Das Kunstmagazin der ZEIT

Nº104 August 2015     Seit 1930

Sehnsuchtsorte: Wie Schlösser unsere Fantasie beflügeln

€ 11,80 (D) 00104

SFR 20,– (CH)
€ 13,– (A, I, LUX, NL)
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James Turrell Lichtmagie für Houghton Hall Walt Disney Inspiration Neuschwanstein
Modefotogra�e Ein Sammelgebiet zwischen klassischer Eleganz und Punk
art berlin contemporary
17–20 September 2015

Station-Berlin
Luckenwalder Straße 4–6
10963 Berlin

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 UNSER
TITELBILD
TITELBILD: Massimo Listri; Bilder rechts: Marka/UIG via Getty Images; Massimo Listri
Jeder Neapelbesucher kommt durch diesen
Saal, denn schließlich ist im Museo Nazionale
di Capodimonte eine der schönsten Gemäl-
desammlungen der Welt zu erleben. Außer-
dem lässt sich kein Kunstreisender das Ge-
samtkunstwerk der Bourbonen-Residenz
hoch über der Stadt entgehen. Aber die we-
nigsten, die sich die Meisterwerke von Bruegel
und Botticelli, Mantegna und Raffael, den
reichen Tizian-Bestand und die Parade all der
neapolitanischen Barockmaler anschauen,
haben da noch Augen für den Festsaal. Vor
allem sehen sie ihn nicht mit den Augen des
Fotografen Massimo Listri.
König Karl VII. von Neapel, Spross der
spanischen Bourbonen, ließ sich die Resi-
denz ab 1738 von Giovanni Antonio Medrano
erbauen. Hier fand die berühmte Farnese-
Sammlung, die ihm seine Mutter Elisabetta
überlassen hatte, ein neues Domizil. Damit
ist Capodimonte eines der ältesten Museen
Europas. 1759 wurde Karl spanischer König,
da war Capodimonte innen nur halb vollen-
det. Erst in den 1830er-Jahren erhielt der Fest-
saal seine klassizistische Ausschmückung
mit Akanthus-Bordüren und einem Fries im
3
blau-weißen Wedgewood-Stil. Bei Massimo
Listri wirkt das selbst wie gemalt, eingefro-
ren in magischer Perfektion, von kostbarer
Künstlichkeit überzogen.
Der italienische Fotograf lehrt uns,
Schlösser und Paläste, Galerien und Prunk-
bibliotheken auf neue, intensive Weise wahr-
zunehmen. Auf seinen großformatigen Fotos
erscheinen die Innenräume in fast unwirk-
licher Makellosigkeit. Sie öffnen sich so weit,
wie wir sie mit unseren eigenen Augen gar
nicht aufnehmen können; und die Flucht­
linien der akribisch zentrierten Perspektive
ordnen sich wie in einem Renaissancebild.
Im Kunsthistorischen Museum in Wien ist
derzeit eine Ausstellung von Listris Fotogra-
fien zu sehen (ab Seite 44). Für unser Schlös-
ser-Spezial wollten wir uns das natürlich
nicht entgehen lassen.  SEBASTIAN PREUSS
 INHALT
Kolumnen
Kunst im Schloss S. 32
10
Drei Wünsche
Josef Scharls Meeransicht,
Sommergefühle von Carl Krall,
Krabbenscheren als Manschetten

12 Die Marktfrau
Das geplante Kulturgutschutz-
gesetz schädigt den Handel

14 Heimliche Zwillinge
Ein Selbstporträt von Gauguin
und Schauspieler Armin Rohde

Kritikerfrage
Was ist Ihr Traumziel für Ferien
mit Kunst?

Bilder: Jan Brockhaus; Eugeni Aguiló; Sotheby’s

16 Hand des Meisters
Edler Dachs: Rasierpinsel von
Mühle aus dem Erzgebirge

Die großen Geschichten

22 SCHLOSS SPEZIAL
24
Der Burgherr geht
Konrad O. Bernheimer verlässt
Was passt zu … S. 18 seine Burg am Chiemsee: Für Quäker und Flugzeuge
den Verkauf sorgt Sotheby’s, wo
auch das Inventar versteigert wird
32 Kunst am Prachtbau
Die schönsten Ausstellungen des
Sommers: In Europas Schlössern
trifft eindrucksvolle Architektur
auf die Kunst der Gegenwart
52 Akt des Sehens
Der berühmte Lichtkünstler
im Interview: James Turrell
über neue Projekte, Demokratie,
56 Barockes Universum
Über den Dächern von Gotha:
Auf Schloss Friedenstein wird
die höfische Kultur lebendig
Bernheimers Burg S. 24

40 Ich bau’ mir ein Schloss …

18 Was passt zu …
Walton Ford?
20
Was haben Sie gesehen,
Herr Obrist?
Das Projekt 89plus, Twitter als
neue Form der Poesie, die »Babel«-
Ausstellung im Moderna Museet
in Stockholm und Simon Denny
Walt Disney, Micky-Maus-Vater
und Filmproduzent, kupferte
bei König Ludwig II. ab:
Neuschwanstein wurde zum
Vorbild für seine Freizeitparks
44 Das Publikum bin ich!
Seit über 30 Jahren fotografiert
Massimo Listri menschenleere
Paläste und Galerien
xx Rettung der Malerei S. 28

4

xxmshaw S. 49
Sammlerseminar S. 70
60 Schau mich an!
Die »Ehe auf Probe« der beiden
Fotografen Tina Modotti und
Edward Weston – der zweite Teil
Bilder: Horst Estate/Courtesy of Bernheimer Fine Art Photography; Staatliche Kunsthalle Karlsruhe; Bayerisches Nationalmuseum München
unserer Serie »Die schönsten
Liebesgeschichten in der Kunst«
70 Sammlerseminar
Kunst oder Werbung? Auf jeden
Fall ist Modefotografie ein
facettenreiches Sammelgebiet
80 Glossar
Schauen, kennen, kaufen
82 Thurn und Taxis Fragebogen
Zilla Leutenegger über Basel
Ausstellungen S. 90
Agenda
86 Nachrichten 100 Kunsthandel
Pläne fürs Guggenheim Museum Die Galeristen Anita Beckers und
in Helsinki vorgestellt, Berlin Frank Landau kooperieren
bekommt KPM-Vase, Städel
erhält Grimme-Online-Award, 102 Stilkunde
gestohlene Miniatur kehrt nach Kammerherrenschlüssel
Hildesheim zurück
104 Auktionen
Personalien 41. Ahrenshooper Kunstauktion,
Joëlle Romba, Mary Rozell, Kunst und Antiquitäten bei Mehlis
Wolfgang Eiermann, Peter
Friese, Michael Eissenhauer, 106 Kunststück
Moritz von der Heydte »Himmelfahrt Mariens« (um 1596/97)
von Guido Reni in Frankfurt a. M.
87 Hammerpreise
Automatenuhr, Rekordwerk
von Uecker, Jugendstilbrosche
88 Ein Leben für die Leinwand
Eine Ausstellung erinnert an
die »Meister-Sammlerin«
Karoline Luise von Baden
90 Ausstellungen
Bayerisches Nationalmuseum
eröffnet neuen Barockflügel,
moderne Kimonos, dreimal
Bernard Schultze, Erwin Wurm,
Lea Lublin, Galina Balaschowa,
unvollendete Werke in London
96 Messen
20 Jahre Bamberger Kunst-
und Antiquitätenwochen
»Die Meister-Sammlerin« S. 88
98 Schaufenster
Bernd Zimmers Gemälde
»Reflexion« (2009) 110 weltkunst bei ...
Pinakothek-Party in München,
Empfang der Liechtensteinischen
Botschaft in Berlin, Breguet lädt
ein zur Gedenkfeier in Waterloo
114 Bild meines Lebens
Wolfgang Joop über das Gemälde
»Cloud Number 7« – eine ­
Eigenproduktion des Modedesigners
6 Editorial
8 Impressum
9 Mitarbeiter des Monats
112 Termine
113 Vorschau
5
 EDITORIAL
Liebe Leserinnen,
liebe Leser,
willkommen zu unserer sommerlichen Schlösser­
ausgabe. August soll ein Monat der Ausflüge
sein, und so haben wir einige besonders schöne
Ziele für Sie herausgepickt, von Gotha bis Ver­
sailles, vom englischen Strawberry Hill bis zu
Capodimonte in Neapel.
Houghton Hall, ein Juwel palladianischer
Architektur in Norfolk, ist seit Kurzem buch­
stäblich in anderem Licht zu sehen. Der ameri­
kanische Lichtkünstler James Turrell taucht das
Schloss (wie unten abgebildet) mit Beginn der
Dämmerung in neue Farben – ein quasi psyche­
delisches, aber dabei ganz stilles Spektakel. Mei­
ne erste Begegnung mit einem seiner Werke hat­
te ich während eines Praktikums im Museum
für Moderne Kunst in Frankfurt. Ich erinnere
mich noch genau, wie wir bei einer Führung
durch die Sammlung in einen dunklen Raum
kamen, in dem auf einer Wand ein rechteckiges
Farbfeld intensiv leuchtete. Der Kurator sprach
über Turrell und streckte dann unvermutet den
Arm in das leuchtende Bild – wir Praktikanten
zuckten zusammen und erkannten da erst, das
nicht nur die Fläche leuchtete, sondern ein gan­
zer Raum dahinter. So eröffnete sich im wahrs­
6
Bilder: Wolfgang Stahr; Hugo Glendinning/Image courtesy of the artist and Houghton Hall
ten Sinne des Wortes eine weitere Dimension.
Später war ich hingerissen von seinem »Sky­
space« im PS1, einer ehemaligen Schule im New
Yorker Stadtteil Queens, die mittlerweile zu ei­
nem Außenposten des MoMA geworden ist. In
einem schmucklosen Raum laden Bänke zum
Verweilen ein. Der Blick geht nach oben, wo
man eine Decke vermutet. Aber das Dach ist of­
fen, und was man sieht, ist der Himmel, den
man durch diesen Ausschnitt ganz anders wahr­
nimmt als sonst. Dort sitzt man dann mit ande­
ren Menschen, legt den Kopf in den Nacken und
bewundert die Schönheit der Wolken. Oder
staunt, wenn eine Schwalbe den Bildraum
durchkreuzt wie ein kleines Wunder.
In der Zürcher Galerie Häusler Contempo­
rary läuft bis 15. August Turrells Ausstellung
»From the Guggenheim, Aten Reign« – und Ber­
lin kann sich über eine dauerhafte Installation
auf dem Dorotheenstädtischen Friedhof freuen.
Es war ein großes Vergnügen, diesen in sich ru­
henden, gebildeten Mann zu treffen, der über
seine Jugend als Quäker ebenso sprach wie über
das Restaurieren alter Flugzeuge (S. 52)
Genießen Sie den Sommer!
Ihre Lisa Zeitz
Chefredakteurin
instagram.com/lisazeitz
twitter.com/WeltkunstNews
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Sehr qualitätvolle Ausführung, geschnitzte, polychrome Fassung in sehr guter originaler Erhaltung,
mit dem originalem facettiertem Spiegelglas. Bayreuth um 1760.
Höhe 107 cm, Breite 57 cm.

Bamberger Antiquitätenwochen vom 21. Juli 2015 bis 21.August 2015.

Highlights Internationale Kunstmesse München, 28. Oktober 2015 bis 1. November 2015.
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REDAKTION VERLAG
AUKTIONSHAUS Redaktion WELTKUNST
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ZEIT Kunstverlag GmbH & Co. KG
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10117 Berlin 20095 Hamburg

JE T ZrT
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AUKTIONEN
Moderne & Zeitgenössische Kunst
Moderne & Klassische Zeitmesser 14. August
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8. August GRAFIK
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Diamanten & Farbsteine 27. August
Antiker & Moderner Schmuck 28. August
Classic Cars 28. August
Antiquitäten · Kunst · Möbel 29. August
Orientteppiche 5. September
Bonn: Dr. Peter Dittmar Torsten Bastian, torsten.bastian@zeit.de
Den Haag: Do­rothee von Flemming Jan Menssen, jan.menssen@zeit.de
Dresden: Dr. In­g rid Koch
Frankfurt: Dr. Bettina Erche, Christian Huther DRUCK Neef + Stumme, Schillerstraße 2,
London: Dr. Mat­t hias Thibaut 29378 Wittingen
Paris: Dr. J. Emil Sennewald
New York: Dr. Barbara Kutscher LITHOS twentyfour Seven
Venedig: Petra Schaefer Creative Media Services GmbH
Zürich: Christian von Faber-Castell Dorotheenstr. 3, 10117 Berlin

Die ist seit 1930 die führende Zeitschrift

der deutschen Kunsthändler. Sie ist das Leitmedium
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Telefon (06234) 8011- 0 · w ww.henry
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gesetzlich zuge­lassenen Fälle ist eine Ver­wertung
ohne Ein­­w il­ligung des Ver­lages strafbar.
 MITARBEITER
DES MONATS
Nadine Barth
Sie hat zahlreiche Fotobücher herausgegeben, Aus-
stellungen wie »Traumfrauen« und »Traummän-
ner« kuratiert, Kolumnen geschrieben, für Maga-
zine gearbeitet, Events organisiert und sich so in
der Fotoszene einen gewichtigen Namen gemacht.
Dabei gilt ihre besondere Vorliebe der Modefotogra-
fie, der wir diesmal unser »Sammlerseminar« wid-
men (S. 70). Für ihren Artikel konnte Nadine Barth
auch auf eigene Erfahrungen zurückgreifen –
schließlich leitete sie in Hamburg und Berlin die
erste deutsche Galerie für dieses Segment.
Bilder: Dorothea Tuch; privat (2)

Peggy Seelenmeyer
Die 27-jährige Berlinerin studiert visuelle Kommunika­
tion und unterstützt als freie Grafikerin immer wieder un-
sere Redaktion und auch die unseres Schwesterblatts
Kunst und Auktionen. Dabei profitieren wir von ihrem
guten Gespür für Typografie und Gestaltung. Im Monat
August steht für sie erst einmal eine Reise nach New York
an: Dort wird sie Interviews führen, die in ihre Bachelor-
Arbeit über Frauen im Grafikdesign einfließen.

Bastian Eclercy
Seit Anfang 2014 ist der promovierte Kunsthistoriker aus
Donaueschingen als Kustos für italienische, französische
und spanische Malerei am Städel in Frankfurt tätig. Be-
sonders freut er sich über den kostbaren Neuzugang, den
der Städelsche Museums-Verein zum 200. Geburtstag
stiftete: Guido Renis »Himmelfahrt Mariens« vom Ende
des 16. Jahrhunderts (S. 106). Derzeit arbeitet Eclercy an
einer Ausstellung zum Florentiner Manierismus, die
nächstes Jahr im Städel zu sehen sein wird.

9
 DR E I W Ü N S C H E

Sie finden die Kunstmarktpreise oft schwindelerregend?

Wir stellen Ihnen Objekte für unter 10 000 Euro vor

4000 €
Meeresrauschen
In München geboren, emigrierte der Expres-
sionist Josef Scharl, der den Nazis als
»ent­artet« galt, 1938 in die USA. Die Gouache
»Strand vor welligem Meer« entstand im
Jahr darauf. Wir haben sie jetzt in der
Berliner Galerie Nierendorf (030 8325013)
gesehen, die dem Künstler schon 1933 seine
erste Einzelausstellung ausgerichtet hatte.

Bilder: Kunsthandel Hieke; Galerie Nierendorf; Otto Jakob

5800 €
Badevergnügen
So elegant badete man vor hundert Jah-

8400 
ren. Im Badeanzug und mit passender
Haube ging es ins kühle Nass. Der Kunst-
handel Hieke in Wien (+43 1 5133259) zeigt
€
das Bild »Im Strandbad« (Mischtechnik
auf Karton, 50 x 40 cm) mit anderen Wer-
ken des Wiener Malers Carl Krall, der in
den Zwanzigerjahren als Werbegrafiker Krabbenscheren
erfolgreich war: eine Wiederentdeckung! Die Manschettenknöpfe in Form von Scheren einer Geisterkrabbe
ergänzen den mediterranen Look. Die Schmuckstücke in Weißgold
schauen aber nicht nur hübsch aus, sondern haben es in sich:
Durch eine Federmechanik schließt sich die Schere. Der Schmuck-
künstler Otto Jakob in Karlsruhe (0721 855911) hat sie entworfen.

10
 Senger Ba mber g
Kunsthandel

Historisches Klavier www.senger-bamberg.de

David Roentgen (1743 Herrnhaag – 1807 Wiesbaden) Karolinenstr. 8, 10, 14
und Peter Kinzing (1745 Neuwied – 1816 Mannheim) 96049 Bamberg
Neuwied, um 1785 Tel. +49 (0) 951 540 30
Eiche, Mahagonifurnier, Palisander, Einlegearbeiten in Birnbaum-
und Rosenholz, feuervergoldete Messingbeschläge, Auch im Ankauf eine 2015
signiert: “Roentgen et Kinzing. à Neuwied sur le Rhin” sehr gute Adresse!
BAMBERGER
Maße: Höhe: 81.5 cm, Breite: 160 cm, Tiefe: 71 cm KUNST UND
ANTIQUITÄTEN
www.ba

Das Objekt zählt zu den seltensten Stücken aus Roentgens Werkstatt; WOCHEN
weltweit sind heute nur noch fünf Exemplare erhalten.
mb

21.Juli - 21.August
er g

Sie gehören zu den Glanzlichtern musealer Sammlungen. Hier scannen und an

er-

tiq
das Klavier zusammen uita
eten.
de
Provenienz: Palazzo Reale, Palermo mit Katharina Königsfeld erleben!

Die geplante Novelle des Kulturgutschutzgesetzes könnte den deutschen
Kunstmarkt weiter schwächen. Dagegen formiert sich Widerstand
Ist der deutsche Kunsthandel bald so ermattet wie diese Schönheit?
Einiges an den Vorhaben von Monika Grütters spricht dafür
enn eine kunsthistorisch ver-
W sierte Politikerin wie Kultur-
Staatsministerin Monika Grüt-
ters (CDU) eine Novelle des
Kulturgutschutzgesetzes plant, müsste das
neue Gesetz, sollte man meinen, umsichtig
und gerecht sein. Doch obwohl es bislang
nur als geheime Verschlusssache im Büro der
Ministerin liegt, versetzen die nach außen ge-
sickerten Pläne die Branche in Aufruhr.
Sammler, Galeristen und Versteigerer be-
trachten die beabsichtigten Veränderungen
als geradezu ruinös für den Kunsthandel in
Deutschland, der eh schon mit Wettbewerbs-
nachteilen zu kämpfen hat (19 Prozent Mehr-
wertsteuer, Folgerecht, Künstlersozialabgabe).
Die Novelle des Kulturgutschutzgeset-
zes verfolgt zwei Stoßrichtungen. Beim Im-
port von Antiken sollen Ausfuhrgenehmi-
gungen des Herkunftslandes belegen, dass
die Kunst nicht aus Raubgrabungen stammt.
Beim Export von Kunst (darauf wollen wir
uns diesmal konzentrieren) soll künftig nicht
mehr nur die Liste national wertvollen Kul-
turguts klären, ob ein Werk verkauft oder
ausgeliehen werden darf. Für Gemälde, die
50 Jahre oder älter und über 150 000 Euro wert
sind, strebt Monika Grütters eine Einzelfall-
DI E M A R K T F R AU
Staat und Kunst
prüfung an. Dabei sollen museale wie private
Bestände systematisch erfasst werden. Per-
sönlichkeitsrechte und Datenschutz scheinen
hier keine Rolle mehr zu spielen. Eine solche
Einzelfallprüfung würde die Bürokratie auf-
blähen. Beamte und (konkurrierende) Gale-
risten hätten zu entscheiden. Doch wer defi-
niert die Ermessensgrenzen dieser Experten
in der Frage, was national schützenswert sei?
Wer kalkuliert den behördlichen Zeitauf-
wand, der Monate dauern kann? Marktpreise
sind volatil und vor allem international zu er-
mitteln. Wenn künftig bestimmte Werke, die
als national wertvoll eingestuft wurden, nur
noch im Inland verkauft werden dürfen,
käme das, so ein Kritiker der Novelle, einer
Wertminderung von 90 Prozent gleich. Ein
prominenter deutscher Sammler, der viel von
Kunst und von Jurisprudenz versteht, hält
diesen Eingriff in die Freiheit des Handels für
einen glatten Verstoß gegen EU-Recht.
In den Prüfverfahren in Bundestag und
Bundesrat wird es darauf ankommen, dass
die Vertreter der Politik nicht einer Milch-
mädchenrechnung erliegen. Große Sammler
haben nicht nur einen Wohnsitz in Deutsch-
land, sondern auch in London oder New
York. Wer drohender Ausspionierung schon
12
Bild: Clemens Bilan/Bundesregierung; Pablo Castagnola
bei Leihgaben in eine Museumsschau entge-
hen will, wird seine Sammlung womöglich
außer Landes bringen. Etwa nach dem Vor-
bild einiger deutscher Galerien, die längst
ganz oder teilweise aus der Schweiz agieren,
weil dort die Mehrwertsteuer nur bei 8 Pro-
zent liegt und keine Folgerechte gezahlt wer-
den müssen. Die Gewerbesteuern renom-
mierter Galerien wie Dierking, Gmurzynska,
Greve oder Sprüth Magers sind ja bereits
ganz oder teilweise verloren. Aber auch Erlö-
se aus der Erbschaftssteuer auf in Deutsch-
land verbliebene Sammlungen von nationa-
ler Wichtigkeit würden sinken, und bei
fortschreitendem Austrocknen des deut-
schen Kunsthandels auch jene Steuern, die
im Handel und auf Messen zu entrichten
sind. Seriöser Kunsthandel versteht sich
nicht als Gegner, sondern als Garant des Kul-
turgutschutzes. Es ist fünf vor zwölf, um für
das Beste einzutreten – für die Kunst und den
Staat. Nix für ungut, Ihre Marktfrau ×
Susanne Schreiber
ist Redakteurin des
Handelsblatt und betreut
dort seit vielen Jahren
den Kunstmarkt
 Jubi läumsauktion 40 Jahre
726 | Sammlerteppiche & Ethnologica
8. S eptember 2015

Mit ausgewählten Teppichen aus der Sammlung

Gert K. Nagel, Stuttgart

V.l.n.r. (Details): Alpan Kuba, Kaukasus, 19. Jahrhundert, 306 x 109 cm | Susani Stickerei, Usbekistan, um 1900, 227 x 153 cm
Tekke Zeltband, Turkmenistan, um 1900, 1200 x 32 cm | Kirman 77 m2 Palastteppich, Persien, Anfang 20. Jahrhundert, 1270 x 605 cm

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 H E I M L IC H E Z W I L L I N G E

Bilder: Paul Gauguin/Fondation Beyeler 2014, Switzerland; picture alliance/ZB/dpa; Frank Röth/F.A.Z.
Paul Gauguin  Armin Rohde

370 000 Besucher sahen die Gauguin-Ausstellung in der

Fondation Beyeler – ein Rekord. Wie vielen von ihnen ist wohl
die verblüffende Ähnlichkeit zwischen dem Selbstbildnis
aus dem Jahr 1893 und dem Schauspieler Armin Rohde aufge-
fallen? Wir danken Ulrich Menke aus Nürnberg für den Tipp!
Weitere Hinweise gern an bildredaktion@weltkunst.de

K R I T I K E R F R AG E

Ihr Traumziel für Ferien mit Kunst?

Samuel Herzog Kia Vahland Niklas Maak Lindsay Pollock Hanno Rauterberg
Neue Zürcher Zeitung Süddeutsche Zeitung Frankfurter Allgemeine Zeitung Art in America DIE ZEIT

Natürlich Venedig! Nicht
nur wegen der zentralen
Biennale-Ausstellung, vor
allem auch wegen der
vielen, über die ganze Stadt
verteilten Länderpavillons
und Nebenschauplätze.
Eine Gelegenheit, diese
Stadt neu zu entdecken.
Viele Traumziele wie
Palmyra in Syrien sind
nicht mehr bereisbar,
andere wie Machu Picchu
ganz schön weit weg.
Warum also nicht: Europa!
New York: Nirgendwo
liegen umwerfende Strände
und entsprechende Kunst
so dicht beieinander wie
hier zwischen Velázquez
(im Metropolitan Museum)
und Fire Island, zwischen
Rothko (MoMA) und
Rockaway Beach
Es gibt so viele Reiseziele,
von denen ich träume, aber
ehrlich gesagt hätte ich am
liebsten einmal eine Woche
in New York für mich.
Endlich Zeit für die
fantastischen Museen in
meiner eigenen Stadt.
Es ist Frankreichs größtes
Privatmuseum und doch
so gut wie unbekannt: das
Musée des Arts Populaires
in Laduz. Rund 100 000
volkskundliche Objekte
in einem burgundischen
Dörfchen – ein wahres
Ziel der Träume!

14
 31. Mai – 4. Okt. 2015

Skulpturen in Bad Homburg

und Frankfurt RheinMain
in Zusammenarbeit mit dem Middelheimmuseum, Antwerpen, Belgien
Bad Homburg – Burg Eppstein – Darmstadt – Eschborn – Frankfurt
Hessenpark – Kastell Saalburg – Kloster Eberbach – Kronberg
Philip Aguirre y Otegui | Arman | Alice Aycock | Caroline Coolen | Leo Copers
Anton Cotteleer | Luc Deleu | Wim Delvoye | Bart Van Dijck | Filip Gilissen
Kati Heck | Sean Henry | Gerard Herman | Nick Hullegie | Peter Kiefer | Jef Lambeaux
Giacomo Manzù | David Nash | Nadia Naveau | Werner Pokorny | Peter Rogiers
Iris Le Rütte | Sophie Ryder | Robert Schad | Lieven Segers | Arie Van Selm
Joana Vasconcelos | Bernar Venet | Henk Visch | Auke de Vries | Peter Weidenbaum
Franz West | Erwin Wurm

www.blickachsen.de

Veranstalter: Stiftung BLICKACHSEN gGmbH

Stiftung Blickachsen gGmbH Bad Homburg v.d.Höhe

Magistrat der Stadt Bad Homburg v.d.Höhe

Kur- und Kongreß-GmbH Bad Homburg v.d.Höhe HES SEN
Verwaltung der Staatlichen Schlösser und Gärten Hessen
Unter der Schirmherrschaft des Hessischen Ministerpräsidenten Volker Bouffier

Hauptförderer:
Blickachsen 10 wird ermöglicht durch die Förderung von
Deutsche Leasing AG, Freunde der Blickachsen, KPMG AG Wirtschaftsprüfungsgesellschaft, Kulturfonds Frankfurt RheinMain gGmbH, Stefan Quandt

Weitere Förderer:
All Service Unternehmensgruppe für Gebäudemanagement GmbH, AVG Trucks GmbH, Bank J. Safra Sarasin (Deutschland) AG, BHF-BANK Aktiengesellschaft,
DIC Deutsche Immobilien Chancen, FERI AG, François-Blanc-Spielbank GmbH, KanAm Grund Group, Willy A. Löw AG, Mainova AG
W
L

L
öwAG

Frischer Schaum vom Dachs
Vor siebzig Jahren wurden bei Mühle im Erzgebirge die ersten Rasierpinsel von Hand
gefertigt. Heute hat die Firma mit gehobener Rasierkultur ihre Nische gefunden
s war das perfekte Produkt,
E das Otto Johannes Müller im
Sinn hatte. Etwas, das jeder
Mann jeden Tag brauchen
würde. Einen Rasierpinsel. Im Stützengrün,
wo er aufgewachsen war, hatte die Produk­
tion von Bürsten und Pinseln eine große Tra­
dition. Aber ein Unternehmen, dass sich nur
auf Rasierpinsel spezialisiert hätte, gab es
noch nicht. Müller würde dieses Unterneh­
men gründen. Er war 1945 mit einen Lungen­
schuss aus dem Krieg ins Erzgebirge heimge­
kehrt, ein Invalide, der sich überlegen
musste, wie er sein Geld verdienen
sollte. Also gründete er die
Rasierpinselmanufaktur
Mühle im Erzgebirge. Er
entschied sich für den
Namen Mühle, weil er
ahnte, dass sein Eigen­
name »Müller« nicht weit
tragen würde. Als Logo
wählte er eine Windmühle. Er
begann mit einer kleinen Werk­
statt, aber bald konnte er expan­
dieren. Bis in den arabischen
Raum verkaufte Müller die Ra­
sierpinsel. 1972 wurde seine Manu­
faktur dann enteignet und in ei­
Wer die Rasur zum eleganten Ritual
veredeln will, für den ist der Rasier-
pinsel »Purist« (re.) mit seinem Griff
aus karelischer Maserbirke genau
das Richtige. Abb. o.: Alle »Mühle«-
Produkte sind feinste Handarbeit
H A N D DE S M E I S T E R S
nen Volkseigenen Betrieb (VEB) überführt.
Nach der Wende entschloss sich Müller zum
Neuanfang. Nach harten Jahren des Aufbaus
wuchs die Firma von vier auf mittlerweile
60 Beschäftigte.
Für einen guten Rasierpinsel benötigt
man Dachshaar. Nur die Haare dieses Mar­
ders haben die notwendige Elastizität. Sie
finden immer zu ihrer Form zurück. Bei
anderen Haaren würden sich schnell die
Schuppen aufrauen, dann verhaken sich die
Haare miteinander, und der Pinsel verfilzt.
Die besten Haare vom Dachs sind der soge­
nannte Silberspitz, der Haarstreif, der
über den Rücken des Dachses
führt. Man erkennt die Sil­
berspitzhaare an ihrer
markanten schwarz-wei­
ßen Bänderung.
Die Gewinnung der
Haare ist eine unbeliebte Ar­
beit, deswegen werden Dachs­
haare meist aus Asien importiert.
Sie werde aus dem von der Sonne
gegerbten Fell gezupft. Der Dachs ist
schon lebend kein sehr wohlrie­
chender Artgenosse – und sein ab­
gezogenes Fell gewinnt olfaktorisch
nicht gerade hinzu. Ein Kilo bestes
Dachshaar kostet etwa 400 Euro.
Von Spezialunternehmen wird es
gereinigt, aufbereitet und sortiert.
Es dauert lange, bis ein Arbeiter
das Binden von Pinseln erlernt hat.
Denn um einen puscheligen Pinsel
zu erhalten, müssen verschiedene
16
Haarlängen kombiniert werden. Das Haar­
büschel wird dazu in eine runde Mulde ge­
stippt und zurechtgerüttelt, bis es die rich­
tige Form hat. Dann werden die Haare
zusammengebunden, mit einen Ring fixiert
und anschließend verklebt. Danach muss der
Pinsel in einen Griff geklebt werden, diese
Griffe werden bei Mühle zum Teil selbst aus
Kunstharz oder Horn hergestellt oder aus
Metall gedreht. Für einen guten Rasierpinsel
Bilder: Jo Zarth; Mirko Stelzner (2); Mühle; Michael Biedowicz
muss man etwa 60 Euro bezahlen, man hat
allerdings ein ganzes Leben lang etwas da­
von, wenn man ihn gut pflegt.
Das sollte man schon aus Respekt vor
dem Tier tun. Schließlich muss für so einen
Pinsel ein Dachs sein Leben lassen. Die Tiere
werden allerdings ohnehin bejagt. Sie haben
wie der Fuchs kaum natürliche Feinde und
werden deshalb von Jägern dezimiert. Aller­
dings werden die hierzulande geschossenen
Tier kaum mehr verarbeitet.
Wer sich nicht mit dem Fell eines Dach­
ses das Gesicht mit Rasierschaum einpinseln
möchte, dem bietet Mühle auch eine Alter­
native. Andreas und Christian Müller, die
heutigen Geschäftsführer des Unternehmens,
haben eine Kunstfaser entwickeln lassen, die
die Eigenschaften des natürlichen Dachshaa­
res imitiert. Es ist gewissermaßen der Rasier­
pinsel für Veganer. ×
Tillmann Prüfer ist Style
Director des ZEITmagazin.
Er stellt hier jeden Monat
herausragende Leistungen der
Handwerkskunst vor


 
 
 
  
 



  
   
 



 WA S PA S S T Z U …

Walton Ford

Bilder: Elisabeth Bernstein/Courtesy Walton Ford et Paul Kasmin Gallery; George Nelson; Jaime Hayon; Maarten De Ceulaer; Segno Italiano; Marion Friedmann
Erstmals stellt der amerikanische Tiermaler in Frankreich aus. Das
Musée de la Chasse et de la Nature in Paris präsentiert vom
15. September bis 16. Februar 2016 seine Werke. Das im vorigen Jahr
entstandene Bild »Graf Zeppelin« zeigt einen Gorilla auf Reisen

2
3

1 Luftpassage 2 Sonnendeck 3 Reisekoffer 4 Fruchtskulptur 5 Blaue Stunde

Susie ist eine von Ford ge-
malte Gorilladame, die
1929 per Zeppelin die USA
besucht. Einem Luftschiff
gleicht auch George Nel-
sons »Bubble Lamp«. Über
dopo-domani.de, 430 Euro
Als Zooattraktion reist
Susie natürlich in der
ersten Klasse auf bequemen
Polsterbänken. Für draußen
empfiehlt sich der Sonnen-
stuhl »Gardenias« von
Jaime Hayon, 2465 Euro.
Walton Ford malt am liebs-
ten exotische Tiere. Reise-
leidenschaft inspirierte
Maarten De Ceulaer zu sei-
ner Kommode aus Leder-
koffern. »Pile of Suitcases«,
über Galerie Nilufar.
Das Einzige, was Susie an
Bord des Zeppelins wohl
nicht fremd vorkam, war
das Obst. Im Porzellankorb
von Segno Italiano gibt es
viele Früchte, aber nur zum
Anschauen. Preis: 820 Euro.
»Out of the cage« nannte
Designerin Gala Fernandez
ihre Vase, zu beziehen
über die Londoner Galerie
Marion Friedmann.
Redaktion: Inga Krieger

18
 Galerie Luzán
Berlin

Fasanenstraße 68 · 10719 Berlin

+49 (0) 172 54 298 70 · +49 (0) 177 571 58 70
info@galerie-luzan.de · www.galerie-luzan.de

Louis Valtat - La Maison - 1909 - Öl auf Leinwand - 73 x 81,7 cm

Galerie Luzán & Kunsthandel Dr. Schmitz-Avila

Kunst und Handwerk im Dialog.

Malerei des 20. Jahrhunderts trifft auf Antiquitäten des 18. und 19. Jahrhunderts.

04. September bis 20. Dezember 2015

Öffnungszeiten: Di. - Fr. 12:00 - 18:00 Uhr / Sa. 11:00 - 16:00 Uhr
 WA S H A B E N SI E G E SE H E N , H E R R OB R I S T ?
In Stockholm das große »Babel«-Projekt im
Moderna Museet, wo neue Verbindungen zwischen
Kunst und Poesie sichtbar gemacht werden
Hans Ulrich Obrist
ist Kurator für zeitgenössische Kunst und
leitet die Serpentine Gallery in London
Was haben Sie gesehen, Herr Obrist?
Ich habe so viel selbst aufgebaut in die-
sem Sommer, dass ich nicht viel anderes se-
hen konnte. In Stockholm war ich gerade,
weil ich von Daniel Birnbaum eingeladen
war, der seit einigen Jahren das Moderna Mu-
seet leitet. 1969 wurde dort die berühmte Aus-
stellung »Poetry must be made by all! Trans-
form the world!« gezeigt, die Ron Hunt
kuratiert hat. Damals ging es um die Verbin-
dung von revolutionärer Politik und Poesie.
Sie waren dort mit Ihrem Projekt 89plus
über die Künstlergeneration, die nach 1989
geboren und digital aufgewachsen ist. Was
ist Ihr Bezug zur Ausstellung von 1969?
Der Kokurator von 89plus, Simon Cas-
tets, und ich stellten fest, dass es auch in die-
ser Generation viel Interesse an Poesie gibt.
Wie kommt das?
Durch das Internet. Auf Twitter bei-
spielsweise ist eine neue Form von Poesie ent-
standen. Sprache wird insgesamt durch die
sozialen Medien wieder verstärkt transpor-
tiert. Und parallel dazu gibt es wieder ein
stärkeres Interesse an den Sechzigerjahren,
1
2 3
an der konkreten Poesie von damals. Ihr
großer Pionier, der in Deutschland lebende
Schweizer Künstler EUGEN GOMRINGER (1), ist
ja wieder in aller Munde, im August wird
er im Bielefelder Kunstverein ausgestellt. Die
libanesische Autorin und Malerin Etel Adnan,
die Frankreich lebt, ist ebenso wichtig.
Etel Adnan nimmt auch an der Ausstellung
in Stockholm teil.
Ja, wir haben das Motto von damals et-
was geändert. Jetzt heißt es »Poetry WILL be
made by all«. Kandinsky hat gesagt, in der
Kunst geht es immer um Freiheit, es gibt
kein »man muss«. Und mit diesem Blick ha-
ben wir die Schau von 1969 neu besucht.
Die Ausstellung ist Teil des großen »Babel«-
Projekts im Moderna Museet diesen Som-
mer. Warum eigentlich »Babel«?
Gerade in diesem hochpolitischen euro-
päischen Sommer dachten wir, es ist eine
gute Idee, Babel zu feiern. Der Turmbau von
Babel wird ja oft apokalyptisch dargestellt,
aber wir können in der Vielfalt der Sprachen
doch auch etwas Gutes sehen, gerade in Eu-
ropa angesichts der neuen Nationalismen.
20
Bilder: Eugen Gomringer; Åsa Lundén/Moderna Museet/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Terje Östling/Yael Bartana; Milena Carstens; Illustration: Andrea Ventura
Ein Werk hat, was die Situation in Europa
betrifft, einen geradezu prophetischen Titel:
»And Europe will be stunned« (3).
Ja. Und Birnbaum feiert mit seiner Aus-
stellung die Vielfalt.
Was genau ist dabei Ihr Beitrag?
Wir haben als Gastkuratoren einen
TURM (2) in der Ausstellung aufgebaut und
den Künstler Simon Denny und den Archi-
tekten Alessandro Bava, eingeladen. In dem
Turm werden 1000 Bücher von 1000 Dichte-
rinnen und Dichtern gezeigt, oftmals ihr De-
büt, das man sich dann dort umsonst down-
loaden und ausdrucken kann. Der Turm
betont den globalen Austausch.
Simon Denny interessiert sich ja wie kein
zweiter Künstler derzeit für die Startup-Sze-
ne, unter anderem in Berlin.
Ja, er beschäftigt sich mit den Bildern
und Texten dieser Welt und spiegelt sie an
den Betrachter zurück. In Stockholm gibt es
ja auch das Nobelmuseum, und jedes Mal,
wenn ich in der Stadt bin, denke ich, wie
schade, dass es keinen Nobelpreis für Künst-
ler gibt. Es ist wunderbar, dass etwa der Lite-
ratur-Nobelpreis Autoren wie Elfriede Jeli-
nek oder Herta Müller einem internationalen
Publikum vorgestellt hat. Natürlich ist Kunst
ohnehin global, weil es das Übersetzungs-
problem nicht gibt, aber ich mag die Vorstel-
lung, dass eines Tages an sämtlichen Bahn-
hofsbuchhandlungen auch ein Kunstbuch
liegen könnte.
Und was beschäftigt Sie derzeit außerhalb
der Kunstwelt?
Ich lese gerade ein Buch, das sich mit
den Grenzen der politischen Philosophie be-
schäftigt: »Violence and Civility« des franzö-
sischen Philosophen Étienne Balibar. ×
Christoph Amend, Herausgeber
der WELTKUNST,
befragt Hans Ulrich Obrist
jeden Monat nach seinen
Entdeckungen in der Kunst
 ALAIN CLÉMENT
Malerei und Skulptur
11. Juni – 5. September 2015
DIE GALERIE Frankfurt am Main

Alain Clément ∙ 04 N 2P ∙ Öl auf Leinwand ∙ 92 x 73 cm

Grüneburgweg 123 • D-60323 Frankfurt am Main

Tel. +49-69-971 471-0 • Fax +49-69-971 471-20
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LEUCHTEN

Bild: Hugo Glendinning/Image courtesy of the artist and Houghton Hall

Auf Houghton Hall im englischen Norfolk residiert in diesem

Sommer ein Lichtzauberer: Sobald die Dämmerung einsetzt,
illuminiert James Turrell das Schloss auf seine einzigartige Weise
DE PRACHT

Die schönsten Schlösser sind auch immer Schauplätze der Kunst:

als magische Kulisse für zeitgenössische Werke (S. 32 u. 52),
als Inspiration für Träume auf Zelluloid (S. 40), als Showroom
für die eigene Sammlung (S. 24), als Motiv vollendeter
Harmonie und Ästhetik (S. 44) sowie als Zeitmaschine, die uns
in die Kultur vergangener Jahrhunderte versetzt (S. 56)

23
 Der Burgherr geht
Vor knapp dreißig Jahren erwarb der Münchner Kunsthändler Konrad
O. Bernheimer eine mittelalterliche Burg am Chiemsee, mit der er
Kindheitserinnerungen verband. Nun beauftragte er Sotheby�s mit dem
Verkauf – samt Inventar, das im Herbst in London versteigert wird

VON
CHR ISTI A N E M EI X N ER

Seit 1987 besitzt Konrad O. Bernheimer

Burg Marquartstein, hier verbrachte er viel
Zeit mit der Familie und lud Sammler ein,
sich Altmeister zwischen Antiquitäten anzu-
sehen. Li.: Vieles davon wird versteigert,
darunter das italienische Portal des späten
16. Jahrhunderts, die Kommode mit
Bronzebeschlägen von 1770 oder das von
Joseph Karl Stieler 1815 gemalte Porträt

25
HEA DZEILE

Den vergoldeten Spiegel aus der Mitte des

18. Jahrhunderts gibt es als Paar, darüber
hängt ein Alabaster-Leuchter aus Öster-
reich und auf dem kleinen Tisch steht Max
Klingers »Badende« in Bronze. Vieles
brachte Konrad O. Bernheimer (rechts) aus
dem ehemaligen Stammsitz der Händler­
familie am Münchner Lenbachplatz hierher

26
 BER N H EI M ER

B
Beim ersten Besuch wollte er notfalls über die Mauer ver-
schwinden. Zurück ins Tal schleichen und in den Schlafsaal
– bevor die Lehrer überhaupt merken, dass Konrad und ein
paar Mitschüler hoch zur Burg gegangen sind. Auch später
waren sie vorsichtig. »Einer von uns musste immer auf der
Brücke wachen, aber wir wurden nie erwischt«, erinnert sich
Konrad O. Bernheimer. Sein erstes Bier hat er auf Burg Mar-
quartstein getrunken, die erste Zigarette geraucht.
Bilder vorherige Seite und Bild links: Sotheby’s (3), Bilder rechts: Vanessa von Zitzewitz; Sotheby’s

Wenn er heute über die Zugbrücke geht, hält er die

Schlüssel für das schwere, dunkle Holztor in der Hand.
Wann immer der Münchner Kunsthändler und Burgbesit-
zer es möchte, öffnet sich das Kleinod aus dem Mittelalter
mit seinen unzähligen Treppen und seiner verwinkelten Ar-
chitektur. Wo damals die Wirtsstube war, befindet sich heu-
te die Küche mit einem ovalen Tisch, an dem die Familie
Bernheimer gern saß, wenn sie allein auf Marquartstein war.
Mit Gästen bevorzugte man das repräsentative Speisezim-
mer. Doch hier decken nun Mitarbeiter von Sotheby�s die
Tafel, arrangieren Skulpturen und Vasen und richten die
Scheinwerfer auf das Interieur, um es für den Verkauf foto-
grafieren zu lassen. Denn Konrad O. Bernheimer verabschie-
det sich von seiner Burg.

