
Stockwerken mit engen Räumen wieder, in denen meh-
rere Familien lebten. Diese mittellosen Nachbarn gin-
gen verschiedenen Berufen nach und hatten einen
unterschiedlichen gesellschaftlichen Status, doch ge-
meinsam war ihnen, daß sie am unteren Ende der so-
zialen Skala rangierten. Im Vergleich zu vielen realisti-
scheren Filmen jener Zeit, die ein elendes und depri-
mierendes Bild zeichnen, ist diese Komödie künstle-
risch anspruchsvoller. Auch dürften die sozialen Bedin-
gungen, die sie vorführte, die Zuschauer eher zum
Nachdenken angeregt haben. – Aus den sechs Fami-
lien, die im Film vorkommen, treten verschiedene Per-
sonen besonders hervor: ein entlassener Angestellter,
der so tut, als ginge er jeden Tag ins Büro; eine Tanz-
Hosteß, die das Haus immer stark geschminkt verläßt
und mit leeren Händen zurückkehrt; ein Möbelverkäu-
fer, der keine Kunden findet und für seine kranke Frau
und die Kinder sorgen muß; eine Hauswirtin, die sich
jeden Tag sorgt, nicht genügend Miete einzutreiben, um
ihren spielsüchtigen Sohn zu unterstützen; ein Lehrer,
der sein Gehalt nicht ausgezahlt bekommt; sowie ein
Chauffeur, dessen tägliche Arbeit darin besteht, Frauen
durch die Stadt zu fahren.« (Zheng Dongtian)

Freitag, 17. Dezember 2004, 18.30 Uhr

SHENNÜ (DIE GÖTTIN) – China 1934 – R+B: Wu Yon-
ggang – K: Hong Weilie – D: Ruan Lingyu, Zhang
Zhizhi, Li Keng – 81 min (24 B/sec), OmeU – »Ein le-
bendiges Bild der von rastlosem Chaos und leidvollem
Kummer geprägten Stadt. Im alten China nannte man
Straßenmädchen ›Göttinnen‹. Eine Prostituierte ver-
kauft sich, um ihren Sohn großziehen zu können. Trotz
aller Widrigkeiten und Erniedrigungen gelingt es ihr
nicht, ihm in der Schule Achtung zu verschaffen. Als sie
mit ihm die Stadt verlassen will, stellt sie fest, daß ihr
Zuhälter ihr gesamtes Geld verspielt hat. Als letztes
wichtiges Werk der chinesischen Stummfilmepoche ist
dies der künstlerische Höhepunkt der Filmproduktion
im Shanghai jener Zeit. Ruan Lingyu zeigt die mensch-
liche Würde einer ›Göttin‹ durch ihre subtile, von tiefer
innerer Erfahrung geprägten Körpersprache ebenso
überzeugend wie natürlich. Die letzte Szene zeigt die
inhaftierte, ins Dunkle blickende Mutter und, darüber
geblendet, das lächelnde Gesicht ihres Sohnes. In
ihrem Blick scheint eine bestimmte Erwartung mit-
zuschwingen. Tragischerweise setzte Ruan Lingyu, eine
der schönsten Schauspielerinnen des 20. Jahrhun-
derts, kurz nach Fertigstellung dieses Films mit 25
Jahren ihrem Leben ein Ende. Sie konnte im Alltag die
Beleidigungen, die sie in der von Männern dominierten
Shanghai Modern
21
Gesellschaft erleiden mußte, sowie die Erniedrigun-
gen durch Verleumder nicht mehr ertragen.« (Zheng
Dongtian)

Freitag, 17. Dezember 2004, 21.00 Uhr (Am Flügel:
Neil Brand)
ZI MEI HUA (ZWILLINGSSCHWESTERN) – China
1934 – R+B: Zheng Zhengqiu – K: Dong Keyi – D: Hu
Die, Zheng Xiaoqiu, Tan Zhiyuan, Xuan Jinglin –
86 min, OmeU – »Die Geschichte zweier Familien, die
verschiedenen sozialen Schichten angehören. Die bei-
den Hauptfiguren sind Zwillingsschwestern, die als Kin-
der voneinander getrennt wurden. Die eine Schwester,
Erbao, zieht mit ihrem Vater in die Stadt und wird als
Konkubine einer wohlhabenden Familie anvertraut.
Zehn Jahre später zieht auch die Schwester Dabao
vom Land in die Stadt und wird, wie es das Schicksal
will, die Amme von Erbaos Baby. Der dramatische Kon-
flikt zwischen den Zwillingsschwestern – jetzt Mätresse
und Dienerin – spitzt sich zu, als ein Todesfall eintritt. –
Familien- und Verwandtschaftsbeziehungen spielten in
der chinesischen Kultur schon immer eine große Rolle.
Der Film erweitert das tragische Muster und stellt die
Moral der Familie auf höchstem Niveau dar. Die außer-
gewöhnliche Beliebtheit des Films hat noch einen wei-
 teren Grund: die großartige darstellerische Leistung
von Hu Die, die beide Schwestern spielt. Der vierund-
zwanzigjährige Star sah sich einer äußerst schwierigen
Aufgabe gegenüber, sowohl was ihr äußeres Erschei-
nungsbild als auch was ihr schauspielerisches Können
betraf, da sie innerhalb desselben zeitlichen und räum-
lichen Rahmens zwei extrem unterschiedliche Charak-
tere verkörpern mußte.« (Zheng Dongtian)

Samstag, 18. Dezember 2004, 18.30 Uhr
LIAN’AI YU YIWU (LIEBE UND PFLICHT) – China 1931
– R: Richard Poh (Bu Wancang) – B: Zhu Shilin, nach
dem Roman von S. Rosen Hoa – K: Wong Sin Fan – D:
Ruan Lingyu, Raymond King (Jin Yan), Chen Yanyan, Liu
Shanghai Modern
Jiqun, Li Ying – 152 min (24 B/sec), OmeU – Der Film
basiert auf dem Roman einer in Peking lebenden Eu-
ropäerin. Sie schildert die tragische Liebesgeschichte
zweier Jugendlicher, die Tür an Tür heranwachsen,
aber nicht zueinander finden können, da das Mädchen
von ihrer Familie an einen anderen Mann verheiratet
wird. Jahre später treffen die Liebenden sich wieder.
22 Die Frau verläßt ihren Mann und flieht mit ihrem Ge-
liebten. Als dieser stirbt, bleibt sie mit der kleinen Toch-
ter in bitterer Not zurück. Jahre später trifft sie durch
einen Zufall die jetzt erwachsenen Kinder aus ihrer Ehe
wieder … Das Buch, erschienen in den zwanziger Jah-
ren auf Englisch und Chinesisch, sollte eigentlich west-
liche Leser mit den chinesischen Gesellschaftsstruktu-
ren bekannt machen, war aber in China erfolgreicher
als im Westen. Der große Erfolg des Films verdankte
sich nicht nur dem überzeugenden Drehbuch und der
exzellenten Produktion, sondern auch den brillianten
Leistungen der beiden Hauptdarsteller, dem koreani-
schen Star Jin Yan und – vor allem – der berühmtesten
chinesischen Diva ihrer Zeit, der späteren »Göttin«
Ruan Lingyu. Sie war erst zwanzig Jahre alt, konnte
aber auch die Figur der alten, an ihrem Schicksal zer-
brechenden Frau mit erstaunlicher Überzeugungskraft
darstellen. Überdies hat sie eine Doppelrolle – sie spielt
auch ihre erwachsene, eheliche Tochter (die Schau-
spielerin dieser Rolle wird in den Zwischentiteln als
»Lily Yuen« eingeführt – das war Ruan Lingyus engli-
scher Name).

Samstag, 18. Dezember 2004, 21.00 Uhr (Am Flügel:
Neil Brand)
LIAN HUA JIAOXIANGQU (LIAN HUA SYMPHONIE) –
China 1937 – R+B: Fei Mu, Cai Chusheng, Tan Youliu,
Zhu Shilin, He Mengfu, Situ Huimin, Shen Fu, Sun Yu –
K: Chen Chen, Huang Shaofen, Zhou Daming, Shen
Yongshi – D: Mei Xi, Chen Yanyan, Li Lili, Li Zhuozhuo,
Liu Qiong, Zhen Junli, Luo Peng, Li Qing, Liu Jiqun, Yin
Xiuqin, Wang Cilong – 95 min, OmeU – »Die Krise
Chinas in der Mitte der dreißiger Jahre und der völlig
veränderte Zeitgeist traten auch in den Filmen aus
Shanghai deutlich zutage. Die Stimmen der gegen
Japan gerichteten Nationalen Rettungsbewegung, die
überall in China ein breites Echo fanden, eroberten
auch die Kinoleinwand. Viele Filme über das urbane
Leben in Shanghai trugen, auf direkte oder metaphori-
sche Weise, zu dieser anschwellenden Flut bei. Dieser
Film, der unmittelbar vor der japanischen Invasion in
die Kinos kam, erschien als der gemeinsame Versuch
einer Gruppe von Filmemachern, die antijapanische
Stimmung anzuheizen. Er vereint in acht Episoden die
wichtigsten Regisseure und Schauspieler jener Zeit –
diese Künstler waren die mächtigen Säulen, auf denen
der gesamte Himmel der chinesischen Filmindustrie
(noch bis in die fünfziger Jahre) ruhte. Jede der stili-
stisch unterschiedlichen Episoden steht im Film für
sich.« (Zheng Dongtian)

Sonntag, 19. Dezember 2004, 18.30 Uhr
THE SHANGHAI GESTURE – USA 1941 – R: Josef von
Sternberg – B: Josef von Sternberg, Geza Herczeg,
Jules Furthman, Karl Vollmoeller, nach dem Stück von
John Colton – K: Paul Ivano – M: Richard Hageman –
D: Gene Tierney, Victor Mature, Ona Munson, Walter
Huston, Phyllis Brooks, Albert Bassermann, Marcel
Dalio, Eric Blore – 99 min, OF – »Years ago a speck
was torn away from the mystery of China and became
Shanghai. A distorted mirror of problems that beset the
world today, it grew into a refuge for people who
wished to live between the lines of laws and customs –
a modern Tower of Babel. Neither Chinese, European,
British nor American, it maintained itself for years in the
ever increasing whirlpool of war. Its destiny, at present,
is in the lap of the Gods – as is the destiny of all cities.
Our story has nothing to do with the present.« (Vor-
spruch des Films) Ein irreales, delirierendes Shanghai –
doch deswegen nicht weniger (vielleicht sogar mehr)
»wahr« als das wahre … Wo ist eben die Wahrheit in
solch einem irrlichternden Kosmos? Sternberg verwan-
delt die Geschichte eines Mannes, der seine Tochter in
den Spielhöllen von Shanghai findet, in einen perversen
(Alp-)Traum von Dekadenz, der seine Perversität noch
gerade an den Zensoren vorbeiretten konnte. »Shang-
hai ist für Sternberg mehr als ein exotischer Kinoort; es
ist Topos für ein Zeichensystem, das sich nicht nach
der westlichen alphabetischen Grundordnung regelt.«
(Frieda Grafe)

Sonntag, 19. Dezember 2004, 21.00 Uhr

EXIL SHANGHAI – Deutschland 1997 – R+B+K: Ulrike
Ottinger – 275 min, OmU – Shanghai war als ver-
heißungsvoller Ort der anscheinend unbegrenzten
Möglichkeiten in der Zeit des Nationalsozialismus auch
Fluchtpunkt für tausende europäische Juden. Basis des
Films sind Interviews mit sechs jüdischen Migranten
deutscher, österreichischer und russischer Herkunft,
deren Lebensläufe sich zur Zeit des Zweiten Weltkriegs
im Shanghaier Exil getroffen haben. Ulrike Ottinger
fächert ein dokumentarisches Kompendium von Ver-
gangenheit und Gegenwart, Asien und Europa, Kolo-
nial- und Exilgeschichte auf. Archivmaterial, Musik der
dreißiger und vierziger Jahre aus Europa und deren
chinesische Adaptionen sowie Bilder des heutigen
Shanghai zeigen die Spuren unserer Geschichte in der
Metropole auf. »Shanghai war damals ein völlig artifizi-
elles Gebilde. Es war exterritorial. Auf eine Art haben
die Emigranten in diese verrückte Szenerie gepaßt,
aber gleichzeitig standen sie auch völlig quer dazu.«
(Ulrike Ottinger)

Donnerstag, 13. Januar 2005, 19.00 Uhr
Shanghai Modern
23
YAO A YAO YAO DAO WAIPO QIAO (SHANGHAI SE-
RENADE) – China 1995 – R: Zhang Yimou – B: Bi Fei
Yu – K: Lu Yue – M: Zhang Guangtian – D: Gong Li, Li
Bao-Tian, Wang Xiao Xiao, Sun Chun, Li Xui Jian – 109
min, OmeU – »Eine Gangstergeschichte vom Kampf
zweier Triaden um die Vorherrschaft im mondänen
Shanghai der dreißiger Jahre. In der subtilen Charak-
terzeichnung der Figuren und in der Umgebung ihres
Handelns kulminieren die kultur- und gesellschaftskriti-
schen Aussagen dieser Allegorie auf das China der
neunziger Jahre. Immer wieder stoßen die Gegen-
satzpaare Land und Stadt, Tradition und Moderne, Ver-
trautheit und Entfremdung, Familie und Einsamkeit,
Traum und Enttäuschung, Unschuld und Schuld aufein-
ander: in den Herrschenden wie in den beherrschten
Personen, den zur Einheit mit der Natur gelangten Bau-
ern und den in die unberührte bäuerliche Welt eindrin-
genden und sie zerstörenden Städtern, den abstoßen-
den Bildern aus Shanghai und seinen Nachtclubs und
den berückenden Aufnahmen vom See Taihu, den un-
schuldigen Gesängen der Bauern und den verruchten
Liedern in den Amüsierquartieren. So rückt der Film
den Sieg der Harmonie über das Chaos in Gestalt einer
›Rückkehr zu den Wurzeln‹ als Hoffnungsträger für eine
bessere Zukunft in den Vordergrund.« (Stefan Kramer)

Freitag, 14. Januar 2005, 18.30 Uhr
 SHANGHAI ZHI YE (SHANGHAI BLUES) – Hongkong
1984 – R: Tsui Hark – B: Chan Guan-Chong, To Kwok-
Hui, Szeto Cheuk-Hon – K: Ngor Chi-Kwan – M: James
Wong – D: Sylvia Chang, Kenny Bee, Sally Yeh, Loretta
Li – 99 min, OmeU – »Eine phantastische Kreuzung
aus lupenreinem Melodram und amüsantem, burles-
kem Slapstick. Auch eine ›Etüde‹ über die Künstlichkeit
des Kinos, das sich in filmische Bewegungen auf-
fächert und ebenso viel über soziale wie emotionale
Beschaffenheit mitzuteilen vermag wie es seinerseits
Gefühle auslöst. Spannung, Melodramatik und Komik
sind die Elemente einer Geschichte, die sich stets auch
konkret auf den historischen Hintergrund bezieht:
Shanghai zeigt sich zugleich als grelle Neon-Metropole,
Shanghai Modern
in der es niemals dunkel wird, wie als Hort traditioneller
Poesie, etwa wenn die Menschen mit bunten Papier-
schirmen durch den Regen eilen, was Tsui Hark aus
der Aufsicht photographiert und zu faszinierender
Schönheit verdichtet. Und wohl nicht von ungefähr wird
der Nachtclub, in dem Shu auftritt, zum Abbild einer
Glamour-Welt, in der der politische Alltag ausgesperrt
24 und Shanghai als sagenhafter Ort besungen wird, an
dem jeder Traum in Erfüllung geht. Dies ist nicht zuletzt
eine Replik auf die Situation Hongkongs jener Zeit, bei
der es – wie in der trivialen Liebesgeschichte des Films
– um Trennung und Verlust, um Wiederbegegnung und
Rückkehr geht.« (Horst Peter Koll)

Freitag, 14. Januar 2005, 21.00 Uhr
HUA YAN (DAZZLING) – China 2001 – R: Xin Lee – B:
Sara Chen, Xin Lee – K: Huang Lian – M: Xiao Ming
Zhu, Dou Wie – D: Wu Lala, Cui Zongli, Zhunag Min, Xu
Jinglei, Mei Ting – 84 min, OmeU – Wenn sich zwei
Menschen ineinander verlieben, dann scheint auf ihrer
Stirn ein roter Stern auf – sehen können das allerdings
nur die Engel. Wu Gang ist Platzanweiser in einem
Shanghaier Kino. Er will lernen, die Engel zu sehen und
so die Liebe finden. »Der Film fängt die Lebensart des
kosmopolitischen modernen Shanghai auf erfrischend
neue Art ein. Dies ist eine chinesische High-Tech-Ver-
sion (mit erstaunlichen Special Effects) von Wim Wen-
ders’ DER HIMMEL ÜBER BERLIN, mit Anklängen auch
an THE MATRIX – die Engel tragen lange schwarze
Mäntel. Diese zwei Referenzen bezeichnen sehr gut die
hauptsächlichen kulturellen Interessen des modernen,
jungen Shanghai: amerikanische Pop-Kultur und eu-
ropäische Kunst-Kultur. Beide Tendenzen überwinden
die alte Trennung von hoher und niedriger Kultur auf ty-
pisch postmoderne Weise.« (Chris Berry)

Samstag, 15. Januar 2005, 18.30 Uhr (Einführung:
Anja Götte)
HAI SHANG HUA (BLUMEN AUS SHANGHAI) – Taiwan
1996 – R: Hou Hsiao-Hsien – B: Chu Tien-Wen, nach
dem Roman von Han Ziyun – K: Lee Ping-Bin – M:
Hanno Yoshihiro – D: Tony Leung, Hada Michiko, Carina
Lau, Michele Reis, Jack Kao, Fang Shuan – 130 min,
OmeU – Shanghai in den achtziger Jahren des
19. Jahrhunderts. Die Geschichte rankt sich um vier lu-
xuriöse Bordelle, genannt »Blumenhäuser«, im briti-
schen Viertel. Mit außergewöhnlich langen Einstellun-
gen nimmt uns Hou Hsiao-hsien auf eine bildgewaltige
Reise in ein Universum der Liebe, Macht und Erotik
außerhalb der Zeit. »Die Welt der Blumenhäuser er-
scheint wie ein eigenes, auf begrenzte Innenräume un-
endlich verdichtetes Universum. Von dem Shanghai
jener genau datierten Zeit weiß ich nichts. Eine Ahnung
davon bekomme ich durch die Kostüme, Frisuren, die
Interieurs und die jener Zeit nachempfundenen Licht-
verhältnisse. Bis auf den Wutausbruch eines eifersüch-
tigen Mannes und den mißlungenen Selbstmordver-
such eines betrogenen Blumenmädchens gibt es keine
gezeigte Gewalt. Aber aus den Dialogen, den aus der
Distanz gezeigten Gesichtern, den Gesten, ja sogar aus
dem Klang des Sprechens erfährt man, daß diese de-
korierte Welt für die meisten der Frauen mit ihren teu-
ren Kleidern und ihrem prunkvollen Schmuck eine Hölle
ist.« (Rüdiger Tomczak)

Samstag, 15. Januar 2005, 21.00 Uhr
WUO MEN HAI PA (SHANGHAI PANIC) – China
2002 – R+B: Andrew Cheng, nach der Erzählung »We
are Panic« von Mian Mian (Shen Wang) – K: Andrew
Cheng – M: Zhao Ke – D: Mian Mian, Li Zhinan, Yang
Yuting, He Weiyan, Zhou Zhijie, Zhou Liang – 87 min,
OmeU – Ein Film, der Kälte, Rohheit, Wildheit und Ein-
samkeit widerspiegelt – digital gedreht und bewußt die
Normen der herkömmlichen Filmästhetik brechend.
Der junge Bei befürchtet, an AIDS erkrankt zu sein.
Seine drei engsten Freunde erzählen ihm von
Gerüchten, daß AIDS-Kranke auf eine mysteriöse Insel
gebracht würden. Verängstigt und mehr oder weniger
isoliert verbringen die Freunde ihre Zeit in Shanghaier
Karaoke-Bars, konsumieren billige Drogen und ver-
stricken sich in erotischen Abenteuern und Phantasien.
»Ich verwende die digitale Kamera als Feder, mit der
ich meiner Heimatstadt Shanghai gegenüber meine
Dankbarkeit ausdrücke, auch wenn es manchmal
etwas wild wird. Dieser Film verstärkte die Bitterkeit
und die Angst auf dem tiefsten Grund unserer Herzen
und verwandelte sie in ein wütendes Feuer. Kein Regen
kann dieses Feuer löschen.« (Andrew Cheng)

Sonntag, 16. Januar 2005, 18.30 Uhr

Künstler-Videos der ShanghART Gallery: WILL (WE
MUST) – China 1997 – R+B: Zhou Tiehai – 8 min –
CITY LIGHT – China 2000 – R+B: Yang Fudong –
6 min – 922 RICECORNS – China 2000 – R+B: Yang
Zhenzhong – 8 min – THE HAPPIEST WINTER
DAY – China 2003 – R+B: Liang Yue – 8 min – DEAF
LAND – China 2003 – R+B: Liang Yue – 9 min
– NOWHERE – China 2003 – R+B: Liang Yue – 12 min
– RAINBOW – China 1998 – R+B: Xu Zhen – 3 min –
SHOUTING – China 1998 – R+B: Xu Zhen – 4 min
– WE ARE RIGHT BACK – China 2002 – R+B: Xu Zhen
– 4 min – SOMETHING IN THE WATER – China 2004
– R+B: Hu Jieming – 7 min – THREE DAYS AGO –
China 2003 – R+B: Song Tao & B 6 – 8 min – LIGHT
AS FUCK – China 2003 – R+B: Yang Zhenzhong –
6 min – BEFORE THE FIRST STEAM LOCOMOTIVE
WAS BORN – China 2003 – R+B: Lu Chunsheng –
35 min – Die Neun-Millionen-Stadt mit rasantem wirt-
schaftlichem Wachstum und großen sozialen Kontra-
sten ist heute wieder gesellschaftspolitisches Experi-
mentierfeld für das Neue Jahrtausend zwischen hoch-
fliegender Utopie und widersprüchlicher Alltagsrealität.
Shanghai beherbergt eine junge Kunst- und Kultur-
Shanghai Modern
25
szene, die sowohl gesellschaftliche als auch ästheti-
sche Grenzen zu sprengen weiß. Seit 1996 ist die
ShanghART Gallery die wohl wichtigste unabhängige
Galerie für zeitgenössische Kunst in China. Sie vertritt
inzwischen etwa fünfzig der derzeit bekanntesten chi-
nesischen Künstler. Diese Künstler kommen aus unter-
schiedlichen Generationen und auch Ihre Arbeiten sind
völlig heterogen: Ölmalerei, Tuschearbeiten, Photogra-
phie und Video – so unterschiedlich wie die verwende-
ten Medien sind auch die künstlerischen Ansätze. Die-
ses Programm zeigt eine Auswahl signifikanter Video-
arbeiten aus den vergangenen Jahren.

