Das Kunstmagazin der ZEIT

Nº96 Januar 2015  Seit 1930

Ankunft im Museum: Kraftwerk und die Kunst

Das

2015
Kunstjahr

en
Alle wichtign und
ge
Ausstellun ine
Term

€ 11,80 (D)
SFR 20,– (CH)
€ 13,– (A, I, LUX, NL) 4 190713 511804 96
4 190713 511804 96

Edgar Degas Der innovative Klassiker in Karlsruhe Vergoldete Bronzen Das Sammlerseminar
German Pop Die Frankfurter
über Schirn entdeckt die deutsche Malerei der Sixties wieder
 © The Estate of Sigmar Polke, Cologne/VG Bild-Kunst, Bonn 2014
„F
Sigmar Polke
Für ein Rasterbild“ (Don Quichotte, Serie „.....H
Höhere Wesen befehlen“)), 1968

5.12.
—
8.3.
».....Höhere Wesen befehlen«
Arbeiten auf Papier
aus der Sammlung Frieder Burda

Unter den Linden 13/15, 10117 Berlin

10 – 20 Uhr, Mo Eintritt frei, deutsche-bank-kunsthalle.de
über
 UNSER
TITELBILD
TITELBILD: Peter Boettcher; alle Bilder rechts: Peter Boettcher/Kraftwerk/Sprüth Magers

New York, London, Tokio, Paris und seit mehr als zwei Jahrzehnten so et-
demnächst Berlin: Die Konzerte von was wie der visuelle Chronist der
Kraftwerk in den vergangenen Jahren Band. Sie schenkt ihm absolutes Ver-
waren nicht nur musikalische Ereig- trauen und gewährt ihm exklusiven
nisse, sondern zugleich Highlights Zugang zu ihren Konzerten. Was
des weltweiten Kunstbetriebs. Die kein Wunder ist: Die Klarheit und
Idee, berühmte Museen wie das Schnörkellosigkeit von Boettchers
MoMA oder die Turbinenhalle der Bildsprache entspricht nahezu sym-
Tate Modern als Bühne zu wählen, biotisch dem künstlerischen Selbst-
ging perfekt auf und stellte die Düs- verständnis der Musiker.
seldorfer Elektroavantgardisten auf Begonnen hat diese Zusammen-
einen künstlerischen Sockel, der ih- arbeit 1991, damals fotografierte
rem Werk und dessen Einfluss absolut Boettcher für das in Köln erscheinen-
angemessen ist. Angelegt an das mu- de Musikmagazin »Spex«. Im Laufe
seale Konzept der Retrospektive führen die Musiker meist an acht der Zeit entstanden regelrecht ikonische Porträts, von denen Sie ei-
aufeinanderfolgenden Abenden ihre für sie relevanten Alben kom- nige in unserer Titelgeschichte ab Seite 22 sehen können. Für unser
plett auf. Ihr unverwechselbarer Sound mit Ohrwürmern wie »Auto- Cover haben wir ein Konzertfoto (»Trans Europa Express«) aus Tokio
bahn« oder »Das Model« ist dabei eingebettet in eine visuelle Show gewählt, wo Kraftwerk im Mai vergangenen Jahres im Akasaka Blitz
mit 3-D-Projektionen, die das Artwork der Band seit den 1970er-Jah- spielten. Die eindringlichen Momentaufnahmen dieser Shows sind
ren zitiert und in heutige Digitaltechnologien überführt. inzwischen auch in Ausstellungen zu sehen gewesen, etwa im Januar
Dass bei diesen Auftritten Bilder entstehen, die man selbst, 2013 im NRW Forum in Düsseldorf oder im November desselben Jah-
ohne zu zögern, als Kunstwerke bezeichnen kann, ist dem Können res in der Galerie Löhrl in Mönchengladbach. Dort kann man mit
von Peter Boettcher zu verdanken. Der in Köln lebende Fotograf ist etwas Glück noch eines der Motive erstehen. MATTHIAS EHLERT

3
 INHALT
Kolumnen
10 Drei Wünsche S o wird h r
Islandbilder von Olafur Eliasson,
a s K u n s tj a
ein Flugzeug von Martin Assig d
und ein Globus im Miniformat 20 1 5
33
12 Die Marktfrau a b S e ite
Kunstsinn nach Kassenlage:
der Verkauf zweier Warhol-

Bilder: U. Brunzel/Museumslandschaft Hessen Kassel; Eek & Ruijgrok BV, Eindhoven; Kraftwerk, 2013/Courtesy Sprüth Magers
Werke durch die Westspiel

14 Heimliche Zwillinge
Ein anonymes Porträt von
Moretto da Brescia und der
bekannte »Tatortreiniger«

Eine Frage an die Kritiker

Was wünschen Sie sich
für das Kunstjahr 2015?

16 Hand des Meisters

Ein sehr persönliches Glitzern:
Wempes Metropolen-Ringe

Seite 18 Die großen Geschichten

22 Kunstkraftwerk
Die Musiker von Kraftwerk
haben die digitale Zukunft
vorweggenommen und Pop-Art
und Avantgarde zitiert. Heute
ist das Museum ihre Bühne
33 Wohin geht die Reise?
Unsere große Vorschau 2015 – mit
den wichtigsten Ausstellungen,
internationalen Messen und
spektakulären Neueröffnungen
von Mailand bis Moskau

18 Was passt zu?

Peter Doig

20 Was haben Sie gesehen,

Herr Obrist?
Eine Stadt der Zukunft mit Start-
up-Kultur, junger Kunst und
einer internationalen Community

Seite 22
 Agenda
78 Nachrichten
Ein Laserstein-Bild fürs Städel,
Crowdfunding für Jonathan
Monk, neues Berliner Museum
Bilder: Horst Kolberg/Konrad Klapheck/Artothek/Stiftung Museum Kunstpalast/VG Bild-Kunst, Bonn 2014; Bernd Borchardt/Norbert Bisky/VG Bild-Kunst, Bonn 2014; Ralph Gierhards Antiques/Fine Art, Düsseldorf
94 Auktionen
Tribal Art, Alte Meister in New
New York, Dekorative Kunst,
Münzen, Medaillen und Antiquitäten
100 Automobil
Kunst und Oldtimer in Singen

der Moderne, Nachlass Ute

Klophaus, Rückkauf eines
Gemäldes von Hans von Marées
79 Personalien
Bernhard Maaz, Kate Bryan,
Christian Jankowski, Frank
Druffner, Corinna Otto und
Thorsten Strauß
102 Bücher
Ein Bildband mit Naturfotografien
von Michael Schmidt. Und:
Bruce Nauman, Meissen, Syrien
104 Kunststück
Christoph Müller über eine
Landschaft von Joos de Momper

Seite 50
46 Jeder lebt für sich allein
Eine Ausstellung in Karlsruhe
zeigt Edgar Degas als begnadeten
Konstrukteur der Moderne
50 Jung! Geistreich! Sexy!
Fasziniert schauten deutsche
Künstler in den Sechzigern auf die
amerikanische Pop-Art. Ihre
inspirierende Kraft zeigt die Schau
»German Pop« in der Schirn
57 Sammlerseminar
58 Vergoldete Bronzen
Sie erzählen von Zeiten des
royalen Luxus. Heute sind die
klassizistischen Kandelaber und
Vasen ein glänzendes Sammelgebiet
64 Glossar
ABC der vergoldeten Bronzen
80 Ausstellungen
Gottfried Lindauers Maori-
Porträts in Berlin, Imi Knoebel
in Wolfsburg, Bernini in
Leipzig, Mark Dion, Norbert
Bisky, Kunst der Faltung und
»Victorian Obsession«
87 Messen
Brafa in Brüssel, Stuttgarts
Antiquariatsmesse und
die Antiquaria Ludwigsburg
90 Schaufenster
»Das rote Männchen«
von Christian Rohlfs in
der Galerie Utermann
92 Kunsthandel
Der Berliner Kunsthändler
Florian Karsch hat ein Buch
über sein Leben geschrieben
Seite 84

66 Service 109 weltkunst bei …

Ein Führer zu Institutionen, Talk zum »Münchner Kunstherbst«
Händlern und Auktionen bei BMW am Lenbachplatz und
Seite 57 die Vernissage mit Los Carpinteros
70 Macht der Schönheit im Museum Folkwang
Helena Rubinstein liebte Kosmetik
ebenso wie eigenwillige Kunst 114 Thurn und Taxis Fragebogen
Adeline de Monseignat
74 Stilkunde über ihr Buenos Aires
Siegburger Steinzeug

6 Editorial
8 Impressum
9 Mitarbeiter des Monats
113 Vorschau

5
 EDITORIAL
Liebe Leserinnen,
liebe Leser,
was bringt das neue Jahr? Jede Menge vielver-
sprechender Kunstereignisse! Mit unserer gro-
ßen Vorschau wollen wir Ihnen Lust machen,
daran teilzuhaben: vom Start in das Van-Gogh-
Jahr im belgischen Mons, das zugleich neue
europäische Kulturhauptstadt ist, bis zur Eröff-
nung des Prunksaals im Potsdamer Neuen Pa-
lais. Auch alle wichtigen Messetermine haben
wir notiert, damit Sie 2015 frühzeitig planen
können. Bei manchem, wie etwa der Eröffnung
von Renzo Pianos neuem Whitney Museum of
American Art in New York, stand allerdings bei
Redaktionsschluss der genaue Termin noch
nicht fest. Baustellen eben! Wer in Berlin lebt,
weiß, wovon die Rede ist.
Zu Weihnachten wünsche ich mir übri-
gens einen fliegenden Teppich, nicht nur, damit
ich mühelos über die vielen Baustellen im Berli-
ner Straßenverkehr hinweggleiten kann, son-
dern auch für die zahlreichen Reisen im nächs-
ten Jahr, von der Biennale in Venedig zur Art
Basel oder zur Ausstellung von Piero di Cosimo
in der National Gallery in Washington. Von
6
Bilder: Wolfgang Stahr; National Gallery of Art, Washington, Samuel H. Kress Collection
dem Florentiner Renaissancekünstler sehen Sie
übrigens hier einen kleinen Vorgeschmack aus
der fabelhaften Samuel Kress Collection. Die
rätselhafte Allegorie, auf der ein Engel mit Myr-
tenzweig einen wilden Hengst an einem Faden
hält – und das auf einer winzigen Insel! – wirkt
auf mich wie ein Traumbild.
Ich freue mich, dass wir unser Titelthema
Kraftwerk im Duett mit dem zeitmagazin ge-
stalten konnten, das sich am 23. Dezember eben-
falls den Elektropionieren aus Düsseldorf wid-
met. Wir beleuchten in unserer Titelgeschichte
die vielfältigen künstlerischen Hintergründe
dieser Band, die mittlerweile von einer Galerie
vertreten wird und längst im Museum ange-
kommen ist. Anfang Januar treten Kraftwerk an
neun Abenden in der Neuen Nationalgalerie
in Berlin auf – die Tickets waren schon nach we-
nigen Minuten ausverkauft. Falls Sie zufällig
noch ein Last-Minute-Weihnachtsgeschenk
brauchen, möchte ich Ihnen ein Abonnement
der weltkunst ans Herz legen. Damit haben Sie
und Ihre Lieben jeden Monat die schönste und
interessanteste Kunst vor Augen.
Besinnliche Feiertage und ein friedliches
neues Jahr wünscht Ihnen
Ihre Lisa Zeitz
Chefredakteurin
 Heiliger Gregor und heiliger Nikolaus
Österreich, der Schwanthaler-Werkstatt in Ried/Innkreis zugeschrieben, um 1720.
Linde geschnitzt und gefasst, mit originaler Blattversilberung und -vergoldung.
Höhe mit originalen Sockeln 94 cm.
 www.zeitkunstverlag.de 
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30.01.2015
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in oude Kunst in Nederland. Die Zeitschrift und
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67112 Mutterstadt · Tel (0 62 34 ) 8011-0

 MITARBEITER
DES MONATS
Boris Pofalla
Als Autor interessieren ihn Kunst und Rei-
sen, und manchmal überschneiden sich
beide Themen. Wie bei seinem Bericht
über die Maori-Porträts von Gottfried
Lindauer (S. 80), die derzeit in der Alten
Nationalgalerie in Berlin gezeigt werden.
Bilder: Staatliches Museum Schwerin; Evan Timpy; Jochen Seelhammer/Köln

Der 31-Jährige, der u. a. für die Frankfurter

Allgemeine Sonntagszeitung schreibt, hat
sie sogar schon in ihrer Heimat Neusee-
land gesehen, wohin er gerne reist. Doch
dafür ist gerade wenig Zeit, im Frühjahr
erscheint Pofallas erster Roman »Low«.

Christoph Müller
Es fing vor 27 Jahren durch Zufall an. Da stand Christoph Müller
in der Mitte seines Lebens und sah auf einer Münchner Kunstmes-
se eine »Musizierende Gesellschaft« von Antonie Palamedesz. Die
Sammellust war entfacht, und in der Folgezeit trug er eine der in-
teressantesten Privatsammlungen niederländischer Alter Meister
zusammen. 2013 schenkte er sie dem Museum Schwerin – und uns
nun ein »Kunststück« über einen seiner geliebten Flamen (S. 104).

Oliver König
In seinem Kölner Kunsthandel mit Schwerpunkt auf klassi-
zistischer Raumkunst und antiken Uhren, aber auch als ver-
eidigter Sachverständiger hat Oliver König schon zahllose
kostbare Objekte aus feuervergoldeter Bronze in den Hän-
den gehabt, die um 1800 sehr viel teurer waren als heute.
»Mich fasziniert die überragende Qualität gerade der Pariser
Stücke und ihre Individualität«, erklärt König seine Leiden-
schaft. So mussten wir ihn nicht lange überreden, für das
Sammlerseminar (S. 57) seine Kennerschaft mit uns zu teilen.

9
 DR E I W Ü N SC H E

Sie finden die Kunstmarktpreise oft schwindelerregend?

Wir stellen Ihnen Objekte für unter 10 000 Euro vor

2500  €

Über dem Wasserspiegel

Das Ursprungsfoto zu »Contact is content at Seljalandsfoss«

Bilder: Olafur Eliasson/Distanz Verlag, Berlin; Holger Priess Galerie, Hamburg/VG Bild-Kunst, Bonn 2104; Kunstkammer Georg Laue, München
nahm Olafur Eliasson 1996 in Island auf. Entstanden sind
nun zwei Farbdrucke, die einander spiegeln. Der Berliner
Distanz Verlag (Tel. 030 240833200) bietet den Rorschachtest
in einer 100er-Edition an, zusammen mit einem Bildband.

2800 €
Aus den Wolken gefallen
Martin Assigs Serie »St. Paul« entstammt der verspielte
Doppeldecker. Der in Berlin und Brädikow lebende Maler,
der die antike Technik der Enkaustik verwendet, wird
von der Hamburger Galerie Holger Priess (Tel. 040 89064721)
vertreten. Dort haben wir auch diese Arbeit entdeckt.
In die Tasche gesteckt
Einen Durchmesser von 9 Zentimetern hat die Welt
in diesem Taschenglobus, den Nicolas Lane 1818 aus
Pappmaché fertigte. Öffnet man das Etui, hält man
nicht nur die Erde, sondern auch den Himmel in Hän-
den. Kunstkammer Georg Laue (Tel. 089 27818555).

9800  €
 galerie-schueller.de

Marc Chagall
Le Peintre dans son atelier, 1976
34,9 x 27,4 cm
Tempera, Pastell- und Wachskreide, Bleistift auf Velin
rechts unten signiert

Bildausschnitt
tt,
t Marc Chagall © VG Bild-Kunst Bonn 2014

Klassische Moderne Süddeutsche Malerei

Marc Chagall Arnold Balwé
Alexej von Jawlensky Elisabeth Balwé-Staimmer
Béla Kádár André Brasilier
Ernst Ludwig Kirchner Otto Dill
Paul Klee Constantin Gerhardinger
Max Liebermann Alexander Koester
August Macke Max Lacher
Helmuth Macke Oskar Mulley
Jeanne Mammen Paul Matthias Padua
Franz Marc Otto Pippel
Paula Modersohn-Becker Leo Putz
Gabriele Münter Julius Seyler
Hermann Max Pechstein Alfons Walde
Hans Purrmann
Christian Rohlfs
Marianne von Werefkin

Kunstsinn nach Kassenlage
Wehret den Anfängen: Der umstrittene Verkauf der beiden Warhol-Werke
durch eine landeseigene Spielbank sollte ein Einzelfall bleiben
E
s waren düstere Wochen für
die Kunst in Nordrhein-West-
falen. Trotz heftiger Proteste
von Fachwelt und Öffentlichkeit ließ der Ka-
sinobetreiber Westspiel kürzlich zwei hoch-
rangige Warhols versteigern. Westspiel, eine
hundertprozentige Tochter der landeseige-
nen NRW-Bank, nahm 80,6 Millionen Dollar
ein. Christie’s hatte die Pop-Ikonen aber für
151 Millionen Dollar versteigert. Westspiel
hatte die niedrige Garantiesumme dem frei-
en Spiel der Kräfte vorgezogen und erhielt so
von den mehr eingenommenen Millionen
nur einen vertraglich festgelegten Teil. Auk-
tionshäuser zahlen übrigens bei erfolgreicher
Vermittlung eines Topobjekts auch business
getting fees von mindestens einem Prozent.
Wer wohl aus dem Kreis der Berater und An-
wälte ließ sich eine Million oder mehr an
Vermittlungsgebühr gutschreiben?
Auf Westspiel folgten kurz danach Por-
tigon, Rechtsnachfolger der abgewickelten
West LB, und der WDR – beide haben um-
fangreiche Sammlungen. Weil die Stim-
mung gerade Kunstsinn nach Kassenlage
möglich macht, wird von den Kassenwarten
laut über die Liquidierung der lästig gewor-
DI E M A R K T F R AU
Auch in Kasinobesitz, aber als Leihgabe
im Museum: Paula Modersohn-Beckers
»Häuser, Birken und Mond« (1902)
denen Kunst (Pflege, Restaurierung, Versi-
cherung, Lagerung) nachgedacht.
Denken Sie jetzt, ich verurteilte es,
wenn kunstfördernde Unternehmen ihre
hochkarätigen Werke auf den Markt bringen,
weil das Unternehmen Liquidität benötigt?
Keineswegs, wenn es sich um eine Firma
handelt, die allein ihren Shareholdern ver-
pflichtet ist! So wie es bei dem im Umbruch
befindlichen Energieunternehmen Eon der
Fall war. Dass Pollocks »Number 5« aus der
Eon-Sammlung durch Christie’s für 11,4 Mil-
lionen Dollar versteigert wurde, bleibt be-
dauerlich, aber nachvollziehbar.
Das Problem liegt bei Einrichtungen,
hinter denen der Staat steht. Denn Deutsch-
land schützt Kunst und Kultur eigens im
Grundgesetz. Wir Kritiker schlagen gemein-
hin den Sack und meinen den Esel. Das gra-
vierende Problem hinter Firmen, die Kunst-
förderung als einen Hop-on-Hop-off-Bus
begreifen, ist der Rückzug des Staates aus
diesem Bereich. Ein Kulturhaushalt, der nur
12
Bilder: Paula Modersohn-Becker/Museen Böttcherstraße, Paula Modersohn-Becker Museum, Bremen, Dauerleihgabe der Bremer Spielcasino GmbH &. Co. KG; Pablo Castagnola
mehr 0,3 Prozent vom Bruttoinlandsprodukt
ausmacht, manifestiert ein tiefes Desinteres-
se und eine Kulturpolitik, die über Sonntags-
reden kaum hinausgeht.
Um der Erosion Einhalt zu gebieten,
müssen, so schnell es geht, sämtliche Kunst-
werke erfasst werden, die in indirektem Be-
sitz der Länder sind. Denn sinnvoll über
Sparmaßnahmen und Notopfer kann nur
entscheiden, wer einen Überblick hat. Dass
auch die Westspiel die Signale verstanden hat,
zeigt sich in dem von ihr betriebenen Kasino
Bremen. Das hatte vor Jahrzehnten zwei Ge-
mälde von Paula Modersohn-Becker finan-
ziert, die als Leihgabe im Bremer Paula Mo-
dersohn-Becker Museum hängen. Auch dort
will man verkaufen, aber immerhin so, dass
die Bilder weiterhin im Museum bleiben
können. Bremen zeigt, wie wichtig die mu-
seale Anbindung beim Schutz von Kunst ist.
Nix für ungut, Ihre Marktfrau ×
Susanne Schreiber
ist Redakteurin des
Handelsblatt und betreut
dort seit vielen Jahren
den Kunstmarkt
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Bilder: The Metropolitan Museum of Art/bpk; Stefan Gregorowius/action press; Frank Röth/F.A.Z.
Unbekannter Bärtiger Bjarne Mädel

Welche Informationen hält der Unbekannte, den Moretto da Brescia

um 1520 porträtierte, in der Hand? Bjarne Mädel, der als »Tatort­
reiniger« aus dem deutschen Fernsehen bekannt ist, könnte es gewiss
herausfinden. Wenn er nur einen Hausdurchsuchungsbefehl
für das Metropolitan Museum hätte, wo sein Alter Ego zu sehen ist!
Falls Sie Doppelgänger entdecken: bildredaktion@weltkunst.de

K R I T I K E R F R AG E

Was wünschen Sie sich für das Kunstjahr 2015?

Samuel Herzog Kia Vahland Niklas Maak Lindsay Pollock Hanno Rauterberg
Neue Zürcher Zeitung Süddeutsche Zeitung Frankfurter Allgemeine Zeitung Art in America DIE ZEIT

Mehr Abenteuer! Ich wünsche mir Kunst, die
relevant ist und berührt,
Künstler, die bei sich
bleiben, anstatt sich ganz
dem Markt hinzugeben
– und eine Debatte, die das
fördert und trägt.
Eine große Retrospektive
für Renée Gailhoustet.
Einen neuen Rothko. Ein
Berliner Stadtschloss von
Sanaa. Eine Installation von
Tomás Saraceno, die den
neuen Berliner Pannenflug­
hafen füllt.
Für 2015 erhoffe ich mir,
dass mehr Menschen
qualitätvolle Kunstkritik
schätzen und zu Rate
ziehen – anstatt sich darauf
zu verlassen, dass der
Markt entscheidet, was gut
und wichtig ist.
Neuerdings sind für die
Skandale ja nur noch
Fälscher, Berater, Diebe
zuständig. Wo bitte bleibt
der gute alte Künstler­
skandal? Den wünsche ich
mir ganz dringend.

14
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Ein sehr persönliches Glitzern
Diamanten sind nicht immer a girl’s best friend: Eine Kollektion skulpturaler Ringe
von Wempe entzündet ein Feuerwerk aus sorgsam ausgesuchten Farbsteinen
erausragender Schmuck hat
H immer mit herausragenden
Steinen zu tun. Und um die
richtigen zu finden, braucht es
viel Erfahrung. Es gilt jeden Stein nach Fär-
bung, Reinheit, Größe und Herkunft zu be-
werten. Somit ist der Einkauf, zum Beispiel
auf den Börsen in Antwerpen, für Juweliere
so wichtig wie für einen Koch der Gang in
die Großmarkthalle.
Lange konzentrierte sich die Aufmerk-
samkeit vor allem auf Diamanten. Ein begeh-
renswertes Schmuckstück sollte glitzern wie
die Colliers der Callas im Rampenlicht. Und
da ein Diamant zu allem zu passen schien,
war er stets die erste Wahl. Bei Farbsteinen
hingegen ist Individualität gefragt. Seit Frau-
en sich öfter ihren Schmuck selbst kaufen,
rückt wieder solcher in den Fokus, bei dem
nicht nur Diamanten auftrumpfen, sondern
Turmaline, Topase und Rubine ihr Farben-
Für die Kollektion »Cosmora by Kim« ließ
sich die Wempe-Kreativdirektorin Catherine
Plouchard von elf Weltmetropolen und
der Route 66 inspirieren. Ganz o. der Ring
»San Francisco« mit Flower-Power-Anklängen
H A N D DE S M E I S T E R S
spiel wirken lassen. Moder-
ner Schmuck bedient sich
aller Töne, die sich bei Edel-
steinen finden lassen. Dieser
Trend kommt Traditionshäu-
sern sehr entgegen, deren Speziali-
tät es ist, besondere Steine für besondere
Schmuckstücke zu finden.
Der Hamburger Juwelier Wempe hat
nun eine exquisite Kollektion von skulptura-
len Ringen vorgelegt. Catherine Plouchard,
die Designerin des Traditionshauses, hat
zwölf große Ringe vorgestellt, die verschie-
denen Weltstädten und Regionen gewidmet
sind. Dabei werden nicht etwa entscheiden-
de Bauwerke einer Metropole dargestellt,
sondern es wird die Atmosphäre eingefan-
gen. Verschiedene Attribute, die den Geist ei-
ner Stadt ausmachen, werden gewisserma-
ßen um den Finger gewickelt – und in Steine
übersetzt. So leuchtet der Ring »New York«
Wert nicht einfach in Reinheit und Härte be-
– sie müssen spontan eingekauft werden und
16
nicht nur mit Diamanten in
sechs verschiedenen Schliffen,
sondern auch mit 19 grünen
Turmalinen und fünf blau-
en Topasen. Mit diesen
Edelsteinen soll der Glamour
der Stadt und der Glanz der Wolkenkratzer
in Kontrast gesetzt werden zu den Parks mit
Bilder: Matthias Hoffmann/Wempe; Dominik Gigler/Wempe (3); Michael Biedowicz
ihren sanften Bachläufen.
Überhaupt ist es eher eine Traumreise
um die Welt, die diese Schmuckkollektion
ermöglicht. Die Designerin hat die Gefühle
gesucht, die Menschen mit diesen Orten ver-
binden. Es ist gewissermaßen eine Welter-
kundung von innen. Eine sehr persönliche
Reise also, vielleicht die einzig adäquate Art
und Weise, wie man heute noch die Welt er-
kunden kann. Denn alles auf diesem Plane-
ten ist schon abgelichtet und vermessen, es
ist jedoch längst nicht alles erfühlt.
Die Steine der Kollektion wiederum
sind sehr besonders. So wurden zum Teil Ru-
bine aus historischen Beständen verarbeitet,
weil sie in der gewünschten blutroten Quali-
tät auf dem Markt nicht mehr erhältlich sind.
Bei Farbsteinen ist der Markt wesentlich vo-
latiler als bei Diamanten. Man kann ihren
messen. Stattdessen sind die Farbintensität
und der individuelle Ton entscheidend. Man-
che Steine sind nur für kurze Zeit erhältlich
warten dann lange darauf, bis das Schmuck-
stück entworfen wird, in dem sie richtig zur
Geltung kommen. So baut Catherine Plou-
chard auf viele Jahre perfekten Einkauf,
wenn sie eine Kollektion von Einzelstücken
wie jetzt »Cosmora by Kim« entwirft: ein
Feuerwerk aus großartigen Steinen. Ein Glit-
zern der besonderen Art, gegen das der
Glanz von Brillanten unterkühlt wirkt wie
das Herz der Eiskönigin. ×
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Peter Doig

Bilder: Peter Doig/All Rights Reserved/VG Bild-Kunst, Bonn 2014; Hermès, Paris; Eek & Ruijgrok BV, Eindhoven; Alcarol Lab, Belluno; Susanne Kaufmann, Bezau; Søren Rose Studio, New York
5

Ein Weltbürger ist der schottische Maler Peter Doig, der in Trinidad,
London und New York lebt, seine melancholischen Bilder atmen
die Einsamkeit der Fremde. Die Basler Fondation Beyeler zeigt bis
22. März eine Retrospektive, darunter »Blotter« von 1993
4

2
3

1 Gegen das Zittern 2 Stuhl mit Erinnerung 3 Gipfeltische 4 Mit den Augen riechen 5 Wetterleuchten
Doig scheut weder Kälte In Doigs Gemälden malt In den 90ern malte er eine Für die Leuchtkraft Trotz düsterer Landschaft
noch Strapazen, um seine die Zeit mit. In dem ganze Serie mit Ski- und seiner Farben verwendet schillern Lichtflecken
Motive zu finden. Oft die- Stuhl von Piet Hein Eek Schneemotiven. Seine der Künstler Lavendelöl aus seinen Farbwelten.
nen ihm eigene Fotografien steckt das Leben eines Bilder wirken wie Moment- als Bindemittel. Das Badeöl Hängeleuchte Søren Rose
als Vorlage. Die Kaschmir- unbehandelten Holz- aufnahmen vom Ende mit Lavendel und Rosma- Studio (Preis auf Anfrage).
wolldecke »Avalon« von stamms, er entwarf ihn in der Welt. Beistelltische von rin von Susanne Kaufmann
Hermès kostet 995 Euro. diesem Jahr (750 Euro). Alcarol, 3000 Euro. kostet 22 Euro. Redaktion: Inga Krieger

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Birmingham, wo die Start-up-Kultur, eine junge

Kunstszene und die internationale Community

Bilder: Stuart Whipps/Courtesy Ikon Gallery, Birmingham; Stuart Whipps/Rafal Zar, „Old Hill Uprising 2014“/Courtesy of Eastside Projects; Amit Lennon Photography/Courtesy Deutsche Bank; Milena Carstens; Illustration: Andrea Ventura
fruchtbare Allianzen bilden. Eine Stadt der Zukunft!

Hans Ulrich Obrist

ist Kurator für zeitgenössische Kunst und
leitet die Serpentine Gallery in London

Was haben Sie gesehen, Herr Obrist?
In London, wo ich seit vielen Jahren
lebe, gibt es eine merkwürdige psychologi-
sche Grenze: Man reist eigentlich nie in an-
dere englische Städte. Nehmen Sie zum Bei-
spiel Birmingham, das nur eine Stunde
entfernt ist. Es würde für viele Londoner ge-
nauso lange dauern, von Ost- nach Westlon-
don zu fahren.
Warum sollte man Birmingham besuchen?
Jonty Claypole, der Head Of Arts der
BBC, hat mich vor Kurzem dorthin eingela-
den, weil er es für die Stadt der Zukunft hält,
auch wegen der neuen digitalen Kultur dort.
Das hat Sie neugierig gemacht.
Allerdings. Wir haben die Fazeley Stu-
dios besucht, wo viele Start-ups sitzen, auch
die BBC mit ihrem Projekt The Space, das
digitale Kunstarbeiten online präsentiert.
Gleichzeitig gibt es in der Stadt eine junge,
dynamische Kunstszene, die sich um den Ku-
rator Gavin Wade entwickelt hat. Ich habe
1 pardon, Birmingham.
etwa die EASTSIDE PROJECTS (2) besucht, eine Ja, mit ihrer Uhreninstallation »The Arc
Mischung aus Kunsthalle, Labor und Buch- of a Day«. Die Deutsche Bank hat ja das von
verlag. Gezeigt wurden Arbeiten von Rafal Anton Stankowski entwickelte Logo …
Zar und Joane Masding. Dann gibt es den Stu-
diokomplex Minerva Works und die seit … der berühmte Schrägstrich im Quadrat.
Jahrzehnten existierende und international Ich bin Stankowski übrigens vor Jahren
bedeutende IKON GALLERY (1) unter Direktor in Stuttgart begegnet, da war er schon Ende
Jonathan Wattkins. Zurzeit ist dort die Aus- achtzig, ein bedeutender Designer der deut-
stellung von Imran Qureshi zu sehen, die schen Nachkriegsmoderne. Raqs jedenfalls
vorher in der Kunsthalle der Deutschen Bank haben sein Logo aufgegriffen mit Uhren und
in Berlin war. Alles zusammen trägt zu einer Uhrzeiten aus den verschiedensten Städten
großartigen Aufbruchsstimmung bei. rund um den Globus. Nur eine Uhr tickt an-
ders: Die Rummige-Uhr bricht aus dem
Was macht diese Stimmung aus? Schrägstrich aus.
In Birmingham leben Gemeinschaften
aus der ganzen Welt, die Internationalität Rummige, was bedeutet das?
spiegelt sich auch in der Kunst. Dazu kommt Das ist eine fiktive, utopische Stadt des
eine starke Literaturszene. Zu ihr gehört das britischen Autors David Lodge, dort läuft die
indische RAQS MEDIA COLLECTIVE (3), das gera- Uhrzeit rückwärts. Lodge hat Rummige in
de in der Deutsche-Bank-Filiale in Birming- den Sechzigern auf der Basis des realen Bir-
ham eine erstaunliche Arbeit installiert hat. mingham erfunden. Es ist die Vorstellung ei-
ner Art »Spiegel-Zeit«, einer anderen Welt,
Sie hatten den Auftrag bekommen, die Ein- die neben unserer existiert. Raqs bringen das
gangshalle der Bank zu gestalten. fiktive Rummige in das reale Birmingham
zurück und stiften so Verwirrung. Mich hat
das an die Fischli/Weiss-Hotel-Ausstellung
erinnert, die wir 1993 gemeinsam gemacht
haben. Fischli/Weiss hatten am heißesten
Tag des Jahres, im Juli, eine Stunde Radio
aufgezeichnet – die Ausstellung ging in den
Oktober rein. Die Radioaufzeichnung lief im
Loop, und die Besucher waren verwirrt über
die falschen Uhrzeiten, sind rausgestürmt,
weil sie dachten, sie hätten ihren 16-Uhr-Ter-
min verpasst. So ist das nun auch in Rummige,

Und was beschäftigt Sie derzeit außerhalb

der Kunstwelt?
Durch meinen Besuch entdecke ich ge-
rade David Lodge als Schriftsteller neu, kann
ich nur weiterempfehlen. Lodge wird übri-
gens im Januar 80 Jahre alt. ×

Christoph Amend, Herausgeber

der WELTKUNST,
befragt Hans Ulrich Obrist
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22
KUNST
KRAFT
WERK

Die Musiker von Kraftwerk

haben in ihrer Kunst die digitale
Zukunft vorweggenommen
und dabei Pop-Art und frühe
Avantgarde zitiert. Heute sind sie
längst Klassiker – und
das Museum ist ihre Bühne