In den Sechzigerjahren war er im Landschulheim Mar-

quartstein, das damals auf der Burg residierte. Während
Bernheimers Internatszeit befand sich dort ein Wirtshaus –
ein idealer Ort für Jugendsünden. Als die Burg 1987 zum Ver-
kauf stand, griff er zu. Denn das Anwesen am Chiemsee hat,
neben dem persönlichen Bezug, viel zu bieten: eine grandio-
se Aussicht, den idyllischen Burghof, acht Bäder und 40
Zimmer. Genug Platz für all die Antiquitäten und Kunst-
werke, die nach der zwei Jahre dauernden Renovierung auf
den Einzug warteten. Ganze Wagenladungen voll Inventar
aus dem Münchner Traditionsunternehmen, dessen Palais
am Lenbachplatz Bernheimer ebenfalls 1987 veräußerte. »Ich
habe die Burg auch deshalb gekauft«, sagt Deutschlands
wohl bekanntester Kunsthändler und weist mit der Hand
durch das Herrenzimmer auf den Kronleuchter, mehrere
Gemälde und ein chinesisches Räuchergefäß: »Das blieb ja
stets Inventar der Firma.« Tatsächlich baumelt am Lüster ein
kleines Schild, das einen glauben lässt, Sotheby�s habe das
Objekt bereits inventarisiert. Bis man die Schreibschrift auf
dem verblichenen Etikett entdeckt: Vielleicht hat es schon die
Einweihung des Palais 1889 durch den Prinzregenten erlebt.
Kein Zweifel, Burg Marquartstein war in der Ära Bern-
heimer ein Ort des Kunsthandels. Aber eben auch Refugi-
um für den Hausherrn, seine Frau Barbara und die vier
inzwischen erwachsenen Töchter. Erholung nach arbeitsin-
tensiven Tagen in der Brienner Straße, wo die Alten Meister
 BER N H EI M ER

Die Innenräume der Burg waren ebenso privates Refugium der sechs-
köpfigen Familie wie Inventar für den Bernheimer’schen Kunsthandel.
Derzeit sind die Experten von Sotheby’s dabei, die zum Verkauf
stehenden Stücke zu katalogisieren und für die Auktion im Herbst vor-
zubereiten. Rechts: Die fast drei Meter hohen italienischen Kalkstein-
säulen im Garten, Mantua, 14./15. Jahrhundert, wird Sotheby’s mit einer
Taxe von 70 000 bis 100 000 Pfund aufrufen

28
HEA DZEILE

im noblen Ambiente hängen. Von den internationalen Mes-

sen, auf denen der Kunsthändler seit Jahrzehnten seine Ge-
mälde zeigt. 2002 kam die Londoner Galerie Colnaghi hin-
zu, die Bernheimer übernahm. Jetzt sei es Zeit »vernünftig
zu werden.« Er wird Ende August 65 Jahre alt. »Da muss man
anfangen, sein Haus zu bestellen«, bilanziert er nüchtern.
Die Burg ist einfach zu groß für ihn und seine Frau. »Ich bin
auf der Suche nach etwas Neuem in der Nähe. Eher ein Wo-
chenendhäuserl, in dem mein Schreibtisch Platz hat.«
Zu den Projekten, die keinen Aufschub mehr duldeten,
gehörte die Chronik seiner deutsch-jüdischen Familie, die
mit ihrem Angebot feinster Stoffe und Tapisserien zum kö-
niglich-bayerischen Hoflieferanten avancierte, bevor die Na-
tionalsozialisten sie zur Emigration nach Venezuela zwang,
wo die Familie eine abgewirtschaftete Plantage kaufte. Bern-
heimers Buch ist 2013 erschienen und erzählt eine komplexe
Historie von über 150 Jahren. »Wir sind ein Beispiel dafür,
wie es einer Familie in dieser Zeit in Deutschland ergehen
konnte. Dass mein Großvater schon 1945 zurückwollte, hat
niemand verstanden. Ich hätte es an seiner Stelle nicht ge-
macht, sondern wäre im herrlichen Klima von Venezuela
 BER N H EI M ER

auf meiner Kaffeeplantage geblieben.« Doch Otto Bernhei-

mer war nicht zu beirren, holte Anfang der Fünfzigerjahre
den vierjährigen Enkel und die inzwischen verwitwete
Schwiegertochter nach München und baute das Unterneh-
men am Lenbachplatz wieder auf. Konrad Bernheimer, der
die Geschäfte 1977 übernommen hat, beschreibt diese Ereig-
nisse aus der Innenperspektive, knüpft aber immer wieder an
die Historie des deutschen und internationalen Kunsthan-
dels an. Die erste Auflage seines Buches ist vergriffen, eine
Nachauflage geplant. »Da kommt natürlich ein Update hi-
nein. Was mit der Galerie in München passiert, was mit Lon-
don und mit mir.«
Einiges davon ist bereits bekannt. Bernheimer wird die
Räume in München bald aufgeben und sich auf ein Büro be-
schränken. »Um die Londoner Galerie werde ich mich in
den nächsten Jahren noch intensiver kümmern, mich auch
nach jüngeren Partnern umsehen – der nächsten Colnaghi-
Generation«. Vielleicht ist dann die Burg bereits verkauft.
Das Inventar jedenfalls wird im November von Sotheby�s in
London versteigert. Nicht alles natürlich. Von »Familienhei-
ligtümern« trennt Bernheimer sich auch jetzt nicht. Zu ih-
nen gehört der antike japanische Buddha, der mit dem
Großvater nach Venezuela ging und jetzt auf der Fenster-
bank sitzt. Groß wie ein Kind, aus dunklem Holz und mit

Bilder vorherige Doppelseite und diese Doppelseite: Sotheby’s (6)

seltsam belebtem Blick – weshalb man versteht, dass ihn der
junge Konrad angsteinflößend fand. Dennoch hat die Figur
bislang jede Zäsur in der Familiengeschichte überlebt.
Genau wie der »Holbeinstuhl«, der mit dem Fragment
eines überaus seltenen Teppichs bezogen ist. »Er war von An-
fang an Teil der Teppichsammlung«, erklärt Bernheimer.
Als er in den Neunzigern schon einmal 400 Messgewänder

Das Lapidarium im Hof wird samt der Säulen aufgelöst,

das steinerne, mit Tieren und Chimären verzierte Becken
(19. Jh., li.) ist ebenfalls ein Los bei Sotheby’s

aus der Sammlung des Großvaters und fast alle Tapisserien

zu Christie�s gab, hätten viele Interessenten nach dem Stuhl
gefragt. Damals stand er nicht zum Verkauf, diesmal ist die
Chance da. Bernheimer wünscht dem Möbel, auf dem 1980
Papst Johannes Paul der II. in München saß, einen Platz in
»einer guten Sammlung oder vielleicht sogar in einem Mu-
seum«. Jedes Stück, von dem er sich nicht trenne, dokumen-
tiere den »Triumph des Sammlers über den Händler. In ei-
nem wie mir stecken beide Persönlichkeiten.«
Der Händler hat gesiegt bei den römischen Sarkopha-
gen, die Großvater und Urgroßvater im 19. Jahrhundert an-
kauften. Dem Lapidarium im Burghof mit seinen über hun-
dert Steinen, Skulpturen und den antiken Säulen. Und bei
vielen schönen Stücken des Interieurs, mit dem die Familie
so lange gelebt hat. Kurz haben Bernheimers überlegt, einen
House Sale zu veranstalten. Doch die Vorstellung von Hun-
derten Besuchern, die neugierig durch die Räume ziehen,
hat sie abgeschreckt. »Für uns ist es emotional einfacher, die
Zimmer zu leeren und alles nach London zu geben.«
Wenn man mit Konrad O. Bernheimer durch die Burg
geht und er oft noch nicht weiß, ob dies oder jenes eine Los-
nummer wird, merkt man, dass es für ihn kein leichter Ab-
schied ist. Und wenn er die Schlüssel von Marquartstein
endgültig abgeben muss? »Dann am liebsten wieder an eine
so narrische Familie, die die Schönheit dieses Hauses schätzt
und genießt.« ×
 In der Eingangshalle hängt eine Florentiner Tapis-
serie aus dem 16. Jahrhundert mit dem Wappen
der Medici, die monumentale Vase links davon ist
aus Bronze und mit einem Bacchanal versehen
(um 1900). Der Tisch im Vordergrund wurde um
1740 wohl in München gefertigt und teils vergoldet

31
Kunst am Prachtbau
 Rätselhafter Reigen: Laura Fords Skulp­
turengruppe »Days of Judgement« vor dem
Herrenhaus Strawberry Hill bei London

In zahlreichen Schlössern Europas bietet geschichtsträchtige Architektur den

stimmungsvollen Rahmen für die Kunst der Gegenwart.
Wir stellen Ihnen die schönsten Ausstellungen dieses Sommers vor
 KU NST I M SCH LOSS
Flagge zeigen
Alle zwei Jahre ist Bad Homburg Schauplatz der
Skulpturenausstellung Blickachsen, dieses Jahr in
Zusammenarbeit mit dem Middelheimmuseum
in Antwerpen. Nicht nur der Kurpark und der
Schlosspark werden zur Kulisse – oben »Flag« (2010)
von der belgischen Bildhauerin Caroline Coolen
vor dem Bad Homburger Schloss –, auch die Burg
Eppstein, Kloster Eberbach, das Kastell Saalburg und
andere Orte in Frankfurt und Darmstadt werden bis
4. Oktober von zeitgenössischen Künstlern bespielt.
34
Bild vorherige Doppelseite: Laura Ford/Gautier Deblonde; Bilder diese Seite: Tadzio/Courtesy Kapoor Studio/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Courtesy Stiftung Blickachsen und Künstler;
Bilder rechts: Haydar Koyupinar/Bayerische Staatsgemäldesammlungen, München/Gerhard Richter 2015; Château du Rœulx/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Eric Sander (2)
Angriff auf Versailles
»Ohr oder Vagina – unsicher. Ein langes Rohr, das männ-
lich sein könnte, ein Vagina/Phallus.« So erläutert der
Bildhauer Anish Kapoor sein Werk »Dirty Corner«. Aufge-
stellt im Park des Château de Versailles, der von Le Nôtre
ab 1660 als Inbegriff absolutistischer Macht nach streng
geometrischen Regeln entworfen wurde, nennt der 61-Jäh-
rige die Monumentalskulptur auch »die Vagina der Köni-
gin, welche die Macht übernimmt«. Das nutzten extremis-
tische Kunstgegner, machten gegen das Werk Stimmung,
das auch einer stählernen Blume oder einem gestrandeten
U-Boot ähnelt. Die »Vagina« wurde Opfer von Vandalis-
mus, mit Farbe bespritzt. Ein so unvergleichlich dummer
Akt, dass Kapoor sogar überlegte, die Skulptur nicht reini-
gen und so den Gewaltakt zum kreativen Akt werden zu
lassen. Mit anziehenden Oberflächen, abgründigen Instal-
lationen – im Park saugt »Descension«, ein riesiger Wasser-
strudel, den Besucher geradezu ein – stellt der in Mumbai
geborene Brite die geordneten Strukturen der Macht und
Ästhetik in Frage. Die sechs bis zum 11. November in Ver-
sailles aufgestellten Werke sind nicht neu, die rote Farbpa-
tronen in die Ecke feuernde Kanone (o.) im unweiten Jeu
de Paume irritierte bereits 2009 im Wiener MAK. Kapoor
hat die Arbeiten für Versailles neu konfiguriert. Gut, dass
er damit noch aufregen kann.  J. EMIL SENNEWALD
 Klassentreffen des Pop
Unter den Malerfürsten ist Gerhard Richter
der König. Sehr passend, dass ihm jetzt
bei der Ausstellung »Königsklasse III« auf
Schloss Herrenchiemsee groß gehuldigt
wird (bis 27. September): Das Sommergast­
spiel der Münchner Pinakothek der Moderne
zeigt als Neuigkeit zum Vorjahr einen
Teil des Richter-Zyklus »Brigid Polk« (u.)
über eine legendäre Vertraute Andy Warhols.

Kopf in den Wolken

Adel verpflichtet: Im Château du Rœulx lebt ein Verwandter
der belgischen Königsfamilie, der Hof und Garten nun für eine
wunderschöne Ausstellung zur Verfügung stellt. Zum Thema
»Clouds« begegnet man bis 18. Oktober nicht nur den über­
raschend gewichtslosen Stahlköpfen von Jaume Plensa (o.), son­
dern auch einem Wolkenbild von René Magritte oder einem
ephemeren Sprühnebel von Anne Blanchet. Und Jean-Baptiste
Caron lässt in einer Betonkugel durch einen Spiegeltrick ein
Wattebäuschlein erscheinen, das gar nicht das ist. Nach diesem
Anblick fühlt man sich so leicht, als schwebte man auf Wolken.

Schön versponnen
Auf der einen Seite wehrhafte Mittelalterfestung, auf
der anderen verspielter Renaissancepalast: Das
Château de Chaumont-sur-Loire, das im 15. Jahrhun­
dert für die Amboise-Familie errichtet wurde, thront
als Märchenschloss über den Wassern der Loire. Seit
2008 dient es dem Staat als Kunstort. In diesem Jahr
zu sehen sind zum Beispiel die »Phantomblumen«-
Gemälde von Gabriel Orozco, der sich von den ver­
blichenen Tapeten in den Prinzgemächern inspirie­
ren ließ (bis 31. Dezember 2016). In die Schlosskapelle
haben Gerda Steiner und Jörg Lenzlinger eine zweite
Kathedralenarchitektur aus getrockneten Pflanzen
und Gräsern gesponnen (li., bis 1. November).

35
 Auf dem Erdbeerhügel
Der Preis für das schönstbenannte Schloss gebührt wohl
dem englischen Schriftsteller Horace Walpole, der sich
sein neugotisches Landhaus zwischen 1749 und 1776 in
Twickenham bei London erbauen ließ: Strawberry Hill –
also »Erdbeerhügel« – ein Name wie aus Alice im Wunder­
land. Ziemlich wunderlich wirken auch die Figuren der
walisischen Bildhauerin Laura Ford, auf die man im Gebäu­
de stößt: Ein Mann mit Elefantenkopf wacht im Schlaf­
zimmer, im Garten schleichen Katzen auf Hinterpfoten
herum, und in der Bibliothek sind Ritter auf dem Fußboden
in den Schlaf gesunken (li.). Bis 31. Oktober beherrscht
der Zauber der Kunst das Landhaus – bis hinein in die seit
Frühjahr erstmals zugänglichen Privatgemächer Walpoles.

Bilder: Laura Ford/Gautier Deblonde; Thomas Müller/Laura Straßer/Stiftung Thüringer Schlösser und Gärten, Stadt Erfurt; Jan Brockhaus (2)
Geister zu Gast
»Full House« heißt es auf Schloss Molsdorf bei
Erfurt, wo man sich bis zum 20. September ein
Dutzend Künstler zum Spiel mit dem barocken
Ambiente eingeladen hat. An unhöfische Tisch­
sitten erinnert Laura Straßers Installation aus
Geschirr und Scherben im Bankettsaal (o.), wäh­
rend im Marmorsaal bei Christiane Haases
Skulpturen geisterhafte Mädchenfüße unter wei­
ßen Porzellantüchern zum Tanz einschweben.

Minimaler Weltuntergang
Die Mutter aller Zwischennutzungskonzepte im
Land Brandenburg hört auf den Rahmen »Roh­
kunstbau« und belebt schon seit 1994 jeden Sommer
leer stehende und teilweise recht abgeblätterte
Schlösser. Seit 2013 gastiert die stets nach einem
Motto kuratierte Gruppenschau, die auf die Unter­
stützung der Kunstszene im nahen Berlin zählen
kann, auf Schloss Roskow. Zum Thema »Apoka­
lypse« (bis 6. September) fallen diesmal Künstlern
wie Sandra Boeschenstein eher formreduzierte,
minimalistische Beiträge ein (re.). Vielleicht würden
explizitere Fantasien über das Jüngste Gericht auch
ein wenig die Sommerlaune trüben.

36
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Themenjaahr 2015

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Fels vor der Festung

Hier hilft nur höflichstes Anklopfen: Das nach seinem 27 Meter
hohen, trutzigen Bergfried benannte Schloss Donjon de Vez wurde

Bilder: Nottingham Castle Museum & Art Gallery/Arts Council Collection 2015/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Veronique Mati/Courtesy ARTCURIAL/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Koldinghus/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Knud Erik Christensen
im 14. Jahrhundert von Ludwig von Orléans in Vez nahe Paris errich-
tet und hat seitdem allen übel gesinnten Besuchern widerstanden.
Heute gehört das Anwesen Francis Briest, dem Vizepräsidenten des
Auktionshauses Artcurial, der im Sommer seinen Garten mit (erwerb-
baren) Skulpturen fürs Publikum öffnet. Als Neuzugang mischt sich
in diesem Jahr Lee Ufans Werk »Relatum X« (2014, u.) unter Arbeiten
von Carsten Höller oder François Morellet (bis 13. September).

Palast des Volkes

Aus Robin Hoods Tagen sind nur die Geheim-
tunnel unter dem Gebäude geblieben. Das
existierende Nottingham Castle ist ein herzög-
licher Palast von 1678, der seit Ende des
19. Jahrhunderts dem englischen Staat als
Kunstmuseum dient. Heute glänzt die Samm-
lung besonders mit Textilarbeiten von zeitge-
nössischen Künstlern wie Grayson Perry oder
Shelly Goldsmith und mit zahlreichen Foto-
grafien. Bis zum 6. September kann man bei
»Paintings of People« den Porträts von
Malern wie Walter Sickert, Peter Blake oder
David Hockney tief in die Augen sehen.

Silber des Nordens

Reizvoll kontrastieren in diesen Tagen moderne Silberob-
jekte und zeitgenössische Kunst mit dem alten Mauerwerk
des Schlossgebäudes jenseits der deutschen Nordgrenze:
Schloss Koldinghus – Dänemarks älteste Königsresidenz –
thront eine Autostunde von Flensburg entfernt hoch über
Koldings Stadtmitte am Lille Belt, dem westlichsten Ost-
seezugang. Die im 15. Jahrhundert zum Schloss umgebaute
Grenzburg war lange Sitz der dänischen Herrscher. Der
Wiederaufbau des in den Napoleonischen Kriegen völlig
ausgebrannten Anwesens wurde erst in den 1970er-Jahren
endgültig realisiert. Besonders der zuletzt fertiggestellte
Südflügel gilt als Sehenswürdigkeit ersten Ranges. Aus der
verwitterten, romantischen Ruine gestaltete das dänische
Architektenpaar Inger und Johannes Exner mit hängenden
Eisentreppen riesige, ultramoderne Ausstellungsräume.
Aktuell zeigt dort das Museet på Koldinghus bis 27. Sep-
tember die Ausstellung »2+2« mit dänischen und deutschen
zeitgenössischen
Künstlern und Webern
(ganz li.). Ab 4. Septem-
ber folgt in dem für
seine Silbersammlung
bekannten Museum
eine Schau des däni-
schen Silberdesigners
Georg Jensen (1866–
1935).  ULLA FÖLSING

38
 Informationen
Museen & Schlösser
bayerische

München im Alten Hof lebendige

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 WA LT DI SN E Y

Ich bau mir ein Schloss …

… so wie im Märchen. Diesen Traum teilte Walt Disney mit König Ludwig II. und
erwählte Neuschwanstein zum Vorbild für seine Freizeitparks

VON
A N DR E A S P L AT T H AU S
 W
Walt Disneys Planer und Ingenieure waren
schneller als die des bayerischen Königs Lud-
wig II.: Zwei Jahre statt 23 brauchten sie für
ihr Schloss. Und davon war nur die Hälfte
wirkliche Bauzeit. Als die Konstruktion
von Dornröschens Schloss (Sleeping Beauty
Castle), dem als Mittelpunkt und Blickfang
von Disneyland vorgesehenen Gebäude, im
August 1954 begann, blieb nicht mal mehr
ein Jahr bis zum festgelegten Eröffnungster-
min des Freizeitparks am 17. Juli 1955. Schloss
Neuschwanstein dagegen war 1869 begon-
nen und nach dem Tod des Bauherrn im Jahr
1886 notdürftig bis 1892 fertiggestellt gewor-
den – wäre der Perfektionist Ludwig älter ge-
worden, hätte es vermutlich noch länger ge-
dauert. Gut, man verbaute im kalifornischen
Anaheim vor allem Beton und Spachtelmas-
se statt Sandstein, Marmor und Ziegeln, wie
sie in Hohenschwangau verwendet wurden,
und nicht auf einem Berggipfel wie das Ori-
ginal im Allgäu erhebt sich Sleeping Beauty
Castle, sondern auf dem flachen Areal eines
ehemaligen Orangenhains. Hier musste nur
gerodet, nicht erst die Ruine eines Vorgän-
gerbaus abgetragen werden, die Anlieferung
des Materials an die Baustelle erfolgte mit
Lkw statt mit Ochsenkarren und Hebekrä-
41
nen. Aber ein paar Jahrzehnte Fortschritt
und die simplere Topografie machten nicht
den Hauptunterschied aus. Was Disneys
Schlossprojekt vor allem beschleunigt hatte,
war die Tatsache, dass es ihm schon jemand
vorgeträumt hatte: Ludwig II. eben.
So hatte es Disneys Angestellter Herbert
Ryman leichter als Ludwigs Entwurfszeich-
ner Christian Jank, dem wir die Vorlagen für
Neuschwanstein verdanken. Walt Disney rief
im September 1953 seinen damals dreiund-
vierzigjährigen Artdirector Ryman, der bis-
lang nur im Trickfilmbereich gearbeitet hat-
te, zu sich und eröffnete ihm, dass in der
nächsten Woche ein Gespräch mit Bankver-
tretern stattfinden werde, von denen man
Kreditzusagen für den Bau von Disneyland
erhoffe. Man müsse ihnen aber etwas bieten,
eine Zeichnung, denn »Banker haben keine
Fantasie«, wie Disney sagte, sie müssten also
gezeigt bekommen, wie das Ganze aussehen
werde. Ryman erinnert sich, dass er darauf-
hin antwortete: »Das würde ich auch gern se-
Oben: Walt Disney präsentiert im Oktober
1954 im amerikanischen Fernsehen die
Ideen für Disneyland. Links der Entwurf
von Christian Jank für Neuschwanstein

hen. Wo sind die Bilder?« Er hoffte, der Chef
würde ihm jetzt endlich zeigen, was er sich
ausgedacht hatte. Aber es gab noch gar nichts
zu betrachten, denn Disney hatte diese Auf-
gabe für Ryman vorgesehen, der sich zu-
nächst sträubte, weil er nicht die geringste
Ahnung hatte, wie er das leisten sollte. Er wil-
ligte dann doch ein, als Walt Disney ihm ver-
sprach, die ganze Zeit dabeizubleiben, wäh-
rend er zeichnete. Wenn der Träumer
höchstpersönlich überprüfen würde, was da
als Bebilderung seines Traums entstand,
mochte es gehen. Und Disney wusste genau,
was er wollte: Neuschwanstein.
Er kannte das Schloss wohl nur von Fo-
tos, denn seine beiden langen Europaaufent-
halte – 1918/19 als minderjähriger Freiwilliger
der amerikanischen Armee und 1935 als wohl-
habender Reisender – hatten Disney nicht ins
Allgäu geführt. Aber er brachte von dem
zweiten Besuch eine ganze Bibliothek mit,
die den Zeichnern seines expandierenden
Trickfilmstudios als Vorlagen dienen sollte,
Kunstbücher und Architekturführer, alle ge-
dacht als Anschauungsmaterial für den gerade
in Produktion befindlichen ersten abendfül-
lenden Zeichentrickfilm des Disney-Studios,
»Schneewittchen und die sieben Zwerge«. In
diesem Werk, das 1937 in die Kinos kam,
taucht auch zum ersten Mal ein turm- und
zinnenreiches Schloss auf, dessen Gestalt
schon Einflüsse aus Neuschwanstein erken-
nen lässt. Es etablierte die Tradition des Mär-
chenschlosses in den Disney-Animationen
und bot dem amerikanischen Publikum et-
was, das sie nicht aus eigener Anschauung
kennen konnten. Es ist kein Zufall, dass im
selben Jahr auch die Rittercomicserie »Prinz
Eisenherz« von Hal Foster in den dortigen
Zeitungen debütierte und sofort zum durch-
schlagenden Erfolg wurde. In den Bildern
des alten romantischen Europa fanden die
von der Weltwirtschaftskrise immer noch ge-
beutelten Vereinigten Staaten einen nostalgi-
schen Trost. »Schneewittchen und die sieben
Zwerge« wurde zum Riesenerfolg und damit
zum Grundstein des Disney-Imperiums. Ihm
war das Gegenteil von dem gelungen, was
Ludwig II. mit seinen Schlossbauten erreicht
hatte: Er verdiente Geld.
Mindestens ebenso wichtig wie Neu-
schwanstein war für das Trickfilmschloss
aber auch das Werk des französischen Archi-
tekturhistorikers Eugène Viollet-le-Duc. Des-
sen Hauptschriften hatte Disney ebenfalls
aus Europa mitgebracht. Viollet-le-Duc war
im 19. Jahrhundert für die Restaurierung et-
licher Schlossbauten und Kirchen in seiner
Heimat verantwortlich gewesen – unter an-
deren für die Kathedrale Notre Dame in Pa-
ris und die Burg Pierrefonds in der Picardie,
die Disney besonders begeisterte – und hatte
WA LT DI SN E Y
dabei eine Neogotik zum Ideal erhoben, die
das Pittoreske auf die Spitze trieb. Diese Fas-
zination fürs Hochmittelalter hatte genau
zur Romantik gepasst, die damals als Geistes-
strömung ganz Europa prägte und ihren spä-
ten, aber konsequentesten, weil finanzkräf-
tigsten Vertreter in Ludwig II. finden sollte.
Für dessen Traumschloss Neuschwanstein
gab es ein konkretes Vorbild: den Bühnen-
bildentwurf, den der Theatermaler Heinrich
Döll 1855 für eine Münchner Inszenierung
von Richard Wagners Oper »Tannhäuser« er-
stellt hatte. Darauf thronte die Wartburg als
fernes Idealbild hoch auf einem Felsen im ge-
malten Bühnenprospekt. Aber auf die Idee,
dieses zweidimensionale Trugbild in die
Wirklichkeit übertragen zu lassen, konnte
wohl nur ein Fantast wie der bayerische Kö-
nig kommen.
Sein späterer Bruder im Geiste Walt Dis-
ney wusste dadurch, dass so etwas möglich
war, und deshalb hatte der amerikanische
Studiochef keine Scheu, erst einmal auf dem
Papier die freie Fantasie seines Angestellten
schießen zu lassen. Herbert Ryman zeichne-
te ihm eine aquarellierte Ansicht des künfti-
gen Schlosses, die ganz erkennbar auf Foto-
grafien von Neuschwanstein zurückgeht.
Das Größenverhältnis aber war bewusst gro-
tesk verändert worden: Ragt der höchste
Turm in Bayern 65 Meter auf, sind es in Kali-
fornien nur 23 geworden. Diese Zurückhal-
tung hatte aber nichts mit Bescheidenheit zu
tun, sondern entsprach Disneys subtiler Idee,
die Hauptbauten in Disneyland gegenüber
normalen Gebäuden zu verkleinern, damit
die Besucher das Gefühl haben sollten, sich
in einer anheimelnden Welt zu bewegen –
Erwachsene, die ein Kinderreich betreten.
Zudem wurde der Bau bei der Ausführung
perspektivisch verzerrt: Die oberen Elemen-
te sind im Verhältnis noch etwas kleiner aus-
geführt, damit sie für den Betrachter weiter
entfernt wirken, was die Gesamtarchitektur
des Schlosses aus der Untersicht größer er-
scheinen lässt, als sie tatsächlich ist.
Dass der Ryman-Entwurf, den Disney
auch ein Jahr später vorführte, als er am
27. Oktober 1954 im amerikanischen Fernse-
42
hen erstmals öffentlich die Idee von Disney-
land präsentierte, dann beim Bau abgeändert
wurde – der obere Teil ist um 180 Grad ge-
dreht –, lag an einer Konkurrenz, die gerade
im eigenen Studio entstand: das Dornrös-
chen-Schloss aus dem gleichnamigen Disney-
Trickfilm, der 1959 in die Kinos kommen soll-
te (deutlich verspätet, denn eigentlich hätte
sein Start die Eröffnung des Freizeitparks zu-
Bilder vorherige Seite: Wittelsbacher Ausgleichsfonds München; Hulton Archive/Getty Images
sätzlich bewerben sollen; deshalb war das
dortige Schloss auf den Namen »Sleeping
Beauty Castle« getauft worden). Der Artdi-
rector des Films, Eyvind Earle, hatte sich auch
Neuschwanstein zum Vorbild genommen,
und so konkurrierten zwei gezeichnete Repli-
ken desselben Gebäudes miteinander. Die
weitaus aufwendigere Architektur des Film-
schlosses, ein zelluloidgewordener Hybrid
aus Ludwigs Idealbau und den Buchillumina-
tionen der Brüder Limburg aus den »Trés ri-
ches Heures«, die die drei Flamen im 15. Jahr-
hundert für den Duc de Berry angefertigt
hatten, konnte aber in der kurzen Bauzeit
von Disneyland dort nicht umgesetzt werden.
So blieb Rymans Entwurf doch der maßgeb-
liche. Das Versäumte holte Disney erst ein
Jahrzehnt später nach, als er seinen zweiten
Freizeitpark in Florida plante: Auch dort steht
im Zentrum ein Märchenschloss, und dies-
mal bot es zahllose Söller und Türmchen und
erreichte eine Höhe von 58 Metern, also fast
so hoch wie Neuschwanstein.
Die Einweihung von Walt Disney
World in Florida erlebte der Namensgeber
nicht mehr. Als es 1971 seine Pforten öffnete,
war Disney schon seit fünf Jahren tot. Aber
er hatte zuvor alles genau festgelegt und auch
den Namen für das Herzstück von Walt Dis-
ney World ausgesucht: the magic kingdom, das
magische Königreich. Diesmal wollte er all
die Fehler vermeiden, die er bei Disneyland
Bilder diese Doppelseite: Wittelsbacher Ausgleichsfonds München; Johannes Bernhard; Walt Disney Animation Studios and the Animation Research Library; INTERTOPICS
Die jüngste Neuschwanstein-Kopie steht
seit 2005 in Hongkong. O. re. die Schloss-
skizze für den ersten Disney-Spielfim
»Schneewittchen« (1937). Ganz oben Bau-
arbeiten am Traumschloss des bayerischen
Königs in den 1880er-Jahren. O. li.: Als des-
sen Blaupause diente Heinrich Dölls
Bühnenbildentwurf für eine Wagner-Oper
noch gemacht hatte, vor allem die finanziell
bedingte Beschränkung auf ein relativ klei-
nes Areal. Denn bei Anaheim hatte Disney
in den frühen Fünfzigerjahren lediglich
170 000 Quadratmeter Obstplantagen erwor-
ben, und als Disneyland dann ein Riesener-
folg wurde, dachten die benachbarten
Grundstücksbesitzer gar nicht mehr daran,
mehr Land an ihn zu verkaufen; sie errichte-
ten dort lieber selbst Hotels und sogar ähn-
liche Freizeitparks als unmittelbare Konkur-
renz. Disney konnte sich im Nachhinein
glücklich schätzen, sein kalifornisches
Schloss nur 23 Meter hoch gebaut zu haben,
sonst hätten die Besucher vom Turm aus die
engen Grenzen seines Reichs geradezu
schmerzlich vorgeführt bekommen. In Flo-
rida kaufte er deshalb Anfang der Sechziger-
jahre mitten in einem Sumpfgebiet in der
Nähe von Orlando unter größter Verschwie-
genheit die sechshundertfünfzigfache Flä-
che: 43 Quadratmeilen. Dort wurde ein fast
sechzig Meter hoher Schlossturm möglich, ja
geradezu nötig, um Walt Disneys Welt zu
überschauen.
Erstaunlicherweise wurde das Zentral-
gebäude des Freizeitparks von Orlando »Cin-
derella’s Castle« genannt – Aschenputtels
Schloss. Die Abkehr von Dornröschen als ur-
sprüngliche Namensgeberin erfolgte des-
halb, weil der Film, dessen Schloss der Bau
doch eigentlich nachgebildet war, sich als
großer Flop erwiesen hatte. Acht Jahre lang,
von 1951 bis 1959, hatte Disney daran zeich-
nen lassen, und er glaubte fest daran, dass
43
dieses Werk sein Opus magnum werden wür-
de, doch die bis an die Grenzen der geome-
trischen Abstraktion getriebene Optik des
Animationsfilms ließ die Zuschauer kalt; ih-
nen fehlte die wohlig-gerundete Behaglich-
keit früherer Disney-Märchenverfilmungen.
Vor allem »Cinderella« von 1950 war dem Pu-
blikum diesbezüglich in bester Erinnerung
geblieben, und 1965 brachte Disney diesen
Trickfilm noch einmal in die amerikani-
schen Kinos – wieder mit größtem Erfolg.
Deshalb wurde das gerade im Bau befindli-
che Schloss in Florida kurzerhand nach der
populäreren Titelfigur benannt.
Mittlerweile ist die Schlösserfamilie des
Disney-Konzerns auf fünf Gebäude ange-
wachsen: 1983 eröffnete Tokyo Disneyland,
1992 Eurodisneyland bei Paris und 2005
Hong Kong Disneyland. In Japan und Frank-
reich wurden die jeweiligen Schlösser wieder
im ursprünglichen Sinne nach Dornröschen
benannt, nur die Chinesen bekamen wie in
Orlando Aschenputtel als Namensgeberin,
obwohl alle drei Konstruktionen sich an der
aufwendigen Architektur aus Florida orien-
tierten. Die Silhouette dieses wahr geworde-
nen Fantasiegebäudes wurde dann auch zum
Signet aller Disneyfilme. Mit ihnen ist das
Bild des Märchenschlosses um die ganze
Welt gezogen, und so hat der amerikanische
Selfmademan Walt Disney den Wittelsba-
cher-König Ludwig erfolgreich enteignet:
Dessen Traum von einem Schloss ist aus Bay-
ern ins Disneyland verschleppt worden – ein
Kulturraubzug der ganz modernen Art. ×
 Das
Publikum
bin ich!
Seit über dreißig Jahren fotografiert
der Italiener Massimo Listri Paläste
und Galerien. In menschenleeren,
großformatigen Bildern feiert
er die Magie ihrer stillen Schönheit

VON
R E I N H A R D K R AU SE

44
45
46
 Bücherburgen, die schwindeln
machen: Den 1887 fertiggestell-
ten Lesesaal der Königlich-
Portugiesischen Bibliothek in
Rio de Janeiro nahm Massimo
Listri 2012 auf. Die Doppelseite
davor zeigt das Vestibül im
Königspalast von Neapel, in
dem seit 1925 auch die National­
bibliothek untergebracht ist

47
Die Kunst in den Mittelpunkt
gerückt: Den oktogonalen
Musensaal der Vatikanischen
Museen prägt der »Torso vom
Belvedere«. Die Skulptur eines
sitzenden Mannes schuf Apollo-
nius von Athen im zweiten oder
ersten Jahrhundert vor Christus