Sonntag, 16. Januar 2005, 21.00 Uhr (Einführung:
Heike Kraemer)
Fotos: Mingxing Studios 1938 / SHANGHAI EXPRESS / ZI MEI
HUA – ZWILLINGSSCHWESTERN / EXIL SHANGHAI / LIGHT AS
FUCK

Unsichtbares Kino
26 Warten gehört zum Urzustand des Kinos … Warten, bis
das Licht ausgeht im Saal und der Vorhang sich aus-
einanderschiebt, die Spannung sich lösen wird mit dem
ersten Bild … Warten auf die Filme, die uns vor dem
Film die Werbetrailer in ihrem »Coming soon« für die
nächste Woche, den kommenden Monat avisieren …
Warten auf all die Werke, die auf den Festivals und in
den Retrospektiven im Verlauf eines Jahres laufen,
über die man gelesen hat, von denen man sich hat er-
zählen lassen von Freunden und Kollegen …
Das Warten gehört zum Kino, und das Kino hat dem
Warten seinen eigenen ästhetischen Eros gegeben.
»Das wahre Bild der Vergangenheit huscht vorbei«, hat
in nahezu cineastischer Hellsicht Walter Benjamin
erklärt: »Nur als Bild, das auf Nimmerwiedersehen im
Augenblick seiner Erkennbarkeit eben aufblitzt, ist die
Vergangenheit festzuhalten.« Das Kino, so scheint es,
ist gerade dabei, sich eine Gegenwart zu schaffen, die
auf ihre Vergangenheit gern verzichten kann.
Das Nimmerwiedersehen ist inzwischen auch das
Schicksal der Filme aus aller Welt. Die magischen Mo-
mente des Kinojahrs verschieben sich ins Imaginäre.
Wir leben nicht mehr von dem, was wir gesehen haben
und in Erinnerung behalten, sondern von dem, was wir
erträumen und womöglich nie auf der Leinwand er-
blicken werden. Kinoalltag heute: Versprechen werden
nicht mehr eingelöst, angekündigte Filme verschwin-
Unsichtbares Kino
den von den Startlisten, oder sie laufen nur in ein, zwei
Städten, und wenn sie es doch mal zu uns geschafft
haben, werden sie nach einer Woche wieder abgesetzt.
Die Verwertungszwänge sind unerbittlich, die Zeit, die
dem einzelnen Film gegönnt wird, um sich zu entfalten,
ist kurz. Gnadenlose Auslese, survival of the fittest.
Zum Trost werden wir auf Video und DVD verwiesen,
wo alles zusammengekarrt, gesammelt, parat gehalten
wird.
Sechs Filme will das Filmmuseum aus der Warte-
schleife holen, sechs Filme endlich (wieder) auf die
Leinwand bringen, auf die im vorigen Jahr mit starkem
Interesse und besonderer Faszination reflektiert wurde.
Sechs magische Momente eines Kinojahrs, und sechs
Autoren, die nicht glauben mögen, daß sie ihr Publikum
verloren haben, die auf ein wenig Aufmerksamkeit hof-
fen, eine Chance, sich endlich im Kino zu präsentieren.
Sechs Filme auch, natürlich, die über die Dialektik von
Vergessen und Erinnern spekulieren.
Der sinistre Spider zum Beispiel, in David Cronenbergs
gleichnamigem Film, der sich in seine Vergangenheit
verkriecht, in sein Gespinst von Schuld und Sühne …
Seit mehr als zwanzig Jahren macht Cronenberg sein
kafkaeskes Isolationskino, in VIDEODROME, DEAD
RINGERS und CRASH – und er hat es nun zu einer Per-
fektion gebracht, die keine Hoffnung auf Rettung mehr
zuläßt. No-Exit-Kino!
Übers Schuld-und-Sühne-Stadium ist Aleksandr Soku-
rov inzwischen hinaus, mit RUSSIAN ARK hat er sogar
einen internationalen Erfolg gelandet, aber der neue
Film, VATER UND SOHN, hat viele Monate gebraucht,
bis er, am Jahresende, endlich eine Woche Spielzeit in
einem Münchner Programmkino gekriegt hat. Ein fröh-
licher kleiner Sokurov, vielleicht hat gerade das die Kri-
tiker verwirrt – hier huschen Momente der Freiheit über
die Leinwand, die unglaublich sind, die Menschen ver-
lassen durch die Fenster ihre Wohnungen und tummeln
sich auf den Dächern, als wäre der Himmel ein Zirkus-
zelt geworden.
Ein Taiwaner in Tokyo, ein Meister des leeren Zentrums:
»Manche meiner Einstellungen mögen leer wirken,
aber das ist ein Irrtum …« Hou Hsiao-Hsien erzählte
klar und bewegend von den Lehr- und Wander- und
Leidensjahren der Jugend seines Landes, nun hat er
sich in die ferne Metropole begeben und eine Hom-
mage an seinen Meister Ozu gedreht – dem das Film-
museum im Vorjahr eine Retrospektive gewidmet
hatte … Und siehe da, im Jahr 102 nach Ozus Geburt
lebt sein Geist in den Bildern dieses Films. Und die
Züge fahren immer noch mit der gleichen Heiterkeit
durch die Straßen der Stadt.
Zwei Frauen. Maggie Cheung, die Muse (und Ex-Frau)
von Olivier Assayas – CLEAN heißt ihr neuer Film, sie
ist dafür in Cannes als beste Schauspielerin aus-
gezeichnet worden. In Deutschland ist der Film ohne
Verleih, so wie das auch mit DEMONLOVER gewesen
ist, dem vorigen. Maggie will clean werden, sich frei
machen von der Sucht, nur dann kann sie ihren Sohn
zurückkriegen aus der Obhut des Großvaters. Ein klarer
Film, wunderschön in seiner Aufrichtigkeit, mit dem
Assayas nach Experimenten mit dem Exzeß zu seinen
Anfängen zurückkehrt.
Ashley Judd, Hollywoods stärkste Frau des Jahres. Ihr
Suchtproblem ist vergleichsweise harmlos – sie trinkt
gern ein Glas Wein zuviel, um den Kopf wieder frei zu
kriegen nach dem brutalen, deprimierenden Tag. In
TWISTED muß sie sich in einem Männerberuf durch-
setzen, als Cop, auf der Suche nach einem brutalen
Killer in der Stadt San Francisco. Oder ist der Killer hin-
ter ihr her? Philip Kaufman war in den Achtzigern ein
hoffnungsvoller Auteur gewesen, und schafft es auch
in seinem neuen Film, von der unerträglichen Leichtig-
keit des Seins etwas einzufangen.
Ein Hoch der Komödie: Keiner praktiziert ihre Kunst so
präzise wie Robert Luketic, das hat er mit LEGALLY
BLONDE bewiesen. Nun wollen wir TAD HAMILTON
sehen, seinen zweiten Film – über ein Mädel in West
Virginia, das von eiinem Jungstar träumt im fernen Hol-
lywood … Ein Plot, der nicht zufällig an die Stücke von
Tashlin erinnert in den Fünfzigern und Sechzigern. Und
eines Tages gewinnt sie ein Date mit dem Mann der
Träume, und da hat das Warten in diesem Film tatsäch-
lich ein glückliches Ende. Fritz Göttler
OTEC I SYN (VATER UND SOHN) – Rußland 2003 – R:
Aleksandr Sokurov – B: Sergej Potepalov – K: Alek-
sandr Burov – M: Andrej Sigle – D: Andre Schtscheti-
nin, Aleksej Nejmyshev, Aleksandr Razbash, Fedor La-
vrov, Marina Zasuchina – 84 min, OmU

Dienstag, 11. Januar 2005, 21.00 Uhr

Mittwoch,
12. Januar 2005, 21.00 Uhr
WIN A DATE WITH TAD HAMILTON! (TOTAL VER-
KNALLT IN TAD HAMILTON) – USA 2004 – R: Robert
Luketic – B: Victor Levin – K: Peter Lyons Collister – M:
Unsichtbares Kino
Ed Shearmur – D: Kate Bosworth, Topher Grace, Josh
Duhamel, Nathan Lane, Sean Hayes – 95 min, OF

Dienstag, 18. Januar 2005, 21.00 Uhr
Mittwoch,
19. Januar 2005, 21.00 Uhr
SPIDER – Kanada 2002 – R: David Cronenberg – B:
Patrick McGrath – K: Peter Suschitzky – M: Howard
Shore – D: Ralph Fiennes, Miranda Richardson, Gabriel 27
Byrne, Lynn Redgrave, John Neville – 98 min, OF

Dienstag, 25. Januar 2005, 21.00 Uhr

Mittwoch,
26. Januar 2005, 21.00 Uhr
CLEAN – Frankreich 2004 – R+B: Olivier Assayas –
K: Eric Gautier – M: Brian Eno, David Roback, Tricky –
D: Maggie Cheung, Nick Nolte, Béatrice Dalle, Jeanne
Balibar, Don McKellar, Martha Henry – 110 min, OmU

Dienstag, 1. Februar 2005, 21.00 Uhr

Mittwoch,
2. Februar 2005, 21.00 Uhr
TWISTED (DER ERSTE VERDACHT) – USA 2003 – R:
Philip Kaufman – B: Sarah Thorp – K: Peter Deming –
M: Mark Isham – D: Ashley Judd, Samuel L. Jackson,
Andy Garcia, David Strathairn – 97 min, OF

Dienstag, 15. Februar 2005, 21.00 Uhr

Mittwoch,
16. Februar 2005, 21.00 Uhr
KOHI JIKOU (CAFÉ LUMIÈRE) – Japan 2003 – R: Hou
Hsiao-Hsien – B: Hou Hsiao-Hsien, Chu T’ien-Wen – K:
Lee Ping-Bing – M: Inoue Yousui – D: Yo Hitoto, Tada-
nobu Asano, Masato Hagiwara – 104 min, OmeU

Dienstag, 22. Februar 2005, 21.00 Uhr

Mittwoch,
23. Februar 2005, 21.00 Uhr
Foto: OTEC I SYN – VATER UND SOHN
Das Kino von Carl Theodor Dreyer
Carl Theodor Dreyer, der zwischen 1918 und 1964 nur
14 Spielfilme gedreht hat, wird als einer der großen
Meister des Kinos angesehen. Er wurde 1889 als
uneheliches Kind einer schwedischen Dienstmagd in
Kopenhagen geboren, die zwei Jahre später an den
Folgen einer versuchten Abtreibung starb. Seinen Vater
lernte er nie kennen. Er wurde adoptiert, nach seinem
Adoptivvater benannt und wuchs in einer protestanti-
schen Familie auf, die ihm allerdings kein liebevolles
Zuhause bot. Dreyer begann schon früh als Journalist
zu arbeiten und stieß 1912 zur Filmproduktionsfirma
Nordisk Film Kompagnie, für die er zunächst Zwi-
schentitel verfaßte, dann Drehbücher schrieb und spä-
ter auch als Cutter arbeitete. 1918 hatte er die Gele-
genheit, seinen ersten Film zu drehen, PRAESIDENTEN,
ein Melodrama in skandinavischer Tradition, das – wie
alle Filme von Dreyer – nicht auf einem Originaldreh-
buch basiert, sondern auf einer literarischen Vorlage.
Schon bei seinem Debütfilm zeigte sich der gewisse
Dreyer Touch: inhaltlich das Thema der Schuld und der
leidenden Frau, visuell im Dekor, in der Ausstattung und
in der Verwendung von Großaufnahmen. In seinem
Carl Theodor Dreyer
29
zweiten Film BLADE AF SATANS BOG befaßt sich
Dreyer bereits mit einem Thema, das fast alle seine
Filme durchziehen soll: das Böse und sein Einfluß auf
die Menschen.
Dreyer entwickelte seinen eigenen intensiven expres-
sionistischen Stil, den er benötigte, um menschliche
Leidenschaft zu vermitteln, verbunden mit einer sehr
präzisen Kameraarbeit und einem erstaunlichen, fast
schon obsessiven Einfühlungsvermögen mit dem gei-
stigen, körperlichen und gefühlsmäßigen Leiden von
Frauen. Dreyers Filme werden häufig als schwer und
düster bezeichnet, was sicher auch seine Berechtigung
hat. Seine Filme handeln oft von Leid, Gewalt und Tod,
bewahren sich aber dennoch einen gewissen Optimis-
mus, indem der Wille oder der Glauben am Ende siegt.
Obwohl er sich in seinen Filmen viel mit dem Seelen-
leben seiner Figuren beschäftigt hat, hat sich Dreyer
beim Porträtieren stets eine Unparteilichkeit bewahrt. In
seiner Beschreibung des Subjektiven behielt er sich
immer auch einen hohen Grad an Objektivität vor. Seine
künstlerische Methode beschrieb er 1955 in einem
Text, den wir auszugsweise wiedergeben:
 »Die reproduktiven Eigenschaften des Films haben den
Naturalismus begünstigt; er hat jene Grenzen gesetzt,
die es nun zu überwinden gilt, zugunsten der reinen
Imagination. Wir müssen den Film vom Naturalismus
befreien. Wir müssen endlich erkennen, daß wir mit
dem Kopieren der Wirklichkeit lediglich Zeit ver-
schwenden. Wir müssen mit der Kamera eine neue
Sprache, einen neuen Stil schaffen.
Den wahren Stil erkennt man daran, daß er sich vom
Inhalt nicht abstrahieren läßt, daß beide eine Synthese
bilden. Ist der Stil dagegen zu gewollt, zu auffällig, wird
er zur Manier. Ich selbst verstehe unter ›Stil‹ die ›Hand-
schrift der künstlerischen Inspiration‹. Im Stil finden wir
gewisse Charakterzüge, Wesenszüge des Künstlers
wieder.
Solange der Regisseur alles möglichst unpersönlich,
lieblos fotografiert, so wie es sich dem Auge darbietet,
entsteht kein Stil. Bedient er sich jedoch seiner Intelli-
genz und nimmt er, was er sieht, zum Anlaß, sich ein
Bild zu machen, bemüht er sich, diese seine Vision im
Carl Theodor Dreyer
Film zu verwirklichen, ohne der Realität, von der er aus-
ging, Rechnung zu tragen, wird sein Werk das glorrei-
che Insignium der Inspiration tragen, wird sich sein
Film durch Stil auszeichnen.
Kann die Filmkunst sich erneuern? Ich kann nur in mei-
nem Namen antworten, und ich sehe nur einen Weg,
den der Abstraktion. Die Abstraktion aber verlangt vom
30 Regisseur, daß er auch von seiner Realität absieht –
zugunsten des geistigen Gehalts seiner Filme. Kurz, er
soll nicht das äußere, sondern das innere Leben auf-
zeichnen. Die Abstraktion ermöglicht dem Regisseur,
die Grenzen des Naturalismus zu überwinden; durch
sie werden seine Filme nicht mehr nur visuell, sondern
spirituell. Der Regisseur muß das Publikum an seinen
geistigen und künstlerischen Erfahrungen teilhaben
lassen, dies erreicht er, indem er eine objektive Realität
durch Abstraktion in ein subjektives Bild umsetzt.
Der Begriff der Abstraktion mag in den Ohren von Film-
schaffenden unschön klingen. Mir geht es aber nur
darum, zu zeigen, daß sich hinter dem beschränkten,
faden Naturalismus eine andere Welt, die Welt der Ima-
gination öffnet. Natürlich muß die Verwandlung so vor
sich gehen, daß der Regisseur nicht die Kontrolle über
die Realität verliert. Seine abstrahierte Wirklichkeit muß
stets so beschaffen bleiben, daß das Publikum sie er-
kennen und an sie glauben kann. Natürlich müssen die
ersten Schritte zur Abstraktion behutsam unternom-
men werden. Man soll das Publikum nicht vor den Kopf
stoßen, sondern geduldig mit neuen ästhetischen For-
men vertraut machen. Das Experiment lohnt sich,
schon um der zahlreichen Perspektiven willen, die es
eröffnet. Vielleicht wird es niemals einen dreidimen-
sionalen Film geben – doch die Abstraktion wird uns
erlauben, eine vierte und fünfte Dimension einzu-
führen.«
Dreyer verstarb 1968. Sein Drehbuch zu MEDEA wurde
1988 von Lars von Trier verfilmt, alle Dokumente über
den lebenslang geplanten Jesus-Film, an dem er bis zu
seinem Tod gearbeitet hat, wurden in einem Film des
dänischen Fernsehens zusammengestellt. »Carl Theo-
dor Dreyer hatte es in Dänemark immer schwer gehabt
mit seinen Filmen, als ob das Land zu klein wäre für
seine unangepaßte Größe.« (Hauke Lange-Fuchs)
CARL THEODOR DREYER – Dänemark 1966 – R+B:
Jørgen Roos – K: Jørgen Roos, Henning Bendtsen –
30 min, OmU – »Der Film wurde öffentlich nur bei einer
Pressevorführung in Kopenhagen und in einer französi-
schen Fassung bei einer vom Dänischen Filmmuseum
arrangierten Dreyer-Ausstellung in Paris gezeigt. Roos
hatte ihn während der Dreharbeiten Dreyers an dem
Palladium-Film GERTRUD aufgenommen und darüber
hinaus einige kurze Filmzitate u. a. aus zwei weiteren
Palladium-Filmen Dreyers benutzt. Nach der Vor-
führung in Paris verlangte Palladium eine derart hohe
Summe für die verwendeten Zitate, daß Dansk Kultur-
film sie nicht zahlen konnte – und der Film nicht in den
Verleih ging.« (Christian Alsted) »Was dieser Film da-
gegen nicht zeigt, ist, daß wir in Dreyer einen Künstler
von Weltformat besaßen und daß wir in der üblichen
dänischen Kleinbürgermentalität alles taten, um ihn
daran zu hindern, Filme zu machen. … So wie der Film
ist, erscheint er fast wie ein ›Nekrolog‹ – der zwei Jahre
zu früh gemacht wurde und 21 Jahre zu spät heraus-
kam!« (Jens Pedersen) – DR. COOK, NORDPOLENS
OPDAGER – Dänemark 1909 – 6 min – Ein Wochen-
schaubericht, in dem der junge Carl Theodor Dreyer als
Journalist zu sehen ist. – PAVILLONENS HEMMELIG-
HED (DAS GEHEIMNIS DES PAVILLONS) – Dänemark
1916 – R: Karl Mantzius – B: Carl Theodor Dreyer, nach
dem Roman von Viggo Cavling – K: Louis Larsen –
44 min, OmeU – Mindestens 22 Filme sind zwischen
1912 und 1918 nach Drehbüchern von Dreyer ent-
standen, von denen nur zwei erhalten geblieben sind.
PAVILLONENS HEMMELIGHED ist ein Kriminalfilm, der
typisch ist für die Mehrzahl von Dreyers Drehbuchar-
beiten. Regisseur Karl Mantzius war einer der angese-
hensten Schauspieler des dänischen Stummfilms zu
dieser Zeit. – DIE VERSCHIEDENEN VERSIONEN VON
CARL THEODOR DREYERS MEISTERWERKEN – Vor-
trag mit Filmausschnitten von Casper Tybjerg – 40 min
– JESUSFILMEN: ET LIVSVÆRK (DER JESUSFILM:
EIN LEBENSWERK) – Dänemark 1970 – R: Lars Graff
Nielsen – 40 min, englische Fassung – »Jesus von
Nazareth« war das große Filmprojekt, das Dreyer über
37 Jahre hindurch beschäftigt hat, welches er aber nie
verwirklichen konnte. Es wäre die Krönung seines
Lebenswerkes gewesen, das ein einziges Thema viele
Male variiert hat: der Individualist, der an der Intoleranz
seiner Umgebung scheitert. »Jedes Mal, wenn ich
einen Film gedreht habe, habe ich überlegt, was ich
davon für meinen Jesus-Film verwenden könnte.« (Carl
Theodor Dreyer) Anhand der vorliegenden Texte, Noti-
zen und Fotos, die während Dreyers Recherchen ent-
standen sind, versucht dieser Film, Szenen aus dem
Jesus-Film zu konstruieren.