VON FOTOS
KOLJ A R E IC H E RT P E T E R B OE T T C H E R

23

W
Was ist das für eine Stimme? Ohne jede Spur
eines menschlichen Körpers, metallen wie
ein zündender Motor, presst sich mit immer
neuem Anlauf ein Wort durch die Lautspre-
cher: »Au-tooo-baaahn.«
Und was ist das für Musik? Blechern pu-
ckernde Rhythmen, quecksilbrige Klangflä-
chen, lang sich dehnende kosmische Silber-
fäden. Keine Gitarre, kein Schlagzeug, nur
Synthesizer, wie man sie vielleicht aus Neuer
Musik oder Fernsehkrimis kannte, aber nicht
aus der Popmusik.
Heute, lange nach Madonna, Michael
Jackson, Depeche Mode und Cher, ist die All-
gegenwart synthetischer Musik und compu-
termanipulierter Stimmen selbstverständlich.
Doch 1974, als mit »Autobahn« von Kraftwerk
das erste voll elektronisch eingespielte Pop-
Album erschien, war das ein Tabubruch, ein
Affront gegen ehrliche, authentische Rock-
musik. Deren Entäußerung innerer Hitzezu-
stände stellte die Band aus Düsseldorf einen
neuen ästhetischen Entwurf entgegen, soni-
sche Verhaltenslehren der Kälte: radikal
künstlich und betont deutsch.
Gerade die einheimische Presse war sich
1974 weitgehend einig, dass es sich bei den
vier »Knöpfchendrehern« nicht um Musiker
handelte. In den USA dagegen schrieb der
Rolling Stone, »Autobahn« sei der radikalste
Song seit Elvis Presleys »Heartbreak Hotel«.
Und als Kraftwerk mit ihrer teutonisch-indus-
triellen Tanzmusik durch die Staaten tourten,
irreführend beworben als »The Beach Boys
from Germany«, erklang ihr Song auf jedem
Highway aus dem Radio. Ein paar Jahre spä-
ter, als Afrika Bambaataa 1982 über den Elek-
trofunk von Kraftwerks Stück »Trans Europa
Express« rappte, tanzten schwarze Jugendli-
che in New York zu den harten Klängen aus
dem Ruhrgebiet Breakdance. Und in Detroit
ließen DJs Kraftwerk-Songs in Schleife laufen,
womit die scheuen Düsseldorfer zu Grün-
dungsvätern nicht nur von Hip-Hop, sondern
auch von Techno wurden.
Iggy Pop hörte zum Einschlafen Kraft-
werks »Geigerzähler«. David Bowie ließ sich
von »Radio-Activity« dazu inspirieren, dem
Gitarrenrock den Rücken zu kehren und
Synthesizer einzusetzen. Eine Einladung
Bowies, gemeinsam auf Tour zu gehen, lehn-
ten die neuen Helden der internationalen
KR AFTWERK
Rückbesinnung auf die Ästhetik der Zwan­
zigerjahre: Filmstreifen von Hans Richters
»Rhythmus 21« von 1921, darunter eine
Lithografie von El Lissitzky (1922). Re. ein
Auftritt in Paris 2014. Vorige Seite: »am
heimcomputer sitz ich hier und programmier
die Zukunft mir«, eine Textzeile aus dem
Jahr 1981 – Kraftwerk beschrieben unsere
digitalisierte Welt, bevor sie existierte
24
Pop-Avantgarde aber selbstbewusst ab; wie
auch eine spätere Anfrage Michael Jacksons.
Kraftwerk sind die einflussreichste kontinen-
Bilder: CNAC­MNAM/bpk/Hans Richter Estate; Fine Art Images/Superstock/Interfoto; Peter Boettcher; vorige Doppelseite: Kraftwerk/Courtesy Sprüth Magers
taleuropäische Pop-Band aller Zeiten, auch
viele bildende Künstler wie Mark Leckey,
Marc Camille Chaimowicz oder Thomas
Demand zeigen sich von ihr geprägt.
Und nun erobert die Band das Museum.
Als sie 1997 zur Eröffnung des Kunst- und Me-
dienzentrums Karlsruhe spielten, wunderte
sich noch niemand. Doch seit einem Auftritt
auf der Venedig-Biennale 2005 kamen Kraft-
werk zunehmend die Weihen bildender
Kunst zu. 2011 spielten sie im Lenbachhaus
und zeigten dort eine Ausstellung mit den
3-D-Projektionen, die bei Konzerten zum
Einsatz kommen. 2012 führten sie acht ihrer
Alben in einem Zelt des MoMA-Ablegers PS
1 auf, 2013 in der Kunsthalle Düsseldorf. Zu-
letzt weihten sie Frank Gehrys Neubau für
die Fondation Louis Vuitton ein. Und im Ja-
nuar werden Kraftwerk an acht aufeinander-
folgenden Abenden je eins ihrer Alben in der
Neuen Nationalgalerie Berlin aufführen.
Was passiert, wenn eine Band im Muse-
um spielt? Wo der Besucher sonst sein eigener
Choreograf ist, der entscheidet, wie lange er
sich in welches Werk vertieft, ist er hier mit
der Technik synchron geschaltet und wird
durch seine 3-D-Brille Teil einer immersiven
Multimediashow. In der Neuen Nationalga-
lerie soll sogar eine 3-D-Soundanlage zum
Einsatz kommen, mit der die Band genau
kontrollieren kann, an welcher Stelle im
Raum wann welcher Klang ertönt. Zugleich
aber gilt: Wenn es Popmusik gibt, die in
Brecht’scher Tugend fortwährend Distanz zu
sich selbst herstellt, dann sind es die entsub-
jektivierten Harmonien von Kraftwerk. Wenn
es eine Band gibt, die in konzeptueller Schär-
fe und ständiger Reflektion ihrer Mittel in die
Nähe bildender Kunst rückt, dann diese.
Das verblüfft in seiner Schlichtheit bis
heute: Während sich Rocksänger auf der
Bühne verzehrten, brachten Kraftwerk das
Publikum in Wallung, indem sie, geschminkt
wie Stummfilmdarsteller und in Anzügen,
ihre Bewegungen auf ein Minimum redu-
zierten. Stoisch bedienten sie ihre teils eigens
entwickelten Instrumente wie Techniker im
Maschinenraum. Als sie über »Schaufenster-
puppen« sangen, ließen sie sich auf der Büh-

ne und in Interviews von Schaufensterpup-
pen vertreten. Wenn ihr »Wir sind die
Roboter« ertönte, bewegten sie sich roboter-
haft, bis Technik und Budget es erlaubten,
dass tatsächlich Roboter hinter den Pulten
standen. Seit die Klänge auf Festplatten pas-
sen, wirken die Musiker hinter den Laptops
wie Manager bei einer Powerpoint-Präsenta-
tion. Umso massiver wirkt das Einblenden
der Namen havarierter Atomkraftwerke, be-
vor die klassisch gewordene Spieluhrmelodie
von »Radio-Aktivität« erklingt.
Kraftwerk krempelten die geltenden
Gesetze des Rock ’n’ Roll um: Anstelle von
KR AFTWERK
Intensität und vitalem Selbstausdruck, von
Schweiß und Leid setzten sie Tugenden, die
eher aus der Kunst stammten: Ähnlich wie
in der Minimal Art tritt in ihren Shows das
industriell hergestellte Objekt an die Stelle
subjektiven Ausdrucks, wird der Raum selbst
zum Thema und mit ihm der Betrachterkör-
per. Kein Subjekt steht im Zentrum dieser
Vorgänge, die Musiker treten eher als Ange-
stellte eines Systems auf, das sich selbst zum
Klingen bringt. Kraftwerk beförderten die
mechanischen Choreografien von Oskar
Schlemmers Triadischem Ballett in die Mas-
senkultur – und begründeten die minimalis-
26
Alle Bilder: Kraftwerk, 2013/Courtesy Sprüth Magers
tische Dramaturgie, die bis heute die Tech-
noclubs von Berlin bis Mexico City prägt.
Fragt man sich, was Kraftwerk in der
Kunst suchen, so ist wichtig zu wissen, dass
es zu ihren Anfängen im Rheinland kaum
eine ernstzunehmende populäre Musiksze-
ne gab. Diese entwickelte sich gerade erst,
und zwar aus der Kunst. Im Sommer 1968,
kurz bevor in Berlin die Neue Nationalgale-
rie eingeweiht wurde, spielten die Kraft-
werk-Gründer Florian Schneider-Esleben
und Ralf Hütter unter dem Namen »Organi-
sation« zum einjährigen Jubiläum des Clubs
Creamcheese, in dem sich allabendlich die

Szene um die Düsseldorfer Kunstakademie
traf. Hier traten auch Rockgrößen wie Frank
Zappa oder Pink Floyd auf, dabei sah das
Creamcheese mit seinen weißen Wänden
aus wie eine Galerie. Heinz Mack hatte die
längste Bar der BRD mit einer Wand aus
Spiegellamellen gestaltet, es flimmerten
Fernseher von Nam June Paik, und an der
Wand stand Günther Ueckers »Electric Gar-
den«, ein Riesennagel im Käfig. Mit dem An-
spruch eines historischen Nullpunkts, der
Entgrenzung der Künste, der Hinwendung
zu Technik und Zukunftsoptimismus hat-
ten Zero und Fluxus den ideologischen Bo-
KR AFTWERK
Die 3-D-Installationen, die Kraftwerk auf
ihren Konzerten zeigen, reinszenieren
das Artwork ihrer Alben. So gibt es Referen-
zen an das vom Künstler Emil Schult ge-
staltete »Autobahn«-Cover von 1974 (li. o.),
an den Song »Boing Boom Tschak« von
1986 (li. unten), an die Wiederauflage von
»Trans Europa Express« von 2009 (o. re.)
und an »Die Mensch-Maschine« von 1978
27
den bereitet für den weltweiten Siegeszug
elektronischer Musik aus Düsseldorf.
Im eben erschienen Buch »Electri_City«
von Rüdiger Esch erinnert sich Eberhard
Kranemann, Gründungsmitglied und zeit-
weiliger Kraftwerk-Bassist, wie Joseph Beuys
während eines drei Stunden währenden Im-
provisationskonzerts im Pelzmantel auf der
erhobenen Tanzfläche stand und seine
»Handaktion« durchführte. Nebenan zeigte
Konrad Fischer in seiner Galerie die Minima-
listen, Gerhard Richter und Sigmar Polke,
und in der Kunsthalle traten Gilbert &
George 1970 acht Stunden lang in Anzügen
Bild: Peter Boettcher, Detroit, 1998, 85 x 125 cm, erhältlich über galerieloehrl.de

Bilder: Gunther Bohnen/Joseph Beuys, Handaktion, Düsseldorf 1969/Courtesy Antiquariat Querido - Frank Hermann, Düsseldorf/VG Bild-Kunst, Bonn 2014; Roy Lichtenstein/Estate of Roy Lichtenstein/Burstein Collection/Corbis/VG Bild-Kunst, Bonn 2014;
und metallisch geschminkt wie Roboter als
»Singing Sculpture« auf.
Kraftwerk haben also nicht erst im Ren-
tenalter in die Kunst gefunden – sie haben
dort ihre Wurzeln. Sie spielten in Hochschu-
len, Galerien, Kunstvereinen und auch schon
früh im Museum, wie 1971 in der Düsseldor-
fer Kunsthalle, deren Reihe »In Between«
jungen Künstlern ein Forum gab. Von An-
fang an waren die Auftritte der Band Multi-
media-Installationen, zunächst mit Dia- und
später mit Videoprojektionen. Der Kurzfilm
zu »Autobahn« nahm das Medium Musik-
video vorweg.
Mit ihrem Freund Sigmar Polke disku-
tierten Schneider und Hütter über die zarte
Grenze von Kunst und Kitsch. Hilla Becher
überließ ihnen für das Artwork ihres ersten
Albums ihr Foto eines Transformators. Der
Maler Emil Schult, der bei Beuys und Rich-
ter studierte, schrieb an den Texten mit und
Walter Obschonka/Kunstbibliothek, SMB, Photothek Willy Römer/bpk
gestaltete Cover wie jenes für die Schallplat-
te »Autobahn«: ein Mercedes und ein VW
Käfer unter stahlblauem Himmel in deut-
scher Autobahnidylle, das die Plakate der
NS-Reiseagentur »Kraft durch Freude« zi-
tiert. Auf dem Nachfolgealbum »Radio-Ak-
tivität« prangte gar ein deutscher Volksemp-
fänger. »Das Kraftwerk-Konzept war die
Überaffirmation«, schreibt Kunstkritiker
Jörg Heiser in seinem 2015 erscheinenden
Buch »Doppelleben. Kunst und Popmusik«,
»die übertriebene Umarmung der Zuschrei-
bung: Wenn man sich in der angloamerika-
nischen Populärkultur (und nicht nur dort)
das typisch Deutsche als eine Art Mischung
aus Fritz-Lang-Roboter und Werner-von-
Braun-Rakete vorstellte, so sollte es eben
genau so sein.« Ralf Hütter selbst nannte
Kraftwerk einmal humorvoll »eine Art Eth-
no-Musik aus der Bundesrepublik«.
So überführten Kraftwerk die konzep-
tuellen Strategien der Pop-Art in die Musik,
wie auch deren Reflektion von Medien und
Massenproduktion. Übertrug Roy Lichten-
stein die Lautmalerei von Comics in die
Kunst, übersetzten Kraftwerk sie wieder zu-
rück in Klang, wenn sie »Boing, Boom
Tschak« sangen. An die Stelle von Erzählung
tritt bei Kraftwerk der Loop, die immer neue
Rückführungs aufs Gleiche. Es ist, was es ist:
In tautologischen Feedback-Schleifen verwei-
sen Klang, Sprache und Bild immer wieder
nur aufeinander. »Autobahn« klingt wie eine
Autobahnfahrt, der »Trans Europa Express«
wie ein Zug. »Es war immer unser Ziel, dass
sich die Musik selbst spielt oder für sich selbst
spricht«, erklärte Hütter in einem Interview.
»Die Autos singen, die Reifen quietschen und
summen, der Wind bläst ›Tour De France‹.«
KR AFTWERK
Künstlerische Einflüsse: Ganz oben Joseph
Beuys, hier 1969 bei einer Handaktion, der
in Düsseldorf zu einem Kneipenkonzert der
Kraftwerk-Vorgängerband Pissoff auftrat.
Die Comic-Kultur, die auch Roy Lichtenstein
faszinierte (Mitte »Varoom!« von 1963),
floss ein in Kraftwerks Sprache. Unten das
»metallische Fest« am Bauhaus, 1929.
Li. Seite: Kraftwerk-Roboter in Detroit, 1998
29
In den Videos wird die Windschutzscheibe
zum Bildschirm und der Zug zum Projektil,
das im Rhythmus der Musik Landschaft und
Bildraum durchschneidet. Florian Schneider
fuhr tatsächlich den Mercedes 600 Pullman
vom »Autobahn«-Cover, und Ralf Hütter
den grauen VW-Käfer. Und wenn bei Kon-
zerten am Bühnenrand Neonzeichen mit
den Vornamen der Musiker aufleuchteten,
komplettierte sich dieses ironische Spiel mit
Aura und Künstlerpersona.
Tauchen in Kraftwerk-Texten Menschen
auf, dann nur als Klischee, wie in »Das Mo-
dell«: »Ihr neues Titelbild ist wirklich fabel-
haft / Ich muss sie wiedersehen, ja sie hat’s ge-
schafft.« Keine persönliche Eigenschaft, nur
ihr Erfolg macht die Protagonistin attraktiv,
und der überartikulierte, unterkühlte Ge-
sang lässt keine Emotion erkennen. Im Geis-
te der Neuen Sachlichkeit stellten Kraftwerk
damit Distanz an die Stelle von Authentizität
und vertonten das narzisstische Spiegelkabi-
nett glamoursüchtigen Großstadtlebens.
Die Band war damit Teil der damaligen
Rückbesinnung auf die europäischen Avant-
garden der Zwanzigerjahre. Im Artwork von
»Die Mensch-Maschine« posieren sie wie
Showstars der Weimarer Republik und zitie-
ren die abstrakte Malerei El Lissitzkys, wäh-
rend ihre roten Hemden und schwarzen Kra-
watten die Farben von Kommunismus wie
Nationalsozialismus aufrufen. Die tanzen-
den geometrischen Felder in Videoprojektio-
nen erinnern teils an die Animationen des
dadaistischen Filmkünstlers Hans Richter,
die Schneider und Hütter in den Sechziger-
jahren in Galerien sahen.
Nie wirkt der Technizismus von Kraft-
werks Bühnenshows theatral, weil er sich
von Anfang an aus der Bedienung der Geräte
ergab. Ihre Verknüpfung von künstlerischen
Strategien und Massenproduktion steht auch
in der Werkstättentradition des Bauhauses,
wo man 1929 auf dem »metallischen Fest« mit
Kostümen aus Metall ironisch die eigene
Fortschrittsfreude feierte. Dass Kraftwerk
nun im Mies-van-der-Rohe-Bau auftreten, ist
vor diesem Hintergrund konsequent.
Bereits der futuristische Komponist
Luigi Russolo hatte versucht, mit selbst ge-
bauten Maschinen die Dinge zum Klingen
zu bringen. Paul Hindemith komponierte
für Oskar Salas Trautonium, den ersten be-
triebsbereiten Synthesizer. Ende der 1960er
aber brachte Robert Moog dann das Gerät
zur Serienreife. Kommt heute jeder Apple-
Computer mit Synthesizer-Software, kostete
ein Moog damals so viel wie ein VW Käfer.
Dass gerade Kraftwerk Pioniere elektroni-
scher Musik wurden, lag wohl auch daran,

dass die Söhne vermögender Eltern sich
Moogs Geräte leisten konnten.
Die Synthesizer-Musik erlaubte die Los-
lösung des Klangs vom Körper. Indem Kraft-
werk betont europäische Harmonien und
die repetitiven Strukturen der Barockmusik
einsetzten, schufen sie eine Transparenz und
Klarheit, die teils weniger modern als vormo-
dern wirkt. Ein Leibniz’schen Frieden steckt
in dieser Musik, die vom Gewicht des Sub-
jekts befreit ist, die prästabilierte Harmonie
eines Universums aufeinander abgestimmter
Monaden. Ja, Kraftwerk klingt nach den se-
riellen Strukturen des barocken Rationalis-
mus, als Gottfried Wilhelm Leibniz die ers-
ten Rechenmaschinen ersann. Stücke wie
»Computerwelt«, in dem Kraftwerk schon
1981 staatliche Überwachung besang, können
einem immer neue Schauer über den Rücken
jagen – gerade heute, wo die Algorithmen
von Geheimdiensten und Datenhändlern
Bürger in Datenpakete verwandeln.
Es ist elf Jahre her, dass Kraftwerk mit
»Tour de France« ihr letztes Studioalbum ver-
öffentlichten. Seitdem folgte eine Reihe von
Wiederauflagen, die den alten Aufnahmen
die Dynamik neuer Technoproduktionen ver-
liehen. Die ersten drei Alben vor »Autobahn«,
die manche für ihre Improvisationsfreude
mit Querflöte und Triangel besonders schät-
zen, werden von der Band heute verleugnet.
Wie Künstler kontrollieren Kraftwerk durch
Katalogarbeit ihr Vermächtnis. Seit dreißig
Jahren lassen sie nur einen Fotografen an sich
ran: den Kölner Peter Boettcher.
Ist der Schritt ins Museum nun die letz-
te Stufe der Verewigung im kulturellen Ge-
dächtnis? Der Mies-Bau der Nationalgalereie
als Mausoleum, das Eingehen der Feier reiner
Gegenwart im Pop in den sachlichen Ewig-
KR AFTWERK
2009 legten Kraftwerk ihre Alben mit mo-
difizierten Covern neu auf, darunter
»Radio-Aktivität«, »Die Mensch-Maschine«
und »Techno-Pop«. Ganz o.: Installation
in der Galerie Sprüth Magers 2013. Noch ist
Kraftwerk-Kunst unverkäuflich
30
Bilder: Timo Ohler/Kraftwerk, 2013/Courtesy Sprüth Magers; Publikation: Kraftwerk 3-D, Kling Klang Produkt 2011 (3)
keitsanspruch des Kunsttempels? Die Musea-
lisierung des Pop ist seit Jahren im Gange.
Auf eine Flut an Wiederauflagen und Wie-
dervereinigungen folgten Ausstellungen wie
die zu David Bowie und bald die für die is-
ländische Popsängerin Björk im MoMA. Es
spricht vieles dafür, dass die Kunst dabei ist,
den Pop als kulturelle Leitindustrie abzulö-
sen, insofern ist es verständlich, wenn sich
Musiker hinüberretten, um ihre Relevanz zu
sichern. Dass Kraftwerk nun im Museum
auftreten, liegt nicht daran, dass sie Kunst ge-
worden sind. Es zeugt eher davon, dass sich
die Institution selbst verändert hat. Museen
sind selbst zu Popstars geworden, die versu-
chen, in einem globalen Kampf um Auf-
merksamkeit ihre Stellung zu sichern.
Galeristin Monika Sprüth kennt Ralf
Hütter noch aus dem gemeinsamen Archi-
tekturstudium in Aachen. Vor zwei Jahren
hat sie Kraftwerk ins Programm von Sprüth
Magers aufgenommen und organisiert seit-
dem ihre Auftritte im Kunstbetrieb. »Mit ih-
ren Videoprojektionen haben Kraftwerk eine
bildnerische Formulierung gefunden, die
manche Videokunst in den Schatten stellt«,
erklärt sie. Dabei steht zu hoffen, dass Kraft-
werk nie kunstmarkttauglich wird. Ihre
Schöpfung erfüllt sich am besten in der Im-
materialität – wie in der Kraftwerk-Ausstel-
lung bei Sprüth Magers im Sommer 2013, wo
für alle 3-D-Brillen auslagen, es aber nichts
zu kaufen gab. Würde man sie dem Devo-
tionalienhandel öffnen – Kraftwerks Kunst
von Verweigerung, Entzug und Erfüllung
stünde auf dem Spiel. ×
Kraftwerk, »Der Katalog – 12345678«, 3-D-Kon-
zertreihe in der Neuen Nationalgalerie Berlin,
6. bis 13. Januar
Sophie

© ZHdK, Marlen Perez

Museum für Gestaltung Zürich, Kunstgewerbesammlung
Marionetten zu König Hirsch, Deramo, 1918
Sophie Taeuber-Arp
Taeuber-Arp
Taeube
Heute
ist Mor
Morgen
12 12 14
1
15 03 15
1
Kunsthalle
Kunsth
Bielefeld

Georg Lemberger, Sündenfall und Erlösung (Detail),, 1535, Nürnberg, Germanisches Nationalmuseum

5. November 2014
bis 8. Februar 2015

Albrecht Altdorfer und das Expressive in der Kunst um 1500

Städel Museum · Schaumainkai 63 · 60596 Frankfurt am Main · www.staedelmuseum.de

Di, Mi, Sa, So 10.00 –18.00 Uhr · Do + Fr 10.00–21.00 Uhr · Kartenvorverkauf: tickets.staedelmuseum.de

Eine Ausstellung des Städel Museums, der Liebieghaus Skulpturensammlung, Frankfurt am Main, und des Kunsthistorischen Museums, Wien, in Zusammenarbeit mit dem
Geisteswissenschaftlichen Zentrum Geschichte und Kultur Ostmitteleuropas e. V. an der Universität Leipzig

GEFÖRDERT DURCH MIT ZUSÄTZLICHER UNTERSTÜTZUNG VON MEDIENPARTNER

cranach in
thüringen
2015
themenjahr
bild und
botschaft

29.März – 19. Juli 2015

cranach im dienst von hof und reformation
Herzogliches Museum Gotha

2. April – 19. Juli 2015

die lutherporträts der cranach-werkstatt
Wartburg Eisenach

3. April – 14. Juni 2015

cranach in weimar
Schiller-Museum Weimar

www.cranach2015.de
 Bild: Bernd Borchardt/Wim Delvoye, „Donata“, 2005/Courtesy Arndt & Partner, Berlin/aus der Ausstellung „Tattoo“ im Museum für Kunst und Gewerbe in Hamburg/VG Bild-Kunst, Bonn 2014

33
VOR SC H AU

Wohin geht die Reise?

15
20
 VOR SC H AU

Bilder: Maurice Tromp/Vincent van Gogh Foundation/Van Gogh Museum, Amsterdam; Larry Clark/Courtesy of the artist and Simon Lee Gallery; Graham Baring, Melbourne/Sammlung Essl Privatstiftung; Michael Triegel/VG Bild-Kunst, Bonn 2014
Januar
HENRY MOORE
Zentrum Paul Klee, Bern,
30. Januar bis 25. Mai
Englands Exportschlager
Nummer eins in Sachen
Skulptur der Nachkriegs-
jahre begegnet man ge-
SCHLAFLOS fühlt in jedem zweiten
21er Haus, Wien, deutschen Park/Fußgän-
30. Januar bis 7. Juni gerzone. Und doch faszi-
Das Bett spielt eine ex- nieren die gigantischen,
trem wichtige Rolle in der eleganten und organisch-
Kunstgeschichte – aller- fließenden Formen und
dings weniger als Ort der Figuren Moores immer
ungestörten Nachtruhe: wieder aufs Neue – dem-
Schon bei Piero della nächst dann auch in Bern.
Francesca wird Kaiser
Konstantin im Traum von
Engeln heimgesucht, von
Tizians hellwacher »Ve-
nus von Urbino« mal ganz
zu schweigen. Die Schau
im 21er Haus zeigt auch
Werke ab dem 16. Jahr-
hundert, konzentriert
sich jedoch auf Betten in
der zeitgenössischen
VAN GOGH IM BORINAGE Kunst, etwa bei Maria
Als Hilfsprediger für die Bergbaukumpel im Borinage, der wal- Lassnig oder Larry Clark
lonischen Steinekohleregion rund um die belgische Stadt Mons, (»Untitled« von 1971, o.). ABORIGINAL ART
gab Vincent van Gogh sein letztes Hemd. So viel Ehrgeiz war Essl Museum,
der Kirche suspekt, sie entließ den jungen Mann, der sich fortan TÜBKE/TRIEGEL Klosterneuburg,
30. Januar bis 16. August
mit ebenso religiösem Eifer der Malerei widmete: »Die Geburt Kunsthalle Jesuitenkir-
eines Künstlers« lautet der Untertitel dieser Ausstellung, die che, Aschaffenburg, Bruce Chatwins »Traum-
Briefe, Zeichnungen und Gemälde aus den späteren Werkpha- 24. Januar bis 19. April pfade« scheinen direkt
nach Klosterneuburg zu
sen zeigt, darunter viele Motive, die mit Arbeit zu tun haben, »Zwei Meister aus Leip-
führen, wo die Sammlung
wie »Der Schnitter (nach Jean-FranÇois Millet)« von 1889 (oben). zig« messen sich in dieser
Schau: Der altmeisterlich Essl einen der größten
Mons ist 2015 die Kulturhauptstadt Europas. Bestände von Kunstwer-
Beaux-Arts Mons, 25. Januar bis 17. Mai geschulte Werner Tübke
(1929–2004) und der ken australischer Urein-
nicht minder begabte wohner in Europa besitzt:
Akademieabsolvent und Traumhafte Bilder von
Papst-Benedikt-Porträtist 1970 bis in die Gegenwart.

Termine
Michael Triegel (geboren
1968, u.: »Doppeltes ROSEMARIE TROCKEL
Selbstbildnis« von 1997). Kunsthaus Bregenz,
MUSÉE BOURDELLE 24. Januar bis 6. April
Paris, Wiedereröffnung Die grandios eigensinnige
ANTIK & KUNST Rosemarie Trockel (Jahr-
Sindelfingen, 15.–18. Januar gang 1952) verknüpfte
die Farbfeldmalerei mit
ANTIQUARIA der Stricknadel und lehr-
Ludwigsburg, 22.–24. Januar te so ihre männlichen Kol-
STUTTGARTER ANTIQUARIATSMESSE legen das Fürchten. Die
23.–25. Januar Bregenzer Ausstellung
BRUSSELS ANTIQUES AND zeigt zum größten Teil
FINE ART FAIR neue Arbeiten.
24. Januar–1. Februar

34
 VOR S C H AU

Februar
Bilder: National Gallery of Art, Washington, Samuel H. Kress Collection; Jürgen Karpinski/Gemäldegalerie Neue Meister, Staatliche Kunstsammlungen Dresden; Rijksmuseum, Amsterdam; Enrique Marty/Courtesy Deweer Gallery, Otegem, Belgien

PIERO DI COSIMO
Selbst für das mit robusten Künstleregos reichlich
gesegnete Cinquecento war Piero di Cosimo (um
1462–1521) ein ausgesprochener Exzentriker: So soll
sich der Florentiner vor allem von harten Eiern
ernährt haben, von denen er immer 50 auf einmal
kochte. Es ist nicht überliefert, ob Proteinüber­
schuss Piero di Cosimos Sensibilität für nuancierte
Stimmungen hervorbrachte, bewundert wurde
jedoch seine Fähigkeit, verschiedene Tageslicht­
intensitäten auf der Leinwand wiedergeben zu kön­
nen. Die National Gallery of Art versammelt um
die »Madonna mit Christuskind und jungem heili­
gen Johannes« (1495–1500, r.) rund 40 Gemälde zu
einer ersten Retrospektive. So wird ein marginali­
sierter alter Meister wiederentdeckt, der 300 Jahre
brauchte, um die Eiergeschichte abzuschütteln.
National Gallery of Art, Washington, 1. Februar bis 3. Mai

DER SPÄTE DAHL UND FRIEDRICH TATTOO

REMBRANDT Albertinum, Dresden, Museum für Kunst und
Rijksmuseum, Amsterdam, 6. Februar bis 3. Mai Gewerbe, Hamburg,
12. Februar bis 17. Mai
Nach seinem gefeierten
Nicht nur Caspar David
Friedrich (1774–1840)
13. Februar bis
6. September
Termine
Auftritt in der Londoner wählte sich Dresden als Das MKG beweist, dass ART INNSBRUCK
National Gallery (noch bis Wohnsitz, auch den Nor- der künstlerische Wert 20.–23. Februar
PAUL GAUGUIN 18. Januar) kommt der weger Johan Christian von Tätowierungen weit
ARCO MADRID
Fondation Beyeler, späte Rembrandt nun Dahl (1788–1857) zog es über das volkstümliche
25. Februar–1. März
Riehen/Basel quasi nach Hause, ins 1818 ins »Elbflorenz«. Die »Arschgeweih« hinaus-
8. Februar bis 28. Juni Rijksmuseum: 90 Gemäl- Kooperationsschau mit geht. Unten: Enrique Mar-
de und Zeichnungen der dem Nationalmuseum in tys »Pablo and Ruth«
Mittagshitze. Die un- Jahre 1652 bis 1669 – aus Oslo kann aus den beiden (2010); Foto auf Seite 33:
barmherzige Sonne der Museen weltweit! Weitere umfangreichsten Werk- Schwein »Donata« (2005)
tropischen Breitengrade. Worte sind unnötig. beständen dieser zwei von Wim Delvoye.
Junge Frauen, die sich ins Recken der nordischen
Nichtstun geflüchtet ha- Romantik schöpfen.
ben. Paul Gauguins
(1848–1903) idyllischer
Südsee-Eskapismus hat BELLE HALEINE
der Vormoderne die Museum Tinguely, Basel,
leuchtendsten Farben be- 11. Februar bis 17. Mai
schert und Generationen Von Marcel Duchamps
von Künstlern beein- Flakon »Belle Haleine«
flusst. Die Ausstellung ausgehend, untersucht
versammelt rund 50 Ge- diese Schau, was pas-
mälde aus Museen und siert, wenn die Nase zum
Privatsammlungen. Oben: Zentralorgan der Kunst-
»Parau api« (1892). wahrnehmung wird.

35
 VOR SC H AU

März
MONET UND DIE GEBURT
DES IMPRESSIONISMUS
Am 15. März 1815 machte Johann

Bilder: Jörg P. Anders/bpk/Nationalgalerie, SMB; Nick Knight/Courtesy of Wellhart Ltd & One Little Indian; Heinz Mack/ZERO foundation/VG Bild-Kunst, Bonn 2014; privat
Friedrich Städel sein Testament –
und begründete damit Deutschlands
älteste bürgerliche Museumsstiftung.
Zum 200-jährigen Jubiläum gibt es
eine Blockbuster-Monet-Ausstellung
mit rund 100 Gemälden, darunter
Leihgaben aus dem New Yorker
Metropolitan Museum, der Eremi-
tage in St. Petersburg und der Berli-
ner Nationalgalerie, aus der das
Bild »Sommer« von 1874 (li.) stammt.
Daneben werden auch Fotografien
sowie Karikaturen zur Kunst-
produktion der Zeit zu sehen sein.
Städel Museum, Frankfurt,
11. März bis 21. Juni

MADE IN CHINA SIGMAR POLKE ZERO

Termine Ostfriesisches
Landesmuseum Emden,
Museum Ludwig, Köln,
14. März bis 5. Juli
Martin-Gropius-Bau,
Berlin,
22. März bis 23. August Mit rund 300 Werken ist 21. März bis 8. Juni
GUSTAV-LÜBCKE-
Porzellan und Tee aus die gemeinsam mit der Die internationale Bewe-
MUSEUM
China waren im 18. Jahr- Tate Modern und dem gung der 1950er- und
Hamm, Wiedereröffnung
hundert Statussymbole MoMA organisierte Re- 1960er-Jahre hält Einzug
8. März
und begehrte Handelswa- trospektive die bisher
ART KARLSRUHE BJÖRK ren. Wie die Begeisterung größte Ausstellung des
5.–8. März MoMA, New York, für das kultivierte Heiß- Künstlers (1941–2010).
THE ARMORY SHOW 8. März bis 7. Juni getränk ganz Europa mit- Gezeigt werden Malerei,
New York, 5.–8. März riss, zeigt das Fotografie, Film, Grafik
So experimentell wie ihre Landesmuseum Emden und Skulptur, mit beson-
TEFAF Outfits soll auch die Aus- mit importierten Tee-, derem Blick auf die
Maastricht, 13.–22. März stellung werden: Die is- aber auch Kaffee- und 1970er-Jahre.
ländische Komponistin, Kakaogeschirren aus Pri-
ART BASEL
Musikerin und Künstlerin vatbesitz. Ihr erzähleri-
HONG KONG BRONZESKULPTUREN
Björk, Jahrgang 1965, scher Dekor, etwa auf
15.–17. März DER HELLENISTISCHEN
wird am MoMA mit einer dem kleinen Unterteller in
BADA ANTIQUES & Retrospektive geehrt, die WELT
»famille rose«-Farben von Palazzo Strozzi, Florenz,
FINE ART FAIR ihre Karriere anhand von in Berlin. Dafür gestaltet
1736, ist ein Augen- 14. März bis 21. Juni
London, 18.–24. März Musik, Filmen, Perfor- Heinz Mack den Lichthof
schmaus.
33. DEUTSCHER mances, Instrumenten, Juwelen der klassischen des Gropius-Baus um; ne-
KUNSTHISTORIKERTAG Kostümen und anderen Archäologie: Die lebens- ben Werken seiner Künst-
Mainz, 24.–28. März. Objekten nachzeichnet. großen Krieger, Athleten lerkollegen Piene und
Kurator Klaus Biesenbach und Göttinnen aus Bronze Uecker wird die grenz-
EUROANTIK hat außerdem ein vielver- eroberten zwischen dem übergreifende Dimension
Innsbruck, 27.–29. März sprechendes »Musik- und 4. und 1. Jh. v. Chr. von des Netzwerks Zero von
FINE ART KURHAUS Filmerlebnis« in 3D bei ihr Griechenland aus den Mit- Japan bis Italien und in
BADEN-BADEN in Auftrag gegeben. telmeerraum. die Niederlande sichtbar.
28.–31. März

36
 VOR SC H AU

April
BASQUIAT: UNBE-
KANNTE NOTIZBÜCHER
Brooklyn Museum,
New York,
3. April bis 23. August
Beeinflusst wurde Jean-
Michel Basquiat von Pop-
Bilder: Lee Miller Archives, England/All rights reserved 2014; Paolo Roversi; Sonia Delaunay/Pracusa 2013057/CNAP; Jasper Johns/VG Bild-Kunst, Bonn 2014

Art, Comics und Hip-Hop.

In Notizbüchern hielt er
seine Gedanken in Skiz-
LEE MILLER zen und Gedichtschnip-
Albertina, Wien, seln fest. Die Kombination
23. April bis 30. August von Bild und Text, für die
Ihre Karriere begann als er bekannt wurde, findet
surrealistische Fotografin auf den überlieferten 160
in Paris: Die junge Ameri- Seiten ihren Anfang.
kanerin Lee Miller ver-
fremdete mit Man Ray
Bildmotive und Techni-
ken. Der Blick für die Ab-
surditäten des Alltags ist
auch in ihrem späteren
Werk sichtbar. Während
ihre »Frauen mit Feuer-
wehrmasken« (o., 1941)
die Eleganz von Modema-
SONIA DELAUNAY
gazinen atmen, schreibt
Tate Modern, London,
sich Miller als Kriegsre-
15. April bis 9. August
porterin endgültig in die
Geschichte ein – mit ei- Lange Zeit war sie nur die
nem Selbstporträt in Hit- Frau an Robert Delaunays JEAN PAUL GAULTIER
lers alter Badewanne. Seite, heute gilt sie als Aus dem Korsett, dem Symbol der weiblichen Unterdrückung,
produktivste Künstlerin schneiderte er tragbare Emanzipation: Gaultier brach als Desig-
PICASSO IN DER der abstrakten Malerei: ner mit Geschlechterrollen und Konventionen. Lange bevor
Sonia Delaunay ließ
KUNST DER Madonna im Bustier ihm zu Ruhm verhalf, schickte er Männer
leuchtende Farben nicht
GEGENWART in Röcken auf den Laufsteg, verwandelte Punk in Haute Cou-
nur auf der Leinwand tan-
Deichtorhallen, Hamburg,
zen, sondern übertrug die ture und deutete Fetisch salonfähig um. Eine klassische Ausbil-
3. April bis 12. Juli dung absolvierte er nie, die Inspiration lieferten ihm die Stra-
Formwelten auch in den
Die Originale von Picasso Alltag: Zurückgelassen ßen von Paris. Entstanden ist Kunst für den Kleiderschrank, die
bleiben im Depot, ihre hat sie ein Gesamtkunst- ganz nebenbei die Modewelt demokratisierte. Über 100 Entwür-
Strahlkraft liest man an werk aus Kleidern, Stof- fe zeigen seinen Weg vom Bordstein zum Catwalk.
den Werken der Erben ab: fen und Gemälden. Grand Palais, Paris, 1. April bis 3. August
160 Leihgaben von Künst-
lern wie Kippenberger,
HOLLAND AT

Termine
Hockney und Jasper
ITS FINEST
Johns (u.) zollen dem
Gemeentemuseum,
spanischen Maler Tribut.
Den Haag,
4. April bis 9. Juni MORI ART MUSEUM
Tokio, Wiedereröffnung 25. April
Die Haager Schule malte
im 19. Jahrhundert die ART & ANTIQUE SALZBURG
Identität Hollands nach: 28. März–6. April
Mit über 100 Gemälden KUNST UND ANTIQUITÄTEN MÜNCHEN
wird klar, wie sehr die 11.–19. April
Kunstströmung bis heute
ART COLOGNE
das Bild des Landes
Köln, 16.–19. April
prägt. Selbst dort, wo die
Windmühlen fehlen. WIKAM
Wien, 18.–26. April

37
 VOR SC H AU

Mai
IMPRESSIONISMUS
– EXPRESSIONISMUS
Lebensfrohe Malerei des Impressionismus in
Frankreich, existenzialistischer Weltschmerz
bei den deutschen Expressionisten: Beide Stile
sind absolute Publikumslieblinge. Kaum zu fas-
sen, dass sie jetzt zum ersten Mal hochkarätig

Bilder: Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie; The Keith Haring Foundation; Wolfgang Pankoke/Staatliche Kunsthalle Karlsruhe
im Vergleich zu erleben sind. Mit 170 Werken
französischer und deutscher Künstler – darun-
ter auch Max Pechsteins vergnügtes Doppel-
bildnis aus dem Jahr 1910 – wird eine umfassen-
de Zusammenschau geboten, die Kontraste
ebenso aufspürt wie überraschende Gemein-
samkeiten. Die Liste der Namen ist ein Who’s
who der Spitzenkünstler von Gauguin, van
Gogh, Manet, Renoir und Liebermann bis zu
Marc, Macke, Kirchner, Dix und Corinth.
Alte Nationalgalerie, Berlin,
22. Mai bis 20. September

EXPO 2015 U. A. KAROLINE LUISE

Termine
GALLERY WEEKEND BERLIN
1.–3. Mai
BIENNALE VENEDIG 
9. Mai–22. November
BAYERISCHES NATIONALMUSEUM
München, Wiedereröffnung Barockflügel
MUSEUM LIAUNIG
Neuhaus, Eröffnung Erweiterungsbau
PARIS PHOTO LOS ANGELES
1.–3. Mai
ARTMUC
München, 14.–17. Mai
FRIEZE NEW YORK
14.–17. Mai
Mailand,
1. Mai bis 31. Oktober
»Feeding the Planet, Ener-
gy for Life« ist das Thema
der Expo 2015, zu der
Millionen von Besuchern
erwartet werden. Das
trifft sich gut: In Mailand
eröffnet zeitgleich das
von Rem Koolhaas ent-
worfene Kunstmuseum
der Fondazione Prada,
und Giorgio Armani plant
die Einweihung eines neu-
en Modemuseums.
CHINA 8
Museen im Ruhrgebiet,
15. Mai bis 13. September
Neun Museen in acht
Städten an Rhein und
Ruhr präsentieren mit
80 Künstlern die bisher
größte Überblicksschau
zur chinesischen
Gegenwartskunst in
Deutschland.
VON BADEN
Staatliche Kunsthalle
Karlsruhe,
30. Mai bis 6. September
Die Große Landesausstel-
lung zum 300. Jubiläum
der Stadt Karlsruhe kon-
zentriert sich auf Mark-
gräfin Karoline Luise
(1723–1783) als Sammlerin
und Mäzenin. Ihr »Mahle-
rey-Kabinett« umfasste
200 Werke von Meistern
wie Rembrandt und Char-
din – und Liotard malte
sie selbst an der Staffelei.
KEITH HARING
Kunsthalle der Hypo-
Kulturstiftung, München,
1. Mai bis 30. August
Künstlertum und Aktivis-
mus stehen im Mittel-
punkt der Retrospektive
des früh an Aids verstor-
benen Keith Haring
(1958–1990). Gleichbe-
rechtigung, Umwelt-
schutz und nukleare
Abrüstung lagen ihm am
Herzen. Einige der Expo-
nate aus europäischen
und amerikanischen Pri-
vatsammlungen sind jetzt
zum ersten Mal wieder
öffentlich zu sehen.