48
49

L
Lautstark wurde jüngst im deutschen Feuil-
leton beklagt, unsere Museen seien zu leer,
geradezu verwaist, gemessen am Strom der
Besucher, der durch Häuser von Weltrang
pulse. Tatsächlich sind zum Beispiel das Alte
oder das Bode-Museum auf der Berliner Mu-
seumsinsel von infarktartigen Zuständen,
wie sie in den Uffizien herrschen, himmel-
weit entfernt. Zum Glück! Und als Balsam
für alle, die nur zu gern bedeutende Samm-
lungen der Kulturgeschichte durchstreifen,
dabei aber gut auf Tuchfühlung mit dem
Herdentier Mensch verzichten können, gibt
es Massimo Listri.
Der 1953 in Florenz geborene Fotograf
hat sich einer geradezu messianischen Auf-
gabe verschrieben. Seit über 30 Jahren reinigt
er auf seinen faszinierenden Großfotografien
die Musentempel dieser Welt (ja, selbst die
M A S SI MO L I S T R I
Säle der Uffizien) von allem Störenden: dem
Publikum, also uns. Und vom Zufall. Seine
Raumaufnahmen haben die Präzision von
Bauzeichnungen; oft halten sie die Zentral-
perspektive fest, millimetergenau austariert
auf den einen Punkt, in dem sich alle Per-
spektivlinien in vollendeter Harmonie bün-
deln. Das klingt simpel, doch nur Fotografen
können wohl ermessen, welch unbestechli-
che, landmesserscharfe Pingeligkeit des Au-
ges notwendig ist, um das Rautenmuster ei-
nes Marmorbodens im Königlichen Schloss
von Warschau auf eine einzige, makellose Li-
nie zu bringen, von der sich der barocke
Wandschmuck nur desto lebhafter absetzt.
Dieses künstlerische Verfahren könnte
statisch und fast konventionell anmuten –
und doch zeitigt es verblüffende Wirkung.
Ins Raster des Listri’schen Blicks gespannt,
50
wohnt den Räumen unversehens eine uner-
klärliche Magie inne, wobei die kleinen Ab-
weichungen von der vollendeten Harmonie
die größten Effekte erzeugen. Etwa wenn
eine Suite von Türen durch minimale Irregu-
laritäten aus der Flucht gerät. Wenn Listri
das Innere einer neapolitanischen Barockkir-
che in die bewährte Zentralperspektive rückt
und dabei scheinbar ungerührt über die
Trümmer eines Großbrandes hinwegsieht.
Oder wenn er Relikte des von einer SS-Divi-
sion zerstörten Klosters Neu-Jerusalem bei
Moskau festhält, als wäre in den lädierten
Backsteinen und Stuckresten der Glanz aus
350 Jahren Geschichte noch präsent.
Um unvermutete Präsenz geht es auch
in der Schau »Massimo Listri. Prospettive/
Perspektiven«, die das Kunsthistorische Mu-
seum Wien noch bis zum 26. Oktober in ei-
 M A S SI MO L I S T R I
Bild unten: privat
ner kleinen Kabinettausstellung zeigt. Im
Bassano-Saal erlebt der Besucher ein Déjà-vu:
Das grandiose Treppenhaus von Carl von Ha-
senauer und Gottfried Semper hat man doch
gerade beim Aufstieg in den zweiten Stock
passiert – und nun kann man auf Listris Foto
von 180 mal 225 Zentimetern mit den Augen
erst so richtig in seiner neobarocken Pracht
spazieren gehen. Es ist, als führe dieses von
Kunstwerken bevölkerte Gebäude ein rätsel-
haftes Eigenleben, wenn nur erst alle Besu-
cher gegangen sind. Und als wäre dieses Ge-
heimnis nur zu erspüren, wenn uns Listri
durch seine Fotolinse blicken lässt wie durch
ein verzaubertes Schlüsselloch.
2D schlägt 3D, wie kann das sein? Liegt
es daran, dass wir uns selbst in schlecht be-
suchten Museen nur selten die Mühe ma-
chen, den einen, idealen Blickpunkt zu fin-
51
Das Treppenhaus im Palazzo Reale von
Caserta fotografierte Massimo Listri (u.)
im Jahr 1993. Li. Seite: eine Zimmerflucht
im Schloss von Venaria Reale bei Turin
den? Oder entdecken wir auf Listris geis-
terhaft leeren und doch so beseelten Wim-
melbildern nur deshalb viel mehr Details,
weil unser armes Gehirn beim Gang durch
den echten Raum und den damit verbunde-
nen Perspektivverschiebungen Schritt für
Schritt überfordert ist?
Auf seiner Homepage zeigt Listri eine
einzige Arbeit mit Staffage. Die Bahnhofs-
halle von São Paulo nahm er mit derselben
Hingabe an die Proportionen auf, wie er sie
in Palästen an den Tag legt, nur wallen uns
auf dem Perron Hunderte Reisende entge-
gen. Die Fahrkartenhäuschen tanzen aus der
Bildmitte. Unwillkürlich denkt man an
Flucht – nicht nur die perspektivische. ×
»Massimo Listri – Prospettive/Perspektiven«,
Kunsthistorisches Museum Wien, bis 26. Oktober
 JA M ES T U R R ELL

»Der Akt des Sehens

Bild: Lars Tunbjork/VU/laif

soll ein Erlebnis sein«

52
 JA M ES T U R R ELL

James Turrell ist der berühmteste Lichtkünstler der Welt. Seine Arbeiten
zeigt er aktuell auf Schloss Houghton Hall, auch in Berlin hat er ein
neues Projekt. Ein Gespräch über Quäker, Demokratie und Flugzeuge

VON
T I L L M A N N P RÜ F E R U N D L I S A Z E I T Z

Wer das Glück hat, in diesem Sommer ein zu schaffen. Er hat begonnen, eine sehr gute Ende wäre es besser gewesen, die Kapelle ab-
Wochenende im englischen Norfolk zu ver- Sammlung zusammenzustellen. Außerdem zureißen und eine Neue zu bauen. Aber das
bringen, kann während der Dämmerung pflegt er die Tradition des englischen Gar- war natürlich keine Option. Das große Pro-
eine ganz besondere Inszenierung erleben: tens. Er sammelt Kunst für den Innen- und blem war die Dunkelheit, und es war meine
Die palladianische Fassade von Houghton den Außenbereich. Mit Engländern hat er Verantwortung, Licht in diesen Raum zu
Hall, dem berühmten Landschloss aus den angefangen, wie Richard Long und Stephen bringen.
1720er-Jahren, ist in psychedelische Farben Cox, die in der Natur arbeiten. Er nutzt auch
getaucht, die sich – immer an Freitag- und die alten Stallungen für die Kunst. Man muss Erzeugen Sie das Licht, oder bringen Sie es
Samstagabenden – im Lauf von 45 Minuten bedenken, dass es ein Herrenhaus mit enor- von außen hinein?
abwechseln, von Grün zu Blau und Lila und men Stallungen ist, die sehr schön gemacht Beides. Eine riesige Menge Licht kommt
Pink. Das Spektakel ist Teil der jüngsten Aus- sind. David Rocksavage ist ein interessantes von draußen, und nachts verströmt die Ka-
stellung des 72-jährigen James Turrell, der Beispiel für einen Sammler von heute, der als pelle Licht von innen. Auf beides muss man
wie kein anderer mit dem Medium Licht um- Aristokrat auf eine lange Vergangenheit zu- achten. Ich habe den Bau geöffnet, um Licht
geht, sei es in einem Großstadtmuseum oder rückblicken kann, wie auch immer man zu hineinzubringen. Ich denke, es ist ein interes-
in einem erloschenen Vulkan. Wir haben diesem Aspekt steht. santes Projekt, allein schon weil all die Dich-
ihn in Berlin getroffen, wo er gerade eine ter, Maler, Designer, Schauspieler und Archi-
Friedhofskapelle umgestaltet hat. Schon vor 15 Jahren haben Sie einen »Sky- tekten dort beerdigt wurden. Das ist ein
space« in Houghton Hall installiert. Wie toller Kontext.
Was bedeutet Ihnen Houghton Hall, das Ge- viele gibt es davon eigentlich weltweit?
bäude und seine Geschichte? Es sind 75 Skyspaces in 29 Ländern, die Es gibt etwas Transzendierendes in Ihrer
Es gibt für mich zwei große Sammler- man besuchen kann, der jüngste ist ein Pro- Kunst, das Menschen auf besondere Weise
häuser. Eines davon ist Villa Panza … jekt in Berlin, in einer Kapelle auf dem Do- ergreift.
rotheenstädtischen Friedhof. Einige sehr be- Mir gefällt es, wenn Kunst ein Erlebnis
… im Norden Italiens … rühmte Menschen ruhen dort. ist, wenn es um den Akt des Sehens geht. Das
… und das andere ist Houghton Hall … Werk ist kein Protokoll meines Sehens, son-
… unter anderen Schinkel, Brecht, John dern es geht um das Sehen des Betrachters.
… im Osten von England. Heartfield und Anna Seghers.
Beide hatten früher eine Tradition des Die Friedhofskapelle wurde nicht nur Sie beschäftigen sich nicht zum ersten Mal
Sammelns und sind daher ganz besondere von den Russen, sondern auch von den Ame- mit einem sakralen Ort, einer Kirche?
Orte, um dort heute kreativ zu sein. Der sieb- rikanern bombardiert. Wir waren also alle Nein, nein … Viele Leute denken sogar,
te Marquess of Cholmondeley, auch bekannt ein Teil der Zerstörung unser eigenen Kultur. dass sei es, was ich die ganze Zeit mache. Ich
als David Rocksavage, hat kürzlich eine Aus- Sie wurde dann im Stil der DDR wieder auf- komme aus einer Familie von Quäkern. Als
stellung Alter Meister nach Houghton Hall gebaut, ein ziemlich dunkler Ort. Dann kam ich jung war, war ich auch ein Quäker. Nach
zurückgebracht, die einst von hier aus an Ka- Dieter Rosenkranz ins Spiel. den Schwierigkeiten der Vietnamzeit interes-
tharina die Große nach Russland verkauft sierte ich mich nicht mehr so dafür, aber nun
wurde. Es kam eben der Punkt, als sie das … der Berliner Sammler und Mäzen. bin ich nach 25 Jahren Abwesenheit wieder
Geld brauchten, um die Häuser zu erhalten. Er will auf dem Friedhof beerdigt wer- zurückgekehrt. Gerade habe ich drei kom-
Auch Ludwig II. hatte dieses Problem. den. Deshalb liegt ihm die Kapelle am Her- plette Quäker-Gemeindehäuser fertiggestellt
zen, und er finanzierte das Projekt. Da er se- und bin dabei, ein viertes in Detroit zu er-
Sie kennen die heutigen Besitzer von hen wollte, was Berlin war und ist und was richten. Für Panza habe ich zwei Kirchen
Houghton Hall? es werden könnte, fragte er mich, ob ich mit- entworfen, aber sie wurden nie gebaut.
David Rocksavage ist einer der char- mache. Klar. Das ist eine schöne Idee. Es gab
mantesten Menschen, den ich kenne. Beide, allerdings viele Probleme auf dem Weg dort- Können Sie uns ein bisschen von Ihrer Er-
er und seine Frau. Ziemlich schüchtern, aber hin, allein was die Zuständigkeiten betrifft. ziehung als Quäker erzählen?
ihre Schüchternheit verhüllt nur ihr wirkli- Man muss die Lutherische Kirche involvie- Es gibt verschiedene Stufen und unter-
ches Bestreben, etwas Außergewöhnliches ren, die Stadtverwaltung, einfach jeden. Am schiedlich viel Austausch mit der Gesell-

53

schaft. Es gibt Quäker, die Traditionen wie
die Amischen oder wie die Mennoniten ha-
ben. Sie kommen ohne Elektrizität, Autos
und so weiter aus, das mag romantisch klin-
gen. Dort komme ich her. Sie dienen trotz-
dem in der Armee, allerdings beteiligen sie
sich nicht am Kampf. Natürlich glauben sie
nicht an Musik oder Kunst. Sie betrachten
Kunst als Eitelkeit, als ob man sich damit
schmückt wie mit der Mode – auch in der
Kleidung ist das verpönt. Sie sind sehr streng,
was diese Bereiche des Lebens angeht.
Glauben Sie, dass die Reinheit, zu der Sie in
Ihrer Kunst gelangt sind, in Ihrer Erzie-
hung verwurzelt ist?
Das mag wohl stimmen, aber wir rea-
gieren auf unsere Erziehung, ebenso wie wir
von ihr beeinflusst werden. Ich hatte einen
Freund, der einmal Quäker gewesen war. Er
hatte einen Fernseher, den er umgekehrt an
die Wand stellte, sodass man nur das Licht
um ihn herum sah. Es gibt Dinge, auf die
man erst später im Leben zurückkommt,
zum Beispiel Ratschläge, die man als junger
Mensch nicht annehmen wollte. Später er-
kennt man, wie gut es funktioniert hätte,
wenn man es anders gemacht hätte.
Wie ist Ihre Beziehung zu Gott?
Ich glaube natürlich an Gott und habe
einige sehr traditionelle Überzeugungen. Ich
glaube nicht an Kindstötung, die wir prakti-
zieren, aber das sind heutzutage politische
Angelegenheiten, die mit Männern und Frau-
en zu tun haben. Gender-Angelegenheiten
und diese Art von Dingen. Ich bleibe meinen
eigenen Überzeugungen treu. Aber ich gehe
nicht wählen, da ich im Gefängnis war.
Zur Ausstellung in Houghton Hall gehört James Turrells Serie »First Light« –
zwanzig Aquatinta-Druckgrafiken aus den Jahren 1989–90
JA M ES T U R R ELL
Sie gingen ins Gefängnis, weil sie nicht in
der Armee dienen wollten.
Nein, ich habe zwar nicht in der Armee
gedient, aber ich habe meinen Wehrdienst
absolviert, zwei Jahre lang. Das begann in
den 60er-Jahren, als ich siebzehn war – lange
vor Vietnam. Als es dann zum Vietnamkrieg
kam, habe ich anderen, die einberufen wur-
den, geholfen, den Wehrdienst zu umgehen.
Dafür wurde ich verhaftet, als Mittäter. Heut-
zutage würde ich es anders machen. Es lohnt
sich nicht, diesen Preis zu zahlen.
Erinnern Sie sich noch an das Licht in der
Gefängniszelle? War es ein Lichtstrahl
durch ein kleines Fenster ganz weit oben?
Es gab keinen Lichtstrahl dort. Das
wäre schön gewesen. Es waren alles Innen-
räume. Justizvollzugsanstalten haben kein
schönes Licht. Viele Menschen erleben das
heutzutage. Ich komme aus einer Nation, die
von allen Gesellschaften den höchsten Pro-
zentsatz an Menschen einsperrt – meistens
wegen Drogen. In den USA sind zwei Drittel
der Insassen wegen Drogenhandels oder
Drogenbesitzes in Haft. Wir haben also eine
Gesellschaft geschaffen, die sich selbst medi-
zinisch behandeln muss. Für die Jüngeren ist
es ein Spaß herumzuexperimentieren, ande-
re tun es, um Teil der Gesellschaft zu bleiben,
was ein harter Weg ist. Die Menschheit hat
verschiedene Systeme erlebt, Monarchien,
den totalitären Kommunismus, was nicht
dasselbe ist wie Kommunismus. In den Quä-
ker-Gemeinden gehören dir Dinge gemein-
sam, du besitzt sie zusammen. Man hat ein
anderes Verhältnis zu Geld und Besitztü-
mern. Es kann klappen, aber normalerweise
nur, wenn es ein starkes philosophisches,
54
übergeordnetes Ideal gibt. Wenn alle die glei-
chen Ideale haben, kann man ein sehr gutes
Gemeindeleben führen. In der Sowjetunion
und in Osteuropa funktionierte der Kommu-
nismus nicht. Bei einer Demokratie hat man
die Tyrannei der Masse. Es ist sehr schwierig,
eine Leistungsgesellschaft zu haben.
Die deutsche Geschichte mit ihrer Teilung
in eine sozialistische und kapitalistische
Hälfte muss für Sie interessant sein.
In gewisser Weise funktioniert Kom-
munismus nicht, und ich glaube, dass der de-
mokratische Kapitalismus auch Schwierig-
keiten hat. Es wird also spannend, wo es als
Nächstes hingeht. Im Mittleren Osten wird
versucht, theokratische Regierungen zu
schaffen …
Demokratie ist immer noch die beste der
verschiedenen Varianten.
Ja, das sehe ich auch so. Demokratie
wird wahrscheinlich nicht den Reichtum
verbreiten, aber sie verteilt sicherlich die Ent-
scheidungsfindung. Ich glaube, es gibt viele
Wege, wie es mit Kunst und der Leistungsge-
sellschaft zusammen funktionieren kann. In
den Vereinigten Staaten haben sie keine
Bild: Peter Huggins/James Turrell
schlechte Arbeit geleistet. Man hat die rei-
chen Kunstsammler, aber ihre Kunst wird an
einem bestimmten Punkt so hoch bewertet,
dass sie sie eigentlich aufgeben müssen. Ent-
weder wird man stark besteuert, oder man
stiftet die Kunst. In Amerika gibt es dann ei-
nen Steuervorteil. Die Kunstsammler haben
diesen Prozess mitunterstützt, und so über-
geben sie die Kunst, wenn die Gesellschaft es
möchte. So ist Amerika. Auch in anderen
Ländern lebt man nicht ewig, also muss man
die Sammlungen übergeben, und das Schö-
ne ist, dass so die Entscheidung über das
Sammeln verteilt wird, anstatt ein Staatsko-
mitee zu haben wie in der Sowjet-Ära, wo
entschieden wurde, wer ein Künstler ist und
welche Kunst gekauft wird. Man verteilt die
Entscheidungsfindung auf viele, sodass am
Ende die Gesellschaft entscheidet, was sich
durchsetzt. Die anderen Arbeiten, die weni-
ger wertgeschätzt werden, enden in abseiti-
gen Sammlungen oder Trödelläden. Dann
haben die Menschen später wieder etwas zu
entdecken: »Das sollte man sich mal genauer
anschauen.« Solche Wiederentdeckungen
finde ich faszinierend. So setzt die Kunst sich
manchmal doch noch durch.
Um Ihre Arbeit muss man sich kümmern.
Ein Skyspace braucht zum Beispiel jeman-
den, der das Licht an- und ausmacht.
Es gibt viele Arbeiten, die den Sammler
oder Besitzer einbeziehen. In gewisser Weise
wird man ein Verwalter. Das macht mir
 nichts aus. Manche Leute machen das gut.
Ich habe ziemlich viele Arbeiten in Institu-
tionen, aber es sind meistens die Privatleute,
die besser auf die Kunst achtgeben.
Welche problematischen Erfahrungen ha-
ben Sie mit Institutionen gemacht?
Ich habe zum Beispiel einmal versucht,
eine Ausstellung im Museum Frieder Burda
zu planen, aber das wurde von Richard Meier,
dem Architekten des Museums, abgelehnt.
Das erste Mal passierte das im Getty Muse-
um, auch mit Meier. Er war dagegen, dass ich
dort ausstelle. Es ist interessant, wie Archi-
tekten zur Kunst stehen. Die Kathedrale von
heute ist keine Kirche mehr, sondern eigent-
lich ein Kunstmuseum. Hier machen Archi-
tekten ihr großes Statement. Häufig gestal-
ten sie Museen so, dass es sehr schwierig ist,
Kunst auszustellen. Wenn man so einen Ent-
wurf für Mercedes erstellen würde und sie
können das nächste Modell nicht bauen,
würden sie diesen Typen entlassen. Viele von
diesen Architekten gehören gefeuert, denn
sie drehen ihr eigenes Ding auf Kosten der
Kunst.
Bilder: Peter Huggins/James Turrell (3)
Sogar das Guggenheim Museum in New
York, wo Sie kürzlich eine große Schau hat-
ten, ist kein leichtes Ausstellungshaus …
Frank Lloyd Wright wäre der Erste, den
ich feuern würde. Aber man muss es wohl
mit ihm aufnehmen. Im Atrium hatte ich
eine große Installation, die so teuer war, dass
wir den Rest der Ausstellung nicht mehr ma-
chen konnten. So ist das Leben, manchmal
sind es auch politische Konstellationen,
durch die Dinge zustande kommen. Heutzu-
tage ist es für die jungen Künstler härter, seit
2007, 2008, als alles zusammenbrach, das
Sammeln abnahm. Viele in der Mitte ihrer
Karriere stehenden Künstler konnten keine
Ausstellung mehr machen, weil die Galerien,
wo sie sonst ausstellten, ihr Geschäft aufgege-
ben haben. Manche Sammler, die sonst ihre
Kunst kauften, hatten einfach aufgehört zu
sammeln. Das war eine richtige Marktberei-
nigung, und es ist schwierig für junge Künst-
ler weiterzumachen oder anzufangen.
Was sammeln Sie?
Während meiner Studienzeit habe ich
ein Segelboot gebaut – ich habe es dann noch
unfertig an ein Paar verkauft, das auf dem
Boot wohnte. Es existiert heute noch, bei San
Francisco. Von dem Geld habe ich 1965 oder
1966 eine Serie von Goyas »Los Caprichos«
erworben, nachdem ich die Universität been-
det hatte. Ich verkaufte das Boot und kaufte
dann die »Caprichos«. Ich behielt sie für sie-
ben Jahre, und dann verkaufte ich sie wieder,
an Bernard Jacobson, einen Händler für Dru-
In Turrells »Tall Glass«-Serie von 2015 mit
dem Titel »Shirim« sind hinter Glas
wechselnde Farbverläufe zu beobachten
55
cke, damals in Los Angeles, jetzt in New
York. Man kann sagen, Goya bezahlte da-
mals mein Atelier und ein paar frühe künst-
lerische Produktionen.
Besitzen Sie heute noch Alte Kunst?
Ja, Druckgrafik, einiges von Honoré
Daumier. Ich weiß nicht, ob Sie ihn zu den
Alten Meistern zählen würden, aber ich habe
mich für Daumier schon immer genau wie
für Goya interessiert. Auf eine gewisse Weise
kann man sie fast als Illustratoren bezeich-
nen, auf jeden Fall Daumier mit seinen poli-
tischen Cartoons.
Neben Alten Meistern und Segelbooten ken-
nen Sie sich aber auch mit Flugzeuge aus.
Oh ja, ich habe immer noch welche.
Während meiner gesamten künstlerischen
Laufbahn habe ich antike Flugzeuge restau-
riert, als Geschäft, denn ich musste etwas tun,
um meine Arbeit als Künstler zu finanzieren.
Mit den Flugzeugen aus dieser Zeit beschäf-
tige ich mich immer noch sehr gerne.
Wo lagern Sie diese Flugzeuge?
Sie sind in Arizona, wo wir eine Ranch
haben. Man kann dort Sachen horten, und
es sieht gar nicht danach aus, weil man sie auf
viel größeren Flächen verteilen kann. Der
Unterschied zwischen einem, der Sachen
hortet, und einem der Sachen sammelt, ist
eine Vitrine!
Wie viele Flugzeuge haben Sie?
Das ist keine gute Frage, denn die Ant-
wort hat Auswirkungen auf die Beziehung
zu meiner Frau. Ich würde sagen: schon
mehr als zehn.
Fliegen Sie noch?
Ja, ich habe eine ziemlich große Flug-
zeugsammlung und bin auch schon viele ver-
schiedene davon geflogen. Ich habe vier
Töchter, die alle fliegen. Eine meiner Töchter
ist Fluglehrerin und gibt Leuten Unterrichts-
stunden. Und ich habe zwei Söhne, die gera-
de ihren Flugschein machen. Sie sind die bei-
den Jüngsten. Ja, wir fliegen.
Auch die historischen Modelle?
Das sind die einzigen Flugzeuge, die ich
besitze. Wenn Sie eine Maschine besteigen,
dann ist das ein modernes Flugzeug mit ei-
nem dritten Rad vorne. Meine Flugzeuge ha-
ben das untere Rad hinten wie das Spornrad-
flugzeug oder die älteren Klassiker. Aber
einige von ihnen waren noch gar nicht so
klassisch, als ich anfing zu sammeln. ×
»Lightscape«, bis 24. 10., Houghton Hall, Norfolk.
Das Interview übersetzte Julia Knecht

Barockes Universum
Mächtig thront Schloss Friedenstein über der Altstadt Gothas. Mit seinen Schätzen
lässt es die höfische Kultur des 17. bis 19. Jahrhunderts anschaulich werden
E
rst jüngst wurde Go-
tha im Baedeker als
Top-Ziel mit zwei
Sternen geadelt.
Zu Recht, denn es hat viel zu bie-
ten. Weithin sichtbar thront der
größte frühbarocke Schlossbau
Deutschlands über der historischen
Altstadt. Mitten im Dreißigjährigen
Krieg hat Herzog Ernst I. von Sachsen-
Gotha-Altenburg die imposante Drei-
flügelanlage ab 1643 in nur zwölf Jahren
errichten lassen und ihr den programma-
tischen Namen »Friedenstein« verliehen.
Darin sind das Schlossmuseum mit der
weltberühmten Kunstkammer, das
original erhaltene und noch bespiel-
te Ekhof-Theater, das Museum der
Natur mit einer Vielzahl histori-
scher Tierpräparate sowie das His-
torische Museum Gotha unter-
gebracht.
Herr über die »Stiftung
Schloss Friedenstein Gotha« ist
seit 2008 Martin Eberle. Mit ei-
nem regelrechten Masterplan
hat er das Ensemble, wo nö-
tig, neu geordnet, Teilbereiche umstruktu-
riert und ihnen so zu ihrer bestmöglichen
Wirkung verholfen. Kein Wunder, dass sich
die Besucherzahl seit 2007 verdoppelt hat.
Dazu gehört auch das Herzogliche Museum
Gotha, unterhalb des Berges auf der stadtab-
gewandten Seite in fünfminütiger Fußentfer-
nung gelegen. Nach wechselnder Nutzung
wurde es generalsaniert und 2013 als Kunst-
museum neu eröffnet.
S C H L O S S F R I E DE N S T E I N
VON
G L OR I A E H R E T
Ein Highlight des Herzoglichen Museums:
Adam und Eva als vollplastische Buchs-
baumfiguren des Renaissancebildhauers
Conrad Meit, entstanden um 1510
56
Doch zuerst ins Schloss: Die histo-
Bild: Lutz Ebhardt/Herzogliches Museum Gotha
rischen Prunkräume spiegeln die
höfische Kunst und Kultur des
17. bis 19. Jahrhunderts. Wie in
Schlössern üblich, sind viele
Räume mit Herrscher- und Ah-
nenbildnissen geschmückt. Die
Gemächer des 17. Jahrhunderts
prägt der schwere Deckenstuck
des Giovanni Caroveri. Zwei
wandfüllende Tapisserien mit den
Staatswappen strahlen in ihrer ur-
sprünglichen Farbenpracht. Herzog
Friedrich I., der Sohn des Schloss-
gründers, ließ sie anlässlich der Verlei-
hung des königlich-dänischen Elefan-
ten-Ordens wirken, der dort stolz zur
Schau gestellt wird. Das Schloss ver-
fügt über eine Anzahl hervorragender
Möbel unterschiedlicher Epochen. Zu
den Highlights gehören zwei Tische
mit geätzten, farbig dekorierten
Bildplatten des Regensburgers
Andreas Pleiniger aus Solnho-
fer Kalkstein von 1604 sowie
ein prunkvoller Augsburger
Kabinettschrank, der auf Jo-
hann Georg Esser und Andreas Wolfbauer
um 1675 zurückgeht. Eine Bodenstanduhr
David Roentgens steht für die Ebenisten-
kunst des späten 18. Jahrhunderts, das 1723
bis 1726 eingerichtete Porzellankabinett ver-
anschaulicht die fürstliche Leidenschaft für
das »Weiße Gold«. Der Blick an die Decke mit
ihrem leichten Rocailleschmuck verrät, dass
wir im Rokoko angekommen sind. Herzo­gin
Luise Dorothea, die Gattin Friedrichs III.,
Bilder: Stiftung Schloss Friedenstein Gotha (2); Stiftung Thüringer Schlösser und Gärten/Ralf Kruse & Thomas Seidel GbR, Weinböhla

Die imposante Dreiflügelanlage des im 17. Jahrhundert errichteten

Schloss Friedenstein sowie das Herzögliche Museum aus der
Vogelperspektive. Li. oben der Kuppelsaal des Museums mit einem
Standbild des Herzogs Ernst I. von Sachsen-Coburg-Gotha,
darunter der prachtvolle Festsaal im Nordflügel des Schlosses

pflegte Kontakte zu den Geistesgrößen ihrer
Zeit, 17 Jahre währte ihr Briefwechsel mit
Voltaire. Über ihren Sohn Ernst II., der auf
seiner Grand Tour London und Paris besuch-
te, kam die größte Kollektion von Plastiken
Jean-Antoine Houdons (1741–1828) außerhalb
Frankreichs nach Gotha – jetzt im Herzogli-
chen Museum ausgestellt.
Vom Klassizismus geprägt sind die Neu-
en Appartements im Westflügel mit antiki-
sierenden weißen Wandreliefs des Hofbild-
hauers Friedrich Wilhelm Doell. 1804 bis
1822 regierte August, ein Exzentriker und
glühender Napoleon-Verehrer. Den Knaben
und exotischer Kunst zugewandt, verdankt
Gotha ihm die Sammlung chinesischer
Specksteinfiguren des 18. Jahrhunderts. Die
laut Rechnungsbüchern enormen Opium-
mengen werden wohl in orientalisch anmu-
tenden Räumen wie dem Türkischen Schlaf-
zimmer konsumiert worden sein. Nach dem
Aussterben der Linie Sachsen-Gotha-Alten-
burg entstand das Doppelherzogtum Sach-
sen-Coburg und Gotha, das Ernst I. ab 1826
regierte. Sein Sohn Albert heiratete Königin
Victoria von Großbritannien. Damit begann
ein beispielloser gesellschaftlicher Aufstieg;
bis heute ist die Familie mit fast allen regie-
renden Königshäusern verwandt.
Das Juwel des Gothaer Schlosses ist die baro-
cke Kunstkammer. Mit erlesenen Artificialia,
Scientifica, Naturalia und Exotica stellten die
Herrscher damals ihre Weltkenntnis zur
Schau. Die Fülle an kostbaren Bernsteinkas-
setten, die als Staatsgeschenke dienten, Gold-
schmiede- und Steinschnittarbeiten, Elfen-
beinreliefs und reich gravierten Nautilussen
oder virtuosen Wachsarbeiten ist überwälti-
gend. Den vergoldeten, edelsteinbesetzten
Elefanten des sächsischen Hofjuweliers Jo-
hann Melchior Dinglinger schenkte Herzo-
gin Magdalena Augusta einst ihrem Gemahl
Friedrich II. zum Geburtstag. Zu den dynas-
tischen Memorabilia gehören ein »alter Stie-
fel« Kurfürst Johann Friedrichs des Großmü-
tigen von Sachsen, den er anlässlich seiner
Niederlage gegen Karl V. im Schmalkaldi-
schen Krieg ablegen musste. Hohe Kunst ist
hingegen ein virtuos geschnitztes Relief mit
dem »Sündenfall« vom Meister IP um 1525.
Es dient uns als Überleitung in das Her-
zogliche Museum. Dort sind Adam und Eva
als vollplastische Buchsbaumfiguren von
Conrad Meit zu bestaunen und als imposan-
tes bronzenes Gegenstück der »Farnesische
Stier« des Adriaen de Vries. In ideal propor-
tionierten Ausstellungsräumen werden die
unterschiedlichen Sammlungen von der An-
tike bis ins 19. Jahrhundert präsentiert. Die
Hauptsäle der Bel Etage beherrschen deut-
sche und niederländische Gemälde, heraus-
ragend ist »Das Gothaer Liebespaar«. Cra-
nach d. Ä. ist bestens vertreten. Einen
späteren Höhepunkt bildet Caspar David
Friedrichs Kreuzesvision, die er für Gotha ge-
malt hat. Zwei Vitrinen sind mit italienischer
Majolika gefüllt. An Böttgersteinzeug besitzt
Gotha die zweitgrößte Sammlung nach Dres-
den, darunter eine Serie zauberhafter Komö-
dienfiguren, die auf den großen Hofbildhau-
er Balthasar Permoser zurückgeht. Die
Interessen der Herzöge blickten weit über
den Tellerrand, wie etwa japanische Lackar-
beiten und chinesische Kunstwerke bewei-
sen. Das Kupferstichkabinett mit altdeut-
scher Grafik sowie einer Kollektion
Flugblätter des 15. bis 17. Jahrhunderts be-
dient Wechselausstellungen.
Im Souterrain wird der ägyptische To-
tenkult anhand veritabler Mumien und
Grabbeigaben vor Augen geführt; gefolgt
von der griechischen Vasenmalerei. Die
Korkmodelle des Antonio Chichi (1743–1816)
waren begehrte Souvenirs. Der Gebäudeflü-
gel gegenüber den Skulpturen ist Sonderaus-
stellungen vorbehalten. Zuletzt war hier die
viel gerühmte Cranach-Schau zu sehen.  ×

57
 2015
2 0. BAMBERGER
KUNST – UND
ANTIQUITÄTEN
www.ba

WOCHEN
mb

21.07.–21.08.
er g

an
er-

tiq
uita
eten.
de
SCHAU
MICH AN!
Tina Modotti und Edward Weston lebten Anfang der
Zwanzigerjahre in Mexiko in einer turbulenten »Ehe auf
Probe«. Als die Liebe erlosch, hatten sich beide neu
erfunden: sie als Kommunistin und Dokumentaristin, er
als Meister der autonomen künstlerischen Fotografie

VON
A N NA BELLE H I RSCH
Sommer
serie
Die sch
Liebesg önsten
esc
in der K hichten
unst
Teil 2

61
 L I E B E S G E S C H IC H T E N

M
mindest war sie das in San Francisco, wohin
die gebürtige Italienerin mit sechzehn Jah-
ren emigrierte. Hier in Los Angeles lässt der
Erfolg auf sich warten. Bis auf eine Hauptrol-
le in einem schlechten Stummfilm bleiben
die Angebote aus, und eigentlich ist ihr das
Filmbusiness auch zuwider. Den amerikani-
schen Regisseuren mangele es schlicht an
Manchmal erschließt sich die Bedeutung ei- Vorstellungskraft, erklärt sie. So sei die Italie-
ner Liebe erst an ihrem Ende. Erst mit dem nerin für sie nicht anders zu denken als »mit
Abschied kommt die Frage auf: Was bleibt ei- einem Messer zwischen den Zähnen«.
gentlich von der gemeinsamen Zeit? Im Fall Statt diese zu spielen, gibt sie mit ihrem
von Tina Modotti und Edward Weston bleibt Ehemann, dem Künstler Roubaix de l’Abrie
sehr viel. Nicht nur ein Werk, nicht nur die Richey, genannt Robo, die beliebtesten Par-

Bild vorherige Seite: akg-images/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Bilder diese Seite: akg-images (2)
Geschichte eines Künstlers und seiner Muse, tys der Stadt. »Party bei den Richeys«, flüstert
nicht nur die eines großen Mannes, der seine man sich in L. A. zu und beschwört damit ei-
Inspiration in der Schönheit einer Frau fand. nen Ausbruch aus der Langeweile dieser da-
Es bleiben die Werke zweier Künstler zurück. mals noch sehr provinziellen Stadt. In dem
Zwei recht unterschiedliche, aber nicht min- kleinen Studio wird getanzt, geraucht, ge-
der große, gleichberechtigt nebeneinander trunken, geredet. Edward Weston wird die
stehende Werke. Vor allem aber zwei, die oh- Gruppe später so beschreiben: »Sie waren
neeinander so nie existiert hätten. Am Ende Tina Modotti in Tanzpose, Hollywood, 1920. sehr belesen und weltgewandt, sie führten
dieser Liebesgeschichte steht ein Tagebuch- Unten: Edward Weston mit seiner Kamera, kluge Gespräche und konnten ein paar Bro-
eintrag von Edward Weston. Es ist das Jahr fotografiert von Modotti in Mexiko, 1923. cken Französisch einstreuen. Sie waren Sa-
1926, er sitzt im Zug zurück nach Los Angeles Vorherige Seite: Im Jahr 1924 verewigt lonlinke.« Intellektuelle, Künstler, Schrift-
und schreibt: »Das Verlassen Mexikos wird Weston seine Geliebte Tina Modotti als Akt steller, Tänzer – die kalifornische Boheme
als das Verlassen Tinas in Erinnerung bleiben. trifft sich in der South Lake Street 313, um bei
Diesmal, Mexiko, heißt es Adios für immer. geschmuggeltem Sake über Nietzsche und
Und du, Tina? Ich spüre, dass es auch für dich Oscar Wilde, über die Lage der Welt und des
ein Lebewohl für immer sein muss.« Trauri- Lebens zu diskutieren. Sie wollen frei und
ge, endgültige Worte, die besiegeln, was so vor allem anders leben als die klassische ame-
leichtfüßig an einem Herbstabend im Los
Angeles des Jahres 1921 begann.
Ein Mann, groß, schlank, fast schlaksig,
mit rostbraunem Haar und suchenden brau-
nen Augen, läuft durch die Dunkelheit der
South Lake Street. An der Nummer 313
brennt Licht. Man hört Stimmen, Musik, Ge-
lächter. Im Haus findet eine Party statt. Der
Mann hält inne, er klingelt, die Tür geht auf,
vor ihm steht eine junge Frau. Sie hat schwar-
zes Haar und volle, kirschrote Lippen. Sie
wirft ihm ihren melancholischen Blick zu:
»Guten Abend Edward!«, sagt sie und führt
ihn nach innen. Die Frau ist schön, sogar sehr
schön. Sie trägt eine fließende Batiktunika
über einem langen Rock, an ihren Handge-
lenken klimpern goldene Armbänder, ihre
Augen sind tiefschwarz umrahmt. Sie hat die
Aura einer Leinwandgöttin.
Ihr Name ist Tina Modotti. Sie zählt
fünfundzwanzig Jahre und gilt schon als Star.
Nicht nur ist ihre Ausstrahlung dermaßen
mitreißend, dass sich jeder, der auch nur kurz
mit ihr zu tun hat, sofort in sie verliebt, sie ist
auch eine angesehene Schauspielerin. Zu-

62
 L I E B E S G E S C H IC H T E N
Bild: Christie’s Ltd. 2015/VG Bild-Kunst, Bonn 2015

Am Ende der Beziehung zu Tina Modotti entwickelte Edward Weston mit Fotografien wie »Two Shells« (1927) erst die
Bildsprache, die ihn berühmt machte. Ein posthumer Abzug des Werks erzielte im Mai bei Christie’s London 5262 Euro

63
 Bilder: Galerie Bilderwelt/Bridgeman Images (3); akg-images; Galerie Bilderwelt/Bridgeman Images
In Mexiko wurde die Schauspielerin Tina Modotti zur sozial engagierten Fotografin.
Ihr Geliebter Edward Weston brachte ihr das Handwerk bei. Werke von Modotti
(von oben im Uhrzeigersinn): »Telegrafenleitung, Mexiko, 1924«; »Campesino und
Sohn, Bundestaat Veracruz, Mexiko, 1927«; »Rosen, Mexiko-Stadt, 1924«;
»Hammer und Sichel« (undat.); »Hände des Puppenspielers, Mexiko, 1929«