Donnerstag, 20. Januar 2005, 19.00 Uhr (Einführung:
Casper Tybjerg)
PRAESIDENTEN (DER PRÄSIDENT) – Dänemark
1919 – R+B: Carl Theodor Dreyer, nach einer Novelle
von Karl Emil Franzos – K: Hans Vaagø – D: Halvard
Hoff, Elith Pio, Carl Meyer, Olga Raphael-Linden, Betty
Kirkebeye – 89 min (16 B/s), OmeU – Dreyers erster
Spielfilm besitzt schon eine große visuelle Kraft und
viele Erkennungsmerkmale seiner späteren Filme: ein
klarer, einfacher Stil und Bauten, die wie gerahmt wir-
ken. PRAESIDENTEN ist ein Melodram über Männer
aus verschiedenen Generationen, die ihrer Verantwor-
tung als Väter gegenüber Frauen der unteren Gesell-
schaftsschicht nicht nachkommen. Im Mittelpunkt steht
die Geschichte eines Richters, der sich entscheiden
muß zwischen seiner Ehre und seiner sozialen Position
und seiner unehelichen Tochter, die angeklagt ist, ihr
ebenfalls uneheliches Kind getötet zu haben. Die An-
spielung auf Dreyers eigene Kindheit ist unübersehbar.
Der Film wird in einer 1999 vom Dänischen Filminstitut
rekonstruierten viragierten Fassung gezeigt, in die auch
alle Zwischentitel wieder eingefügt worden sind.

Dienstag, 18. Januar 2005, 18.30 Uhr

Samstag,
22. Januar 2005, 21.00 Uhr
BLADE AF SATANS BOG (BLÄTTER AUS DEM BUCHE
SATANS) – Dänemark 1919 – R: Carl Theodor Dreyer
– B: Edgar Høyer, Carl Theodor Dreyer, nach der Novelle
»Sorrows of Satan« von Marie Corelli – K: George
Schnéevoigt – D: Helge Nissen, Halvard Hoff, Jacob
Texiere, Erling Hansson, Elith Pio – 135 min (20 B/s),
OmeU – Der deutlich an D. W. Griffiths INTOLERANCE
(1916) orientierte Film prangert in vier Episoden die In-
toleranz der Menschen durch die Versuchungen Satans
an, der in immer neuen Verkleidungen auftritt (Der Ver-
rat Judas’ an Jesus / Spanische Inquisition / Französi-
sche Revolution / Die rote Garde). Die Episoden sind un-
terschiedlich gestaltet, Dreyer experimentiert mit ver-
schiedenen Stilmitteln. Zum ersten Mal benutzt Dreyer
bewußt die Landschaft, um Atmosphäre visuell auszu-
drücken.

Dienstag, 25. Januar 2005, 18.30 Uhr

Freitag,
28. Januar 2005, 21.00 Uhr
Carl Theodor Dreyer
PRÄSTÄNKAN (DIE PFARRERSWITWE) – Schweden
1920 – R+B: Carl Theodor Dreyer, nach einer Kurzge-
schichte von Kristofer Janson – K: George Schnéevoigt
– D: Hildur Carlberg, Einar Rød, Greta Almroth, Olav
Aukrust, Kurt Welin – 89 min (20 B/s), OmeU – Ein im
17. Jahrhundert angesiedeltes Lebens- und Liebes-
lustspiel, das in Norwegen spielt, on location in Lille- 31
hammer gedreht und stilistisch von Victor Sjöström be-
einflußt wurde: Ein junger Vikar muß die Witwe eines
alten Pfarrers heiraten, um eine eigene Pfarrei zu be-
kommen. »Wie verändert sich ein vertrauter Raum,
wenn man von einer Leiche hinter der Tür erfährt. Den
Effekt wollte Dreyer filmen. Hier wird er durch die be-
tagte Hauptdarstellerin selbst ausgelöst, die dann auch
noch vor der Premiere starb. Nur entsteht dadurch
nicht Horror, sondern echter schwarzer Humor. Eine ko-
mische Variante von DIES IRAE. Die visierten Institutio-
nen sind beidemal dieselben.« (Frieda Grafe)

Mittwoch, 19. Januar 2005, 18.30 Uhr

Sonntag,
23. Januar 2005, 21.00 Uhr (Am Flügel: Aljoscha Zim-
mermann)
DIE GEZEICHNETEN – Deutschland 1921 – R+B: Carl
Theodor Dreyer, nach der Novelle »Liebet einander«
von Aage Madelung – K: Friedrich Weinmann – D: Po-
lina Piekowska, Vladimir Gajdarov, Torleif Reiss, Richard
Boleslawski, Duwan – 93 min (20 B/s), russische Fas-
sung mit deutschen Untertiteln – Verlangen und Ehr-
geiz, Revolution und Pogrome gegen die Juden im rus-
sischen Reich kurz nach der letzten Jahrhundert-
Carl Theodor Dreyer
32 wende. DIE GEZEICHNETEN war einer von zwei Filmen,
die Dreyer in den zwanziger Jahren in Deutschland
gedreht hatte. Beeindruckend sind die umfangreichen
Bauten, die detailgetreue Ausstattung und vor allem die
Massenszenen, für die der Regisseur 600 russische
Juden verpflichtete. »Wladimir Matusewitsch, der in
Moskau diesen jahrelang verschollen geglaubten Film
wieder gefunden hat, versichert, Dreyer habe es besser
als die russischen Filmemacher verstanden, das All-
tagsleben in Rußland mit Wahrheit und Authentizität zu
evozieren.« (Jean Sémolué)

Mittwoch, 26. Januar 2005, 18.30 Uhr

Samstag,
29. Januar 2005, 21.00 Uhr
DER VAR ENGANG (ES WAR EINMAL) – Dänemark
1922 – R: Carl Theodor Dreyer – B: Carl Theodor
Dreyer, Palle Rosenkrantz, nach dem Theaterstück von
Holger Drachmann – K: George Schnéevoigt – D: Clara
Pontoppidan, Svend Methling, Peter Jerndorff, Hakon
Ahnfelt-Rønne, Karen Poulsen, Gerda Madsen –
70 min (18 B/s), OmeU – Eine märchenhafte Satire, die
Elemente von Hans Christians Andersens »Der
Schweinehirt« und Shakespeares »Der Widerspensti-
gen Zähmung« verarbeitet: Der Prinz von Dänemark
wirbt vergeblich um die mürrische Prinzessin von Illyria
und beschließt, sich zu verkleiden. »Bilder von däni-
schen Landschaften und Wäldern und der Bezug zu
literarischen Vorbildern zeigen, daß der Film als ›Natio-
naler Film‹ für den internationalen Markt konzipiert war,
so wie es das dänische Kino erfolgreich vorexerziert
hatte. Doch obwohl der Film in Dänemark ein großer
Erfolg war, wurde der Film nicht der Erfolg, den sich
Dreyer und seine Produktionsfirma erhofft hatten. Den-
noch machen seine wunderbaren, lichtdurchfluteten
Bilder ihn zu einem ungewöhnlichen und bemerkens-
werten Werk sowohl in der dänischen Filmgeschichte
wie auch im Oeuvre von Carl Theodor Dreyer.« (Casper
Tybjerg) Das erhaltene Fragment des Films wurde
2001 vom Dänischen Filminstitut durch erklärende
Zwischentitel und erhaltene Standphotos ergänzt.

Freitag, 21. Januar 2005, 21.00 Uhr (Einführung:
Casper Tybjerg)

Dienstag, 1. Februar 2005, 18.30
Uhr
MICHAEL – Deutschland 1924 – R: Carl Theodor
Dreyer – B: Carl Theodor Dreyer, Thea von Harbou,
nach der Novelle von Herman Bang – K: Karl Freund,
Rudolf Maté – D: Benjamin Christensen, Walter Slezak,
Nora Gregor, Robert Garrison, Grete Mosheim, Karl
Freund – 89 min (20 B/s) – »Ein Film voll Donner her-
aufziehender Veränderungen. Wie die Kunst, um die
Jahrhundertwende, durch den Einbruch der Sexualität
in ihrer Basis getroffen wurde. Nicht das homosexuelle,
idealistische Verhältnis zwischen dem Meister und dem
Schüler, dem klassizistischen Maler und seinem Modell
ist gemeint. Die Frau tritt wieder auf den Plan. Der
Junge macht die Kunst seines geistigen Vaters zu Geld
für die teure Geliebte. Ein unfaßbarer Film in der
Komplexität seiner Artikulation.« (Frieda Grafe) »Außer
DIES IRAE hat kein Dreyer-Film eine derart kunstvolle
Ausleuchtung. Das Licht streichelt die Gesichter, um
sie aus dem Dunkeln zu locken, und fast der ganze
Film besteht aus einer bewundernswerten Abfolge
von Großaufnahmen, die nicht so aggressiv sind wie
die von JEANNE D’ARC, aber ebenso kühn.« (Jean
Sémolué)

Sonntag, 30. Januar 2005, 21.00 Uhr (Am Flügel:
Aljoscha Zimmermann)

Mittwoch, 2. Februar 2005,
18.30 Uhr
DU SKAL AERE DIN HUSTRU (MASTER OF THE
HOUSE / EHRET EURE FRAUEN!) – Dänemark 1925 –
R: Carl Theodor Dreyer – B: Carl Theodor Dreyer, Svend
Rindom, nach seinem Theaterstück – K: George
Schnéevoigt – D: Johannes Meyer, Astrid Holm, Karin
Nellemose, Mathilde Nielsen, Aage Hoffman – 118 min
(18 B/s), englische Fassung – Ein engstirniger und
pedantischer Ehemann und Vater tyrannisiert seine
Familie, wird aber durch eine Verschwörung seiner Fa-
milie kuriert. Diese populäre Komödie ist auch eine in-
time psychologische Studie über männlichen Egoismus
und über eine Frau, die psychisch unter großem Druck
steht. »DU SKAL AERE DIN HUSTRU war einer der er-
sten dänischen Filme, die das französische Rezept
übernahmen, den Alltag gewöhnlicher Menschen zu
beobachten. Der Film war daher gerade in Frankreich
sehr erfolgreich; und diesem Erfolg verdankt Dreyer
letzten Endes die Möglichkeit, seinen Film LA PASSION
DE JEANNE D’ARC zu drehen.« (Dieter Krusche)

Freitag, 4. Februar 2005, 21.00 Uhr

Mittwoch,
9. Februar 2005, 18.30 Uhr
GLOMDALSBRUDEN (DIE BRAUT VON GLOMDAL) –
Norwegen 1925 – R+B: Carl Theodor Dreyer, nach den
Erzählungen »Glomdalsbruden« und »Eline Vangel« von
Jacob Breda Bull – K: Einar Olsen – D: Stub Wiberg,
Tove Tellback, Harald Stormoen, Einar Sissener, Einar
Tveito, Rasmus Rasmussen – 70 min (20 B/s), OmeU –
Die märchenhafte Liebesgeschichte eines armen
Bauernsohns, der um die reiche Nachbarstochter wirbt.
»Weiter als in dem meisterhaften DU SKAL AERE DIN
HUSTRU konnte Dreyer nicht mehr gehen bei seinem
Versuch, die menschlichen Verhaltensweisen zu analy-
sieren. Bevor er sich der Erforschung der Geheimnisse
der Seele zuwenden sollte, widmete er sich dem ver-
gnüglichen Zwischenspiel GLOMDALSBRUDEN, das
von vielen Kritikern zu Unrecht als unbedeutender Film
abgetan wird. Für diesen Film ging Dreyer wieder nach
Norwegen, das ihn schon zu PRÄSTÄNKAN inspiriert
hatte. Obwohl GLOMDALSBRUDEN denselben eigen-
artigen Humor aufweist, unterscheidet er sich durch
seine fließende, lyrische Atmosphäre, die an Mauritz
Stillers JUHA erinnert (aber über diesen Film hinaus-
weist). Dreyer zeigt in vielen Szenen, daß ihn die
emotionalen Untertöne viel stärker interessieren als die
vordergründige Handlung.« (Tom Milne)

Samstag, 5. Februar 2005, 21.00 Uhr

Dienstag,
15. Februar 2005, 18.30 Uhr
Carl Theodor Dreyer
LA PASSION DE JEANNE D`ARC (JEANNE D’ARCS
LEIDEN UND TOD) – Frankreich 1928 – R: Carl Theo-
dor Dreyer – B: Carl Theodor Dreyer, Joseph Delteil,
nach originalen Aufzeichnungen des Prozesses – K:
Rudolph Maté – D: Renée Falconetti, Eugène Silvain,
Maurice Schutz, Michel Simon, Antonin Artaud, Louis
Ravet – 98 min (20 B/s), dtF – »Dreyers meistgefeier-
tes Werk und einer der künstlerisch reinsten und wahr- 33
haft berührenden Filme der Stummfilmzeit, den er
selbst ›eine Hymne an den Triumph der Seele über das
Leben‹ nannte, war jahrelang nicht in der originalen
Fassung zu sehen. 1981 wurde eine dänische Original-
kopie in einer norwegischen Nervenheilanstalt gefun-
den, was zu einer neuen Wertschätzung dieses außer-
gewöhnlich formalen und emotionalen Films geführt
hat. Filmtechnisch markiert er einen Meilenstein mit
seiner fast abstrakten mittelalterlichen Gerichtsszene-
rie, seinem sicheren Instinkt für dramatische Komposi-
 tion, seinen wunderbar flüssigen Kamerafahrten und
den schnellen Schnitten zwischen extremen Nahauf-
nahmen von Jeanne zu ihren mitleidslosen Inquisito-
ren.« (Philip Horne)

Sonntag, 6. Februar 2005, 21.00 Uhr (Am Flügel: Aljo-
scha Zimmermann)

Mittwoch, 16. Februar 2005,
18.30 Uhr
VAMPYR – Deutschland 1932 – R: Carl Theodor
Dreyer – B: Carl Theodor Dreyer, Christen Jul, nach
einem Kapitel aus dem Buch »In a Glass Darkly« von
Sheridan Le Fanu – K: Rudolph Maté, Louis Née – M:
Wolfgang Zeller – D: Julian West (= Nicolas de Gunz-
burg), Sybille Schmitz, Henriette Gérard, Jan Hiero-
nimko, Maurice Schutz – 73 min – Dreyers erster Ton-
film ist ein Klassiker des Horror-Genres, der ganz vom
berühmten Weiß Dreyers durchtränkt ist, »jenem Weiß,
das man in gewissen morgendlichen Träumen erleben
kann, wenn das Tageslicht bereits auf das Auge fällt
und die Traumbilder auszuwischen beginnt.« (Peter
Carl Theodor Dreyer
Weiss). »Horror hat nichts mit den Dingen zu tun, die
uns umgeben, sondern er steckt in unserem Unter-
bewußtsein« (Dreyer). »So sehr sich Dreyers Kamera
zurückhielt, als sie JEANNE D’ARC filmte, so sehr be-
freit sie sich und wird zum Federhalter eines jungen
Mannes, um den Bewegungen des Vampyr die grauen
Mauern entlang zu folgen, ihnen vorauszueilen oder sie
34 zu erraten.« (François Truffaut)

Freitag, 11. Februar 2005, 21.00 Uhr

Dienstag,
22. Februar 2005, 18.30 Uhr
CARL TH. DREYER – MIN METIER (CARL TH.
DREYER – MEIN METIER) – Dänemark 1995 – R+B:
Torben Skjødt Jensen, nach einer Idee von Lars Bo
Kimergard – 94 min, OmeU – Eine Collage aus Gedan-
ken und Erinnerungen von und über Carl Theodor
Dreyer, in der auch Kollegen, die mit Dreyer gearbeitet
haben, wie Birgitte Federspiel, Preben Lerdorff Rye,
Baard Owe und Jørgen Roos zu Wort kommen.
»Dreyers eigene Aussagen über seine Berufung als Fil-
memacher, seine Leidenschaft, seine ästhetischen
Prinzipien und seine Sprache ziehen sich wie ein roter
Faden durch diese Dokumentation. Verknüpft ist dies
mit meiner persönlichen Auffassung von Bildsprache.
Mein eigenes Verständnis von Dreyer speist sich direkt
aus seinem Nachlaß, aus Standfotos, Skizzen, Briefen,
Manuskripten und Filmausschnitten, die überwiegend
aus der Sammlung des Dänischen Filmmuseums
stammen. Ich wende mich dann von den Geschichts-
büchern ab und kombiniere den Mythos mit der Gegen-
wart. Hier vereinigt sich Dreyers Vermächtnis mit unse-
rer Zeit und unserer Welt. Der rote Faden kann insofern
als mein ›filmpolitisches Manifest‹ angesehen wer-
den.« (Torben Skjødt Jensen)

Mittwoch, 9. Februar 2005, 21.00 Uhr
VREDENS DAG (DIES IRAE – TAG DER RACHE) –
Dänemark 1943 – R: Carl Theodor Dreyer – B: Carl
Theodor Dreyer, Mogens Skot-Hansen, Poul Knudsen,
nach dem Theaterstück »Anne Pedersdotter« von Hans
Wiers-Jenssen – K: Sandt-Jensen, Olga Thomsen –
M: Poul Schierbeck – D: Thorkild Roose, Lisbeth Movin,
Sigrid Neiiendam, Preben Lerdorff Rye, Anna Svierkier.
Albert Høberg – 95 min, OmeU – Dreyers erster Film
nach elf Jahren und während des 2. Weltkriegs ge-
dreht, kann durchaus als Allegorie auf die Besatzungs-
zeit durch die Nationalsozialisten verstanden werden.
Er spielt 1623 in einem dänischen Dorf, das von Angst,
Aberglauben und religiöser Grausamkeit beherrscht
wird. Für François Truffaut war DIES IRAE »die Synthese
aus den Filmen JEANNE D’ARC und VAMPYR« und ein
Film, »in dem man den schönsten weiblichen Akt der
Filmgeschichte sehen kann, den am wenigsten eroti-
schen, aber den fleischlichsten: Ich spreche von dem
weißen Körper der Marthe Herloff, der alten Frau, die
als Hexe verbrannt wird.«

Samstag, 12. Februar 2005, 21.00 Uhr

Mittwoch,
23. Februar 2005, 18.30 Uhr
Zwischen 1942 und 1956 stellte Dreyer insgesamt
13 Kurz- und Dokumentarfilme als staatliche Auftrags-
produktionen her, über Themen wie Kunst, Architektur,
Theater Gesundheitswesen und Verkehrssicherheit. –
MØDREHJAELPEN (GOOD MOTHERS / MÜTTERHIL-
FE) – Dänemark 1942 – R+B: Carl Theodor Dreyer –
K: Verner Jensen – M: Poul Schierbeck – 12 min, eng-
lische Fassung – VANDET PÅ LANDET (WASSER VOM
LAND) – Dänemark 1946 – R+B: Carl Theodor Dreyer
– M: Poul Schierbeck – 11 min – Ein erst kürzlich wie-
derentdeckter Kurzfilm von Dreyer, der unvollendet ge-
blieben ist. – LANDSBYKIRKEN (DORFKIRCHEN) –
Dänemark 1947 – R: Carl Theodor Dreyer – B: Carl
Theodor Dreyer, Bernhard Jensen – K: Preben Frank –
M: Svend Erik Tarp – 14 min, OF – KAMPEN MOD
KRÆFTEN (KAMPF GEGEN DEN KREBS) – Dänemark
1947 – R: Carl Theodor Dreyer – B: Carl Theodor
Dreyer, Carl Krebs – K: Preben Frank – M: Peter
Deutsch – 12 min, OF – THORVALDSEN – Dänemark
1949 – R: Carl Theodor Dreyer – B: Carl Theodor
Dreyer, Preben Frank – K: Preben Frank – M: Svend
Erik Tarp – 10 min, OF – SHAKESPEARE OG KRON-
BORG (SHAKESPEARE UND KRONBORG) – Däne-
mark 1950 – R: Jørgen Roos – B: Carl Theodor Dreyer
– K: Arne Jensen – M: Leif Kayser – D: Olaf Ussing, Erik
Mørk, Annemette Svendsen, Jokob Nielsen – 10 min,
OF – Ein literarisches Phantasiespiel über das Schloß
bei Helsingør als »Hamlet«-Stätte. – STORSTRØMS-
BROEN (DIE BRÜCKE VON STORSTRÖM) – Dänemark
1950 – R+B: Carl Theodor Dreyer – K: Preben Frank –
M: Svend S. Schultz – 7 min, ohne Kommentar – ET
SLOT I ET SLOT / KROGEN OG KRONBORG (EIN
SCHLOSS IM SCHLOSS) – Dänemark 1952/54 – R:
Carl Theodor Dreyer, Jørgen Roos – B: Carl Theodor
Dreyer – K: Jørgen Roos – Sprecher: Sven Ludvigseen
– 9 min, OF – Dreyer begann 1952 mit dieser Doku-
mentation über die Grabungs- und Restaurierungsar-
beiten im »Hamlet-Schloß« und überließ Roos deren
Fertigstellung, nachdem er mit den Dreharbeiten zu
ORDET begonnen hatte. – DE NÅEDE FÆRGEN (SIE
ERREICHTEN DIE FÄHRE) – Dänemark 1948 – R+B:
Carl Theodor Dreyer, nach der Kurzgeschichte von Jo-
hannes V. Jensen – K: Jørgen Roos – 12 min, OF – Ein
makabres Drama über ein junges Paar im Wettlauf mit
den Tod.

Sonntag, 13. Februar 2005, 21.00 Uhr
TVÅ MÄNNISKOR (ZWEI MENSCHEN) – Schweden
1944/45 – R: Carl Theodor Dreyer – B: Carl Theodor
Dreyer, Martin Glanner, nach dem Theaterstück »Atten-
tat« von W. O. Somin – K: Gunnar Fischer – M: Lars-
Erik Larsson – D: Georg Rydeberg, Wanda Rothgarth –
78 min, OmeU – Während der deutschen Besatzung in
Dänemark drehte Dreyer TVÅ MÄNNISKOR im neutra-
len Schweden. Die Einheit von Raum und Zeit wird
gewahrt: Der Film spielt nur an einem einzigen Ort, in
einer Wohnung, und kommt fast nur mit zwei Schau-
spielern aus. Die Konzentration auf zwei Menschen, die
völlig isoliert von der übrigen Welt ganz auf sich selbst
und ihre Liebe angewiesen sind, hat Dreyer an dem
Stoff fasziniert, doch der Mißerfolg des Films bestärkte
ihn in der Auffassung, daß er nicht die richtigen Schau-
spieler für dieses Experiment zur Verfügung hatte. Zeit
seines Lebens hat Dreyer dafür gesorgt, daß dieser
Film öffentlich nicht gezeigt werden konnte.