38
 VOR SC H AU

Juni
Bilder: Schenkung aus Privatsammlung, 2000 (G 709, G 709v)/Kirchner Museum Davos; Fondation Custodia, Collection Frits Lugt, Paris; Courtesy National Gallery of Art; Barbara Hepworth, Curved Form (Delphi) 1955/The Estate of Dame Barbara Hepworth

DIE WELTMARKE
BARBARA HEPWORTH
GOLDSCHEIDER
Grassi Museum, Leipzig, Mit ihrer Solopräsentation bewertet die Tate Britain das Werk
18. Juni bis 11. Oktober von Barbara Hepworth nach fast 50 Jahren noch einmal neu. So
lange war die britische Bildhauerin nicht mehr mit einer größe-
»Exotik Verführung Gla-
mour« stehen im Zentrum ren Einzelschau in London präsent. Dabei zählt Hepworth, die
der Ausstellung über die 1936 mit Mondrian und Kandinsky ausstellte und deren Skulp-
legendäre Wiener Manu- tur »Discs in Echelon« im selben Jahr vom New Yorker Museum
faktur Goldscheider mit of Modern Art angekauft wurde, zu den Pionieren der Abstrak-
Leipziger Niederlassung. tion. Das sah selbst die Queen so und adelte sie 1965.
Das Unternehmen machte Tate Britain, London, 24. Juni bis 25. Oktober
sich im frühen 20. Jahr-
DER DOPPELTE hundert einen Namen mit
KIRCHNER seinen mondänen, fein
Kirchner Museum Davos, bemalten und teils ver-
21. Juni bis 8. November goldeten Porzellanfigu-
Erstaunlich viele Lein- ren, die in Serie gefertigt
wände hat Ernst Ludwig wurden und die neue, ver-
Kirchner auf beiden Sei- ruchte Frau der Zwanzi-
ten mit Motiven versehen. gerjahre feierten.
Um Material zu sparen?
Weil ihm das erste Bild
nicht mehr gefiel? Was
pragmatisch wirkt, ist in
Wahrheit das Ergebnis in-
tensiver Auseinanderset-
zung des Expressionisten
mit dem illusionären Bild-
raum, den er im Wortsinn
durchdringen wollte. Die
Ausstellung sieht die
Rückseiten erstmals als
eigene Werkkategorie ANDREA DEL SARTO
und spürt den Intentio- Getty-Museum,
nen des Malers nach. Los Angeles,
23. Juni bis
CAILLEBOTTE 13. September
National Gallery of Art,
Wie Andrea del Sarto
Washington,
(1486–1530) die Malerei
28. Juni bis 4. Oktober
seiner Zeit revolutionier-
Gustave Caillebotte te, ist Thema dieser um-
reüssierte als Sammler, fassenden Schau. Sie
Kritiker und Maler. Die vergleicht die raren
Ausstellung »The Pain- Zeichnungen und Gemäl-
ter�s Eye« macht mit 45
seiner Gemälde aus der
de des italienische Re-
naissance-Künstlers aus
Termine
Hochzeit des Impressio- internationalen Sammlun-
nismus, darunter »Skiffs« gen mit denen seiner Vor- ÄGYPTISCHES MUSEUM
von 1877 (u.), klar, wie bilder Leonardo da Vinci Sharm El-Sheikh, Eröffnung
wichtig der Franzose für oder Raffael. Und sie GARAGE MUSEUM OF CONTEMPORARY ART
die Avantgarde war. zeigt, dass del Sartos Moskau, Eröffnung Museumsneubau von Rem Koolhaas
Werk dank seiner delika-
ART BASEL
ten Farbigkeit und hohen
18.–21. Juni
Emotionalität bereits auf
das Barock verweist und MASTERPIECE
damit wegweisend für die London, 25. Juni–1. Juli
Entwicklung der toskani- BRUNEAF
schen Malerei ist. Brüssel, 10.–14. Juni
BRUSSELS ANCIENT ART FAIR
Brüssel, 10.–14. Juni

39
 VOR SC H AU
Juli
SAMMLUNG NOVARRO
Museum Schwerin,
10. Juli bis 18. Oktober
Picasso, Chagall oder
Lichtenstein – die künst-
lerische Avantgarde po-
sierte vor Eddy Novarros
Kamera. Als Dank überlie-
ßen sie dem Fotografen
oft Kunstwerke. So ent-
stand eine Sammlung, die
von der klassischen Mo-
derne über den abstrak-
ten Expressionismus bis
zur Pop-Art reicht.
KLIMT UND DIE RING-
STRASSE
Unteres Belvedere, Wien,
3. Juli bis 11. Oktober
1883 arbeitet Gustav
Klimt mit seinem Bruder
Ernst und dem Bildhauer
KATHARINA GROSSE Franz Matsch an der Wie-
ner Ringstraße. Als Ma-
Mit der Farbpistole in der Hand legt Katharina Grosse seit lerkollektiv dekorieren sie
den Neunzigern einen wild-bunten Nebel auf Wände; Öl die Gründerzeit mit
und Acryl lässt sie gelegentlich auch mit dem Pinsel explodie- prunkvollen Deckenge-
ren. In Wiesbaden wird Grosses Farbrausch mit Papierarbei- mälden. Gezeigt werden
ten der letzten 20 Jahre zweidimensional: Während sich ihre neben bekannten Werken
Wolken in diesiger Unschärfe aus Violett, Grün und Orange wie der »Hygieia« (1900,
in den Räumen dehnen, fetzen ihre Konturen schneidend u.) auch Arbeiten des jun-
über das Papier. Die Strukturlandschaften definieren dabei gen Klimt, die bislang nie
zu sehen waren.
die Beziehung zwischen Farbe und Malgrund, indem sie
spontan und ohne Skizzen über den Blättern schweben. Hier
hat eine Borste Spuren hinterlassen, da tropft ein Klecks.
Museum Wiesbaden, 10. Juli bis 10. Oktober
Termine
ART BODENSEE,
Dornbirn, 10.–12. Juli
BAMBERGER KUNST- UND
ANTIQUITÄTENWOCHEN
21. Juli–21. August
40
KOSTAS MURKUDIS
MMK 2, Frankfurt,
Bilder: Olaf Bergmann/Katharina Grosse/VG Bild-Kunst Bonn, 2014; Marc Chagall/VG Bild-Kunst, Bonn 2014; Stiftung Ann und Jürgen Wilde, Pinakothek der Moderne, München; Belvedere, Wien
18. Juli bis 14. Februar
Als Assistent von Helmut
Lang lernte er die Mode-
welt kennen, sein eigenes
Label balanciert heute an
der Schnittstelle zum
Skulpturalen: Obwohl
sich Kostas Murkudis nie
als Künstler bezeichnen
würde, wirkt seine grafi-
sche Mode umgeben von
Werken der Sammlung
wie tragbare Kunst. Für
die Ausstellungsarchitek-
tur ist Künstler Carsten
Nicolai zuständig.
KARL BLOSSFELDT
Pinakothek der Moderne,
München,
24. Juli bis 25. Oktober
Er wollte nichts weiter, als
den Sinn für die Natur an-
regen und die Beobach-
tung schärfen: Karl
Blossfeldt – der Fotograf,
der eigentlich Pflanzen-
modelleur war – begriff
seine zarten Gewächsstu-
dien nie als Selbstzweck,
sondern immer als An-
schauungsmaterial. Den-
noch beeinflusste die
formale Schönheit seiner
Aufnahmen viele Künst-
ler, die nach ihm kamen.
Bilder wie »Haarfarn« (o.,
1900–1926) waren nicht
nur Inspiration für Foto-
grafen des Neuen Sehens
und der Neuen Sachlich-
keit, sondern regten auch
Philosophen wie Walter
Benjamin und Georges
Bataille an.
 VOR SC H AU

August
LUCAS CRANACH
Der 500. Geburtstag von Lucas Cranach d. J.
am 4. Oktober 2015 ist noch kein Grund, ihn
aus der Blutsverwandtschaft herauszulösen –
die Cranachs gibt es oft nur als Familie. So
Bilder: U. Brunzel/Museumslandschaft Hessen Kassel; Privatsammlung; Roland Handrick/Stiftung Preußische Schlösser und Gärten Berlin-Brandenburg

zeigt man auch im Jubiläumsjahr in Kassel

den Sohn im Mix mit Werken des gleichnami-
gen Vaters, darunter dessen »Bildnis Martin
Melanchthons« (1543, r.). Die Schau debütiert
vom 29. März bis zum 19. Juli im Herzogli-
chen Museum Gotha, wo man das Themen-
jahr »Cranach in Thüringen« begeht. Weitere
Beiträge dazu sind »Lutherporträts der Cra-
nach-Werkstatt« in Eisenach und »Cranach in
Weimar« (beide ab 3. April). In seiner Geburts-
stadt Wittenberg widmet man sich doch ganz
dem Sohn – im Augusteum und in der Stadt-
kirche St. Marien (26. Juni bis 1. November).
»Cranach im Dienste von Hof und Reformation«,
Museum Schloss Wilhelmshöhe, Kassel,
21. August bis 29. November

Termine
MUSEUMSUFERFEST
Frankfurt, 28.–30. August
ART SALZBURG
15.–23. August

GOLDENES ZEITALTER KORAKRIT FRAUENSACHE Rolle, die die Frauen in

Kunsthaus Zürich, ARUNANONDCHAI Schloss Charlottenburg/ der Hohenzollerndynastie
28. August bis Ullens Center, Peking, Theaterbau, Berlin, spielten – durch Heirats-
29. November 21. August bis 22. August bis politik oder direkte politi-
19. Oktober 22. November sche Einflussnahme. Im
In Zürich kann man seit
mehr als sechs Jahrzehn- Sein Name ist ziemlich »Wie Brandenburg Preu- Vorfeld wurden leere So-
ten dank der Schenkung unaussprechlich und ßen wurde«, untersucht ckel für die im Stadtbild
des Medizin-Nobelpreis- auch seine Kunst macht diese Ausstellung und fehlenden Denkmäler der
trägers Leopold Ružička einen gelegentlich legt ihr Augenmerk auf Frauen aufgestellt. Die
auf eine stattliche Reihe sprachlos – sehen die die wenig beleuchtete Schau selbst zeigt Werke
holländischer alter Meis- einer anonymen Zürcher abstrakten knallbunten wie Lorenzo Quaglios
ter wie Rembrandt oder Privatsammlung. Dabei Leinwände von Korakrit »Blick auf Schloss Hohen-
Cornelis de Heem blicken. ist Adriaen Coortes ex- Arunanondchai doch so schwangau« (1856, l.) –
Ergänzt werden die Be- quisites »Stillleben mit ei- aus, als wäre Jonathan mit Marie von Preußen im
stände nun temporär nem Bund Spargeln, roten Meese in einer Thai-Pop- Vordergrund –, aber auch
durch 40 selten gesehene Kirschen und Schmetter- Bar abgestürzt: schrill, die Kleider, die Herrsche-
holländische Bilder aus ling« (1693–1695, o.). laut und höllisch scharf. rinnen machten.

41
 VOR SC H AU

September
WALKER EVANS
Eigentlich wollte Walker Evans

Bilder: Walker Evans; Jörg P. Anders/Staatliche Museen zu Berlin; Victoria and Albert Museum, London;Kevin Ryan/Kiki Kogelnik, „Bombs in Love“, 1962/Kiki Kogelnik Foundation Vienna/New York
Schriftsteller werden, berühmt wurde
er als Chronist der Großen Depressi-
on: Er übersetzte den Alltag in lakoni-
sche Stillleben. Erzählungen lassen
sich in seinem Blick auf Amerika
trotzdem lesen. Plakatwände, Hausfas-
saden und Fabrikhallen bilden beiläu-
fig die Armut des Landes ab. Selbst
dann, wenn die Protagonisten längst
aus dem Bild entschwunden sind.
Josef Albers Museum Quadrat,
Bottrop, 27. September bis 10. Januar 2016

Termine
LUTHERHAUS
Eisenach, Wiedereröffnung
26. September
ABC
Berlin, 17.–20. September

ne Venus (l., 1490) den- THE WORLD GOES POP NOLDE IN HAMBURG DER STOFF INDIENS
ken. Nach dem Tod geriet Tate Modern, London, Hamburger Kunsthalle, Victoria & Albert
der Florentiner lange Zeit 17. September bis 11. September bis Museum, London,
in Vergessenheit, erst im 24. Januar 2016 17. Januar 2016 26. September bis
19. Jahrhundert wurde er Pop-Art war mehr als eine Der Expressionist Emil 10. Januar 2016
wiederentdeckt. Künstler bunte Party der westli- Nolde feierte 1910 erste Darüber, dass eines sei-
wie Edgar Degas, Cindy chen Konsumkultur: Die Erfolge mit Ausstellungen ner handgeknüpften Zel-
Sherman und Andy War- Kunst ging Hand in Hand in Hamburg. Seine Bilder
hol bezogen sich auf sei- mit Gesellschaftskritik gefielen auch dem han-
ne Motive: Wie aus seinen und öffentlichem Protest. seatischen Sammler und
Gemälden eine inter- Rund 200 Werke aus den Mäzen Gustav Schiefler,
textuelle Bilderflut zwi- Siebzigerjahren zeigen, der bald zu seinen wich-
schen Moderne, Pop und wie sich Künstler auf der tigsten Förderern zählte.
Trash wurde, beantwortet ganzen Welt kritisch mit
die Zusammenführung dem Geist der Pop-Art MUNCH – VAN GOGH te auf englischem Boden
von Originalen und Über- identifizierten. Van Gogh Museum, ausgestellt wird, wäre der
schreibungen.
Amsterdam, indische Herrscher Tipu
25. September bis Sultan, ein Gegner der
ST. GALLER 17. Januar 2016 britischen Kolonialabsich-
ALTMEISTERWUNDER ten, nicht erfreut gewe-
Persönlich begegnet sind
DIE BOTTICELLI- Kunstmuseum St. Gallen, sen. Um die Knüpfkunst
sie sich nie, mehr als Mo-
RENAISSANCE 26. September bis seines Volks zu bewer-
tivverwandschaft darf
Gemäldegalerie, Berlin, 22. November ben, hätte er vermutlich
man ihnen trotzdem
24. September bis Albrecht Dürer, Pieter nachsagen: Munch wurde ein Auge zugedrückt.
24. Januar 2016 Bruegel, Rembrandt: ein nicht nur von van Goghs Über 200 Textilien illus-
Die Renaissance lässt Blick auf die großzügigen Farben inspiriert, sondern trieren, wie die Inder vom
sich heute nicht ohne Schenkungen von Privat- auch von seiner Leiden- 3. Jahrhundert bis heute
Sandro Botticelli und sei- sammlern ans Museum. schaft zur Kunst. Kultur in Stoff einweben.

42
 VOR SC H AU

Oktober
Bilder: Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid; Alfred Sisley, „Moret-sur-Loing“/Yoshino Gypsum Foundation, Tokyo; Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid; A. Plisson/Marcelle Cahn, „Femme et voilier“/Musées de Strasbourg

GOYA: DIE PORTRÄTS

National Gallery, London,
7. Oktober bis
10. Januar 2016
Seine Porträts als exzel-
lente psychologische
Kommentare: So interpre-
JAPANS LIEBE ZUM tiert die Ausstellung die
IMPRESSIONISMUS Werke des Genies Fran-
Bundeskunsthalle Bonn, cisco de Goya. Sie kon-
9. Oktober bis zentriert sich tatsächlich
21. Februar 2016 erstmals in der langen
Geschichte der Retro-
Schon im späten 19. Jahr-
spektiven auf jenes Gen-
hundert begeisterten sich
re, das der spanische
japanische Sammler für
Maler in neue qualitative
Werke von Monet, Manet,
Höhen trieb, indem er mit
Gauguin oder Sisley (o.)
den Traditionen der Bild-
und stellten hochkarätige
nisdarstellung brach.
impressionistische Kol-
lektionen zusammen. In
Bonn sind viele dieser
Meisterwerke nun erst-
mals wieder in Europa zu
sehen – ergänzt durch
japanische Werke aus der
Zeit vor 1920, die den
Westen inspirierten.

STURM-FRAUEN
Schirn Kunsthalle,
Frankfurt,
30. Oktober bis
7. Februar 2016 KUNST UND JAZZ
FRANCISCO DE ZURBARÁN In seiner Berliner Sturm- Kunstmuseum Stuttgart,
Die erste Retrospektive des Barockmalers in Deutschland. Galerie stellte Herwarth 10. Oktober bis
6. März 2016
Mit knapp 70 Werken, darunter Leihgaben der Londoner Walden ab 1910 von ihm
National Gallery oder der Alten Pinakothek München, lässt hochgeschätzte Künstle- Zum zehnjährigen Jubilä-
sie nicht bloß das goldene Zeitalter erstehen. Sie präsentiert rinnen aus. Die Ausstel- um beschenkt sich das
Francisco de Zurbarán (1598–1664), der fast sein ganzes Leben lung beleuchtet mit über Kunstmuseum mit der
300 Kunstwerken des Ex- Ausstellung »I got
in Sevilla blieb, auch als Meister des Sakralbildes, der die Lie-
pressionismus, Kubismus, Rhythm. Kunst und Jazz
be zum Detail mit schwärmerischer Religiosität verschmolz.
Futurismus und der Neu- seit 1920«. Zu sehen sind
Museum Kunstpalast, Düsseldorf, 10. Oktober bis 31. Januar 2016 en Sachlichkeit dieses Werke herausragender
fast vergessene Kapitel Künstler wie Otto Dix,
der Kunstgeschichte. Piet Mondrian, Alexander
Calder, Jackson Pollock,
Termine Andy Warhol oder
Candice Breitz, die das
FRIEZE/FRIEZE MASTERS ausgeprägte Interesse
London, 14.–18. Oktober der bildenden Kunst am
Jazz dokumentieren –
FIAC und die Wechselwirkung
Paris, 22.–25. Oktober zwischen Musik und den
KUNSTMESSE Kunstströmungen der je-
München, weiligen Zeit. Ein schönes
31. Oktober–8. November Extra sind die Hörstatio-
nen mit Musikbeispielen.
KUNST UND ANTIQUITÄTEN
München,
31. Oktober–8. November

43
 VOR SC H AU

November

Bilder: University of Cambridge/Museum of Archaeology and Anthropology; Max Beckmann/Stiftung Moritzburg – Kunstmuseum/VG Bild-Kunst, Bonn, 2014; Agnes Martin/Tate/National Galleries of Scotland/Estate of Agnes Martin/VG Bild-Kunst, Bonn 2014;
Alexander Calder/Calder Foundation, New York/Art Resource, NY/ARS, NY and DACS, London 2014/VG Bild-Kunst, Bonn 2014
KUNST DER FIDSCHI-INSELN
Von fernen Gestaden wird das acht
Meter lange Doppelkanu erzählen
können, das im November in der
Bundeskunsthalle in Bonn anlegt.
ALEXANDER CALDER AGNES MARTIN
Gebaut wurde es eigens für die Ausstel-
Tate Modern, London, K20, Düsseldorf,
lung auf den Fidschi-Inseln als Zeugnis
11. November 7. November bis
für die lebendige Handwerkskunst bis 3. April 2016 Februar 2016
auf der südpazifischen Inselgruppe.
Alexander Calder war es, Die Künstler der New
Mit ihren Holzbooten fuhren die Fid-
der den Skulpturen das York School Mark Rothko,
schianer bereits im ersten Jahrtausend
schwerelose Tanzen bei- Ad Reinhardt und Barnett
nach Christus über den Ozean bis brachte. Er kann ja nichts Newman waren es, die
Samoa. Die Schau zeigt zahlreiche dafür, dass seine in den Agnes Martin im Manhat-
künstlerische und kunsthandwerkliche Dreißigern erfundenen tan der Fünfziger beein-
Kostbarkeiten: Textilien, Waffen, »Mobiles« heutzutage – druckten. Häufig wird
Skulpturen und vor allem Schnitzerei- als industrielle Billigpro- Martin (1912–2004) der
en wie oben die herrliche Kette aus dukte – in Kinderzimmern MAX BECKMANN Minimal Art zugerechnet,
Walfischzahn (1875–1880). weltweit der Babybe- UND BERLIN
Bundeskunsthalle, Bonn, 6. November bis spaßung dienen. Denn Berlinische Galerie,
Arbeiten wie »Red and 20. November
6. März 2016
Yellow Vane« (1934, u.) bis 15. Februar 2016
bündeln die Eleganz der Beckmann lebte zweimal
Moderne und machen in Berlin, von 1904 bis

Termine
ihren Schöpfer zu einem 1914, als er altmeisterlich
der großen Bildhauer inspirierte Werke wie das
seiner Epoche. »Doppelbildnis Max Beck-
HIGHLIGHTS mann und Minna Beck- dafür war sie eigentlich
München, 5.–11. November mann-Tube« (1909, o.) zu früh dran. Auch wirken
ART & ANTIQUE schuf, und von 1933 bis ihre zarten Bleistiftgitter
Wien, 7.–15. November 1937, als er seinen eige- und Farbstreifen zu intim,
nen Stil gefunden hatte um dem unpersönlichen
WIKAM und grandiose Triptychen Anspruch des Minimalis-
Wien, vrs. 7.–15. November wie »Die Abfahrt« malte. mus zu genügen. Die Re-
ART & ANTIQUE Der zweite Abschied war trospektive dieser tollen
Wiesbaden, für immer: Er flüchtete Künstlerin ist zuvor mit
12.–15. November vor den Nazis ins Exil. Die Bildern wie »Happy Holi-
Schau rekonstruiert die day« (1999, o.) in der Tate
BASEL ANCIENT ART FAIR
Bedeutung Berlins für die Modern in London zu se-
13.–18. November
Kunst Beckmanns. hen (Juni bis Oktober).
COLOGNE FINE ART
Köln, 18.–22. November

44
 VOR SC H AU

Dezember
Bilder: Lawrence Perquis/Le Mobilier National; Olaf Gulbransson Museum, Tegernsee/VG Bild-Kunst, Bonn 2014; Peter Clarke, „Wanted“/Sammlung Weltkulturen MuseumSammlung Weltkulturen Museum, Frankfurt am Main

WANDTEPPICHE AUS DER

SAMMLUNG LUDWIG XIV.
Wandschmuck war beim »Sonnenkö-
nig« Chefsache: Man sieht es schon
daran, dass Ludwig XIV. nach 1662 sei-
ne eigene »Manufacture royale des
tapisseries« gründete. Dort waren
dann zeitweise bis zu 250 Bildwirker
mit der Einrichtung der königlichen
Schlösser beauftragt. Die Tapisserien-
Sammlung des Monarchen umfasst
aber auch ältere Wandteppiche wie
»Constantius ernennt Konstantin zu
seinem Erben« (r.), den die Werkstatt
in Faubourg Saint-Marcel zwischen
1625 und 1627 für Ludwig III. nach
einem Entwurf von Rubens fertigte.
Getty-Museum, Los Angeles,
15. Dezember bis 1. Mai 2016

Termine
PRUNKSAAL, NEUES PALAIS,
PREUSSISCHE SCHLÖSSER
UND GÄRTEN
Potsdam, Eröffnung
ART BASEL MIAMI BEACH,
3.–6. Dezember

OLAF GULBRANSSON Erfüllung ging, blieb der LOUVRE ABU DHABI Townships den Ausnah-
Olaf Gulbransson gutmütige Raufbold bis Eröffnung mezustand: Ein Fehl-
Museum, Tegernsee, zu seinem Tod in Bayern. schlag, denn anstelle von
Wenn im Dezember wirk-
13. Dezember bis Hier zeichnete er mit Ruhe und Ordnung stieg
lich auf Saadiyat Island in
März 2016 dünnem Strich und milder die Zahl der Demonstra-
Abu Dhabi der arabische
Kritik für den »Simplicis- tionen und Toten. Süd-
Er liebte schöne Frauen Spross des ehrwürdigen
simus« und unterrichtete afrikanische Kuratoren,
und Alkohol, rasierte sich Louvre eröffnet, wird man
an der Kunstakademie. Künstler und Wissen-
jeden Tag den Kopf und sehen, ob der Kulturtrans-
ging im Sommer gerne fer gelingt: Leihgaben schaftler der Nachfolge-
nackt aus dem Haus: Olaf französischer Museen generation reflektieren
Gulbransson, der für sein (auch des Louvre) werden nun den »State of Emer-
Temperament ebenso be- in einem neuen Kunstpa- KUNST IN SÜDAFRIKA gency«. Durch die Verbin-
rühmt wurde wie für sei- last von Jean Nouvel aus- Weltkulturen Museum, dung zu Künstlern der
ne Karikaturen, zog 1902 gestellt. Errichtet wird er Frankfurt, damaligen Zeit wie David
von Oslo nach München. allerdings gerade unter 2. Dezember bis Koloane und John Mua-
An der Isar, so vermutete Arbeitsbedingungen, die 24. Juli 2016 fangejo wird das Kräfte-
er, würden Palmen wach- westliche Medien als Mitte der Achtzigerjahre messen zwischen Kunst,
sen. Obwohl sein mediter- »moderne Sklaverei« be- verhängte die Regierung Kollektiv und Politik in die
raner Traum nicht in schreiben. Südafrikas über viele Gegenwart übertragen.

45
Jeder lebt für sich allein
Er konnte weit mehr als nur Tänzerinnen: Edgar Degas war ein begnadeter
Konstrukteur der Moderne, wie eine Ausstellung in Karlsruhe zeigt

VON
CHR ISTI A N E M EI X N ER
 D
Degas, das ist Haut und wippende Röcke.
Seine populären Bilder zeigen Frauen bei der
Toilette oder Mädchen in Tüll, dessen unver-
schämt blaues Leuchten den Blick immer
wieder vom Gesamtwerk des französischen
Künstlers ablenkt. Von den Tänzerinnen
konnten schon die Zeitgenossen nicht genug
bekommen – und Edgar Degas lieferte, ob-
wohl er das Sujet nicht besonders mochte.
Sein Vater, ein Privatbankier, hatte der Fami-
lie Schulden hinterlassen. Der Sohn fühlte
sich verpflichtet und trug das Erbe ab, indem
er den Kunstmarkt, wenn auch widerwillig,
mit gefälligen Motiven bediente. Seine frü-
hen Historienbilder, die er 1865 selbstbewusst
in die Pariser Salonausstellungen hängte, wa-
ren dagegen ein Flop. Kaum einer im moder-
nen Paris interessierte sich für mittelalterli-
che Kriegs- oder antike Wettkampfszenen.
Sein Freund und Konkurrent Édouard Manet
reagierte schneller: Er schuf mit dem »Früh-
stück im Grünen« und der »Olympia« 1863
zwei Gemälde, die vom Format und den fi-
gürlichen Arrangements zwar noch An-
spruch auf geschichtliche Relevanz erheben.
Ihre Sujets aber spielen unmittelbar auf das
erotische Leben in der Metropole an. Degas
begriff den Kniff bald.
Seinen Weg von der offen klassischen
Komposition zur konstruierten Gegenwart
der Boudoirs und Cafés des 19. Jahrhunderts
zeichnet die Staatlichen Kunsthalle Karlsru-
he nun in einer großen Ausstellung nach.
Ausgangspunkt sind jene sieben Arbeiten,
die das Haus selbst besitzt und mit über

1872 machte Edgar Degas seine einzige

Weltreise. Sie führte ihn nach New Orleans,
wo Verwandte der Familie lebten. »Das
Baumwollkontor« zeigt Onkel, Angestellte
und Kunden mit fotografischer Exaktheit

100 internationalen Leihgaben kombiniert.
Darunter natürlich auch den Balletteusen,
die das Werk legendär gemacht haben. Dafür
deutet schon im Titel der Schau »Degas. Klas-
sik und Experiment« alles auf den Zwiespalt
des Künstlers hin, der 1834 in komfortablen
Verhältnissen auf die Welt kam und vom Va-
ter viel Unterstützung für seine Karriere er-
hielt. Um 1855 besuchte Degas die École des
Beaux-Arts, entschied sich dann aber für ein
autonomes Studium der Pariser Museen.
Dort hingen all die antiken Reliefs und alten
Meister, die er bis ins Detail studierte.
»Kopieren hat in Deutschland einen ne-
gativen Beigeschmack«, erklärt Alexander
Eiling, der die Karlsruher Schau als Kurator
verantwortet. Für Frankreich habe das nicht
gegolten. Hier sah man die Kopie als Instru-
ment, sich Wissen anzueignen. Degas hat
diese Möglichkeit ein Leben lang genutzt –
und die kompositorischen Gerüste seiner
Vorgänger in die eigenen Sujets übertragen.
Wie sehr seine Szenen des zeitgenössischen
Lebens von der Historie der Malerei über-
formt sind, wird in der Karlsruher Ausstel-
lung anschaulich. Sie stellt Degas Werke von
Mantegna, Rembrandt, Poussin, Ingres oder
Michelangelo zur Seite und entschlüsselt
über sieben Stationen die Vorbilder für des-
sen Rennpferde, Tänzerinnen oder baden-
den Frauen in ihren seltsam angestrengten
Posen, die tatsächlich auf klassische Aktdar-
stellungen Bezug nehmen. So wird fast ne-
benbei noch einmal klar, wie wenig Degas
mit den Impressionisten verband, obgleich
er 1874 eine sezessionistische Salonausstel-
lung mitorganisierte. Es zog ihn nichts nach
draußen, die Landschaft interessierte ihn
weit weniger als das Porträt, das fast ein Drit-
tel seines enormen Werks ausmacht. Vor al-
lem aber offenbart sich das Desinteresse des
Malers an der Authentizität des Augenblicks.
Sein Credo war die innere Verbindung zu
den künstlerischen Vorbildern.
Sie lässt sich als Rückversicherung be-
greifen, die ebenso aus der Moderne gespeist
wird wie Degas� Motive. Das libertinäre Pa-
ris des späten 19. Jahrhunderts mag Freihei-
ten versprochen haben, erfüllte das Groß-
bürgertum, dem der Künstler
entstammte, jedoch auch mit Unsi-
cherheit. So schätzte Degas den Li-
teraten Charles Baudelaire als
Chronisten des urbanen Le-
bens, spann sich selbst aller-
dings einen Kokon. Reisen
war ihm ein Graus, auch
wenn das Mehrfigurenbild
»Baumwollkontor« von
1873 als eines der High-
lights der Schau auf der
einzigen weiten Reise des
DE G A S
Ab 1854 porträtierte sich der Maler immer
wieder selbst. Das Gemälde oben zählt zu
den späten Bildnissen. Die genrehafte
»Ballettklasse« (1880–1900) gehört einer
privaten Sammlung, der Fächer von 1880
stammt aus der Sammlung der Staatlichen
Kunsthalle Karlsruhe und zeigt die Sän­
gerin Emilie Bécat während eines Auftritts
48
Künstlers zu Verwandten in New Orleans
entstand. Von seinen weiblichen Modellen
glaubte Degas jedoch ganz anachronistisch,
sie seien »schlichte Menschenkinder, die kei-
ne anderen Interessen haben, als die, welche
Bilder: Catarina Gomes Ferreira/Calouste Gulbenkian Foundation, Lisbon M.C.G.; Staatliche Kunsthalle Karlsruhe; Privatsammlung; vorige Doppelseite: Jean Christophe Poumeyrol/Musée des Beaux­Arts de Pau
in ihrem physischen Zustand begründet lie-
gen …« Und während der Dreyfus-Affäre um
1894 zeigte er offen seine antisemitischen
Vorurteile, nahm Partei gegen den beschul-
digten jüdischen Offizier und kümmerte sich
nicht darum, dass ihn viele Freunde anschlie-
ßend mieden.
So wird die artifizielle, arrangierte Bild-
wirklichkeit auch zum Refugium, aus dem
heraus Degas auf eine sich rasant verändern-
de Welt blickt. Zugleich protokollierte er
überaus sensibel die Wirkungen dieses mo-
dernen Lebens. In den Familiengemälden
blicken die Porträtierten vielfach aneinander
vorbei, wird Interesse zu einem flüchtigen
Gut, das sich immerzu an etwas Neues heftet.
Dazu passt, dass Degas in seiner vermeintlich
stereotypen Darstellung der Pariser Amüsier-
maschine nicht länger den großen Auftritt
festhält, sondern das Warten, die Vorberei-
tung der Tänzerinnen oder ihre Müdigkeit
nach der Show. Eine Ausnahme macht jene
Sängerin, die Degas 1880 auf einem Fächer
festhielt. Japanische Fächer waren damals ein
beliebtes Accessoire und als handbemaltes
Exemplar begehrte Sammelobjekte. Der Auf-
tritt im illuminierten Gartenlokal scheint für
Emilie Bécat zum Triumph zu werden. Bloß
sehen kann man es nicht, denn die Szene ist
so abstrakt gemalt, dass sich alles um die
Chansonnette herum auflöst. Auf einem Bild-
grund, der als Massenware vom Maler für
diesen Moment zur Leinwand geadelt wird. ×
»Degas. Klassik und Experiment«, Staatliche
Kunsthalle Karlsruhe, bis 1. Februar
DE G A S

49
 Jung! Geistreich! Sexy!
Fasziniert schauten deutsche Künstler in den Sechzigerjahren auf die amerikanische
Pop-Art. Sie wurde zur wichtigsten Inspiration für neue und zugleich sehr
eigenständige Wege, wie die Schau »German Pop« in der Frankfurter Schirn zeigt