64
 L I E B E S G E S C H IC H T E N

rikanische Mittelschicht. Die von der Anar-
chistin Emma Goldman ausgerufene »freie
Liebe« wird hier beherzt praktiziert.
Edward Weston ist fasziniert. Vor allem
von Tina Modotti. An diesem Abend verliebt
er sich, wie er sagt »zum ersten Mal« in sie. Er
ist zehn Jahre älter und ebenfalls verheiratet.
Doch die Ehe läuft schlecht, seine Affären
sind zahlreich. Trotzdem kann er sich nicht
trennen, das Geld kommt aus der Familie sei-
ner Frau Flora May Chandler. Und Weston
braucht Geld. Er ist kein Träumer, er hat
ernsthafte Ambitionen: Er möchte dazu bei-
tragen, dass die Fotografie als eigenständige
Kunstform akzeptiert wird. Es ist ein
Wunsch, der sein Leben beherrscht. Über-
haupt ist die Fotografie das Zentrum seines
Lebens, schon seine erste Kamera, eine Ko-
dak, nennt er »meine Geliebte«. Zu jener
Zeit befindet er sich als Künstler im Um-
bruch. Der Piktorialismus, diese dem Sym-
bolismus nahe Bewegung, erscheint ihm
nicht mehr zeitgemäß. Er wendet sich davon
ab, sucht neue Wege. Doch wohin?
Erst einmal zu Tina Modotti. Er kann
die Linse seiner Kamera nicht mehr von ihr
Bild: akg-images/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
berufen. Er soll die Abteilung Schöne Künste diesen birnenförmigen Mann in Overall, den
am Bildungsministerium in Mexiko-Stadt lei- er überaus bewundern wird. Auch Rivera ist
ten und möchte, dass Robo ihn als Lehrkraft von Weston begeistert. In seiner Fotografie
begleitet. Robo ist begeistert, Tina Modotti gelinge ihm, was sie alle versucht hätten, in-
zerrissen. Natürlich reizt sie Mexiko, viele dem sie Sand oder Kordel oder sonstige Stü-
Künstler schwärmen von der Energie, die dort cke der realen Welt auf das Bild klebten: Sei-
seit dem Ende des Bürgerkriegs freigesetzt ne Bilder seien Wahrheit, befindet der
wurde. Doch fürchtet sie um das Ende ihrer berühmte Maler. Überhaupt wird Weston im
Beziehung mit Edward Weston, die ihr ohne- aufblühenden Mexiko als »Kaiser der Foto-
hin sehr unsicher erscheint: Insgeheim glaubt
sie nicht an ihre Dauer, sie vermutet, Weston
sei für die Liebe auf lange Zeit nicht gemacht,
und doch kann sie sich nicht entschließen zu
gehen. Sie zögert den Abschied heraus.
Robo verlässt das Land ohne Modotti.
Bald schreibt er begeisterte Briefe aus Mexiko,
schildert die malerischen Szenen des Alltags:
»Jede Straße, jedes Haus, jede Tür ist ein Ge-
mälde.« Im Februar 1922 steigt auch Modotti
in den Zug gen Süden. Dann der Schock: Ei-
nen Tag nach ihrer Ankunft verstirbt Robo
an Pocken. Für die junge Frau ist es »die größ-
te Tragödie ihres Lebens«. Trotzdem bleibt sie
und organisiert eine Ausstellung, bei der
auch Fotografien Westons gezeigt werden. Es
ist ein Erfolg, vor allem für ihn, sie verkauft

abwenden. Was ist es nur, das diese Frau so
faszinierend macht? Weston schreibt in sei-
nen »Daybooks«, in Modotti läge die Traurig-
keit einer sehr schönen, viel umworbenen
Frau. Sie umgibt etwas Tragisches, etwas
Mysteriöses, das sich nicht greifen lässt. »Als
gälte es eine Handvoll Nebel zu fassen«,
schreibt ein Freund, der Dichter Pablo Neru-
da später einmal. Weston will diesen Nebel
einfangen, sie wird sein liebstes, fast einziges
Modell. Über Monate hinweg besucht sie ihn
in seinem Atelier, sie machen Bilder, hören
Musik, trinken Sake.
Natürlich weiß Modotti um Westons
Ruf, er verführe quasi jedes seiner Models,
und doch widersteht sie nicht. Patricia Albers,
eine Biografin Modottis schreibt, die beiden
hätten »eine tiefe, wahre Liebe verspürt, die
jenseits alltäglicher Bedenken auf die Ewig-
keit ausgerichtet war«. Zwischen ihnen
brennt jene bittersüße Leidenschaft, die sich
jeder Realität verweigert. Vor ihren Ehepart-
nern verschweigen sie die Beziehung trotz al-
ler Reden über die freie Liebe. Modotti legt
für ihre Korrespondenz sogar ein geheimes
Postfach an. Und schreibt ihrem Geliebten
sehnsuchtsvolle Briefe: »Den ganzen Tag über
war ich trunken von der Erinnerung an ges-
tern Nacht und überwältigt von dieser Schön-
heit und diesem Wahnsinn. Ich muss nur
meine Augen schließen, und schon bin ich,
nicht wieder, sondern noch immer bei Dir.«
Bald muss sie ihre Augen wieder öffnen,
denn es stehen Veränderungen an: Der mexi-
kanische Dichter Robelo, ein guter Freund
der de Richeys, wird in seine Heimat zurück-
fast all seine Abzüge. Für Weston grenzt das
an ein Wunder, das eine bereits in ihm
schlummernde Idee bestätigt: Die Zukunft
der Kunst muss in Mexiko liegen!
Als Modotti wenig später nach Los An-
geles zurückkehrt, hat sich ihre Beziehung
verändert. Die Glut ist einer Ruhe gewichen,
vielleicht mag man sie Liebe nennen. Zumin-
dest zeigt sich Weston in dieser schweren
Zeit als Freund. Er ist es, der ihr zur Fotogra-
fie rät. Jahre später, als sie bereits getrennt le-
ben, schreibt sie ihm: »Von dir kam die ein-
zige wichtige Orientierung auf diese Arbeit,
die ich mittlerweile mit wahrer Leidenschaft
liebe.« Sie solle »das Problem des Lebens lö-
sen, indem sie sich ins Problem der Kunst
vertiefe«, meint Weston, und genau dies will
sie tun. Mit ihm. In Mexiko. Am 29. Juli 1922
winken Modotti, Weston und dessen Sohn
Chandler an der Rampe eines Dampfschiffes
hinunter zum Hafenkai von San Pedro.
Westons Frau Flora steht dort, noch immer
will man sie glauben lassen, die Beziehung
ihres Mannes zu Modotti sei rein beruflich:
»Tina, pass gut auf meine Männer auf!«, ruft
sie. Dann legt das Schiff ab.
Mexiko ist eine Offenbarung. Für Mo-
dotti ist es wie eine Rückkehr in ihre Kind-
heit, sie fühlt sich als Mexikanerin und
kommt in dem Land hervorragend zurecht.
Weston macht große Augen, wenn er sie auf
dem Markt wie eine Einheimische feilschen
sieht, sie spricht nach kürzester Zeit die Spra-
che, und sie ist es auch, die in kürzester Zeit
ihr schillerndes Sozialleben organisiert. Sie
stellt Weston den Maler Diego Rivera vor,
Westons Faszination für die junge Frau, die
er 1921 bei einer Party kennenlernte, zeigt
sich noch drei Jahre später in diesem Foto
grafie, ein Amerikaner mit mexikanischem
Geist« gefeiert. Seine Ausstellungen sind Pu-
blikumserfolge.
Vor allem dank Modottis Energie taucht
das frisch eingetroffene Paar schnell in eine
Gruppe von Künstlern und Intellektuellen
ein. Ähnlich wie schon in Los Angeles wird
auch hier ihr Haus, eine Villa mit viel zu vie-
len Zimmern, zum zentralen Treffpunkt. Je-
den Samstagabend werden Feste gefeiert, auf
denen sich die Riveras, also Diego und seine
wunderschöne Frau Lupe, ihr attraktiver
Bruder Federico Marín, der französische
Maler Jean Charlot, die mexikanische Kunst-
kritikerin Anita Brenner, der deutsche
Schriftsteller Dr. Leo Matthias oder auch Ge-
neral Manuel Hernandez Galvan bei Spa-
ghetti mit Butter und Käse treffen. Es ist eine
surreale Boheme-Mischung von Menschen
aus verschiedensten Ecken der Welt und ver-
schiedensten Hintergründen. Sie nennen
sich »die Familie«, sie feiern das Leben nach
der Revolution. Ein Klassiker an diesen
Abenden ist Westons und Modottis Tausch-
spiel: Er kommt als sie, sie als er. Sie äffen sich
gegenseitig nach. Alle lachen.

65

Tatsächlich ist ihre Liebesbeziehung aber am
Tiefpunkt. Der Weg nach Mexiko sollte der
Anfang einer »Ehe auf Probe« mit klaren
Rahmenbedingungen sein: Er unterrichtet
sie in der Fotografie, sie kümmert sich um
das Porträtstudio, den Haushalt und die Aus­
stellungen. Modotti erfüllt ihre Aufgabe mit
Bravour. Ohne sie wäre Weston hilflos, das
weiß er. Doch zwischen ihnen hat sich alles
verändert: »Etwas ist zwischen uns verloren
gegangen«, schreibt Weston, »die Neugierde,
Während Weston sich mit großem Elan auf der Tanzfläche
drehte, lauschte Modotti den Gesprächen über Politik.
die Aufregung der Eroberung und des Aben­
teuers fehlen.« Sie beide sehnen sich nach
dem Gefühl der absoluten Liebe zurück.
Auch machen Modottis Eroberungen Wes­
ton zu schaffen. Während sie sich in ihrem
Zimmer mit ihrem Liebhaber amüsiert (sie
schlafen immer getrennt), liegt er allein
L I E B E S G E S C H IC H T E N
wach, gequält von Eifersucht. Dass er sich
selbst auch kein süßes Rendezvous entgehen
lässt, scheint daran nichts zu ändern.
Vielleicht trennt sie auch etwas ganz an­
deres: Modotti, die in der Fotografie rasante
Fortschritte macht und schnell ihre eigene
Stimme findet, lässt sich immer mehr vom
»kommunistischen Strudel«, wie Weston es
nennt, einnehmen. Während er sich mit gro­
ßem Elan auf der Tanzfläche dreht, lauscht
sie Gesprächen über Politik und Kunst. Das
mexikanische Volk, seine Einfachheit und
die Größe dieser jahrtausendealten Kultur
fasziniert sie, sie möchte sich engagieren,
auch mit ihrer Fotografie. Dort sieht man zu­
nehmend die Menschen des Landes, Kinder,
alte Männer, Frauen mit Fahnen. Modotti
zeigt die Armut, und doch wirft sie einen
66
Bild: Sotheby’s/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
poetischen Blick auf alles, was sie betrachtet.
Weston hingegen bleibt gegenüber der neuen
Ordnung nach der mexikanischen Revoluti­
on kritisch eingestellt. Er ist ein Ästhet, sein
Bestreben ist die Wahrheit des Bildes und die
zeitlose Schönheit, nicht die Aktualität.
»L’art pour l’art« ist seine Formel, doch in Me­
xiko weht gerade ein ganz anderer Wind.
Künstler sein bedeutet gerade in diesen Jah­
ren auch Politik zu machen. Der neue Bil­
dungsminister José Vasconcelos sieht die Zu­
kunft des Landes in der Hand der Kunst. Sie
soll das mexikanische Volk bilden und beleh­
ren. Es wird viel experimentiert, Klassiker
werden billig nachgedruckt und an das Volk
verteilt, überall finden Lesungen, Workshops
und Konzerte statt.
Auch Diego Riveras berühmte Wandbil­
der fallen in dieses politische Programm. Für
Rivera bedeutet Künstler sein, »die unausge­
sprochenen Hoffnungen, Wünsche, Ängste
und Schwierigkeiten seiner Zeit und seiner
Landsleute auszudrücken«. Fast alle Freunde
des Hauses Modotti-Weston folgen der kom­
munistischen Strömung. Viele von ihnen en­
Bild: akg-images/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
gagieren sich in der revolutionären Zeitung
El Machete, die von einer Arbeitergewerk-
schaft ins Leben gerufen wurde und die spä-
ter zum Zentralorgan des Partido Commu-
nisto Mexicano werden wird. Auf der
Kopfzeile des riesigen Blattes prangt eine
Faust, die ein Buschmesser schwingt, »ein re-
gelrechtes Bettlaken«, scherzt Weston. Die
nicht enden wollenden Unruhen nagen an
seinen Nerven und seiner Konzentration.
Zumal sie ihm die Kundschaft vergraulen.
Die Bourgeoisie, die ja nun als Einzige das
Geld hat, sich in Porträts verewigen zu lassen,
verlässt nach den blutigen Kämpfen im Jahr
1924 zunehmend das Land.
Im Nachhinein betrachtet, wird dieser
Auftragsstopp für Modottis und Westons
künstlerische Entwicklung ein Segen sein:
Modotti hat schon zuvor begonnen, sich
Stillleben zuzuwenden, ihre Blumenbilder
des Frühwerks gehören zu ihren schönsten
Fotografien überhaupt. Nun beginnt auch
Weston, unbelebte Gegenstände außerhalb
der Architektur abzubilden: Spielzeug, Va-
sen, Dinge, die im Studio herumstehen.
Noch viel wichtiger sind aber ihre Ausflüge.
Weston entdeckt in Mexiko die Schönheit
der Landschaft, ein Sujet, das ihn vorher nie
begeisterte, doch jetzt plötzlich eine wichti-
ge Rolle einnimmt. Besonders die Wolken.
Stundenlang richtet Weston seine Graflex in
den Himmel und fotografiert, was sich dort
oben, losgelöst vom staubigen, unsicheren
Boden Mexikos, abspielt.
Während einer dieser Ausflüge macht
Weston die letzten und vielleicht schönsten
Aktaufnahmen seiner »Frau auf Probe«. Wie-
der einmal hat die Flüchtigkeit der Wolken
ihn vollkommen eingenommen, doch dann
blickt er nach unten und sieht Modotti:
nackt, der Sonne zugewendet. Er richtet sei-
ne Kamera auf sie und macht eine ganze Se-
rie von ihrem stolzen Körper, der im grellen
Licht noch weicher und fast abstrakt er-
scheint. Weston selbst sagt kurz darauf, es sei
die beste Aktserie, die er je von ihr gemacht
habe. Und doch muss er fort. Zwar kehrt er
nach einem Besuch in San Francisco und
Los Angeles noch einmal nach Mexiko zu-
rück, doch ihre Liebesbeziehung ist beendet.
67
Im politisch unruhigen Mexiko suchte
Weston seinen Ausweg in der Landschafts-
fotografie: »Agave, Mexiko«, 1926 (o.).
Sein Bild »Akt (Tina auf dem Dach)« von
1923 (li. Seite) wurde als Abzug von seinem
Sohn im April dieses Jahres bei Sotheby’s
in New York für 11 250 Dollar versteigert
Nach ihrer Trennung gehen sie unterschied-
liche Wege: Edward Weston wird zu einem
frühen Meister der modernen amerikani-
schen Fotografie, Tina Modotti zu einer lei-
denschaftlichen Kommunistin. Sie lernt in
Mexiko den Revolutionär Vittorio Vidali
kennen, folgt ihm nach Moskau, Spanien
und Paris. Sie fotografiert weiter, ihre Bilder
gelten heute als wichtige Dokumente der Re-
volutionsjahre von Mexiko. Am 6. Januar
1942 stirbt sie in Mexiko-Stadt in einem Taxi
an einem Herzanfall. Die Umstände ihres
Todes sind bis heute umstritten. Sicher ist je-
doch: Ihr Gesicht und ihr Körper werden uns
für immer aus den Bildern Edward Westons
in Erinnerung bleiben. × 
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 S A M M L E R SE M I N A R

SAMMLER
SEMINAR Nº 2 2

Modefotografie

Sie hat faszinierende und auch epochale Bilder hervorgebracht. Schon deshalb ist Modefotografie
ein lohnendes Sammelgebiet. Bis auf einige Superstars sind die Preise noch moderat

VON
N A DI N E B A RT H

70
 S A M M L E R SE M I N A R

K
Kunst oder Werbung? Diese provokante Fra-
ge taucht immer wieder auf, wenn es darum
geht, das flüchtige, schillernde Medium der
Modefotografie zu fassen. Ein Kunstwerk ist
das Produkt einer kreativen Tätigkeit, es gibt
einen Künstler und, wenn es ausgestellt wird,
auch einen Betrachter. Doch wie sieht es mit
dem Urheber eines Modefotos aus? Wer ist
das? Und ist Fashion-Fotografie nicht meist
nur die Abbildung in einem Magazin, und
sind nicht die Betrachter dieses Bildes ein-
fach die Käufer des Heftes?
Um das Wesen der Modefotografie zu
Bilder: Sotheby’s London; Christie’s Images Ltd. 2015/VG Bild-Kunst, Bonn 2015

verstehen, muss man sich die Anfänge dieses

noch relativ jungen Mediums vergegenwär-
tigen. Zwar hatte schon Adolphe Braun 1856
einen ganzen Schwung modischer Fotogra-
fien einer Comtesse de Castiglioni als Buch
veröffentlicht, doch erst als die Magazine
Platz machten für die Inszenierung von Klei-
dung mithilfe eines Fotoapparates, konnte
sich dieser Teilbereich der Fotografie über-
haupt entwickeln. Anfang des 20. Jahrhun-
derts herrschte in den Modeillustrierten die
Zeichnung vor, im Stil der Zeit.
Edward Steichen reklamiert für sich,
das erste Modefoto in einem kommerziellen
Zusammenhang veröffentlicht zu haben, 1911,
in Art et Décoration. Es ging um einen Arti-
kel über den Modeschöpfer Paul Poiret, und
Steichen zeigte in einer orientalisch inspirier-
ten Komposition sehr elegant eine Dame, an
einer Freitreppe stehend. Die Vogue, 1892 ge-
gründet und vom Verleger Condé Montrose Edward Steichen war der Pionier der Mode- turen orientierte, und Horst P. Horst, der
Nast 1909 übernommen, fing erst ab 1913 an, fotografie. 1925 nahm er dieses Model im Cheffotograf bei Vogue in Paris. Später ka-
regelmäßig Fotos abzudrucken. Nast hatte Vionnet-Kleid auf, der Abzug erzielte im men der Brite Cecil Beaton mit theatralisch-
die Fotografie als populäres Medium erkannt März bei Christie’s New York 15 000 Dollar. romantischen Inszenierungen sowie der Un-
und wollte die moderne amerikanische Frau Li. Seite: Für die italienische Vogue insze- gar Martin Munkácsi mit seinen schwungvoll
mit seiner Errungenschaft beglücken. Es nierte Miles Aldridge 2008 eine Strecke mit bewegten Bildern hinzu.
poppig-zynischen Hausfrauenbildern.
ging ihm natürlich auch darum, die Auflage Diese Garde belieferte Vogue und Har-
Der Print von »Home Works #3« erzielte bei
zu steigern, schon 1928 hatte er den print run per’s Bazaar. Bis auf Munkácsi arbeiteten sie
Sotheby’s London im Mai 14 375 Pfund
von anfänglich 14 000 auf 138 000 Hefte ge- meist aus dem Studio heraus, sorgsam ausge-
hievt. Ende der 1970er-Jahre kletterte die Auf- leuchtet, sodass möglichst viel vom Entwurf
lage auf über eine Million, heute liegt sie bei des Kleidungsstückes zu sehen war. Bei den
rund 1,2 Millionen. Magazinen saßen Artdirectors, die maßgeb-
Die Stars der ersten Jahre von Vogue wa- lich den Stil des Heftes bestimmten. Die Pio-
ren neben Steichen – der 1923 einen Exklusiv- niere seit den Dreißiger- und Vierzigerjahren
vertrag bekam und 15 Jahre für das Magazin waren Alexey Brodovitch bei Harper’s Bazaar
arbeitete – der eher distinguierte Baron und Alexander Liberman bei der Vogue. Sie
Adolphe de Meyer, der mit Gesellschaftspor- wählten die Fotos aus, stellten die Strecken
träts in luxuriösem Ambiente und sanftem zusammen, beschnitten die Bilder, legten
Gegenlicht arbeitete, George Hoyningen- Schrift darüber. Schon vor der Fotoprodukti-
Huene, der sich gern an griechischen Skulp- on redeten die allmächtigen Stilchefs und an-

71

dere mit – und tun es heute noch. Die Wahl
der Kleidungsstücke, die Wahl des Ortes, die
Wahl der Modelle. Und so fragt man sich, ob
ein Modefoto eigentlich eine klare Urheber-
schaft besitzt, wenn doch so viele Menschen
daran beteiligt sind. Heute bestehen Teams
manchmal aus dreißig Leuten und mehr. Auf
dem Markt wird am Ende nur der Fotograf
genannt, dabei ist er nicht mehr als die Speer-
spitze der Produktion.
Der Drang, einen unverwechselbaren
Stil zu kreieren, befeuerte eine unbändige
Experimentierfreude. So durfte sich der
Künstler Man Ray für die Vogue ausprobie-
ren und schenkte ihr surrealistische Porträt-
fotos und Modebilder schöner Frauen. Auch
Lee Miller, Assistentin und Geliebte Man
Rays (und zuvor Model für Edward Steichen),
übte sich in Doppelbelichtungen und extra-
vaganten Settings.
Erwin Blumenfeld arbeitete mit Solari-
sation, Collagen und Unschärfen, markant
etwa sein Motiv »Cross« auf dem Vogue-Co-
ver im März 1945. Es nahm das Zeichen des
Roten Kreuzes zum Vorbild, um Frauen
während der Kriegszeit zu mobilisieren. Und
Clifford Coffin arrangierte 1949 im Studio
für eine Serie über Bademoden die Manne-
quins so auf einem Sandhügel, dass man nur
ihre Rücken sah und sich eine Wüstenland-
schaft zu imaginärer Tiefe öffnete. Die Far-
S A M M L E R SE M I N A R
Lumas bietet Klassiker in hohen Auflagen
zu kleinen Preisen: Erwin Blumenfelds
»Cross« von 1945 und Clifford Coffins
»Sun« von 1949« (u.) kosten je nach Größe
110 bis 390 Euro. Re. Seite: der Abzug der
Sixties-Ikone Jean Shrimpton, die David
Bailey für Vogue fotografierte, erzielte 2011
bei Christie’s New York 16 250 Dollar
72
ben waren leuchtend und satt, Kodachrome
war der Film der Zeit mit seinen gelblich-röt-
lichen Warmtönen.
Die Fotografen lieferten Diapositive ab,
manchmal auch schon die Filmrollen; die Re-
daktion übernahm die Entwicklung, und,
wie gesagt, in der Regel auch die Auswahl.
Eine Ausnahme bildet Guy Bourdin, der sich
nicht wie seine Kollegen darauf konzentrier-
te, einfach gute Einzelbilder anzubieten, son-
dern er beschäftigte sich auch mit der Gestal-
tung der Seite, bevor er das Bild machte.
Seine Kompositionen bezogen das genaue
Endformat des Magazins mit ein. Er arran-
gierte Sets für Doppelseiten oder sogar darü-
ber hinaus, sodass sich ein Motiv erst er-
Bilder: Erwin Blumenfeld/VOGUE Archive Collection/www.lumas.com; Clifford Coffin/VOGUE Archive Collection/www.lumas.com
schloss, wenn man umblätterte. Anders als
viele seiner Kollegen, die es unbedenklich
fanden, eine Fotografie aus ihrem editori-
schen Zusammenhang zu lösen und auszu-
stellen oder gar zu verkaufen, fand Bourdin,
dass seine Arbeiten außerhalb der Magazine
nichts zu suchen hatten. Ohnehin wollte er
eigentlich Maler werden.
Und doch waren vor allem seine Werbe-
kampagnen für das Schuhlabel Charles Jour-
dan so skurril und bizarr, dass sie viel eher
dem Kunstbereich zugeordnet werden kön-
nen als dem kommerziellen Markt. Dass auf
den Bildern von Goldfischen in blauem Bas-
sin, aus dem Bildrand entschwebenden Bei-
nen oder einer Tatort-Kreidezeichnung auf
dem Asphalt neben den Markennamen der
Schuhe wie Joy, Barbarella oder Rio noch der
Preis genannt wird, etwa 295 Franc, gemahnt
an die Verortung des Modefotos in der Wa-
renwelt. Es verweist als Signifikant auf ein
Produkt, das man kaufen kann und soll,
nichts anderes will das Bild.
Der erste, der diese direkte Verbindung
des Fotos zur Materie durchbrach, war Hel-
mut Newton. Nicht nur, weil er die Models
auszog, somit das Produkt Kleidung gar
nicht mehr zeigte, sondern weil er gesell-
schaftliche Tabus brach, indem er die Porno-
grafie in die Mode brachte, das Obszöne, Di-
rekte, Verführerische. Gelernt hatte Newton
im Studio der Berlinerin Yva. 1938 war er
nach Australien emigriert, arbeitete erst für
die dortige Vogue, später auch für alle ande-
ren Ausgaben dieses so wichtigen Sprach-
rohrs der Mode. Sein erster Bildband »White
Women« erschien 1976, seine bekannteste Se-
rie, die »Big Nudes«, schuf er 1980.
Spätestens diese Fotografien der nack-
ten Mädchen in Überformat markieren den
Übergang der Mode in die Kunst. Newtons
Bilder (und viele nach ihm) zelebrieren das
Nackte; das Nackte ist Zeitgeist, gesellschaft-
liches Phänomen, die 68er hatten es auch als
körperliche Freiheit politisch erkämpft, jetzt
darf es die Warenwelt revolutionieren. Und
Bild: Christie’s Images Ltd. 2015

Man fragt sich, ob ein Modefoto eigentlich eine klare Urheberschaft

besitzt, wenn doch so viele Menschen daran beteiligt sind.

damit fügt sich hier einer der großen Baustei-
ne in der Frage nach Modefotografie als
Kunst ein: Indem sie eine gesellschaftliche
Strömung aufgreift, sie als Trend vorstellt (ob
mit Kleidung verknüpft oder nicht), trägt sie
nicht nur zu einem größeren Verständnis der
Gegenwart bei, sondern sie verkörpert sie ge-
radezu. Und durch diese Verortung in der
Gegenwart gewann die Modefotografie zu-
gleich etwas absolut Zeitloses. Sie bleibt be-
stehen – als Kunst.
Das Phänomen, dass etwas, das die Gesell-
schaft umtreibt, Einzug erhält in die Mode-
fotografie und sogar umgekehrt wieder sei-
nen Einfluss zurückschickt, prägte natürlich
die Swinging Sixties, als Fotografen wie Da-
vid Bailey (Vorbild für Michelangelo Anto-
nionis Film »Blow Up« von 1966), Brian Duffy
und Frank Horvat die vibrierende Atmo-
sphäre Londons einfingen und mit ihren Bil-
dern von Twiggy, Veruschka und Jean
Shrimpton unverwechselbare Ikonen schu-
fen. Aber der größere Knall ereignete sich in
den Neunzigerjahren. Mit der Gründung
von Magazinen wie i-D und The Face kamen
der Punk, die Jugendkultur, das Subversive
in die Mode. Fotografen wurde eine größt-
mögliche Freiheit bei der Gestaltung der Pro-
duktionen eingeräumt. Manche waren privat,
intim, hatten die Anmutung von Schnapp-
schüssen, andere probierten sich mit abge-
fahrener Lichtsetzung aus. Die Kleidung
selbst trat in den Hintergrund, es ging um

73
74
Bild: Nachlass Sibylle Bergemann/Ostkreuz/courtesy Loock Galerie und Kicken Berlin
 S A M M L E R SE M I N A R
Bild: Horst Estate/Courtesy of Bernheimer Fine Art Photography

Horst P. Horst huldigt dem amerikanischen Modetraum von 1939, Kleid von Sally Victor. Der autorisierte
Inkjet Print von 2014 kostet je nach Größe und Auflage bei Bernheimer 8000 bis 22 000 Euro. Links: Auch in
der DDR gab es sehr gute Modefotografie, hier von Sibylle Bergemann, 1981, für 6000 Euro bei Kicken Berlin

75

Lebenshaltungen, um Wünsche, um Visio-
nen. Corinne Day fotografierte 1993 die blut-
junge Kate Moss, ungeschminkt, eine bunte
Lichterkette erinnerte eher an eine Schulfete
als an einen Glamour-Shot. »Dirty Realism«
nannte sich die Richtung, auch wenn sie äs-
thetische Kleinode hervorbrachte wie Mario
Sorrentis Anzeigenmotiv für Calvin Kleins
Parfüm »Obsession«, das eine nackte Kate
Moss bäuchlings liegend auf einem Sofa vor
einer Abbruchwand zeigt. Das britische Mo-
del, das anschließend eine steile Karriere
machte, steht wie kein anderes für diese Sym-
biose aus Rock und Realismus, aus Ikonen-
tum und Irrsinn. Kate Moss war nicht nur
die Muse unzähliger Fotografen, Designer
und Künstler, sondern auch mindestens
zweier Generationen junger Mädchen, die sie
anhimmelten, obwohl ihr exzessives Privat-
leben ihr auch zwischenzeitlich die Kündi-
gung von Werbeverträgen einbrachte. Im
September 2013 bot Christie’s in einer Aukti-
Daniel Sannwald gehört mit seiner ein-
fallsreichen Digitalästhetik, hier 2014 für
das Label Patrik Ervell, zu den Jungstars
(danielsannwald.com). Re. Seite: Frank
Horvats Rennbahnszene für Givenchy
wurde im Mai 2014 bei Grisebach für
2500 Euro zugeschlagen. Juergen Tellers
Bild von Kristen McMenamy u. li. entstand
1996 für das SZ-Magazin. Prints von
Teller kosten bei Contemporary Fine Arts
in Berlin je nach Größe 9100 bis 51 000
Euro. Guy Bourdin machte 1975 Charles-
Jourdan-Schuhe zum Teil eines Unfall­
tatorts, 2013 brachte dieser Abzug (u. re.)
bei Christie’s London 10 625 Pfund
76
on nichts anderes als 58 Kate-Moss-Fotogra-
fien an, von Albert Watson und Mario Testi-
no bis hin zu eigens angefertigten Skulpturen
von Allen Jones und Chris Levine – Erlös:
über 1,6 Millionen Pfund.
Die große Zäsur jedenfalls, die sich in
den Neunzigern vollzog, der Wechsel von ei-
ner schönen Oberflächenwelt, in der Eleganz
und Zurückhaltung herrschte und die Mode
losgelöst mit ihren eigenen Referenzen spiel-
te, hin zu einer Empfindungsfotografie, die
sich wechselnden Weltanschauungen ver-
schreibt und Bezüge zur Musik, zum Film, zu
den Medien zelebriert, führte dazu, dass Mo-
defotografie als Genre immer ernster genom-
men wurde. Plötzlich hatte sie uns etwas zu
erzählen, ganze Geschichten oder große Ge-
fühle. Es ging nicht mehr vorrangig ums Ver-
führen, sie konnte nun auch schockieren, sie
schaffte die ganze Bandbreite an Reaktionen
beim Betrachter. Und dieser Betrachter war
nicht mehr nur der Leser der Magazine, er
war mittendrin. Modefotografie passierte so
unmittelbar vor ihm, um ihn herum, bildete
ihn selbst ab, weil auch Models von der Stra-
ße weg gecastet wurden. Es gab keine Schön-
heitsideale mehr, weil alles nun schön bezie-
hungsweise nicht mehr schön, sondern
normal, krass, wild, ja eben da war.
Bild: Daniel Sannwald
Noch immer dauert der Trend zu dieser
direkten, schonungslosen Fotografie an,
wenn auch ihre Extremformen wie der von
Juergen Teller initiierte »Heroin Chic«, die
Kriegs- und Schockfotos von Oliviero Toscani
für Benetton oder die penetrante Selbstinsze-
nierung des nackten Terry Richardson über-
holt sind. In Magazinen wie Numéro, Purple,
Self Service, Details, Pop, Surface oder 032c
geht es nach wie vor um die Darstellungen
von Lebenshaltungen, um ungewöhnliche
Bildsprachen, um das Erzählen von Storys.
Fotografen wie Rankin, der selbst die
Magazine Dazed & Confused, AnOther Ma-
gazine und Hunger gründete, seit Jahren ver-
lässlich Shooting um Shooting und mindes-
tens ein Buch pro Jahr rausdonnert (nebenbei
auch einen eigenen Verlag und eine Galerie
betreibt), oder Nick Knight, der mit seiner
Plattform »Showstudio« junge Talente för-
dert, Werbefilme organisiert und Fashion-
clips dreht, sind die Überväter einer ganzen
Generation von Modekunstfotografen. Für
sie sind Ausstellungen selbstverständlich,
Mode und Kunst greifen ineinander: Craig
McDean, Stéphane Sednaoui (bekannt für
seine CD-Cover von Björk und Madonna
und seine künstlerischen Kollaborationen
mit Jean-Paul Gaultier), Cedric Buchet (seine
Prada-Anzeigen-Motive waren 2004 bei der
großen MoMA-Ausstellung »Fashioning Fic-
tion in Photography since 1990« zu sehen)
und Miles Aldridge – gerade wurde sein pop-
 S A M M L E R SE M I N A R
Bilder: Grisebach, Berlin 2014; Juergen Teller; Christie’s Images Ltd. 2015

Der größte Knall ereignete sich in den Neunzigerjahren.

Mit der Gründung neuer Magazine kamen der
Punk, das Subversive, die Jugendkultur in die Mode.

77

pig-zynisches Hausfrauenbild mit Gasflam-
me bei Sotheby’s mit Aufgeld für 14 375
Pfund verkauft.
Das Reservoir scheint unerschöpflich,
weil der Markt ständig Neues ausspuckt.
Schon gibt es die nächste Generation von
Jungstars wie Kourtney Roy, Daniel Sann-
wald oder Alex Prager. Dennoch ist es nicht
immer so, dass Modefotografie im Augen-
blick des Erscheinens gleich als Kunst wahr-
genommen wird. Ein Beispiel ist Steven Mei-
sel, der seit über 25 Jahren ausnahmslos alle
Cover der italienischen Vogue fotografiert –
und immer mindestens eine Strecke im Heft.
Seine innovative Art hatte die Chefredakteu-
rin Carla Sozzani von Anfang an begeistert.
Doch am Kunstmarkt fanden sich die Bilder
bisher kaum; erst kürzlich tourte eine vom
Auktionshaus Phillips zusammengestellte
»Travelling Selling Exhibition« durch Paris,
London, New York und Miami.
Bei dem anderen Steven, bei Steven
Klein, funktionierte die Vermarktung besser,
der Amerikaner hatte sich frühzeitig um Ga-
lerien bemüht – legendär seine Serie von Ma-
donna im Sado-Maso-Set und die Bonnie-
und-Clyde-Hymne von Angelina Jolie mit
Brad Pitt. Und David LaChapelle, verehrt für
seine bunten, schrillen Inszenierungen, zog
sich mit großen Trara aus der Modewelt zu-
rück, um nur noch »Kunst« zu machen – was
S A M M L E R SE M I N A R
Für die Vogue Italia fotografierte Mario
Testino 2006 Kate Moss im Bad. Ein Print
der 200er-Auflage von 2012 erzielte
soeben bei Phillips London 5250 Pfund.
Oben Irving Penns berühmtes Cover der
US-Vogue, April 1950. Rechts Melvin
Sokolskys »Bubble«-Serie, 1963, Prints sind
bei Fahey/Klein ab 2500 Dollar zu haben
78
ihn allerdings nicht daran hinderte, weiter
für W, Vogue oder Flaunt zu arbeiten.
Generell schaut der Markt aber eher auf
die historische Modefotografie, die Klassiker,
sowohl aus der Vorkriegszeit wie Steichen
oder Horst P. Horst, als auch danach aus der
»Goldenen Ära« der Fifties und Sixties. Einer
der Blue Chips ist sicherlich Irving Penn
(1917–2009), der mit seinem minimalistischen
Stil, der ausgewogenen Studioarchitektur
und der Strenge der Details mehr als 50 Jahre
prallen Schaffens hinterließ. Erst kürzlich
wurden auf Christie’s Pariser Fotoauktion
»Icons & Style« allein 16 Werke von Penn an-
geboten, mit Taxen zwischen 12 000 und
180 000 Euro. Besonders beliebt ist seine Serie
»Black and White«, die er 1950 für die Vogue
schoss und die an grafischer Ausdruckskraft
und kühler Raffinesse ihresgleichen sucht.
2013 wurde das Harlekinbild aus der Schwarz-
Weiß-Serie bei Phillips für 290 500 Dollar ver-
kauft, bei Christie’s brachte jetzt ein Abzug
davon 133 500 Euro.
Ein anderer beliebter Künstler, der im-
mer »geht«, ist Richard Avedon (1923–2004).
Bilder: privat; Image courtesy of Phillips/www.phillips.com
Anders als Penn fotografierte er viel on loca-
tion. Am bekanntesten ist sein Motiv »Dovi-
ma with elephants« von 1955, dass das Model
Dovima in einem Abendkleid von Christian
Dior zeigt (übrigens vom jungen Yves Saint
Laurent entworfen). Den großformatigen Sil-

Bild: Melvin Sokolsky/Courtesy of the Fahey/Klein Gallery
bergelatine-Print, angefertigt für die große
Retrospektive 1978 im Metropolitan Muse-
um, ersteigerte das Unternehmen Dior »zu-
rück«: für 841 000 Euro bei Christie’s. In der
gleichen Pariser Auktion von 2010 wurden
64 Fotos von Avedon für insgesamt 5,5 Millio-
nen Euro verkauft. Abzüge von Avedon gibt
es natürlich auch in Galerien: Steven Kasher
bietet aktuell einen Vintage-Silbergelatine-
Workprint von Jean Shrimpton aus dem Jahr
1968 an, Gagosian ein Modefoto mit Audrey
Hepburn und anderen in Abendkleidern in
einer Bar von 1959.
Aber selbst wenn man nicht viel anle-
gen möchte, findet man genug am Markt.
S A M M L E R SE M I N A R
Die Fahey/Klein Gallery in Los Angeles hat
etwa die ganze Seifenblasenserie von Melvin
Sokolsky im Programm, ein Abzug dieser
Motive für Harper’s Bazaar von 1963 gibt es
schon für 2500 Dollar. Junge Galerien wie
The Ravestijn aus Amsterdam oder die Gale-
rie für Moderne Fotografie in Berlin bieten
zeitgenössische Werke ab 1500 Euro an. Wem
es vor allem darum geht, ein schönes Bild an
der Wand zu haben, für den ist Lumas eine
gute Adresse: Für Preise ab 239 Euro sind hier
in der Sektion »Fashion« Meisterwerke aus
den Archiven von Condé Nast oder der Foto-
vermarktungsagentur Trunk zu haben,
darun­ter Bilder von Steichen, Hoyningen-
79
Huene, Blumenfeld, Aldridge oder Michel
Comte – allerdings in sehr hohen Auflagen.
Modefotografie ist jedenfalls »in«, be-
feuert auch durch große Überblicksausstel-
lungen und Retrospektiven in den Museen.
Die Galerie Bernheimer Fine Art Photogra-
phy (München/Luzern), die Horst P. Horst
seit 2008 europaweit vertritt, beobachtet seit
der großen Horst-Ausstellung im Londoner
Victoria and Albert Museum im vergange-
nen Jahr ein wachsendes Interesse. Die Farb-
abzüge kosten ab 8500 Dollar, die Silbergela-
tineabzüge ab 10 000 Dollar. Nächstes Jahr
kommt die Schau nach Düsseldorf ins NRW-
Forum. Der Hype geht weiter. ×