Freitag, 18. Februar 2005, 21.00 Uhr
ORDET (DAS WORT) – Dänemark 1954 – R+B: Carl
Theodor Dreyer, nach dem Theaterstück von Kaj Munk
– K: Henning Bendtsen – M: Poul Schierbeck – D: Hen-
rik Malberg, Emil Haas Christensen, Preben Lerdorff-
Rye, Cay Kristiansen, Brigitte Federspiel, Ejner Feder-
spiel – 125 min, OmeU – Eine Bäuerin stirbt nach der
Totgeburt ihres Kindes. Der verwirrte Bruder des Man-
nes hatte diesen Tod vorausgesagt und versprochen,
sie wieder zum Leben zu erwecken. »Mit seinem stren-
gen, puritanischen Bildstil befindet sich Dreyer hier in
Carl Theodor Dreyer
35
vollem Einklang mit dem ihm vorgegebenen Stoff und
dessen Thema: dem Imperativ des Glaubens, der Tote
wieder zum Leben erwecken kann – selbst gottlose Ki-
nobesucher scheint dieser Film fast zu bekehren. Die
dänisch-ländliche Idylle, in der er spielt, tut das ihre
hinzu, und was Dreyer bisher nie erlebt hatte, ge-
schieht: Das Publikum strömt in Scharen, und in Vene-
dig wird der Film mit dem Goldenen Löwen ausge-
zeichnet.« (Hauke Lange-Fuchs)

Samstag, 19. Februar 2005, 21.00 Uhr

Dienstag,
1. März 2005, 18.30 Uhr
ORDET (DAS WORT) – Schweden 1943 – R: Gustaf
Molander – B: Rune Lindström, nach dem Theaterstück
von Kaj Munk – K: Gösta Roosling – M: Sven Sköld – D:
Victor Sjöström, Holger Löwenadler, Rune Lindström,
Stig Olin, Wanda Rothgarth – 108 min, OmeU – Eine
frühere Verfilmung desselben Stoffes vom schwedi-
schen Regisseur Gustaf Molander, der die Geschichte
nach Schweden verlegt und sich mehr an der realisti-
Carl Theodor Dreyer
36 schen Ebene der Geschichte orientiert: Im Mittelpunkt
steht nicht, wie bei Dreyer, Inger, sondern Johannes,
dessen Vorgeschichte auch erzählt wird. Der in seiner
Art ebenfalls sehr beeindruckende Film lebt vor allem
von der Gestaltung der Hauptrolle durch Victor Sjöström.

Dienstag, 1. März 2005, 21.00 Uhr
GERTRUD – Dänemark 1964 – R+B: Carl Theodor
Dreyer, nach dem Theaterstück von Hjalmar Söderberg
– K: Henning Bendtsen – M: Jørgen Jersild – D: Nina
Pens Rode, Bendt Rothe, Ebbe Rode, Baard Owe, Axel
Strøbye, Vera Gebuhr – 115 min, OmeU – »Auch hier
bleibt Dreyer sich selbst treu in seiner Darstellung der
ultimativen und absoluten Forderungen, die eine Frau
an die Liebe und an die Männer stellt, die sie letztlich
nicht erfüllen. Stilistisch ist dieser Film ebenso kompro-
mißlos wie seine Hauptperson. Weit entfernt von der
naturalistischen Tradition, aber auch von dem berühm-
ten Dreyer-Stil der Nahaufnahme, bedient er sich hier
nur weniger Einstellungen und Bewegungen. Stilistisch
bis aufs äußerste konzentriert, befremdet der Film
zunächst. Das heimische Publikum bleibt aus, und erst
auf dem Umwege über Frankreich, wo Dreyer noch
einen guten Namen besitzt, wird GERTRUD zu dem
heute international anerkannten Kunstwerk.« (Hauke
Lange-Fuchs)

Sonntag, 20. Februar 2005, 21.00 Uhr

Mittwoch,
2. März 2005, 18.30 Uhr
MEDEA – Dänemark 1988 – R: Lars von Trier – B: Pre-
ben Thomsen, Lars von Trier, nach einem Drehbuchent-
wurf von Carl Theodor Dreyer – K: Sejr Brockmann –
M: Joakim Holbek – D: Udo Kier, Kirsten Olesen, Hen-
ning Jensen, Solbjörg Höjfeldt, Preben Lerdorff Rye –
77 min, OmU – Lars von Trier wagte diese TV-Adaption
von Dreyers unverfilmtem Drehbuch. Die Geschichte
der klassischen griechischen Tragödie über die von
ihrem Gatten Jason betrogenen Medea, die daraufhin
auf blutige Rache sinnt, ist in ein archaisches Däne-
mark versetzt worden. Von Trier verzichtet auf aufwen-
dige barocke Effekte und ordnet sich ganz der Dreyer-
schen Konzeption unter. Es entstand ein atmosphärisch
dichtes und filmisch stimmiges Meisterwerk.

Mittwoch, 2. März 2005, 21.00 Uhr
Fotos: Carl Theodor Dreyer / BLADE AF SATANS BOG / MI-
CHAEL / LA PASSION DE JEANNE D’ARC / VREDENS DAG /
ORDET / GERTRUD
Zu Gast: Klaus Wyborny
Der Filmemacher, Autor und Avantgarde-Künstler Klaus und Begierde Hand in Hand gehen. Ein Männerfilm.
Wyborny (geb. 1945) »hat sich seit Jahren zwischen Am Staats-Organ Sulla baumelt das Geschlechts-
allen Kadern unbequem gemacht: Jeder Film ein Kanon Organ. Wie nehmen die beiden Organe die Welt wahr?
über die Wesenheit des Kinos, ein Versuch über das Verwirrt, verstört, erfüllt von Wichs- oder sonstwie poli-
Streben nach der beredten Abwesenheit der Erzählung, tischen Phantasien, sagt Klaus Wyborny. Sulla wichst,
die De-/Re-/Konstruktion der Geschichte. Wybornys und Aemilius guckt ihm zu. Wie visualisiert man den
Kino fassen zu wollen bedeutet, sich in Widersprüchen Masturbationszwang des Mannes und gleichzeitig sei-
ergehen zu müssen: Zu jeder These gibt es eine Anti- nen Kraftakt, sich die Welt zu unterwerfen? – Lucius
these, filmisch formgeworden in seiner Vorliebe für ge- Cornelius Sulla war der erste Großarchitekt, der städti-
spaltene, zweigeteilte (Anti-)Dramaturgien. Erst stellt
man eine Behauptung in den Raum, dann zerlegt man
ihn, restrukturiert ihn, wodurch implizit eine weitere Be-
hauptung sichtbar wird. Der Linearität – vom geraden
Schnitt über den Horizont als künstlerischer Maßgabe
bis zum Wesen des Anschlusses – wird eine Einheit
des Disparaten entgegengestellt.« (Olaf Möller)

DIE GEBURT DER NATION – BRD 1973 – R+B+K:

Klaus Wyborny – M: Aleksandr Skrjabin – D: Christoph
Hemmerling, Angelika Düsing, Peter Flak, Hannes
Hatje, Nick Busch – 70 min – »Demontage des Kon-
struierten. Der Versuch, mit den Mitteln der von Griffith

zu Biograph-Zeiten entwickelten Methoden den narrati-
ven Zusammenhang einer filmischen Erzählung zu er-
zeugen. Ebenso lapidar fundamental wie von sanfter
Ironie beseelt, wird innerhalb von 25 Minuten der Auf-
bau und Zerfall einer Staatsgründung erzählt, den sich
eine in die Wüste verschlagene Gruppe junger Men-
schen auferlegt. Im zweiten Teil wendet sich der Film
dann vehement der Analyse von Potenz und Konse-
quenzen seiner angewandten erzählerischen Mittel zu;
vielleicht sogar um in der eigenen Versuchsanordnung
das Analog zum behaupteten Scheitern ganzer Gesell-
schaften zu finden: Aus enttäuschten Projektionen
wurden projizierte Enttäuschungen! Die Selbstreflexion
filmischer Mittel eröffnet programmatisch eine Dis-
kussion über die Angemessenheit des Aufwandes, den
ein repräsentativer Spielfilm meint betreiben zu dürfen.
Wyborny verwertet im zweiten Teil des Films dessen
Reste und extrahiert als Resultat den Differentialquo-
tienten von Handlung: Bewegung bleibt als Ritze in der
Zeit sichtbar, alles andere verwandelt sich in einen
schwarzen Block.« (Heinz Emigholz) – SULLA – D
2002 – R+B+K+M: Klaus Wyborny – D: Hanns Zisch-
ler, Corinna Betz, Gert Schaefer, Christian von Maltzan,
Charles Regnier, Raphael Lenné, Christopher Mondt –
121 min – »SULLA ist das modernistische Portrait
eines römischen Politikers, worin Pornographie, Macht
Klaus Wyborny
sche Plätze und holprige Natur planierte und zubeto-
37
nierte. Die sullanische Architektur ist so platt wie das
heute noch beliebte Primat des Narrativen. Im Film. Es
wird der Text ›Bei den Pinien‹ vorgetragen. Was dahin-
ter verborgen wird, das sichtbar zu machen, ist das
ureigene Geschäft des Avantgardefilmers. Die Bild-
strukturen, die sich überlagern, reißen den Zement auf,
unter dem die Natur begraben liegt. Und warum iden-
tifiziert sich Beton-Sulla mit Ameisen, Tannenzapfen
und Pferdeäpfeln?« (Dietrich Kuhlbrodt) »Ein unglaubli-
cher Rap über männliche Sexualität und Besessenheit.
Intellektualität und Lust, Skepsis und Liebe fließen bei
Wyborny ineinander.« (Hans Schifferle)

Donnerstag, 3. Februar 2005, 19.00 Uhr (Klaus Wy-
borny ist anwesend)
Foto: SULLA

Ein Working Girl meint zunächst eine junge unverheira-
tete Frau, die für eine Übergangszeit auf eigenen Bei-
nen steht. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts war in den
großen Städten mit der schnell wachsenden Anzahl von
Angestellten eine neue soziale Gruppe entstanden;
darunter auch zahlreiche Verkäuferinnen und weibliche
Büroangestellte. Hollywood nahm das New American
Girl gern auf und erzählte schon bald Geschichten über
junge Frauen aus unteren Schichten, die ihr Elternhaus
verlassen, um in der großen Stadt einen Job zu finden.
Und natürlich die große Liebe, die am besten noch als
gute Partie den sozialen Aufstieg bewerkstelligt.
Dabei macht der Übergangsstatus des Working Girl,
das Nicht-mehr-zuhause und das Noch-nicht-verheira-
tet, die vielseitige Attraktivität dieser Figur aus. Es kann
sowohl die relative Unabhängigkeit der jungen Frauen
hervorgehoben werden, wie auch der Focus von Heirat
mit folgender Hausfrau- und Mutterschaft.
Working Girls, das sind vor allem Sekretärinnen, Telefo-
nistinnen oder Verkäuferinnen. Berufe ohne besondere
Ausbildung und ohne jegliche Aufstiegschancen. Häu-
fig wohnen solche Working Girls mit anderen Working
Girls zusammen. Nicht nur, weil sie wenig Geld verdie-
Working Girls
38
Working Girls
nen. Die große Stadt, in der sie sich ohne familiären
Schutz oder männliche Begleitung bewegen, ist zwar
aufregend, aber auch gefährlich: die jungen Frauen, so
heißt es in dieser Zeit immer wieder, könnten leicht auf
die schiefe Bahn geraten. Nicht selten gibt es deshalb
spezielle Pensionen oder Wohnheime für unverheira-
tete Frauen wie etwa in Dorothy Arzners Film WORKING
GIRLS oder wie in CLUB DE FEMMES von Jacques
Deval, einer französischen Variante. Männer haben hier
keinen Zutritt, dennoch sind nicht selten sie das
Thema.
Auch in Deutschland gehören nach dem 1. Weltkrieg
weibliche Angestellte zunehmend zum Bild der gesell-
schaftlichen Öffentlichkeit. 1929 sieht Siegfried Kra-
kauer die »Heraufkunft gewisser Normaltypen von Ver-
käuferinnen, Konfektionären, Stenotypistinnen usw.
(…), die in den Magazinen und den Kinos dargestellt
und zugleich gezüchtet werden« (»Die Angestellten«).
Filme wie DAS FRÄULEIN VOM AMT (1925), DAS
FRÄULEIN VON DER KASSE (1927), DIE PRIVATSE-
KRETÄRIN (1931) und MÄDCHEN ZUM HEIRATEN
(1932) standen deutlich mehr im Zeichen der Komödie
als die zeitgleichen US-amerikanischen Produktionen
wie IT (1929), OUR BLUSHING BRIDES (1930) oder
WIFE VS. SECRETARY (1936). Und mit dem Tonfilm kam
in den deutschen »Wunschbildern« dann noch die
Musik ins Spiel.
Das Filmprogramm ist eine Ergänzung zu der Konfe-
renz »Working Girls. Zur Ökonomie von Liebe und Ar-
beit in der Moderne«, die vom 25.–28. Februar 2005
an der Ludwig-Maximilians-Universität München statt-
findet. Verena Mund

WORKING GIRLS – USA 1931 – R: Dorothy Arzner – B:

Zoë Atkins, nach dem Stück »Blind Mice« von Vera
Caspary und Winifred Lenihan – K: Harry Fishbeck – D:
Judith Wood, Dorothy Hall, Charles Rogers, Paul Lukas,
Frances Dee, Mary Forbes – 77 min, OF – In Dorothy
Arzners Film WORKING GIRLS leben die beiden Schwe-
stern June und May in dem Frauenwohnheim Rolfe
House, das unter dem strikten Regiment der Leiterin
Mrs. Johnston steht. Der Arbeitsalltag der beiden
Schwestern wird von der Entwicklung ihrer Beziehun-
gen zu Männern bestimmt. Relevant ist hier das Vermö-
gen, zwischen einem bösen Strolch und einem guten
Bräutigam unterscheiden zu können. Frieda Grafe über
die Regisseurin Dorothy Arzner: »Als in Hollywood mit DIE PRIVATSEKRETÄRIN – Deutschland 1931 – R:
den Dreißigern der Kommerz die Experimente ver- Wilhelm Thiele – B: Franz Schulz – K: Otto Heller, Rei-
drängte, blieb von einer Reihe von Regisseurinnen nur mar Kuntze, Adolf Schlasy – M: Paul Abraham – D:
sie. Sie drehte Frauenthemen mit Darstellerinnen, die Renate Müller, Felix Bressart, Herman Thimig, Ludwig
für ihre feministische Haltung bekannt waren«. WOR- Stössel, Getrude Woll – 85 min – »Es ist schwer zu

KING GIRLS, einer ihrer wichtigsten und innovativsten
Filme, wurde vom Paramount-Studio zurückgehalten
und nie in die Kinos gebracht – er überlebte als Archiv-
film, der nur sehr selten zu sehen ist.

Freitag, 25. Februar 2005, 21.00 Uhr (Einführung:
Verena Mund)
CLUB DE FEMMES (KLUB DER FRAUEN) – Frankreich
1936 – R+B: Jacques Deval – K: Jules Kruger – M:
Marius-François Gaillard – D: Danielle Darrieux, Valen-
tine Tessier, Carol Royce, Else Argal, Josette Day, Junie
Astor – 96 min, OmeU – In dem Pariser Wohnheim für
ledige Frauen geht es trotz der sittlichen Ansprüche
hoch her: Prostitution, lesbische Liebe, Verbrechen aus
Leidenschaft, Männer in Frauenkleidern, Intrigen. Und
sogar ein Kind wird geboren; zum Glück ein Mädchen.
Außerdem gibt es auch noch den hauseigenen Swim-
mingpool, in dem sich die Zeit gut vertreiben läßt. Jac-
ques Devals mehr zur Komödie als zum Melodrama
neigender Film hat genau wie das Wohnheim alles zu
bieten: Spannung, Schaulust und Amusement.

Samstag, 26. Februar 2005, 21.00 Uhr (Einführung:
Verena Mund)
Working Girls
sagen, warum das Filmlustspiel DIE PRIVATSE-
KRETÄRIN ein so großer Erfolg wurde. Die einen sagen,
es liege an den Schlagern (…); die anderen waren in
die kleine Stenotypistin Renate Müller verliebt, die
herzerfrischend und glückselig durch ihre Sonntage
trällert (…); die Filmliteraten dagegen buchen den
39
Erfolg auf den Stoff, der endlich einmal einen ganz ein-
fachen Ausschnitt aus dem Alltagsleben bringt: eine
kleine Stenotypistin lernt durch eine Überstunde im
Büro ihren Chef kennen, den sie aber für einen simplen
Angestellten hält. (…) Es gibt Wunschbilder. Eines
davon ist DIE PRIVATSEKRETÄRIN.« (Oskar Kalbus,
1935).

Sonntag, 27. Februar 2005, 21.00 Uhr (Einführung:
Verena Mund)
Foto: WORKING GIRLS

?
Sneak Previews werden Kinovorführungen genannt, bei
denen das Publikum vor Filmanfang nicht weiß, wel-
cher Film gezeigt werden wird. Doch solche Sneak
Previews garantieren keine Experimente: Damit das
versammelte Publikum nicht womöglich enttäuscht ist,
Zuschauerkino
laufen in aller Regel Mainstream-Filme aus dem aktu-
ellen Angebot, die kurz vor dem deutschen Kinostart
stehen.
Das Zuschauerkino im Filmmuseum geht andere
Wege: Auch wenn ebenfalls vorher nicht feststeht, was
am Abend gezeigt wird, so muß man sich hier auf alles
40 gefaßt machen. Jeder Zuschauer kann seine Filme ein-
reichen, und es gibt keine inhaltlichen Beschränkun-
gen. Das einzige, was gewiß ist: Die Filme sind ab-
wechslungsreich und dauern nicht ewig. Um den
Abend zumindest etwas zu strukturieren, gibt es fol-
gende Spielregeln:
Filme können ab dem 24. Januar im Filmmuseum an-
gemeldet werden, per Telefon (089-23322348), E-Mail
(filmmuseum@muenchen.de), Fax (089-23323931)
oder Brief (Filmmuseum München, St.-Jakobs-Platz 1,
80331 München). Zur Vorbereitung der Vorführung
müssen die Filmkopien bis spätestens zwei Tage vor
dem Zuschauerkino-Termin im Filmmuseum abgege-
ben werden. Möglich sind die Formate 35mm, 16mm,
Zuschauerkino
DigiBeta, BetaSP, U-matic, VHS und DVD. Zugelassen
werden nur Filme mit einer maximalen Länge von
20 Minuten und maximal zwei Filme desselben Filme-
machers.
Das Filmmuseum behält sich vor, Filme nicht zuzulas-
sen, wenn sie als nicht geeignet für die Veranstaltung
eingestuft werden. Sollten mehr Filme angemeldet
werden als Vorführzeit zur Verfügung steht (maximal
vier Stunden), wird das Filmmuseum eine Auswahl tref-
fen, wobei die Reihenfolge der Anmeldungen berück-
sichtigt wird.
Alle Filmemacher, von denen Filme im Programm
gezeigt werden, können bis zu fünf Freikarten für den
Zuschauerkino-Filmabend erhalten. Darüberhinaus be-
stehen keine weiteren Verpflichtungen des Filmmu-
seums. Es wird vorausgesetzt, dass die Filmemacher
über die Rechte an den von ihnen eingereichten Filmen
verfügen und diese am Abend vor der Projektion kurz
vorstellen. Sollten nicht genügend Filme zusammen-
kommen, wird das Filmmuseum das Programm mit hi-
storischen Kurzfilmen aus seinem Archiv ergänzen.
ZUSCHAUERKINO