VON
U L R IC H C L E W I N G

50
über
 G E R M A N P OP
Der britische Künstler Richard Hamilton
wusste genau, was man sich unter dieser selt-
samen neuen Kunstrichtung vorzustellen
hatte, über die auf einmal alle sprachen.
»Pop-Art«, schreibt er im Januar 1957 an sei-
ne Londoner Freunde, die Architekten
Alison und Peter Smithson, in einem be-
rühmt gewordenen Brief, »ist populär, kurz-
lebig, entbehrlich, kostengünstig, in großen
D
Mengen hergestellt.« Doch damit ist er noch
nicht am Ende. Denn Pop-Art ist außerdem
»jung, geistreich, voller Gags, glamourös,
sexy, big business«. Und dies, so Hamilton,
»ist nur der Anfang«.
Streicht man den Anteil Ironie, der in
dieser Aufzählung steckt (wir sind hier
schließlich im Vereinigten Königreich),
bleibt eine relativ präzise Definition
dessen, was in den nächsten zehn
Jahren über die Kunstwelt kom-
men sollte wie eine Sturmflut über
die grünen Wiesen von Suffolk.
Pop-Art war nichts anderes als eine
Revolution. Eine Rebellion der Ju-
gend gegen ihre Eltern und Großel-
tern, ein Angriff auf traditionelle Werte
und den guten Geschmack, auf Langeweile
und Borniertheit. Pop war Kunst, die aus
dem Alltag kam. Die sich nicht an der Kunst-
51
Illustrierte zeigten das Lebensgefühl der
Sixties, Gerhard Richter nahm sie zur Vor-
lage, wie in »Motorboot 1. Fassung« (1965).
Links: Weniger bekannt ist der Pop-Art-
Künstler Werner Berges, der in »Die Beiden«
1967 zwei Kurzhaarschönheiten porträtierte
geschichte orientierte oder an dem, was man
an den Akademien lehrte. Sondern an Hol-
lywoodfilmen, an den grellen Farben, gro-
ßen Buchstaben und eingängigen Botschaf-
ten der Werbung. Erfunden in England und
in Amerika zu voller Blüte gebracht, war
Pop-Art das Pendant zu Rock ’n’ Roll und
Beat – und entsprechend skeptisch reagierte
das Establishment. Stellvertretend für viele
bat die in New York erscheinende Illustrierte
Life im Januar 1964 ihre Leser um eine Ein-
schätzung der Begabung Roy Lichtensteins,
dessen Spezialität Comicbilder waren: »Ist er
der schlechteste Künstler der USA?«
Ob und wenn ja, in welcher Form Pop-
Art auch in Deutschland existierte, dieser
Frage geht derzeit eine ausgesprochen intel-
ligent gemachte Ausstellung in der Frank-
furter Schirn Kunsthalle nach. Martina
Weinhart, die Kuratorin, die die Schau kon-
zipierte, bietet dabei als Antwort ein ent-
schiedenes »Ja, aber« an. Und sie geht noch

weiter. Pop-Art, konstatiert sie in der Einlei-
tung zum Ausstellungskatalog, entwickelte
sich im Westen innerhalb kürzester Zeit als
Universalkultur ohne Alternative: »Es gibt
den französischen Pop, den italienischen
und den skandinavischen. Außerhalb von
Europa gibt es die lateinamerikanische Ver-
sion ebenso wie die japanische.« Sogar im
Ostblock »gab es Pop, etwa in der sowjetrus-
sischen Underground Art«.
Um ihre These vom »German Pop« zu
untermauern, hat die Ausstellungsmacherin
nach akribischen Recherchen rund 150 Arbei-
ten von 34 Künstlerinnen und Künstlern aus
Museen, Ateliers und zum Teil recht entlege-
nen Privatsammlungen zusammengetragen.
Darunter sind neben den bekannten Namen
etliche handfeste Überraschungen. Die groß-
artige, praktisch vergessene Bettina von Ar-
nim aus Berlin zum Beispiel, mit ihren Bil-
dern von futuristischen Space-Age-Robotern,
die an Menschmaschinen aus fernöstlichen
Mangas erinnern und denen sie so merkwür-
dige Titel wie »Close Cycle Man«, »Schalter«
oder »Hosenträger« verlieh. Oder Lambert
Maria Wintersberger, ebenfalls aus Berlin,
ein anderer Maler, den heute kaum noch je-
mand kennt: Seine großformatigen, räum-
lich komplex komponierten Bilder sauber
aufgeschnittener Fingerkuppen oder augen-
loser Mundwürmer haben etwas fundamen-
tal Verstörendes.
Damit ist bereits ein charakteristisches
Merkmal des »German Pop« benannt, das ei-
nen grundsätzlichen Unterschied zu den an-
G E R M A N P OP
Pop ist auch die symbolische Überhöhung
trivialer Alltagsgegenstände in der Kunst:
»Junge mit Zahnbürste« nannte Sigmar
Polke sein Bild aus dem Jahr 1965. Bei den
Gemälden Konrad Klaphecks erzeugen
erst Titel wie »Zwei Kameraden« (1966,
unten) die eigentliche Bedeutungsebene
Rechte Seite: Wie ein Trümmerhaufen aus
Jeff-Koons-Skulpturen wirkt Christa
Dichgans’ Gemälde »Stillleben mit Frosch«
von 1969 – das allerdings Jahrzehnte
vor dem Koons-Boom entstand
52
gelsächsischen Vorbildern markiert. Andy
Warhol, der als Werbegrafiker angefangen
hatte, fertigte Siebdrucke von Zeitungsfotos
an, von Marilyn Monroe oder Elvis Presley
als Colt ziehendem Cowboy (aus dem Film
Bilder diese Doppelseite: Anne Gold/The Estate of Sigmar Polke/VG Bild-Kunst, Bonn 2014; Horst Kolberg/Konrad Klapheck/Artothek/Stiftung Museum Kunstpalast/VG Bild-Kunst, Bonn 2014; Jochen Littkemann/Privatsammlung/Courtesy Contemporary Fine Arts, Berlin;
»Flaming Star«). Selbst wenn Warhol Polizei-
fotos von tödlichen Autounfällen vervielfäl-
tigte, sah das immer noch auf eigentümliche
Art gut aus. Der schon erwähnte Roy Lich-
tenstein malte Comics, wobei er sie nicht ein-
fach kopierte und vergrößerte. Er ordnete die
Ausschnitte zu neuen Kompositionen, um sie
vorige Doppelseite: Gregor Zawadzki/DavisKlemmGallery, Wiesbaden/München; Gerhard Richter, 2014/Leihgabe aus Privatbesitz im Gerhard Richter Archiv, Staatliche Kunstsammlungen Dresden
noch besser zur Geltung zu bringen.
Den Deutschen fehlte diese Unbeküm-
mertheit. Doch ein Rundgang durch die
Schirn zeigt, dass dies nicht zwangsläufig ei-
nen Mangel beschreibt. Glaubt man Martina
Weinhart, die als Kronzeugen den italieni-
schen Schriftsteller Umberto Eco zitiert, wa-
ren die Voraussetzungen einfach andere. »Im
Prinzip versteht der gebildete Europäer«, for-
muliert Eco in seinem 1978 erschienenen
»Gespräch mit Umberto Eco über die Theo-
rie des Pop«, »die Konsumgesellschaft als ein
Phänomen, das sich herausbildete, als die
Kultur bereits einen hohen Entwicklungs-
stand hatte.« Für den Amerikaner hingegen
sei sie eine selbstverständliche Alltagserfah-
rung und seit jeher Bestandteil der Gesell-
schaft. Oder, wie Eco sagt: »die reine Natur«.
Daher hätten die amerikanischen Künstler
den Gebrauchsgegenständen gegenüber eine
völlig andere Einstellung: »Sie können sie
gleichzeitig lieben und verabscheuen.«
Trotzdem, oder vielleicht gerade des-
halb schauten die Deutschen Ende der Fünf-
ziger- , Anfang der Sechzigerjahre sehnsüch-
tig und fasziniert nach Amerika. Der stets
besonders gut informierte Maler Konrad
Lueg, der später seine Malerkarriere aufgab
und als Konrad Fischer einer der bekanntes-
ten Galeristen Deutschlands wurde, studier-
te sämtliche einschlägigen Kunstzeitschrif-
ten. Winfred Gaul, noch so ein Künstler, den
Weinhart aus der Versenkung hervorgeholt
hat, verbrachte 1962 vier Monate in New
York. Konrad Klapheck reiste mit der ganzen
Familie an, und auch die ebenfalls in der Aus-
stellung vertretenen Christa Dichgans und
Karl Horst Hödicke begaben sich auf Entde-
ckungstour durch die Galerien und Künstler-
ateliers der Stadt.
Doch sie kehrten nicht als Kopisten und
Epigonen zurück. Wenn diese Ausstellung et-
was eindrucksvoll beweist, dann ist das der
Sonderweg, den die deutschen Pop-Art-
Künstler beschritten. Genau genommen wa-
ren es sogar viele Sonderwege, denn in Düs-
seldorf herrschte ein ganz anderer Stil als in
München, in Frankfurt ein anderer als in
Berlin. Das war keine teutonische Eigenart.
Auch in den USA umfasste der Oberbegriff
Bilder S. 54 1 - 4: Projektionen von KRIWET im Creamcheese, Düsseldorf, 1967, Abb. aus Katalog „German Pop“, Hrsg. Martina Weinhart und Max Hollein, Verlag der Buchhandlung Walther König, Köln, S. 46; Einladung zu Leben mit Pop, eine Demonstration für den kapitalistischen Realismus von Konrad Lueg und
Gerhard Richter, Möbelhaus Berges, Düsseldorf, Oktober 1963, Abb. Katalog S. 78; Möbelhaus Berges, Flingerstraße 11, Düsseldorf, fotografiert von Reiner Ruthenbeck, Abb. Katalog S. 45; René Block, 1965, von KP Brehmer, im Hintergrund Prinz Sturdza (1965) von Gerhard Richter, Abb. Katalog S. 114
Pop-Art bisweilen sehr unterschiedliche
Handschriften. Warhol und Lichtenstein ha-
ben so wenig miteinander gemein wie Ed
Ruscha von der Westküste Kaliforniens mit
Robert Rauschenberg oder dem Bildhauer
Claes Oldenburg.
Diesem Umstand hat die Kuratorin
Rechnung getragen, indem sie die Präsenta-
tion nach Städten gliederte. Die Schau be-
ginnt mit Düsseldorf, dem bedeutendsten
Zentrum des deutschen Pop. Von dort
stammt auch ihr Titel. »German Pop« ist
nicht etwa ein schickes Marketing-Label aus
dem Jahr 2014. Der Ausdruck geht auf den
Maler Gerhard Richter zurück, der damit im
April 1963 eine Ausstellung ankündigte, die
bezeichnenderweise nicht etwa in einer
Kunstgalerie stattfand, sondern in den Räu-
men einer ehemaligen Metzgerei. In diesen
Jahren war Düsseldorf mit seinen Konzern-
zentralen, Werbeagenturen und grenzenlo-
sen Einkaufsmöglichkeiten so etwas wie die
heimliche Hauptstadt des Wirtschaftswun-
derlandes. Jedenfalls besaß die Stadt ohne
Zweifel besonderen Drive. In der Ausstel-
lung werden einige sehenswerte Filme ge-
zeigt, einen davon hat Manfred Kuttner ge-
dreht – und die einzelnen Sequenzen so
schnell geschnitten, dass Düsseldorf wirkt
wie London oder New York.
Nach pulsierendem Großstadtleben se-
hen auch die Arbeiten von Ferdinand Kriwet
Die Deutschen waren nicht ganz so unbekümmert wie ihre
US-Vorbilder. Ein künstlerischer Mangel ist das nicht.
aus. Zum Beispiel im ersten Raum die bunt
flimmernde Installation »Neon-Text« in ih-
rem großen Plexiglaskasten. Für dieses Werk
hat der 1942 in Düsseldorf geborene Autodi-
dakt Dutzende von scheinbar zufällig zusam-
mengewürfelten Neonröhren so montiert,
dass sie einzelne Worte ergeben. Man entzif-
fert sie nur mit Mühe: »shoot« steht da etwa,
oder »Nine« und »Please«. Dem breiten Publi-
kum weitgehend unbekannt sind auch die
beiden anderen Künstler, denen die Kurato-
53
rin gleich am Eingang prominente Stellplät-
ze zugedacht hat. HP Alvermann, elf Jahre
älter als Kriwet und auch aus Düsseldorf, ist
mit dem Objekt »Der Unberührbare« vertre-
ten, einem Zahnarztstuhl, auf dem Hühner-
eier, ein Paar weiße Slipper und – an der
Kopfstütze – zwei Glasaugen ihre suggestive
Symbolkraft entfalten. Von Peter Brüning,
Jahrgang 1929, ist eine dreidimensionale, mit
Fantasieemblemen bemalte, ineinander ver-
wobene Autobahnlandschaft aus Blech aus-
gestellt. Ihr Titel: »Straßen über Straßen«.
Weitere Werke von HP Alvermann ha-
ben den humoristischen Geist der deutschen
Pop-Art konserviert: »Sugar in the morning«,
ein Waschbecken neben einer Zielscheibe
und dem Foto einer Nackten. Und das spöt-
tische »Denkmal für die Sozialdemokratie«,
 G E R M A N P OP

Bilder S. 54 5 - 8: Einladungskarte, Galerie René Block, 1964/65, Abb. Katalog S. 111; Thomas Bayrle, Bernhard Jäger und Uwe Schmidt, Plakat, 1968, Abb. Katalog S. 147; Popshop Pudding Explosion in Frankfurt am Main, 1968, Abb. Katalog S. 51; Eröffnung der Ausstellung Heimrad Prem, Lothar Fischer, Galerie van
Die Zentren der deutschen Pop-Art

de Loo, München, 1967, Abb. Katalog S. 186. Dabei gilt für Konrad Lueg, Reiner Ruthenbeck, KP Brehmer; Thomas Bayrle, Uwe Schmidt, Heimrad Prem, Lothar Fischer/alle VG Bild-Kunst, Bonn 2014
Berlin (West)
Der junge Galerist René Block (oben auf
einem Foto von KP Brehmer) kam 1964
aus dem Rheinland nach Berlin und
zeigte dort ab 1964 die Düsseldorfer
Pop-Künstler neben Berliner Kollegen
wie KP Brehmer, K. H. Hödicke, Herbert
Kaufmann oder Wolf Vostell. Ebenfalls
in der Mauerstadt arbeiteten
Hermann Albert oder Christa Dichgans
Düsseldorf mit Motiven der Pop-Ästhetik
Der »Kapitalistische Realismus« fand hier 1963 als
ein Begriff für die deutsche Variante der Pop-Art
durch die Aktion von Konrad Lueg und
Gerhard Richter im Möbelhaus Berges (oben)
weite Verbreitung. Die Düsseldorfer Künstler
besuchten gern das »Creamcheese«, einen Club,
der berühmt für die Projektionen des
Pop-Artisten Ferdinand Kriwet (g. o.) war
Frankfurt
Thomas Bayrle und der sehr jung an Krebs
verstorbene Peter Roehr wirkten in der
Bankenmetropole. Wichtig war beiden das
Serielle in ihren Arbeiten. Mit langen Reihen
von kleinen ähnlichen Motiven schufen
sie eine Factory-Anmutung à la Warhol

München
Hier hatte die Gruppe Spur um Lothar Fischer,
Heimrad Prem, Helmut Sturm und HP Zimmer ihr
Aktionszentrum. Das Bild oben zeigt die Vernissage
von Prem und Fischer 1967 in der Galerie van de Loo.
Weitere wichtige Protagonisten waren Uwe Lausen,
Reinhold Heller und Ludi Armbruster. Letztere
konzentrierte sich auf das Thema des Körpers

54
 bestehend aus Feuermelderschrank, behelm- merkt man noch am ehesten an den histori-
tem Gipskopf und dem Slogan »Wohlstand schen Publikationen, die im letzten Raum
für alle«. Überraschend, weil bisher so selten hinter der Münchner Abteilung mit Helmut
zu sehen, sind auch die poppigen abstrakten Sturms Collage oder den reizenden verspon-
Farbbahnen, die Winfred Gaul auf Sperrholz nenen Tonfiguren von Lothar Fischer in
malte. Eine dieser Arbeiten heißt »Sergeant Schaukästen präsentiert werden. Doch die
Pepper I« und erinnert an die pseudomilitä- Werke selbst erscheinen frisch und jugend-
rischen Hippie-Uniformen, wie sie die lich, fast so, als stammten sie von heute. Für
Beatles damals trugen. die Pop-Art-Künstler war die Trashkultur ih-
Erst nach dieser Parade der Unbekann- rer Zeit ein Jungbrunnen. Daran hat sich in
ten trifft man auf Künstler, mit denen man den letzten Jahrzehnten nicht so viel geändert.
hier eher gerechnet hätte: Sigmar Polke, Einige wenige Arbeiten sind auch noch
Bilder: Rudolf Nagel, Frankfurt am Main/Thomas Bayrle/MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main/VG Bild-Kunst, Bonn 2014; Hermann Albert/Galerie Poll Berlin/VG Bild-Kunst, Bonn 2014

Konrad Klapheck mit seiner Schreibmaschi- später entstanden, doch im Großen und Gan-
ne und Gerhard Richter. Von ihm hängt in zen endet der zeitliche Rahmen der Schau im
der Ausstellung ein Porträt der englischen Jahr 1968. Diese Zäsur wurde nicht willkür-
Königin, an dem die Unterschiede der deut- lich gesetzt. Folgt man der Argumentation
schen zur amerikanischen Pop-Art deutlich der Kuratorin Weinhart, war der deutsche
werden. Statt Elizabeth II. ein kräftiges Rosé, »Summer of Pop« kurz. Mit den Studenten-
Violett oder Blau zu verpassen, glimmt das unruhen wandelte sich das Klima unter den
Antlitz von Richters Queen in einem Farbton Künstlern. Eindeutige politische Parteinah-
zwischen fahlem Gelb und hellem Braun, als men waren nun gefragt. Manche schlossen
hätte sie ein schlechtes Sonnenstudio be- sich den Forderungen der Studenten an.
sucht. Bei den Deutschen ist Pop etwas ver- Manche schlugen neue Wege ein. Wie Ger-
haltener, verkopfter, politischer auch, so hard Richter, der anfing, abstrakt-gestische
scheint es, obwohl auch das Gegenteil Alle sind sauber: Thomas Bayrles Werk
Bilder mit seinen bloßen Händen zu malen.
stimmt: Wie Klapheck hegte auch Manfred »Ajax« (1966) spielt auf die massenhafte Andererseits: In seiner Nonchalance war das
Kuttner eine Faszination für Schreibmaschi- Verdrängung des Holocaust an. auch schon fast wieder – Pop! ×
nen – und strich eine von ihnen in den sei- Unten: Die leicht spießige Erotik der
nerzeit gerade erst auf den Markt gekomme- Wirtschaftswunderzeit persifliert Hermann »German Pop«, noch bis zum 8. Februar in der
nen Fluoreszenzfarben Grün und Pink. Alberts »Frau 7« aus dem Jahr 1969 Schirn Kunsthalle Frankfurt
An Spiel- und Experimentierfreude
fehlt es den Deutschen nicht. Sigmar Polke
bemalt ein Holzgitter rosa und nennt es ein
Bild. Christa Dichgans aus Berlin malt die
Spielsachen dann buchstäblich, als leblose
Haufen von fröhlich tristen Gummifröschen,
Seepferdchen, Modellautos und Strandbäl-
len vor einem die Augen blendenden, neutral
weißen Hintergrund. Der Frankfurter
Thomas Bayrle baut 1964 – kurz nach Beginn
der Auschwitzprozesse in seiner Heimatstadt
– ätzend komische Theaterkästen mit mecha-
nisch bewegtem Massenaufmarsch und Hit-
lergruß-Arm. Peter Roehr, ebenfalls aus
Frankfurt, schneidet identische Sequenzen
aus amerikanischen Werbefilmen aneinan-
der. So sieht man in einer Badewanne das
Wasser in Endlosschleife ablaufen. Und Mi-
chael Langer aus München, wie viele andere
gezeigte Künstler dem Vergessen entrissen,
schafft Gemälde wie »Bikini I« oder »Fußball-
fan«, beide aus dem Jahr 1967, bei denen er
das Morphen am Computer vorwegnimmt –
nur ohne Computer.
Darin besteht dann auch eine der er-
staunlichsten Leistungen dieser Ausstellung:
Dass die teilweise mehr als fünfzig Jahre al-
ten Werke in ihrer Auswahl und Zusammen-
stellung verblüffend aktuell wirken. In der
Lesart der Schirn hat die deutsche Pop-Art
keine Patina angesetzt. Wie viel Zeit seit ih-
rer Entstehung tatsächlich vergangen ist,

55
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SAMMLER
SEMINAR Nº 1 5

Vergoldete Bronzen
Bild: Michael Aust/CHristian Eduard Franke Kunsthandel, Bamberg

Entdecken und vertiefen Sie ein Sammelgebiet. Welches sind die Schlüsselwerke?
Wo wird man fündig? Was sagt der Markt? Plus: praktische Tipps und hilfreiche Adressen
Die nächste Folge: Blechspielzeug Zuletzt erschienen: Historische Karten

57
 S A M M L E R SE M I N A R
Leuchtende Zeitzeugen
Vergoldete Bronzen aus Frankreich erzählen von einer Epoche des unbändigen
royalen Luxus. Heute sind die klassizistischen Kandelaber, Vasen und Tafelaufsätze
ein glänzendes Sammelgebiet – und in der Wohnung ein Eyecatcher
VON
OL I V E R KÖN IG J E N S B Ö SE N B E RG
W
Wie so oft gab Paris auch hier den Ton an:
Die französische Hauptstadt war im 18. und
in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts das
unangefochtene Zentrum für die Herstel-
lung von vergoldeten Bronzen. Das betraf
die künstlerische Gestaltung wie die Beherr-
schung der Techniken. In Paris saßen aber
auch die potenten Auftraggeber für diese äu-
ßerst kostspieligen Gegenstände. Sie gehör-
ten zum luxuriösen Lebensstil der Grande
Nation, und vergoldete Bronzen traten von
hier ihren Siegeszug durch Europa an, bis
auch woanders – etwa in Wien, sogar in Ber-
lin – nach und nach Werkstätten mit durch-
aus qualitätvollen Produkten entstanden. An
den Pariser Standard kam man allerdings
nur selten heran.
Bis heute haben diese Werke nichts von
ihrer Faszination verloren. Waren sie einst
für klassizistische Raumdekorationen kon-
zipiert, lassen sie sich auch exzellent in Inte-
rieurs von heute integrieren, ja sogar mit zeit-
Tafelaufsatz mit drei Amoretten als Allego-
rie des Zephyr, Paris um 1820, im Mai 2011
bei Van Ham für 14 000 Euro zugeschlagen.
Vorige Seite: Zwei Deckelvasen, wohl von
Thomire, um 1820, unter den Hauben sind
Kerzenhalter, bei Franke für 23 000 Euro
58
FOTOS
Bilder: Van Ham Kunstauktionen, Köln; Foto: Jens Bösenberg/Styling: Thomas Rook, Tony Cragg/VG Bild-Kunst, Bonn 2014
genössischer Kunst kombinieren. Ihre
einstige Funktion als Beleuchtung oder fest-
liche Tafeldekoration ist heute nicht mehr
unbedingt maßgeblich – es sind skulpturale
Kunstwerke von ganz eigenem ästhetischen
Reiz, die sich in jeder Umgebung behaupten.
Die Entwicklung der Kandelaber, Gi-
randolen, Kerzenhalter, Lüster, Wandleuch-
ter, Kaminböcke oder Kratervasen als gän-
gigste Typen dieser Dekoration begann schon
Ende des 17. Jahrhunderts, nachdem die
Steuern auf Edelmetalle erhöht und schließ-
lich der private Besitz von Gold und Silber
verboten wurden. Die große Gruppe der Uh-
ren aus vergoldeter Bronze – Pendulen und
Wanduhren – bleibt hier unbehandelt, da die
weltkunst diesem Thema unlängst ein
Sammlerseminar gewidmet hat
Der Klassizismus entwickelte sich in
Frankreich seit der Zeit um 1760 mit dem
Louis-XVI-Stil und war eine Reaktion auf die
damals als schwülstig empfundenen Formen
des Rokoko. Man kehrte zurück zur gerad-
linigen klaren Formensprache der antiken
griechischen und römischen Vorbilder. Die
Übergangszeit in Frankreich, die »Transition«,
vereinte über den Zeitraum von etwa zehn
Jahren die Formgebung und Stilelemente des
Rokoko und des beginnenden Klassizismus.
Vergoldete Bronzen machen sich auch
gut in einem modernen Ambiente. Das
Brûle-parfum auf dem Hocker rechts,
Paris um 1800, rief kürzlich die Villa
Grisebach auf, wir setzten es in der
Berliner Wohnung des Galeristen Alfred
Kornfeld in Szene. Skulptur: »Der
Fremde« von Stella Hamberg, an der
Wand »Frühling« von Natela Iankoshvili

Dies schlug sich jedoch in den Bronzearbei­
ten kaum nieder, anders als bei den Transi­
tion­Möbeln, die in Frankreich große Bedeu­
tung und Verbreitung erlangten. Beliebte
griechische Stilelemente des frühen Klassizis­
mus waren das Akanthusblatt, Lorbeer, Perl­
und Eierstab, Wellenbänder und ­friese,
Zahnfriese und Girlanden. Der frühe Louis­
XVI­Stil wird daher auch als gôut grec (grie­
chischer Geschmack) bezeichnet.
Zu diesen Komponenten kamen später
aus der etruskischen Kultur entlehnte Motive.
Der gôut étrusque, auch »Groteskenstil« ge­
nannt, bevorzugte neben der gerollten Akan­
thusranke vor allem Füllhörner, Blatt­ und
Blütengehänge, florale Girlanden und Dar­
stellungen wie Faune, Hermen, Satyrn oder
Sphingen. Gegen Ende der Louis­XVI­Epo­
che erreichte die Qualität der vergoldeten
Bronzen in Paris ihren ersten Höhepunkt.
Auffällig ist der zunehmende Einsatz von
Marmor in Kombination mit Bronze. Der
Stein wurde dann vor allem für den Sockel
oder einen Korpus, etwa eine Urne, benutzt.
In diesem Zeitraum um 1760–90 wur­
den nur wenige Arbeiten signiert. So mar­
kierten die Bronzeure Osmond, Martincourt
und Saint­Germain ihre Arbeiten mit einem
Schlagstempel, Caffiéri mit einer Gravur.
Auch die Meister Pajot, Thomire, Turpin so­
wie Prieure kennzeichneten ihre Werke. Die
Signaturen sind allerdings, und dies gilt für
den gesamten Klassizismus, mit äußerster
Vorsicht zu genießen. Viele Marken sind ge­
fälscht, nur wenige Stücke wurden tatsäch­
lich von ihren Urhebern signiert.
Nach der Revolution
Das Ancien Régime mit seinem höfischen
Prunk ging 1789 in der Französischen Revo­
lution unter. Nun fehlten auf einmal die
Auftraggeber und Abnehmer der teuren,
spektakulären Bronzearbeiten. Zahlreiche
etablierte Werkstätten mussten schließen. Es
folgte das »Directoire« (1795–99), abgelöst
vom »Consulat« (1799–1804) mit Napoleon
Bonaparte als Erstem Konsul. Während das
1
S A M M L E R SE M I N A R
1 Louis-XVI-Kaminbock nach Entwurf von
Jean-François Forty, als Paar bei Röbbig
für 80 000 Euro 2 Kandelaber aus vergol-
deter und dunkel patinierter Bronze,
Pierre-Philippe Thomire zugeschrieben,
Directoire-Zeit, um 1800. La Pendulerie
(Paris) bietet das Paar an 3 Ägyptisieren-
der Tafelaufsatz von Thomire, Paris um
1815. Mit seinem Gegenstück erzielte
er bei Schloss Ahlden 35 000 Euro
– nicht zu unterschätzen – an der Auflösung
1789 vorzüglich ausgebildet, arbeiteten in di­
2
60
Directoire einen Übergangsstil darstellt, ist
spätestens Ende des 18. Jahrhunderts ein
deutlich strengerer Stil bei den Bronzearbei­
ten erkennbar. Die von Napoleons Ägypten­
feldzug 1798/99 mitgebrachten Motive wie
Obelisken, Pharaonenköpfe oder stilisierte
Löwen finden sich auch bei den vergoldeten
Bronzearbeiten wieder.
Mit Napoleons Kaiserkrönung 1804 be­
ginnt das »Empire«, die Ästhetik dieser Zeit
ist unbestreitbar mit der Person des Herr­
schers verbunden. Schon 1799 hatte er
Charles Percier und Pierre­François­Léonard
Fontaine zu seinen offiziellen Architekten
ernannt, was maßgeblichen Einfluss auf die
Interieurs und den Wohnstil der Epoche hat­
Bilder: Röbbig München; La Pendulerie, Paris; Kunstauktionshaus Schloss Ahlden; Ralph Gierhards Antiques/Fine Art, Düsseldorf
te. Die Kunst der vergoldeten Bronzen er­
reichte nun ihren zweiten Höhepunkt, die
Qualität der Herstellung und Bearbeitung
nahm noch einmal deutlich zu. Das lag si­
cherlich an den weiter verbesserten Werkzeu­
gen und Fertigungsmöglichkeiten, aber auch
des Zunftsystems, das mit dem Ancien Ré­
gime untergegangen war. Die ganze Produk­
tion konnte nun unter einem Dach stattfin­
den; die verschiedenen Handwerker, vor
rektem Kontakt miteinander. Der herausra­
gende Bronzeur dieser Epoche war Pierre­
Philippe Thomire (1751–1843). Bis zu 700
Arbeiter beschäftigte er in seiner Manufak­
tur, und er war damals der einzige, der seine
Arbeiten signierte: mit einem Schlagstempel
am Sockel der Objekte.
3
Zwei Louis-XVI-Briefbeschwerer (»Presse-
papiers«), Paris um 1780, bei Ralph
Gierhards in Düsseldorf für 29 000 Euro
Die Kombination von Marmor und vergol-
deter oder patinierter Bronze blieb weiter
in Mode. Im Spät-Empire (um 1820–40),
auch »Restauration« oder »Charles X«
(nach dem Bourbonenkönig Karl X.) ge-
nannt, wurden die Arbeiten wieder etwas
verspielter. Zu dieser Stilepoche gehört die
Verwendung eines sehr auffälligen gelben
Marmors, dem giallo antico, der farblich
sehr gut zu den damals beliebten, mit
Zitronenholz furnierten Möbeln passte.
Dieser Marmor wurde häufig auch mit pa-
tinierter Bronze kombiniert, um den Kon-
trast zwischen den Materialien zu erhöhen.
Ohnehin wurden nun mehr Bronzepar-
tien zwischen den Feuervergoldungen pa-
tiniert als zuvor.
Obwohl nur wenige Bronzen signiert
wurden, lassen sich doch viele von ihnen
zuordnen, vor allem durch Stiche und Ent-
wurfszeichnungen. Zuweilen fanden sich
auch Inventarverzeichnisse einzelner
Bronzeure. Als die noch im Ancien Ré-
gime ausgebildeten Handwerker nach und
nach ausstarben, nahm auch die Qualität
der Ausführung deutlich ab. Während
man aus der Zeit um 1830/40 noch viele
hochwertige, handwerklich exzellente
Werke findet, gelingt dies in den Jahrzehn-
ten danach nur in Ausnahmefällen.
Guss, Ziselierung, Politur
Der Herstellungsprozess für ein vergolde-
tes Bronzeobjekt im Klassizismus ist äu-
ßerst komplex. Am Anfang steht ein Ent-
wurf, dieser kann von einem Bildhauer,
Zeichner oder Architekten stammen.
Nach deren Konzept fertigt ein Bildhauer
ein Modell aus Gips, Wachs oder Holz.
Der nächste Arbeitsschritt ist der Guss in
Bronze, als Ganzes oder in Teilen. Der Gie-
ßer bedient sich dabei zweier Verfahren:
Mit dem Sandguss werden eher einfache
und glatte Formen hergestellt, mit dem
deutlich arbeitsaufwendigeren, kom-
plizierteren Wachsausschmelzverfahren
meist alle anderen Teile. Anschließend
werden die Gusskanäle entfernt, die An-
schlussstellen überarbeitet, Fehlstellen re-
pariert und die Oberfläche geglättet – die-
se Arbeiten übernimmt der Reparateur.
Danach gestaltet der Ziseleur die Bronze-
oberfläche mit Sticheln, Ziseliermeißeln,
Punzen, Feilen und kleinen Hämmern.
Diese äußerst diffizile und zeitaufwendige
Tätigkeit erforderte höchste Präzision und
Kunstfertigkeit, die Ziselierung entschei-
det maßgeblich über die Ausdrucksfähig-
keit des Bronzeobjekts.
Für das Finish sorgt der Vergolder
(Doreur). Die einzelnen Bronzestücke wer-
den dort, wo sie vergoldet werden sollen,
mit einem Gemisch aus Gold und Queck-
silber bestrichen. Die Partien, die bronze-
sichtig bleiben, erhalten einen Schutz aus
Kreidepaste. Nun wird das so präparierte
Objekt ins Feuer gehalten, das Quecksilber
verdampft und das Gold setzt sich auf der
Oberfläche ab. Je nach Zusammensetzung
und Verfahren entstehen unterschiedliche
Goldtöne: die gängigen Gelbnuancen,
rote Valeurs, aber auch grünliche Varian-
ten. Durch entsprechende Oberflächenbe-
handlung lässt sich Mattgold erzielen, das
dient oft dazu, um bestimmte Elemente,
etwa figurale Darstellungen herauszuhe-
ben. Die Vergoldung kann wiederholt wer-
den. Oft werden die Front und die Figuren
mehrmals vergoldet, während die Seiten-
und Rückenteile nur eine Schicht erhalten.
Das zeigt sich heute, wenn die dünneren
Partien Abriebstellen aufweisen. Die bei
der Feuervergoldung entstehenden Queck-
silberdämpfe waren übrigens so schädlich,
dass den Handwerkern ein kurzes Leben KUNSTHALLE % Zur Ausstellung ist ein
Lange Straße 35 reich bebilderter Katalog
und meist ein qualvoller Tod bevorstan- 74523 Schwäbisch Hall im Swiridoff Verlag
Fon +49 791 94672- 0 erschienen.
den. Erst 1818 erfand der Leiter der Pariser www.kunst.wuerth.com
Münze, Jean Pierre Joseph d’Arcet, einen
Christian Schad, Alle Aktivitäten der
Ofen, in dem sich die giftigen Dämpfe ab- Sonja (Detail), 1928 Kunsthalle Würth sind
Staatliche Museen zu Berlin, Projekte der Adolf Würth
führen ließen. Nationalgalerie. Erworben GmbH & Co. KG.
Als letzter Arbeitsschritt werden die durch den Verein der Freunde
der Nationalgalerie aus den
nicht ziselierten Flächen mit einem Achat-
stift (auch Achatstab) oder einem Polier-
Mitteln der Stiftung von Inge-
borg und Günter Milich, Berlin.
© Christian Schad Stiftung
[]
Aschaffenburg /
stahl zum Glänzen gebracht. Auch wenn VG Bild-Kunst, Bonn, 2014
viele dieser Werke wie aus einem Guss Foto: bpk/Jörg P. Anders
wirken, bestehen sie oft aus zahlreichen
61
In der Wohnung Kornfeld mischt sich eine
antikisierende Amphore, Paris um 1800,
unter küssende Männer von Wolfgang
Tillmans und ein monumentales Bild von
Anselm Kiefer. Mit ihrem Gegenstück er-
zielte die vergoldete und patinierte Bronze
bei Grisebach 8250 Euro (inkl. Aufgeld)

Teilen. Zum Schluss müssen sie noch zusam-
mengebaut werden; dies übernimmt oft ein
eigener Handwerker, der Monteur. Die Qua-
lität einer vergoldeten Bronze ergibt sich also
aus ganz unterschiedlichen Komponenten:
Entwurf, Modell, Guss, Ziselierung, Vergol-
dung, nicht zuletzt die Raffinesse bei der
Aufteilung in Einzelelemente. Hinzu kommt
der Detailreichtum: An guten feuervergolde-
ten Bronzen entdeckt man immer wieder
neue Einzelheiten, auch dies ein Grund für
die Faszination dieser Objekte.
Neben den genannten gängigen Typen
wurden auch Skulpturen und selbst ganze
Möbel wie Guéridons (elegante Beistelltisch-
Bilder: Foto: Jens Bösenberg/Styling: Thomas Rook; Lempertz, Köln; Antike Uhren O. König, Köln; Kunsthandel Peter Mühlbauer, Pocking
chen) aus vergoldeter Bronze hergestellt.
Häufiger trifft man »Körbe« an. Meist als
Paar produziert, besitzen sie einen Fuß mit
einer Bronzemontierung, darauf ein Gefäß,
das oft aus Glas besteht. Ebenfalls als Paar
üblich sind Räuchergefäße, die sogenannten
Brûle-parfums. Ein weiterer gebräuchlicher
Typ ist der Tafelaufsatz. Viele stammen aus
der Produktion Thomires, der offensichtlich
auf die Herstellung dieser Tischdekoration
spezialisiert war. Sie kann aus Körben, Eta-
geren oder Kerzenleuchtern bestehen, diese
wurden auf die tablettartigen surtouts de table
gestellt: plattenartige Unterbauten, meistens
mit einem Spiegel belegt und balustraden-
artig umrandet. Große Surtouts sind immer
mehrteilig.
Marktentwicklung und Pflege
Die Preise für vergoldete Bronzearbeiten wa-
ren in der Louis-XVI-Zeit, aber auch im Em-
pire exorbitant hoch, im Vergleich zu heute
kosteten sie ein Vielfaches, teilweise 300 bis
400 Mal mehr. So erzielte beispielsweise der
Dreifuß von Pierre Gouthière, heute in der
Londoner Wallace Collection, 1782 auf einer
Auktion eine Summe, die heutzutage rund
450 000 Euro entspricht. Auch einfachere Ar-
beiten, etwa ein Paar Kandelaber, kosteten
damals den Gegenwert von 100 000 Euro.
Das ist heute anders. Zwar können Spit-
zenstücke wie zwei im Dezember 2011 bei
Koller in Zürich versteigerte Prunkgirando-
len von François Rémond mit Aufgeld im-
mer noch 340 000 Franken erreichen. Meist
bleiben die Taxen allerdings im niedrigen
fünfstelligen Bereich. Einfache Kerzenhalter
in guter Qualität und originaler Vergoldung
erhält man im Kunsthandel bereits für unter
2000 Euro, Paare kleinerer Kandelaber kos-
ten teilweise auch nicht mehr als 10 000 Euro.
Insgesamt haben die Preise in den vergange-
nen Jahren zwar etwas nachgegeben, ein Ver-
fall, wie man ihn leider momentan bei Mö-
beln aus der gleichen Epoche erlebt, ist für
diese faszinierenden Stücke allerdings nicht
zu verzeichnen.
1
S A M M L E R SE M I N A R
Wie immer bei Kunst und Antiquitäten er-
fordert das Erkennen von originalen feuer-
vergoldeten Bronzen einige Erfahrung. Man
sollte daher beim Kauf den Fachmann hin-
zuziehen. Einige Kriterien seien dennoch ge-
nannt: Ein Bronzeguss aus dem Klassizismus
ist innen rissig. Kandelaber oder Tafelaufsät-
ze wurden immer mehr oder weniger be-
nutzt, so gehören zu einer originalen Feuer-
vergoldung eigentlich stets Gebrauchsspuren.
Ist dies nicht der Fall, sollte man gewarnt
sein und das Objekt gründlicher untersu-
chen. Gute authentische Anschauungsobjek-
1 Wohl aus Birmingham stammt die Urnen-
vase aus Halbedelstein und vergoldeter
Bronze, um 1770/80. Als Paar erzielte sie
bei Lempertz 12 810 Euro 2 Kandelaber
»Aux victoires«, Paris um 1810/20, mit Pen-
dant bei Antike Uhren König in Köln für
9500 Euro 3 Der elegante Bronzetisch von
Thomire kostet bei Mühlbauer 115 000 Euro
2
63
te hierzu findet man zum Beispiel im Musée
Marmottan Monet in Paris.
Manchmal ist es selbst für geschulte
Augen schwierig, eine Oberfläche richtig ein-
zuschätzen. Denn es gibt mittlerweile Ver-
goldungsmöglichkeiten, die mit der an-
schließenden Patinierung und Imitation von
Gebrauchsspuren hervorragende Ergebnisse
erreichen, sodass das Original fast nicht
mehr von der Fälschung oder Reproduktion
unterschieden werden kann. Die Montie-
rung der Objekte erfolgt mit Schrauben,
Muttern und Gewindestangen. Diese wur-
den zum größten Teil handgefertigt. Selbst-
verständlich wurden noch keine metrischen
Gewinde verwendet.
Die vergoldeten Bronzeobjekte sollten
immer mit Baumwollhandschuhen ange-
fasst werden, die Hände hinterlassen sonst
Abdrücke, die nur schwerlich wieder ent-
fernt werden können. Der Standort muss
trocken sein, da Feuchtigkeit mit der Legie-
rung reagieren kann, dann kommt es zu un-
schönen Oxidationsprozessen. Die Reini-
gung feuervergoldeter Kunstwerke sollte
erfahrenen Fachleuten überlassen werden.
Das Objekt muss hierfür ohnehin zerlegt
werden, da die Reinigungsflüssigkeit an-
sonsten in Fugen und Aussparungen
laufen würde und dieses nicht getrocknete
Gemisch mit der Zeit ausblühen würde. Un-
bedingt abzuraten ist von haushaltsübli-
chen Polituren. Sie enthalten allesamt feine
Schleifpartikel, welche die Feuervergoldung
unwiederbringlich abreiben.
Alles in allem sind diese herrlichen
Kunstwerke aber unkompliziert. Sie glänzen,
leuchten und schimmern und erzählen in
ihren aufwendigeren Beispielen ganze Ge-
schichten. Sie zeugen von einer Epoche, die
uns fern geworden ist und passen sich doch
bestens unserem Leben an. ×
3