Was genau meint Vintage, und wie hoch sollte eine Edition sein? Welche Museen zeigen
Modefotografie, und wo kann man sie kaufen? Unsere kompakte Übersicht
Glossar
C-Print
Klassischer Fotoabzug, der heute
digital hergestellt wird, auch nach
der Maschine OCE Lightjet
»Lightjet-Print« genannt. Es sind
Ausbelichtungen auf Fotopapier
mit großem Farbraum und hoher
Sättigkeit.
Edition
Auflage eines Werks. Bei Fotografien
sollte sie nicht höher als zehn sein,
bei großen Formaten nur fünf.
Amerikanische Fotografen gehen
allerdings gern auf 25 oder bieten
diverse Größen des gleichen Motivs
an. Wichtig ist, dass die Editions-
nummer entweder auf dem Print
selbst, einem Label oder Stempel
vermerkt und die Arbeit signiert ist.
Nach dem Tod eines Künstlers darf
der Nachlass auch Label ausstellen.
Inkjet Print
Wird mit einem Tintenstrahldru-
cker hergestellt (meist auf Bütten-
papier) und zeigt viele Abstufungen,
gut für Schattenpartien. Ist seit
Jahren sehr im Trend.
Polaroids
Sie wurden früher während des
Shootings gemacht, um das Licht
zu testen. Diese Arbeitsabzüge
haben mittlerweile auch ihren Weg
auf den Kunstmarkt gefunden.
Mitte der Achtzigerjahre probierte
man in der Modeszene Polaroid-
Dia-Filme (Polachrome 35 mm) aus,
die mit einem kleinen Gerät mit
Handkurbel selbst entwickelt
werden konnten.
Silver Gelatin Print
Der Silbergelatineabzug ist der
Klassiker für Schwarz-Weiß-Fotos.
Belichtung eines Negativs auf die
lichtempfindliche Oberfläche eines
Papiers, anschließend Entwicklung
des Papiers in einem Emulsionsbad
(Silbersalz in Gelatine).
S A M M L E R SE M I N A R
Gut zu wissen
Helmut Newton Foundation in Berlin: die »Big Nudes« des Modefotografen
Strecke
Eine zusammenhängende Serie von
Bildern eines Fotografen, die in
einem Magazin abgedruckt ist.
Tear Sheets
Seiten aus einem Magazin. Sowohl
Fotografen als auch Models,
Stylisten, Visagisten und Hairdres-
ser haben Mappen, in denen sie
diese »Ausrisse« sammeln und sich
mit ihnen für neue Jobs vorstellen.
Vintage Print
Ein Fotoabzug, der zeitnah nach der
Aufnahme hergestellt wird: nach
strenger Schule bis maximal fünf
Jahre danach, großzügig können es
auch mal zehn sein. Wichtig ist,
dass der Künstler die Herstellung
selbst überwacht hat. Früher
wurden Modefotos entweder vom
Dia oder von einem Abzug als
Druckvorlage für das Magazin
verwendet. In den Archiven von
Verlagen wie Condé Nast oder Life
finden sich noch viele dieser
Vorlagen. Oft tragen sie Stempel
oder Notizen des Artdirectors. Auch
solche Abzüge finden manchmal
den Weg auf den Kunstmarkt.
80
Schauen
Im Haus der Photographie in den
Hamburger Deichtorhallen finden
immer wieder große Modefotogra-
fieausstellungen statt. Ein Grund-
stock ist dabei die umfangreiche
Sammlung von F. C. Gundlach –
selbst einer der deutschen
Modefotostars. Das benachbarte
Museum für Kunst und Gewerbe
beschäftigt sich regelmäßig in sehr
guten Ausstellungen mit Mode,
Modeillustration und Modefotogra-
fie. In Berlin sind die drei wichtigs-
ten Foto-Orte am Bahnhof Zoo
angesiedelt: Das privat betriebene
Fotozentrum C/O Berlin, das Annie
Leibovitz, Peter Lindbergh und
viele andere präsentiert hat; die
Helmut Newton Foundation, die das
Erbe des großen Modefotografen
nicht nur pflegt und verwaltet,
sondern immer wieder spannende
Positionen hinzufügt, etwa David
LaChapelle oder aktuell Frank
Horvat und Szymon Brodziak (bis
15. November). Im Stockwerk
darüber residiert das Museum für
Fotografie, das sich auch ab und zu
an die Modefotografie herantraut.
Im Museum für Moderne Kunst
(MMK) in Frankfurt am Main
beschäftigt man sich gern mit den
Phänomen Mode. Und das
NRW-Forum in Düsseldorf, sowieso
eine großartige Fotoadresse, wird
2016 Horst P. Horst in einer
umfangreichen Schau zeigen. Das
wichtigste Pariser Fotografiehaus ist
das Jeu de Paume. Wegweisende
Ausstellungen zur Modefotografie
sind immer wieder im Victoria and
Albert Museum in London und im
New Yorker Museum of Modern Art
zu erleben. Ein Haus mit guter
Spürnase für Trends ist das ICA in
Boston. Auf allen großen Festivals
Bild: Stephan Müller
wie den Rencontres de la photo­
graphie in Arles oder PhotoEspaña
in Madrid erhält die Modefoto­
grafie heute selbstverständlich
gebührenden Raum. Noch ein Tipp
zum Schluss: In Wolfgang Tillmans’
Projektraum Between Bridges in
Berlin läuft gerade »Fashion
Stories« mit Strecken aus Indepen-
dent-Magazinen der frühen
Neunziger, von ihm selbst kuratiert.
Kaufen
Eine wichtige Galerie, die sich mit
Modefotografie beschäftigt, ist die
Staley-Wise Gallery von Etheleen
Staley und Takouhy Wise, zwei New
Yorker Ladys, die von Lillian
Bassman über Patrick Demarchelier
und Steven Klein die großen
Namen der Fashion Photography
anbieten. Von Los Angeles und
Miami aus kontrolliert Fahey/Klein
den Markt, im Programm auch die
jüngere Riege mit Bruce Weber und
Miles Aldridge bis hin zum
deutschen Kindermodefotografen
Achim Lippoth. In London ist
Michael Hoppen eine entscheidende
Adresse. Bei ihm tummelt sich Mary
McCartney, Pauls älteste Tochter,
mit ihren poetischen Fotografien.
Auch William Klein und Sarah
Moon werden von Hoppen
 Advertorial
Weltkunst-Tipp

vertreten. Die Hamiltons Gallery, Bieten

ebenfalls London, hat Größen
wie Irving Penn, Albert Watson
und Helmut Newton im
Angebot. Bei Monika Mohr in
Hamburg wurden bislang
eigentlich alle wichtigen
Modefotografen ausgestellt.
Camera Work in Berlin (als
Aktiengesellschaft notiert)
leistet sich gleich zwei
Standorte mit einem umfang-
reichen Programm von Herb
Ritts über Paolo Roversi bis zu
Ellen von Unwerth. Ebenfalls in
Berlin sitzt die altehrwürdige
Galerie Kicken, heute von
Annette Kicken geleitet und auf
Klassiker-Vintages spezialisiert.
Seit einiger Zeit engagiert sie
sich auch für Sibylle Bergemann
und das Ehepaar Mahler, die in
der DDR die Modefotografie
hochhielten. Unweit von Kicken
zeigt die junge Galerie für
Moderne Fotografie neue
Positionen zu erschwinglichen
Preisen. In Berlin betreibt auch
die erfahrene Johanna Breede
ihre Fotogalerie; sie vertritt
Sheila Rock und ebenfalls
Bild: Between Bridges
Die meisten Modefotos finden
Classic Cars –
sich in den reinen Fotografie-
Auktionen. Führend sind
automobiles Vermögen
Sotheby’s und Christie’s, aber
Phillips bleibt dran. Bonhams
veranstaltet Fotoauktionen in
verschiedenen Ländern. Die
deutschen Häuser Lempertz,
Villa Grisebach und Bassenge
halten zweimal im Jahr eine
Spezialauktion für Fotografie ab,
darunter viele historische Werke
und immer wieder Modebilder.
Auch das Dorotheum in Wien
lässt sich diese Sparte nicht
entgehen. Kleinere Häuser, die
sich ganz oder großenteils auf
Fotografie spezialisiert haben,
sind WestLicht in Wien (wo es
auch sehenswerte Ausstellungen
gibt), Altenburg in Berlin oder Thomas Mai ist Underwriter Art and Private Clients bei Hiscox.
Schneider-Henn in München.
Bei Ketterer finden sich
Klassische Automobile er- sungsdynamik an Wertstei-
Fotoarbeiten in der Sektion der
zeitgenössischen Kunst, das ist
freuen sich auch im Jahr 2015 gerungen und sollten regel-
auch in zahlreichen anderen ungebrochener Beliebtheit – mäßig auf die Gefahr einer
Auktionshäusern mit Moderne- Treffen und Messen der möglichen Unterdeckung
fokus so. Szene verzeichnen Besucher- überprüft werden. In den
rekorde und die Zahl der meisten Fällen lohnt sich
Zulassungen von Young- und für Sammler ohnehin der

Sibylle Bergemann. In München

und Luzern prägt der Fotogra-
fiesektor des traditionsreichen
Kunsthandels Bernheimer mit
Horst P. Horst, Jeanloup Sieff
und Annie Leibovitz das
Geschehen. Aber auch die
Münchner Galerie f5,6 hat mit
Lillian Bassman eine Modefoto-
grafin in ihrer Liste. In
mittlerweile fast jeder größeren
Stadt gibt es eine Niederlassung
von Lumas, wo man schon für
dreistellige Summen Fotogra-
fien in sehr hohen Auflagen
kaufen kann – darunter auch
ein üppiges Angebot aus allen
Phasen der Modefotografie. Wer
die meisten führenden
Fotohändler an einem Ort
beisammen haben will, der reist
im November zur Paris Photo,
der wichtigsten Messe für dieses
Kunstmarktsegment. Kürzlich
wurde auch die Photo London
erfolgreich wiederbelebt.
»Fashion Stories« im Berliner Projektraum Between Bridges
Lesen
Einen schönen Überblick bietet
der Ausstellungskatalog »Zeitlos
Schön. 100 Jahre Modefoto­
grafie von Man Ray bis Mario
Testino« (Prestel, 2012).
Ebenfalls vergriffen, aber
antiquarisch noch erhältlich ist
das sehr spannende Buch
»Chic Clicks. Modefotografie
zwischen Auftrag und Kunst«
(Hatje Cantz, 2002), das
kommerzielle Arbeiten
künstlerischen gegenüberstellt.
Von der Modefotografie der
Neunziger handelt »Not in
Fashion« (Kerber, 2010). Neue
Tendenzen auf dem Markt kann
man gut im Übersichtsband
»New Fashion Photography«
(Prestel, 2013) entdecken.
Daneben gibt es mittlerweile
jede Menge Monografien zu
den einzelnen Fotografen.
Oldtimern in Deutschland
steigt unaufhaltsam an. Un-
terstrichen wird der Boom
von der Preisentwicklung
quer durch die Modelle: So
verzeichnete der Oldtimer-
index (OTX) im Jahr 2014 er-
neut ein hohes zweistelliges
Plus. Doch mindestens so er-
freut wie an der Wertsteige-
rung ihrer Fahrzeuge zeigen
sich Sammler jedes Jahr am
praktischen Nutzen ihrer „In-
vestitionen aus Leidenschaft“:
Ob die erste Tour nach der
Winterpause, ein Sommer-
ausflug ins Grüne oder die
Teilnahme an historischen
Rallyes und Oldtimerkorsos –
am Steuer eines Klassikers
zu sitzen bleibt vor allem ein
Genuss für die Sinne.
Doch um sich stets ungetrübt
der automobilen Schätze
zu erfreuen, ist nicht nur
deren regelmäßige Wartung
unerlässlich: Es empfiehlt
sich grundsätzlich, auch den
bestehenden Versicherungs-
schutz jedes Jahr genau zu
überprüfen. Denn insbeson-
dere allgemeine Kfz-Policen
verfügen in der Regel über
keine automatische Anpas-
Wechsel zu einer perfekt auf
Oldtimer zugeschnittenen
Allgefahren-Versicherung
wie „Classic Cars by Hiscox“:
Mit dem Spezialprodukt für
Veteranen, Oldtimer, Repli-
cars und Youngtimer bietet
Hiscox Liebhabern histori-
scher Fahrzeuge exklusive
Lösungen – entweder als Ein-
zelfahrzeug oder im Rahmen
einer Sammlung. Die Police
benötigt nur zwei Seiten für
das Bedingungswerk und
enthält bereits sowohl eine
Vorsorgeklausel von 20 %
für Wertsteigerungen und
Neuanschaffung von Fahr-
zeugteilen als auch beson-
dere Schutzbriefleistungen
und die Absicherung von
Standrisiken. Die Allgefahren-
Deckung von Hiscox gilt
innerhalb der geografischen
Grenzen Europas, sodass
auch Oldtimer-Rallyes im
Sinne von Gleichmäßigkeits-
rennen automatisch mitver-
sichert sind, bei Oldtimern
und Veteranen sogar ohne
Kilometerbegrenzung.
Mehr Informationen:
www.hiscox.de

1 3
2 4
Die Schweizer Künstlerin Zilla Leutenegger
bringt Räume in Bewegung: Ihre Installa-
tionen aus Wandmalerei, Skulptur, Fotogra-
fie und Lichtprojektion spinnen aus Alltags-
beobachtungen dichte Erzählungen.
Spielerisch entstehen skizzenhafte Moment-
aufnahmen, die Gattungsgrenzen und
Denkmuster neu arrangieren. Die Münch-
ner Pinakothek der Moderne zeigt ihre
Werkgruppe »Apartment« bis 4.  Oktober in
der Einzelausstellung »Ring My Bell«.
Wie heißt Ihre momentane Lieblingsstadt?
Zurzeit ist es Basel.
Was unternehmen Sie dort am liebsten?
Alte Freunde besuchen, im Rhein
schwimmen, Museen abklappern.
Welches Museum ist ein Muss?
Die Klassiker: etwa die FONDATION
BEYELER (1) in Riehen. Oder das VITRA DESIGN
MUSEUM (3) in Weil. Das Tinguely-Museum.
Das Kunstmuseum. Das Museum für Ge-
genwartskunst. Ich besuche aber auch im-
mer wieder sehr gerne das Naturhistorische
Museum und das Museum der Kulturen im
fantastischen Gewand der Architekten Her-
zog & de Meuron.
Gibt es Galerien, die Sie empfehlen können?
Ich gehe gerne zu Stampa, auch wegen
des genialen Kunstbuchladens.
T H U R N U N D TA X I S F R AG E B O G E N
Zilla Leutenegger
über ihr
Basel
Haben Sie ein Lieblingsrestaurant, das Sie
immer wieder besuchen?
Hier gibt es viele tolle Restaurants.
Mein Favorit ist das Goldene Fass an der
Hammerstrasse 108.
Was bestellen wir dort?
Einen Evergreen: Fish ’n’ Chips.
Wo trinkt man das beste Bier der Stadt?
Am Rhein unter den Bäumen – bei der
Flora Buvette, dort gibt es das superleckere
Bier der BrauBudeBasel.
Bestes Kino oder Theater?
Die besten Filme laufen im Kino Came-
ra in der Rebgasse 1 (wer da ist, kann an der-
selben Adresse auch scharf essen, im »Lily’s«).
Ein Gebäude in der Stadt, das Sie immer
wieder gerne ansehen?
Das neue NATURBAD RIEHEN (2) – eben-
falls von Herzog & de Meuron entworfen.
Welcher Flohmarkt ist der beste?
Samstags auf dem Petersplatz. Je früher,
desto besser.
Ein kulturelles Ereignis, das wir nicht ver-
passen dürfen?
Immer im Januar findet das Fest zu Eh-
ren des Vogel Gryff statt. Und natürlich im
Juni die Art Basel.
82
Bilder: Hannes Magerstaedt; Todd Eberle; Christoph Junck; Thomas Dix/Vitra Design Museum, Architecture: Frank Gehry/Vitra (www.vitra.com); Dejan Jovanovic; Sofia Achaval
Wo finden wir die beste Hotelbar der Stadt?
Das beste Hotel ist das Krafft in der
Rheingasse 12, und gleich über die Straße
liegt die dazugehörige Bar CONSUM (4).
Womit betrinken wir uns dort?
Wir beginnen am besten mit Weißwein,
einem Grauburgunder vom Weingut Kalk-
bödele aus Baden. Viel später enden wir dann
mit einem puren Gin Monkey 47.
Wie bezirzt man den Türsteher?
Basel ist sehr casual und gemütlich, Tür-
steher findet man eher selten. Basel ist eine
offene Stadt.
Was müssen wir über Ihre Lieblingsstadt
wissen, um sie wirklich zu verstehen?
Der Fußballclub FC Basel ist der beste
der Welt.
Zum Schluss: ein Tipp, den wir in keinem
Reiseführer finden?
Die besten Würste kauft man in der El-
sässerstrasse 51 nahe dem Rhein: In der Metz-
gerei Pippo bei Giuseppe »Pippo« Sequenzia,
dem Metzgermeister.  ×
Elisabeth von Thurn und Taxis
ist Autorin der US-Vogue und
stammt aus einer Familie von
Kunstsammlern. Für uns entwi-
ckelte sie diesen Fragebogen.
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kulturmarken.de causales
 Nachrichten, Ausstellungen,
Messen, Kunsthandel, Auktionen und
wichtige Termine im August

AGENDA
Bild: John Waters

Hollywoods tollster Trash-Regisseur John Waters ist nur Teilzeitkünstler – aber ein guter! Werke
wie »Study Art Sign (For Profit or Hobby)« von 2007 zeigt das Kunsthaus Zürich ab 14. August

85

NACHRICHTEN
GUGGENHEIM IN HELSINKI
Von New York aus ist der Name
Solomon R. Guggenheim zu
einer Museumsmarke gewach-
sen. Nach Dependancen in
Venedig, Bilbao und der geplan-
ten Eröffnung in Abu Dhabi
2017 steht nun auch der Ent-
wurf für den Standort Helsinki
fest. Mit 1715 anonymen Einrei-
chungen aus 77 Ländern war es
einer der größten Architektur-
wettbewerbe der letzten Jahre.
Moreau Kusunoki Architectes
aus Paris konnten sich in der
letzten Runde schließlich gegen
Sommerpause? Von wegen.
Eine ganze Reihe von Kunst-
Profis arbeitet sich derzeit in
neue Betätigungsfelder ein. Als
Expertin für die Zeitgenossen
verstärkt die Kunsthändlerin
JOËLLE ROMBA das Team eines
Auktionsgiganten: Ab jetzt ist
sie Direktorin von Sotheby’s
Berlin. Mitte August verlässt
WOLFGANG EIERMANN nach
sechzehn Jahren als Kurator die
AG E N DA
fünf Finalisten durchsetzen.
Das junge Büro, 2011 von dem
Franzosen Nicolas Moreau und
der Japanerin Hiroko Kusunoki
gegründet, plant für das Hafen-
gelände holzverkleidete Pavil-
lons und einen 45 Meter hohen
»Leuchtturm« (o). Obwohl der
Vorschlag die Umgebung reflek-
tieren will, sehen Anwohner
dem Konzept mit gemischten
Gefühlen entgegen: Man fürch-
tet neben den Kosten, die zum
Teil durch öffentliche Gelder
gedeckt werden sollen, eine Stö-
rung im Stadtbild.
Personalien im August
Staatsgalerie Stuttgart, um die
Leitung des Museums Georg
Schäfer in Schweinfurt anzutre-
ten. Dort wartet die bedeu­
tends­te private Kunstsammlung
zum deutschen 19. Jahrhundert
mit über 800 Gemälden und
4500 Zeichnungen auf ihn.
MORITZ VON DER HEYDTE wurde
von Artcurial zum Repräsentan-
ten ernannt. Er soll in München
das erste deutsche Büro des
86
KPM-VASE FÜR BERLIN
Das Kunstgewerbemuseum der
Staatlichen Museen zu Berlin ist
um ein Prachtstück reicher:
eine knapp 80 Zentimeter große
Monumentalvase der Königli-
chen Porzellanmanufaktur
Berlin gehört nun zur Samm-
lung. Auf dem Dekor lässt sich
ein 360-Grad-Panoramablick
von Babelsberg über Potsdam
erkennen, der die Stadt- und
Seenlandschaft der 1830er-Jahre
aufgreift und in Porzellanmale-
rei ausgeführt wurde (re.). Die
Vase war ursprünglich Teil eines
expandierenden französischen
Auktionshauses leiten. Erst
kürzlich hat Artcurial Reprä-
sentanzen in Brüssel, Mailand,
Wien und Monaco eröffnet.
Nur Generaldirektor der
Staatlichen Berlin zu sein hat
seinen Tag noch nicht gefüllt:
MICHAEL EISSENHAUER tritt
auch als Leiter der Berliner
Gemäldegalerie und der Skulp-
turensammlung an, einschließ-
Bilder: Tuomas Uusheimo; Staatliche Museen zu Berlin, Kunstgewerbemuseum/Saturia Linke; Andrea Stappert/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; privat; Artcurial; Achim Kleuker/Staatliche Museen zu Berlin; Timothy Mulcare; privat
dreiteiligen Satzes, den man
1836 im Auftrag des preußischen
Königs Friedrich Wilhelm III.
anfertigen ließ. Anlässlich der
Hochzeit von Herzog Ferdi-
nand Philippe d’Orléans, dem
ältesten Sohn des französischen
Königs Louis-Philippe, und der
Nichte des preußischen Königs
wurde das Ensemble weiterge-
geben. Die geschichtsträchtige
Vase konnte in der Berlinauk­
tion von Lempertz im Mai für
254 200 Euro erworben werden.
lich des Museums für Byzanti-
nische Kunst, allerdings erst am
1. August 2016. MARY ROZELL
wird am 1. September Chefin
der UBS Art Collection – mit
rund 35 000 Werken eine der
größten Firmensammlungen
weltweit. PETER FRIESE ist vom
Stellvertreter zum Direktor der
Weserburg in Bremen aufge-
rückt – er kämpft weiter dafür,
den Ort am Teerhof zu erhalten.
 NEUES ZUM »PELZCHEN«
Es war ein äußerst privates Bild,
eine Liebesbezeugung an seine
zweite Ehefrau, die Peter Paul
Rubens um 1636/38 in höchst
ungewöhnlicher Weise malte.
Das Gemälde im Kunsthistori-
schen Museum in Wien ist als
»Pelzchen« berühmt, so hat es
Rubens selbst genannt, als er es
Helena in seinem Testament
vermachte. Seine erste Frau Isa-
Bilder: Kunsthistorisches Museum Wien; Dombibliothek Hildesheim; Torsten Kunert; Auctionata; www.kettererkunst.de/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Im Kinsky, Wien
bella Brant war 1626 an der Pest
gestorben, da war Rubens 49.
Vier Jahre später traf er die gera-
de erst 16-jährige Helena Four-
ment. Sie war schön und klug;
bald heirateten die beiden.
Rubens zeigt die Gattin in ihrer
prallen nackten Schönheit. Sie
schmiegt sich in einen Pelzman-
tel, der sie mehr entblößt als
verhüllt. Kustoden, Restaurato-
ren und Forscher aus Wien und
Belgien untersuchten kürzlich
das Bild mit einem neuartigen
Röntgenfluoreszenz-Scan und
machten eine erstaunliche Ent-
deckung: Ursprünglich stand
die nackte Helena vor einem
steinernen Knaben, der sein
Hemd hochhält und Wasser
lässt. Seit der Renaissance war
der urinierende Junge ein Sym-
bol der Fruchtbarkeit – ein tref-
fender Hinweis: Helena gebar
Rubens fünf Kinder, nach sei-
nem Tod mit ihrem zweiten
Mann noch einmal sechs.
HEIMKEHR NACH HILDESHEIM
Eine böse Geschichte, die gut
endete: Die Dombibliothek Hil-
desheim erhielt jetzt eine früh-
gotische Miniatur zurück, die
ein Dieb in den Siebzigerjahren
aus einem Psalter gelöst hatte.
Bei einem Braunschweiger Auk-
tionshaus erwarb damals ein
argloser Sammler das kostbare
Blatt. Als es im Herbst 2014 bei
Bassenge in Berlin erneut ver-
steigert werden sollte, fand der
dortige Experte Markus Brandis
die wahre Herkunft heraus und
vermittelte zwischen dem Ein-
lieferer und der Dombibliothek.
Am Ende konnte das Kreuzi-
gungsbild mit Unterstützung
der Ernst von Siemens Kunst-
stiftung und deutlich unter dem
wirklichen Marktwert zurück-
erworben werden. Die äußerst
qualitätvolle Darstellung ist ein
wichtiges Zeugnis der thürin-
gisch-sächsischen Malschule,
vermutlich entstand sie wie der
ganze Psalter im Hildesheimer
Michaelskloster.
BASELITZ ZIEHT BILDER AB
Die landesweite Aufregung um
die von Kulturstaatsministerin
Monika Grütters (CDU) geplan-
te Novelle des Kulturgutschutz-
gesetzes (siehe S. 12) zieht jetzt
die Museen in Mitleidenschaft:
Der Künstler Georg Baselitz
zieht eigene Werke ab, die bisher
als Dauerleihgaben in den Staat-
lichen Kunstsammlungen
Dresden, in der Pinakothek der
Moderne in München und in
den Kunstsammlungen Chem-
nitz hingen. Er verwies dabei
ausdrücklich auf Grütters’ Pläne.
87
GRIMME-PREIS FÜR STÄDEL
Mit »Monet und die Geburt des
Impressionismus« gelang dem
Städel Museum in diesem Früh-
jahr ein großer Erfolg. Über
430 000 Besucher wollten die
Blockbuster-Ausstellung in
Frankfurt/M. sehen. Doch auch
auf einem anderen Feld setzte
die Schau neue Maßstäbe. Das
begleitend zur Ausstellung pro-
duzierte Digitorial – eine Art
kurzweiliger Vorbereitungskurs
für Smartphone, Tablet oder
Laptop – überzeugte die Juro-
ren des Grimme Online Award
so sehr, dass sie ihm einen Preis
in der Kategorie »Kultur und
Unterhaltung« verliehen. Und
das Beste ist: Auch nach dem
Ende der Ausstellung steht das
kostenlose Digitalangebot mit
Infotexten, Audiosequenzen
und jeder Menge Bilder weiter
zur Verfügung. Für alle, die
den Besuch verpasst haben oder
sich noch mal erinnern wollen.
SAMMLER IM SCHLOSS
Vom Schlossherr zum Muse-
umsdirektor: Vor einigen Jah-
ren kaufte der Berliner Unter-
nehmer Torsten Kunert das leer
stehende Schloss Kummerow in
Mecklenburg. Jetzt will er es
zum Privatmuseum machen.
Die Sanierungen sind schon
kräftig vorangeschritten, beson-
ders in der repräsentativen Ein-
gangshalle des 1733 für den
Landrat Axel Albrecht von
Maltzahn im Barockstil erbau-
ten Herrenhauses. Die Eröff-
nung mit 3000 Quadratmetern
Ausstellungsfläche soll im kom-
menden April oder Mai erfol-
gen. Zu sehen sein soll dann die
eigene Sammlung Kunerts, die
zum Großteil aus zeitgenössi-
scher Fotografie besteht, darun-
ter weltberühmte Künstler wie
Bernd und Hilla Becher, Andreas
Gursky oder Hiroshi Sugimoto
– aber auch ein größeres Konvo-
lut an DDR-Fotografie.
Hammerpreise
AUTOMATENUHR
Bei Auctionata erzielte eine
reich verzierte chinesische Au­
tomatenuhr aus dem späten
18. Jahrhundert einen Zuschlag
von 3,37 Mio. Euro – ein Welt­
rekord für ein online versteiger­
tes Werk asiatischer Kunst.
Zudem handelt es sich dabei
um den bisher höchsten Aukti­
onszuschlag des Jahres 2015 in
Deutschland und das teuerste
Objekt, das das Onlineauktions­
haus jemals versteigert hat.
REKORD-UECKER
Auch das Münchner Auktions­
haus Ketterer kann mit einem
Weltrekord aufwarten: Günther
Ueckers Nagelkunstwerk
»Hommage à Paul Scheerbart
(Scheerbartwesen)« wurde bei
300 000 Euro aufgerufen, bei
1,875 Mio. Euro fiel der Ham­
mer. Damit erzielte die großfor­
matige und signierte Arbeit
aus den späten 1960er-Jahren
einen Rekorderlös für ein Werk
des Zero-Künstlers.
JUGENDSTIL-BROSCHE
Im Wiener Auktionshaus Im
Kinsky brach eine Brosche von
Josef Hoffmann alle Rekorde
des österreichischen Designers.
Das Schmuckobjekt in streng
geometrischer Form, das 1908
in geringer Auflage in der Wie­
ner Werkstätte angefertigt
wurde und mit farbigen Steinen
verziert ist, wurde bei 420 000
Euro der Sammlung Bröhan in
Berlin zugeschlagen.
 AG E N DA

AUSSTELLUNGEN

Bild: Staatliche Kunsthalle Karlsruhe

Ein Leben für die Leinwand

In Karlsruhe erinnert eine Ausstellung an Karoline Luise von Baden. Die vielseitig
gebildete Markgräfin gilt heute als »Meister-Sammlerin« ihrer Epoche

88
 In diesen Kopf sollte so viel wie möglich.
Wenn es um Wissen ging, war Karoline Lui-
se von Baden schier unersättlich. Die spätere
Markgräfin lernte Latein und Physik, kannte
sich aus mit Wappen wie mit Kontinenten,
durchmaß die Geschichte des Rechts und der
Poetik. Dass man sie schon als junge Prinzes-
sin in der Kunst des Briefeschreibens unter-
wies, können jene knapp 800 Adressaten be-
zeugen, die bis zu ihrem Tod 1783 regelmäßig
Post erhielten. Sie tanzte und zeichnete. Spä-
ter hat Karoline Luise auch gemalt, das be-
legt ein Gemälde aus dem Besitz der Kopen-
hagener Royal Academy of Fine Arts. Beim
»Tod der Kleopatra« (1764) handelt es sich um
eine Kopie nach Caspar Netscher. Die Gräfin
schätzte den niederländischen Präzisionsma-
ler und versuchte, ihren ästhetischen Ge-
schmack durch Einfühlung zu verfeinern.
Bilder: The Royal Academy of Fine Arts/The Academy Council, Kopenhagen; Staatliche Kunsthalle Karlsruhe
Was aus dieser unermüdlichen Fortbil-
dung erwuchs, zeigt nun die Ausstellung
»Die Meister-Sammlerin« in der Staatlichen
Kunsthalle Karlsruhe. Als Große Landesaus-
stellung feiert sie zugleich das 300-jährige Ju-
biläum jener Residenzstadt, die Karoline
Luise und ihr Mann Karl Friedrich zu einem
geistigen Zentrum machten. Als Punkt auf
der Landkarte, der Kunstagenten, Auktions-
häuser und zeitgenössische Maler gleicher-
maßen anzog, weil hier eine Kennerin das
Beste der eigenen Epoche und des 17. Jahr-
hunderts erwarb. Dabei verfügte sie nicht
einmal über unbegrenzte Mittel. Ihr Groß-
vater Ernst Ludwig hatte weit über seine Ver-
hältnisse gelebt, die Nachkommen mussten
sparen. Mindestens so spannend wie ihre
hochkarätige Sammlung ist deshalb die Fra-
ge, wie es Karoline Luise gelang, die beste
Kollektion franzö­sischer Malerei des 18. Jahr-
hunderts mit Werken von Claude Joseph
Vernet, François Boucher oder Jean Siméon
Chardin aufzubauen, die es jenseits von
Frankreich gab.
Auch das thematisiert die Ausstellung.
Sie rekonstruiert nicht bloß das private Kabi-
nett, in dem die Werke nach Symmetrie,
Komposition und Farbigkeit geordnet waren,
um das vergleichende Sehen zu schulen. Da-
rüber hinaus präsentiert das lange vorberei-
tete interdisziplinäre Projekt Dokumente
wie den Stundenplan des Kindes, der von 24
auf 52 Wochenstunden Unterricht stieg, ne-
ben kunsthandwerklichen Paradestücken
wie dem gräflichen Rokoko-Schreibtisch aus
der Werkstatt von Abraham Roentgen. Vor
allem aber wird sichtbar, wie sich eine gebil-
dete Frau mit höfischem Hintergrund auf
dem europäischen Kunstmarkt behauptete.
Denn auch wenn das Wort von der »badi-
schen Vielfragerin« irgendwann mit leich-
tem Spott zirkulierte, brachte es Karoline
Luise europaweit zu Anerkennung. Sie war
Rembrandts Selbstbildnis im Fantasiekos-
tüm ersteigerte Karoline Luise von Baden
1761 auf einer Auktion in Paris. Das Gemäl-
de »Tod der Kleopatra« (ganz o.) fertigte
sie 1764 als sensible Kopie des Sujets nach
Caspar Netscher. Li. Seite: Sie selbst
wurde 1745 von ihrem Lehrer, dem Maler
Jean-Étienne Liotard, porträtiert
89
wohl so klug, selbstbewusst und anpackend,
wie es der Genfer Maler Jean-Étienne Liotard
suggeriert, als er die junge Frau 1745 in Darm-
stadt porträtierte. Gleichzeitig brachte er ihr
als Lehrer die Pastellmalerei bei und schärfte
den Blick für Qualität. Wie sonst hätte die
Markgräfin nach Kupferstichen von verkäuf-
lichen Werken, dem Studium von Reproduk-
tionsgrafiken und Beschreibungen in Aukti-
onskatalogen so untrüglich auswählen
können, dass sie Wunsch- und Bestellzettel
samt Limit an ihre Agenten gab, wenn sie
selbst nicht reisen konnte?
Rund 200 Gemälde konnte Karoline
Luise erwerben, meist mit untrüglichem Ge-
spür für herausragende Kompositionen vor
allem niederländischer und französischer
Meister. Dabei konzentrierte sie sich auf
Landschaften, Stillleben und Genredarstel-
lungen, die als »niedere Gattungen« ver-
gleichsweise wenig kosteten. Hier weckte vie-
les ihre Aufmerksamkeit – detailgetreue
Feinmalerei ebenso wie der große, abstrahie-
rende Duktus. Dass sie unabhängig vom
Zeitgeschmack agierte, belegt ihr Erwerb ei-
nes Selbstbildnisses von Rembrandt 1761, das
nach damaliger Auffassung als partiell nach-
lässig ausgeführt galt. Profitiert hat die
Sammlerin von ihrer Zeit in anderer Hin-
sicht: Ein ganzer Teil ihrer Erwerbungen fällt
in die Schlussphase des Siebenjährigen
Kriegs, als der Kunstmarkt am Boden lag.
Dieser Bilderschatz wird nahezu voll-
ständig gezeigt. Zu den Werken, die bis heu-
te im Bestand der Staatlichen Kunsthalle
Karlsruhe sind, gesellen sich Leihgaben wie
ein »Seesturm« von Willem van de Velde
(London), ein Blumenstillleben Maria van
Oosterwycks (Denver) oder das grandiose
Porträt der »Susanna Fourment und ihrer
Tochter« (1621) von Anthonis van Dyck aus
der National Gallery in Washington. Karoli-
ne Luise gab das Prunkstück nach seinem
viel zu teuren Ankauf 1766 wieder ab. Für die
Sammlung kann man dies bedauern, muss
aber auch einsehen, dass es sprichwörtlich aus
dem Rahmen fällt. Die meisten Bilder sind
Klein- und Mittelformate. Dafür wirft das
Gemälde ein Schlaglicht auf die Besessenheit
von Sammlern. Sie sterbe geradezu vor Be-
sitzverlangen, äußerte Karoline Luise mal an
anderer Stelle, als sie in Den Haag mehrere
Bilder ersteigern wollte. Den van Dyck besaß
sie immerhin vier Jahre, dann überwog das
Kalkül. In anderer Hinsicht ist sich die Meis-
ter-Sammlerin immer treu geblieben: »Ich
dulde nichts in meinem Cabinet, das nicht
perfekt ist.«  CHRISTIANE MEIXNER
»Die Meister-Sammlerin – Karoline Luise
von Baden«, Staatliche Kunsthalle Karlsruhe,
bis 6. September
 AUSSTELLUNGEN

Barocker Glanz,
prachtvolles Rokoko
Neue Dauerpräsentation im
Bayerischen Nationalmuseum

Nun kann man in München wieder in der

höfischen Kunst des Barock und des Rokoko
schwelgen! Nach der Sanierung des Westflü-
gels im Bayerischen Nationalmuseum an der
Prinzregentenstraße sind auf 1500 Quadrat-
metern in zwölf Sälen rund 600 Kunstwerke
des 17. und 18. Jahrhunderts vorwiegend aus
Wittelsbacher Besitz zu sehen. Dank neuester
technischer Standards kommen die Vitri- Der sanierte Westflügel des Bayerischen Bayern zum Zug. So Johann Puchwiser, der
nenobjekte in einer variablen, spiegelungs- Nationalmuseums bringt nun die Sammlung um 1710 ein Paar völlig eigenständiger Dop-
freien und auch schattenfreien Lichtregie so noch besser zur Geltung – wie die Rokoko- pelschreibschränke mit kleinteiliger Boulle-
strahlend zur Wirkung wie noch nie. Me- skulpturen von Johann Baptist Straub im Marketerie in Schildpatt und glänzenden
dienstationen führen die Funktionen vieler Saal 42, den Münzschrein Kurfürst Maximili- Metalleinlagen überzogen hat. Aus Paris be-
ans I. (o. re.) oder die edelsteinbesetzte
Objekte vor. In den Epochenräumen mit Mö- rief der »Blaue Kurfürst« den Antwerpener

Bilder: Bayerisches Nationalmuseum München (3)

Ehrentafel des Hauses Wittelsbach mit ihren
beln, Uhren, Waffen, Gemälden, Tapisserien, Bildhauer Guillielmus de Grof, von dem ein
zahlreichen Herrscherporträts (u.)
Bronze- und Holzplastiken sowie einer rei- festongeschmückter Wandbrunnen aus dem
chen Auswahl an Kunstkammerobjekten ler- jahr 1717 zu bewundern ist, dessen zauber-
nen wir die Wittelsbacher Herrscher anhand haftes goldstrahlendes Knäblein mit Delfin
ihrer künstlerischen Vorlieben kennen. zum Vorbild zahlreicher Münchner Rokoko-
1623 erhielt Maximilian I. die Kurwürde. putten wurde.
Dieser Aufstieg spiegelt sich in kostbaren Ka- Karl Albrecht war zur Zeit des Münch-
binettschränken aus Elfenbein und Lapisla- ner Rokoko Kurfürst und – eher glückloser
zuli in den bayerischen Landesfarben Weiß – Kaiser. Ihn verherrlicht die sogenannte Eh-
und Blau. Hundert Schubladen verbergen rentafel des Hauses Wittelsbach aus der
sich hinter den Türen eines Münzschrankes, Schatzkammer der Münchner Residenz. Üp-
den detailreiche Schnitzereien mit reichem pig mit Edelsteinen besetzt, enthält sie
ikonografischem Programm zieren. 63 Chalcedon-Gemmen mit Bildnissen
Unglaublich, dass der Meister dieser Wittelsbacher Herrscher und legendä-
Prunkkassetten ein Einheimischer war: rer Vorfahren wie Karls des Großen.
der gebürtige Weilheimer und spätere Gestaltete Natur war Ausdruck
Hofbildhauer Christoph Angermair. fürstlicher Souveränität. Wie Flora
Die dringendste Aufgabe für und Fauna im Ornament beherrschend
Ferdinand Maria, den ältesten Sohn wurden, ist im lichten Gartensaal zu
Maximilians, war die Wiederherstel- erleben, der Tafelaufsätze aus schwe-
lung Bayerns nach dem Dreißigjähri- rem Augsburger Silber und feinstem
gen Krieg. Durch den Einfluss der Kur- Nymphenburger Porzellan mit einer
fürstin Henriette Adelaide von Savoyen verspielten Uhr oder dem monumenta-
kam eine Schar italienischer Künstler len Würzburger Gitterportal vereint.
an den Münchner Hof. Dramatische Die um 1730 datierte Wandvertäfelung
Bronzegruppen zeugen davon. des »Landshuter Zimmers« vermittelt
Aus der Regierungszeit Max Ema- einen Eindruck adeliger Raumausstat-
nuels (1679–1726), des Türkensiegers vor tung außerhalb Münchens.
Wien 1683, dessen Geburt Anlass zum Den letzten Höhepunkt bilden die
Bau von Schloss Nymphenburg und Skulpturensäle mit Kleinplastik und sa-
der Theatinerkirche geboten hatte, kralen Schnitzfiguren des Frühbarock
fallen Prunkmöbel aus Florenz, Paris von Petel oder Zürn über die Groß-
oder Antwerpen ins Auge. Obwohl meister des Rokoko, Johann Baptist
die Hofkunst Ludwigs XIV. den Straub und Ignaz Günther, bis zum
Maßstab setzte, kamen neben Endpunkt, den Roman Anton
auswärtigen Künstlern auch Boos markiert.  GLORIA EHRET

90
 Berliner Festspiele

Martin-Gropius-Bau
© Deutsches Filminstitut, Frankfurt am Main.
Rainer Werner Fassbinder, 1971.