Donnerstag, 3. März 2005, 19.00 Uhr (die Filmema-
cher sind anwesend)
Die Tschechows
Die Künstlerfamilie Tschechow/Tschechowa umfaßt
eine Familiengeschichte, die sich in über 120 Jahren
vom Osten in Jalta bis in den Westen nach Hollywood
und über mehr als vier Generationen spannt. Die viel-
fältigen Wege in die Moderne des 20. Jahrhunderts
sind auch in unzähligen Briefen der weit verzweigten
Künstlerfamilie dokumentiert.
Die Filmreihe zur Ausstellung im Deutschen Theater-
museum in München (17.2–29.5.2005) stellt sechs
Familienmitglieder vor: den oft verfilmten Dichter Anton
Tschechow sowie die Schauspieler Michail Tschechow,
Olga Tschechowa, Ada Tschechowa, Vera Tschechowa
und deren zeitweisen Partner, den Regisseur und
Schauspieler Vadim Glowna.
Anton Pawlowitsch Tschechow (1860–1904), der zahl-
reiche Erzählungen und einige wenige Dramen schrieb,
die längst zum festen Kanon des Welttheaters gehören,
wurde 1898 von Konstantin Sergejewitsch Stanislawski
und Wladimir Nemirowitsch-Dantschenko, den Grün-
dern des Moskauer Künstlertheaters, als Autor eines
neuen Theaters entdeckt. Noch heute erinnert ein Em-
blem der Möwe auf dem Vorhang des Moskauer Künst- spielerin wurde. 1920 verließ Olga Tschechowa
lertheaters an den legendären Erfolg der Aufführung Moskau für immer und begann in Berlin mit dem Film
des Dramas »Die Möwe«. »Die Möwe« ist oft verfilmt SCHLOSS VOGELÖD (1921) eine internationale Kar-
worden – die Filmreihe zeigt die Verfilmung LA PETITE riere. Ende der zwanziger Jahre gründete sie eine
LILI von Claude Miller. eigene Filmproduktionsfirma; für den Film DER NARR
Olga Leonardowna Knipper-Tschechowa (1868– SEINER LIEBE (1929), bei dem sie erstmalig auch Regie
1959), die Anton Tschechow 1901 heiratete, war ein führte, verpflichtete Olga Tschechowa ihren Ex-Ehe-
führendes Mitglied des Moskauer Künstlertheaters und mann Michail Tschechow für die Hauptrolle. Den Höhe-
Interpretin aller großen Frauenfiguren in den Dramen punkt ihrer Filmkarriere als Schauspielerin bilden die
Tschechows. Wie ihre Tante Olga Knipper-Tschechowa, Filme des Regisseurs Willi Forst, darunter MASKERADE

so erhielt auch Olga Tschechowa (1897–1980) ihren
Familiennamen, indem sie in die Familie der Tsche-
chows einheiratete. Ihr Ehemann war ein Neffe Anton
Tschechows, der Schauspieler Michail Alexandrowitsch
Tschechow (1891–1955), der 1928 in die Emigration
ging, auf der Grundlage der Schauspielmethodik Kon-
stantin Stanislawskis eine eigene Schauspiellehre ent-
wickelte, von der zuletzt auch die Filmstars in Holly-
wood, wie Anthony Quinn, Gregory Peck und Marilyn
Monroe profitierten. Michail Tschechow wirkte auch in
amerikanischen Filmen mit, blieb aber weitgehend auf
die Verkörperung ethnischer Charaktere beschränkt.
Eine Ausnahme bildete der Film SPELLBOUND (1945)
von Alfred Hitchcock, der ihm eine Oscar-Nominierung
für die beste Nebenrolle einbrachte.
Aus der Ehe ging das einzige Kind Olga Tschechowas,
die Tochter Ada (1916–1966) hervor, die auch Schau-
Die Tschechows
(1934) und BEL AMI (1939).
Die Schauspielerin Vera Tschechowa ist die Tochter von
Ada Tschechowa, als Dokumentarfilmregisseurin hat
sie sich in den letzten Jahren mit Porträts über Armin
Mueller-Stahl, Michael Ballhaus und Anthony Quinn
einen Namen gemacht. 1962 spielte sie in DAS BROT
DER FRÜHEN JAHRE von Herbert Vesely und folgte 41
damit der Linie des Protests gegen Opas Kino, die sich
im gleichen Jahr in Oberhausen manifestiert hatte. Die
Produktion repräsentierte in Cannes den deutschen
Film und errang in der Bundesrepublik den Bundesfilm-
preis. Vera Tschechowa profilierte sich nicht nur im
Jungen Deutschen Film mit Produktionen wie LIEBE
UND SO WEITER (1968) von George Moorse und DIES
RIGOROSE LEBEN (1982 ) von Vadim Glowna, sondern
auch in zahlreichen Fernsehfilmen.
Renata Helker / Petra Kraus
 DER NARR SEINER LIEBE – Deutschland 1929 – R:
Olga Tschechowa – B: Karl Heinz Jarosy, nach der
Komödie »Poliche« von Henry Bataille – K: Franz Planer
– D: Michail Tschechow, Dolly Davis, Alice Roberts,
Oreste Biancia, Otto Wallburg, Ekkehard Arendt –
84 min – Poliches Narrheit ist seine unerwiderte Liebe
zu Rosette, die ihn all seine Sicherheiten und Güter
aufgeben lässt, um die weltläufige Pariserin als Frau zu
gewinnen. DER NARR SEINER LIEBE gilt als eine der
ersten erhaltenen Regiearbeiten einer Frau in Deutsch-
land, der die zeitgenössische Kritik zwar bescheinigt,
daß sie es »mit dem Unkonventionellen, Überraschen-
den« versuche (Berliner Tageblatt) und »überraschend
treffsicher im einzelnen« sei, insgesamt aber »nicht
das richtige Format für diesen Film« habe (Die Welt
am Abend). Als herausragend wurde die Leistung
Michail Tschechows gewürdigt, der die Hauptrolle aus
Dankbarkeit gegenüber Olga Tschechowa über-
nommen hatte, die sein Exil in Berlin organisiert hatte:
»Der Zwang zum Lustigsein à tout prix; wie er nicht
glauben will, daß sich das Blatt wendet; wie er unsicher
und irre tastet – das ist meisterhaft.« (Neue Berliner
Zeitung) Rosza – D: Ingrid Bergman, Gregory Peck, Michail

Freitag, 4. März 2005, 18.30 Uhr Tschechow, Jean Acker, Rhonda Fleming, Norman
Lloyd – 111 min, OF – In dem Thriller um einen jungen
FROM RUSSIA TO HOLLYWOOD – USA 1999 – Psychologen, der unter Amnesie leidet und des Mordes
R+B+M: Frederick Keeve – K: Peter Bonilla, Ron Wil- verdächtigt wird, führt die Deutung der von Salvador
son – mit Gregory Peck, Leslie Caron, Jack Palance, Dali entworfenen Traumsequenzen zur Lösung des
Anthony Quinn – 95 min, OF – Schon während seiner Traumas. Michail Tschechow spielt einen Psychoanaly-
Tätigkeit am Moskauer Künstlertheater hatte Tsche- tiker, der als Mentor seine ehemalige Schülerin berät,
chow die Methode seines Theaterlehrers Stanislawski die sich in den geheimnisvollen, traumatisierten Kolle-
weiter entwickelt. Nach seiner Emigration über Europa gen verliebt hat. Die gezeigte Filmkopie enthält auch
in die USA brachte er seine neuen Theorien über den kurzen Farbblitz am Ende des Schwarzweißfilms.
Schauspieltechnik nach Hollywood, wo zahlreiche Stars
Sonntag, 6. März 2005, 18.30 Uhr
Die Tschechows

der 40er und 50er Jahre von ihm und seinem Freund
und Partner George Shdanoff unterrichtet wurden. Mit
Interviews und Filmbeispielen vermittelt der Dokumen-
tarfilm einen Einblick, wie prägend die Schule von
Tschechow/Shdanoff für den amerikanischen Film bis
heute ist. Präzise Methodenbeschreibungen von Leslie
42 Caron u.a. geben dem Lehrer Tschechow und seinem
Mitarbeiter George Shdanoff Gestalt und sind aussage-
kräftiges Zeugnis über die faszinierende Wirkungs-
weise einer Theatererneuerungsbewegung, die im 19.
Jahrhundert wurzelt.

Samstag, 5. März 2005, 18.30 Uhr
SPELLBOUND (ICH KÄMPFE UM DICH) – USA 1945 –
R: Alfred Hitchcock – B: Ben Hecht, Angus McPhail,
nach dem Roman »The House of Dr. Edwardes« von
Francis Beeding – K: Georges Barnes – M: Miklos
LIEBELEI – Deutschland 1933 – R+B: Max Ophüls,
nach dem Stück von Arthur Schnitzler – K: Franz Planer
– M: Theo Mackeben – D: Magda Schneider, Luise Ull-
rich, Paul Hörbiger, Gustaf Gründgens, Olga Tsche-
chowa, Carl Esmond, Wolfgang Liebeneiner, Paul Otto
– 88 min – Ein adliger Leutnant duelliert sich mit einem
Diplomaten, dessen Frau seine Geliebte war. Damit
stirbt auch die Liebe der ehrbaren Tochter eines Musi-
kers, die sich betrogen fühlt und Selbstmord begeht.
Ein frühes filmisches Meisterwerk des damals 30jähri-
gen Max Ophüls, das den gesellschaftlichen Verfall der
k.u.k.-Donaumonarchie kritisiert und die verlogene
»Ehrenhaftigkeit« der vornehmen Gesellschaft um die
Jahrhundertwende anprangert. Einer der schönsten
Filme des frühen deutschen Tonfilms, ideal besetzt,
poetisch in der Milieuzeichnung und elegant in Kame-
raführung und Inszenierung. »Ophüls fängt Zeit ein im
Bild, er dehnt den Augenblick bis zur Unerträglichkeit;
das ist in der Essenz Schnitzlers fast schon vergan-
gene, dekadente Gegenwart.« (Frieda Grafe)

Freitag, 11. März 2005, 18.30 Uhr
DER FAVORIT DER KAISERIN – Deutschland 1936 –
R+B: Werner Hochbaum – K: Oskar Schnirch – M:
Anton Profes – D: Olga Tschechowa, Anton Pointer,
Heinz von Cleve, Walter Steinbeck, Carl Esmond, Adele
Sandrock, Ada Tschechowa, Trude Marlen, Erik Ode –
86 min – Zarin Elisabeth hat sich mit ihrem Minister
und Liebhaber überworfen. Durch eine Verkettung
komischer Umstände gerät ein junger Gardeleutnant in
den Ruf, der neue Favorit der Kaiserin zu sein. Das ist
zwar seiner Karriere förderlich, aber verursacht ihm er-
hebliche Probleme mit seiner Liebsten, der Generals-
tochter Irina. »Die schauspielerischen Leistungen –
Olga Tschechowa köstlich und witzig als Zarin, die ma-
jestätische Adele Sandrock als die alte und Trude Mar-
len als die junge Hofdame – sind harmonisch in eine
Komposition eingewoben, deren Gewebe reich struktu-
riert ist und visuell eindeutig Josef von Sternberg evo-
ziert.« (David Robinson)

Samstag, 12. März 2005, 18.30 Uhr
BEL AMI – Deutschland 1939 – R: Willi Forst – B: Willi
Forst, Axel Eggebrecht, nach der Novelle von Guy de
Maupassant – K: Theodore J. Pahle – M: Theo Macke-
ben – D: Olga Tschechowa, Ilse Werner, Willi Forst, Jo-
hannes Riemann, Hilde Hildebrand, Willi Dohm, Lizzi
Waldmüller – 96 min – Die Gesellschaftskomödie
zeigt, wie die Liebe für die Politik genutzt wird: Seinen
ausgewählten Frauenbekanntschaften verdankt der
ehemalige Kolonialoffizier Duroy, daß er es vom Kolum-
nisten einer Zeitung zum Minister bringt. Im Zentrum
steht Olga Tschechowa, Forsts erste Wahl in der Beset-
zung der Madeleine, die Gattin des Zeitungsverlegers,
Geliebte des Kolonialministers sowie Gespielin Duroys
ist, dem sie voll kluger Taktik direkt in die Feder diktiert.
Mit würdevoller Haltung sieht sie Duroy ihrer Steuerung
entgleiten und weiter treiben. Tschechowas Eleganz
verkörpert perfekt den Stolz der klugen Damen des Fin
de Siècle, die zwar Schicksale lenken mochten, doch
selbst im Hintergrund blieben.

Sonntag, 13. März 2005, 18.30 (Einführung: Renata
Helker)
DAS BROT DER FRÜHEN JAHRE – Deutschland 1962
– R: Herbert Vesely – B: Herbert Vesely, Hans Robert
Budewell, nach dem Roman von Heinrich Böll – K: Wolf
Wirth – M: Joachim E. Behrendt, Attila Zoller – D: Vera
Tschechowa, Christian Doermer, Karen Blanguernon,
Eike Siegel, Gerry Bretscher, Tilo von Berlepsch –
84 min – Ein junger Elektromechaniker, mit der Tochter
seines Chefs verlobt und auf dem Weg zu einer gesi-
cherten Existenz, bricht aus seinem gewohnten Leben
aus, als er seiner Jugendfreundin wiederbegegnet. Der
erste abendfüllende Spielfilm des Jungen Deutschen
Films, der drei Monate vor der Premiere in Oberhausen
proklamiert wurde, beschritt neue Wege und löste die
herkömmliche Dramaturgie auf: »Das Vergangene und
das Gegenwärtige durchdringen sich. Der Blick ist
gleichzeitig und überall. Keine Handlung mit Rückblen-
den, sondern gleichzeitige Abläufe: Reflexionen, Mög-
lichkeiten, Wirklichkeiten.« (Herbert Vesely)

Freitag, 18. März 2005, 18.30 Uhr
DIES RIGOROSE LEBEN – BRD 1983 – R: Vadim
Glowna – B: Christopher Doherty, Vadim Glowna – K:
Martin Schäfer – M: Peer Raben – D: Angela Molina,
Jerzy Radziwilowicz, Vera Tschechowa, Viveca Lindfors,
Elfriede Kuzmany, José Sierra, Frederico Rodrigues,
Dolores Davies, Vadim Glowna – 100 min – Deutsch-
jüdische Emigranten der zweiten Generation geraten in
einem abgeschiedenen Wüstenexil in Texas in einen
Strudel der Leidenschaften: Liebe, Lebensangst und
Gewalttätigkeit. Ein stilisiertes Melodram, das Versatz-
stücke des amerikanischen Genrekinos verwendet, ein
Traum in Bildern und Farben, der von klagenden Saxo-
phon-Soli der Blues-Musik durchzogen ist. Vera Tsche-
chowa spielt die verwirrte Schwester der Hauptfigur,
die wegen eines Eifersuchtsdramas im Gefängnis saß
und nun in eine neue Katastrophe hineingerät.

Samstag, 19. März 2005, 18.30 Uhr
Die Tschechows
TSCHECHOW IN MEINEM LEBEN – BRD 1984 – R+B:
Vadim Glowna – K: Martin Schäfer – M: Nicolas Ecou-
nomou – mit Vera Tschechowa, Wjatscheslaw Kuprija-
now, Maja Turowskaja, Jewgenija Tschechowa, Oleg
Fialko, Oleg Tabakow – 89 min – »Ein weiteres
gemeinsames Projekt von Vera Tschechowa und Vadim 43
Glowna führte unmittelbar in die Geschichte des Tsche-
chow-Clans. Der Film dokumentiert eine Reise zu Ver-
wandten nach Moskau, zu Tschechow-Kennern und
Theater-Leuten – eine Spurensuche in Gesprächen,
unter anderem mit Olgas Cousin Wladimir W. Knipper
und Jewgenija Tschechowa, der Tochter von Tsche-
chows Bruder Michail sowie der renommierten Thea-
ter- und Filmwissenschaftlerin Maja Turowskaja. Die
Moskauer führten Vera an Orte, die an die Künstlerfa-
milie erinnern. Glowna inszenierte seine Frau in einem
 halbdokumentarischen Stil, zeigte, wie sie sich in die
Welt Tschechows und in eine Verbindung von Kunst
und Leben einfühlte.« (Renata Helker/Claudia Lenssen)

Sonntag, 20. März 2005, 18.30 Uhr (Einführung: Maja
Turowskaja)
LA PETITE LILI (DIE KLEINE LILI) – Frankreich 2003 –
R: Claude Miller – B: Julien Boivent, Claude Miller, nach
dem Stück »Die Möwe« von Anton Tschechow – K: Gé-
rard de Battista – M: Arvo Pärt – D: Nicole Garcia, Ber-
nard Giraudeau, Jean-Pierre Marielle, Ludivine Sagnier,
Robinson Stévenin, Julie Depardieu, Anne Le Ny, Michel
Piccoli – 104 min, OmeU – Eine freie, in die Gegenwart
verlegte Adaption von Anton Tschechows »Die Möwe«,
die mit großem Staraufgebot inszeniert zu einer Liebes-
erklärung an das Kino wird und nicht von ungefähr an
LA NUIT AMERICAINE von Claude Millers Lehrmeister
François Truffaut erinnert. Im Mittelpunkt des komple-
xen Spiels um Liebe und Macht, Alter und Jugend, Re-
bellion und künstlerische Selbstverwirklichung steht die
junge Lili (Nina), die Geliebte und Muse eines jungen
Filmregisseurs namens Julien (Konstantin).

Freitag, 25. März 2005, 18.30 Uhr

Samstag,
26. März 2005, 18.30 Uhr


Sonntag, 27. März 2005,
Die Tschechows
18.30 Uhr
ANTON P. ČECHOV – EIN LEBEN – BRD 1981 – R:
Sohrab Shahid Saless – B: Sohrab Shadid Saless, Peter
Urban – K: Ramin Reza Molai – 95 min – Ein un-
gewöhnliches Porträt von Anton Tschechow, den Filme-
44 macher Sohrab Shahid Saless als sein großes Vorbild
und seinen Lehrmeister ansah. Tschechow selber er-
zählt dem Zuschauer sein Leben, und seine Ausführun-
gen werden kommentiert von Menschen, die ihn be-
gleiteten: vor allem seine Schwester und seine Frau,
die Schauspielerin Olga Knipper. »Die Dokumentation
über Tschechow wird zugleich zu einer Dokumentation
über das kulturelle Leben seiner Zeit. Die sorgfältig
ausgewählten Bilder, Zitate, Textauszüge und Szenen-
ausschnitte sind in einem ruhigen, leisen Duktus mon-
tiert, sie hetzen einander nicht, sondern gewinnen je-
weils Eigengewicht, und zugleich wird ihre Stellung im
Gesamtkonzept deutlich. Einige stilisierende, zum Teil
ins Metaphorische überführte Einstellungen setzen Ak-
zente, ohne den Zuschauer mit dem Pathos des Be-
deutungsvollen zu bedrängen.« (Irmela Schneider)

Freitag, 1. April 2005, 18.30 Uhr
DAMA S SOBATSCHKOJ (DIE DAME MIT DEM
HÜNDCHEN) – UdSSR 1960 – R: Jossif Cheifiz, nach
der Novelle von Anton Tschechow – K: Andrej Moskwin,
Dmitri Meschijew – M: Nadeshda Simonjan – D: Ija
Sawwina, Alexej Batalow, Nina Alissowa, Dimitri Se-
brow, Pjotr Krymow – 86 min, OmU – Eine der schön-
sten Tschechow-Verfilmungen, eine Liebes- und Ehe-
bruchgeschichte im späten zaristischen Rußland. »Die
Wechselwirkung von Atmosphäre und Geschichte
macht Cheifiz zum künstlerischen Prinzip: Jedes
Straßenbild bildet Bewußtsein der Personen mit ab,
und selbst spontane, persönliche Ergriffenheit ist von
der großen, trivialisierenden Lethargie gezeichnet.
Manche Pose der Darsteller, der Grauton der Bilder, die
Weichheit des Lichts, die ganze Szenerie bringt immer
wieder Photographien aus dem 19. Jahrhundert ins
Gedächtnis: Das Erlebnis einer historisch gewordenen
Form intensiviert noch einmal das Erlebnis eines histo-
risch gewordenen Konflikts.« (Helmut Färber)

Samstag, 2. April 2005, 18.30 Uhr
OCI CIORNIE (SCHWARZE AUGEN) – Italien 1987 – R:
Nikita Michalkow – B: Nikita Michalkow, Alexander
Abadachian, nach Erzählungen von Anton Tschechow –
K: Franco di Giacomo – M: Francis Lai – D: Marcello
Mastroianni, Silvana Mangano, Marthe Keller, Elena
Sofonowa, Pina Cei, Wsewolod Larionow – 118 min,
OmU – Die Lebensbeichte eines italienischen Lebe-
manns zur Zeit der Jahrhundertwende, der seine große
Liebe und sein Lebensglück durch Feigheit und Unauf-
richtigkeit aufs Spiel setzte und der verpaßten Chance
nachtrauert. Im Mittelpunkt steht die Suche nach dem
Sinn des Lebens. »Der Tschechow, den wir hier ken-
nenlernen, ist nicht ein leidenschaftlicher, gequälter
Autor, sondern ein unterhaltsamer, voller Ironie und
manchmal Aggressivität, die hauptsächlich gegen den
von Mastroianni dargestellten Mann gerichtet ist.«
(Nikita Michalkow)