Wie wird der Kandelaber zur Girandole, was unterscheidet Punzierung und Ziselierung,
was wurde aus dem antiken Dreifuß? Ein kleines Lexikon der vergoldeten Bronzen
Applike
Allgemein handelt es sich hierbei
um eine aufgesetzte Dekoration.
Die Bronzeure stellten diverse
Appliken zur Dekoration der Möbel
her (Beschläge). Sehr häufig werden
auch an der Wand angebrachte
Kandelaber so genannt.
Bronze
Bronze ist eine Legierung, der
Hauptbestandteil ist Kupfer (60 bis
über 90 %), hinzu kommen Zinn,
Zink und Blei. Die bis heute
wichtigsten Gießverfahren sind der
Sandguss und das Wachsaus-
schmelzverfahren.
Brünierung/Patinierung
Die beiden Begriffe werden in der
deutschsprachigen Fachliteratur oft
synonym verwendet. Man erzielt
bei vergoldeten Bronzen damit
einen Kontrast zwischen den
andersfarbigen dunklen Teilen und
den vergoldeten Partien. Dabei
werden die Bereiche, die nicht
vergoldet, sondern später brüniert/
patiniert werden sollen, abgedeckt,
meist mit einer Kreidepaste. Bei der
Patinierung werden diese nach der
Vergoldung mit einer oder
mehreren Farbschichten gestaltet,
PUNZIERUNG Die Ornamente auf den
Flügeln des Knaben sind punziert.
Der ganze Tafelaufsatz auf Seite 58
S A M M L E R SE M I N A R
Glossar
die Farbtöne reichen dabei von
grün über braun bis schwarz. Die
Brünierung (der Begriff kommt aus
dem französischen brunir für
bräunen) ist eine Behandlung mit
Säuren oder Laugen. Das Objekt
wird dabei nicht beschichtet,
sondern als Schutz oxidiert.
Dreifuß
Bei Ausgrabungen in Pompeji und
Herculaneum fand man 1780
mehrere dreibeinige Bronzegestelle
für Gefäße. Möbelbauer und
Bronzierer des Klassizismus nutzten
sie als Vorbilder. Aus dem antiken
Dreifuß entwickelten sie unter
anderem Räuchergefäße (Brûle-
parfums) oder auch Körbe als
Tafeldekoration. Der Dreifuß aus
Herculaneum befindet sich heute
im Nationalmuseum in Neapel.
Girandole
Unter Girandolen versteht man
Kandelaber, die zu groß waren,
um sie auf dem obligatorischen
Kamin zu platzieren. Die fast
immer als Paare auftretenden
Girandolen fanden auf Tischen,
Konsolen, Kommoden oder
anderen halbhohen Möbeln ihren
Platz. Der französische Begriff
Girandole wird in Frankreich
häufig gar nicht verwendet, dort
spricht man dann ausschließlich
von Kandelabern.
Kandelaber
Mehrflammige Kerzenhalter, die
sich meist aus einer zentralen Säule
in mehreren Armen verzweigen. Sie
wurden ebenfalls meist als Paare
hergestellt, es existieren aber auch
ganze Sätze gleicher Kandelaber.
Kerzenhalter
Einflammiger Kerzenleuchter.
Pendule
Das französische Wort hat sich
international durchgesetzt.
64
APPLIKE Frankreich nach 1800, als Paar
im Dezember von Bonhams bei
taxierten 30 000 Pfund aufgerufen
Gemeint ist eine Pendeluhr, die sich
auf ein Kaminsims, aber auch auf
Konsolen oder Kommoden stellen
lässt. Im 18. und frühen 19. Jahr-
hunderts wurden häufig fantasie-
volle skulpturale Gebilde daraus.
Bei der Raumdekoration spielten
sie eine wichtige Rolle, folglich
auch bei der Gattung der ver-
goldeten Bronzen. Der Anteil der
Uhren an Bronzearbeiten im
Klassizismus ist schwierig zu
schätzen, dürfte aber wohl über
25 Prozent liegen. Die Rolle des
Uhrmachers bei der Entstehung
einer Pendule wird oft
überschätzt. Tatsächlich
war er äußerst selten
Auftraggeber oder
Initiator einer solchen
Arbeit, und sein Salär
betrug nur etwa
10 Prozent vom Ge -
samtpreis. Die zweite wichtige
Gruppe von Uhren des
Klassizismus aus vergoldeter
Bronze sind die Carteluhren.
Diese Wanduhren wurden aber
bei Weitem nicht in so großer
Zahl hergestellt wie die Pendulen.
PATINIERUNG Louis-XVI-Kande-
laber, mit Pendant erzielte er bei
Koller im Mai 156 000 Franken
Punzierung
Unter einer Punzierung versteht
man die Prägung in Metall oder
Leder. Mit den meist aus Metallstif-
ten bestehenden Punzen lassen sich
auch komplexe Muster in den
Gegenstand arbeiten, beispielsweise
ein Blattfries der Sockelleiste.
Bilder: Bonhams; Van Ham Kunstauktionen, Köln; Koller Auktionen, Zürich
Vergoldung
Die beiden klassischen Vergol-
dungsverfahren für Bronze sind die
Feuervergoldung und die galva-
nische Vergoldung. Die Feuerver-
goldung basiert auf einem Gemisch
aus Quecksilber und Gold, welches
auf die Bronze aufgetragen wird
und anschließend im Ofen oder im
Feuer erhitzt wird. Dabei verflüch-
tigt sich das Quecksilber, das Gold
schlägt sich auf dem Objekt nieder.
Die entstehenden Dämpfe waren so
giftig, dass die Arbeiter einen
qualvollen und frühen Tod erlitten.
Die galvanische Vergoldung ist
die heute am häufigsten angewen-
dete Methode. Die Objekte werden
dabei in ein Goldelektrolyt
getaucht, durch elektrische
Spannung scheidet sich das Gold
auf der Oberfläche ab. Diese
Methode sorgt für eine gleichmä-
ßige Vergoldung. Bei galvanischer
Restaurierung einer historischen
Feuervergoldung geht der
ursprüngliche Charakter
vollständig verloren.
Ziselierung
Von der Punzierung nicht
immer eindeutig zu
unterscheiden. Wie diese ist die
Ziselierung kein spanabhebendes
Verfahren. Das Metall wird
getrieben oder gedrückt, auch
hier werden Hammer und
diverse Punzen eingesetzt.
Hinzu kommen allerdings noch
weitere Feinwerkzeuge, wie
Feilen, Meißel oder Stichel.
Ziselierung ist meist aufwen-
diger als die Punzierung.

Weltkunst-Tipp
Versichert ist,
was im Vertrag steht
Timo Kreitmair ist Sales & Development Underwriter bei Hiscox
In Herbst und Winter finden
traditionell zahlreiche be-
kannte und wichtige Kunst-
messen statt – viele Sammler
nutzen diese Zeit des Jahres,
um sich intensiv mit dem
Kunstmarkt zu befassen und
auf Messen auch das ein
oder andere neue Stück für
die Sammlung zu erwerben.
Damit die Freude über den
Neuerwerb in jedem Fall un-
getrübt bleibt, lohnt es sich,
zum Jahresende auch stets die
eigenen Versicherungsverhält-
nisse zu überprüfen. Denn
ganz gleich ob Hausrat, Old-
timer oder Kunstversicherun-
gen: Einmal im Jahr sollten
die Versicherungssummen mit
dem tatsächlichen Bestand
abgeglichen werden, damit es
im Schadenfall nicht zu einem
Fiasko kommt.
Die Hiscox-Policen „Haus &
Kunst“ sowie „Fine Art“ ent-
halten beispielsweise bereits
eine Vorsorge von 25 Prozent
der Versicherungssumme für
das laufende Jahr. Doch liegt
ein Vertrag schon jahrelang
unverändert in der Schub-
lade, könnte der Wert der
Sammlung die ursprünglich
abgeschlossene Versicherungs-
summe inzwischen deutlich
übersteigen. Und insbesonde-
re bei größeren Erwerbungen
ist es sinnvoll, diese zeitnah
Advertorial
bei der Versicherung zu
melden, sonst wird ein Scha-
denfall schnell zur Katastro-
phe für den Sammler.
Mit einem weiteren Blick
ins Vertragswerk sollte am
besten schon vor neuen An-
schaffungen geprüft werden,
ob Transporte mitversichert
sind. Denn grundsätzlich ist
es wichtig, dass jeder Kunst-
transport versichert ist – und
zwar „von Nagel zu Nagel“
– damit das neue Stück auch
sicher nach Hause gelangt.
Hiscox gewährleistet diesen
Schutz weltweit im Rahmen
von Allgefahren Kunstver-
sicherungen oder auch als
Bestandteil von Allgefahren
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lung gerne beratend zur Ver-
fügung.

Wie kann man sein Auge schulen? Wo kann man vergoldete Bronzen kaufen? Wer gibt
fachkundig Auskunft? Ein Führer zu Institutionen, Händlern und Auktionen
Schauen
Klassizistische Bronzen aus
Frankreich lassen sich natürlich am
besten in Paris studieren. Das
Musée des Arts décoratifs bietet
eine umfassende Sammlung
vergoldeter Bronzen, auch das
Musée Marmottan Monet besitzt
eine sehr schöne Kollektion. In
London zeigt die Wallace Collection
neben ihrem berühmten Bestand
von Boulle-Möbeln auch etliche
Bronzeobjekte, darunter solche aus
dem Louis XVI und dem Empire.
Lohnend ist die Reise nach Madrid.
Dort lässt sich im Spanischen
Nationalmuseum eine stattliche
Anzahl von Arbeiten aus vergol-
deter Bronze bestaunen. Bedeutend
ist hier vor allem die Pendulen-
sammlung, klassizistische Exem-
plare nehmen den Hauptteil der
Ausstellung ein. In den deutschen
Schlössern und Museen steht
naturgemäß der hiesige Klassizis-
mus im Vordergrund, aber etwa das
soeben wiedereröffnete Kunstge-
werbemuseum in Berlin präsentiert
in seiner Dauerausstellung auch
einige Empire-Stücke aus Paris.
Kaufen
In Deutschland bietet eine ganze
Reihe von Kunst- und Antiquitäten-
händlern auf hohem Niveau
vergoldeten Bronzen an, nicht nur
des deutschen Klassizismus,
sondern auch aus den Pariser
Werkstätten des Louis XVI und des
Empire. So etwa Röbbig in
München, Schmitz-Avila in Bad
Breisig, Ralph Gierhards in
Düsseldorf, Oliver König in Köln,
Otto von Mitzlaff in Wächtersbach
oder Mühlbauer in Pocking.
Franke in Bamberg verfügt immer
über ein exzellentes Angebot von
Bronzen, aber auch bei Senger,
Härtl und anderen Händlern in der
S A M M L E R SE M I N A R
Gewusst, wo
Empire-Inszenierung des Pariser Händlers Steinitz auf der Brafa in Brüssel
längst nicht mehr heimlichen
Antiquitätenhauptstadt Bamberg
wird man fündig. Am ergiebigsten
ist natürlich die Reise nach Paris.
Im Antiquitätenviertel Rive Gauche
und vor allem in der noblen Rue
du Faubourg Saint-Honoré kann
man im Louis XVI und Empire
regelrecht schwelgen. Da ist der
große Generalist Steinitz zu nennen,
aber auch der Uhren- und
Bronzenspezialist Christophe
Guerin (La Pendulerie) oder Pascal
Izarn offerieren eine spektakuläre
Auswahl von Kandelabern,
Kaminböcken und Pendulen. In der
Schweiz ist Richard Redding
(Madetswil-Gündisau) als Spezialist
für Großuhren und außergewöhn-
liche vergoldete Bronzen bekannt.
Viele der genannten Händler sind
regelmäßig auf den einschlägigen
Kunstmessen anzutreffen. Die Tefaf
in Maastricht ist da immer noch
unangefochten die erste Adresse,
gefolgt von der alle zwei Jahre
stattfindenden Biennale des
Antiquaires im Pariser Grand Palais
oder der Brafa in Brüssel. Aber auch
auf der Highlights und der
Postpalast-Messe in München
66
sowie anderen guten deutschen
Kunstmessen wird man auf ein
mehr oder weniger großes Angebot
an qualitätvollen Bronzen stoßen.
Bieten
Auktionshäuser, die auf vergoldete
Bronzen spezialisiert sind, gibt es
nicht. Aber die renommierten
Versteigerer bieten regelmäßig eine
gute Auswahl an Bronzearbeiten
dieses Typs an. Bei Lempertz und
Van Ham in Köln ist auf den
Die französische Empire-Pendule
»Wagen des Telemach« erzielte im
Oktober im Dorotheum 27 500 Euro
Kunstgewerbeauktionen stets etwas
dabei, ebenso im Dorotheum in
Wien oder in Zürich bei Koller, wo
die französische Wohn- und
Raumkunst mit oft spektakulären
Objekten vertreten ist. Auf der
»Orangerie«-Auktion der Villa
Grisebach in Berlin wurden im
November einige bedeutende
Bronzen des französischen und
deutschen Klassizismus aufgerufen.
Hinzu kommen natürlich die
internationalen Auktionshäuser
Sotheby’s, Christie’s und Bonhams,
die sich vor allem im oberen
Preissegment engagieren.
Bild: Steinitz, Paris
Lesen
Daniel Alcouffe u.a.: Les bronzes
d’ameublement du Louvre, Editions
Faton, 2004, 49 Euro: die vergol-
deten Bronzen im Louvre von
Ludwig XIV. bis um 1860, sehr
schön bebildert, auch als englische
Ausgabe erschienen.
Marie-France Dupuy-Baylet:
L’heure. Le feu. La lumière. Les
bronzes du mobilier national
1800–1870, Editions Faton, 2010,
76 Euro: verzeichnet die Bronzen
im Besitz des französischen Staates,
vor allem Empire, exzellente Fotos.
Hans Ottomeyer/Peter Pröschel:
Vergoldete Bronzen. Die Bronzear-
beiten des Spätbarock und
Klassizismus, 2 Bände, Klinkhardt
& Biermann,1986, nur antiquarisch
(sehr teuer): das Standardwerk
schlechthin, reich bebildert und
sehr gründlich, systematische
Erfassung von Stichvorlagen.
Pierre Verlet: Les bronzes dorés
français du XVIIIe siècle, Picard,
2003, 105,50 Euro: thematisch und
nicht chronologisch geordnet, als
eine weitere Besonderheit werden
auch Restaurierung und Pflege der
Bronzen berücksichtigt.
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 Macht der Schönheit
Helena Rubinstein war nicht nur die Gründerin eines Kosmetikimperiums,
sondern auch eine höchst eigenwillige Kunstsammlerin

VON
BA R BA R A KU TSCH ER

70
 H E L E N A RU BI N S T E I N

M
Bilder: George Maillard Kesslere/Helena Rubinstein Foundation Archives, Fashion Institute of Technology, SUNY, Gladys Marcus Library, Special Collections; The Estate of David Hicks

Mehrere Tage brauchte es Ende April 1966,

bis die riesige Kunstsammlung von Helena
Rubinstein in alle Winde zerstreut war. Di-
cke Kataloge verzeichneten Skulpturen, Gra-
fik und Malerei der Moderne, französische
Möbel und Kunsthandwerk. Ihr kostbarer
Schmuck war schon im Jahr zuvor versteigert
worden. Der Besitz der Prinzessin Gourielli,
wie sie sich nach ihrer zweiten Heirat mit ei-
nem 23 Jahre jüngeren dubiosen georgischen
Adligen gerne nannte, brachte dem New Yor-
ker Auktionshaus Parke-Bernet 2,958 Millio-
nen Dollar ein. In heutiger Kaufkraft sind
das 21,73 Millionen Dollar. Ganz besondere
Aufmerksamkeit erregte Rubinsteins afrika-
nische und ozeanische Kunst, die, in zwei
Katalogen aufbereitet, schon allein über
600 000 Dollar einspielte. Noch heute ist die
Versteigerung ein oft zitierter Meilenstein für
das Sammelgebiet der Tribal Arts.
Die Kosmetikkönigin hatte schon früh,
im Jahr 1909, begonnen, afrikanische und
ozeanische Stammeskunst als bildende
Kunst zu sammeln. Das war ungewöhnlich,
denn zu dieser Zeit wurde außereuropäische
Kunst vor allem im anthropologischen Kon- flussreichen Pariser Pionierhändler für Stam- York über. Hier boomte das Geschäft mit der
text betrachtet. Aber die selbstbewusste Ge- meskunst und Freund der Surrealisten, er- Schönheit. Durch den Glamour der Filmin-
schäftsfrau schätzte nach eigenen Angaben worben. Bei der Rubinstein-Auktion dustrie wurde dekorative Kosmetik, vor al-
»den wahren ästhetischen Wert und die selt- kletterte die »Queen« auf den Rekordpreis lem Lidschatten und Wimperntusche, popu-
same Schönheit, die nicht weniger interes- von 29 000 Dollar. Beim nächsten Marktauf- lär. Rubinstein brachte als Erste zähflüssige
sant sind als die konventionelleren, lange ak- tritt im Jahr 1990, als sie von der Sammlung Mascara in einem Fläschchen auf den Markt.
zeptierten Schönheitsstandards griechischer des kalifornischen Händlers Harry E. Frank- »Es gibt keine hässlichen Frauen, nur beque-
Skulpturen«. Juwel ihrer Sammlung war die lin freigegeben wurde, stieg sie bereits auf me«, war ihr Motto, und sie überzeugte
sogenannte »Bangwa Queen«, eine Bamileke- 3,4 Millionen Dollar. Frauen, sich durch Kosmetik selbst zu trans-
Figur aus Westkamerun, die Künstler wie Chaja »Helena« Rubinstein war 1872 in formieren. »Madame«, wie sie allgemein ge-
Man Ray und Walker Evans inspirierte und Krakau in einfache jüdische Verhältnisse ge- nannt wurde, war auch ein Marketinggenie
noch heute als eines der bekanntesten Objek- boren worden. Vor einer arrangierten Ehe und verstand, dass »ein hoher Preis essentiel-
te afrikanischer Kunst in jedem Textbuch er- floh sie über Wien zu Verwandten nach Aus- ler Teil der Behandlung ist«. Wenn sich etwa
wähnt wird. Rubinstein hatte sie in den tralien und machte dort 1903 zunächst mit ein Produkt nicht gut verkaufte, erhöhte sie
1930er-Jahren bei Charles Ratton, dem ein- der selbst gemixten »Valaze«-Hautcreme und erst einmal seinen Preis.
dem Werbeslogan »Beauty is Power« Furore. Die nur 1,50 Meter große Geschäftsfrau,
Besonders erfolgreich wurde sie mit ersten von Natur aus mit einem feinen Porzellan-
Das Londoner Apartment richtete David Schönheitssalons für ein breites Publikum. teint gesegnet, ließ auch keine Gelegenheit
Hicks mit Sitzmöbeln von John Henry Belter Bald folgten Salons in London und Paris, wo aus, ihre eigene Person mit ihrer Marke zu
und Malerei von Jean-Michel Atlan ein. sie sich auch in den örtlichen Kunstszenen assoziieren. Über fünfzig Porträts von be-
Li. Seite: Die Sammlerin im Jahr 1934 mit tummelte. 1915, nach Ausbruch des Ersten kannten Künstlern und Fotografen – die
einer ihrer Masken von der Elfenbeinküste Weltkrieges, siedelte Rubinstein nach New Aufnahmen ließ sie gründlich retuschieren –

71
 H E L E N A RU BI N S T E I N

Bilder 1 - 3: Marie Laurencin/Fondation Foujita/Artists Rights Society (ARS), NY/VG Bild-Kunst, Bonn 2014; Helena Rubinstein Foundation Archives, Fashion Institute of Technology, SUNY, Gladys Marcus Library, Special Collections; Privatsammlung
2

1 Marie Laurencin malte Helena Rubinstein 1934 mit

typisch strenger Frisur und dicken Klunkern 2 Kunst
an den Wänden eines Beauty-Salon auf der Fifth
Avenue im Jahr 1937, darunter Elie Nadelmans Relief
»Spring« 3 Geschnitzer Kopf aus Gabun: Fang-
Reliquiar des 19. Jhs. 4 »Früchte der Erde« von Frida
Kahlo, 1938 5 Picasso ließ sich lange bitten, bis er
Rubinstein 1955 endlich porträtierte, als sie schon weit
über achtzig war. Er schuf eine Serie von Bleistift-
zeichnungen, zu einem Gemälde kam es nicht

»Ich mag alle möglichen schönen Dinge und habe auch keine Angst
davor, sie in unkonventioneller Weise zu verwenden.« 3

5 4

72
 sind überliefert. Man Ray fotografierte sie
1924, Warhol zeichnete sie 1957 in Kyoto,
am originellsten aber sind wohl die rund
dreißig großen Bleistiftporträts von Pablo
Picasso, von denen das Jewish Museum
zwölf aus dem Himeji City Museum of Art
in Japan zeigen kann. Ihre Entstehungs­
Bilder 4 – 5: Frida Kahlo/2013 Artists Rights Society (ARS), New York/VG Bild-Kunst, Bonn 2014; Pablo Picasso/2014 Estate of Pablo Picasso/Artist Rights Society (ARS), New York/VG Bild-Kunst, Bonn 2014
geschichte ist nicht ohne Witz: Obwohl
Rubinstein schon mehrere Werke Picassos
besaß, weigerte sich der Maler standhaft,
sie zu porträtieren. Schließlich tauchte die
schon über Achtzigjährige im Jahr 1955 un­
angemeldet vor seinem Haus an der fran­
zösischen Riviera auf und verlangte, von
ihm gemalt zu werden. Widerwillig griff
Picasso zum Bleistift. Das seien Skizzen für
ein späteres Gemälde, log er. Das Gemälde
selbst nahm er allerdings nie in Angriff.
Seine fast karikaturhaften Stimmungsstu­
dien zeigen »Madame« in ihrer Uniform
von schlichter Couture, kombiniert mit
großen Juwelen, das Haar in einen stren­
gen Chignon zurückgekämmt.
Fünfzig Jahre nach der Zerschlagung
der Sammlung sind im Jewish Museum in
New York erstmals etwa 200 Objekte aus
dem ehemaligen Besitz von Helena Rubin­
stein wieder vereint. Die »Bangwa­Queen«,
heute Highlight des privaten Musée Dapper
in Paris, ist leider nicht dabei, und auch
keine von Rubinsteins Brancusi­Skulptu­
ren, wie »Bird in Space« (National Gallery
of Art, Washington) oder der Marmorkopf
»White Negresse II« (Art Institute of Chi­
cago), auf den sie besonders stolz war. Gut
vertreten sind dagegen Skulpturen des in
Polen geborenen Bildhauers Elie Nadel­
man. Von ihm hatte Rubinstein 1911 in
London die Werke einer Ausstellung en
bloc aufgekauft, drei Jahre später finan­
zierte sie ihm den Umzug nach New York.
Sie schätzte Nadelmans eleganten klassi­
zistischen Stil, der auch Anleihen bei der
Volkskunst nahm.
Darüber hinaus vermitteln zahlrei­
che afrikanische Skulpturen und moderne
Bilder, etwa von Picasso, Braque, Léger
und Miró, aber auch von Künstlern aus
Mexiko und Brasilien, eine Reihe von
überaus üppigen Juwelen und Couture­
Stücke wie ihr berühmtes besticktes
Abendjäckchen von Elsa Schiaparelli (Les
Arts Décoratifs, Musée de la Mode et du
Textile, Paris) einen guten, wenn auch not­
gedrungen beschränkten Eindruck von ih­
ren breit gefächerten Interessen. Ein ver­
dunkelter Raum überrascht mit einer
weiteren lebenslang gepflegten Leiden­
schaft: Dioramen von Miniaturräumen in
verschiedenen Stilen. Unter den sieben
hier gezeigten aus dem Tel Aviv Museum
of Art ist die Nachbildung eines Künstler­
studios en miniature besonders reizvoll.
Vorbild war Amedeo Modiglianis Mansarde
am Montmartre, komplett mit herumste­
henden Bildern und einer unfertigen
Komposition auf der Staffelei. In ihrer
Autobiografie »My Life for Beauty« erklär­
te Rubinstein 1964, ein Jahr vor ihrem Tod
im Alter von 92 Jahren: »Oft wurde mein
scheinbar unkonventioneller Geschmack
kommentiert. Die Erklärung ist ganz ein­
fach: Ich mag alle möglichen schönen Din­
ge und habe auch keine Angst davor, sie in
unkonventioneller Weise zu verwenden.«
Rubinsteins exzentrische Sammellei­
denschaft war untrennbar mit ihren Ge­
schäftsinteressen verflochten. Kunstwerke
schmückten ihre internationalen Schön­
heitssalons, die auch der Weiterbildung ih­
rer Kundinnen dienen sollten. Das unter­
schied Rubinstein von ihrer erbitterten
Konkurrentin Elizabeth Arden, die ein
eher konventionelles, elitäres Image pfleg­
te. Ein gutes Bild von Rubinsteins mär­
chenhaftem Lebensstil vermitteln Fotos
ihrer prächtigen Residenzen an den besten
Adressen in Paris, London oder New York.
Sie wurden in Magazinen wie »Vogue«
oder »Life« veröffentlicht und zeigen, wie
dort mutig Moderne, französische Roman­
tik, Surrealismus oder Art déco neben Re­
galen voller Stammeskunst arrangiert
wurde. Genauso fasziniert war Rubinstein
von Pressgläsern aus französischem Opalin­
glas, das sie in großen Mengen sammelte.
Jüngeren amerikanischen Besuchern
bietet die Ausstellung eine erste Gelegen­
heit, Helena Rubinstein kennenzulernen,
denn in den Drogerien gibt es ihre Pro­
dukte seit 1988 nicht mehr, nachdem der
französische Konzern L’Oreal ihre Marke
übernommen hatte. Auch die seit 1953 ak­
tive philantropische Helena­Rubinstein­
Stiftung, die über beinahe sechzig Jahre
fast 130 Millionen Dollar für Bildungsein­
richtungen und Gesundheit in New York
bereitstellte, ist 2011 aufgelöst worden.
Von ganz eigenem Reiz sind am
Schluss der Ausstellung einige schwarz­
weiße Werbefilme von der Mitte der 1930er­
bis in die frühen 1960er­Jahre. Da kann
man auch schön den Ablauf eines »A Day
of Beauty« in einem der Rubinstein­Salons
verfolgen. Zum Programm gehörten ärzt­
liche Konsultation, sportliche Ertüchti­
gung und Ernährungsberatung. Aber eini­
gen der dort vorgestellten verjüngenden
Prozeduren mochte man sich doch lieber
nicht mehr unterziehen. ×
Die Ausstellung »Helena Rubinstein: Beauty is
Power« läuft im Jewish Museum in New York
bis zum 22. März
 W E LT K U N S T

STILKUNDE Nº 9 0

Siegburger Steinzeug

VON
G L OR I A E H R E T

K
ölns jahrtausendealte Ge-
schichte ist berühmt. Die
historische Bedeutung
des nahen Siegburg hin-
gegen kennen vor allem Keramikfreunde.
Hier wie in Köln, Raeren und Frechen erleb-
te das rheinische Steinzeug seine Blüte. Sieg-
burger Trink- und Schankgefäße wurden in
der Spätgotik und Renaissance bis nach Eng-
land, Skandinavien und Übersee exportiert.
Die Sammlung des Hetjens-Museums hat
Marion Roehmer studiert und 2014 den »For-
menkosmos Siegburger Steinzeug« publiziert
(Nünnerich-Asmus Verlag Mainz).
Lange bevor Siegburg 1182 das Stadt-
recht erhielt, wurde hier Ton verarbeitet; seit
dem 13. Jahrhunderts vor den Toren der Stadt,
in unmittelbarer Nachbarschaft der feinen
Tonvorkommen. Sie bieten die nötige Vo-
raussetzung für die völlige Sinterung und da-
mit für echtes Steinzeug, das nach einmali-
gem Brand absolut wasserundurchlässig ist.
Es ist nicht zu verwechseln mit dem sehr viel
jüngeren, erst im 18. Jahrhundert in England
entwickelten Steingut, das wegen seines po-
rösen Scherbens glasiert und ein zweites Mal
gebrannt werden muss, um undurchlässig zu
werden. Die Formenvielfalt reichte alsbald
von einfachen Bechern über steile Ratskannen
und hohe keulenförmige »Jacobakannen«,
die in großer Zahl nach Holland gingen, bis
zu dickbauchigen Scheuern. Der glatte, zum
Trinken und Ausschenken geeignete Rand,

Die Feldflasche mit dem Wappen des Her-

zogtums Jülich-Kleve-Berg von 1573
gehört dem Düsseldorfer Hetjens-Museum

74

Bilder: Hetjens-Museum, Düsseldorf; Lempertz, Köln; Matthias Hering/Hetjens-Museum Deutsches Keramikmuseum, Düsseldorf (2); RBA Köln/Museum für Angewandte Kunst Köln; Christoph Vohler, München
betonte Drehrillen und der standfeste Wel-
lenfuß waren typisch. Dreibeinige, kugelige
Grapen mit zwei Henkeln blieben als Koch-
geschirr bis ins 16. Jahrhundert in Gebrauch.
Ebenso wie die Zylinderhalskrüge, die als
Grundausstattung für die tägliche Alkohol-
ration in unterschiedlich genormten Größen
die rheinische Tafel beherrschten. Denn in
Zeiten, in denen das Wasser nicht überall ge-
sund und bekömmlich war, wurden heute
unvorstellbare Alkoholmengen konsumiert.
So bekamen laut Kölner Ratsbeschluss von
1374 Zimmerleute und Steinmetze im Dienst
der Stadt täglich zweimal ein halbes Quart
Wein zugeteilt. Wobei das Kölner Quart stol-
ze eineinhalb Liter fasste!
Ab 1400 wurden die Gefäßkörper vom
Boden bis zum Lippenrand in einem Arbeits-
gang aufgedreht. An der Luft getrocknet, bis
sie »lederhart« waren, wurden Henkel und
Ausgusstüllen mit Tonschlicker angesetzt,
Schmuckreliefs angebracht oder Ornamente
eingeritzt. Vorübergehend waren doppel-
wandige Maßwerkkrüge en vogue, deren
durchbrochene Außenwandung an gotische
Maßwerkfenster erinnert. Mitte des 16. Jahr-
hunderts kamen Matrizenauflagen mit figür-
lichen und floralen Motiven nach druckgra-
fischen Vorlagen von Heinrich Aldegrever,
Jost Amman, Hans Sebald Beham, Virgil
Solis oder nach Plaketten von Peter Flötner
in Mode. Der erste erhaltene Zunftbrief da-
tiert ins Jahr 1516.
Die schönsten Siegburger Steinzeug-
gefäße entstanden in der zweiten Hälfte des
16. Jahrhunderts: Neben stark gebauchten
Pullen und lustigen Bartmannskrügen beste-
chen die eleganten konischen, oft mit kost-
S T I L K U N DE
Von li.: Den Kugelkrug aus hellem Steinzeug
mit Kerbschnittmuster und Vermeilmontie-
rung versteigerte Lempertz im November
für 6820 Euro. Zur Sammlung des Hetjens-
Museums zählen der Krug mit Schmuck-
henkeln und der Bartmannkrug. Die
Siegburger Schnelle mit Karitasdarstellung
von Peter Knütgen (um 1572) besitzt
das Museum für Angewandte Kunst in Köln
baren Metallmontierungen versehenen
Schnellen und Zylinderhalskrüge selbst jene,
die der altdeutschen Keramik wenig abge-
winnen können. Ihre hellgraue Färbung mit
dem silbrigen Glanz verdankt sich der erwei-
terten Ofentechnologie. Ob umlaufende Jagd-
oder Rankenfriese, die Darstellung Philipps
von Spanien für Bestellungen in die Spani-
schen Niederlande oder die Hure von Babylon
als reformatorische Bildpolemik – die Aufla-
genbilder befriedigten allgemeines Interesse.
Monogramme beziehen sich auf den
Formschneider, der in der Regel mit dem
Töpfer identisch war, Datierungen nicht un-
bedingt auf das Entstehungsjahr, denn sie
wurden in die Matrizen geschnitten, die zum
Schmuck der Gefäße länger in Gebrauch wa-
ren. Namentlich bekannt sind Anno und
Peter Knütgen, F. Trac oder Christian Knüt-
gen, der den Kerbschnitt einführte. HH mo-
nogrammierte Matrizen gehen auf Hans
Hilgers zurück. Ende des 16. Jahrhunderts er-
setzten geritzte, gestempelte oder geschnitte-
ne Ornamente die Auflagendekore. Auch
Trinkspiele wurden in Steinzeug ausgeformt.
Beliebt waren figürliche Trichterhals-Sturzbe-
cher, die nur leer getrunken abgestellt wer-
75
den konnten. Die kleine Gruppe mit Papst-
Teufel-Vexierauflagen aus den 1560ern und
die seltenen Drillingsbecher der Jahrhun-
dertwende dürften Auftragsarbeiten feucht-
fröhlicher Zecher gewesen sein.
1625 hat die Stadt bei ihren Töpfern
noch 395 Weinkrüge, 682 Becher und zwölf
große Krüge mit dem Stadtwappen bestellt.
Mit dem Dreißigjährigen Krieg kamen die
Fernhandelsbeziehungen zum Erliegen. Die
Zerstörung Siegburgs durch die Schweden
1632 und die Hexenprozesse wenig später be-
scherten dem Handwerk weitere gravierende
Einschnitte. Viele Töpfer wanderten in den
Westerwald ab. Nach 1737 sind keine Steuer-
einnahmen von Töpfern mehr gelistet, 1787
keine Töpfer mehr als Hausbesitzer geführt.
1806 wurde die Zunft aufgelöst.
Im Historismus war die Begeisterung
für alles Altdeutsche groß. Die Nürnberger
Firma Fleischmann bot die »Originale Nach-
bildung alter Trinkgefäße« an, Fälschungen
überschwemmten den Markt. In den letzten
Jahrzehnten ist die Nachfrage nach frühem
Kunsthandwerk generell geschwunden. Nur
die Siegburger Töpferei Gisela Frenzel pro-
duziert Steinzeug in Anlehnung an die große
Vergangenheit. Doch auf der letzten Mün-
chener Kunst-Messe im Postpalast wurden
wieder erstaunlich viele Steinzeuggefäße mit
herrlichen alten Beispielen aus den Siegbur-
ger Werkstätten angeboten. ×
Gloria Ehret ist Herausgeberin
der WELTKUNST,
für die sie seit 1986 arbeitet.
Ihre erste Stilkunde
erschien im April 2008
 E X K L U S I V G E S C H A F F E N F Ü R D I E Z E I T:
Heinz Mack »Licht im Blick«
»Für mich ist die Grafik eine Sprache ohne
Worte, eine vollkommene poetische Sprache,
mit eigener Syntax, Metrik, Sprachmelodie, mit
eigenem Rhythmus. Reine visuelle Poesie, weil
sie keinen rationalen Sinn erhält.« (Heinz Mack)
Zeitgleich zur Guggenheim-Eröffnung der
ZERO-Retrospektive in New York hat Heinz
Mack – Mitbegründer der ZERO-Bewegung –
exklusiv für DIE ZEIT den farbintensiven Sieb-
druck »Licht im Blick« geschaffen. In seinem
Kunstwerk setzt Mack Spektralfarben des Lichts
in Rechtecken nebeneinander, lässt sie über-
lappen, ineinanderfließen und verbindet sie zu
einem Gesamtgefüge. In 32 Druckvorgängen,
die jedes Kunstwerk benötigt, wird von Hand
jede Farbe einzeln auf das Büttenpapier auf-
getragen. Mack fängt mit dieser aufwendigen
Technik das Licht in den leuchtendsten Facetten
ein, um somit die »Farbe als Licht und (das)
Licht als Farbe« zu formieren.
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»Licht im Blick«
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Heinz Mack Von Meisterhand
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das Kunst-
werk »Licht gedruckt. In symbiotischer Kongenialität
im Blick« mit dem Künstler setzte der Siebdrucker dieses
in seinem Kunstwerk in 32 einzelnen Sieben um
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Auf 70 Exemplare limitiert und vom Künstler
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Diese herausragende Edition erscheint exklusiv Exklusiv
für die ZEIT in Kooperation mit der Düsseldorfer Diese Edition ist ausschließlich in der
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Gewähr für eine Berücksichtigung der Bestellung insgesamt bzw. der bestellten
der ZEIT! Menge übernommen werden.
040/32 80-101
rA nbieter: Zeitverlag Gerd Bucerius GmbH & Co. KG, Buceriusstraße, Hamburg
 Nachrichten, Ausstellungen,
Messen, Kunsthandel, Auktionen und
wichtige Termine im Januar