6. Mai bis 23. August 2015

Foto: Peter Gauhe

Fassbinder – Jetzt

28. Juni bis 8. August 2015

Tino Sehgal

Ovale Komposition mit bunten Ebenen 2, 1914.

© Gemeentemuseum Den Haag, Niederlande
Piet Mondrian (1872–1944).
4. September bis 6. Dezember 2015

Piet Mondrian. Die Linie

© Sammlung Würth, Foto Philipp Schönborn
Jacon Meyer zum Hasen, 155/25 und 1528

11. September 2015 bis 10. Januar 2016

Madonna des Bürgermeisters
Hans Holbein d.J.,

Von Hockney bis Holbein

Die Sammlung Würth in Berlin
Germaine Krull. Selbstporträt 1925.

Museum Folkwang, Essen

©Estate Germaine Krull,

18. September bis 4. Oktober 2015

Germaine Krull – Fotografien

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Mi–Mo 10–19 Uhr, Di geschlossen
online-tickets: www.gropiusbau.de
 AUSSTELLUNGEN
Einzelstücke an, die
trotz klassischer Techni-
Am seidenen ken die Gegenwart re-
flektieren. Nicht nur von
Faden ihrer Heimat lassen sie
Gegenwärtige Kimonos treffen sich dabei inspirieren, son-
in Berlin auf Japonismus dern auch von der westli-
chen Kultur. Goethes Far-
benlehre wird als Zitat
In New York und Paris sieht man ihn regel- ebenso in die Stoffe ein-
mäßig auf dem Laufsteg: Der Kimono, die gewebt wie Theaterstü-
inoffizielle Uniform Japans, gehört seit Jah- cke von Shakespeare.
ren zum festen Repertoire der Designerkol- Was abstrakt wirkt,
lektionen. Während die »Anziehsache«, wie knüpft in seiner Dar-
die deutsche Übersetzung lautet, in Asien stellung auch an Natur-
nur noch zu besonderen Anlässen aus dem phänomene an. Verläufe
Schrank geholt wird, hängt der Kimono in lassen sich als Winde
Deutschland mittlerweile in jeder Fußgän- oder Tangenten zwischen Himmel und Meer durch ihre Entwürfe denen der Prêt-à-porter-
gerzone. Mit seinen Vorbildern teilt er nicht lesen. Auch die Farben haben ihren Ur- Schauen bis heute ähneln: Der Kimono er-
ten die ersten Anzeichen
des Fernostfernwehs im
19. Jahrhundert, als Mohn
auf Jugendstilgläsern
blühte und Maler ihre
Musen im Kimono festhiel-
ten. Einer von ihnen war
der Grafiker Emil Orlik,
der Japan um 1900 besuch-
te. Im Kreis seiner Kolle-
gen blieb er eine Aus-
nahme, denn nur
wenige konnten sich
die Reise leisten. Zu
Hause mischte sich ihre
Fukumi Shimuras Seidenkimono
trägt den Titel »Himmel und See« Sehnsucht mit vertrauten
Darstellungsweisen, wo-

Bilder: Bröhan-Museum; Rheinisches Bildarchiv, Köln/VG Bild-Kunst, Bonn 2015

mehr als die Bezeichnung auf dem Etikett.
Die Textilkünstlerinnen Fukumi und
Yoko Shimura beweisen, dass zeitgenössische
Interpretationen Tradition und Moderne ver-
binden können: Mutter und Tochter fertigen
sprung in der Natur: Zwiebelschalen oder scheint als lasziv-lockerer Mantel, der viel
Lindenblüten dienen als Basis. Haut freigibt.  LAURA STORFNER
Ergänzt wird die Annäherung an Japan
durch Sammlungsobjekte. Vasen, Gemälde »Kimono. Fukumi und Yoko Shimura – Japonis-
und Fotografien der Japonismus-Ära veror- mus«, Bröhan-Museum, Berlin, bis 6. September

Kosmos aus dem Surrealismus an. In den luf-

Mit großer Geste
Trio Informel: die Malwelten
des Bernard Schultze
Gleich dreimal Bernard Schultze. Dreimal –
in Köln, Düsseldorf und Remagen – also
orchestrale Farbfeste, sich windende Schlie-
ren, Wucherungen, die ins Kraut schießen,
Maserungen und Texturen, organische For-
mationen, die da und dort Figurales andeu-
ten, reliefartig aus der Leinwand wachsen
und in Gestalt der drahtigen Farbskulpturen
der »Migofs« schließlich ganz ins Dreidimen-
sionale mutieren. Die Seelen- oder Geister-
welten von Bernard Schultze (1915–2005) bie-
ten eine intensive und heute ungewöhnliche
Erfahrung: Anlässlich des 100. Geburtstags
dieses Pioniers des deutschen Informel und
Mitgründers der Künstlergruppe Quadriga
ermöglichen drei rheinische Ausstellungen
eine Begegnung mit privaten Mythologien
von kicherndem Ernst und funkelnder Ro-
mantik. Sie bieten aber auch die Gelegenheit,
eine gestische Malweise zu überprüfen, die
mittlerweile weit in die historische Distanz
gerückt scheint.
Im Kölner Museum Ludwig, wo drei
Räume für eine Kabinettausstellung reichen,
wird ein Teil von Schultzes Nachlass gezeigt,
Bernard Schultze, »der Sturm-Migof« (1999)
über den das Haus verfügt: Der Fokus liegt
hier auf dem Frühwerk, das vor allem auch
grafische Arbeiten umfasst, sowie der Spät-
phase, in der die hellen, fast aquarellhaften
Großformate dominieren. Das Panorama im
Museum Kunstpalast in Düsseldorf – wo Ar-
beiten aus der Sammlung des Steuerberaters
Willi Kemp gezeigt werden, der mit Schultze
befreundet war –, wirkt ausgewählter und äs-
thetisch pointierter. Der tänzelnde Tod eines
»Mannequin-Migof« beeindruckt. Und be-
sonders die frühen Arbeiten deuten die Ent-
stehung dieses eigenwilligen organischen
tigen Räumen des Arp-Museums in Rema-
gen hat man den Platz dagegen noch ent-
schiedener für Schultzes Großformate, für
Triptychen und die Plastiken genutzt. Im
Mittelpunkt steht ein bisher noch nie gezeig-
tes mehrteiliges Environment mit dem Titel
»Moonen« aus dem Jahr 1961, das aus einem
Schweizer Museum kam.
An allen drei Stationen trifft man auf
dieselbe konsequente Haltung: Angeregt von
der Palette James Ensors folgte Schultze stets
der Idee einer écriture automatique, vertraute
sich einer unbewussten, langsamen und ad-
ditiven Malweise an, die ganz anders ist als
das konzeptionelle Arbeiten der Gegenwart.
Und doch – wer nach Parallelen zum Heute
sucht, findet sie. Im Foyer des Museum Kunst­
palast begrüßt die Besucher der Schultze-
Ausstellung die von der Decke hängende In-
stallation eines »vegetativen Nervensystems«
der Schweizer Künstler Gerda Steiner und
Jörg Lenzlinger: ein baumartiges Gespinst
aus Pflanzen, Ästen und Drähten, das wie
das Entrée für Schultzes Kompositionen
wirkt. Was einst assoziative Mythenwelt war,
ist nun Reflexion zum Verhältnis zwischen
Kultur und Natur.  FRANK MAIER-SOLGK
»Bernard Schultze zum 100. Geburtstag«, Museum
Ludwig, Köln, bis 22. 11.; Kunstpalast, Düssel-
dorf, bis 30. 8.; Arp-Museum, Remagen bis 1. 5.

92
 AUSSTELLUNGEN
Der Wald vor lauter
Bäumen
Erwin Wurm stellt Wolfsburgs
Museum auf den Kopf
Bild: Marek Kruszewski/Courtesy Galerie Thaddaeus Ropac, Salzburg, Paris/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
Jetzt hängt also ein Eimer über dem eigenen
Kopf. Still und vom Rest der Welt abge-
schnitten steht man da. Das Tageslicht dringt
gedämpft durch die Plastikwand vor den Au-
gen. Es riecht nach Nordmanntannen, die
kopfüber von der Decke des Museums hän-
gen, dabei langsam austrocknen und sanft
abnadeln. Die Anweisung des Künstlers, ge-
schrieben auf eine Tischplatte, war unmiss-
verständlich gewesen: »Eimer aufsetzen und
an Fichte denken.« An einen der größten Phi-
losophen des deutschen Idealismus also.
Stattdessen denkt man nur daran, wie einen
die anderen Museumsbesucher sehen. Ob sie
gerade ein Foto von der eigenen lächerlichen
Gestalt mit dem Eimerkopf machen. Oder
schlimmer noch: ob sie es nicht tun.
Diese Verunsicherung über die eigene
Existenz dürfte Erwin Wurm gefallen. Setzt
der österreichische Künstler bei seiner Aus-
stellung im Kunstmuseum Wolfsburg doch
alles daran, die Wahrnehmung des Publi-
kums ordentlich zu verwirren. Das Leben
hat in dieser Schau unerwartete Formen an-
genommen: Ein Doppelbett ist auf die Breite
eines schmalen Bretts zusammengestaucht,
eine Hose aus Porzellan öffnet sich als Pissoir,
Lampenständer tragen alte Farbeimer als
Schirm und in einem riesigen Beton-Schoko-
kuss in der Ecke tobt ein Ofenfeuer. Dazu
kommen diverse Wurm-Klassiker, wie einige
»One Minute Sculptures«, in denen der Be-
05.07.—27.09.2015
SOMMER
NACHT
TRAUM
FRAUEN – LANDSCHAFTEN
Wurms mannshohe Skulptur trägt den Titel
»Anger Bump«, auf Deutsch »Wut-Beule«
sucher nicht nur mit Eimern zur Skulptur
werden kann. Die Ausstellung ist ein so kurz-
weiliges wie anregendes Kunsterlebnis.
Nun pocht der Künstler erklärterma-
ßen auf Ruhe im Atelier, aber wenn man ei-
nen Soundtrack zu seinen Werken bräuchte,
könnte man bedenkenlos der Empfehlung
des Grafen Günther von der Schulenburg fol-
gen, der im Rahmen der Reihe »Soli Deo
Gloria« Anfang Juli auf seinem Gut bei
Wolfsburg einen Abend lang Wurms Kunst
mit Händel und Jazz bekannt machte: Im al-
ten Schafstall lud er zu einer »One Evening
Exhibition«, unter anderem mit Fotografien
aus der Serie »Instructions on how to be po-
litically incorrect«, davor zu einem Open-
Air-Konzert der Pianistin Ragna Schirmer.
Während sie sich am Flügel durch die 21 Va-
riationen in Händels Chaconne G-Dur spiel-
te, kam einem in den Sinn, dass ja auch
Wurm seit Jahren mit Abwandlungen einzel-
ner Motive arbeitet – dem einfarbigen Spie-
ßerpullover zum Beispiel, den er einerseits
kopflosen Figuren überstreift und zum ande-
ren auf Keilrahmen zu Persiflagen mono-
chromer Gemälde spannt. Als Schirmer
dann im zweiten Konzertteil Händel mit
Hammond-Orgel und Jazzband zu Leibe
rückte, was zum Teil ein wenig nach Kirmes
klang, da konnte man ihr die freudige Frech-
heit gegenüber den Erwartungen seriöser
Kulturliebhaber ablesen, die auch der Künst-
ler so offensichtlich schätzt. Bräuchte man
also eine iPod-Playlist für Wurms Wolfsbur-
ger Ausstellung, wüsste man, wo man fündig
wird. Nur den Traktor, der am Schafstall vor-
beiputterte, den muss sich der Besucher in
Wolfsburg dazudenken.  TIM ACKERMANN
Erwin Wurm, »Fichte«,
Kunstmuseum Wolfsburg, bis 13. September
© Erich Kissing, Sommertag, 2007-2009, Sammlung Klöcker
BAD HOMBURG V. D. HÖHE
Löwengasse 15
www.altana-kulturstiftung.de

NEUE SACHLICHKEIT
Museo Correr, Venedig,
bis 30. August
Ein venezianischer Prachtbau
mag nicht der naheliegendste
Rahmen für die schmutzigen
Fassaden, hageren Körper und
bedrückten Mienen sein, die
gemeinhin die Kunst der Neuen
Sachlichkeit bestimmen. Ande­
rerseits beweist die Ausstellung
im Museo Correr, dass aus Bil­
dern, in denen George Grosz,
Otto Dix oder Christian Schad
einst soziale Miseren anpranger­
ten und das eigene Boheme­
leben feierten, echte Leinwand­
werte geworden sind. Die Schau
vereint Leihgaben aus großen
(vor allem deutschen) Museen
und Preziosen aus Privatbesitz
wie Herbert Plobergers »Toilet­
tentisch« (1926, o.). Eine wohl­
tuende Ausnüchterungskur
nach dem Rausch von Dogen­
palast und Markusdom!
LEA LUBLIN
Lenbachhaus, München,
bis 13. September
Der Besucher schießt mit Spiel­
zeugpistolen, kriecht durch
aufblasbare Tunnel und boxt
sich durch Sandsäcke aus Luft:
In Lea Lublins Parcours »Fluvio
Subtunal« (o.) werden Werk und
Betrachter eins. Ihr Environ­
AUSSTELLUNGEN
ment, 1969 in einem argentini­
schen Kaufhaus aufgebaut und
nun rekonstruiert, nimmt sich
nicht die Kunstgeschichte zum
Vorbild, sondern das Volksfest.
Dass die Französin seit ihrem
Tod 1999 nicht einmal bei Wiki­
pedia zu finden ist, scheint bei
so viel Menschennähe unglaub­
lich: Schon mit zwölf Jahren
besuchte sie die Kunstakade­
mie, später stellte sie sich selbst
mit ihrem kleinen Sohn aus,
hinterfragte die Erotik der
christlichen Malerei und klaute
Duchamps Briefkasten.
UNVOLLENDETE WERKE
Courtauld Gallery, London,
bis 20. September
Der große Leonardo da Vinci
hatte, wenn man seinem Bio­
grafen Vasari glaubt, den Kopf
zu oft in den Wolken und die
Hand zu selten am Pinsel, um
die meisten seiner Gemälde zu
vollenden. Trotzdem wurde er
von seinen Zeitgenossen sehr
verehrt. Die Neigung, Werke
unfertig zu hinterlassen, kam
danach aus der Mode. Und
doch steckt ein Zauber in solch
unvollendeten Leinwänden, die
von Schöpferhand erst kürzlich
verlassen scheinen, auch wenn
sie jahrhundertealt sind. Die
wunderbare kleine Ausstellung
der Courtauld Gallery zeigt
etwa Piero del Vagas »Heilige
Familie mit Johannes dem Täu­
fer« (1528–1537, o.) neben späte­
ren Meistern des flüchtig ausge­
führten Moments wie Manet,
Degas oder Cézanne.
94
JOHN WATERS
Kunsthaus Zürich,
14. August bis 1. November
Kritiker nennen ihn den »Baron
des schlechten Geschmacks«:
John Waters’ Filme, in denen
nicht selten Dragqueens die
Hauptrolle spielen, bringen
dem Kino seit den Siebzigerjah­
ren bei, was Unabhängigkeit
bedeutet. Seit »Bad Taste« im
Hollywood-Mainstream ange­
kommen ist, produziert er nicht
mehr für die große Leinwand.
Geschichten erzählt der Mann,
der den schmalen Oberlippen­
bart zur Signatur gemacht hat,
dennoch: Seine Fotografien,
Assemblagen und Skulpturen
(»Campaign Button«, 2004, o.)
sind herrlich unkorrekte Kom­
mentare zum amerikanischen
Traum zwischen Boulevard,
Queer-Kultur, Politik und
Schönheitschirurgie.
PIPILOTTI RIST
Kestnergesellschaft, Hannover,
bis 27. September
Ein Video von Pipilotti Rist zu
betrachten ist wie für eine klei­
ne Weile im Inneren einer Lava­
lampe zu leben: Farbfetzen stru­
deln im langsamen Rhythmus
vor dem Auge vorbei, zu sphäri­
schen Synthesizerklängen tau­
chen Motive auf und verschwin­
den wieder: Man sieht das Gras
Bilder: Herbert Ploberger, by SIAE 2015/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Courtesy Estate of the artist/Collection Nicolas Lublin; The Courtauld Gallery; John Waters; Pipilotti Rist; Archiv Galina Balaschowa
von unten und ganz nah, die
Halme schimmern außerirdisch
grün, darüber ziehen Wolken
oder zerplatzen Luftblasen. Kör­
per drängen sich immer wieder
ins Bild: zwei hüpfende Brüste
oder die Makroaufnahme einer
Fingerkuppe. Sitzsäcke und
Teppich laden in der Zwei-
Kanal-Videoprojektion »Worry
Will Vanish Horizon« (2014,
u. li.) dazu ein, sich doch etwas
länger niederzulassen. »Du
wirst sorglos sein«, verspricht
die Künstlerin im Titel der Aus­
stellung. Dass man die Schuhe
ausziehen muss, macht das
hippieske Erlebnis perfekt.
GALINA BALASCHOWA
Deutsches Architekturmuseum
Frankfurt a. M., bis 15. November
Wohnkomfort im Weltall:
Daran arbeitete Galina Bala­
schowa fast drei Jahrzehnte im
Dienste der sowjetischen Raum­
fahrt. Rosarote Schalensessel,
hellblaue Einbauschränke, gras­
grüne Klettverschlüsse wider
die Schwerelosigkeit, ja selbst
die Beschriftung der Raketen (o.)
entwarf die Architektin mit
leichter Hand. Der hochtechni­
sierten Männerwelt gab sie so
eine Prise Emotion und Schön­
heit mit auf die Reise. Damit
die Kosmonauten nicht zu viel
Heimweh verspürten, malte
sie ihnen sogar Bilder von Seen
und Wäldern, die leider bei der
Rückkehr zur Erde verglühten.
Ihre Skizzen hingegen blieben
erhalten und sind nun erstmals
in Frankfurt zu sehen.
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MESSEN
Reiz des Regionalen
20 Jahre Bamberger Kunst-
und Antiquitätenwochen
Auch im Jubiläumsjahr gilt das Augenmerk
der Bamberger Kunsthändler den Kostbar-
keiten der Region. So zeigt Matthias Wenzel
bei den 20. Kunst- und Antiquitätenwochen
ein Ölbild des fränkischen Jura von Fritz Bay-
erlein. In der Kunsthandlung, die zu einer
der ältesten der Stadt zählt, fällt außerdem
ein Gemälde von Franz Heckendorf ins
Auge. Das signierte, expressionistisch anmu-
tende Ölgemälde »Am Stölpchensee« schuf
der Maler, der vor allem in der Weimarer Re-
publik großen Erfolg hatte, im Jahr 1924.
Auch bei Schmitz-Avila lässt sich frän-
kische Kunstfertigkeit bestaunen: in Form
einer Barockkommode aus Nussbaum und
Nussbaumwurzel, die um 1750 in Bamberg
entstand. Die auf hohen, konvex und konkav
geschnitzten Füßen stehende Kommode ist
mit floralen Intarsien verziert. Vor drei Jah-
ren eröffnete Julian Schmitz-Avila gemein-
sam mit seinem jüngeren Bruder Lennart die
Bamberger Dependance des väterlichen Ge-
schäfts in Bad Breisig. Damit verstärkt er das
Angebot an prunkvollen Möbeln des Barock,
Klassizismus und Biedermeier.
Prächtige Barockschränke und Taberna-
kelsekretäre bietet Christian Eduard Franke.
In diesem Sommer gehört eine große Ampho-
renvase mit Berliner Ansichten von KPM in
Berlin zu seinen Highlights. Die 67 cm hohe
Doppelhenkelvase in französischer Form ent-
stand um 1840 und ist aus zwei Teilen ver-
AG E N DA
Franz Heckendorf malte den »Stölpchensee«
1924, Matthias Wenzel bietet das Bild in seiner
Kunsthandlung an. Bei Schmitz-Avila wartet
eine Bamberger Barockkommode mit Furnie-
ren aus Nussbaum und Intarsien in Form
von Mäanderbändern und floralen Motiven
schraubt. Auf dem roséfarbenen Korpus mit
Goldrankendekor sind Ansichten des Bran-
denburger Tores sowie des Berliner Kronprin-
zenpalais nach dem Gemälde von Carl Daniel
Freydanck zu sehen. Bei dem aufwendigen
und repräsentativen Porzellanobjekt handelt
es sich wohl um eine Auftragsarbeit für
das preußische Königshaus.
Von königlicher Prove-
nienz ist auch ein Fortepiano,
mit dem der Kunsthandel Senger
aufwarten kann. Das voll funkti-
onsfähige Stück, das sich ur-
sprünglich im Palazzo Reale in
Palermo befand, wurde um 1785
von dem Ebenisten David Roent-
gen und dem Uhrmacher und In-
strumentenbauer Peter Kinzing ge-
fertigt. Es ist eines von nur weltweit
fünf erhaltenen Arbeiten. Alle anderen
befinden sich in Museums- oder Stif-
tungsbesitz. Mit einem Preis von 2,5
96
Bilder: Matthias Wenzel; Schmitz-Avila
Millionen Euro ist es das kostbarste Objekt
der Kunst- und Antiquitätenwochen.
Einer der jüngsten Neuzugänge auf der
Antiquitätenmeile mit ihren barocken Bür-
gerhäusern ist Gregor von Seckendorff, der
sein Geschäft 2013 eröffnete. Bei ihm sticht
die Bronzefigur einer Liegenden ins Auge.
Fritz Klimsch, der zu den Mitbegründern der
Berliner Sezession zählt und ab 1912 Mitglied
der Akademie der Künste in Berlin war, ließ
das Bronzeunikat um 1925 in der Berliner
Gießerei Hermann Noack fertigen. Die Figur
wurde von der Manufaktur Rosenthal ab den
1930er-Jahren als Porzellanfigur hergestellt
und erfreut sich bis heute großer Beliebtheit.
In den zwölf Antiquitätengeschäften
trifft man neben der alten Kunst auch auf
Zeitgenössisches, denn wie in den vergange-
nen Jahren präsentieren die Kunsthändler
Werke von Stipendiaten aus dem Internatio-
nalen Künstlerhaus Villa Concordia. Martin
Wöhrls Gloriole aus Pressspan ist bei Senger
zu sehen, die Ölgemälde der ausgebildeten
Kirchenmalerin Elke Zauners zeigt Wenzel,
und Skulpturen wie Drucke von Petrine Lil-
levold Vinje sind in Gregor von Seckendorffs
Räumen ausgestellt.  SUSANNE LUX
Bamberger Kunst- und Antiquitätenwochen,
noch bis 21. August

WIR ZEIGEN KUNST.
1 Set aus der illy Art Collection,
designed by Tobias Rehberger.
Die Kollektion ist nummeriert
und signiert. Ein Spiel mit
Licht- und Schattenimpulsen,
moduliert auf Porzellan.
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KUNSTHANDEL
Zu sehen sind abstrakte Farbverläufe. Senk­
rechte Bahnen überspannen zwei Drittel der
Bildfläche, der Rest besteht aus waagerechten
Farbspuren. Dennoch versteht es Bernd Zim­
mer, die vom Zufall beeinflussten Linien im
Wechsel mit kalkulierten Pinselstrichen so
zu setzen, dass der Betrachter an ein von Bäu­
men gesäumtes Ufer denkt. Dass sich die
blaugrünen Stämme im Wasser spiegeln, legt
nicht nur der Titel des Bildes nahe. Das Licht,
das sich im Zentrum konzentriert, scheint
für vielfältige Reflexionen zu sorgen.
Zimmer hat seine Leinwand auf den
Boden gelegt und die Farben zum Fließen ge­
bracht. Gezielt gesetzte Pinselstriche geben
dem Motiv eine Struktur. Dennoch dient die
Farbe nicht dazu, Natur in ihrer sichtbaren
Erscheinung zu beschreiben. Mit ihrer Hilfe
will der Maler jenen Gedanken Ausdruck
verleihen, die der Anblick von Wasserrefle­
xen und anderen Naturphänomenen hervor­
ruft. Dem Facettenreichtum dieser Thematik
entspricht das Arbeiten in Serie, eine für
Zimmer typische Vorgehensweise. Grün, die
AG E N DA
Hauptfarbe der Natur, fehlte allerdings bis
2009 in seinen Bildern. In der Kombination
mit Blau und Gelb erschafft er einen medita­
tiven Bildraum: »Darüber nachzudenken,
aus was Natur besteht, was Natur will, ist das
Anliegen meiner Bilder.«
Nachdem er sich zuvor mit Wüsten und
dem Universum auseinandergesetzt hatte,
entdeckte Zimmer vor einigen Jahren den
Wald als Thema. Die flache Landschaft der
Mark Brandenburg mit ihrem tiefen Hori­
zont und dem weiten Himmel veranlasste
ihn zu seinen »Reflexionen«. Das Motiv der
Spiegelung stellt die Frage nach dem Verhält­
nis von Gegenstand und Abbild. Analog
dazu erforscht er mit seiner Malerei die Pa­
rallelität von Natur als Teil der Schöpfung
und dem schöpferischen Akt des Malens.
Bereits in der vom Widerstand gegen
die Abstraktion beherrschten Berliner Zeit
der frühen Achtzigerjahre war Natur das
Thema des Autodidakten. Damals zählte
man ihn zu den »Neuen Wilden«, einer Ber­
liner Künstlergruppe, die mit ihren gegen­
98
Schaufenster
»Reflexion«
Künstler
Bernd Zimmer (geb. 1948)
Werkdaten
Acryl auf Leinwand
2009
Höhe: 200 cm, Breite: 160 cm
Bild: Galerie Karl Pfefferle/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
Kunsthandlung
Galerie Karl Pfefferle
Reichenbachstraße 47–49
80469 München
Tel. 089 297969
Preis
42 500 Euro
ständlich figurativen Gemälden auffiel. Ihr
grober Pinselstrich, die vereinfachte Form­
sprache und eine kräftig expressive Farbge­
bung gaben dem Stil einen Namen: heftige
Malerei. Die Großstadt, die andere Mitglie­
der der Gruppe zu ihrem Thema machten,
interessierte Zimmer schon damals nicht.
Der studierte Philosoph und Religionswis­
senschaftler malte Kühe und Berge.
Heute zielen seine Sujets weniger auf
die Landschaft selbst als vielmehr auf die
Urelemente: Feuer, Wasser, Erde, Luft. In die­
sem Zusammenhang ist auch die kleine Rei­
he der »Reflexionen« entstanden. Die meis­­
terliche Art, in der abstrakte Bildschöpfung
hier in annähernd realistische Form gebracht
wird, zeigt, wie weit sich Zimmer über die
Berliner Anfänge hinaus entwickelt hat. Das
unterscheidet ihn von anderen Neuen Wil­
den. Aktuell sind exemplarische Gemälde im
Buchheim Museum in Bernried denen von
Ernst Ludwig Kirchner gegenübergestellt. Im
Herbst folgt eine Soloschau in der Münchner
Galerie Pfefferle.  ULRIKE FUCHS
 Er ist der„Dix-Fälscher vom Bodensee“ und gehört zu den vier großen
Fälschern der deutschen Nachkriegszeit: Rüdiger Faller. Neben Edgar
Mrugalla, Konrad Kujau und Wolfgang Beltracchi hat auch Faller sich mit
spektakulären Fälschungen einen zweifelhaften Ruf erworben, der ihn
unter anderem für einige Jahre ins Gefängnis brachte.
In dieser Biographie legt Faller ein beeindruckendes Zeugnis von seinem
künstlerischen Weg ab, der immer in erster Linie von seiner Liebe zum
heimatlichen Hegau und dem Bodensee gekennzeichnet ist. Er ist einer
der letzten bedeutenden expressionistischen Künstler in dieser kunst-
historisch so wichtigen Region.

George Tenner / Tobias Faller

Im langen Schatten des Otto Dix
Schardt Verlag, Juni 2015, Broschur, 240 Seiten, mit farbigen Abbildungen
ISBN 978-3-89841-825-6, 14,80 Euro

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 KUNSTHANDEL

Doppelleben
Die Galerien Anita Beckers und
Frank Landau kooperieren
Es ist ein ungewöhnlicher Zusammen­
schluss: In Frankfurt setzen die Galeristin
Anita Beckers und der Kunsthändler Frank
Landau auf gemeinsame Ausstellungsräume.
Beide sind Experten, doch während sich Be­
ckers’ Programm seit den späten Neunziger­
jahren auf Fotografie und Videokunst kon­
zentriert, kann man bei Landau Stühle von
George Nelson oder Ron Arads skulpturale
Leuchten kaufen. Landau hat Filme ausge­
stattet, kennt sich aus mit Design und Secon­
dary Market. Was sie verbindet, sind ihre ehe­
maligen Adressen im Gallus. Beide mussten
umziehen, weil hier ein neues Viertel ent­
steht. Anita Beckers hat nun ein Büro, von
dem aus sie Messeteilnahmen und Ausstel­
lungen mit Künstlern wie Bjørn Melhus oder
William Lamson organisiert. Landaus Räu­
me sind ungleich größer, von dort exportiert
er Vintage-Interieur nach Miami, Los Ange­
les oder Tokio. Wer aber in Frankfurt ist und
ihn besuchen will, muss sich anmelden.
Das wird bald anders. Die New Gallery
liegt zentral, in Sichtweite des Frankfurter
Museums für Moderne Kunst. Oben gibt es
einen intimen Videoraum. Unten aber öff­
nen sich die schönen Räume zur Straße und
machen sichtbar, was drinnen passiert. Hier
soll es im Rhythmus von vier Wochen neue
Projekte geben, die die »Frankfurter Kunst-
und Designszene um Impulse bereichern«.
Landau weiß sehr wohl, dass er auch allein
im Internet erfolgreich handeln könnte.
Bilder: New Gallery/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Ludorff; Ludorff/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
Doch das ist ihm zu wenig. Er will »Ent­
schleunigung« im immer rasanter werden­
den Markt. Ganz traditionell Ausstellungen
kuratieren, sich mit den Objekten und den
Besuchern auseinandersetzen.
Kooperiert hat er immer gern und ist
deshalb froh über Beckers� Engagement. Bei­
der Erfahrungen fließen zum Saisonstart am
11. September in die erste Ausstellung «Favo­
rites« mit Unverkäuflichem aus den Privat­
sammlungen – Wim Delvoye, Jack Goldstein,
Alicja Kwade. Auch danach ist Cross-over ge­
plant: Beckers wie Landau können sich ge­
meinsame Ausstellungen von Kunst und
Design ebenso vorstellen wie autonome In­
termezzi. Als Refugien bleiben die aktuellen
Standorte erhalten.  CHRISTIANE MEIXNER
New Gallery, Braubachstraße 9, Frankfurt a. M.,
Eröffnung: 11. September, 19 Uhr

NEUE KATALOGE
Wasser ist das ver­
bindende Element
aller 40 Werke, die
die Düsseldorfer
Galerie Ludorff für
ihre Sommerschau (bis 12. Sep­
tember) zusammengetragen
hat. Seine stofflichen Qualitäten
faszinieren: Emil Nolde schickt
um 1920 Boote ins Schilf, Max
Liebermann lässt »Reiter am
Strand« flanieren und Cornelius
Völker seinen »Schwimmer«
(rechts) fast ein Jahrhundert spä­
ter als Farbfleck in grünlichen
Fluten treiben. »Open Water«
heißt nicht bloß die schöne
Zusammenschau von Gemäl­
den, Fotografien (Hiroshi Sugi­
moto) und Aquarellen wie das
von Wasser umspülte Mädchen­
porträt Cornelia Schleimes.
Begleitend ist ein Katalog
erschienen, in dem Annika
Schank vom Essener Museum
Folkwang eine kurze Geschich­
te der Strandszenen und See­
stücke erzählt. Formale Aspekte
kommen ebenso zur Sprache
wie die symbolische Bedeu­
tung, die sich von Erich Heckel
bis in die Gegenwart mehrfach
verschoben hat: Für die nackten
Badenden auf dem Aquarell des
Expressionisten mag die Natur
noch Sehnsuchtsort sein. Auf
den Fotos von Bernd und Hilla
Becher ist das Wasser industriell
genutzte Energie.

100
 ZWEIMAL ART & ANTIQUE
Als »feinen, exklusiven
Kunstevent« kündigt die
Art & Antique im Salzbur-
ger Residenzhof ihr neues
Sommergastspiel mit insge-
samt neun Teilnehmern an.
Die Messe findet dieses Jahr
gleich zweimal statt – nach
Ostern nun auch vom 15. bis
23. August. Neben der in
Salzburg ansässigen, vor al-
lem auf Pop-Art speziali­
sierten Galerie 2C For Art
nimmt Josef Schütz mit sei-
nem Kunst- und Antiquitä-
tenhandel sowie dem von
ihm gegründeten »Chinese
Department« teil. Aus Mün-
chen kommt Stefan Brenske
als Experte für Ikonen, der
Stand von Lilly’s Contempo­
rary Art Exclusive Antiques
bietet traditionell antike
Uhren. Beim Kunsthandel
Freller setzt man auf öster-
reichische Klassiker wie den
Bild: 2C For Art
Maler Alfons Walde. Aus
Pinzgau stammen die Bau-
ernmöbel im Angebot von
Ludwig E. Wimberger, wäh-
rend das Kunsthaus Wiesin-
ger elaborierte französische
Möbel des 18. Jahrhunderts
mit zeitgenössischen Ge-
mälden kombiniert. Die Art
& Antique blickt auf eine
inzwischen 40-jährige Tradi-
tion zurück, im Frühjahr
nahmen 39 Händler und
Galeristen an der Salzbur-
ger Messe teil.
Zur Art & Antique bringt die Galerie 2C For Art Christos unikate
Arbeit »Ponte Sant Angelo, Rome, Wrapped« von 2011 mit
BERNHEIMER BERLIN
Auf 700 Quadratmetern hat ANTIQUITÄTEN, KUNST & ANGEWANDTE KUNST DES 20. JAHRHUNDERTS
Isabel Bernheimer im Juli 79. AUKTION · 27.-29. AUGUST 2015 · 4000 OBJEKTE
ihre Berliner Kunstagentur
eröffnet. »Who cares – Soci-
al Responsibility« heißt die
erste Ausstellung in der ehe-
maligen Frauenklinik der
Charité, die unmittelbar am
Bode-Museum liegt. Die
Tochter des Münchner
Kunsthändlers Konrad O.
Bernheimer war unter ande- Eugen Bracht V. Byalynitsky-Birulya
rem für die internationale Gardereiterhelm Sachsen
Galerie Hauser & Wirth
tätig. Ihr erstes eigenes Pro-
gramm bestreitet sie mit
jungen, vorwiegend in der
Hauptstadt lebenden Künst-
lern und Designern.
KEINE SHANGHAI-MESSE
Sie gilt als gelungener Mix,
der jüngere Galerien aus
China und international
renommierte Kunsthändler
einmal jährlich zusammen-
bringt. Nun ist die Bologna-
Fiere Shanghai Internatio- Auguste Mayer
nal Contemporary Art
offenbar abgesagt – auf der
Website der von Italien aus Große Bernsteinlampe Musealer Deckelhumpen
organisierten Messe fehlt
jeder Hinweis auf den für
September 2015 geplanten
Termin. Gegründet wurde
die SH Contemporary 2007,
nach dem Finanzcrash im
Jahr darauf fand sie eben- Silberbow
wle
falls nicht statt. Ob es nun Bremenn
eine ähnliche Zwangspause
geben soll, ist unklar. Münzbecher
Michael Zeno Diemer Braunschweig Carl Julius von Leypold
Kinderauto 1930 mit Motor Stoßzahn Ponta Negra Allach Moriskentänzer
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 W E LT K U N S T

STILKUNDE Nº 9 7

Kammerherrenschlüssel

Bilder: Diego Rodríguez de Silva y Velázquez; Thomas Zühmer/Rheinisches Landesmuseum Trier

VON
G L OR I A E H R E T

Ü
ber Jahrhunderte kreier-
ten Schlosser ausgeklügel-
te Schließmechanismen
für Kästchen, Kassetten,
Truhen, Türen oder Portale. Manfred Welker
– selbst ein Meister im Schlosserhandwerk –
hat jüngst den 363-seitigen Bestandskatalog
der historischen Schlüssel und Schlösser des
Germanischen Nationalmuseums in Nürn-
berg vorgelegt. Heute versprechen Chipkar-
ten, Zahlencodes oder Fingerabdrücke
größtmögliche Sicherheit.
Als Bedeutungsträger erleben Schloss
und Schlüssel dennoch einen neuen Hype:
Zur Bezeugung unauflöslicher Liebe hängen
Zigtausende kleiner Vorhängeschlösser an
Brückengeländern. Die dazugehörigen
Schlüssel sind im Fluss versenkt – ähnlich
den »Slüzelin« der mittelalterlichen Minne.
Diese Mode führt so weit, dass manche Ge-
Machtsymbole: Velázquez’ »Übergabe von
Breda« im Prado; der Kammerherrenschlüssel
des Salzburger Fürsterzbischofs Hieronymus
von Colloredo im Landesmuseum Trier
länder unter der Last der vielen Schlösser ein-
stürzen, wie letztes Jahr am Pariser Pont des
Arts über der Seine. Deshalb werden die
Schlösser in Paris regelmäßig entfernt.