Sonntag, 3. April 2005, 18.30 Uhr
Fotos: Ada, Vera und Olga Tschechowa mit Dieter Borsche und
Artur Brauner (Privatarchiv Knipper/Tschechowa, Berlin – Re-
nata Helker) / LIEBELEI / LA PETITE LILI
Retrospektive Luchino Visconti
Maestoso möchte man diese Filme nennen … Maje-
stätisch und gelassen kommen sie daher, souverän und
selbstgewiß. Der Rückgriff aufs musikalische Vokabular
ist irgendwie natürlich bei einem Werk, in dem die
Musik, vom einfachen Volkslied bis zur großen Sym-
phonie, eine Hauptrolle spielt. Nach den drei Stunden
GATTOPARDO wird man den schrägen, scheppernden
Walzer, den Nino Rota für den Ball des Fürsten Salina
schrieb, noch viele Tage summend mit sich herumtra-
gen. Und manchmal packt einen, angesichts der Filme,
die nackte Verzweiflung, daß man nichts mehr sehen
wird vom Theaterwerk von Visconti, seinen Inszenierun-
gen antiker und moderner Stücke, seinen großen
Opernabenden. Die Callas, in der mise en scène von
Visconti, das muß auch auf der Bühne der Scala großes
Kino gewesen sein.
Der Eindruck von Zerstörung ist nachhaltig mit dem
Werk von Visconti verbunden. Seine Filme wurden be-
hindert, sabotiert, zensiert, verstümmelt von Anfang an
– manchmal bereits bei den Dreharbeiten. Von ROCCO
verlangten die Bürokraten, einige Szenen dürften nur
mit einer verschleiernden Folie vor dem Projektor ge-
zeigt werden. Für den deutschen Verleih wurde LUD-
WIG II. um mehr als eine halbe Stunde gekürzt – der
Kollege/Konkurrent Syberberg schrieb damals einen
bewegenden Nachruf auf den malträtierten Film-König.
Inzwischen ist das Zerstörungswerk wieder rückgängig
gemacht, die Filme sind in ihren definitiven Fassungen
restauriert. Soweit es das überhaupt geben kann – eine
Fassung, die den Perfektionisten, den Wirklichkeitsfeti-
schisten Visconti befriedigen hätte können.
Es ist der intensive Bedarf an Wirklichkeit, ein un-
erschöpfliches Interesse für die menschlichen Leiden-
schaften, das diese Filme so grandios und so suspekt
machte – der erste Film, OSSESSIONE, gibt gleichsam
das Thema fürs gesamte Werk vor. Das Leiden oder
das Nichts, für Viscontis Menschen gibt es diese Wahl
nicht, es läuft eins aufs andere hinaus. In SENSO wird Luchino Visconti
der Freiheitskampf der Venezianer gegen die öster-
reichischen Besatzer zelebriert – aber parallel dazu die
Spirale der Erniedrigung, die die Gräfin Livia in immer
stärkere Abhängigkeit bringt von der Kanaille Franz,
einem zynischen, egoistischen österreichischen Offi-
zier. Und der Mistkerl zitiert Heine … Visconti macht
hier Anti-Ophüls-Kino schlechthin, die Demütigungen 45
von Alida Valli in SENSO sind ein Meilenstein des Kino-
Masochismus.
Noch etwas, das einem nachklingt aus dem GATTO-
PARDO: »Se vogliamo che tutto rimanga come è, biso-
gna che tutto cambi. Mi sono spiegato?« … »Wenn wir
wollen, daß alles so bleibt wie es ist, muß alles sich
verändern. Habe ich mich verständlich ausgedrückt?«
 Tancredis Satz ist eins der unvergänglichen Kinozitate
geworden, Viscontis Gegenstück zum »When the
legend becomes fact, print the legend!« des LIBERTY
VALANCE. Zeugnisse für eine Evidenz, wie nur das Kino
sie hinkriegt. Auch wenn man die Filme von Visconti
spontan in den Kontext der großen amerikanischen
Melodramen rücken möchte – sie haben auch viel ge-
meinsam mit den klassischen Western. In BELLISSIMA
sieht man Anna Magnani erschöpft eines Abends aus
dem Fenster ihrer kleinen Hinterhofwohnung schauen,
sie versucht ein paar Momente einer Freiluft-Kinovor-
führung zu erhaschen. Man zeigt RED RIVER von
Hawks. Träumen italienische Neorealisten heimlich vom
großen Treck?
Tancredis Satz von der Dialektik der Veränderung faßt
irgendwie auch die Existenz des Filmemachers Visconti
zusammen, die große Zerrissenheit seines Lebens –
ein Aristokrat, Graf Luchino Visconti di Modrone, der
sich als Kommunist verstand. Er liebte seine Villen und
Gärten, die Gemälde und den Schmuck, die Bäume und
Beete – in den Dreißigern hatte er sich gar einen
Namen gemacht, als er Rennpferde züchtete und trai-
nierte. Im Kino hat er mit seiner Authentizitätswut seine
Ausstatter und Dekorateure zur Verzweiflung getrieben.
Helmut Griem, über die Dreharbeiten zu THE DAMNED:
»Folgendes war passiert: Luchino hatte den Wein pro-
biert und im hohen Bogen ausgespuckt. Er schrie die
Leute an: ›Glaubt ihr Idioten, ihr Arschlöcher, daß Leute
von der Villa Hügel, von Krupp, euren beschissenen
Frascati trinken? Seid ihr wahnsinnig geworden? Mosel
muß da rein! Echter Mosel!‹ Und die Idioten rannten
los. Dann riß er plötzlich verschiedene Schränke auf,
stellte fest, daß sie leer waren, und kriegte seinen zwei-
ten Anfall …« (Nachzulesen in dem Band »Götterdäm-
merung. Luchino Viscontis deutsche Trilogie«, Film-
museum Berlin.)
THE DAMNED ist eins der großen Rätsel der Film-
Luchino Visconti
geschichte. Eine cineastische Enigma-Maschine, die
Geschichte des Nationalsozialismus, verschlüsselt in
das große Trauma des Kinos, die Angst vor dem Er-
wachsenwerden. Viscontis Filme sind Traumgespinste
eines Muttersöhnchens, er hat seine Mutter unglaub-
lich geliebt, ihr Tod hat eine riesige Lücke in sein Leben
46 gerissen. Der Aschenbach, im TOD IN VENEDIG, und
der Ludwig, die beiden Helden in den zwei anderen Fil-
men der sogenannten »deutschen Trilogie«, sind un-
förmige Riesenbabys, die sich zurücksehnen in den
mütterlichen Schoß.
Die Werke der großen Filmemacher muß man vielleicht
architektonisch angehen. Das von Griffith ist ein robu-
stes Blockhaus, das von Hitchcock ein Luxushotel, so
gediegen und diskret, daß man die Gäste nicht wirklich
zu Gesicht bekommt, das von Renoir ein Theater, wo
man nie weiß, ob man schon auf der Bühne steht oder
noch im Zuschauerraum … Das Werk von Visconti ist
ein Palazzo, in seinem Bauplan dem des sizilianischen
»Gattopardo« vergleichbar. Endlose Fluchten, weite
Zimmer und Salons. Man kann, wenn man hier flaniert,
nicht von jedem einzelnen Raum, von jedem Film oder
jeder Sequenz mit Sicherheit sagen, ob der Schöpfer
sie bis ins Letzte hinein gestaltet hat. Es sind Räume,
wo das Leben nie für lange Aufenthalt nimmt, immer
scheint es, wenn wir den Raum betreten, schon weiter
gezogen. »Die interessanteste Zeit meines Lebens war
die des Widerstands. Wir waren allein mit unseren Ge-
danken, mit unseren Träumen. Allein mit einem Bild,
einem Bild nach dem anderen von unseren Freunden,
die wer weiß wo waren. Einige waren Arbeiter, andere
Intellektuelle. Ihre Mütter warteten jeden Abend auf ihre
Heimkehr.«
Die Einsamkeit, hat Visconti immer wieder gesagt, ist
das wichtigste im Leben eines Mannes, sie war seine
größte Produktivkraft. Seine Romanzen – mit Franco
Zefirelli oder Helmut Berger – und seine Freundschaf-
ten – als dritter im Bunde beim Liebespaar Romy
Schneider und Alain Delon – hat er voll in seine Filme
und Inszenierungen eingebracht. Das hat ihn hellsichtig
gemacht für jenen Bereich, wo Professionalismus und
Prostitution sich überlagern. Sein Werk wird aus den
heftigen Bewegungen der Moderne gespeist, wie sie
auftraten in den Zwanzigern des vorigen Jahrhunderts,
es wird getrieben von der Unnachsichtigkeit der Liebe
und der Angst vor einer Zukunft, die sich immer weni-
ger fassen läßt in ihren Umrissen. Proust ist sein Mann,
der modernste Schreiber. Sein Leben lang wollte
Visconti die »Recherche du temps perdu« adaptieren,
eifersüchtig wachte er darüber, daß kein anderer sich
diesem Romanwerk näherte.
Renoir hatte Visconti das Fenster zum Kino aufge-
stoßen, als der junge Luchino in Paris war und dann
beim Dreh von UNE PARTIE DE CAMPAGNE assistieren
durfte. Beim Abschied hat der Meister ihm den Roman
mit auf den Weg gegeben, »The Postman Always Rings
Twice«, der sein erster Film werden sollte, OSSES-
SIONE. Ein Kind von Coco Chanel und Renoir ist Vis-
conti geblieben, irgendwann in den Fünfzigern hat er
dann eine Art Exil gesucht – einen Ort im Leben, an
dem er unter den Leuten sein konnte, aber doch auf Di-
stanz zu ihnen. »Das Dach des Mailänder Doms … ich
kenne es sehr gut, ich bin ja aus Mailand. Als ich sehr
jung war, ging ich manchmal morgens nicht in die
Schule … und wo war ich da? Auf dem Dom … und
ich erinnere mich, manchmal guckte ich einem jungen
Mann und einem Mädchen zu, die sich zankten, ja,
daran erinnere ich mich. Erinnern Sie sich, in der Szene
in ROCCO UND SEINE BRÜDER, wenn Delon und Girar-
dot sich streiten auf dem Dach des Doms – da ist auch
ein Student, der liest, der schaut Rocco und dem
Mädchen zu. … Das bin ich.«
OSSESSIONE (VON LIEBE BESESSEN) – Italien 1942
– R: Luchino Visconti – B: Luchino Visconti, Mario Ali-
cata, Giuseppe De Santis, Antonio Pietrangeli, Gianni
Puccini, nach dem Roman »The Postman Always Rings
Twice« von James M. Cain – K: Aldo Tonti, Domenico
Scala – M: Giuseppe Rosati – D: Massimo Girotti, Clara
Calamai, Juan De Landa, Elio Marcuzzo, Vittorio Duse –
135 min, OmU – Der Landstreicher Gino beginnt in
einer Tankstelle in der Po-Ebene mit der jungen Frau
seines Arbeitgebers ein leidenschaftliches Liebesver-
hältnis, das zu einem Mord führt. – Visconti füllte mit
seinem ersten Film die ideologische Leere auf, die das
Pathos des faschistischen Regimes gegraben hatte. In
einer Zeit, in der im italienischen Kino vor allem sau-
bere Helden in Luxusmilieus gezeigt wurden, brachte er
das andere Italien und die italienische Wirklichkeit auf
die Leinwand: reale Landschaften, verfallene Häuser
und Menschen, die ihren Begierden und Trieben ausge-
liefert sind. Giuseppe De Santis, der Ko-Autor, be-
schrieb den Film als eine Erzählung »durchtränkt vom
Geruch von Tod und Sperma.«

Freitag, 4. März 2005, 21.00 Uhr

Dienstag,
8. März 2005, 18.30 Uhr
APPUNTI SU UN FATTO DI CRONACA (NOTIZEN ZU
EINER VERMISCHTEN NACHRICHT) – Italien 1951 –
R: Luchino Visconti – 8 min, OF – Dokumentation über
die »Affäre Lionello Egidi« – den Mord an einem jungen
Mädchen in einem Armenviertel Roms. Das ist eigent-
lich Pasolinisches Terrain, aber die Bilder und Komposi-
tionen sind so herzzerreißend und qualvoll schön wie
nur sonst etwas bei Visconti. – GIORNI DI GLORIA
(TAGE DES RUHMS) – Italien 1945 – R: Mario Serand-
rei, Luchino Visconti, Giuseppe De Santis, Marcello Pa-
gliero – B: Umberto Calosso, Umberto Barbaro – K:
Umberto Della Valle, De West, Gianni Di Venanzo u.a. –
M: Costantino Ferri – 71 min, OmeU – Die erste Doku-
mentation über die deutsche Besetzung Roms und den
Befreiungskampf der Resistenza. Der Film zeigt ver-
schiedene Episoden aus dem Kampf bis zum Sieg, von
September 1943 bis zum Frühling 1945. Visconti – der
selbst im Widerstand aktiv und auch im Gefängnis ge-
wesen war – filmte mit acht Kameras den Kriegsver-
brecherprozess gegen den Faschisten Pietro Caruso
sowie einen Lynchmord während des Prozesses.

Dienstag, 8. März 2005, 21.00 Uhr
LA TERRA TREMA (DIE ERDE BEBT) – Italien 1948 –
R+B: Luchino Visconti, nach dem Roman »I Malavoglia«
von Giovanni Verga – K: Aldo Graziati – D: Einwohner
des Dorfes Aci Trezza – 160 min, OmU – Visconti
plante einen Dokumentarfilm über Sizilien, der in drei
Teilen die Lage der sizilianischen Fischer, der Schwe-
felarbeiter und der Bauern darstellen und mit dem Sieg
der vereinten Kräfte des Proletariats enden sollte. Nur
der erste Teil wurde gedreht: Seit Jahrhunderten sind
die Fischer zwei Mächten ausgesetzt: dem Meer und
den Händlern und Bootsbesitzern, in deren Auftrag sie
fahren, und viele nehmen die Ausbeutung ebenso als
Naturgesetz hin wie die Stürme des Meeres. Der junge
Ntoni versucht als erster sich aufzulehnen. »Schon Vis-
contis Anfänge waren nicht neorealistisch. Der erste
Film ist seinem Lehrer Renoir verbunden. Der zweite ist
im Überbau zu marxistisch, um neorealistisch zu sein.
Die Inszenierung, der eigentliche Film, läßt durch die
Örtlichkeit eine Macht von Schicksal spüren, die den Luchino Visconti
Willen zur Veränderung durch kollektives Handeln
bricht. Die Erde hatte gebebt, der Zweite Weltkrieg
Hoffnungen auf Veränderung geweckt, die Visconti aber
schon mit diesem Film wieder begräbt.« (Frieda Grafe)

Samstag, 5. März 2005, 21.00 Uhr

Mittwoch,
9. März 2005, 18.30 Uhr
47
ANNA MAGNANI – Italien 1953 – R: Luchino Visconti
– B: Cesare Zavattini, Suso Cecchi D’Amico – K: Gabor
Pogany – M: Alessandro Cicognini – D: Anna Magnani
– 18 min, OmeU – Episode des Films SIAMO DONNE
(WIR FRAUEN) – Visconti porträtiert Anna Magnani in
einer Vignette, die ein Erlebnis der Schauspielerin aus
dem Jahr 1943 nachinszeniert. »Eine einzige Huldi-
 gung für die donna del popolo. Visconti hat sich ganz
der überwältigenden Selbstdarstellung der großen
Schauspielerin ausgeliefert. Die Verve dieser kleinen
Erzählung kommt direkt aus dem mitreißenden Tempe-
rament der Magnani.» (Wolfram Schütte) – BELLIS-
SIMA – Italien 1951 – R: Luchino Visconti – B: Luchino
Visconti, Suso Cecchi D’Amico, Francesco Rosi, nach
einer Novelle von Cesare Zavattini – K: Piero Portalupi,
Paul Ronald – M: Franco Mannino – D: Anna Magnani,
Tina Apicella, Walter Chiari, Alessandro Blasetti, Ga-
stone Renzelli, Tecla Scarano – 116 min, OmU – Anna
Magnani spielt eine Arbeiterfrau, die davon überzeugt
ist, daß ihre kleine Tochter als Bellissima, als »das
schönste Kind von Rom», einem Cinecittà-Wettbewerb
gewinnen wird. »Nicht die Kritik am römischen Filmbe-
trieb steht im Vordergrund, sondern die Desillusionie-
rung einer Arbeiterfrau, deren kleinbürgerliche Lebens-
vorstellungen unter tragischen Umständen vernichtet
werden. Das Phänomen ‚Film’ mit seiner Aura von
Glanz und großer Welt ist nur das Symbol für die ge-
heime Sehnsucht der Frau nach einem besseren
Leben.» (Hans-Dieter Roos)

Sonntag, 6. März 2005, 21.00 Uhr

Dienstag,
Luchino Visconti
15. März 2005, 21.00 Uhr
SENSO (SEHNSUCHT) – Italien 1954 – R: Luchino
Visconti – B: Luchino Visconti, Suso Cecchi D’Amico,
Giorgio Prosperi, Carlo Alianello, Giorgio Bassani, nach
der Erzählung von Camillo Boito – Mitarbeit bei den
48 Dialogen: Tennessee Williams, Paul Bowles – K: Aldo
Graziati – M: Anton Bruckner (7. Symphonie), Giuseppe
Verdi (»Il Trovatore«) – D: Alida Valli, Farley Granger,
Massimo Girotti, Heinz Moog, Rina Morelli, Marcella
Mariani – 126 min, OmU – »Die Geschichte der tragi-
schen Liebe einer venezianischen Gräfin zu einem jun-
gen österreichischen Leutnant, 1866, während der Be-
setzung Venedigs durch die Österreicher. Der Offizier,
schwach und feige, wird wegen Desertion erschossen
und stürzt seine Geliebte in Verderben und Wahnsinn.
Es ist ein wahrhaft historischer Film in dem Sinne, daß
die Geschichte nicht nur bildmächtiger Hintergrund für
ein romantisches Drama ist. Die Personen sind Teil
ihrer Zeit, ihre Handlungen ergeben sich aus ihrer Um-
gebung und aus den Geschehnissen, die sie selber
hervorrufen oder deren Opfer sie sind. Visconti zeigt
seine Helden als Gefangene ihrer jeweiligen gesell-
schaftlichen Klassen und in Situationen, in denen ihr
Untergang unausweichlich ist.« (Alain Tanner)

Freitag, 11. März 2005, 21.00 Uhr

Dienstag,
15. März 2005, 18.30 Uhr
LE NOTTI BIANCHE (WEISSE NÄCHTE) – Italien 1957
– R: Luchino Visconti – B: Luchino Visconti, Suso
Cecchi D’Amico, nach dem Roman von F. M. Dostoje-
wskij – K: Giuseppe Rotunno – M: Nino Rota – D: Maria
Schell, Marcello Mastroianni, Jean Marais, Clara Cala-
mai, Dick Sanders – 97 min, OmU – Mit der Adaption
von Dostojewskijs Erzählung von verlorenen Menschen
ging Visconti soweit wie möglich weg von der Realität
und hin zu einer neu geschaffenen, umgeformten Rea-
lität, einer subjektiven Stilisierung – vom Neo-Realis-
mus zum Neo-Romantizismus. Er selbst nannte es
einen »Abstecher in die Welt des Traums«. Komplett im
Studio gedreht (obwohl er zum größten Teil »draußen«
auf der Straße, auf Treppen, Brücken und an Kanälen
spielt), steht der Film isoliert im Werk Viscontis. Die be-
wußt kenntlich gemachte theatralische Künstlichkeit
erschafft eine Traum- und Märchenwelt – ein nebelver-
hangenes Irgendwo. Natalia, eine junge Russin in Ita-
lien, wartet auf ihren Geliebten. Am vereinbarten Tag
des Treffens harrt sie vergebens aus. Dabei wird sie
von einem anderen Mann beobachtet, dem einsamen
Junggesellen Mario, der sie tröstet und sich selbst in
Natalia verliebt.

Sonntag, 13. März 2005, 21.00 Uhr

Dienstag,
22. März 2005, 21.00 Uhr
ROCCO E I SUOI FRATELLI (ROCCO UND SEINE BRÜ-
DER) – Italien 1960 – R: Luchino Visconti – B: Luchino
Visconti, Suso Cecchi D’Amico, Pasquale Festa Cam-
panile, Massimo Franciosa, Enrico Medioli, nach dem
Roman »Il ponte della Ghisolfa« von Giovanni Testori –
K: Giuseppe Rotunno – M: Nino Rota – D: Alain Delon,
Renato Salvatori, Annie Girardot, Katina Paxinou, Clau-
dia Cardinale, Roger Hanin, Paola Stoppa – 180 min,
OmeU –»Eine Familengeschichte, die gleichermaßen
lyrisch wie brutal ist. Ein fatalistischer Film Noir, in sei-
ner Vision so rein wie der heilige Rocco, mit einer grau-
samen Dosis von Gewalt. Rocco ist eine Figur wie Do-
stoevskijs Prinz Myshkin, oder wie Bressons Balthazar.
Er ist die Ausnahme unter den fünf Söhnen einer
armen, aber resoluten Witwe, die ihre Familie aus dem
Süden Italiens nach Mailand bringt, wo sie ›wie ein Erd-
beben‹ ankommen, unvorbereitet für die Anforderun-
gen des Lebens in der großen Stadt. Die Matriarchin
aus dem bäuerlichen Süden kann den korrumpieren-
den Kräften des industrialisierten Nordens nichts ent-
gegensetzen, und so werden ihre Söhne alle Opfer der
Verwüstungen der Großstadt.» (Judy Bloch)

Samstag, 12. März 2005, 21.00 Uhr

Mittwoch,
16. März 2005, 18.30 Uhr
IL GATTOPARDO (DER LEOPARD) – Italien 1962 – R:
Luchino Visconti – B: Luchino Visconti, Suso Cecchi
D’Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Fran-
ciosa, Enrico Medioli, nach dem Roman von Giuseppe
Tomasi di Lampedusa – K: Giuseppe Rotunno – M:
Nino Rota – D: Burt Lancaster, Claudia Cardinale, Alain
Delon, Rina Morelli, Paolo Stoppa, Giuliano Gemma,
Serge Reggiani, Pierre Clementi, Mario Girotti –
188 min, OmeU – Chronik des Niedergangs einer sizi-
lianischen Fürstenfamilie, während des Risorgimento,
des Bürgerkriegs zwischen den Bourbonen von Neapel
und Sizilien und den republikanischen Garibaldisten,
die Italien einigen wollen, in den sechziger Jahren des
19. Jahrhunderts. Am Ende steht der Fürst von Salina,
der »Leopard«, im Bewußtsein des nahen Todes, zwi-
schen der Erinnerung an die verlorene Zeit und der Ah-
nung der Zukunft: »Die Dinge müssen sich ändern, um
die gleichen zu bleiben.« – die Dialektik von Altem und
Neuem. »Keinem anderen Film ist es je gelungen,
tatsächlich eine Proustsche Ästhetik zu vermitteln. Vis-
contis Kamera liebkost das Vergehen der Zeit, die sich
verändernden Nuancen zwischen den umhertreiben-
den und zerrissenen Charakteren und zeigt so, wie
Spezifisches zu Universellem transzendiert.» (Warren
Sonbert)

Freitag, 18. März 2005, 21.00 Uhr

Mittwoch,
23. März 2005, 18.30 Uhr
Luchino Visconti
VAGHE STELLE DELL’ORSA … (SANDRA) – Italien
1964 – R: Luchino Visconti – B: Luchino Visconti, Suso
Cecchi D’Amico, Enrico Medioli – K: Armando Nannuzzi
– M: César Franck, Donaggio-Pallavicini, Magliacci-
Faleni, Carlo Alberto Rossi – D: Claudia Cardinale, Jean
Sorel, Michael Craig, Renzo Ricci, Fred Williams, Amalia
Troiani – 105 min, OmeU – In ihrem Palazzo mitten in 49
der verfallenden Pracht einer etruskischen Stadt ver-
sammelt sich eine aristokratische Familie, um einen
Garten dem Andenken des Patriarchen, der als Jude in
Auschwitz ermordet wurde, zu widmen. Sandra und ihr
Bruder sind überzeugt, daß ihre Mutter den Vater de-
nunziert hat. Doch mehr als die Geister der Toten spu-
ken die Geheimnisse der Lebenden durch das Haus.
 Visconti verwebt meisterhaft Themen der Erinnerungen
und der Mythen in diesem komplexen Film über Schuld
und Inzest, einer modernen Version der Elektra-Le-
gende. »Der Inzest«, sagt Visconti, »ist das letzte Tabu
der heutigen Gesellschaft, ein dramatischer und ver-
zweifelter Weg, sich gegen Auflösung und Verfall der
Familie und gegen die Einsamkeit zu verbünden.«

Samstag, 19. März 2005, 21.00 Uhr

Dienstag,
22. März 2005, 18.30 Uhr
LO STRANIERO (DER FREMDE) – Italien 1967 – R:
Luchino Visconti – B: Suso Cecchi D’Amico, Georges
Chonchon, Emmanuel Roblès, nach dem Roman von
Albert Camus – K: Giuseppe Rotunno – M: Piero Pic-
cioni – D: Marcello Mastroianni, Anna Karina, Georges
Wilson, Bernard Blier, Jacques Herlin, Bruno Cremer –
104 min, OmeU – Meursault, Camus’ Archetyp des exi-
stentialistischen Nicht-Helden, begeht ein sinnloses
Verbrechen, nur weil gerade die Sonne scheint …
Während Visconti sonst literarische Vorlagen frei um-
gestaltet, damit sie seine eigenen Interessen und Ob-
sessionen reflektieren, folgt er hier der Handlung der
Erzählung getreu. Er füllt auch Leerstellen, ergänzt
Details und Kontexte, die im Buch »fehlen« und ver-
sucht so, ein genaues Abbild des Algier der dreißiger
Jahre wiederzuerschaffen. »Mastroianni ist ein super-
ber Meursault. Obwohl er eigentlich viel zu glamourös
für die Rolle ist, schafft er es, sich in die unzufriedene,
Luchino Visconti
50
leicht verwirrte, doch durchaus intelligente Null hinein-
zufügen, die Camus im Sinn hatte.« (John Simon)

Samstag, 20. März 2005, 21.00 Uhr

Dienstag,
29. März 2005, 18.30 Uhr
THE LIFE AND TIMES OF COUNT LUCHINO VISCONTI
– GB 2003 – R+B: Adam Low – K: Dewald Aukema –
mit Franco Zefirelli, Francesco Rosi, Claudia Cardinale,
Farley Granger, Annie Girardot, Charlotte Rampling,
Helmut Berger – 106 min, OmeU – Wie ein junger
Mann aus einer der ältesten und reichsten aristokrati-
schen Dynastien Italiens zu einem entschiedenen Mar-
xisten und zu einem Künstler internationalen Rangs
wurde, der eine junge Sopranistin namens Maria Callas
in die Operndiva schlechthin verwandelte und der ei-
nige der größten Werke der europäischen Literatur für
den Film adaptierte. Ausschnitte aus den Filmen und
Interwiews mit Weggefährten, Verwandten und Mitar-
beitern ergeben ein faszinierendes Porträt.