AGENDA
Bild: Robert Vanis/Mark Dion, 2014/Courtesy Galerie Nagel/Draxler Berlin

»Akademie der Dinge«: So nennt der Installationskünstler Mark Dion sein Projekt in Dresden, bei dem er unter Depotstücke, etwa aus
dem Grünen Gewölbe, neue Kuriositäten mischte. Seine Blutkoralle ist aus Plastik und noch bis 25. Januar zu sehen (S. 83)

77

NACHRICHTEN
LASERSTEIN FÜRS STÄDEL
Lotte Lasersteins »Russisches
Mädchen mit Puderdose« (u.)
schied 1928 im Wettbewerb um
das schönste deutsche Frauen-
porträt aus, nun darf man ihre
junge Dame mit dem burschi-
kosen Haarschnitt selbst beur-
teilen: Das Städel Museum hat
das Gemälde aus dem Besitz der
schwedischen Gemeinde Nybro
für seine Sammlung erworben.
Damit ist das Haus das erste
öffentliche Museum Deutsch-
lands außerhalb Berlins, das ein
Werk der Künstlerin angekauft
hat. Laserstein, die aufgrund
ihrer jüdischen Herkunft 1937
nach Schweden emigrierte und
dort bis zu ihrem Tod lebte,
nahm das Gemälde mit ins Exil.
Als eine der ersten Frauen been-
dete sie zuvor ihr Studium an
der Berliner Kunstakademie
und machte sich als emanzipier-
te Künstlerin einen Namen in
der Kunstszene. Die Zeitungen
lobten ihr Talent, den Men-
schen darzustellen: dünne Mäd-
chen beim Tennisunterricht
und modische Frauen im Café.
Eindrücklich tastete sie mit
dem Pinsel Gesichter und Kör-
per der Großstadt ab. Ihre
Porträts erzählen mit sensibler
Distanz von der Melancholie
der Zwischenkriegszeit.
AG E N DA
CROWDFUNDING FÜR MONK
Dank der erfolgreichen ersten
Crowdfunding-Aktion der
Staatlichen Museen zu Berlin
begrüßt die Figur »Paul toge-
ther alone with each other (Sgt.
Pepper)« (o.) von Jonathan
Monk, bislang nur Leihgabe im
Haus, auch künftig die Besu-
cher im Hamburger Bahnhof.
13 000 Euro benötigte die Natio-
nalgalerie zum Ankauf der
Skulptur. Im Rahmen einer Tom-
bola hatte man bereits 7500
Euro eingenommen, der Rest-
betrag konnte online gesam-
melt werden. Monks Skulptur
spielt mit Doppeldeutigkeit: Sie
ist dem Künstler Paul McCar-
thy nachempfunden, der eine
Jacke im Sergeant-Pepper-Stil
des Beatle Paul McCartney trägt.
78
MUSEUM DER MODERNE
Crowdfunding wäre auch für
das lang ersehnte Museum der
Moderne in Berlin eine letzte
Option gewesen – zum Glück
geht jetzt alles viel schneller:
Auf Initiative von Kulturstaats-
ministerin Monika Grütters hat
der Haushaltsausschuss des
Deutschen Bundestags der Stif-
tung Preußischer Kulturbesitz
die Summe von 200 Millionen
Euro für einen Neubau bewil-
ligt, in dem neben der Samm-
lung der Neuen Nationalgalerie
unter anderem auch die bisher
heimatlose Schenkung der
Sammlung Pietzsch ihren fes-
ten Platz bekommen soll. Das
Projekt könnte 2015 beginnen
und möglicherweise 2021 been-
det sein, sagt Stiftungspräsident
Hermann Parzinger. Vorher
muss jedoch geklärt werden, wo
gebaut wird: Eine Machbar-
keitsstudie hatte zuvor ergeben,
dass bei dem erwünschten
Gelände neben der Neuen
Nationalgalerie an der Potsda-
mer Straße drei Parzellen in
privater Hand sind. Man befin-
de sich gerade in der Sondie-
rungsphase, erklärt Stiftungs-
Sprecher Ingolf Kern. Für
Grundstücksbelange stünden
die 200 Millionen allerdings
nicht bereit. Die deckten die
geplante Bausumme inklusive
einer Risikovorsoge ab.
NACHLASS UTE KLOPHAUS
Als Fotografin wurde die Wup-
pertalerin Ute Klophaus (1940–
2010) vor allem durch ihre ein-
fühlsamen Dokumentationen
von Joseph-Beuys-Performances
bekannt. Klophaus’ Nachlass
von 15 000 Schwarz-Weiß-Fotos,
52 000 Negativen und Archiv-
material geht nun ans Museum
Schloss Moyland in Bedburg-
Hau, das bereits ein Beuys-
Archiv besitzt. Alle Dubletten
der Fotografin bekommt die
Berliner Nationalgalerie.
VON MARÉES ERWORBEN
Nur die Rückseite des Gemäldes
sollte sichtbar sein, bis die feh-
lenden Mittel für den rechtmä-
Bilder: Courtesy the artist and Meyer Riegger Karlsruhe/Berlin; Museum Wiesbaden; Horst Ziegenfusz/Lotte Laserstein/Städel Museum/Artothek/VG Bild-Kunst, Bonn 2014
ßigen Erwerb gesichert waren:
Sieben Wochen lang sahen die
Besucher des Wiesbadener
Museums nur die Rückwand
von Hans von Marées’ Gemälde
»Die Labung« aus dem Jahr
1880 (u.). Nachforschungen hat-
ten ergeben, dass das Werk aus
der Kollektion des jüdischen
Sammlers Max Silbermann
stammte, der es 1935 notgedrun-
gen bei einer Berliner Auktion
versteigerte. Damit Marées’
Gemälde, das 1980 als private
Schenkung in die Museumsbe-
stände überging, weiterhin aus-
gestellt werden kann, einigte
man sich mit den Nachkom-
men des Sammlers, der 1942
nach Theresienstadt deportiert
wurde, auf eine faire Lösung.
Mit Unterstützung der Kultur-
stiftung der Länder, des Vereins
Freunde des Museums Wiesba-
den und der Hessischen Kultur-
stiftung sowie durch das Enga-
gement der Wiesbadener
Bürger, die im Rahmen einer
Spendenaktion für das Werk
sammelten, wurden die Mittel
für den Ankauf aufgebracht.
Hans von Marées, der neben
Arnold Böcklin und Anselm
Feuerbach zu den bedeutends-
ten Malern des 19. Jahrhundert
zählt, fertigte das Bild nach
einer experimentellen Technik:
Die plastische Anmutung
verdanken seine Figuren dem
abwechselnden Auftrag von
Öl- und Temperafarbe.

Bilder: Museo Nacional del Prado, Madrid; Ben Willikens/VG Bild-Kunst Bonn, 2014; Chris Korner; Draiflessen Collection, Mettingen; Jörg Alexander Reichardt; Martin Förster/Staatliche Kunstsammlungen Dresden; Andreas Pohlmann/ap fotografie; Gina Soden
RESTAURIERTER TIZIAN
Adonis muss zur Jagd, auch
Venus kann ihn nicht aufhalten:
Prachtvoll hat Tizian das Paar
1554 für den spanischen König
Philipp II. in Szene gesetzt. Der
Prado zeigt das Werk aus der
Reihe der »Poesien« nun erst-
mals nach einer aufwendigen
Restaurierungsphase. Lange
nachdem der Maler »Venus und
Adonis« (o.) fertiggestellt hatte,
»Babyboomer« nennt man die
Menschen, die in den geburten-
starken Jahren zwischen 1955
und 1969 zur Welt kamen. Man
sagt, dass diese Generation jetzt
die Macht im Land übernimmt.
Vizekanzler und SPD-Chef
Sigmar Gabriel ist Jahrgang 1959
– genau wie FRANK DRUFFNER,
der künftig bei der Kulturstif-
tung der Länder das Amt des
stellvertretenden Generalsekre-
tärs bekleidet. Davor leitete er
die Kunstsammlungen und das
beschloss man das Bild durch
eine Leinwanderweiterung aus-
zubauen. Die Originalkomposi-
tion wurde dadurch verfremdet,
die Verfälschung konnte nun
mittels geschickter Rahmung
verdeckt und ausbalanciert wer-
den. Auch das Bild der Danaë,
das durch frühere Arbeiten
beschädigt und verfremdet wor-
den war, näherte sich wieder
dem Original an.
Personalien im Januar
Fundraising des Deutschen Lite-
raturarchivs Marbach.
1970 geboren und nur knapp
zu jung für eine Babyboomerin
ist CORINNA OTTO, die neue Lei-
terin der Draiflessen Collection
in Mettingen. Jugend ist aber
auch ein Zeichen für Dynamik,
und davon bringt die langjähri-
ge Geschäftsführerin des Olden-
burger Kunstvereins viel mit.
Wiederum als typischen
Babyboomer darf man den
Künstler CHRISTIAN JANKOWSKI
79
GURLITT IM NETZ
Nur wenige Tage nachdem das
Kunstmuseum Bern das Erbe
des im Mai verstorbenen Kunst-
sammlers Cornelius Gurlitt
angenommen hat, haben die
Museumsmitarbeiter eine
Bestandsliste des Nachlasses im
Internet veröffentlicht. Das
Dokument ist in zwei Teilen
von 196 und 95 Seiten – getrennt
nach den letzten Aufbewah-
rungsorten der Sammlung,
München und Salzburg – unter
www.kunstmuseumbern.ch
abrufbar. »Wir haben uns der
Transparenz verpflichtet«, sagt
Matthias Frehner, Direktor in
Bern. Die Liste ist tatsächlich
ein wertvolles Hilfsmittel zur
Ermittlung von Werkprovenien-
zen, da nach wie vor bei großen
Teilen der Sammlung Gurlitt
ein Raubkunst-Anfangsverdacht
besteht – und das Museum sol-
che Werke restituieren will.
Direkt nach Veröffentlichung
sprachen Provenienzforscher
bereits bei einem Pissarro-
Gemälde mit dem Titel »Paris,
Kathedrale« (1902) von einem
vermutlichen Raubkunst-Fall.
(Jahrgang 1968) einordnen, der
als Chefkurator die internatio-
nale Großausstellung Manifesta
2016 in Zürich leiten soll. Dabei
hinterfragen seine Werke selbst
gerne den Kunstbetrieb!
Die größte Aufgabe unter
seinen Generationsgenossen hat
aber wohl BERNHARD MAAZ
(Jahrgang 1961), der im Februar
Direktor der Bayerischen Staats-
gemäldesammlungen in Mün-
chen wird. Bis dahin ist er noch
Direktor der Gemäldegalerie
DECKENMALEREI FÜR LEIPZIG
Im Dezember 1943 starben bei
dem schwersten Bombenangriff
auf Leipzig zweitausend Men-
schen. Auch das Museum der
bildenden Künste wurde zer-
stört, erst 2004 konnte die
Sammlung den Neubau bezie-
hen. Zur Feier des zehnjährigen
Jubiläums wurde nun ein
460 Quadratmeter großes De-
ckengemälde (u.) eingeweiht,
das größte in den Museen Euro-
pas. Gefertigt wurde das »Leip-
ziger Firmament« vom Künstler
Ben Willikens, der das Bombar-
dement als Junge überlebte.
Alter Meister und des Kupfer-
stichkabinetts in Dresden.
THORSTEN STRAUSS (Jahr-
gang 1967) von der Deutschen
Bank übernimmt den Vorsitz
im Kuratorium Preußischer
Kulturbesitz, dem neuen För-
dergremium deutscher Unter-
nehmen, das die Stiftung Preu-
ßischer Kulturbesitz sponsert.
Und KATE BRYAN, die neue
Leiterin der Londoner Kunst-
messe Art 15, verrät uns ihr Alter
nicht. Wie schade.
 AG E N DA

AUSSTELLUNGEN

Bild: Museum of New Zealand Te Papa Tongarewa, Ankauf mithilfe neuseeländischer Lotteriemittel 1995 (1995-0003-2)

Stolz und Vorurteil

Im umkämpften Neuseeland des Kolonialzeitalters malte er die Maori mit
Hochachtung: Jetzt sind Gottfried Lindauers Porträts in Berlin zu sehen

80
 Diese Ausstellung ist ein großes Wunder der
Bilder: Auckland Art Gallery Toi o Tā maki, Geschenk von H. E. Partridge, 1915; Auckland Art Gallery Toi o Tā maki, Geschenk von H. E. Partridge, 1915; Museum of New Zealand Te Papa Tongarewa, Ankauf mithilfe neuseeländischer Lotteriemittel 1995 (1995-0003-3)
Museumsdiplomatie: Noch nie haben die
Porträts, die der Maler Gottfried Lindauer
von den Ureinwohnern Neuseelands schuf,
den Pazifikstaat en bloc verlassen. Für die
Nachfahren der Dargestellten verkörpern die­
se Bilder ihre Vorfahren, sind unersetzbare
und lebendige Zeugen ihrer kulturellen Iden­
tität. Die Nachkommen der Maori, die Lin­
dauer zwischen 1874 und 1915 malte, sprechen
bis heute mit diesen Gemälden, singen und
weinen vor ihnen – und wenn man die mit
ihrer Aufbewahrung betrauten Museen in
Auckland und Wellington besucht, ist man
erstaunt ob der Sensibilität und Selbstver­
ständlichkeit, mit der Neuseeland sein bikul­
turelles Erbe pflegt. Für ein deutsches Kunst­
museum ist das eine Herausforderung.
Lange haben die Vorbereitungen für
»Gottfried Lindauer. Die Māori Porträts«
denn auch gedauert: Elf Jahre vom ersten Be­
such des Direktors der Berliner Nationalga­
lerie, Udo Kittelmann, in der Auckland Art
Gallery Toi o Tamaki im Jahr 2003 bis zum
rituellen Begrüßen der weit gereisten Maori­
Porträts durch ihre Nachfahren kurz nach
Sonnenaufgang an einem Novembertag im
Jahr 2014 in der Alten Nationalgalerie. Dass
es gerade der Sonnenaufgang sein muss, ist
eine der Anforderungen der Maori, wie auch
die Bedingung, dass niemand die Gemälde
zuvor sehen darf. Die moderne Erkenntnis,
dass Bilder Macht in sich tragen und aktiv
handeln können, anstatt nur visuelle Behält­
nisse zu sein, ist für Maori selbstverständlich:
das »Mana«, die Kraft und das Prestige der
meist hochgestellten Persönlichkeiten auf
Lindauers Gemälden, kann man einem Mu­
seumsbesucher nicht gefahrlos zumuten, es
muss mit Gesängen und Ritualen sozusagen
erst entschärft werden.
So viele Originale (es sind 49) auf die an­
dere Seite der Erde zu schicken ist eine Ent­
scheidung, die die neuseeländischen Museen
gemeinsam mit Maori­Vertretern trafen; die
Nachfahren sämtlicher von Lindauer gemal­
ten Persönlichkeiten wurden um Erlaubnis
gebeten, fast alle haben Ja gesagt. In Berlin
wird Lindauer, der 1829 in Pilsen zur Welt
kam, jetzt zum ersten Mal in die Malerei des
19. Jahrhunderts eingebettet; es ist kein eth­
nologischer, sondern ein kunsthistorischer
Blick, den die Ausstellung anstrebt. Die He­
rausbildung außereuropäischer Modernen
im 19. Jahrhundert findet hier einen überaus
anschaulichen Niederschlag in Form von in­
terkulturellen Porträts vom vermeintlichen
»Ende der Welt«.
Dass dies so kam, ist auch einem
Goldsucher zu verdanken: Der Brite Henry
Partridge stiftete seine Sammlung von Lin­
dauers Werken 1915 der Auckland Art Gallery.
Würdenträger einer fernen Welt (von oben):
»Tamati Waka Nene«, 1890, »Kuinioroa,
Tochter von Rangi Kopinga – Te Rangi
Pikinga« und »Mrs Paramena«, um 1885.
Links: »Mr Paramena«, um 1885
81
Der Geschäftsmann, der im Goldrausch
nach Neuseeland gekommen war, sammelte
Lindauers Bilder auch deshalb, weil man in
Europa mit dem baldigen Aussterben der
Maori rechnete – nicht nur wegen fataler
Seuchen, die von europäischen Siedlern ein­
geschleppt wurden. Die Aufrüstung man­
cher Stämme mit Musketen und das Un­
gleichgewicht zwischen den Maori, die zu
europäischen Waren Zugang hatten, und sol­
chen ohne direkte Handelsverbindungen
führten zudem zu Verwerfungen, die an Blu­
tigkeit selbst für die traditionell kriegeri­
schen Neuseeländer außergewöhnlich waren.
Die Idee von den durch den Kontakt
mit einer höher entwickelten Kultur zum
Niedergang verurteilten Ureinwohnern ge­
hört zur Ideologie des europäischen Kolonia­
lismus. Für Neuseeland hat sie so nie zuge­
troffen. Zwar bedeutete die Landnahme
durch Europäer einen tiefen Einschnitt für
die Maori, doch behaupteten sie sich ab dem
frühen 20. Jahrhundert zunehmend besser:
Als Gottfried Lindauer 1874 nach Neuseeland
kam, stellten die Maori weniger als ein Zehn­
tel der Bevölkerung Neuseelands. Heute sind
es um die fünfzehn Prozent.
Von Anfang an setzten die Maori­
Häuptlinge dabei die Siedler geschickt für
ihre Zwecke ein – um gegenüber anderen
Stämmen zu einem Vorteil zu kommen.
Lindauers Auftraggeber waren denn auch
hochgestellte Maori, keine unterdrückten
Eingeborenen, die der Künstler genauso
sorgfältig und gravitätisch malte wie zuvor
weiße Europäer, mitsamt ihrer Tattoos, ihren
Waffen und ihrer Tracht. Neben der ästheti­
schen Qualität der Werke werden von der
Schau vielleicht auch Impulse für eine Be­
schäftigung mit einer postkolonialen Gesell­
schaft ausgehen, die man in Deutschland vor
allem als Filmkulisse für Fantasyfilme kennt.
Die Ausstellung ist jetzt nicht weit ent­
fernt vom Rohbau des Berliner Stadtschlos­
ses zu sehen, in dem ab 2019 die Ethnologi­
schen Museen mit ihren Sammlungen des
Pazifikraumes unterkommen werden. Höhe­
punkte der Sammlung sind die hölzernen
Boote, mit denen die Polynesier die Weiten
des Pazifischen Ozeans durchfuhren, als sich
unsere eigenen Vorfahren noch vorsichtig an
die Küsten klammerten. Dass ihre Ahnen
nun Zehntausende Kilometer um den Erd­
ball gereist sind, um die deutschen Ausstel­
lungsbesucher zu faszinieren, findet die mao­
rische Kuratorin der Auckland Art Gallery,
Ngahiraka Mason, nur natürlich: Reisen in
die entlegenste Ferne seien für ihr Volk eben
nichts Ungewöhnliches. BORIS POFALLA
»Gottfried Lindauer. Die Māori Porträts«,
Alte Nationalgalerie, Berlin, bis 12. April
 AUSSTELLUNGEN
Malerei ist eine
Behauptung
Freiheit in der Reduktion:
Imi Knoebel in Wolfsburg
Die Ästhetik des Minimalen drängt sich
nicht auf. Ohne Spaß an der Nuance fühlt
man sich bei Imi Knoebel schnell in der
Blickschleife gefangen, die einen immer wie-
der vor nahezu identische Balken oder Recht-
ecke führt. »Werke 1966–2014« annonciert
das Kunstmuseum Wolfsburg zu Knoebels
75. Geburtstag. Dieser bietet exakt, was der
Titel seiner Ausstellung verspricht: den Blick
in das ungegenständliche Universum eines
Konzeptkünstlers, der lange darüber nach-
gedacht hat, wie sich das schwarze Quadrat
von Kasimir Malewitsch ein halbes Jahrhun-
dert später auf die eigene Malerei auswirkt.
1968 sortierte Knoebel an der Düssel-
dorfer Kunstakademie deshalb erst einmal
die Instrumente seiner Arbeit. Hartfaserplat-
ten simulierten Keilrahmen und Leinwände,
gestapelt hieß das Ergebnis »Raum 19«. Als
zentrale Installation steht sie nun auch am
Anfang der Wolfsburger Schau, ergänzt
durch zwei Linienbilder, an denen der Stu-
Zu viel Gefühl
Leipzig würdigt Bernini als
Erfinder des barocken Rom
»Bernini, ach der wunderbare Bernini«, flüs-
tert der junge Botschaftsattaché Narcisse Ha-
bert in Émile Zolas Roman »Les Trois Villes,
Rome« (1896) beim Spaziergang durch den
Vatikan und preist den Schwung und die »an-
mutige Fruchtbarkeit« des vielleicht größten
Multitalents des Barock. Der in Florenz ge-
borene Giovanni Lorenzo Bernini (1598–
1680) war Bildhauer, Architekt, Stadtplaner,
Maler und Zeichner. In der alten Stadt auf
den sieben Hügeln, in die er mit acht Jahren
kam, hinterließ er seine Spuren. Bernini ent-
warf die Kolonnaden des Petersplatzes, den
Vierströmebrunnen der Piazza Navona oder
auch die Kirche Sant’ Andrea auf dem Quiri-
nal. In der Galleria Borghese bewundert
man heute Meisterwerke skulpturaler Dra-
matik wie »Apoll und Daphne« (1622–1625) –
Zeitlose Schönheit: »Grace Kelly III-5« (1990)
in den Maßen von 250 x 170 Zentimetern
dent damals wie besessen arbeitete, womit er
seinen Professor Joseph Beuys zur Verzweif-
lung trieb. Dahinter entfaltet sich das ganze
von Knoebel aus der totalen Reduktion ent-
wickelte Formvokabular – von den mono-
Ewige Jugend: »Bildnis eines jungen Knaben«
(1630–1635) von Giovanni Lorenzo Bernini
dabei hatte es Berninis Gefühlsüberschwang
manchmal schwer bei seinen Kritikern. Von
seiner »Verzückung der Heiligen Theresa von
Avila« sagten Zeitgenossen, sie wäre nicht al-
lein eine sich niederwerfende (»prostata«),
82
chromen Bildern über die vielteiligen Alumi-
niumreliefs der Neunzigerjahre in Pink,
Gelb oder Orange und jene »Cut-ups«, in de-
nen die Bildelemente in die Diagonale rut-
schen, bis hin zu den aktuellen Arbeiten.
Bilder: Nic Tenwiggenhorn/Imi Knoebel/VG Bild-Kunst, Bonn 2014; Royal Collection Trust/Her Majesty Queen Elizabeth II 2014; Robert Vanis/Mark Dion, 2014/Courtesy Galerie Nagel/Draxler Berlin (2)
Das Chronologische war für Knoebel,
der die Ausstellung selbst inszeniert hat, irre-
levant. Oft greift der Künstler frühere Serien
auf, ergänzt und erweitert sie oder dekliniert
das Geschaffene noch einmal um. Der hohe
Ausstellungsraum bildet die ideale architek-
tonische Folie, weil er Blickachsen erlaubt
und die Ausstellung aus diversen Perspekti-
ven wie ein einziges großes Bild wirken lässt.
Drei temporäre Wände geben Struktur und
»eröffnen Wege«, wie Knoebel sie vorgibt. Im
Übrigen lässt er den Besucher allein mit den
knapp 100 Exponaten – auf dass er sich im Se-
hen übe und verstehe, dass in der Malerei
überhaupt alles Behauptung ist. Wie das
»Grüne Siebeneck« in heftigem Rosa. Biogra-
fisches scheint nur dort durch, wo Knoebel
seinem ehemaligen Freund Imi Giese ge-
denkt, der sich vor Langem das Leben nahm.
Die Trauer darüber manifestiert sich in den
Leitern und leeren Fensterrahmen, die zur
Achtzigerjahre-Serie »Eigentum Himmel-
reich« gehören. CHRISTIANE MEIXNER
»Werke 1966–2014«, Kunstmuseum Wolfsburg,
bis 15. Februar
sondern gleiche einer sich prostituierenden
(»prostituta«) jungen Dame.
Wer in diesem Winter keinen Flug nach
Rom gebucht hat, kann Bernini in Leipzig in
2-D erleben – was kein gemindertes Vergnü-
gen sein muss, wenn man dem alten Renais-
sancegedanken folgt, dass der Ausführung
unbedingt die Idee vorausgeht. Das Leipziger
Museum bietet mit über 130 Zeichnungen
(davon 90 aus eigenem Bestand) einen Blick
in Berninis Gedankenwelt, virtuos manifes-
tiert auf Papier – in Entwurfsskizzen für den
Vierströmebrunnen, Studien nach antiken
Skulpturen wie der »Laokoon-Gruppe« oder
auch einer hinreißenden Rötel- und Kreide-
zeichnung eines knienden Engels (1673/1674).
Kurios wirkt eine satirische Kritzelei, die den
alten Papst Innozenz XI. in seinem Bett zeigt.
Dieser hatte im Vatikan rigorose Sparmaß-
nahmen durchgesetzt. Bernini war zu Leb-
zeiten unter acht Päpsten tätig. Er musste
wohl nicht jeden lieben. TIM ACKERMANN
»Bernini. Erfinder des barocken Rom«, Museum
der bildenden Künste, Leipzig, bis 1. Februar
 AUSSTELLUNGEN

Kleine Eingriffe,
große Wirkung
Mark Dion erprobt seine
invasive Methode in Dresden

Seit 25 Jahren betreibt Mark Dion nun schon

seine eigene Form von Wissenschaft. Dabei
geht der 1961 in Massachusetts geborene
Künstler wie ein Sprachforscher vor. Nur
dass er nicht mit Begriffen hantiert, sondern
mit Objekten, Schaukästen und Installatio-
nen und so eine neue Grammatik der Wahr-
nehmung erzeugt. Dion analysiert unsere
Gegenwart, die Vermittlung von Wissen, bie-
tet dem Publikum die Möglichkeit zum ver-
gleichenden Sehen und stellt Bekanntes in
unbekannte Zusammenhänge. Er enthält
sich dabei aber vordergründiger Wertungen
und Urteile – eine Methode, ideal, um sie in
bestehende Sammlungen zu integrieren, im
MoMA etwa, in der Tate Gallery oder der
Hamburger Kunsthalle.
Aus Anlass der Gründung seiner Kunst-
akademie vor 250 Jahren ist nun Dresden an
der Reihe. Die Ausstellung verteilt sich auf
verschiedene Orte in der Stadt. In der Kunst- Die Sammlung der Dresdner Hochschule hat für das der Kunstschnitzer Jacob Zeller eben-
akademie selbst präsentiert Dion in Peters- Mark Dion zur »Pentagon Pinacotheka« so monumentale zehn Jahre brauchte.
burger Hängung Gemälde von Absolventen aufgehängt. Unten: »Rhinoceros Horn« – ein Zwischen diese Kostbarkeiten hat Mark
der letzten 50 Jahre. Zusätzlich hat er unter kurioser Eindringling im Grünen Gewölbe Dion ihre Travestien gestellt, fast unauffällig,
die Kuppel des zentralen Oktogons ein gut auch in Vitrinen. Da sieht man dann ein von
fünf Meter hohes Regal platziert, wo er Tei- allerlei Glitzer und Tand eingefasstes Nas-
le der anatomischen Modelle der Hoch- Risiko des Künstlers, an der von ihm hornhorn, natürlich aus Plastik. Aus dem
schule arrangierte. Es gibt dort auch selbst gewählten Umgebung zu schei- gleichen Material ist auch das schlapp über
noch die »Loggia of Death« und die tern, am größten. Das Grüne Gewölbe einen stummen Diener gelegte Horn »eines
»Loggia of Light«, zwei Displays mit zählt völlig zu Recht zu den besten Einhorns« sowie der Baum der »Blutkoralle«,
Gipsabgüssen, Totenmasken und kunsthandwerklichen Sammlungen welt- an dem eine Taschenuhr, eine Schere, eine
den Beständen an Diapositiven, weit. Fantastische Kunstfertigkeiten wer- Lupe und andere Gegenstände baumeln, als
die ab dem 19. Jahrhundert zur den einem in diesen Räumen dargeboten. hätte sie Dalí dorthin gehängt. Der Clou da-
Unterweisung der Kunststuden- Miniaturschnitzereien auf Kirschkernen, ran ist, dass man im Grünen Gewölbe so sehr
ten verwendet wurden. die die Grafen von Loß um 1600 anfertigen auf die Wahrnehmung von wertvollsten Ma-
Weitere Ausstellungsorte ließen; die brillantbesetzte Hutagraffe der terialien konditioniert ist, dass diese Res-
sind das Albertinum sowie das sächsischen Könige, deren Mitte ein 41-ka- pektlosigkeiten erst auf den zweiten oder gar
historische und das neue Grü- rätiger grüner Diamant ziert; oder die »Fre- dritten Blick auffallen. Die Botschaft, die der
ne Gewölbe. Hier, im prächti- gatte aus Elfenbein, getragen von Nep- überzeugte Linke Dion damit vermittelt, er-
gen Dresdner Schloss, ist das tun« (um 1620), ein monumentales Werk, gibt sich aus einem Umkehrschluss: Nicht je-
des Gold glänzt. Manches auch wurde teuer
– zu teuer – bezahlt. Im Zweifelsfall mit ein
paar unbedeutenden Untertanen, die der
kunstsinnige Regent als Söldner in die Frem-
de verkaufte. ULRICH CLEWING

»Mark Dion. Die Akademie der Dinge«, Hoch-

schule für Bildende Künste, Galerie Neue Meister
(Albertinum) und Grünes Gewölbe in Dresden,
bis 25. Januar

83

NORBERT BISKY
Kunsthalle Rostock, bis 15. Februar
Wer das Staunen über zeitge­
nössische Malerei verlernt hat,
der erhält hier Frischzellen für
die müden Augen. Mit barocker
Rasanz bringt Norbert Bisky
seine Bilder zum Explodieren
und hält doch alles in einem
wundersamen Ganzen zusam­
men – wie in »Stadt des Teufels«
von 2007 (o.). Es ist die bislang
größte Überblicksschau des
Künstlers, und man sieht, wie
fulminant er sich entwickelt
hat. Das knusprige Jungmän­
nerpersonal, das ihn berühmt
gemacht hat, ist noch da, eben­
so der lässige Schwung, doch
die neueren Werke sind deutlich
abgründiger und gewalttätiger.
KOSMOS
Museum Rietberg, Zürich,
bis 31. Mai
Der Blick zu den Sternen ist
seit Menschengedenken mit
dem Wunsch nach Antworten
verknüpft: auf die Frage nach
dem richtigen Weg oder auf die
AUSSTELLUNGEN
nach dem Sinn der eigenen
Existenz. Die Ausstellung des
Museum Rietberg beschäftigt
sich mit Kosmologien und
Schöpfungsmythen aus 17 Kul­
turen – die sich in 180 wunder­
samen Objekten verbildlichen.
Ein Kosmos­Opfer­Mandala aus
dem China der Qianlong­Peri­
ode (17. Jh.) leuchtet in vergolde­
ter Bronze. Kaum weniger
prächtig wirkt der fein gearbei­
tete Himmelsglobus aus der
alten Mogulstadt Lahore (Ende
16. Jh., u. li.). Und ein zere­
monieller Kopfschmuck mit
Rabenfigur symbolisiert den
Schöpfergott, der dem west­
kanadischen Volk der Tlingit
das Licht und Wasser brachte.
DIE KUNST DER FALTUNG
Museum für Konkrete Kunst,
Ingolstadt, bis 22. Februar
Ob man, so wie Gilles Deleuze,
in den Falten von Berninis
Marmorskulpuren wirklich die
Unendlichkeit erkennt, hängt
wohl von der eigenen Sensibili­
tät ab. Ganz sicher verweist der
Faltenwurf in der Kunst spätes­
tens seit der Renaissance sowohl
auf die Raffinesse des Künstlers
wie auch auf den hohen Wert
der abgebildeten Textilien. Auf
diesen Symbolgehalt scheint
Natalia Stachon anzuspielen,
wenn sie in »RAJ« (2011, o.) All­
tägliches wie zerknüllte Papier­
blätter in vergleichsweise edlem
Kupfer nachbildet. Die Grup­
penschau versammelt mehr als
40 Gegenwartskünstler, die in
der Falte nicht nur physikali­
sche Stabilität erkennen. Der
Obertitel lautet: »Einknicken
oder Kante zeigen.«
84
WEGE DER MODERNE
MAK Wien, bis 19. April
Das Museum für angewandte
Kunst wurde 1864 als erstes Aus­
stellungshaus an der Wiener
Ringstraße eröffnet. Zum 150.
Jubiläum schaut man zurück
auf die Zeit um 1900, als die
»Wiener Moderne« mit Josef
Hoffmann und Adolf Loos zur
Weltmarke wurde. Während
Hoffmann Design als künstleri­
schen Prozess begriff, wollte
Loos die Alltagsgegenstände
von Kunst befreien. In Skizzen,
Möbeln und Modellen werden
beide Ansätze einander gegen­
übergestellt. Zwei Innenräume
hat man ebenfalls nachgebaut:
Hoffmann konzentriert sich bei
seinem Wohnzimmertisch auf
strenge Geometrie (o.), Loos’
Schlafzimmer drückt Intimität
durch schwere Stoffe aus.
A VICTORIAN OBSESSION
Leighton House Museum,
London, bis 29. März
Wo einst der britische Maler
Frederic Leighton, der Lord
unter den Neoklassizisten, lebte,
ziehen nun fünfzig Werke
Bilder: Bernd Borchardt/Norbert Bisky/VG Bild-Kunst, Bonn 2014; Wolfgang Woessner/MAK, Wien; Natalia Stachon/Courtesy Loock Galerie; Max Beckmann/Freies Deutsches Hochstift/Frankfurter Goethe-Haus/VG Bild-Kunst, Bonn 2014;
seiner viktorianischen Kollegen
ein. Im Kaminzimmer trifft
man Mädchen mit wallendem
Haar und Gewand, wie sie John
Melhuish Strudwick »In den
goldenen Tagen« (1907, u. li.)
modellierte. Lawrence Alma­
Tademas antike Tischgesell­
schaft ertrinkt nebenan in
einem Blütenmeer, und Edward
Burne­Jones’ Pygmalion sin­
niert in den Gemächern über
seine Liebe zu Galatea. Die Bil­
der stammen aus der Samm­
lung des Mexikaners Juan Anto­
nio Pérez Simón.
Yvonne Hurni/Bernisches Historisches Museum, Bern; Studio Sébert Photographes
GOETHE, FAUST, BECKMANN
Museum Wiesbaden, bis 18. Januar
Im Amsterdamer Exil erreicht
Max Beckmann 1943 ein Auf­
trag des Verlegers Georg Hart­
mann: Der Maler soll Goethes
»Faust II« illustrieren. Intensiv
setzt er sich mit dem Stoff aus­
einander, arbeitet teilweise bis
zur körperlichen Erschöpfung
an den 143 Zeichnungen, die
später nie veröffentlicht werden.
Nach und nach beginnt sich der
Künstler mit Faust und Mephis­
to zu identifizieren. Er bebildert
nicht nur Goethes Werk, son­
dern verbindet die Erzählung
fantasievoll mit eigenen Moti­
ven: Beckmanns schöne Helena,
die sich in Fausts Arme rettet,
trägt schwere Kreolen und eine
Fönfrisur (o.). Der wundervolle
Zyklus wird nach über zehn
Jahren jetzt erstmals wieder
komplett präsentiert.
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MESSEN
zung zu Werken traditioneller Aussteller wie
der Helene Bailly Gallery. Sie hat unter ande-
Mit sechzig noch rem »Sonnenaufgang über einem Wasserfall«
lange nicht Schluss von André Masson im Programm, zwar
Franzose, aber durch seine Kindheit und ei-
Die Brafa erneuert sich nen Teil seines Studiums in Brüssel ebenfalls
diskret zum Jubiläum der Stadt verbunden.
Offenbar ist Brüssel nicht nur als Schar-
nier zwischen Flandern und der Wallonie, zu
Er scheint deutlich jünger zu sein, als der denen sie gleichermaßen gehört, ein Ort
Blick auf die Zahlen verrät. Mit einem mil- des Crossover. Sammlungen wie die von
den Lächeln wird auf der Brafa im Januar ein Bernard Blondeel, der als ehemaliger Kunst-
rund 2000 Jahre alter keltischer Votivkopf händler Asiatika, Antiken und Altmeister-
Bilder: Finch & Co, London; André Masson/Helene Bailly Gallery, Paris/VG Bild-Kunst, Bonn 2014

die Besucher begrüßen. Finch Antiques grafik in seiner heutigen Privatsammlung

bringt das Stück aus London mit nach Brüs- Mit einem Lächeln grüßt der keltische Votiv- verbindet, findet sich hier wie in der Umge-
sel. Die Darstellungen menschlicher oder kopf aus der Zeit um Christi Geburt. bung auch das Schloss von Axel Vervoordt,
göttlicher Köpfe übertragen in der keltischen Unten: Den »Sonnenaufgang über einem der die Verbindung von Alt und Jung zu sei-
Symbolwelt die Kraft des Dargestellten in Wasserfall« schuf André Masson 1949 nem Stil gemacht hat und damit im Trend
das Haus, in dem sie bewahrt werden. Ein des gegenwärtigen Kunstkaufs liegt. Nicht
gutes Omen also und gleichzeitig so etwas künstler« Asgar Jorn bringt sie Kunst der mehr die möglichst vollständige Abbildung
wie ein Glückwunsch an die Messe. Moderne nach Brüssel. Immerhin war Jorn eines Sammelgebiets wird von den meisten
Denn die Brafa kann einen runden Ge- einst Mitbegründer der Gruppe CoBrA, in jungen Käufern angestrebt, sondern Epo-
burtstag feiern. Mit 60 ist aber auch sie jün- der sich Künstler aus Kopenhagen, Brüssel chen und Stile werden miteinander kombi-
ger, als es die Zahl suggeriert. Dabei legt das und Amsterdam zusammenfanden. Das Ge- niert und kontrastiert. Die sechzigjährige Ju-
Team der Direktion durchaus Wert auf die mälde »Delta« in Öl auf Leinwand im For- bilarin Brafa ist mit ihrer Zusammenstellung
Beständigkeit, mit der sich die Messe in den mat von 66 mal 54 Zentimetern wird für eine absolut moderne Dame. JAN BYKOWSKI
vergangenen Jahrzehnten ihren Ruf erarbei- 186 000 Euro angeboten. Es ist zwar erst 1966
tet hat. Fast scheint es den Verantwortlichen und damit Jahre nach Auflösung der Gruppe Brafa, Brüssel, Tour & Taxis, 24.  Januar bis
unangenehm zu sein, dass die Veranstaltung entstanden, bildet aber eine schöne Ergän- 1. Februar, brafa.be
weiter wächst. Der Rekord von 55 000 Besu-
chern während der vergangenen Ausgabe
wird zwar – wohl auch gern – erwähnt, soll
aber ausdrücklich nicht der Maßstab für den
Erfolg der Messe sein. Wachsen kann man
indes auch mit sechzig noch, wie man hier
erneut belegen wird: Die Kunst der Messe im
Taxispalais besteht darin, sich laufend von in-
nen heraus zu verjüngen.
Dies gelingt nicht zuletzt dank frischer
Teilnehmer. Dass ausgerechnet auf einer Tra-
ditionsmesse der 1770 gegründete Kunsthan-
del Douwes Fine Art als Debütant auftreten
kann, ist bemerkenswert. Zur kommenden
Ausgabe der Brafa wird genau das der Fall
sein. Die Amsterdamer bringen unter ande-
rem eine Landschaft von Hans Savery mit
nach Brüssel. Der ist für dieses Genre weni-
ger bekannt als sein Neffe Roelant, mit dem
er hier zusammengearbeitet haben dürfte.
Vielmehr kennt man Hans Savery als Porträ-
tisten des Dodo – ein Exemplar dieses um
1690 ausgestorbenen Vogel findet sich in der
von Douwes angebotenen Landschaft. Erst-
mals ist auf der Brafa auch Die Galerie aus
Frankfurt am Main dabei. Mit ihrem »Haus-