102
 Schon Jesus übergab seinem Jünger Pe-
trus den Schlüssel zum Himmel-
reich, und die Offenbarung des Jo-
hannes schildert, wie ein Engel
vom Himmel herabfährt, um
den Satan in Gestalt eines
Drachens mit einem großen
Schlüssel zu bekämpfen.
Wurde eine Stadt von Feinden
eingenommen, forderte der
Sieger den Stadtschlüssel als
Machtsymbol – um 1635
großartig dargestellt in der
»Übergabe von Breda«, jenem
berühmten Monumentalge-
mälde von Diego Velázquez im
Madrider Prado.
Besondere Schlösser und Beschläge
wurden seit dem 15. Jahrhundert mit getrie-
benem, graviertem oder geschnittenem Or-
namentdekor nach zeitgenössischen Stich-
Bild: Bastian Krack/Bayerisches Nationalmuseum München; Christoph Vohler, München
vorlagen verziert. Paradebeispiele sind die
sogenannten Kammerherrenschlüssel, Zier-
schlüssel als Sinnbild des Vertrauens, die an
fast allen europäischen Königs- und Kaiser-
höfen und nach dem Dreißigjährigen Krieg
auch von Kurfürsten, Fürstbischöfen oder
Äbten verliehen wurden.
Kämmerer erfüllten eine Vielzahl un-
terschiedlicher ehrenvoller Aufgaben. Sie
hatten Zutritt zu den herrschaftlichen
Prunkräumen, warteten ihrem Herrn an der
Tafel auf sowie beim An- und Auskleiden, be-
gleiteten ihn bei Ausfahrten, -ritten und Rei-
sen und dienten als Nachrichtenüberbringer.
In Frankreich stand der Großkämmerer gar
dem gesamten Hofpersonal vor. Kein Wun-
der, dass ihre aufwendig von Hofschlossern
gefertigten Schlüssel ein eigenes Sammelge-
biet darstellen und in allen bedeutenden Mu-
seen mit kunsthandwerklichen Abteilungen
vertreten sind.
Die Reide, so nennt man den Schlüssel-
griff, ist häufig kunstreich mit Wappen, Em-
blemen und Monogrammen der Fürsten de-
koriert. Frühe, noch funktionstüchtige
Kammerherrenschlüssel bestanden meist
aus Schmiedeeisen. Seit dem Absolutismus
erlebten sie ihre Blütezeit als reines Würde-
zeichen und kleine Kunstwerke, die mit der
Französischen Revolution und dem Unter-
gang der Monarchien endete. Diese Prunk-
schlüssel sind meist aus Bronze oder Messing
und kostbar vergoldet. Der Kämmerer trug
sie im Dienst um den Hals beziehungsweise
an der rechten Hüfte an einem goldenen
Band, einer Schnur oder einer Quaste.
In München wurde in der zweiten Hälf-
te des 16. Jahrhunderts ein prächtig verzier-
ter Schmiedeeisenschlüssel gefertigt, dessen
drei Wappenschilde mit Helm und Löwe in
der Reide auf den Wittelsbacher Ludwig,
Pfalzgraf bei Rhein, Herzog von Bayern und
Kurfürst von der Pfalz verweisen. Ein vergol-
deter Berliner Schlüssel, um 1690/1700, mit
plastisch herausgearbeitetem preußischem
Adler und Krone dürfte auf Kurfürst Fried-
rich III. zurückgehen. Ein weiteres Exemplar
aus vergoldetem Silber ist wohl erst nach des-
sen Krönung entstanden, denn es ist »FR« für
Fridericus Rex monogrammiert.
Von Bartholomäus Hoppert (1648–
1715), dem berühmtesten deutschen Kunst-
schlosser seiner Zeit, der während seiner Ge-
sellenwanderschaft in halb Europa und im
Umkreis des Hofes Ludwigs XIV. tätig war,
bevor er 1675 nach Nürnberg ging, hat sich
nicht nur das Meisterstück, eine Truhe, er-
halten. 1693 schmiedete er aus einem Stück
den Prachtschlüssel für Georg Friedrich II.
Markgraf zu Brandenburg-Ansbach mit auf-
wendigem Blattrankendekor, zwei Knaben
und Fürstenhut in Eisenschnitt.
Weil er keine Wappen aufweist, ist je-
doch nicht sicher, ob er als Kammerherren-
oder Hauptschlüssel des Markgrafen gedient
hat. Hingegen hat der Würzburger Hof-
schlosser Johann Georg Oegg um 1740 einen
vergoldeten Schlüssel mit Grotesken, Wap-
penschild, Bischofsstab und Krone des Hoch-
stifts Bamberg ausgestattet. Der Entwurf
geht auf den Hofbildhauer Johann Georg
von der Auwera zurück, der sich im Skizzen-
buch Balthasar Neumanns in der Würzbur-
ger Universitätsbibliothek erhalten hat.
Das Modell liegt – mit ausgetauschten
Wappen und Monogrammen – auch den
Schlüsseln der Fürstbischöfe Friedrich Karl
von Schönborn, Adam Friedrich von Seins-
heim und Franz Ludwig von Erthal zugrun-
de, wie im Bayerischen Nationalmuseum in
München, im Würzburger Mainfränkischen
Museum und im Britischen Museum zu se-
hen ist. Aus dem Großherzogtum Hessen-
Darmstadt zur Regierungszeit Ludwigs III.
stammt ein gegossener ver-
goldeter Kammerherren-
schlüssel mit Portepee –
der textilen Schlaufe mit
Quaste – und rückseiti-
gem Haken, um ihn
an der Uniform zu be-
festigen. Und heute?
Keine Kammerher-
renschlüssel mehr –
nur Kellermeister-
schlüssel, die dazu da
sind, Weinfässer abzuklopfen. ×
Für den Würzburger Fürstbischof Adam Gloria Ehret ist Herausgeberin
Friedrich von Seinsheim schuf Hofschlosser der WELTKUNST,
Johann Georg Oegg diesen Kammer­ für die sie seit 1986 ar­beitet.
herrenschlüssel. Heute zählt er zum Bestand Ihre erste Stilkunde
des Bayerischen Nationalmuseums erschien im April 2008
103

AUKTIONEN
1
GEMÄLDE
Ahrenshooper Kunstauktionen
1. August
Urlaubsfeeling und Kunst, diese
schöne Kombination wird jeden
Sommer in der Strandhalle
Ahrenshoop in Mecklenburg-
Vorpommern geboten. Die 41.
Ahrenshooper Kunstauktionen
offerieren 100 Arbeiten in der
Hauptauktion und 48 Arbeiten
im »Kleinen Kabinett«. Außer-
dem werden noch 15 Künstler-
plakate aufgerufen.
Eine Besonderheit dabei ist,
dass immer wieder ortsansässi-
ge Künstler in das Auktions­
angebot hineingenommen wer-
den. So bleiben nicht nur die
frühen Jahre der Ahrenshooper
Künstlerkolonie im Bildge-
dächtnis der urlaubenden Käu-
fer, auch die aktuelle Kunstpro-
duktion bekommt ein Forum
und kann sich im Markt bewäh-
AG E N DA
ren. Eine zweite Besonderheit
ist, dass jedes Jahr ein Künstler
gebeten wird, für die Sommer-
auktion ein Plakat zu entwer-
fen, dieses Jahr ist es Rainer Fet-
ting. Das vieldeutig »high heels
(am Hohen Ufer)« betitelte
Werk zeigt eine schlanke Biki-
nischönheit. Für die signierte
Farblithografie werden als Sub-
skriptionspreis 180 Euro ver-
langt, ohne Plakattext kostet die
auf 25 Exemplare limitierte
Arbeit 320 Euro.
Ein museales Werk von Otto
Manigk, die »Fischerfrau«, ent-
standen 1950, zählt mit zu den
Höhepunkten der Sommerauk-
tion. Der Schätzpreis liegt bei
selbstbewussten 12 000 Euro.
Auch die von Rainer Fetting
stammenden »Dünen am Meer«
passen perfekt ins Setting des
Ostseebades. Das 2008 entstan-
dene Bild in Öl auf Leinwand
ist mit 8000 Euro taxiert. Neben
104
vor allem regional bekannten
Künstlern wie Elisabeth von
Eicken, Fritz Wachenhusen
und Louis Douzette
schmücken Künst-
ler aus der zweiten
Generation der
Ahrenshooper
Künstlerkolonie
und aus dem nahen
Hiddensee das
vielfältige Angebot.
Doch nicht nur
Arbeiten von Hans
Brass oder Alfred Par-
tikel ergänzen das
umfangreiche Künstler-
spektrum. Auch Werke
von Hans Kinder, Otto
Niemeyer-Holstein und
international bekannte Namen
wie Lyonel Feininger sowie
Karl Schmidt-Rottluff, meist
mit Grafiken vertreten, gehören
zum vielfältigen Angebot.
 FRANK G. KURZHALS
KUNST UND ANTIQUITÄTEN
Mehlis
Plauen, 27. bis 29. August
Seine Leidenschaft galt den
Landschaften, von der Wüste
bis zum Gebirge. Um die Berge
im Bild festzuhalten, bereiste
Eugen Bracht im 19. Jh. die
Alpen. Besonders das Matter-
horn faszinierte ihn als Motiv.
Sein Werk »Das Matterhorn in
frischem Schnee«, das wohl um
1906 entstand, wird bei Mehlis
zum Limit von 6000 Euro ange-
boten. Es zeigt den Blick von
der Riffelalp mit See zur ver-
Bilder: Ahrenshooper Kunstauktionen; Auktionshaus Mehlis
schneiten Ostwand des Matter-
horns und dem Hörnligrat im
hellen Sonnenlicht. Neben
Gemälden wartet Mehlis mit
Kunsthandwerk und Design
auf. Darunter ist ein musealer
Deckelhumpen (Limit 8000
Euro) und ein Kinderauto von
1930 mit Verbrennungsmotor
(Limit 2500 Euro).  SUSANNE LUX
2

1 Hans Kinder, »Grenzweg«, 1968,
Mischtechnik, 56 x 72 cm, Ahrens-
hoop, Taxe 3600 bis 4200 Euro
2 Bowle, Silber, Auktionshaus Mehlis,
Plauen, Limit 2500 Euro
 Samstag, 15. August 2015
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Maritim Hotel Kaiserhof in Heringsdorf, Usedom
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 W E LT K U N S T

KUNSTSTÜCK Nº   55

VON
B A S T I A N E C L E RC Y

Bild: Städel Museum - ARTOTHEK

Guido Reni
»Himmelfahrt Mariens«, um 1596/97
Städel Museum, Frankfurt a. M.

106
 E
s gibt ihn auch hier, den
»himmelnden Blick«, wie
ihn die Kunstgeschichte
nennt. Er sollte zu Guido
Renis Markenzeichen werden, und noch der
heutige Betrachter verbindet wohl zuallererst
dieses Motiv mit seinem Namen. Die um
1596/97 auf Kupfer gemalte »Himmelfahrt
Mariens« ist eine Preziose der italienischen
Malerei des Frühbarock und ein kostbares
Geburtstagsgeschenk zum 200-jährigen Jubi-
läum des Städel Museums in Frankfurt. Der
Städelsche Museums-Verein hat es, nach ei-
ner erfolgreichen Spendenkampagne, im Ja-
nuar dieses Jahres gestiftet.
Die 58 mal 44,4 Zentimeter große Kup-
fertafel zählt zu den wenigen erhaltenen
Frühwerken Guido Renis, dem für die Ent-
wicklung der Barockmalerei in Bologna und
Rom eine zentrale Bedeutung zukommt und
der unsere Vorstellung vom italienischen Ba-
rock nachhaltig prägt. Im 17. Jahrhundert
war Reni, darin Peter Paul Rubens vergleich-
bar, einer der erfolgreichsten und gefeierts-
ten Maler Europas – heiß begehrt bei den be-
deutendsten Auftraggebern aus Adel und
Klerus. Durch seine berüchtigte Preispolitik
veränderte er auch den Kunstmarkt zuguns-
ten der Maler und konnte sich mit wachsen-
dem Erfolg die Ungeheuerlichkeit heraus-
nehmen, die Festsetzung des Preises seinen
Auftraggebern selbst zu überlassen. Damit
setzte er sie unter einen derartigen morali-
schen und sozialen Druck, dass sie gar nicht
anders konnten, als Reni fürstlicher zu ent-
lohnen, als er es nach den Gesetzen des
Marktes je hätte verlangen können. Dass ein
Großteil der beträchtlichen Einnahmen je-
doch gleich wieder seiner notorischen Spiel-
sucht zum Opfer fiel, steht freilich auf einem
anderen Blatt.
Die Städelsche »Himmelfahrt« hat eine
bemerkenswerte und noble Provenienz, die
sich lückenlos bis in Renis Lebenszeit zu-
rückverfolgen lässt. Bereits sein früher Bio-
graf Carlo Cesare Malvasia, ein Vasari des Bo-
logneser Barocks, bezeugt das Bild in seinem
1678 erschienenen Werk »Felsina Pittrice«
(Felsina ist der lateinische Name Bolognas)
unter den frühesten Gemälden Renis in der
Bologneser Sammlung Sampieri. Auftragge-
ber dürfte der Jurist Astorre di Vincenzo
Sampieri gewesen sein, der Kanoniker im
Dom San Pietro in Bologna war und eine be-
deutende Kunstsammlung besaß. Über Jahr-
hunderte in der Familie weitervererbt, ge-
langte Renis Bild 1811 in die berühmte
Sammlung des Eugène de Beauharnais, des
Vizekönigs Italiens und späteren Herzogs
von Leuchtenberg.
In der Mitte der Tafel sitzt Maria, in ih-
ren kanonischen Farben mit rotem Gewand,
blauem Mantel und weißem Schleier, auf ei-
nem immateriellen Thron aus luftig-flauschi-
gen Wolken in zartem Grau. Die Arme hat
sie weit zum Beten ausgebreitet, den Blick in
der typischen Manier verklärt zum Himmel
emporgerichtet.
Von den Wolken getragen und von klei-
nen Engeln gestützt, schwebt Maria sanft em-
por zum Licht, das von der oberen Bildmitte
ausgeht und sich durch die links und rechts
wie ein Vorhang zur Seite geschobenen Wol-
ken seine Bahn bricht. Ein satt goldenes
Strahlen, ganz aus der Farbe erzeugt, zeigt
den himmlischen Charakter dieses Lichtes
an. Es wird zum Substitut für Gottvater
selbst, der Maria in den Himmel aufnimmt,
doch nur in Gestalt des von ihm ausgehen-
den Glanzes im Bild gegenwärtig ist.
Dieses Meer aus Wolken und Licht als
poetisches Sinnbild der himmlischen Sphä-
ren wird bevölkert von zahllosen Engeln, die
teilweise mit ihrer Umgebung zu verschmel-
zen scheinen. Fast alle sind in mannigfacher
Das Bild zeigt, wie Reni
schon in jungen Jahren die
Kunst seiner Lehrer
revolutionär umdeutete.
Weise mit Musizieren beschäftigt, stimmen
ein in die musica coelestis, die nach theologi-
scher Vorstellung den Himmel durchwaltet.
Darin mag auch ein subtiler Wettstreit des
Malers mit der Gattung der Musik zu erken-
nen sein, die er gleichsam mit seinen eigenen
künstlerischen Mitteln, mit Farbe und Form,
zum Klingen zu bringen versteht. Dass Guido
Reni selbst einer Familie von Musikern ent-
stammte, dürfte eine besondere Affinität zu
diesem Thema begründet haben.
Kein Engel gleicht dabei ganz dem an-
deren. Das Alter reicht vom Kleinkind bis
zum Jüngling, das Spektrum der Instrumen-
te von der Knickhalslaute und Viola da gam-
ba über Triangel, Armlyra (Lira da Braccio),
Orgel, Harfe und verschiedene Blasinstru-
mente bis zum Gesang. Ähnlich kunstvoll
variiert sind die Haltungen der Engel, etwa
bei den beiden Lautenspielern im Vorder-
grund, von denen der linke von vorn zu se-
hen ist und zu Maria emporblickt, während
der rechte von hinten gezeigt wird und sich
zum irdischen Betrachter umwendet.
Hinter der variantenreichen Vielheit
dieser kleinen Wesen herrscht indes eine
vom Künstler fein durchdachte Ordnung,
107
die der Komposition Struktur, ja trotz des
kleinen Formats und der detaillierten Fein-
malerei sogar eine erstaunliche Monumenta-
lität verleiht. Unten geben die beiden Lauten-
spieler – als einzige sind sie im gleichen
Figurenmaßstab wie Maria dargestellt – dem
Bildgefüge Halt und führen zugleich durch
ihre Blickrichtungen subtil das Auge des Be-
trachters. Drei Engel sind aus dem Kreis der
Musizierenden ausgegliedert und Maria di-
rekt zugeordnet; zwei davon stützen ihre aus-
gebreiteten Arme, einer trägt sie sogar gleich
dem antiken Gott Atlas empor. Die sichtli-
che Anstrengung der kleinen Assistenten ist
dabei mehr als ein augenzwinkerndes Detail
und veranschaulicht die in der theologischen
Debatte heiß umstrittene leibliche Aufnah-
me der Gottesmutter in den Himmel.
Mariens Körpermitte wird auf ganzer
Bildbreite hinterfangen von einer sanft ge-
schwungenen Wolkenbank, die in das golde-
ne Licht getaucht ist, sodass die Körper der
auf ihr musizierenden Engel sich regelrecht
in Farbe und Licht auflösen. In der linken
und rechten oberen Ecke kehren die von der
unteren Zone bekannten grauen Wolken mit
vollfarbigen Engeln wieder, zwischen denen
ein Kegel aus reinem Licht durchbricht, vor
dem sich das Haupt der Gottesmutter wir-
kungsvoll abzeichnet.
Renis Ausgangspunkt für diese feinsin-
nig durchdachte Komposition waren die bei-
den großen Altarbilder der »Himmelfahrt
Mariens« von Annibale und Agostino Car-
racci, heute in der Pinacoteca Nazionale zu
Bologna, die wenige Jahre vor dem Städel-
Bild entstanden und motivische Anregun-
gen für die mit ausgebreiteten Armen auf
dem Wolkenthron sitzende Maria und ihre
Assistenzengel lieferten. Und doch ist Renis
Auffassung des Themas grundverschieden, ja
umstürzlerisch neu. Das an der Hochrenais-
sance, vor allem am späten Raffael geschulte
Pathos der dramatischen Auffahrt Mariens
bei den Carracci übersetzt Reni in eine gänz-
lich andere Stimmung: in ein sanftes, von
Sphärenklängen begleitetes Emporschweben
voll poetischer Harmonie. Die Frankfurter
»Himmelfahrt« erweist Reni als einen he-
rausragenden Maler, der schon in ganz jun-
gen Jahren, gerade erst Anfang zwanzig, die
Kompositionen seiner Lehrer geradezu revo-
lutionär umdeutet.
So gewährt dieses kleine Bild einen un-
gemein faszinierenden Einblick in eine ent-
scheidende Phase von Guido Renis Schaffen:
den Moment, als sich der Schüler zum Meis-
ter emanzipierte. ×
Bastian Eclercy ist Kustos im Frankfurter Städel
Museum. Dort verantwortet er die italienische,
französische und spanische Malerei bis 1800
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 Mon Muellerschoen, Josef
Künstlerin Zilla Leutenegger Henselmann, Judith Milberg »Mobile Z«

Pinakothek-Party
Feierlaune in München: Zwischen 2004 und
2007 schuf die Schweizer Künstlerin Zilla
Leutenegger ihren Zyklus »Apartment« –
jetzt kam er mit der großzügigen Schenkung Pictet-Gruppe: Florian Seidel,
Pinakothek der Moderne der Mediensammlung Goetz an den Frei- Michael Steger und Rainer Gänsslen
staat Bayern. Zu einer ersten Vorbesichti-
gung lud die Schweizer Pictet-Gruppe, der Petra und Michael Mayer
als maßgeblicher Förderer der Ausstellungs-
realisierung zu danken ist, mit anschließen-
dem Abendessen im Restaurant Theresa. Bis
Oktober ist der Zyklus in der Pinakothek der

Bilder: Hannes Magerstaedt (10); Ekko von Schwichow (4)

Moderne ausgestellt, für München eigens
um aktuelle Projektionen, kristalline Skulp-
Kunsthändler Florian Sundheimer turen und Prints ergänzt. Ihr Titel gleicht ei-
und Tine Nehler ner Einladung: »Ring My Bell«.

Kuratorin Inka Graeve

Gabriela Seidel und

Molly von Fürstenberg weltkunst-Herausgeberin Gloria Ehret, Bernhard Maaz, Loa Pictet

Liechtenstein in Berlin
Sogar das Kammermusikensemble Classic der Deutschen
Oper erfreute die Gäste mit einer Kostprobe ihres Kön-
nens beim Empfang im Hotel Regent – so stilvoll wurde
die Kulturlandschaft Liechtenstein in Berlin präsentiert.
Konkreter Anlass waren die Eröffnung der Schatzkam-
mer und der Hilti Art Foundation. Auf nach Vaduz! Rainer Vollkommer

Ministerin Aurelia Frick, Der Botschafter, Prinz Stefan

Lisa Zeitz Kammerensemble Classic von Liechtenstein
 Empfang im belgischen Chateau de Bois-Seigneur-Isaac
Bilder: The Swatch Group; Breguet; The Swatch Group (3); Breguet (2); The Swatch Group; Musée national suisse
Friedlich: Herzog von Wellington, Charles Prince
Napoléon und Herzog Blücher von Wahlstatt
Restauriert und als Museum eröffnet: Hougoumont
Coldstream Guards in Hougoumont
Gedenken an Waterloo
200 Jahre nach der Schlacht von Waterloo gab
es an einem besonders erbittert umkämpften
Schauplatz, dem Gutshof Hougoumont, ein
historisches Treffen: Nachfahren von Napo­
leon, dem Herzog von Wellington und Gene­ Prince Charles
ral Blücher reichten sich die Hände. Welling­
ton sagte einst, er habe in den Stunden der
Schlacht vor allem auf seine Uhr geschaut –
wäre Blücher nicht erschienen, so hätte es
auch anders ausgehen können. Was für eine
Uhr es war? Eine Taschenuhr aus der 1775 ge­
gründeten Uhrmacherwerkstatt Breguet. Alle
drei Kontrahenten zählten zu ihren Kunden:
Napoleon hatte schon für seine Ägyptenexpe­
dition 1798 eine Reiseuhr bei Abraham Louis Breguet-Saal in Hougoumont
Breguet in Auftrag gegeben. Die eigene Ver­
flechtung mit der Weltgeschichte war nun ein Marc Hayek, CEO von Breguet
Grund dafür, dass das Schweizer Unterneh­
men Breguet sich – mit einer halben Million
Euro als größter privater Geldgeber – für die
Restaurierung von Hougoumont engagiert
hat. Mehr als 600 000 internationale Besucher
werden ab jetzt jährlich in dem geschichts­
trächtigen Gemäuer erwartet. Zu den
Einweihungsfeierlichkeiten ge­
hörte auch ein Diner im nahe­
gelegenen Chateau de Bois-
Seigneur-Isaac.
Auf den Feldzügen dabei: Napoleons Reiseuhr

Auktionen
Ahrenshoop
Ahrenshooper Kunstauk-
tionen (03 82 20 / 6 63 30)
Kunst 19./20. Jh.  1. 8.
Kunsthaus am Schiffer-
berg (03 82 20/66 68 60)
Kunst 19./20. Jh. (Ahrens-
hoop, Hiddensee, Schwaan)
  16. 8.
Augsburg
Rehm (08 21 / 55 10 01)
Antiquitäten, Kunst, Varia
  30./31. 7.
Bad Dürkheim
Alino (0 63 22 / 95 99 70)
Spielzeug  7./8. 8.
Bamberg
Richter & Kafitz
(09 51 / 5 09 93 43)
Antiquitäten, Kunst  8. 8.
Bremen
Auktionshaus Weser
(04 21 / 4 58 56 25)
Antiquitäten, Kunst, Varia
  29. 8.
Cannes
Cannes Enchères
(0033 4 93 / 38 41 47)
Schmuck  28. 7.
Cheltenham
The Cotswold Auction
Company
(0044 12 42 / 25 63 63)
Kunst 20. Jh., Textilien
 25. 8.
Chicago
Leslie Hindman
(0013 12 / 2 80 12 12)
Bücher, Manuskripte  5. 8.
Den Haag
Van Stockum‘s
(0031 70 / 3 64 98 40)
Antiquitäten, Kunst
  26./27. 8.
Döhlau
Lankes (0 92 86 / 9 50 50)
Spielzeug  29. 7.–1. 8.
Edinburgh
Lyon and Turnbull
(0044 1 31 / 5 57 88 44)
Silber  12. 8.
AG E N DA
TERMINE
Kunst (nach 1945, Mannheim Newbury Shapiro
Gegenwart)  13. 8. Schwab Dreweatts & Bloomsbury (0061 2/93 26 15 88)
(06 21 / 12 80 53 94) (0044 16 35 / 55 35 53) Antiquitäten, Möbel,
Ettlingen Antiquitäten, Kunst, Varia Interieur  26./27. 8. Asiatica  30. 7.
Gert Müller   29. 8. Australische & internatio-
(0 72 43 / 56 17 40) Nordhavn nale Kunst  19. 8.
Münzen  14./15. 8. Marlborough Bruun Rasmussen
Skinner (0045 88 / 16 11 11) Übach-Palenberg
Garmisch-Partenkirchen (0015 08 / 9 70 30 00) Münzen  3. 8. Poestgens
Merry Old England Americana  8./9. 8. (0 24 51 / 4 92 09)
(0 88 21 / 5 99 09) Oxford Antiquitäten, Kunst  1. 8.
Antiquitäten, Kuriosa  5. 8. Monte-Carlo Bonhams
Antiquitäten, Kunst, Accademia Fine Art (0044 18 65 / 85 36 40) Uppsala
Schmuck, Varia  13. 8. (0037 7 / 99 99 86 70) Bücher  29. 7. Uppsala Auktionskamma-
Antiquitäten, Kunst  22. 8. re (0046 18 / 12 12 22)
Göteborg Paris Antiquitäten, Kunst, Varia
Auktionsverk Morlaix Delorme, Collin du   18. 8.
(0046 31 / 7 04 77 00) Dupont Bocage (Drouot Richelieu)
Antiquitäten, Kunst  26. 8. (0033 2 / 98 88 08 39) (0033 1 / 58 18 39 05) Usedom
Antiquitäten, Kunst, Varia Antiquitäten, Kunst, Varia Jeschke – van Vliet
Halmstad   3. 8.   4. 8. (03 0/ 22 66 77 00)
Hallands Auktionsverk Schmuck, Silber  5. 8. Antiquitäten, Kunst, Bücher
(0046 35 / 15 69 00) Mülheim Dekorative Kunst  6. 8.   13.–15. 8.
Antiquitäten, Kunst  27. 8. Auktionshaus an der Ruhr
(02 08 / 3 02 69 81) Plauen Utrecht
Hamburg Antiquitäten, Kunst, Varia Mehlis (0 37 41 / 22 10 05) Peerdeman
Mette (0 40 / 46 06 92 56)   29. 8. Antiquitäten, Kunst, Varia (0031 30 / 2 61 04 85)
Antiquitäten, Kunst,   27.–29. 8. Antiquitäten, Kunst, Varia
Schmuck  26. 8. München   30. 8.
Rütten (0 89 / 12 71 51 00) Quedlinburg
Helsinki Antiquitäten, Kunst, Varia Breitschuh (0 39 46 / 37 51) Verbier
Hagelstam   1. 8. Antiquitäten, Kunst, Varia Galartis
(0035 89 / 6 87 79 90)   28. 8. (0041 21 /6 95 25 25)
Antiquitäten, Kunst, Varia Mutterstadt Schmuck, Uhren  2. 8.
  18. 8. Henry‘s (0 62 34 / 8 01 10) Salzburg
Porzellan, Diamanten, Frühwald Wiesbaden
Hong Kong Schmuck  30. 7. (0043 66 2/ 64 31 27) Jäger (06 11 / 30 41 02)
Baldwin‘s Schmuck, Silber  31. 7. Münzen, Medaillen, Antiquitäten, Kunst, Varia
(0044 2 0/ 79 30 98 08) Teppiche  1. 8. Banknoten  1./2. 8.   22. 8.
Münzen, Medaillen  27. 8. Kunst (Moderne, Gegen-
Spink (008 52/25 30 01 00) wart)  8. 8. Schwerin Wiesloch
Münzen  27. 8. Uhren  14. 8. Auktionshaus Schwerin Badisches Auktionshaus
Diamanten, Farbsteine (03 85 / 7 77 89 30) (06 22 2/ 38 65 22)
London  27. 8. Antiquitäten, Kunst, Varia Antiquitäten, Kunst, Varia
Bonhams Knightsbridge Schmuck, Silber  28. 8.   22. 8.   24./25. 8.
(0044 20 / 73 93 39 00) Antiquitäten, Kunst, Möbel,
Silber  29. 7. Glas  29. 8. Stuttgart
Schmuck  12. 8. Eppli (07 11 / 2 20 90 87) Messen
Christie‘s Southkensing- Namur Schmuck, Uhren, Porzellan,
ton (0044 20 / 79 30 60 74) Rops (0032 81 / 74 99 88) Silber  1. 8 Aspen
Interieur  18. 8 Antiquitäten, Kunst Königsbau-Auktion  8. 8 ArtAspen. Aspen Ice
  30./31. 8. Garden  13.–16. 8.
Los Angeles Svendborg
Bonhams New York Svendborg Auktionerne Baltimore
(0013 23 / 8 50 75 00) Christie‘s (0045 / 62 21 22 31) Summer Antiques Show.
Kunst (Kalifornien, (0012 12 / 6 36 20 00) Antiquitäten, Kunst, Varia Convention Center
Westküste)  4. 8. Interieur   25./26. 8.   22. 8.   20.–23. 8.
Kunst, Slg. Gloria Reese Doyle (0012 12/4 27 27 30)
  17. 8. Interieur  12. 8. Sydney Bamberg
Schmuck  13. 8. Deutscher and Hackett Bamberger Kunst- und
Magdeburg Swann Galleries (0061 2 / 92 87 06 00) Antiquitätenwochen.
Bieberle (03 91 / 1 86 18 47) (0012 12/2 54 47 10) Australianische & Diverse Kunsthandlungen
Antiquitäten, Kunst  29. 8. Vintageposter  5. 8. internationale Kunst  26. 8.   Bis 21. 8.
112
 Furtwangen Ausstellungen
VORSCHAU
Antik-Uhrenbörse.
Fachhochschule 28.–30. 8. Aarau
Aargauer Kunsthaus: Die nächste Ausgabe
Knokke Christian Marclay.
Art Nocturne – Internat.   30. 8.–15. 11. der weltkunst erscheint am
Kunst- und Antiquitäten- Nachtbilder. 30. 8.–15. 11.
messe. Kulturzentrum Caravan 3/2015: 25. August 2015
Scharpoord  8.–16. 8. Kyra Tabea Balderer.
  30. 8.–15. 11.
Kopenhagen
CHART | ART FAIR. Amsterdam
Kunsthal Charlottenborg Rijksmuseum: Dick Bruna:
  21.–23. 8. Artist.  27. 8.–15. 11.

Lima
lima photo. Centro de la
imagen Lima  12.–16. 8.
Los Angeles
LA Antique Jewelry &
Watch Show. Hyatt
Regency  14.–16. 8.
Marseille
ART-O-RAMA. La
Cartonnerie  28.–30. 8.
Nagoya
Art Nagoya.   31. 7.–2. 8.
Pörtschach am Wörther-
see
Int. Kärntner Kunst- und
Bild: privat
Bielefeld
Bielefelder Kunstverein:
Eugen Gomringer &.
  29. 8.–25. 10.
Düsseldorf
Kunsthalle: Ava­tar und
Ata­vis­mus. Outside der
Avant­gar­de.  22. 8.–8. 11.
Museum Kunstpalast:
Erika Kiffl – Fotografie.
Von Ai Weiwei bis Gerhard
Richter.  7. 8.–18. 10.
Fürth
Kunst Galerie Fürth: Far,
far away – Reisebilder
Indien. Oskar Koller &
Harri Schemm.  28. 8.–27. 9.

Antiquitätenmesse.
Congress Center  6.–9. 8. Köln
Museum für angewandte
Salzburg Kunst: Manu Factum 2015.
Art Salzburg - Sala Terrena. Staatspreis für Kunsthand-
Sala Terrena, Universität werk in NRW.
Salzburg  8.–23. 8.   20. 8.–11. 10.
Art & Antique. Residenz- Museum Ludwig:
hof  15.–23. 8. Danh Võ.  1. 8.–25. 10.

Santa Fe London
Ethnographic Art Show. National Portrait Gallery: Ein halbes Jahrhundert hat Jule Kewenig die
Convention Center
  14./15. 8.
Audrey Hepburn: Portraits
of an Icon.  Bis 18.10.
Kunstszene mitgeprägt: Jetzt spricht die
Antique Indian Art Show. Galeristin und Künstlermuse – oben mit ihren
Convention Center München
  17./18. 8. Haus der Kunst: drei illustren Ehemännern Markus Lüpertz,
»Geniale Dilletanten«.
São Paulo Subkultur der 1980er-Jahre
Michael Werner und Michael Kewenig – zum
sp-arte/foto. Shopping JK in Deutschland. Bis 10. 11. ersten Mal über ihr außergewöhnliches
Iguatemi  19.–23. 8. Lenbachhaus: Lea Lublin
- Retrospective.  Bis 13. 9. Leben. Außerdem besuchen wir die neu
Seattle
Seattle Art Fair. Century- St. Gallen eingerichtete Schatzkammer Liechtenstein,
Link Field Event Center
  30. 7.–2. 8.
Kunstmuseum: Phyllida
Barlow.  22. 8.–8. 11.
treffen die Künstler Doug Aitken und
Wim Wenders, empfehlen drei kunstvolle
St.Moritz Winterthur
St. Moritz Art Masters. Kunstmuseum: Richard Tage in London und konzentrieren
Verschiedene Orte Deacon – On The Other
  21.–30. 8. Side.  22. 8.–15. 11.
uns im Sammlerseminar auf die Eleganz von
französischem Art-déco-Glas.
Tetbury Zürich
The Cotswolds Decorative Kunsthaus Zürich:
Antiques & Fine Art Fair. John Waters:
Westonbirt School How much can you take?
  14.–16. 8.   14. 8.–1. 11.

113

Wolfgang Joop: »Cloud Number 7«
Das Bild meines Lebens ist eines, das ich
selbst gemalt habe. In ihm und seinem Titel
»Cloud Number 7« steckt in gewisser Weise
meine Biografie. Das Bild zeigt zwei Affen in
enger Umklammerung, einer streckt trotzig
die Zunge raus. Sie sitzen in einem endlosen
Tulpenfeld, darüber ist der Himmel blau, es
gibt nur eine Wolke: Ist sie die Wolke Nr. 7,
die endlose Glückseligkeit verspricht?
Für mich kommt hier mein bestimmen-
des Lebensgefühl der vergangenen Jahrzehn-
te zum Ausdruck. Es ist das erste Ölgemälde,
das ich 40 Jahre nach meinem Kunststudium
gemalt habe. Es war der Beginn eines Zyklus
zum Thema Affenliebe. Denn das sagte mei-
ne Mutter immer zu mir, wenn ich zu viel
Nähe suchte: »Ach, hör’ auf, das ist doch Af-
DA S B I L D M E I N E S L E B E N S
Wolfgang Joop
fenliebe!« Nun sehnen sich gerade Individua-
listen wie ich nach Geborgenheit und Nähe,
denn sie empfinden oft sehr viel Einsamkeit,
die sogenannte splendid isolation.
Der Affe ist unser Alter Ego. Mit ihm
kann ich ausdrücken, was ich mit der Dar-
stellung von Menschen nicht ausdrücken
könnte. Diese physische Umklammerung
zwischen den Tieren auf dem Bild bekäme in
menschlicher Form womöglich etwas Porno-
grafisches oder zu Emotionales. Das Sujet
mit den Blumen ist grenzüberschreitend, wie
mein Weg zwischen Kunst und Mode, und
bringt das Bild bewusst in die Nähe des Kit-
sches. Die aufwendigen Couture-Stickereien,
die die Affen umrahmen und eine Art Schlüs-
sellocheffekt erzeugen, sind ein Hinweis auf
114
Bilder: WUNDERKIND/Alexa Vachon; Wolfgang Joop
den Planeten Fashion, von dem ich stamme.
Das Gleiche leisten die holländischen Tulpen,
mein Nachname ist ja holländisch. Sie erin-
nern mich daran, dass ich schon als Kind fas-
ziniert von flämischen Blumenstillleben war.
Echte Tulpen bedeuteten Ausbruch des Früh-
lings und knirschten bei Berührung. Das
endlose, künstlich gelbe Tulpenfeld symboli-
siert hingegen quälerische Monotonie und
Depression. Und ist zugleich die Heimat ei-
nes glückseligen Affenpaares ohne den
Wunsch nach Veränderung.  ×
Wolfgang Joop ist ein deutscher Modedesigner, der das
Fashion-Label »Wunderkind« betreibt.
Aufgezeichnet von Nana Heymann
L I M I T I E R T E S O N D E R E D I T I O N F Ü R D I E Z E I T – Z U M E X K LU S I V E N S U B S K R I P T I O N S P R E I S
Arnulf Rainer »Tiefseekreuz«
Rahmen C
men B
Rahm
Rahmen
nA
»Das Kreuz ist meine Grundfigur geworden.
Mir fällt einfach nichts anderes ein, was mich
so herausfordert und in Arbeitswut und Fleiß
bringt; deswegen nehme ich es immer wie-
der auf ...« (Arnulf Rainer)
DIE ZEIT präsentiert in ihrer exklusiven EDITION
KUNST ein neues herausragendes Werk: das
»Tiefseekreuz« des großen österreichischen
Gegenwartskünstlers Arnulf Rainer. Anläss-
lich seines 85. Geburtstags und der Eröffnung
der Retrospektive im Museum Frieder Burda
erscheint jetzt die auf 40 Exemplare limitierte
ZEIT-Sonderedition. Die Kaltnadelradierung
»Tiefseekreuz« ist ein faszinierendes Beispiel
für das umfangreiche Schaffen des vielfach
preisgekrönten Künstlers und documenta-
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Linie für Linie ein faszinierendes Werk
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ähnlich großem Symbolgehalt sind wie das
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Kreuz. Nicht nur die sakrale Interpretation, IH RE VO RTEILE:
sondern ebenso seine Allgegenwart im tägli-
chen Leben bringt uns das Kreuz auf vielfältige Jedes Blatt ist handsigniert
Weise näher. Der darin liegenden Herausforde- Vom Künstler handsigniert und nummeriert.
rung stellt sich Rainer und gibt seinen radierten
Kreuzen eine eigenständige Bedeutung. Linie Streng limitierte Auflage
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Sommer 2015 seit 1984

KUNST IN
SALZBURG

Meistermacher Goldkinder Kunstverführer

Die Galeristen versöhnen Drei Juweliere laden in ihre Museen, Galerien und
Trend und Tradition Schatzkammern Händler im Sommer
 ULF ENGLICH
JUWELEN · ANTIQUITÄTEN · KUNST

GEGRÜNDET 1970
S E I T 1 9 8 9 I M S C H AT Z D U R C H H A U S

A - 5 0 2 0 S A L Z B U R G · G E T R E I D E G A S S E 3 / U N I V E R S I T Ä T S P L AT Z 1 6
( S C H AT Z - D U R C H H A U S )
T E L . : 0 6 6 2 · 8 4 3 3 3 9 , 8 3 1 7 2 0 · FA X : 0 6 6 2 · 8 3 1 7 2 0
 EDITORIAL

Liebe Leserinnen,
liebe Leser,
die ganze Welt blickt im Sommer auf Salzburg,
wenn Musik- und Theaterliebhaber aus allen
Kontinenten sich für den Besuch der Festspiele
fein machen. Die einmalige Barockstadt im Al-
TITELBILD: Tourismus Salzburg GmbH; Bilder rechts: Wolfgang Stahr; Sigrid Reinichs

penvorland teilt ihre Opern, Konzerte und

Schauspielaufführungen mit den Gästen aus
nah und fern, aber auch ihre unvergleichlichen
künstlerischen Schätze. Neben der »Hochzeit
des Figaro« und dem »Rosenkavalier«, neben
Shakespeare und Hofmannsthal sind Werke der nun einmal besondere gesellschaftliche Anlässe
bildenden Kunst aus den Tiefen der Geschichte – darf man auftrumpfen mit seinen Preziosen:
und aktuelle Produktionen zeitgenössischer vom zarten Silberhauch bis zu prunkender
Künstler zu bewundern – in einer Melange, die Pracht, für jede ­stilistische Vorliebe ist etwas ­
eben nur Salzburg zu bieten hat. dabei. Lernen Sie ab Seite 22 die Persönlich­
Während wir uns im letzten Jahr anlässlich keiten hinter den f­antasievollen Kreationen ­
der Eröffnung des Domquartiers vor allem den kennen!
Museen gewidmet haben, konzentrieren wir Mindestens ebenso vielfältig ist das Pro-
uns in der vorliegenden Ausgabe auf die Gale- gramm der Galerien – ob zeitgenössische Kunst
rien, den Kunsthandel und Schmuck. Ingeborg bei Thaddaeus Ropac im Garten von Schloss ­
Harms stellt großartige Schmuckgestalter und Mirabell oder Höhepunkte der Fotokunst bei
-händler vor, die im Juli und August ebenfalls Nikolaus Ruzicska. Außerdem möchte ich Ih-
Hochsaison haben. Denn hier – Premieren sind nen den Skulpturenpark »Walk of Modern Art«
ans Herz legen, der urbane Räume von der­
Universität bis zum Salzachufer mit Kunst füllt.
Monumentale Skulpturen und kleine, feine ­
Installationen sind dabei, die alle auf ihre Weise
Geist und Gedanken anregen.
Wir von der weltkunst freuen uns, dass
wir seit mehr als 30 Jahren den Salzburger
Kunstsommer begleiten dürfen. Ob die Kunst,
wegen der Sie nach Salzburg kommen, nun ­
optischer oder akustischer Natur ist – wir­
wünschen Ihnen viel Freude dabei!