Donnerstag, 24. März 2005, 19.00 Uhr
THE DAMNED (DIE VERDAMMTEN) – Italien 1968 –
R: Luchino Visconti – B: Luchino Visconti, Nicola Ba-
dalucco, Enrico Medioli – K: Armando Nannuzzi, Pas-
quale De Santis – M: Maurice Jarre – D: Ingrid Thulin,
Dirk Bogarde, Helmut Berger, Helmut Griem, Umberto
Orsini, Charlotte Rampling, René Kolldehoff, Albrecht
Schoenhals – 157 min, engl.OF – Die Industriellen-Fa-
milie von Essenbeck (die Züge der Krupp-Dynastie
trägt), versucht, sich durch die Zusammenarbeit mit
den Nationalsozialisten zu sanieren, treibt aber statt-
dessen ihren Zerfall voran. »Viscontis Leistung bestand
darin, den Nationalsozialismus nicht als Ideologie zu
begreifen, die er in Wahrheit auch nicht war, sondern
als einen Akt brutaler Rhetorik, als eine besinnungslos
unter die Gürtellinie zielende, perverse Inszenierung,
die Martin von Essenbeck stellvertretend vornimmt.«
(Werner Kließ) »Der Film steht dem epischen Werk Tho-
mas Manns und dem ›Gesamtkunstwerk‹ Richard Wag-
ners so nahe, wie uns diese beiden heute fern sind.«
(Wolfram Schütte)

Freitag, 25. März 2005, 21.00 Uhr

Freitag, 1. April
2005, 21.00 Uhr
ALLA RICERCA DI TADZIO (AUF DER SUCHE NACH
TADZIO) – Italien 1970 – R+B: Luchino Visconti –
Kommentar: Oreste del Buono – 30 min, OmU – Vis-
conti selbst beschreibt in dieser Dokumentation seine
Suche nach dem Darsteller des Tadzio. Ein ganz er-
staunlicher, ehrlicher, schonungsloser Film. »Die Popu-
larität von TOD IN VENEDIG läßt sich im Grunde nur
damit erklären, daß Visconti für die Rolle des Tadzio
einen Jüngling von solch hinreißender Schönheit fand,
daß die Zuschauer, aber auch die Mann-Leser, den Ein-
druck gewannen, hier sei einem Modell Gerechtigkeit
widerfahren, dem allgemein Einzigartigkeit attestiert
wurde. Mann selbst bezeichnete die Entstehung seiner
Erzählung als eine Art Wunder. Das Wunder der Vis-
conti-Verfilmung war die Besetzung der Rolle mit An-
dresen. Wäre er nicht so schön gewesen, wäre der Film
auch nicht so gut. So einfach ist das.» (Gilbert Adair)

Donnerstag, 24. März 2005, 19.00 Uhr

Mittwoch,
30. März 2005, 21.00 Uhr
DEATH IN VENICE (TOD IN VENEDIG) – Italien 1970 –
R: Luchino Visconti – B: Luchino Visconti, Nicola
Badalucco, nach der Erzählung von Thomas Mann –
K: Pasquale De Santis – M: Gustav Mahler (3. und
5. Symphonie) – D: Dirk Bogarde, Björn Andresen, Sil-
vana Mangano, Mark Burns, Romolo Valli, Marisa Be-
renson, Nora Ricci – 128 min, engl.OF – »Dirk Bogarde
geistert durch das sterbende Venedig in dieser Elegie
auf die Vergänglichkeit aller Menschen und körperli-
chen und geistigen Dinge – Gebäude, Städte, Kunst,
Verlangen, Lust. Ein einstmals erfolgreicher Komponist
kommt nach Venedig, um sich zu erholen, zu verjüngen
– aber die wunderbare Stadt hat ein Geheimnis – die
Pest. Gleichermaßen mit dem körperlichen Tod der
Stadt wie mit dem künstlerischen Tod seiner Karriere
konfrontiert, sucht der Komponist etwas Unsterbliches,
und findet nur – einen Knaben, dessen strahlender
Glanz als einzige Schönheit in der verseuchten Stadt
übriggeblieben ist. Wenn die anderen Farbfilme Viscon-
tis als ›opernhaft‹ charakterisiert werden können, dann
ist dies eine kinematographische Fuge, in der die Sym-
biose von Bild und Musik ihren Höhepunkt erreicht.»
(Jason Sanders)

Samstag, 26. März 2005, 21.00 Uhr

Mittwoch,
30. März 2005, 18.30 Uhr
IL LAVORO (DER JOB) – Italien 1961 – R: Luchino Vis-
conti – B: Suso Cecchi D`Amico, Luchino Visconti, nach
der Erzählung »Au Bord du Lit« von Guy de Maupassant Luchino Visconti
– K: Giuseppe Rotunno – M. Nino Rota – D: Romy
Schneider, Tomas Milian, Paolo Stoppa, Romolo Valli –
46 min, OF – Episode des Films BOCCACCIO ‘70 – Epi-
soden vom Kampf der Geschlechter, aus Bocaccios
»Decamerone« in die heutige (damalige) Zeit versetzt.
Bei Visconti ist Romy Schneider eine junge Gräfin, die
entdeckt, daß ihr Ehemann regelmäßig Callgirls be- 51
sucht. Sie eröffnet ihm, daß sie des nutzlosen Lebens
müde ist und sich auch eine Arbeit suchen will. Da sie
jedoch nichts gelernt hat, ist ihre einzige Möglichkeit –
sich ihm gegen Bezahlung hinzugeben. Er geht auf den
Vorschlag ein … – LA STREGA BRUCIATA VIVA (DIE
LEBENDIG VERBRANNTE HEXE) – Italien 1966 – R:
Luchino Visconti – B: Giuseppe Patroni Griffi, Cesare
 Zavattini – K: Giuseppe Rotunno – M: Piero Piccioni –
D: Silvana Mangano, Annie Girardot, Francisco Rabal,
Massimo Girotti, Clara Calamai – 37 min, OmeU – Epi-
sode des Films LE STREGHE (HEXEN VON HEUTE) – Va-
riationen über die Femme Fatale. Visconti präsentiert
eine spektakuläre und verstörende Anatomie des
Ruhms. Silvana Mangano ist die weltberühmte, göttli-
che Diva, die Ruhe und Abgeschiedenheit sucht in
einem Hotel in den Alpen.

Mittwoch, 30. März 2005, 21.00 Uhr
LUDWIG (LUDWIG II) – Italien/BRD 1972 – R: Luchino
Visconti – B: Luchino Visconti, Enrico Medioli, Suso
Cecchi D’Amico – K: Armando Nannuzzi – M: Richard
Wagner, Robert Schumann, Jacques Offenbach – D:
Helmut Berger, Romy Schneider, Trevor Howard, Silvana
Mangano, Gert Fröbe, Helmut Griem, John Moulder-
Brown, Umberto Orsini – 244 min, OmU – »Visconti
hatte in Ludwig mit leidenschaftlicher Sympathie eine
verwandte Seele gefunden – ein königliches Alter Ego:
in des Königs Homosexualität und Hedonismus, in sei-
nem Pazifismus, in der Liebe für die Oper, die Künst-
lichkeit und die Extravaganz, und auch in seiner selbst
auferlegten Isolation von der ›gemeinen und unerträgli-
chen‹ Welt. In Viscontis Kunst-Welt ist Helmut Bergers
Ludwig die letzte große Lichtgestalt– er ist Tristan, aber
er ist auch das letzte und größte Opfer – er ist Chri-
stus.« (James McCourt)

Montag, 28. März 2005, 19.00 Uhr
Luchino Visconti
CONVERSATION PIECE (GEWALT UND LEIDEN-
52 SCHAFT) – Italien 1974 – R: Luchino Visconti – B: Lu-
chino Visconti, Suso Cecchi D'Amico, Enrico Medioli –
K: Pasquale De Santis – M: Franco Mannino – D: Burt
Lancaster, Silvana Mangano, Helmut Berger, Claudia
Marsani, Stefano Patrizi, Claudia Cardinale – 125 min,
engl. OmU – In das ruhige Leben eines emeritierten
Professors drängt sich eine Gräfin mitsamt Anhang, die
ihn als ungebetene Mieterin in ihre privaten Affären
verwickelt. Wie LUDWIG ist dies ein zutiefst persön-
licher, in Teilen sogar autobiographischer Film. Die
Annäherung des Professors an Konrad (den leichtferti-
gen, amoralischen Gigolo der Gräfin), der in ihm ein
Gefühl für die Gefahr, die Wildheit und die Schönheit
der Welt erweckt, die sich entwickelnde Freundschaft
zwischen beiden – das ist Viscontis wehmütige Revi-
sion seiner Beziehung zu Helmut Berger. »Der italieni-
sche Titel ›Familiengruppenbild in einem Interieur‹ lenkt
den Blick von vornherein in eine bestimmte Richtung.
Der Rahmen, ein römischer Palazzo, ist die kunstvolle
Umgrenzung, die die Personen der Handlung aus sich
heraustreten läßt. Und er schafft erst die höchst un-
orthodoxe Familie. Den Rahmen im weitesten Sinn,
Inszenierung und melodramatisch-pathetische Struktur
inklusiv, erforscht zu haben, ist Viscontis Beitrag zur
Entwicklung des Kinos.« (Frieda Grafe)

Sonntag, 27. März 2005, 21.00 Uhr

Samstag,
2. April 2005, 21.00 Uhr
L’INNOCENTE (DIE UNSCHULD) – Italien 1976 – R:
Luchino Visconti – B: Luchino Visconti, Suso Cecchi
D’Amico, Enrico Medioli, nach dem Roman von Gabri-
ele D’Annunzio – K: Pasquale De Santis – M: Franco
Mannino – D: Giancarlo Giannini, Laura Antonelli, Jen-
nifer O`Neill, Rina Morelli, Massimo Girotti, Marc Porel –
129 min, OmeU – Der römische Graf Tullio Hermil hat
sich sein Leben rücksichtslos und egoistisch eingerich-
tet. Er mißachtet die Liebe seiner Frau Giuliana, ist der
Geliebte der Gräfin Raffo und macht sich nicht die
Mühe, dieses Verhältnis vor seiner Frau und vor der Ge-
sellschaft geheim zu halten. »In der üppigen, kaum zu
überbietenden Schönheit des Films erscheinen die
Schmerzen, die sich diese scheinbar auserwählten
Menschen zufügen, nur noch schäbig und sinnlos. Das
ist der rigorose Sog nach innen, den Viscontis Filme
alle fast wie nebenbei entwickeln. Und erst in diesem
Sog zeigen die Menschen, was sie wert sind – die elen-
den Fischer in LA TERRA TREMA, die nichts haben und
ums blanke Überleben kämpfen müssen, genauso wie
diese sorgenlosen Aristokraten, denen es an nichts
fehlt, denen alles zufällt. Selbst die Schmerzen, für die
sie nicht gemacht zu sein glauben.« (Peter Buchka)

Dienstag, 29. März 2005, 21.00 Uhr

Sonntag,
3. April 2005, 21.00 Uhr
Fotos: Luchino Visconti und Björn Andresen / OSSESSIONE /
BELLISSIMA / IL GATTOPARDO / LO STRANIERO / DEATH IN
VENICE / CONVERSATION PIECE
Neue Restaurierungen des Filmmuseums
SEIN EIGENER MÖRDER – Deutschland 1914 – R:
Max Mack – B: Richard Oswald, nach dem Roman »The
Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde« von Robert
Louis Stevenson – D: Alwin Neuß, Hanni Weisse, Lotte
Neumann, Max Mack – 30 min, viragiert – ANDERS
ALS DIE ANDERN – Deutschland 1919 – R: Richard
Oswald – B: Richard Oswald, Magnus Hirschfeld – K:
Max Faßbender – M: Joachim Bärenz – D: Conrad
Veidt, Reinhold Schünzel, Fritz Schulz, Anita Berber,
Ernst Pittschau, Alexandra Wiellegh, Magnus Hirschfeld
– 51 min – Zwei frühe Filme eines der führenden
deutschen Filmregisseure der zwanziger Jahre, die nur
fragmentarisch erhalten geblieben sind und vom Film-
museum München kürzlich rekonstruiert wurden: SEIN
EIGENER MÖRDER basiert auf einem Drehbuch von Os-
wald, der die Dr. Jekyll & Mr. Hyde-Geschichte in die
deutsche Gegenwart verlegte. Von dem Film war nur
ein Negativ mit starken Zersetzungserscheinungen und
Springtiteln in der Cinémathèque Française erhalten
geblieben. Das Filmmuseum hat die Titel wieder ein-
gefügt und den Film nach den Angaben des Negativs
eingefärbt. ANDERS ALS DIE ANDERN überlebte nur in
einer ukrainischen Version einer Kurzfassung, die wie-
derum von der russischen Zensur gekürzt wurde. Hier
hat das Filmmuseum anhand von Dokumenten, Zen-
surprotokollen und Standfotos die originale Fassung
des Filmes wiederhergestellt, der das einzige erhaltene
Beispiel der vielen Aufklärungsfilme darstellt, mit denen
Richard Oswald Ende der zehner Jahre bekannt wurde.
ANDERS ALS DIE ANDERN ist der erste Film der Film-
geschichte, der sich explizit mit dem Thema Homo-
Neue Restaurierungen
sexualität auseinandersetzt und dementsprechend von
der deutschen Zensur sofort verboten wurde. Er erzählt
die Geschichte eines Violinvirtuosen, der sich in seinen
begabten Schüler verliebt, aber einem Erpresser in die
Hände fällt und wegen Verstoßes gegen den Paragra-
phen 175 vor Gericht landet. Der Sexualforscher und
Co-Autor Dr. Magnus Hirschfeld tritt selber auf und for-
dert die Abschaffung des Paragraphen 175, der Ho-
mosexuelle kriminalisiert. 53

Donnerstag, 10. März 2004, 19.00 Uhr
Foto: ANDERS ALS DIE ANDERN
fILMMUSEUm
mÜNCHEN
Di, 30.11. 18.30 Robert Bramkamp GELBE SORTE (1987)
21.00 Samuel Fuller VERBOTEN! (1959)
Mi, 1.12. 18.30 Robert Bramkamp SKLAVENTREIBER DER SEELE (1995) / DIE EROBERUNG
DER MITTE (1995)
21.00 Samuel Fuller VERBOTEN! (1959)
Do, 2.12. 19.00 Robert Bramkamp DER HIMMEL DER HELDEN (1987) / PRÜFSTAND 7 (2001)
Zu Gast: Robert Bramkamp
Fr, 3.12. 18.30 Mythos Bayern WENN DIE ABENDGLOCKEN LÄUTEN (1930)
21.00 Samuel Fuller THE BIG RED ONE: THE RECONSTRUCTION (1980/2004)
Sa, 4.12. 18.30 Mythos Bayern DIE LANDÄRZTIN (1958)
21.00 Samuel Fuller THE BIG RED ONE: THE RECONSTRUCTION (1980/2004)
So, 5.12. 18.30 Mythos Bayern JAGDSZENEN AUS NIEDERBAYERN (1969)
21.00 Mythos Bayern GESPRÄCH MIT MARTIN SPERR (2000) / NACH DER JAGD.
SZENEN (2001)
Mo, 6.12. 19.00 Geschlossene Veranstaltung
Di, 7.12. 18.30 Robert Bramkamp BECKERBILLETT (1992) / DER HIMMEL DER HELDEN
(1987) / DER MANN AM FENSTER (1989) / CUT A LONG
STORY SHORT (1993) / DER GEFRORENE BLITZ (2002)
21.00 Neue Filme aus Italien LA FINESTRA DI FRONTE – WAS SOLL ICH TUN? (2003)
Mi, 8.12. 18.30 Robert Bramkamp PRÜFSTAND 7 (2001)
21.00 Neue Filme aus Italien LA SPETTATRICE – DIE ZUSCHAUERIN (2004)
Do, 9.12. 19.00 Open Scene AUTOBAHN OST (2004)
Nicole Leykauf ist anwesend
Fr, 10.12. 18.30 Mythos Bayern DER HEILIGE BERG (1926)
21.00 Neue Filme aus Italien IL POSTO DELL’ANIMA – CAMPOLARO, DIE WÜRDE IST
UNANSTASTBAR (2003)
Sa, 11.12. 18.30 Mythos Bayern DER BEBENDE BERG (1931)
21.00 Neue Filme aus Italien PATER FAMILIAS – IM SCHOSSE DER FAMILIE (2003)
Francesco Patierno ist anwesend
So, 12.12. 18.30 Mythos Bayern SCHLAFES BRUDER (1995)
21.00 Neue Filme aus Italien IL MIRACOLO – DAS WUNDER (2003)
Mo, 13.12. Keine Vorstellung
Di, 14.12. 18.30 Neue Filme aus Italien LA FINESTRA DI FRONTE – WAS SOLL ICH TUN? (2003)
21.00 Neue Filme aus Italien L’AMORE RITORNA – DIE RÜCKKEHR DER LIEBE (2004)

Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel. 089/233 24150

fILMMUSEUm
mÜNCHEN
Mi, 15.12. 18.30 Neue Filme aus Italien PATER FAMILIAS – IM SCHOSSE DER FAMILIE (2003)
21.00 Neue Filme aus Italien MIO COGNATO – MEIN UNGELIEBTER SCHWAGER (2003)
Do, 16.12. 19.00 Shanghai Modern DAUGHTER OF SHANGHAI (1937)/ SHANGHAI EXPRESS
(1932)
Fr, 17.12. 18.30 Shanghai Modern XIN JIU SHANGHAI – DAS ALTE UND DAS NEUE SHANGHAI
(1936)
21.00 Shanghai Modern SHENNÜ – DIE GÖTTIN (1934)
Am Flügel: Neil Brand
Sa, 18.12. 18.30 Shanghai Modern ZI MEI HUA – ZWILLINGSSCHWESTERN (1934)
21.00 Shanghai Modern LIAN’AI YU YIWU – LIEBE UND PFLICHT (1931)
Am Flügel: Neil Brand
So, 19.12. 18.30 Shanghai Modern LIAN HUA JIAOXIANGQU – LIAN HUA SYMPHONIE (1937)
21.00 Shanghai Modern THE SHANGHAI GESTURE (1941)
Mo, 20.12. bis Mo, 10.1. Weihnachtsferien
Di, 11.1. 18.30 Mythos Bayern OUT OF ROSENHEIM (1987)
21.00 Unsichtbares Kino OTEC I SYN – VATER UND SOHN (2003)
Mi, 12.1. 18.30 Mythos Bayern MAN SPRICHT DEUTSH (1988)
21.00 Unsichtbares Kino OTEC I SYN – VATER UND SOHN (2003)
Do, 13.1. 19.00 Shanghai Modern EXIL SHANGHAI (1997)
Fr, 14.1. 18.30 Shanghai Modern YAO A YAO YAO DAO WAIPO QUIAO – SHANGHAI
SERENADE (1995)
21.00 Shanghai Modern SHANGHAI ZHI YE – SHANGHAI BLUES (1984)
Sa, 15.1. 18.30 Shanghai Modern HUA YAN – DAZZLING (2001)
Einführung: Anja Götte
21.00 Shanghai Modern HAI SHANG HUA – BLUMEN AUS SHANGHAI (1996)
So, 16.1. 18.30 Shanghai Modern WUO MEN HAI PA – SHANGHAI PANIC (2002)
21.00 Shanghai Modern WILL – WE MUST / CITY LIGHT / 922 RICECORNS / THE
HAPPIEST WINTER DAY / DEAF LAND / NOWHERE / RAIN-
BOW / SHOUTING / WE ARE RIGHT BACK / SOMETHING IN
THE WATER / THREE DAYS AGO / LIGHT AS FUCK / BEFORE
THE FIRST STEAM LOCOMOTIVE WAS BORN (1997–2003)
Einführung: Heike Kraemer
Mo, 17.1. Keine Vorstellung
Di, 18.1. 18.30 Carl Theodor Dreyer PRAESIDENTEN – DER PRÄSIDENT (1919)
21.00 Unsichtbares Kino WIN A DATE WITH TAD HAMILTON! – TOTAL VERKNALLT
IN TAD HAMILTON (2004)

Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel. 089/233 24150

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Mi, 19.1. 18.30 Carl Theodor Dreyer PRÄSTÄNKAN – DIE PFARRERSWITWE (1920)
21.00 Unsichtbares Kino WIN A DATE WITH TAD HAMILTON! – TOTAL VERKNALLT
IN TAD HAMILTON (2004)
Do, 20.1. 19.00 Carl Theodor Dreyer CARL THEODOR DREYER (1966) / DR. COOK (1909) /
PAVILLONENS HEMMELIGHED – DAS GEHEIMNIS DES
PAVILLONS (1916) / DIE VERSCHIEDENEN VERSIONEN VON
DREYERS MEISTERWERKEN / JESUSFILMEN: ET LIVS-
VÆRK – DER JESUSFILM: EIN LEBENSWERK (1970)
Einführung: Casper Tybjerg
Fr, 21.1. 18.30 Mythos Bayern DER SÜNDIGE HOF (1933)
21.00 Carl Theodor Dreyer DER VAR ENGANG – ES WAR EINMAL (1922)
Einführung: Casper Tybjerg
Sa, 22.1. 18.30 Mythos Bayern SEX BUSINESS MADE IN PASING (1969)
21.00 Carl Theodor Dreyer PRAESIDENTEN – DER PRÄSIDENT (1919)
So, 23.1. 18.30 Mythos Bayern PIONIERE IN INGOLSTADT (1971)
21.00 Carl Theodor Dreyer PRÄSTÄNKAN – DIE PFARRERSWITWE (1920)
Am Flügel: Aljoscha Zimmermann
Mo, 24.1. 19.00 MFZ Mitgliederversammlung im Filmmuseumsbüro
Di, 25.1. 18.30 Carl Theodor Dreyer BLADE AF SATANS BOG – BLÄTTER AUS DEM BUCHE
SATANS (1919)
21.00 Unsichtbares Kino SPIDER (2002)
Mi, 26.1. 18.30 Carl Theodor Dreyer DIE GEZEICHNETEN (1921)
21.00 Unsichtbares Kino SPIDER (2002)
Do, 27.1. 19.00 Open Scene SPUK UM MITTERNACHT (1931) / CASANOVA WIDER
WILLEN (1931)
Fr, 28.1. 18.30 Mythos Bayern DAS HEILIGE SCHWEIGEN (1930)
21.00 Carl Theodor Dreyer BLADE AF SATANS BOG – BLÄTTER AUS DEM BUCHE
SATANS (1919)
Sa, 29.1. 18.30 Mythos Bayern DIE MARTINSKLAUSE (1951)
21.00 Carl Theodor Dreyer DIE GEZEICHNETEN (1921)
So, 30.1. 18.30 Mythos Bayern DAS GESPENST (1983)
21.00 Carl Theodor Dreyer MICHAEL (1924)
Am Flügel: Aljoscha Zimmermann
Mo, 31.1. 19.00 Geschlossene Veranstaltung
Di, 1.2. 18.30 Carl Theodor Dreyer DER VAR ENGANG – ES WAR EINMAL (1922)
21.00 Unsichtbares Kino CLEAN (2004)
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel. 089/233 24150
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Mi, 2.2. 18.30 Carl Theodor Dreyer MICHAEL (1924)
21.00 Unsichtbares Kino CLEAN (2004)
Do, 3.2. 19.00 Klaus Wyborny DIE GEBURT DER NATION (1973) / SULLA (2003)
Klaus Wyborny ist anwesend
Fr, 4.2. 18.30 Mythos Bayern WALDRAUSCH (1939)
21.00 Carl Theodor Dreyer DU SKAL AERE DIN HUSTRU – EHRET EURE FRAUEN!
(1925)
Sa, 5.2. 18.30 Mythos Bayern WALDRAUSCH (1962)
21.00 Carl Theodor Dreyer GLOMDALSBRUDEN – DIE BRAUT VON GLOMDAL (1925)
So, 6.2. 18.30 Mythos Bayern WALDRAUSCH (1977)
21.00 Carl Theodor Dreyer LA PASSION DE JEANNE D’ARC – JEANNE D’ARCS LEIDEN
UND TOD (1928)
Am Flügel: Aljoscha Zimmermann
Mo, 7.2. Keine Vorstellung
Di, 8.2. Keine Vorstellung
Mi, 9.2. 18.30 Carl Theodor Dreyer DU SKAL AERE DIN HUSTRU – EHRET EURE FRAUEN!
(1925)
21.00 Carl Theodor Dreyer CARL TH. DREYER: MIN METIER – MEIN METIER (1995)
Do, 10.2. 19.00 Open Scene
Fr, 11.2. 18.30 Mythos Bayern TRIUMPH DER GERECHTEN (1987)
21.00 Carl Theodor Dreyer VAMPYR (1932)
Sa, 12.2. 18.30 Mythos Bayern ABRAHAMS GOLD (1990)
21.00 Carl Theodor Dreyer VREDENS DAG – DIES IRAE. TAG DES ZORNS (1943)
So, 13.2. 18.30 Mythos Bayern DAS SCHRECKLICHE MÄDCHEN (1990)
21.00 Carl Theodor Dreyer MØDREHJAELPEN – MÜTTERHILFE (1942) / VANDET
PÅ LANDET – WASSER VOM LAND / LANDSBYKIRKEN
– DORFKIRCHEN (1947) / KAMPEN MOD KRÆFTEN
– KAMPF GEGEN DEN KREBS (1947) / THORVALDSEN
(1949) / SHAKESPEARE OG KRONBORG – SHAKESPEARE
UND KRONBURG (1950) / STORSTRØMSBROEN – DIE
BRÜCKE VON STORSTRÖM (1950) / ET SLOT I ET SLOT
– EIN SCHLOSS IM SCHLOSS (1952/54) / DE NÅEDE FÆR-
GEN – SIE ERREICHTEN DIE FÄHRE (1948)
Mo, 14.2. Keine Vorstellung
Di, 15.2. 18.30 Carl Theodor Dreyer GLOMDALSBRUDEN – DIE BRAUT VON GLOMDAL (1925)
21.00 Unsichtbares Kino TWISTED – DER ERSTE VERDACHT (2003)

Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel. 089/233 24150

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Mi, 16.2. 18.30 Carl Theodor Dreyer LA PASSION DE JEANNE D’ARC – JEANNE D’ARCS LEIDEN
UND TOD (1928)
21.00 Unsichtbares Kino TWISTED – DER ERSTE VERDACHT (2003)
Do, 17.2. 19.00 Open Scene
Fr, 18.2. 18.30 Mythos Bayern DER JÄGER VON FALL (1936)
21.00 Carl Theodor Dreyer TVÅ MÄNNISKOR – ZWEI MENSCHEN (1945)
Sa, 19.2. 18.30 Mythos Bayern ICH LIEBE DICH, ICH TÖTE DICH (1971)
21.00 Carl Theodor Dreyer ORDET – DAS WORT (1954)
So, 20.2. 18.30 Mythos Bayern JENNERWEIN (2003)
21.00 Carl Theodor Dreyer GERTRUD (1964)
Mo, 21.2. Keine Vorstellung
Di, 22.2. 18.30 Carl Theodor Dreyer VAMPYR (1932)
21.00 Unsichtbares Kino KOHI JIKOU – CAFÉ LUMIÈRE (2003)
Mi, 23.2. 18.30 Carl Theodor Dreyer VREDENS DAG – DIES IRAE. TAG DES ZORNS (1943)
21.00 Unsichtbares Kino KOHI JIKOU – CAFÉ LUMIÈRE (2003)
Do, 24.2. 19.00 Open Scene
Fr, 25.2. 18.30 Mythos Bayern DER TOBISTRICHTER: VOLKSHUMOR AUS DEUTSCHEN
GAUEN (1941) / I A IN OBERBAYERN (1956)
21.00 Working Girls WORKING GIRLS (1931)
Sa, 26.2. 18.30 Mythos Bayern DER HERRGOTTSCHNITZER VON AMMERGAU (1952)
21.00 Working Girls CLUB DE FEMMES – KLUB DER FRAUEN (1936)
So, 27.2. 18.30 Mythos Bayern DIE SELTSAME GESCHICHTE DES BRANDNER KASPARS
(1949)
21.00 Working Girls DIE PRIVATSEKRETÄRIN (1931)
Mo, 28.2. Keine Vorstellung
Di, 1.3. 18.30 Carl Theodor Dreyer ORDET – DAS WORT (1954)
21.00 Carl Theodor Dreyer ORDET – DAS WORT (1943)
Mi, 2.3. 18.30 Carl Theodor Dreyer GERTRUD (1964)
21.00 Carl Theodor Dreyer MEDEA (1988)
Do, 3.3. 19.00 Open Scene ZUSCHAUERKINO
Fr, 4.3. 18.30 Die Tschechows DER NARR SEINER LIEBE (1929)
21.00 Luchino Visconti OSSESSIONE – VON LIEBE BESESSEN (1942)
Sa, 5.3. 18.30 Die Tschechows FROM RUSSIA TO HOLLYWOOD (1999)
21.00 Luchino Visconti LA TERRA TREMA – DIE ERDE BEBT (1948)
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel. 089/233 24150
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So, 6.3. 18.30 Die Tschechows SPELLBOUND – ICH KÄMPFE UM DICH (1945)
21.00 Luchino Visconti ANNA MAGNANI (1953) / BELLISSIMA (1951)
Mo, 7.3. Keine Vorstellung
Di, 8.3. 18.30 Luchino Visconti OSSESSIONE – VON LIEBE BESESSEN (1942)
21.00 Luchino Visconti APPUNTI SU UN FATTO DI CRONACA – NOTIZEN ZU EINER
VERMISCHTEN NACHRICHT (1951) / GIORNI DI GLORIA
– GLORREICHE TAGE (1945)
Mi, 9.3. 18.30 Luchino Visconti LA TERRA TREMA – DIE ERDE BEBT (1948)
Do, 10.3. 19.00 Neue Restaurierungen SEIN EIGENER MÖRDER (1914) / ANDERS ALS DIE ANDERN
(1919)
Fr, 11.3. 18.30 Die Tschechows LIEBELEI (1933)
21.00 Luchino Visconti SENSO – SEHNSUCHT (1954)
Sa, 12.3. 18.30 Die Tschechows DER FAVORIT DER KAISERIN (1936)
21.00 Luchino Visconti ROCCO ET I SUOI FRATELLI – ROCCO UND SEINE BRÜDER
(1960)
So, 13.3. 18.30 Die Tschechows BEL AMI (1939)
Einführung: Renata Helker
21.00 Luchino Visconti LE NOTTI BIANCHE – WEISSE NÄCHTE (1957)
Mo, 14.3. 19.00 MFZ Mitgliederversammlung im Filmmuseumsbüro
Di, 15.3. 18.30 Luchino Visconti SENSO – SEHNSUCHT (1954)
21.00 Luchino Visconti ANNA MAGNANI (1953) / BELLISSIMA (1951)
Mi, 16.3. 18.30 Luchino Visconti ROCCO E I SUOI FRATELLI – ROCCO UND SEINE BRÜDER
(1960)
Do, 17.3. 19.00 Open Scene
Fr, 18.3. 18.30 Die Tschechows DAS BROT DER FRÜHEN JAHRE (1962)
21.00 Luchino Visconti IL GATTOPARDO – DER LEOPARD (1963)
Sa, 19.3. 18.30 Die Tschechows DIES RIGOROSE LEBEN (1983)
21.00 Luchino Visconti VAGHE STELLE DELL’ORSA … – SANDRA (1965)
So, 20.3. 18.30 Die Tschechows TSCHECHOW IN MEINEM LEBEN (1984)
Einführung: Maja Turowskaja
21.00 Luchino Visconti LO STRANIERO – DER FREMDE (1967)
Mo, 21.3. Keine Vorstellung
Di, 22.3. 18.30 Luchino Visconti VAGHE STELLE DELL’ORSA … – SANDRA (1965)
21.00 Luchino Visconti LE NOTTI BIANCHE – WEISSE NÄCHTE (1957)
Mi, 23.3. 18.30 Luchino Visconti IL GATTOPARDO – DER LEOPARD (1963)
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel. 089/233 24150
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Do, 24.3. 19.00 Luchino Visconti THE LIFE AND TIMES OF COUNT LUCHINO VISCONTI
(2003) / ALLA RICERCA DI TADZIO – AUF DER SUCHE
NACH TADZIO (1970)
Fr, 25.3. 18.30 Die Tschechows LA PETITE LILI – DIE KLEINE LILI (2003)
21.00 Luchino Visconti THE DAMNED – DIE VERDAMMTEN (1969)
Sa, 26.3. 18.30 Die Tschechows LA PETITE LILI – DIE KLEINE LILI (2003)
21.00 Luchino Visconti DEATH IN VENICE – TOD IN VENEDIG (1971)
So, 27.3. 18.30 Die Tschechows LA PETITE LILI – DIE KLEINE LILI (2003)
21.00 Luchino Visconti CONVERSATION PIECE – GEWALT UND LEIDENSCHAFT
(1974)
Mo, 28.3. 19.00 Luchino Visconti LUDWIG – LUDWIG II (1972)
Di, 29.3. 18.30 Luchino Visconti LO STRANIERO – DER FREMDE (1967)
21.00 Luchino Visconti L’INNOCENTE – DIE UNSCHULD (1976)
Mi, 30.3. 18.30 Luchino Visconti DEATH IN VENICE – TOD IN VENEDIG (1971)
21.00 Luchino Visconti ALLA RICERCA DI TADZIO – AUF DER SUCHE NACH TADZIO
(1970) / IL LAVORO – DER JOB (1961) / LA STREGA BRU-
CIATA VIVA – DIE LEBENDIG VERBRANNTE HEXE (1967)
Do, 31.3. 19.00 Open Scene
Fr, 1.4. 18.30 Die Tschechows ANTON P. ČECHOV – EIN LEBEN (1981)
21.00 Luchino Visconti THE DAMNED – DIE VERDAMMTEN (1969)
Sa, 2.4. 18.30 Die Tschechows DAMA S SOBATSCHKOJ – DIE DAME MIT DEM HÜNDCHEN
(1960)
21.00 Luchino Visconti CONVERSATION PIECE – GEWALT UND LEIDENSCHAFT
(1974)
So, 3.4. 18.30 Die Tschechows OCI CIORNIE – SCHWARZE AUGEN (1987)
21.00 Luchino Visconti L’INNOCENTE – DIE UNSCHULD (1976)

LA PETITE LILI

Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München · Tel. 089/233 24150

Für Unterstützung bei der Realisierung unseres Programms danken wir:
20th Century Fox, Los Angeles (Schawn Belston) · AG Kino, Berlin (Eva Matlok, Hendrike Bake) · Bayerische
Ostgesellschaft, München (Erich Fellmann) · BBC Arena, London (Adam Low, Rosemary Tratt) · Bonner Kinemathek
(Sigrid Limprecht, Bernhard Gugsch) · China Film Archive, Beijing (Chen Jingliang, Tan Yanrong, Liu Dong) · Chinese
Taipei Film Archive, Taipei (Winston Lee, Teresa Huang) · Cinecittà Holding, Roma (Camilla Cormanni) ·
Cinémathèque Municipale, Luxembourg (Claude Bertemes, Marc Scheffen) · Cinémathèque Suisse, Lausanne
(Bernard Uhlmann, André Schäublin) · Cineteca Nazionale, Roma (Laura Argento) · Circolo Cento Fiori, München
(Giovanna Runggaldier, Ilaria Furno Weise) · Columbia Tristar, Berlin (Martin Bachmann, Swaantje Hertzenberg) ·
Dansk Radio TV, Søborg (Lene Nedergaard, Berit Jørgensen) · dctp, Düsseldorf (Beata Wiggen) · DDA Public
Relations, Los Angeles (Jill Di Raffaele) · Det Danske Filminstitut, Kopenhagen (Thomas Christensen, Aase
Malmkjaer) · Deutsches Filmmuseum, Frankfurt (Ulrike Stiefelmayer) · Deutsches Theatermuseum, München
(Claudia Balk, Petra Kraus) · Diogenes Verlag, Zürich (Ruth Geiger) · Film Archiv Austria, Wien (Nikolaus Wostry,
Armin Loacker) · Filmoteca Española, Madrid (Catherine Gautier) · Films Around the World, New York (Alexander
Kogan) · Forum Goethe-Institut, München (Michael Thoss, Andrea Engl) · Goethe-Institut, Shanghai (Andreas
Schiekofer) · Gosfilmofond, Moskva (Vladimir Dmitriev) · Institut für Skandinavistik der LMU, München (Katarina
Yngborn) · Italienisches Generalkonsulat München – Kulturabteilung / Istituto di Cultura (Francesco Jurlaro, Andrea
Piazza) · Kirch Media, München (Hans Kohl, Paul Reichl, Andreas Mittrenga) · Kommunales Kino, Hannover (Sigurd
Hermes) · Kulturreferat der Landeshauptstadt München (Andreas Rost) · Library of Congress, Washington (Mike
Mashon) · Lorac Productions, Los Angeles (Richard Schickel, Doug Freeman) · Made in Italy, Rom (Francesco Bono)
· MGM/UA, Los Angeles (John Kirk) · Museum Villa Stuck, München (Jo-Anne Birnie Danzker, Michael Buhrs,
Bernhard Schneider) · Münchner Stadtmuseum (Helmut Bauer) · Münchner Filmzentrum (Brigitte Bruns, Monika
Hemmer) · Narodny Filmovy Archiv, Praha (Vladimir Opela) · Norsk Filminstitutt, Oslo (Jan Eberholst Olsen, Kjell
Billing) · Österreichisches Filmmuseum, Wien (Alexander Horwath, Regina Schlagnitweit) · Philip Morris Cinema
Project, Roma (Alessandra Giusti) · Provobis, Berlin (Jürgen Haase) · Realfiction Filmverleih, Köln (Joachim Kühn) ·
ShanghART Gallery, Shanghai (Lorenz Helbling, Laura Zhou) · Shochiku Co., Tokyo (Suzuki Akiko) · Sony Pictures
Entertainment, London (Ian Taylor) · Sony Pictures Entertainment, Los Angeles (Grover Crisp) · Stadtkino, Wien
(Gabriela Mühlberger) · Svenska Filminstitutet, Stockholm (Jon Wengström) · Warner Brothers, Hamburg (Günter
Backes) · Warner Brothers, Los Angeles (Brian Jamieson) · WDR Fernsehen, Köln (Ingrid Wiel, Marina Kranold) ·
WDR / 3sat, Köln (Reinhard Wulf) · ZDF, Mainz (Josef Nagel) · Zeise-Kinos, Hamburg (Sabine Matthiesen)
Kurt Benning, München · Joseph Bierbichler, Ambach · Robert Bramkamp, Berlin · Neil Brand, London · Vadim
Glowna, Berlin · Fritz Göttler, München · Renata Helker, Berlin · Thomas Kampen, Heidelberg · Evgenij Luchin,
München · Verena Mund, Minneapolis · Christoph Nußbaumeder, Berlin · Francesco Patierno, Roma · Ulla Rapp,
München · Rüdiger Tomczak, Berlin · Vera Tschechowa, Berlin · Maja Turovskaja, München · Casper Tybjerg, Kopen-
hagen · Nick Wrigley, Horwich · Klaus Wyborny, Hamburg · Zheng Dongtian, Beijing · Aljoscha Zimmermann, München

Kooperationen des Filmmuseums mit anderen Veranstaltern:

Retrospektive Ernst Lubitsch, Österreichisches Filmmuseum Wien (Dezember) · Nitrate Film Festival, Jugoslovenska
Kinoteka Belgrad (Dezember) · 3D-Filmfestival, Norsk Filminstitutt Oslo (Januar) · Fallbeispiele der Film-
restaurierung, Freunde der Deutschen Kinemathek Berlin (Januar) · 10. Internationales Bremer Symposium zum
Film, Kino 46 Bremen (Januar) · Jüdische Filmpioniere, Deutsches Filmmuseum Frankfurt (Januar) · Retrospektive
Richard Oswald, Film Archiv Austria Wien (Februar) · Retrospektive Friedrich Wilhelm Murnau, Cinémathèque
Ontario Toronto (Februar) · Die Tschechows, Filmmuseum Düsseldorf (März) · Stummfilme mit Musikbegleitung,
Metropolis Hamburg (Dezember) / Filmhaus Nürnberg (Dezember) / Caligari Filmbühne Wiesbaden (Januar) /
University of Chicago (März)
Außerdem verleiht der Bundesverband kommunale Filmarbeit e.V. ein Filmpaket DER UNBEKANNTE ORSON
WELLES, das vom Filmmuseum restaurierte Kurzfilme enthält und in verschiedenen deutschen Städten gezeigt wird.
Filmmuseum im Münchner Stadtmuseum · St.-Jakobs-Platz 1 · 80331 München
Tel 089/233 24150 · Fax 089/233 23931 · http://www.filmmuseum-muenchen.de