87
 MESSEN
ANTIQUARIATSMESSE
STUTTGART
23. bis 25. Januar

Die Stuttgarter Antiquariats­

messe, die weltweit bedeutends­
te Messe für Antiquare, Auto­
grafen­ und Grafikhändler,
öffnet zum 58. Mal ihre Tore.
Das Angebot der 79 Antiquaria­
te reicht von mittelalterlichen
Handschriften bis hin zur
Künstlergrafik der Moderne.
Das absolute Glanzstück präsen­
tiert Heribert Tenschert (Biber­
mühle, Schweiz) mit dem
»Breviarium romanum«, einer
Handschrift aus dem Pariser
Atelier des Jean Piroche von
1494. Die 31 Prachtseiten mit

Bilder: Heribert Tenschert, Ramsen; Antiquariat Petra Bewer, Stuttgart

Vollbordüren auf Gold und Far­
ben waren einst im Besitz von
Octavien de Saint­Gelais (1468–
1502), Bischof von Angoulême
und erfolgreicher Dichter am
Hof Karls VIII. Für das Meister­
werk mittelalterlicher Buch­ von »Raupenbuch« und »Blu­
kunst notiert der Katalog menbuch« im Amsterdamer
760 000 Euro. Herausragend ist Druck von 1730, ausgestattet mit
auch das Angebot des Düssel­ 184 kolorierten Kupfertafeln,
dorfer Heinrich Heine Antiqua­ 38 000 Euro bei Reinhold Berg.
riat, das die vollständige Reihe Goethe und Schiller sind
der Elzevier­Drucke von 1625 bis einmal mehr die Säulenheiligen
1660 anbietet (145 000 Euro). des deutschen Autografenhan­
Merians »De Europische Insec­ dels. Thomas Hatry hält für
ten« war die erste Folioausgabe je 25 000 Euro Briefe und Manu­
skripte der Dichterfürsten
1 bereit, bei Stargardt ist für
16 000 Euro eine Handschrift
Goethes erhältlich. Aus den
Erstausgaben ragt bei Herbert
Blank die 1780 bei Cotta verleg­
te Prüfungsarbeit Schillers
über den »Zusammenhang der
thierischen Natur des Men­
schen mit seiner geistigen« her­
vor, angeboten für 32 000 Euro.
Einen großen Auftritt hat
der Wiener Antiquar Norbert
Donhofer nach dem lang
ersehnten Erwerb der legendä­
ren Sammlung Max Morgen­
stern. Zwei Kataloge versam­
meln neben Vorzugsausgaben
1 Das Plakat aus dem Jahr
auch 25 unikale Einbände, die
1930 bietet Petra Bewer auf der
Antiquaria Ludwigsburg an der 1946 im Exil gestorbene
2 Mit dem «Breviarium romanum», Sammler bei den Wiener Werk­
einer Handschrift von 1494, glänzt stätten in Auftrag gegeben hat.
Heribert Tenschert in Stuttgart BERNT TURE VON ZUR MÜHLEN
ANTIQUARIA LUDWIGSBURG
22. bis 24. Januar
Fast zeitgleich mit der Stuttgar­
ter Messe findet wenige Kilome­
ter entfernt in Ludwigsburg die
29. Antiquaria statt. Gemeinsa­
mer Auftakt, gemeinsames Rah­
menprogramm, darunter eine
Ausstellung mit den Drucken
aus der Werkstatt der Brüder
Kleukens – die von der Antiqua­
rin Petra Bewer organisierte
Ludwigsburger Antiquariats­
messe ist eine Erfolgsgeschichte.
53 Antiquariate aus dem In­ und
Ausland sind mit hervorragen­
der Ware vertreten.
Auch hier passiert man
beim Gang mehr als 500 Jahre
europäische Kulturgeschichte.
1433 brach Graf Philipp von Kat­
zenelnbogen zu einer Pilgerfahrt
in das Heilige Land und nach
Ägypten auf. Zwanzig Jahre
später wurden seine Abenteuer
auf zwölf Pergamentblättern
niedergeschrieben. Die Beschrei­
bung der »lintworme« (Kroko­
dile) war damals eine Sensation.
Nach anderthalb Jahrhunderten
ist das verschollen geglaubte
Manuskript wieder aufgetaucht.
2
Inlibris und Kotte bieten es an
ihrem Gemeinschaftsstand für
450 000 Euro an. Im Schatten
eines solchen Rarissimums ver­
blassen fast der Brief Schillers
an den Weimarer Theaterdirek­
tor für 95 000 Euro und Goethes
eigenhändiger Morgengruß
zum 79. Geburtstag zum Preis
von 35 000 Euro.
Es müssen nicht unbedingt
hochpreisige Objekte sein, die
Sammlerherzen höherschlagen
lassen. Das breite Angebot
erlaubt auch Entdeckungen im
drei­ und vierstelligen Preisbe­
reich. Zum Thema Frauen bie­
tet Petra Bewer sechs Plakate
an, biedere Trachtenträgerinnen
und mondäne Damenköpfe
sind ab 180 Euro zu haben.
Rezek hat Schäfers »Beschrei­
bung derjenigen Gauner, Zigeu­
ner, Straßenräuber, Mörder,
Markt­Kirchen­Tag­ und Nacht­
Diebe, Falschen Geld­Münzer«
für 680 Euro im Angebot. Die
Abbildungen sind wie die Kom­
mentare zu den kriminellen
Aktivitäten höchst unterhalt­
sam. Auf diesem Gebiet hat sich
die Welt seit 1813 nicht verändert.
BERNT TURE VON ZUR MÜHLEN

88
Eberhard Köstler
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54. A N T I Q UA R I ATS M E S S E

KUNSTHANDEL
Was hat »Das rote Männchen« mit Weimar
zu tun? Und mit der Malerei des 19. Jahrhun-
derts? Schließlich gehört es, 1928 gemalt,
doch leibhaftig in die klassische Moderne.
Auch wenn sein Schöpfer ein Wanderer zwi-
schen den Stilen und Malweisen war. Gebo-
ren wurde Christian Rohlfs vor 165 Jahren,
am 22. Dezember. Nur dreieinhalb Jahre vor
jenem 12. Mai 1853, an dem die Buchhand-
lung Utermann als Urzelle der heutigen Ga-
lerie in Dortmund ihre Arbeit begann – Letz-
tere bietet jetzt »Das rote Männchen« an.
Weil Rohlfs nach einem Sturz als 15-Jäh-
riger stark behindert war, konnte er die elter-
liche Landwirtschaft nicht übernehmen.
Doch wurde im Krankenhaus, wo er viel Zeit
verbringen musste, sein zeichnerisches Talent
erkannt, sodass er schließlich 1874 ein Male-
reistudium an der Großherzoglichen Akade-
mie in Weimar beginnen konnte. Die hatte
einen eigenartigen Ruf. Einerseits wollte der
Großherzog möglichst nur adlige Maler als
Professoren verpflichtet wissen, musste sich
AG E N DA
dann aber mit Böcklin und Lenbach beschei-
den. Andererseits geriet die an anderen
Kunstschulen hochgeschätzte Historienma-
lerei in Weimar zugunsten eines eigenständi-
gen Landschaftsstiles ins Hintertreffen. 1882
erregte Rohlfs Aufsehen, weil er den Titel sei-
nes Gemäldes »Kampf gegen falsche Götter«
– von dem man nur durch eine wenig freund-
liche Kritik weiß – weniger als Bebilderung
einer Historie denn als Programm verstand.
Seitdem galt er als eigensinniger Neuerer.
Dazu kam der Einfluss Henry van de Veldes,
der ihn mit den Impressionisten und vor al-
lem mit Karl Ernst Osthaus bekannt machte.
Als der Großherzog anordnete, Rohlfs Frei-
atelier »einem Würdigeren zu geben«, war
das nicht nur Grund für einen Umzug nach
Hagen. Das neue Jahrhundert sah ihn, ob-
wohl eine ganze Generation älter, fortan un-
ter den Expressionisten.
Mit Emil Nolde verbannt ihn eine
Freundschaft, die sich in der Eigenwilligkeit
ihrer spröden Charaktere traf. Auch die Mo-
90
Schaufenster
»Das rote Männchen«
Künstler
Christian Rohlfs (1849–1938)
Werkdaten
Tempera auf Leinwand
1928
Höhe: 77,3 cm, Breite: 56,2 cm
Verzeichnis: Vogt 720
Bild: Galerie Utermann, Dortmund
Kunsthandlung
Galerie Utermann
Silberstraße 22
44137 Dortmund
Tel. 0231 47643737
Preis
140 000 Euro
tive ähnelten sich. Nicht aber die Bilder. Wo
Nolde in Farben schwelgte, bevorzugte
Rohlfs eine pastose Temperamalerei, die die
Atmosphäre des Lichts aufnahm und aus-
strahlte. Und wo Nolde zum Karikieren neig-
te, schildert Rohlfs freundlich die Schwächen
seiner Mitmenschen. Man hat ihm deshalb
nachgesagt, er male einen König, wie ihn ein
Kind im Märchen sehe. Und seine Hexen sei-
en eher grotesk als böse. Immer schwingt da
eine doppelbödige Heiterkeit mit, die wie bei
dem Mann mit »Singvogel« offen lässt, wer
wem die Pfeiftöne beibringt. Das gilt auch für
»Das rote Männchen«. Es könnte Rumpel-
stilzchen sein oder einer der in den Zwanzi-
gerjahren beliebten Grotesktänzer. Oder er-
schrickt es vor dem (hier unsichtbaren) »Tod
als Jongleur«, den Rohlfs zuvor in Holz ge-
schnitten hatte? Vielleicht ist es aber nur eine
Variante jener »Männchen«, die damals seine
Bildwelt bevölkerten. »Das rote Männchen«
stellt keine Fragen und lässt auch keine offen.
Es beflügelt die Fantasie. PETER DITTMAR
Kunsthandel
Reinhold Hofstätter

Drei Tafelbilder Jakobuslegende

Süddeutsch (ev. Franken), um 1480.
Öl auf Eiche.

Die drei Tafeln eines ehemaligen Retabels zeigen Szenen aus der Jakobuslegende
(Jakobspilger sitzen beim Mahl; Ein von zwei Stieren gezogener Wagen transportiert
die Leiche des Heiligen nach Compostela; Das Hühnerwunder).

Maße: jeweils ~ 78 x 36 cm (ohne Rahmen).

Expertise: Dr. Christof Metzger, Albertina Wien, 2012

Bräunerstraße 12
1010 Wien, Austria
office@kunsthandel-hofstaetter.com
www.kunsthandel-hofstaetter.com
 KUNSTHANDEL

Ein Leben unter

Expressionisten
Die Erinnerungen des Berliner
Kunsthändlers Florian Karsch

Ganz hinten im Saal sitzt der junge Mann.

Nicht aus Schüchternheit, sondern weil er er-
kannt hat, dass dies eine gute Strategie ist:
Florian Karsch hält seine Nummer hoch,
wenn alle zum Auktionator Roman Norbert

Ketterer blicken. Bis sie sich umgedreht ha-
ben, weil der in der letzten Reihe erneut ein
Bild ersteigert hat, ist der Arm wieder unten.
So weiß niemand, was Karsch von Ernst Lud-
wig Kirchner und anderen Expressionisten
in den Fünfzigerjahren für seine Galerieaus-
stellungen aus Stuttgart nach Berlin bringt.
Sein Stiefvater Josef Nierendorf hatte in
den 1920er-Jahren die Galerie Nierendorf
übernommen und hier die deutsche, expres-
sionistische Avantgarde gezeigt. Anfangs will
kaum einer kaufen, nach 1933 fehlt zuneh-
mend das Geld. So bleibt die Galerie den
Künstlern oft etwas schuldig, muss ihre Räu-
me aufgeben, in Berlin umziehen und wieder
neu beginnen. Überhaupt verblüffen die vie-
len Parallelen zum Kunsthandel der Gegen-
wart in der eben erschienenen Biografie von
Florian Karsch: »Zwischen Dix und Mueller«
(Edition Andreae, 471 S., 34,90 Euro).
Der 1925 geborene Karsch hat sein be-
wegtes Leben in den vergangenen Jahren auf-
geschrieben; zusammen mit Yvonne Groß,
die den Erinnerungen des großen Berliner
Kunsthändlers lektorierend eine Form gab.
– und Florian, der Zoologie studiert und nur
Vieles davon ist Familiengeschichte, manches
anekdotisch und ins Private verästelt, am
Ende dann aber doch wie so häufig im Kunst-
handel eng mit der Historie der Galerie ver-
knüpft. Karschs Memoiren, seine Briefwech-
sel und die offenkundig aufwendigen
Recherchen erzählen anschaulich von der
künstlerischen Szene insbesondere Berlins
seit den Zwanzigerjahren.
Karschs Mutter Meta lernt Josef Nieren-
dorf nach ihrer Trennung vom Bildhauer
Joachim Karsch kennen. Der Kunsthändler
wirkt in der Hauptstadt, sein Bruder Karl ist
der Tausendsassa und reist unermüdlich in
die USA, weil deutsche Avantgarde hier hoch
geschätzt und besser bezahlt wird. Als er um
1936 auf Hilla von Rebay trifft, die Solomon
R. Guggenheim beim Aufbau seiner Samm-
lung berät, stabilisiert sich die finanzielle Si-
tuation phasenweise. Doch nach dem Krieg
stirbt erst Karl, dessen Nachlass mit dem
Besten der Galerie von der Stadt New York
beschlagnahmt und versteigert wird. Im Jahr
1949 erleidet Josef einen tödlichen Hirnschlag
gelegentlich malt, muss sich entscheiden. Er
hilft der Mutter, arbeitet den eingelagerten
Bestand der Galerie auf, verkauft das eine
oder andere und gibt Kommissionsware zu-
Bilder: Archiv der Galerie Nierendorf; Kristopher McKay/Wassily Kandinsky/Guggenheim Collection/VG Bild-Kunst, Bonn 2014
Das Porträt zeigt Florian Karsch um 1995.
Wassily Kandinskys »Yellow Painting« li.
aus dem Nachlass Karl Nierendorfs erwarb
das Guggenheim Museum New York 1948
rück. Auf diese Art erneuert er alte Freund-
schaften mit George Grosz, Otto Dix oder
Lyonel Feiniger.
In den folgenden Jahren organisiert
Karsch Ausstellungen mit den ehemals ver-
femten Künstlern, legt grafische Editionen
auf, besucht Auktionen von Ketterer oder
Kornfeld in Bern und pflegt auch den Nach-
lass seines Vaters Joachim Karsch. »Ich freue
mich, dass sich Florian nicht für Kunst inte-
ressiert«, hatte der noch 1940 nach entbeh-
rungsreichen Zeiten an seine Exfrau Meta ge-
schrieben. Doch der Sohn startet in eine
andere, erfolgreichere Zeit, mit Ankäufen
etwa der Nationalgalerie Berlin, die Werke
von Grosz oder Hannah Höch erwirbt. An
solche Triumphe, aber auch Fälschungsskan-
dale und Diebstähle in der Galerie, die sich
seit 1963 in der Hardenbergstraße in Charlot-
tenburg befindet, erinnert Karsch. Noch
heute verbringt er dort einen Tag der Woche.
Obwohl er die Galerie Nierendorf 2011 sei-
nem Adoptivsohn Ergün Özdemir-Karsch
übereignet hat. CHRISTIANE MEIXNER

92
 24 JAN--01FEB 2015
TOUR & TAXIS / .BE
BRUSSELS
GUEST OF HONOUR: THE BELGIAN COLLECTOR BY THE KING BAUDOUIN FOUNDATION

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AUKTIONEN
Für den guten
Zweck
Benefizauktion mit Tribal Art
der Sammlung Nerlich
»Von Schätzen trennt man sich zuletzt«, sag-
te der 2012 verstorbene Sammler Wolfgang
Nerlich bei einem seiner letzten Besuche im
Würzburger Auktionshaus Zemanek-Müns-
ter. Gemeint hatte er damit 130 afrikanische
Kleinplastiken, die er bis zu seinem Tod in
einem Safe aufbewahrt und vermutlich nur
wenigen Personen gezeigt hatte. Die fein mo-
dellierten Schnitzwerke waren ihm beson-
ders ans Herz gewachsen.
Sie wurden im März 2013 in
Würzburg versteigert.
Das auf den Bereich
Tribal Art spezialisierte
Haus war dem Sammler-
ehepaar Nerlich seit über
20 Jahren eng verbunden.
Nerlich und seine Frau, die
im Sommer dieses Jahres
verstarb, hatten ab den
Sechzigerjahren Werke der
künstlerisch herausragen-
den Regionen West- und
AG E N DA
Zentralafrikas gesammelt. Sie stan-
den mit anderen privaten Sammlern
in regem Austausch und ließen sich von
Kennern und Experten beraten. Aus ihrer
Leidenschaft für afrikanische Kunst war in
mehr als vier Jahrzehnten eine beeindru-
ckende Sammlung entstanden, deren Viel-
falt und Qualität museales Format besaß. 300
ausgewählte afrikanische Masken und Skulp-
turen aus dem Nachlass werden nun in einer
Benefizauktion versteigert. Zugute kommt
der Erlös dem Förderverein des Kinderpallia-
tivzentrums München.
Aus dem südöstlichen Kongo vom
Stamm der Songe stammt die Maske Kifwebe.
Derartige Masken gehören zur Ausstattung
des Kifwebe-Bundes und werden zu einem
geflochtenen Kostüm und einem langen Bart
aus Raphiabast getragen.
Charakteristisch sind ihre
in kubistischer Form mit
Rillen verzierten Gesichter.
Das zackenförmig angeleg-
te Muster lässt auf das öst-
liche Songe-Gebiet als Ur-
sprungsregion schließen.
Eine Maske mit matt glän-
zender Patina, konkav ein-
geschwungenem Gesichts-
feld und quaderförmigem
Mund ist auf 5000 bis 10 000
Euro geschätzt.
94
Bilder: Zemanek-Münster, Würzburg (2); Privatarchiv
Die Maske Kifwebe aus dem Kongo ist
auf 5000 bis 10 000 Euro taxiert (links).
Mit einer Schätzung von 3000 bis 6000
Euro ruft Zemanek-Münster das Exemplar Mblo
auf. Unten: Das Ehepaar Nerlich
Die Masken der Baule, einem Volk der Elfen-
beinküste, werden vor allem wegen ihrer fei-
nen Ausarbeitung und der besonderen Äs-
thetik geschätzt. Dazu gehört auch die
Gesichtsmaske vom Typ Mblo aus leichtem,
hellem Holz mit Resten schwarzbrauner Pa-
tina. Die Frisur ist in flachem Relief in drei
konzentrischen Halbkreisen angelegt, die
die hohe Stirn säumen. Der Kopf wird durch
bogenförmig ausschwingende Schöpfe an
den Seiten zusätzlich betont. Das Gesichts-
feld der zum Kinn hin schmal zulaufenden
Maske ist durch einen ruhigen, verinnerlich-
ten Ausdruck charakterisiert.
Masken dieser Art porträtieren Männer
und Frauen, die bekannt sind für ihre Schön-
heit, ihren politischen Status oder ihre Bega-
bung als Tänzer. Mit niedergeschlagenen Au-
genlidern und geschlossenen Lippen deuten
die Gesichtszüge Respekt und Selbstbeherr-
schung an und repräsentieren gleichzeitig
ein Ideal der Baule-Kultur. Taxiert ist das
Stück auf 3000 bis 6000 Euro. STEFFI KUPKA
Zemanek-Münster, Würzburg, 31. Januar,
tribal-art-auktion.de
 10. Berlin-Auktion
Münzen- und Goldhandel

am 29. Januar 2015 im Estrel Auktionshaus für Münzen und Medaillen

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1
ALTE MEISTER IN NEW YORK
Christie’s, 27. bis 29. Januar
Sotheby’s, 28./29. Januar
Bei Christie’s fällt das Angebot
in der Altmeisterwoche Ende
Januar besonders üppig aus.
Neben den regulären Auktio-
nen von Gemälden und Zeich-
nungen Alter Meister steht am
27. Januar die bekannte Abbott-
Guggenheim-Sammlung an.
Über 60 Jahre lang sammelten
John Abbott und der als Kind
aus Nazideutschland emigrierte
und 2012 verstorbene Peter
Guggenheim, beide Psychiater
in New York, europäische
Skulpturen der Renaissance
und des Barock samt Uhren.
Vieles wurde in wichtigen
internationalen Museen gezeigt.
Und obwohl Sotheby’s bereits
im Januar 2011 einige Stücke zu
guten Preisen absetzen konnte,
1 Willem Danielsz van Tetrode,
»Herkules Pomarius«, aus dem
dritten Viertel des 16. Jahrhunderts,
Bronze, H. 54 cm, Christie’s, New
York, Taxe 1,5 bis 2,5 Millionen Dollar
2 Girolamo Macchietti, »Bacchanal
auf Andros«, 1560/70, Öl/Lw.,
31 x 175 cm, Sotheby’s, New York,
Taxe 800 000 bis 1,2 Millionen Dollar
AUKTIONEN
wird Christie’s nun das Gros
von etwa 150 Losen, für die über
15 Millionen Dollar erwartet
werden, verteilen. Höhepunkte
sind dabei zwei Figuren aus
Bronze des sehr innovativen
Delfter Bildhauers Willem
Danielsz van Tetrode, der sei-
nerzeit auf muskulöse männli-
che Körper spezialisiert war.
2
96
Für die 54 Zentimeter hohe
Plastik des Herkules Pomarius,
die aus dem dritten Viertel des
16. Jahrhunderts stammt, ließ er
sich von der berühmten antiken
Figur des Herkules Farnese
anregen (Taxe 1,5 bis 2,5 Millio-
nen Dollar). Auch das einfluss-
reiche, später von Rubens
gezeichnete Ecorché eines
Mannes, das während Tetrodes
Italienaufenthalt um 1565 ent-
stand, soll mindestens 1,5 Millio-
nen Dollar einbringen.
Bei Sotheby’s wird der
Kunsthändler Fabrizio Moretti
in der Woche der Altmeister-
auktionen am 29. Januar eine
Spezialversteigerung von etwa
30 Gemälden und Skulpturen
der Renaissance und des Manie-
rismus bestücken. Mit seinen
37 Jahren hat es der auf seltene
italienische Goldgrund- und
frühe Renaissancegemälde spe-
zialisierte Händler schon ziem-
lich weit gebracht.
Niederlassungen in London,
Florenz und New York haben
ihm den Respekt seiner älteren
Kollegen längst verschafft.
Der Erlös der Sonderauktion
wird sowohl seiner Fabrizio-
Moretti-Stiftung »Onlus«, die in
seinem Geburtsort Prato ein
Reittherapiezentrum errichtet,
als auch einem Fonds am
Metropolitan Museum of Art
zur Forschung und Konservie-
rung italienischer Altmeister
zugutekommen.
Zu den Höhepunkten der
Auktion, die mit bewusst massi-
gen Taxen lockt, zählt ein Paar
besonders seltener veneziani-
scher Goldgrundgemälde, das
die beiden Heiligen – Katharina
von Alexandrien und Sigis-
mund von Burgund – zeigt.
Lorenzo Veneziano (aktiv 1356–
1372) malte die Figuren wahr-
scheinlich in den 1360er- oder
1370er-Jahren (600 000 bis
800 000 Dollar).
Vom Florentiner Manieris-
ten Girolamo Macchietti
Bilder: Christie’s New York; Sotheby’s New York
stammt das bewegte Vielfigu-
renbild »Bacchanal auf Andros«
aus der Zeit um 1560/70, das
einige gerade wiederentdeckte
antike Skulpturen, wie etwa
Kleopatra und Apollo von Bel-
vedere, zitiert. Geschätzt ist
das Ölgemälde auf 800 000 bis
1,2 Millionen Dollar.
BARBARA KUTSCHER
 JSM-AUKTIONEN
Nürnberg

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1
TRIBAL ART
Lempertz
Brüssel, 27. Januar
Die Kunst des nige­
rianischen Stammes
der Yoruba bildet
einen Schwerpunkt
der reich bestück­
ten Auktion afrika­
nischer und ozea­
nischer Kunst.
Künstlerisch ragt
ein fein
geschnitzter
Yoruba­Shan­
go­Stab aus der ersten
Hälfte des 19. Jahrhunderts
(Taxe von 15 000 bis 20 000 Euro)
heraus. Die weibliche Figur
kam bei den Tänzen des Shan­
go­Kultes zum Einsatz. Der
gezogene Kopf stellt eine Dop­
pelaxt dar, die Shango, den
Donnergott symbolisiert.
Ebenfalls im Stammesgebiet
der Yoruba zu Hause ist eine
Gruppe der kleinen Ere­Ibeji­
Zwillingsfiguren (Taxen 800 bis
5000 Euro). Die Figuren stam­
men aus der Sammlung von
Jacques Vogelzang, dem Doyen
für afrikanische Stammeskunst
und Ehrenpräsident der nieder­
ländischen Association of
Friends of Ethnographica.
Eine Mbunda­Maske aus
Ostafrika, eine Nkisi­Figur aus
dem Kongo und eine der
dekorativen Wandtafeln aus Ini­
tiationshäusern in Angola
komplettieren die afrikanische
Seite der Auktion, die in der
kürzlich eröffneten Repräsen­
tanz stattfinden wird.
FRANK MAIER-SOLGK
2
AUKTIONEN
DEKORATIVE KUNST
Van Ham
Köln, 28. Januar
In der Abteilung Möbel ragt
eine Régence­Kommode mit
vier Schüben aus exotischem
Königsholz heraus. Um 1730
von einem französischen Ebe­
nisten gefertigt, zeichnet sich
der Korpus durch eine leicht
geschwungene Front und abge­
rundete Kanten aus.
Die Rocaille­Beschläge
der Kommode entfalten
eine große dekorative Wir­
kung. Sie wurde aus der Samm­
lung des 2012 verstorbenen
Unternehmers und Kunst­
sammlers Friedrich Victor Rolff
eingeliefert und gehörte zur
Ausstattung von Burg Glad­
bach. Der Schätzpreis liegt bei
3000 Euro.
In der Abteilung Porzellan
fällt eine Figurengruppe von
Johann Joachim Kändler ins
Auge. Die Porzellangruppe der
Manufaktur Meissen besticht
durch eine feine Bemalung mit
Blumenmotiven und Gold­ und
Violetttönen. Sie zeigt Pluto,
der Proserpina, die Tochter des
Zeus, über der Schulter trägt.
Während die Figur des Plu­
to sehr an Berninis Gott der
Unterwelt in der Villa Borghese
in Rom erinnert, scheint die
Proserpina gänzlich Kändlers
eigene Erfindung zu sein. Da es
sich hierbei um eine relativ spä­
te Ausformung (vor 1924) han­
delt, wird das bestens erhaltene
Stück zu einem sehr moderaten
Schätzpreis von 500 Euro ange­
boten. MARTIN MIERSCH
98
3
MÜNZEN UND MEDAILLEN
Künker
Berlin, 29. Januar
Auch in diesem Jahr nutzt das
Osnabrücker Haus die Anzie­
hungskraft der Berliner Münz­
messe für eine Sonderauktion
in der Hauptstadt mit einem
Riesenangebot an Münzen und
Medaillen der Neuzeit. Im Mit­
telpunkt stehen neben seltenen
Prägungen des Auslandes die
altdeutschen Münzen, darunter
rund 90 Taler und Doppeltaler,
zum Teil große Raritäten.
Einer der Schwerpunkte
liegt dabei auf den sächsischen
Prägungen. Aufmerksamkeit
verdient ein talergroßes Gold­
stück im Wert von fünf Gulden,
das 1630 unter dem Kurfürsten
Johann Georg I. zum 100. Jubi­
läum der Augsburger Konfes­
sion geprägt wurde und an ein
bedeutsames Ereignis der deut­
schen Geschichte erinnert. Auf
dem Höhepunkt der Glaubens­
streitigkeiten hatten die evan­
gelischen Reichsstände 1530
unter Führung des sächsischen
Kurfürsten Johann, genannt der
1 Yoruba-Shango-Stab, Nigeria,
erste Hälfte des 19. Jh., Holz,
H. 63 cm, Lempertz, Brüssel,
Taxe 15 000 bis 20 000 Euro
2 Kommode Régence, Frankreich,
um 1730, Königsholz, Marmorplatte,
Vier Schübe, 83 x 128 x 65 cm, Van
Ham, Köln, Schätzpreis 3000 Euro
3 Goldmünze, Kfm. von Sachsen
Georg I. (1615–1656), fünf Gulden,
Dresden, 1630, Künker, Berlin, Limit
6000 Euro
4 Emil Rau (1858–1937), »Halb-
porträt einer jungen Frau im Dirndl
und mit Trachtenhut«, Öl/Lw.,
71,5 x 55,5 cm, Allgäuer Auktionshaus
Kühling, Kempten, Limit 1000 Euro
Beständige, ein Bekenntnis zu
ihrem Glauben abgelegt.
Die dem Kaiser übergebene
Schrift, deren Kernthese die
religiöse Toleranz ist, zählt
noch heute zu den Bekenntnis­
schriften der evangelisch­
lutherischen Kirchen. Die Mün­
ze zeigt die Brustbilder der
beiden Fürsten mit geschulter­
tem Kurschwert (Schätzpreis
6000 Euro). HARTMUT KREUTZER
Bilder: Lempertz, Brüssel; Künker, Münzauktion und Goldhandel; Allgäuer Auktionshaus Kühling, Kempten; Van Ham Kunstauktionen Köln
KUNST UND ANTIQUITÄTEN
Allgäuer Auktionshaus Kühling
Kempten, 9./10. Januar
Mit 2500 Objekten startet das
Auktionshaus in seine Winter­
saison. Zu den Spitzenlosen
zählt das Gemälde »Zweimaster
vor der kalabrischen Küste« von
4
Michael Zeno Diemer, das mit
einem Limit von 2500 Euro
angesetzt ist.
Während seiner Zeit an der
Kunstakademie dürfte Diemer
Emil Rau begegnet sein. Rau,
1858 in Dresden geboren, lernte
in der Münchner Maxvorstadt
unter Alexander Wagner. Der
Alltag auf der Alm wurde später
sein bevorzugtes Motiv. Ver­
schmitzt mustert die »Junge Frau
in Dirndl und mit Trachtenhut«
ihr Gegenüber (Limit 1000 Euro).
Mit einem Mindestgebot
von 650 Euro kann eine signier­
te Farbradierung von Salvador
Dalí ersteigert werden. Es han­
delt sich um das Blatt »Thou art
all faire, my love: there is no
spot in thee.« LAURA STORFNER
Das Automobil als Kunstobjekt gewinnt speziell in Form von Oldtimern immer mehr an Bedeutung.
Vor allem Formen und Designs der 50er und 60er Jahre begeistern viele Fahrzeugliebhaber. Das
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Wenn ein Weltkonzern seinen 100. Geburts-
tag feiert, dann wird dies mit entsprechen-
dem Aufwand begangen. So gönnte man
sich bei Daimler-Benz 1986 eine Anzeigense-
rie, die die wichtigsten Autos des vergange-
nen Jahrhunderts würdigte. Der Clou dabei:
Man wählte auch Modelle der Konkurrenz
aus, versehen mit dem diskreten Hinweis,
dass sie letztlich Abkömmlinge des Originals
seien. Diese Anzeigen wiederum brachten
den Düsseldorfer Galeristen Hans Mayer auf
eine Idee. Beherzt griff er zum Telefon und
überzeugte den Daimler-Benz-Manager
Hans-Joachim Baumgart, eine Serie von
Siebdrucken bei Andy Warhol in Auftrag zu
geben, die sich auf die Anzeigenmotive be-
ziehen sollten. Baumgart hatte dafür nur
zwei Bedingungen: Erstens sollte sich die
Serie ausschließlich Fahrzeugen aus Stuttgart
widmen, und zweitens wollte er vor der end-
gültigen Auftragserteilung zunächst ein bis
zwei fertige Bilder sehen.
»Warhol nutzte die Steilvorlage perfekt«,
erinnert sich Mayer, »er wählte ein Foto des
legendären 300 SL-Coupés mit den Flügeltü-
AG E N DA
ren aus und schuf vier Drucke: eine Serie und
eine Arbeit mit dem Wagen vor einer grünen
Landschaft.« Die Bilder waren so fantastisch,
dass der Factory-Gründer schon bald einen
Großauftrag über 80 Motive erhielt. Doch
nicht alle konnten verwirklicht werden, da
Warhol am 22. Februar 1987 überraschend
verstarb. Wenn Hans Mayer an diese Tage zu-
rückdenkt, spricht er von einer »Tragödie«:
»Mit Edzard Reuter hatte ich eigentlich am
3. März 1987 einen Termin bei Warhol in
New York, um zwei weitere Werke abzuho-
Autoquartett: der Grand-Prix-Rennwagen
W125 von 1937 im Warhol-Look. O. ein Merce-
des 400 Tourenwagen aus dem Jahr 1925
100
Bilder: The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts/Daimler AG (2)
len. Wir nahmen sie mit, fasziniert von der
Qualität und bedrückt vom Wissen, dass der
Rest nie geschaffen werden würde.«
Heute genießt dieser Warhol-Zyklus in-
nerhalb der 1977 gegründeten Daimler Art
Collection einen besonderen Stellenwert.
Und man teilt diesen Schatz gern mit ande-
ren. So werden derzeit im MAC Museum in
Singen 40 Werke der »CARS-Serie« von
Andy Warhol zusammen mit sieben Oldti-
mern aus der Mercedes-Benz Classic Collecti-
on ausgestellt, darunter der Benz Patent Mo-
torwagen von 1886, der Formel-1-Rennwagen
W196 R Stromlinie oder der 300 SL Gullwing.
Die Ausstellung beleuchtet neben der Ent-
stehungsgeschichte der Warhol-Bilder auch
deren Bedeutung für die Auftragskunst.
Hermann Maier, der Stifter des MAC Museum
Art & Cars, freut sich über diesen Coup: »Seit
2000 gab es nur wenige Orte, an denen die
CARS-Serie gemeinsam mit den von Warhol
porträtierten Automobilen zu sehen waren.«
Für den Galeristen Hans Mayer ist die
Ausstellung einmal mehr eine Erinnerung
an die Zusammenarbeit mit einem großen
Künstler: »Man kann Mercedes-Benz nur be-
glückwünschen, dass man sich zum Geburts-
tag diese Warhols schenkte. Und das ohne zu
ahnen, dass sie eines Tages ein Vermögen
wert sein würden.« JÜRGEN LEWANDOWSKI
»Andy Warhol. CARS«, bis zum 17. Mai im MAC
Museum Art & Cars in Singen
 GeSchichTe SchReiBeN uND

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BÜCHER
Über allen Wipfeln

Bilder: Michael Schmidt/Stiftung für Fotografie und Medienkunst mit Archiv Michael Schmidt/Courtesy Galerie Nordenhake Berlin/Stockholm; Ernst Wilhelm Nay/VG Bild-Kunst, Bonn 2014
ist Ruh
Michael Schmidts letzter Bildband
sieht die Natur in Graustufen

Früher patrouillierte Michael Schmidt auf

den Straßen Berlins. Später tauschte der jun-
ge Polizist seine Uniform gegen eine Kamera.
In Kreuzberg und Wedding, wo die Fassaden
traurig waren, hielt er das Westberlin vor der
Wende fest: Rentner, die auf die Jugend
schimpfen, Punks mit halb geschlossenen
Augen und immer wieder verwaschener Be-
ton. Seine Bilder waren sachlich, ohne kon-
zeptionell zu wirken. Schlicht, ohne den An-
spruch, malerisch zu sein. In Grautönen
zwischen Ästhetik und Dokumentation
schaute er mit teilnahmslos poetischem Blick
auf eine erstarrte Stadt, die nicht so recht
wusste, wohin mit sich.
Auch auf dem Land suchte er die
Nahwelt, die die Deutschen Heimat nennen.
Zehn Jahre lang, zwischen 1987 und 1997,
fuhr Schmidt durch die Provinz und fotogra-
fierte die Landschaft. Damals, als Langsam-
keit noch nicht Entschleunigung hieß. Der
Bildband »Natur«, der wenige Tage nach
Schmidts Tod im Frühjahr dieses Jahres ge-
druckt wurde, fasst seine stille Wanderung
zusammen: Hier weicht der Plattenbau lee-
ren Pfaden, heimischen Wäldern, natürli-
chen Nichtorten zwischen Flussufern und
Unterholz. Äste legen sich übereinander,
Baumstämme reihen sich geordnet auf. Mal
sitzt ein Vogel im Dickicht, mal steht eine Deutscher Wald, frei von Pathos: finden, pflegte er zu sagen, denn die Welt tei-
Kuh auf der Weide. Den Menschen hat Foto ohne Titel aus »Natur« (1989/2014) le sich nicht in Extreme, sondern in Zwi-
Schmidt auf seiner Reise ausgespart. schentöne. Seine Motive entziehen sich der
Der Mythos des Waldes, den deutsche Interpretation, sie lassen das Ausbeutungsver-
Künstler oft als Teil ihrer Identität pflegen, Sein fotografischer Stil bringt Nachbilder hältnis zwischen Mensch und Natur nicht
erfährt bei Schmidt eine Dekonstruktion. Er hervor, Bilder, die vor dem inneren Auge ent- moralisch anklingen, nicht mal, wenn sich
vermisst das Gebiet neu, überarbeitet die To- stehen, wenn sich zwei Fotografien zu einer gerodete Waldabschnitte aus der Vogelpers-
pografie und filtert das Bild der Landschaft dritten verbinden. Dezent ordnete er seine pektive hellgrau abzeichnen. Die Natur wird
so lange, bis sie ihre Romantik ablegt. Seine meditativen Eindrücke in einem System aus nicht als fremdes Gegenüber erlebt, sondern
Fotografien befreien die deutsche Eiche von Freiflächen und Wiederholungen zu einer steht auf diesen Fotos im direkten Austausch
germanischer Symbolhaftigkeit, jahrhunder- Zusammenschau, die sich im Grau, das bei mit dem Menschen: Sie muss nicht mehr
tealte Baumstämme von majestätischer Ho- Schmidt so viele Nuancen hatte, verliert. überladen, sondern kann ganz unmittelbar
heit. Schmidt spielt mit Tiefenschärfe und Die Sonne verschiebt sich zu fleckigen betrachtet werden. Das zeigt uns Schmidt auf
Fokus, tritt einen Schritt zurück, um die Sze- Schattierungen, die nach und nach dunkler seinem letzten Weg. LAURA STORFNER
ne aus einem anderen Winkel wiederzuge- werden, um sich schließlich silbrig auf den
ben, den Betrachter aufzufordern, innezu- Moosboden zu legen. Ein tiefes Schwarz oder Michael Schmidt, »Natur«, Mack Books,
halten und genau hinzusehen. helles Weiß würde man in seinen Bildern nie 104 Seiten, 40 Euro

102

Was sich in Syrien abspielt, ist
eine Tragödie. Seit Ausbruch
des Bürgerkriegs kamen fast
200 000 Menschen ums Leben,
weitere neun Millionen sind auf
der Flucht. Der Linderung ihres
Leids gehört die erste Sorge des
Westens. Dass in diesem Krieg
jedoch auch nach und nach die
Kultur eines über fünf Jahrtau-
sende kontinuierlich besiedelten
Landes vernichtet wird, daran
erinnert dieser schmale, aber
wichtige Band: Trümmerfelder
in der Altstadt von Aleppo, zer-
schossene Säulen in Palmyra,
Raubgrabungen in Dura Euro-
pos – zahlreiche schmerzvolle
Fotografien, die zum Teil von
syrischen Museumsbehörden
und Privatleuten stammen,
bezeugen, wie in Syrien gerade
Feuer an die Wiege der Mensch-
heit gelegt wird.
Mamoun Fansa (Hg.), »Syrien –
Sechs Weltkulturerbe-Stätten in den
Wirren des Bürgerkriegs«,
Nünnerich-Asmus, 128 S., 29,90 Euro
Angeregt durch die Sprachphi-
losophie Wittgensteins kam ein
junger Amerikaner namens
Bruce Nauman Anfang der
Sechzigerjahre ins Grübeln:
»Was ist ein Künstler?«, fragte er
sich. Antwort: ein Körper in
einem Atelier. Nächste Frage:
»Was soll ein Künstler tun?« Aus
diesem Problem entwickelt
Kurz & knapp
Nauman seit sechs Dekaden
sein vielschichtiges Werk. Er
hat etwa den Luftraum unter
einem Stuhl als Skulptur gegos-
sen (quasi Anti-Minimal-Art)
und sich beim Herumlaufen im
Atelier gefilmt (und wurde so
ein Pionier der Videokunst).
Zahllose zeitgenössische Epigo-
nen belegen heute seinen Ein-
fluss. Dieser opulente Werkkata-
log (nur auf Englisch), verfasst
von einem der ältesten Weg-
begleiter, ist die neue Bibel für
Nauman-Aficionados.
Bruce Nauman, »The True Artist«,
Phaidon, 288 S., 100 Euro
Seit 1990 gehört die Pfaueninsel
in Berlin zum Weltkulturerbe
der Unesco. Thomas Hettche
hat ihr einen hinreißenden his-
torischen Roman gewidmet,
dessen sprachliche Schönheit
den prächtigen Vögeln ent-
spricht, welche die Kaninchen,
die zu Zeiten des Großen Kur-
fürsten hier gezüchtet wurden,
ablösten. Die Havelinsel ist der
paradiesische Schauplatz einer
Zwergin, die zu Zeiten der
königlichen Sommerresidenz
tatsächlich hier als Schlossfräu-
lein gelebt hat. Um ihr Schick-
sal und ihr zartes Lieben rankt
der Autor ungemein feinsinnig
die historischen Zeitläufe.
Hettche macht den Leser mit
den Großen vertraut, die auf
der Insel gewirkt haben, ob
Johannes Kunckel, Schöpfer
leuchtender Rubingläser, oder
Karl Friedrich Schinkel, der
das Kavaliershaus gebaut hat.
Thomas Hettche, »Pfaueninsel«,
Kiepenheuer & Witsch, 19,99 Euro
103
Als Kind verbringt er mehr Zeit
in der Dunkelkammer als auf
dem Spielplatz. Mit 14 verkauft
er seine ersten Bilder an das
MoMA. Neun Jahre später folgt,
nach Nächten in Andy Warhols
Factory, die erste Einzelausstel-
lung im Metropolitan Museum:
Stephen Shore hätte sich ohne
Weiteres vor dem 30. Geburts-
tag zur Ruhe setzen können.
Stattdessen leuchtete er den
flüchtigen Alltag zwischen Pop
und Highway aus und brachte
den Amerikanern die Farbfoto-
grafie bei. Er findet satte
Pastelltöne für leere Motelzim-
mer, Tankstellen und Auto-
bahnraststätten. Richtet seine
Kamera auf Pancakes im Diner
und Menschen, die seinen Weg
kreuzen. Der Band erzählt die
Geschichte eines Chronisten:
von den ersten Aufnahmen in
Schwarzweiß bis zur Farbserie
»Winslow, Arizona«, die Shore
im vergangenen Jahr beendete.
Stephen Shore, »Retrospektive«,
Kehrer Berlin, 320 S., 49,90 Euro
Sabine und Thomas Bergmann
haben sich die Herkulesaufgabe
gestellt, alle Figuren der Porzel-
lanmanufaktur Meissen nach
Modellnummern und Künst-
lern in einem Nachschlagewerk
zu erfassen. Auf den ersten
Band, der die Entstehungsjahre
1850 bis 1960 behandelte, folgt
jetzt der zweite Teil – 1764 bis
1851 – einer sich in der Zeit
zurückbewegenden Trilogie. So
tanzt der bunte Figurenreigen
allmählich vom Klassizismus
zum Rokoko. Da jedes Modell
mit eigenem Foto gezeigt wird,
erhält man einen Eindruck von
der Vielfalt des Meissener Kos-
mos – und vom Esprit der Zeit:
Da flüchtet sich schon mal ein
vorwitziger Putto unter das
Kleid einer jungen Adeligen
(»Die verlorene Unschuld« von
Michel Victor Acier), und in der
Gruppe »Liebesmarkt« von
Christian Gottfried Jüchtzer
hält eine Zofe eine Amorette an
den Flügeln in die Höhe, als
wäre sie eine Weihnachtsgans.
Amüsant und doch informativ!
Sabine & Thomas Bergmann,
»Meissener Figuren. Band II
(Modellnummern A1-Z99)«,
Kurt Götz, 319 S., 95 Euro
Ernst Wilhelm Nay war ein
Workaholic, lange bevor man
das Wort kannte. Berühmt
wurde er für bunte Ölgemälde,
doch auch seine Papierarbeiten
umfassen insgesamt weit mehr
als 6000 Blätter. Nachdem man
2012 begann, Nays Schaffens-
drang auf Papier im ersten Band
seines Werkverzeichnisses für
Aquarelle, Zeichnungen und
Gouachen aufzulisten, folgte
nun der zweite von insgesamt
drei Teilen. Zwei Werkphasen
werden untersucht: die »Fuga-
len Bilder« mit ihren verschlun-
genen Farben und die »Rhyth-
mischen Bilder«, in denen Nay
vollkommen abstrakt wurde.
Nay Stiftung, »Ernst Wilhelm Nay.
Werkverzeichnis 1949–1953«, Band 2,
Hatje Cantz, 464 S., 248 Euro
 W E LT K U N S T

KUNSTSTÜCK Nº   4 8

VON
C H R I S T OP H M Ü L L E R

Bild: Göran Gnaudschun, Gabriele Bröcker/Staatliches Museum Schwerin

Joos de Momper
»Hochgebirgslandschaft mit Pilgern«, um 1620
Staatliches Museum Schwerin, Schenkung Müller

104
 Ü
ber ein »Lieblingsbild« soll
ich schreiben. Es soll zu
meiner eigenen Samm-
lung, zum »Kosmos der
Niederländer« des 17. Jahrhunderts gehören.
Am Anfang, so einfach könnte ich es mir ma-
chen, muss ich ja jedes von mir erworbene
Bild unsagbar liebhaben, sonst hätte ich es
wohl nicht gekauft. Doch hielt nicht jedes im
Lauf der nunmehr fast dreißig Jahre dazuge-
kommene Objekt auf Dauer meiner durch-
aus kritischen – auch selbstkritischen – Wert-
schätzung stand, sodass konsequenterweise
auch mehrere meiner Niederländer nicht in
die Schwerin-Schenkung aufgenommen
worden sind. Also das mit dem »Lieblings-
bild«, wenn es denn nur ein einziges sein
darf, ändert sich fast zwangsläufig.
Ich lebe sehr intensiv mit meinen Bil-
dern. Sie aber auch mit mir, recht eigentlich
erst durch mich. Wir reden miteinander, wir
vertrauen uns. Denn dies bleibt vom ersten
Moment der Begegnung zwischen uns in die-
ser mysteriösen Liebesbeziehung konstant:
Meine Bilder (die immerhin mindestens 350
Jahre auf dem Buckel haben) bekommen zu
spüren, dass ich mich für sie inklusive ihren
Schöpfer verantwortlich fühle: einen indivi-
duell zu ihnen passenden Rahmen besorge,
mit unerlässlicher Hilfe der Restauratorin
Daniela Baumberg nicht nur ihre nachdun-
kelnde Firnis-Schutzschicht erneuern lasse
und damit überhaupt erst ihren heilen Fort-
bestand sichere. Sie wortwörtlich ins best-
mögliche Licht rücke und sie nicht selbst-
süchtig nur für meine Augen reserviere,
sondern sie trotz nicht geringem Trennungs-
schmerz einer hoffentlich kunstbegeiste-
rungsfähigen Öffentlichkeit übereigne.
Gern und häufig mache ich Führungen
durch meine Sammlung, die vor der Schen-
kung nach Schwerin unter anderem in Ulm,
Reutlingen, Jena, Tübingen, Leipzig, Berlin,
Hamburg oder Köln ausgestellt war. Natür-
lich werde ich vor oder nach jeder Führung
gefragt, was denn mein Lieblingsbild sei.
Nun ja, auf jeder Station war es ein anderes.
Man fragt mich jedoch so etwas nicht unge-
straft: Ich frage zurück und die von meinen
meist mehrstündigen Führungen glücklich
erschöpften Ge- und Verführten müssen ih-
ren Favoriten benennen, was schon zu klei-
nen Ehekrisen geführt hat.
Ein Großteil meiner flämischen und
holländischen Bilder (was keineswegs dassel-
be ist!) führt dazu, dass der Kunstgenuss sich
gleichschaltet mit einem Naturgenuss, wie
ihn die wirkliche Umwelt heutigentags nicht
mehr so mannigfach bietet. Doch das fast fo-
tografisch genaue Abschildern einer in je-
dem Detail wiedererkennbaren Außenwelt
des 17. Jahrhunderts eröffnet heutigen Men-
schen die Chance zu einem Gewinn fürs Le-
ben und Erleben: durch das Vertrauen auf
Vertrautes beim Kunstgenuss, der zugleich
Naturgenuss ist und umgekehrt. Denn »die
Natur ist das Dauernde, Ewige, die sich wan-
delnden Stilformen sind ephemer; mit unse-
ren Erfahrungen aus der Wirklichkeit kön-
nen wir uns mit den Künstlern aller Zeiten
einigermaßen verständigen«. So erhellend
hat das mein großer Niederländerkunst-
Lehrmeister Max J. Friedländer (1867–1958)
formuliert, nachzulesen in seinem für jeden
Museumsbesucher alle nur denkbare Arten
von Seh- und Denkhilfe bereithaltenden Va-
demecum »Von Kunst und Kennerschaft«
aus dem Jahr 1939.
Und noch etwas habe ich bei meinen
Führungen gelernt: Das Bewerten oder, bes-
ser gesagt, das Liebhaben von Bildern fällt
beim »normalen« Museumsbesucher meist
diametral anders aus als bei den zuständigen
Kustoden und Kunsthistorikern. In Tübin-
gen, Berlin und Schwerin habe ich die Füh-
Die Niederländer schufen
ihre Werke nach dem
Motto »Nach dem Leben«
und »Aus dem Kopf«.
rungsteilnehmer gebeten, ihr Lieblingsbild
zu benennen. Das schriftlich ermittelte Um-
frage-Ergebnis verblüffte jedes Mal die be-
rufsmäßigen Experten der Häuser: Ihre Fa-
voriten landeten weit abgeschlagen. Kein
Verlass also auf feste Kriterien beim Kunst-
betrachten. Drum merke mit Friedländer:
»Jedes Zeitalter bekommt neue Augen. Der
Italiener sieht anders als der Deutsche. Ich
sehe anders als du, sehe heute anders als ges-
tern.« Das gilt natürlich auch für mich.
Und so will ich denn für das Freiburger
Gastspiel mein Lieblingsbild küren. Es ist ein
Flame, Joos de Momper (1564–1635). Er ist be-
rühmt für seine farbkräftigen, weiten Ge-
birgs-und-Tal-Landschaften. Unser Bild trägt
den von irgendjemand, nur nicht vom Maler
selbst erfundenen Titel »Hochgebirgsland-
schaft mit Pilgern«, wobei die staffagehaft
eingefügten Pilger vom Kollegen Sebastian
Vrancx stammen – Arbeitsteilung war da-
mals üblich, denn jeder Maler kaprizierte
sich auf ein Spezialgebiet.
Joos de Momper hat sein plattes Hei-
matland wohl nie verlassen. Also hat er diese
bizarren braunen Gebirgsungetüme nur er-
funden oder von anderen abgemalt? Viele
105
Möglichkeiten hatte er nicht, er konnte
höchstens von den Kupferstichen anderer ab-
kupfern. Erfundene Wirklichkeitsvorspiege-
lung also. Die Niederländer folgten keiner
landeseigenen Kunstdoktrin, sie schufen ihre
Werke nach dem Motto »Nach dem Leben«
und »Aus dem Kopf«. Und sie malten nie vor
Ort, zeichneten die Originallandschaft
höchstens in den Skizzenblock, danach ging
es ins Atelier. Die Freiluftmalerei gab es erst
mit Beginn des 19. Jahrhunderts.
Umso malerischer ist das 49 mal 66
Zentimeter große Bild. Es ist diagonal aufge-
teilt, links der karge Erdenteil, rechts der un-
endlich in die Ferne gleitende, überirdische
Ausmaße annehmende Himmel. Farbper-
spektivisch erst braun, dann gelbgrünlich,
schließlich blendend, strahlend blau. Ein
Himmelskosmos, eine Himmelsorgie. Für
die alpine Landschaft ziemlich schlecht aus-
gerüstete Pilger nicht nur vorn (samt dem no-
torischen Hund, den die Niederländer über-
all hineinmalten), sondern auch klitzeklein
auf einer Brücke im Hintergrund. Hochsym-
bolisch zerborstene Bäume, drei Gemsen
und ein Vogelgeschwader, das man erst bei
ganz genauem Hingucken entdeckt. All dies
verschwindet, wird aufgesogen vom kaum
wolkengetrübten Blau. Die von Mensch und
Tier mühsam bevölkerte Erde – sie hat nur
einen zählenden und alles umhüllenden
Partner oder Gegenpol, den Himmel. Dies
ist die Botschaft des Malers.
Nochmals zurück zu Friedländer und
dem Bildbetrachten. Am meisten vertraute
er im Hinblick auf empfangsbereite Gemüter
auf Intuition und ersten Eindruck. Ganz au-
tomatisch habe ich deshalb an Friedländer
gedacht, als ich jüngst Edward Dolnicks
spannendes Buch über das Kunstfälschen ge-
lesen habe und dabei Thomas Hoving, den
ehemaligen Chef des Metropolitan Museum
in New York, als eine Art saloppen Vollstre-
cker Friedländers zitiert fand. Er erteilte al-
len gelernten und ungelernten Kunstgu-
ckern folgenden Ratschlag: »Schau kurz hin
und gleich wieder weg! Vertraue dem ersten
Eindruck, den du im Bruchteil einer Sekun-
de gewonnen hast. Sei dumm! Wenn du ein
Kunstwerk betrachtest, dann blende alles
Wissen aus – lass das Kunstwerk sprechen:
Rede mit mir, Baby! Wenn du es reden lässt,
wird es dir auch etwas sagen!« Und so wollen
wir es auch in Freiburg halten. ×
Christoph Müller war von 1969 bis 2004 Besitzer
und Chefredakteur des Tübinger Tagblatts. 2013
schenkte er seine Sammlung niederländischer Ge-
mälde dem Staatlichen Museum Schwerin. Der
»Kosmos der Niederländer« ist bis 12. April im Au-
gustinermuseum in Freiburg im Breisgau zu sehen,
danach in Papenburg und Stettin (Szczecin)
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unserer Venedig-Spezialistin Frau Dr. Gregorin
die Höhepunkte der Biennale 2015, und treffen 040/32 80-176
Sie an einem Nachmittag Frau Schäfer, die Vene-
dig -Korrespondentin derWeltkunst. Sie besich- zeitreisen.zeit.de/biennale
 Gloria Ehret, Anthony James, Katja Eichinger
Konrad Bernheimer und Thomas Girst

Zum Launch der München-Ausgabe der Simone Fahr, Alexander Kunkel,

weltkunst gab es eine Podiumsdiskussion Anders Thomas (Nymphenburg) Michael Menzer

Münchner Kunstherbst
Alle Bilder: Andreas Henn

Eine junge Tradition: der weltkunst-Talk

bei BMW am Lenbachplatz

Museumsdirektor Matthias Mühling und Duchamp-

Spezialist Thomas Girst waren ganz in ihrem Element,
als sie mit Lisa Zeitz über das Leben und Wirken der
Porzellanspezialistin
ungewöhnlichen Künstlerin Florine Stettheimer dis-
Angela Gräfin Wallwitz Dagmar Behnke und Peter Mayer
kutierten, deren Werk gerade im Lenbachhaus Furore
machte. So konnte die ganze Festgesellschaft in das
New York der 1920er-Jahre eintauchen, als Stettheimer
und ihre Schwestern einen legendären Salon führten.
Ihr größter Fan: Marcel Duchamp! Wer am Ende des
Abends schnell war, konnte noch ein Exemplar der
frisch gedruckten weltkunst München ergattern –
und hatte damit das grandiose Herbstprogramm des
Kunsthandels und der Museumsszene im Überblick. Deborah Schamoni und Selei Serafin (Sotheby‘s),
Rüdiger Schöttle Annegret Erhard

Matthias Mühling Christina Haubs, Martina Scheublein,

und Lisa Zeitz Andreas Ramer Raffaela von Salis

109
 Bilder: Jens Nober/Museum Folkwang (3); Sebastian Drüen, 2014/Museum Folkwang (2); Frank Vinken/dwb
Freunde des Museums: Achim Middelschulte, RWE ist Partner des Projekts:
Stephan Muschick Peter Terium und Arndt Neuhaus

Los Carpinteros im Museum Folkwang

Das kubanische Kollektiv schuf in Essen mit dem »Helm« ein magisches
Objekt zwischen Skulptur, Architektur und Möbel. Bespielt wird es zum
Auftakt mit Werken aus der Sammlung von Karl Ernst Osthaus, halbjähr-
Ein »Helm« von Los Carpinteros lich wechseln die Ausstellungen. Und dann trifft man sich wieder!
für das kulturelle Gedächtnis

Los Carpinteros: Dagoberto Rodriguez Kuratorin Sandra Gianfreda,

Museumsdirektor Tobia Bezzola und Marco Castillo Lisa Zeitz, Mario-Andreas von Lüttichau

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Kunsthaus am Schiffer- Kunst, Antiquitäten Antiquitäten, Kunst, Münzen, Medaillen 6.–8. 1. Benoit 23. 1. 
berg (03 82 20 / 66 68 60) 16./17. 12. Schmuck 20. 12. Bonhams Moderne Kunst 29. 1.
Kunst (Ahrenshoop, Münzen, Medaillen, (0012 12/6 44 90 01)
Hiddensee, Schwaan) 1. 1. GENUA Historika 20. 12. Fotografie 17. 12. PHILADELPHIA
Cambi Maritime & dekorative Freeman‘s
AUGSBURG (0039 010 / 8 39 50 29) LONDON Kunst 28. 1. (001 215 / 5 63 92 75)
Petzold (08 21 / 3 37 15) Ferrari Memorabilia 19. 12. Bonhams / New Bond Christie‘s Design, Uhren 14. 1.
Fotografie, Schmuck 16. 12. Street (0012 12/6 36 20 00)
HAMBURG (0044 20 / 74 47 74 47) Silber 22. 1. SCHWERIN
BAUNACH Mette (0 40 / 46 06 92 56) Kunst (Impressionismus, Asiatica 26. 1. Auktionshaus Schwerin
Lüffe (0 95 44 / 95 03 86) Antiquitäten, Kunst, 19. Jh.) 21. 1. Alte Meister 27.–29. 1. (03 85 / 7 77 89 30)
Antiquitäten, Kunst 10. 1. Schmuck 21. 1. Christie‘s Doyle (0012 12/4 27 27 30) Fotografie 21. 12.
Tietjen & Co (0044 20 / 78 39 90 60) Dekorative Kunst, Möbel, Antiquitäten, Kunst, Varia
BERLIN (0 40 / 33 03 68) Kunst (Japan) 19. 12. Gemälde 14. 1. 10. 1.
Künker (0 54 1/ 96 20 20) Münzen, Medaillen 19. 12. Christie‘s South Ken- Englische Möbel 28. 1.
Münzen 29. 1. sington Phillips STOCKHOLM
Nosbüsch & Stucke HELSINKI (0044 2 07 / 9 30 60 74) (0012 12 / 9 40 13 00) Auktionsverk
(0 30/88 92 20 90) Hagelstam Schmuck 21. 1. Antiquitäten, Kunst 22. 1. (0046 8 / 4 53 67 00)
Bücher 17. 1. (0035 89 / 6 87 79 90) Sotheby‘s Poster Auctions Internati- Bücher, Karten, Manu-
Antiquitäten, Kunst 27. 1. (0044 2 07/2 93 50 00) onal (0012 12 / 7 87 40 00) skripte 16. 12.
BOSTON Schmuck 16. 12. Plakate 25. 1.
Skinner HONG KONG Sotheby‘s TRAUNSTEIN
(0016 17 / 3 50 54 00) China Guardian MADRID (0012 12/6 06 70 00) Kunstauktionshaus
Europäische Möbel, (0085 2 / 28 15 22 69) Ansorena Americana 23.–25. 1. Chiemgau
dekorative Kunst 10. 1. Asiatica 19.–21. 12. (0034 0 91 / 5 32 85 15) Alte Meister 28./29. 1. (08 61 / 9 09 47 48)
Fotografie 23. 1. Sotheby‘s Antiquitäten, Kunst Antiquitäten, Kunst, Varia
(0085 2/25 24 81 21) 18.–20. 12. NÜRNBERG 17. 1.
BRÜSSEL Gegenwartskunst 20. 1. Duran (0034 91/5 77 60 91) Franke (09 11 / 5 27 37 20)
Lempertz Antiquitäten, Kunst Antiquitäten, Kunst, Varia WALLDORF
(02 21 /9 25 72 90) IBBENBÜREN 16.–18. 12. 15.–17. 1. Auktionshaus Walldorf
Afrika und Ozeanien 27. 1. Leonhardt Segre (0034 9 15/15 95 84) JSM-Antik (0 62 27 / 40 43)
(0 54 51 / 1 55 50) Antiquitäten, Kunst, (09 11 / 4 78 12 24) Antiquitäten, Kunst, Varia
DUBLIN Antiquitäten, Kunst 10. 1. Schmuck 16.–18. 12. Kunst und Feines 19. 12. 27. 12.
Matthews Antiquitäten, Kunst, Varia
(0035 31 / 8 72 95 55) INNSBRUCK MAILAND 9. 1. WIEN
Antiquitäten, Kunst 30. 12. Innauction Bolaffi Dorotheum
(0043 512 / 5 80 30 00) (0039 0 11 /5 57 63 00) OBERURSEL (0043 1 / 51 56 00)
DÜSSELDORF Kunst (Moderne, Gegen- Bücher 16. 12. Homm (0 61 71 / 5 54 97) Bücher, Dekorative Grafik
Demessieur wart) 16. 12. Antiquitäten, Kunst, Varia 16. 12.
(02 11 / 93 65 58 85) MANNHEIM 24. 1. Kunst (Moderne, Gegen-
Antiquitäten, Kunst 31. 1. ISTANBUL Schwab wart) 16. 12.
Beyaz Art (06 21 / 12 80 53 94) PARIS Glas, Porzellan 18. 12.
EDINBURGH (0090 212 / 2 90 70 50) Antiquitäten, Kunst, Varia Aguttes (033 1/47 45 93 05) Spielzeug 22. 12.
Lyon and Turnbull Kunst 1. 1. 24. 1. Uhren 16. 12. Im Kinsky
(0044 1 31 / 5 57 88 44) Artcurial (0043 1/5 32 42 00)
Möbel, Handwerkskunst JENA MÜNCHEN (0033 1/42 99 20 20) Kostbarkeiten 27./28. 1.
14. 1. Auktionshaus Jena Gorny & Mosch Vintage Hermès 16. 12.
Bücher, Manuskripte, (0 36 41 / 22 95 26) (0 89 / 24 22 64 30) Artemisia (Drouot WIESLOCH
Fotografie 28. 1. Antiquitäten, Kunst, Varia Kunst der Antike 17. 12. Richelieu) Badisches Auktionshaus
17. 1. (3 31/40 15 99 55) (06 22 2/ 38 65 22)
ENSCHEDE MÜNSTER Antiquitäten, Kunst, Varia Antiquitäten, Kunst, Varia
Twents KEMPTEN Daniel Meyer 29. 1. 30. 12.
(0031 53 / 4 35 14 88) Allgäuer Auktionshaus (02 51 / 4 82 85 72) Piasa (Drouot Richelieu)
Antiquitäten, Kunst 9./10 1. (08 31 / 5 64 25 30) Antiquitäten, Kunst 31. 1. (0033 1/53 34 10 10) WÜRZBURG
Antiquitäten, Kunst, Varia Design 17. 12. Mars (09 31 / 5 56 58)
GARMISCH-PARTENKIR- 9./10. 1. MUTTERSTADT Sotheby‘s Antiquitäten, Kunst 24. 1.
CHEN Henry‘s (0 62 34 / 8 01 10) (0033 1/53 05 53 05) Zemanek-Münster
Merry Old England KÖLN Vintage, Schmuck 19. 12. Porzellan, Glas, Varia 17. 12. (09 31/1 77 21)
(0 88 21 / 5 99 09) Van Ham 02 21 / 9 25 86 20) Schmuck, Uhren 30. 1. Bücher, Manuskripte Benefiz-Auktion,
Antiquitäten, Kunst 18. 12. Dekorative Kunst 28. 1. Antiquitäten, Kunst 31. 1. 18. 12. Objekte Slg. Nerlich 31. 1.

112

Messen
BASEL
Basler Münzenmesse.
Kongresszentrum 24./25. 1.
BERLIN
World Money Fair. Estrel
Convention Center
Bild: Studio Tromp, Rotterdam.nl/Rembrandt, „Titus van Rijn beim Schreiben“, 1655, Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam
VORSCHAU
Die nächste Ausgabe
der weltkunst erscheint am
27. Januar 2015
Ausstellungen
BERLIN
Deutsche Bank KunstHal-
le: Höhere Wesen befehlen.
Arbeiten auf Papier aus der
Sammlung Frieder Burda.
Bis 8. 3.

30. 1.–1. 2. BIELEFELD
Kunsthalle: Sophie
BOLOGNA Taeuber-Arp. Bis 15. 3.
Arte Fiera. Quartiere
Fieristico di Bologna DARMSTADT
23.–26. 1. Hessisches Landesmuse-
um: Dialoge 01: Künstler-
BRÜSSEL tourist: Grenzgänge.
BRAFA – Brussels Bis 1. 3.
Antiques & Fine Arts Fair.
Tour & Taxis 24. 1.–1. 2. DRESDEN
Hochschule für Bildende
LONDON Künste: Mark Dion:
London Art Fair. Business Akademie der Dinge.
Design Centre 21.–25. 1. Bis 25. 1.
Decorative Antiques &
Textiles Fair. The Marquee, FRANKFURT
Battersea Park 20.–25. 1. Städel Museum: Fantas-
tische Welten. Bis 8. 2.
LOS ANGELES
LA Art Show/LA Fine HAMBURG
Print Fair. Convention Bucerius Kunst Forum:
Center 14.–18. 1. Miró. Malerei als Poesie.
31. 1.–25. 5.
LUDWIGSBURG
Antiquaria. Musikhalle KÖLN
22.–24. 1. Museum für Ostasiatische
Kunst: Mitleid und Me-
MIAMI ditation: Der Buddhismus
MIA. SeaFair – Interconti- des Grossen Fahrzeugs in
nental Hotel Dock Ostasien. Bis 1. 2.
15.–19. 1.

NEW YORK
Ceramics & Glass Fair.
Bohemian National Hall
21.–25. 1.
The Metro Show. Metropo-
litan Pavilion 22.–25. 1.
Master Drawings New
York. Diverse Kunsthand-
lungen, Upper East Side
24.–31. 1.
SINDELFINGEN
Antik & Kunst. Messe
15.–18. 1.
STUTTGART
Antiquariatsmesse.
Haus des Württember-
gischen Kunstvereins
23.–25. 1.
LEIPZIG
Grassi Museum für Ange-
Rembrandt kommt nach Hause! Das
wandte Kunst: Vornehmste Amsterdamer Rijksmuseum zeigt im Februar
Tischlerarbeiten aus Leip-
zig. Bis 12. 4. eine Retrospektive seines Spätwerks. Wir
MÜNCHEN widmen uns ausgiebig dieser Werkphase des
Stadtmuseum: Ab nach Barockgenies und freuen uns auf
München! Künstlerinnen
um 1900. Bis 8. 2. Gemälde wie »Titus van Rijn beim Schreiben«.
SCHWÄBISCH HALL Das Thema Kind ist ein weiterer
Kunsthalle Würth:
Moderne Zeiten. Die Nati-
Schwerpunkt: Wie haben Künstler zu
onalgalerie zu Gast in der verschiedenen Zeiten auf Kinder
Kunsthalle Würth. Bis 1. 5.
geblickt? Und warum neigt die Kunst der
VADUZ
Liechtensteinische Lan-
Gegenwart mitunter zum Infantilismus?
desmuseum: Wir essen die
Welt. Bis 22. 2.

113

1 3
Mit pelzigen Glaskugeln und Särgen voller
Eierschalen übersetzt Adeline de Monseignat
das Konzept des Surrealismus in die Gegen­
wart. Auf den Spuren von Meret Oppen­
heim verbindet die monegassische Küns­
tlerin das Unheimliche mit dem Spiel. Zu
sehen sind ihre organischen Skulpturen
noch bis zum 10. Januar in einer Gruppen­
ausstellung bei Leila Heller in New York.
Was ist momentan Ihre Lieblingsstadt?
Im Moment ist es Buenos Aires. In letz-
ter Zeit bin ich auf viele interessante Künstler
aus Argentinien gestoßen und habe die Stadt
vor Kurzem durch die Augen meines argenti-
nischen Freundes wiederentdeckt.
Was ist dort Ihre bevorzugte Beschäftigung?
Am liebsten versinke ich bei Libros del
Pasaje in Büchern und vergesse die Zeit. Bue-
nos Aires hat überhaupt eine Menge schöner
alter Buchhandlungen. Und die allerschönste
mit dem besten Angebot ist EL ATENEO GRAND
SPLENDID (1).
Haben Sie ein Lieblingsmuseum?
Ich liebe das MALBA (2). Kaum verwun-
derlich, aber ich wurde noch nie enttäuscht.
Welche Galerie besuchen Sie immer wieder?
Das Programm von RUTH BENZACAR (4)
überrascht mich immer, und bei Miau Miau
ist die Atmosphäre wunderbar familiär.
T H U R N U N D TA X I S F R AG E B O G E N
Adeline de Monseignat
über ihr
Buenos Aires
Können Sie uns ein Restaurant empfehlen?
La Dorita, ein typisches argentinisches
Grillrestaurant, liegt ganz in der Nähe.
Was bestellen wir dort?
Zur Vorspeise einen Provoleta, gegrillten
Hartkäse. Anschließend einen ensalada mixta
y bife de lomo con papas fritas, gemischten Salat
mit Rinderfilet und Pommes frites.
Ein Gebäude in der Stadt, das Sie ganz be­
sonders lieben?
Der PALACIO BAROLO (3), ein Bürogebäu-
de mit 22 Stockwerken, wurde im Einklang
mit dem Kosmos entworfen. So, wie es in
Dantes Göttlicher Komödie beschrieben ist.
Welche Attraktion können wir auslassen?
El Caminito in La Boca hat seine Seele
an den Tourismus verloren.
Das beste Kino oder Theater?
Sala de Cine 1 Lugones wird Filmnostal-
gikern gefallen. Und das Teatro Colón ist der
perfekte Ort für einen besonderen Abend.
Eine kulturelle Erfahrung, die wir auf kei­
nen Fall verpassen dürfen?
La Noce de los museos, die Museums-
nacht im November, ist schon ein Erlebnis.
Wo finden wir die beste Hotelbar der Stadt?
Die des Hotel Faena in Puerto Madero.
114
Bilder: Pedist/flickr; Jen Marott/Adeline de Monseignat, Home, Ronchini Gallery, London, 14 Nov 2014 – 17 Jan 2015, ronchinigallery.com/Courtesy the artist and Ronchini Gallery; Palacio Barolo Tours; Gustavo Sosa Pinilla; Ruth Benzacar Galería de Arte; Sofia Achaval
Womit betrinken wir uns hier?
Jeder Argentinier würde Fernet mit
Cola empfehlen, aber ich bin für ein klassi-
sches Sommergetränk: Clerico. Das ist Bowle
aus Weißwein und Früchten.
Wohin treibt es uns nach Einbruch der
Nacht?
Das Ferona bietet Getränke und Tanz
auf dem Dach. Wer nach 4 Uhr nachts immer
noch unterwegs ist, hört im Niceto bis 8 Uhr
morgens Livemusik.
Wie bezirzt man den Türsteher?
Schenken Sie ihm eine Zigarette und
ein Lächeln!
Zum Schluss: Ein Geheimtipp, den wir in
keinem Reiseführer finden?
Künstler ziehen im Moment nach
Boedo, in eine Gegend, die dank der authen-
tischen Bodegones, dieser traditionellen ar-
gentinischen Restaurants, zeitlos wirkt und
genau die Menschen anzieht, die man sich
wünscht. Ich empfehle einen Abstecher in
die Restaurants Lo de Maria, Roque und
Spiagge Di Napoli. ×
Elisabeth von Thurn und Taxis
ist Autorin der US-Vogue und
stammt aus einer Familie von
Kunstsammlern. Für uns entwi-
ckelte sie diesen Fragebogen.