Ihre Lisa Zeitz

Chefredakteurin

instagram.com/lisazeitz
twitter.com/WeltkunstNews
facebook.com/weltkunst

3
 INHALT

Bilder: RGS/Ghezzi; Englich & Wagner; Sigrid Reinichs

6 Das Tor zur Kunst
Salzburg bietet eine erstaunliche
Dichte an Spitzengalerien.
Das hat mit der Tradition zu tun,
aber auch mit dem Gespür der
Galeristen für Trends und Talente

16 Bunter Mix
Was macht die Salzburger
Galerieszene aus? Zwei
Expertinnen geben Auskunft Seite 22

18 Im Vorbeigehen 32 Kleiner, aber feiner

Die Salzburg Foundation lädt seit Die Art Salzburg erfindet sich neu
2002 renommierte Künstler zur
Auseinandersetzung mit der 35 Museen
Stadt. Das Ergebnis: ein Schatztruhen der Jahrhunderte
grandioser Skulpturenparcours
41 Galerien
22 Geist und Glanz Klassische Kunst oder aktuelle
Auch in der Juwelierskunst Malerei? Hier ist alles vertreten
entfaltet sich die Pracht der
Stadt, die mit Extravaganz 53 Kunsthandel
brilliert. Drei Meister des Edler Schmuck & Antiquitäten
funkelnden Fachs im Porträt

30 Wo ist der Sinn? 3 Editorial

Grundsätzliche Fragen stellt 57 Impressum
die diesjährige Internationale 58 Adressen
Sommerakademie 60 Stadtplan
Seite 32
4
GALERIE WELZ · SALZBURG · 16.7. - 30. 8. 2015
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elz.at
GA LERIEN

Die Arbeit »Autorretrato con arbol« (2005)

von Jaume Plensa im Skulpturenpark der
Galerie Mauroner. Rechte Seite: Eingangs-
bereich der Galerie Ruzicska in einer alten
Wagenschmiede am Ufer der Salzach

6
 GA LERIEN

DAS TOR
ZUR
KUNST
Bild links: Sigrid Reinichs/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Bild rechts: Ulrich Ghezzi/Galerie Nikolaus Ruzicska/VG Bild-Kunst, Bonn 2015

Eine erstaunliche Dichte an Spitzengalerien verzeichnet

Salzburg. Das hat mit der Tradition der Kunstförderung in
der Stadt zu tun, aber auch mit dem Gespür der
Galeristen für die Trends und Talente der Gegenwart

VON
U L R IC H C L E W I N G

7
GA LERIEN

D
Die Gärtner des Mirabell-Gartens wissen,
dass sie einen Ruf zu verlieren haben. Des-
halb pflegen sie ihre berühmten Rosenstöcke
auch bei 30 Grad im Schatten. Die Rosen re-

Bilder links: Sigrid Reinichs; Galerie Nikolaus Ruzicska/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Bild rechts: Ulrich Ghezzi/Courtesy Galerie Thaddaeus Ropac, Paris/Salzburg
vanchieren sich mit fantastischen weißen,
gelben und lachsfarbenen Blüten, mit Blüten
in Feuerrot und Purpur. Etwas abseits auf der
Terrasse, von der man den Barockgarten von
Schloss Mirabell überblickt, steht, umgeben
von den schönsten Sträuchern, eine Skulptur
des italienischen Bildhauers Giacomo Man-
zù. Die »Tänzerin« des Widerstandskämpfers
und überzeugten Kommunisten ist ein Ge-
schenk, »gewidmet der Stadt Salzburg« vom
Verleger »Senator Dr. Franz Burda«. So liest
man es auf dem Sockel, auf dem Manzùs
Nackte – ein Abbild seiner jungen Frau Inge,
Primaballerina am Salzburger Landestheater
und ab den Fünfzigerjahren sein bevorzugtes
Modell – eine graziöse, aber auch verstören-
de Geste vollführt: Sie fasst in ihre Haare
und zieht sich an ihrem Schopf hoch in den
Spitzentanz, wie der Baron Münchhausen
aus dem Sumpf.
Manzùs Tänzerin ist Sinnbild einer
Stadt, die an ihrer entzückend anzuschauen-
den Geschichtlichkeit zu ersticken droht und
Rettung nur von sich selbst erwarten kann.
Ihre Attraktion, das alte Zentrum, ist ge-
prägt von schmalen Gassen, aufgelockert
durch eine Enfilade von fünf großen Plätzen
und bekrönt von der omnipräsenten Festung
Hohensalzburg, einer mächtigen Burganlage,
die im Kern aus dem 11. Jahrhundert stammt
und zu den größten in Europa gehört. Auch
die dominante Macht, die katholische Kir-
che, hat zahlreiche Spuren hinterlassen. Als
der von Santino Solari erbaute Dom 1628 ge-
weiht wurde, war er eines der ersten Gebäu-
de im Stil der neuen Zeit nördlich der Alpen.
Sein tonnengewölbter, barocker Innenraum
mit Seitenkapellen und Kuppel über der Vie-
rung dürfte für die Menschen damals ein
Schock gewesen sein, derart ungewohnt und
großartig wirkte er. Es war für die Salzburger
viele, viele Jahre lang so ziemlich die letzte
Erschütterung durch zeitgenössische Kunst.

In der aktuellen Sommerausstellung zeigt

Ruzicska unter anderem François Morellets
»Néons 3D: 15°-90°-50°«, 2015. Oben links:
Thaddaeus Ropac residiert in der Villa Kast
mit Blick auf den Mirabell-Garten

8
 GA LERIEN

Bis Mitte Juli zeigte Ropac aktuelle Werke

von Baselitz zusammen mit Bildern des
Venezianers Emilio Vedova (1919–2006)
aus den Achtzigerjahren in der Villa Kast

Doch von der Landkarte verschwand Salz-

burg nie. Und nachdem der Berliner Thea-
Wenn Thaddaeus Ropac nach Ausstellungseröffnungen
termacher Max Reinhardt in den Zwanziger- zu sich nach Hause bittet, werden Erinnerungen
jahren des vorigen Jahrhunderts die
Festspiele gegründet und die ganze Stadt zur an den Glamour der Sixties und Seventies wach.
Bühne erklärt hatte, zog langsam wieder der
Glamour ein. Einmal mehr in seiner langen
Geschichte stand Salzburg für diese schwer
fassbare Form von Bedeutsamkeit, die man altrigen. Auf dem Rückweg hatte er ein paar zum Pionier der Concept-Art Lawrence ­
Ausstrahlung nennt. Künstler kamen in die Zeichnungen von Jean-Michel Basquiat im Weiner, dem asketischen Blütenstaubsamm-
Stadt und mit ihnen Künstlerfreunde und Gepäck. Verkaufen konnte er keine einzige, ler und Wachsraumerschaffer Wolfgang Laib
Mäzene wie der Senator Burda. Natürlich aber es war immerhin ein erster Schritt. Und bis zu dessen Nemesis, dem Neo-Dadaisten
greift diese Erklärung zu kurz, aber dass es der Beginn einer der glanzvollsten Karrieren Andreas Slominski.
dort inzwischen, gemessen an der Einwoh- im Galeriegeschäft der jüngeren Vergangen- Unmöglich, alle aufzuzählen, die be-
nerzahl, eine erstaunliche Dichte an Spitzen- heit. In Salzburg residiert er, an der Stelle ist sondere Erwähnung verdient hätten, aber et-
galerien gibt, hat wohl auch damit zu tun: der Begriff tatsächlich einmal angebracht, in liche davon, wie Robert Longo, Tony Cragg,
Salzburg war einfach wieder im Gespräch. der Villa Kast. Vom Balkon blickt man hi- Marc Quinn und Anselm Kiefer, gehören zu
Die größte und international erfolg- nunter in den Garten von Schloss Mirabell, den gefragtesten Künstlern der Gegenwart.
reichste der Salzburger Galerien ist die von nebenan üben die Studentinnen und Stu- Dazu kommen, mit tatkräftiger Unterstüt-
Thaddaeus Ropac. Eigentlich hatte Ropac denten des Mozarteums: frühe Meisterschaft, zung seines formidablen Salzburger Galerie-
Künstler werden wollen, als er sich als Assis- großes Hörvergnügen. In Paris unterhält er direktors Arne Ehmann, profilierte Vertreter
tent bei Joseph Beuys bewarb. Der riet ihm, eine Galerie im Marais und eine imposant der um 1970 und danach Geborenen, zum
es stattdessen lieber als Kunsthändler zu ver- dimensionierte Ausstellungshalle im Nord- Beispiel die Berliner Marc Brandenburg und
suchen, und gab ihm ein auf einer Papierser- osten, in Pantin. Mittlerweile hat Ropac, ein Michael Sailstorfer, Cory Arcangel aus New
viette verfasstes Empfehlungsschreiben an Naturtalent der Kunstbetrachtung und Gast- York oder der Krakauer Marcin Maciejowski.
Andy Warhol mit. Die Serviette verwahrt­ freundschaft, Arbeiten von rund 60 Künst- Ergänzt wird Ropacs Portfolio durch Werke
Ropac noch immer – und machte sich auf die lern im Angebot. Ein breites, mehrere Gene- von Warhol, Beuys und Robert Rauschen-
Reise nach New York. Dort traf er in der rationen umspannendes Spektrum vom berg sowie prominente Nachlässe von Ro-
Factory des verehrten Meisters einen Gleich- magischen Realisten Jules de Balincourt bert Mapplethorpe (die letzte Schau kuratier-

9
In seinen großzügigen Räumen unweit der
Salzach hat Ruzicska viel Platz für konzep-
tuelle und (neo-)minimalistische Positio-
nen wie hier 2012 mit Arbeiten von Gerold
Miller, Anselm Reyle oder Katja Strunz
11
12
Bild vorherige Doppelseite: Ulrich Ghezzi/Galerie Nikolaus Ruzicska; Bild links: Galerie Salis/VG Bild-Kunst, Bonn 2015

Bild: Galerie Salis/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
te 2013 die Schauspielerin Isabelle Huppert)
über Elaine Sturtevant bis Emilio Vedova.
Seit Ropac seine Halle in Pantin aufgemacht
hat, ist er Teil des inneren Kreises der zehn,
höchstens 20 Top-Galerien weltweit, mit drei
Dutzend Ausstellungen und sagenhaften
zwölf Messeteilnahmen pro Jahr. Für ihn ­
bedeutete das: noch mehr Verpflichtungen.
Inspiriert von der Wirkung, die er mit seinen
Pariser Dependancen erzielt, gründete der
Galerist 2010 die Salzburg Halle. Auf 4000
Quadratmetern Ausstellungsfläche präsen-
tiert er seither in unregelmäßigen Abständen
die richtig opulenten Werke, zur Premiere
gab es Großskulpturen von Georg Baselitz.
Auch in der jüngsten Schau der Galerie in der
Villa Kast zeigte Ropac-Direktor Ehmann
neue Gemälde von Baselitz, diesmal zusam-
men mit späten, wilden, gestischen Abstrak-
tionen des 2006 in Venedig verstorbenen
Emilio Vedova. Den Sieger in diesem Wett-
Die Biografie von Thomas von Salis macht
deutlich: Man muss bereit sein, Salzburg zu
verlassen, um hier Erfolg zu haben.
GA LERIEN
streit zweier Freunde zu küren, das blieb
dem Betrachter überlassen.
Das Geheimnis von Ropacs Erfolg liegt
nicht nur im hervorragenden, ausdauernd
trainierten Blick für künstlerische Qualität.
Sondern auch in der Fähigkeit, für die Gala-
riekünstler umfassende Dienstleistungen zu
übernehmen. Wenn ein deutscher Maler kein
deutscher Maler mehr sein möchte, dann be-
müht man sich für ihn eben um die österrei-
chische Staatsbürgerschaft, wegen herausra-
gender künstlerischer Verdienste um die
Republik. Und wenn Thaddaeus Ropac nach
Ausstellungseröffnungen zu sich nach Hause
nach Hellbrunn bittet, werden Erinnerungen
an den Flair der glamourösen Sixties und ­
Seventies wach, als die Stars des internationa-
len Jetsets in Abendroben und Smoking
durch die Stadt zum Festspielhaus flanierten.
Noch elf Jahre älter als die Galerie ­
Ropac ist die 1972 gegründete Galerie von
13
Schwerpunkt der Galerie Thomas Salis
ist die Klassische Moderne aus Frankreich.
Linke Seite: Picassos Tuschezeichnung
»Sitzende Akte mit Kopf« von 1972 bei Salis
Waltraud und Mario Mauroner. Die Adresse
ist seither die gleiche geblieben: Salzburg,­
Residenzplatz 1, umgangssprachlich auch
fürsterzbischöfliche Residenz, wo die Mauro-
ners im Innenhof einen eindrucksvollen Ge-
wölberaum bespielen. Ausstellungen jünge-
rer österreichischer Künstlerinnen und
Künstler wechseln sich dort ab mit Präsenta-
tionen beispielsweise vom Altmeister der ita-
lienischen Videokunst, Fabrizio Plessi. An-
sonsten werden Arbeiten der Maler Eva
Schlegel, Herbert Brandl, Juan Uslé und des
belgischen Aktionskünstlers und Choreogra-
fen Jan Fabre angeboten, auch Skulpturen
von Tony Cragg und Eduardo Chillida kann
man bei Mauroner sehen. Die Klassische ­
Moderne ist mit Ikonen wie Paul Klee und
Alexander Calder vertreten. 1990 bezogen
Waltraud und Mario Mauroner ein Galerie-
haus am Ufer der Salzach. An den eleganten,
kubisch organisierten Bau im seinerzeit gera-
de wieder aufkeimenden Neo-Bauhaus-Stil
ist ein Skulpturenpark angeschlossen, der
nach Vereinbarung besichtigt werden kann.
Auch in Wien unterhält man Räume, im ers-
 GA LERIEN

Bild links: Mario Mauroner Contemporary Art Salzburg-Vienna/VG Bild-Kunst. Bonn 2015; rechts: Sigrid Reinichs
ten Bezirk, 300 Meter Luftlinie vom Ste- groß. Deshalb kann man die einzige Galerie, Der Innenhof der fürsterzbischöflichen
phansdom entfernt, in der Weihburggasse 26. die nicht direkt im Stadtzentrum liegt, im- Residenz, seit 1972 Sitz der Galerie
Die älteste Galerie für moderne Kunst mer noch bequem zu Fuss erreichen. Niko- Mauroner, hier mit einer Arbeit des kata­
in Salzburg ist allerdings die seit gut 100 Jah- laus Ruzicska kam aus Wien nach Salzburg, lanischen Bildhauers Jaume Plensa
ren ununterbrochen am selben Ort existie- um bei Thaddaeus Ropac zu arbeiten. Nach
rende Galerie Welz im Palais Kuenburg vis- 13 Jahren als Galeriedirektor machte er sich zum Programm der Galerie wie der franzö-
à-vis der Franziskanerkirche. Seit Anfang der 2004 selbstständig und bezog bald darauf ei- sische Kinetiker François Morellet, der
1930er-Jahre hegt man hier das Werk von gene Räume in einer umgebauten alten Wa- Schweizer Vertreter der Minimal Art Olivier
Künstlern wie Lovis Corinth, Max Beck- genschmiede in der Faistauergasse. Nicht Mosset, die österreichische Lichtkünstlerin
mann, Georges Braque und Marc Chagall, schlecht, die Lage: Das Ufer der Salzach ist Brigitte Kowanz und der Berliner Neomini-
von Gustav Klimt, Alfred Kubin, den Expres- nur einen Steinwurf entfernt, und das Entree malist Gerold Miller. Dabei hat Ruzicska ein
sionisten der Dresdner Brücke und Oskar eindeutig einladend. Oder wie soll man es untrügliches Gespür dafür, wie er diese auf
Kokoschka. Arbeiten von internationalen nennen, wenn der Eingang vier Meter breit den ersten Blick manchmal etwas spröde
Künstlern der Nachkriegszeit werden auch und vier Meter hoch ist? In zwei großen, lang Kunst gut zur Geltung kommen lässt. Das
offeriert, schöne Lithografien von Sam gestreckten Sälen im Erdgeschoss und unter bewies er schon bei seiner Premiere 2005 auf
Francis etwa, dem Wiener Bildhauer Fritz dem Dach verfügt Ruzicska über ausreichen- der Art Cologne in Köln: Damals waren die
Wotruba oder dem gebürtigen Salzburger de Möglichkeiten, seinen Künstlern adäqua- Wände seines großzügigen Messestandes in
Rudolf Hradil. An die Galerie seit Langem te Auftritte zu verschaffen. Schwerpunkte ungefähr dem gleichen Farbton gestrichen
angeschlossen ist ein Verlag, in dem sorgfäl- der Galeriearbeit sind konzeptuelle, minima- wie ihn die feuerroten Rosen im Mirabell-
tig edierte Monografien und Werkverzeich- listische und neominimalistische Positionen Garten darbieten.
nisse erscheinen. Die Kataloge der Gemälde – und Fotokünstler mit Hang zur Land- Der neben Thaddaeus Ropac prominen-
und Zeichnungen Klimts oder zu Kokosch- schaftsfotografie, etwa Axel Hütte oder Olaf teste Salzburger Galerist trägt den Stoff, der
kas Druckgrafik sind die Standardliteratur Otto Becker. Maurizio Nannucci, dessen be- die Stadt im Mittelalter so unermesslich
des Kunsthandels. rühmten Satz »All art has been contempora- reich gemacht hat, sogar im Namen. Und das,
Salzburg ist eine kompakte Stadt, die ry« man praktisch eins zu eins auf Salzburg obwohl er eigentlich gar nicht aus der Ge-
Distanzen sind generell nicht besonders als solches anwenden könnte, zählt ebenso gend stammt. Thomas von Salis hat Schwei-

14

zer Vorfahren und ist der erste in seiner Fa-
milie, der den Beruf des Kunsthändlers
ergriffen hat. Was in diesem Fall doch der Er-
wähnung wert scheint, weil die Ursprünge
der Salis aus Samedan im bezaubernden
Oberengadin zurück bis zirka in die Zeit
Karls des Großen reichen. Angefangen hat
Thomas von Salis in Wien mit britischer
Kunst, wegen seiner Anglophilie und der
Vorstellung, es könne einem jungen Mann
nicht schaden, wenn er dem inneren Kom-
pass folgt. Bald jedoch merkte er, dass Wien,
die britische Kunst und er selber keine sehr
explosive Mischung ergaben.
Zurück in Salzburg konzentrierte er
sich daher auf die Klassische Moderne und
deren vornehmste Quelle: Frankreich. Seit
etlichen Jahren organisiert Salis nun schon
Ausstellungen in seiner Galerie am Mozart-
platz. Und jede einzelne ist erlesen in Aus-
wahl und Zusammenstellung der Werke.
Thomas von Salis, Tefaf-Teilnehmer, Mitge-
sellschafter der Munich Highlights und Spi-
ritus Rector des Neustarts der Art Salzburg
(siehe dazu den Artikel auf Seite 32), fährt
mit Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Pablo
Picasso, Edgar Degas sowie dem frühen
Giorgio de Chirico – um lediglich einige zu
PINTAR · PINTAR · PINTAR · PINTAR · PINTAR · PINTAR · PINTAR · PINTAR · PINTAR · PINTAR
GA LERIEN
listen – immer wieder große Namen der
Kunstgeschichte auf.
Doch für die großen Überraschungen
sorgt der Galerist mit anderen, weniger be-
kannten Künstlern, mit dem grandiosen,
diesseits des Rheins sträflich vernachlässig-
ten Louis Valtat etwa, einem Vorläufer der
Fauvisten. Mit dem völlig unterschätzten Al-
bert Marquet, der zusammen mit Henri Ma-
tisse, André Derain und Maurice de Vla-
minck (auch im Programm der Galerie) 1905
jenen Skandal provozierte, welcher den fran-
zösischen Expressionisten den Schimpfna-
men »Die Wilden« einbrachte. Oder mit­
Peter Dreher, dem Lehrer Anselm Kiefers,
der so frische Bilder malt, als sei er nicht in
seinem 83. Lebensjahr, sondern 1983 geboren.
Mit alldem ist die Frage, warum ausge-
rechnet in dieser so historischen Stadt die
Konzentration von bedeutenden Galerien
der Moderne derart hoch ist, noch nicht hin-
länglich beantwortet. Vielleicht liefert die An das Galeriehaus im Bauhaus-Stil von
Biografie von Thomas von Salis dennoch ein Waltraud und Mario Mauroner, hier mit
paar Hinweise: Man muss bereit sein, Salz- Kunst am Bau von Paolo Grassino, schließt
burg zu verlassen, um hier Erfolg zu haben. sich ein Skulpturenpark an
Aber man sollte, egal wo man hingeht, stets
ein Stück davon mitnehmen. Denn Salzburg
hat nun einmal Kunst im Blut. ×
Schmuck und Silber des 20. Jahrhunderts
Dreifaltigkeitsgasse 4 · A-5020 Salzburg
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»Ein bunter Mix«
Was charakterisiert die Galerienszene in Salzburg? Welche Rolle spielen die
Festspiele? Und hat es junge Kunst schwerer als alte? Ein Gespräch
Zwei Frauen, die sich seit Jahren
für die Galerien in Salzburg stark-
machen: Dr. Ulrike Reinert führte
selbst 13 Jahre lang eine eigene Ga-
lerie mit dem Schwerpunkt auf
junger zeitgenössischer Kunst aus
dem deutschprachigen Raum.
Heute arbeitet sie als freie Kunst-
vermittlerin und Art Consultant
und ist als Berufsgruppenspreche-
rin für den Kunst- und Galerien-
handel bei der Wirtschaftskammer
Salzburg tätig. Dort ist Magistra
Michaela Abfalter als Gremialgeschäftsführe-
rin seit 2007 ihre Ansprechpartnerin, wenn es
um die Unterstützung der Galerien geht.
Wie würden Sie die Galerienszene in Salz-
burg charakterisieren?
reinert: Wir haben hier eine vergleichswei-
se kleine Szene, die sich im Wesentlichen auf
das Stadtzentrum konzentriert. Keine Groß-
stadtsituation mit verschiedenen Galerien-
vierteln, sondern eine überschaubare Dimen-
sion. Und dennoch haben wir eine sehr
große Bandbreite von Galerien: von der Pro-
duzentengalerie bis zur Blue-Chip-Galerie,
von jungen Künstlern bis zu bekannten,
etablierten Namen.
abfalter: Es ist dieser bunte Mix von Gale-
rien, der Salzburg auszeichnet. Eine lebendi-
ge Szene, die sich weiterentwickelt. Und für
jeden ist etwas dabei – vom versierten inter-
nationalen Sammler bis zum Erstkäufer.
Was sind die Vorteile des Standorts Salzburg?
reinert: Der Standort ist sehr gut, die An-
bindung nach Wien und München ist gege-
ben. Wir liegen eigentlich mitten im Zen-
trum von Europa. Und der Vorteil ist: Hier
I N T E RV I E W
Dr. Ulrike Reinert und Mag. Michaela Abfalter
kennt jeder jeden, der mit Kunst und Kultur
zu tun hat. Das ermöglicht kurze Wege und
gute Kooperationen, wie etwa unseren ge-
meinsamen jährlichen Galerienführer.
abfalter: Die Galerien spielen eine beson-
ders wichtige Rolle für den Wirtschaftsstand-
ort Salzburg. Wir haben hier viele Galerien,
die sich über Jahre hinweg etabliert haben
und über eine große internationale Ausstrah-
lungskraft verfügen. Die Galerienszene ist
sehr wichtig, gerade zur Festspielzeit, wo die
Besucher tagsüber auch gerne andere Kunst-
erlebnisse haben wollen und das Galerienan-
gebot sehr zu schätzen wissen.
Was passiert, wenn die Festspiele vorüber
sind? Kehrt dann gemächliche Ruhe ein?
reinert: Natürlich ist das Galeriegeschäft
von saisonalem Denken geprägt. In der Fest-
spielzeit ist richtig viel los, da konzentriert
sich das Publikum. Tatsächlich ist den Gale-
rien sehr daran gelegen, das gesamte Jahr
über qualitätvolle Ausstellungen zu zeigen.
abfalter: Um die »Festspiellücke« zu füllen,
veranstalten wir als Wirtschaftskammer seit
mehreren Jahren gemeinsam mit einer Salz-
burger Kunsthistorikerin Galerieführungen,
16
Bilder: DomQuartier/Kolarik; Fotoatelier Wolkersdorfer/Wirtschaftskammer Salzburg
wo wir versuchen, Menschen für
die Kunst zu begeistern und die
Kunst erleb- und spürbar zu ma-
chen. Da scheuen wir uns auch
nicht, mit ganz einfachen Fragen
zu beginnen – wie: Was meint der
Künstler eigentlich damit?
reinert: Ja, diese Galerieführun-
gen werden sehr gut angenom-
men. Das ist eine außergewöhnli-
che Initiative, meines Wissens gibt
es das in keiner anderen Stadt.
Stimmt es, dass in Salzburg ein eher konser-
vativer Kunstgeschmack vorherrscht?
reinert: Salzburg ist sicherlich eine eher tra-
ditionell orientierte Stadt, was wohl auch mit
seiner reichen Geschichte zu tun hat. Das
stellt für Galerien, die neue Kunstpositionen
vertreten, eine gewisse Herausforderung dar.
Aber ich bin der Meinung, es kann heute, wo
für die Galerien auch die nationalen und in-
ternationalen Messen immer wichtiger wer-
den, nicht mehr nur um das lokale Denken
gehen. Der Radius der Wahrnehmung hat
sich hier stark erweitert.
Wo sehen Sie noch Entwicklungspotenzial?
abfalter: Potenzial sehe ich noch in einem
stärkeren Miteinander der Akteure. Da ver-
suchen wir auch, Impulse zu geben, etwa mit
den Salzburger Kunstgesprächen, die dieses
Frühjahr zum zweiten Mal stattfanden. Eine
Veranstaltung gedacht als Plattform für die
Szene, als Get-together, wo man sich zwang-
los austauschen kann und vielleicht gemein-
sam Ideen entwickelt. Dieses Format wird
gut angenommen und wir würden es gerne
inhaltlich weiterentwickeln, etwa durch die
Einladung interessanter Gesprächspartner.
 Denk
Kunst ist
eine LEIDENSCHAFT,
die wir gerne teilen.
Foto: Städel Museum

Kunstversicherung

Für Informationen wenden Sie sich bitte an:

„+43121175-3932, Untere Donaustraße 21

1029 Wien, Österreich

„+49 221 92042-104, Richmodstr. 6

50667 Köln, Deutschland

„+44 207 78162649, Gallery 4

12 Leadenhall Street, London, EC3V 1LP, UK

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 WA L K OF MODE R N A RT

Im Vorbeigehen
Seit 2002 lädt die Salzburg Foundation renommierte Künstler ein, sich mit der
Stadt zu beschäftigen. Das Ergebnis: ein grandioser Skulpturenparcours

VON
CHR ISTI A N E M EI X N ER

Bild: Stefan Zenzmaier/Salzburg Foundation/Anthony Cragg/VG Bild-Kunst, Bonn 2015

Für die Stadtlandschaft

Drei Skulpturen von Tony Cragg, darunter die Bronze »Mixed Feeling« (o.), standen vergangenes
Jahr unterhalb der Festung Hohensalzburg. Nun setzt die Salzburg Foundation mit dem
»Kunstprojekt Krauthügel« ihren »Walk of Modern Art« fort. Mit leichten Veränderungen: Die
Werke sind nun nicht mehr nur in der Stadt, sondern auch im Grünen zu sehen – allerdings
nicht mehr auf Dauer. Diesen Sommer folgt der Chinese Zhang Huan mit der Arbeit »My Temple«.

18
 Felsenbild
Bilder: Wolfgang Lienbacher/Salzburg Foundation/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Manfred Siebinger/Salzburg Foundation/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Wolfgang Lienbacher/Salzburg Foundation/VG Bild-Kunst, Bonn 2015

Die »Frau im Fels« gehört zu einem Paar.

Allerdings hat Stephan Balkenhol die
beiden Figuren getrennt: »Sphaera«, ein
hölzerner Mann mit Goldkugel, steht
prominent auf dem Kapitelplatz, die
»Frau im Fels« verbirgt sich im Toscanini-
hof. Er misst neun Meter, sie gerade
einmal 140 Zentimeter. So dekliniert der
Künstler die Möglichkeiten der Bild-
hauerei, setzt das Monumentale gegen
das Subtile und spielt nicht zuletzt auf
Sakrales an, wenn er die weibliche Figur
wie eine Grottenmadonna inszeniert –
wobei sie ein modernes Etuikleid trägt.

Keine Saure-Gurken-Zeit
Das vornehmste Sujet der Bildhauerei? Ist der Mensch, dessen Körper
die Antike idealisierte, während die Moderne das Individuelle betont.
Von dort ist es ein kleiner Schritt zu den »Gurken« von Erwin Wurm.
Der österreichische Künstler hat sie 2011 im Furtwänglerpark ohne
Sockel direkt auf dem Gehweg verankert. Für ihn besitzt das Gewächs
viel Menschliches, allein schon, weil keine aussieht wie die andere.
Wurm, der sich selbst auch schon als Gurke porträtierte, fordert die
Parkbesucher mit seinem typisch skurrilen Humor zur Auseinander-
setzung auf. Auch mit den klassischen Bronzen im Park, die zeigen,
wie radikal sich der Begriff der Skulptur gewandelt hat.

Gegensätze aus Stahl

Aus den virtuellen Entwürfen, die
Manfred Wakolbinger am Computer
generiert, werden große Skulpturen aus
Edelstahl. Dass sich »Connection«, sein
Beitrag für das Kunstprojekt Salzburg
von 2011, nicht organisch in das Stadt-
bild einfügt, ist vom Wiener Künstler
durchaus gewollt. So fällt das Werk am
Rudolfskai zwischen Stadtmauer und
Salzach schon von Weitem auf. Wakol-
binger begreift den Ort als »Bühne«, auf
der das Werk mit seinen sich öffnenden
Enden zwischen der manifesten Salz-
burger Architektur und ihren mobilen
Bewohnern vermittelt.

19
 WA L K OF MODE R N A RT

Verbinden und erinnern

Bilder: Wolfgang Lienbacher/Salzburg Foundation/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Franz Neumayr/Salzburg Foundation/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Wolfgang Lienbacher/Salzburg Foundation/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
Wie eine Miniatur des Urbanen, ein Konzentrat aus Licht
und Bewegung, wirkt die Arbeit von Brigitte Kowanz. Die
Wiener Künstlerin, Trägerin des Großen Österreichischen
Staatspreises, hat »Beyond Recall« an vier markanten
Punkten der Salzburger Staatsbrücke installiert, um auf
die Funktion des Bauwerks hinzuweisen: als Knotenpunkt,
Verbindung zwischen Alt- und Neustadt oder beliebtes
Touristenmotiv. Im Innern der Spiegelkästen vervielfachen
sich Schriftzüge wie »Dedicated Secret« – aber auch ein
Text zum Gedenken an jene Zwangsarbeiter, die die Brü-
cke in den Vierzigerjahren errichten mussten.

Musik liegt in der Luft

Hoch oben thront der Komponist, drumhe-
rum kann jeder sitzen, der Ruhe und Besin-
nung sucht. »Spirit of Mozart« hat Marina
Abramović ihre »interaktive Installation« von
2004 genannt. Acht Plätze bietet die Arbeit,
der neunte auf seinen 15 Meter langen Beinen
bleibt leer und symbolisiert die Musik – für
die Künstlerin schon immer ein Mittel, um
Gefühle zum Ausdruck zu bringen. Wer auf
einem ihrer Stühle sitzt, kehrt der Stadt den
Rücken und wendet sich zum ruhigen Fluss.
Wer unter Mozarts Stuhl steht, blickt nicht –
wie man denken könnte – auf eine Sitzfläche.
Sondern in den Himmel. »Der Geist ist
etwas Unsichtbares, aber wenn man ihm
einen Sitz errichtet, wird das Unsicht­bare
sichtbar«, glaubt Marina Abramović.

Hoffnungsträger
Am Eingang der Salzburger Universität zieht »Awilda« die Blicke
auf sich. Jaume Plensa hat die Skulptur aus weißem Marmor 2010
nach einem Mädchen aus Santo Domingo gestaltet. »Einer dieser
Menschen, die auf der Suche nach einem besseren Leben nach
Europa gekommen sind«, sagt der spanische Künstler. »Awilda«
soll ihnen ein Gesicht geben und die alte Festungsstadt daran erin-
nern, das Traditionen ebenso wichtig sind wie die Öffnung nach
außen. Geschichte, so Plensa, entsteht aus Überlagerungen – auch
dafür steht das monumentale Porträt.

20
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PHILIPPE DECRAUZAT
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22
 S C H M UC K

Geist und Glanz

Salzburgs Pracht entfaltet sich nicht nur in den Festspielen und Kunstmuseen,
den Bauten und schneebedeckten Gipfeln, auch die Juwelierskunst brilliert
hier mit sinnlicher Extravaganz. Drei Meister des funkelnden Faches im Porträt

VON
I N G E B ORG H A R M S
Bild links: Sigrid Reinichs; Bild rechts: Juwelier Lährm

E
Es gibt viele Gründe, nach Salzburg zu reisen,
die Musik, die Landschaft, die Kirchen und
Konditoreien. Dass auch die Schmuckkultur
dazugehört, ist fast nur Liebhabern bekannt.
Dabei spiegelt sich der musische Geist der
Stadt gerade im Flair ihrer Juweliere. Das An-
gebot reicht zurück bis ins 18. Jahrhundert
und verführt zugleich durch Neuschöpfun-
gen und Überarbeitungen von sinnlicher Di-
rektheit und spielerischer Modernität.
So eigenwillig die Entwürfe sind, so
sehr sind sie doch einer Tradition verpflichtet,
die bis in die Römerzeit reicht, sich vom Ba-
rock beflügeln ließ und in den Meisterwer-
ken des Biedermeiers, Jugendstils und Art
déco frische Quellen fand. Das Selbstbe-
wusstsein des Salzburger Bürgertums ver-
dankte sich nicht zuletzt dem florierenden Opulentes Armband von Gerhard Lährm mit Motten-
Salzabbau. Und der daraus resultierende motiv, aus grünen Granaten, Brillanten und Olivinen.
Reichtum trug viel zur Entfaltung der loka- Li. Seite: Blick in die Vitrine von Lährm am Universi-
len Schmuckkunst bei. Seit den Achtziger- tätsplatz, in der Mitte eine Lederkette mit Bergkristall

23
 S C H M UC K
jahren hat das nachlassende Interesse an Vin-
tageschmuck den Juwelieren zudem eine
große Zahl von Preziosen in die Hände ge-
spielt, deren Neugestaltung interessante He-
rausforderungen mit sich brachte. Allerdings
ist das Zwiegespräch mit den Stilen der Ver-
gangenheit nicht nur ein heutiges Phänomen.
Man denke nur an die Ausstellung »Wieder-
verwendeter Schmuck an barocken Mons-
tranzen«, die das Salzburger Dommuseum
gerade zeigt. Nicht zu sehen ist die Mons-
tranz der Müllner Kirche, in der die Leibju-
welen Salome Alts aufbewahrt sind, der Mä-
tresse des Fürsterzbischofs Wolf Dietrich von
Raitenau. Nach seinem Tod im Jahr 1617 trug
sie nur noch Schwarz und stiftete ihren
Schmuck der Kirche.
Im Schatz-Durchhaus zwischen Getrei-
degasse und Universitätsplatz, direkt neben
dem Geburtshaus Salome Alts, trifft man auf
Ulf Englichs Vitrinen. Seit seinem Tod führt
sein Geschäftspartner Franz Wagner das Un-
ternehmen. Gleich einem Wunderkammer-
gehäuse liegt die Boutique mitten im Trubel
der Altstadt, der Traditionsbäckerei Schatz
gegenüber. Dirndl-Blütenkreuze, Samurai-
schwertornamente und alte Lava-Kameen ru-
hen neben venezianischen Mohrenköpfen
und einem Cut-Steel-Collier von 1800. Franz
Wagners Kreationen können sich in dieser
Nachbarschaft bestens behaupten. Seine
Montagen sind voller Witz, formal abwechs-
lungsreich, kontrapunktisch komponiert.
Neben unfehlbarem Sinn für Eleganz und
einer Sensibilität für die Alchemie der Far-
24
Aus einer Conch geschnittene Brosche, mit
Rubellit, Diamanten, Saphiren und Tsavo­
riten, Englich Wagner. Oben der verstorbene ­
Firmengründer Ulf Englich, u. eine Brosche
aus Gold und brüniertem Silber mit antiken ­
Rosendiamanten, Englich Wagner. Re: Franz
Wagner mit seinen Girandole-Entwürfen
ben besitzt der gelernte Bautechniker und
passionierte Gärtner ein feines Gefühl für
Proportionen. Seine Umarbeitungen und
Entwürfe kombinieren organische mit kris-
Bilder: Englich & Wagner; Sigrid Reinichs (2)
tallinen Formen, opake mit glänzenden
Oberflächen, mischen sorglos Edelsteine mit
Halbedelsteinen, wenn das Farbenspiel es
fordert. Der Juwelier zaubert mit dem leuch-
tenden Orange des Karneols, der schon die
Griechen faszinierte, weiß neben Amethys-
ten, Rubinen und Smaragden den Zitrin zu
inszenieren, den grünen Peridot, die Schat-
tierungen des Bernsteins und den Bergkris-
tall, bei dem er bewusst nach Einschlüssen
sucht: »Er sieht wie ein Eiswürfel vor dem
Zerspringen aus.«
Mit einem der von ihm hochgelobten
Salzburger Goldschmiede hat er eine Dia-
mantschleife entwickelt, die seine Girando-
len hält und bei jeder Bewegung kleine Fun-
ken sprüht. An die Stelle dieses »Mascherl«
kann auch eine herzförmige Diamantrose
treten: »Wir adoptieren ein Erbstück und
hängen etwas ein.« Beschädigte Armbänder
werden zerlegt und ihre Teile neu kombi-
niert, Gemmen, einst Mitbringsel der Grand
Tour, werden kontrastierend gefasst, einem
historischen Elfenbeinkopf wird aus einem
reizvollen Opal ein Schild modelliert und
ein Federbusch à la Cary Grant in »Über den
Dächern von Nizza« aufgesteckt. Einen
Emailleanhänger aus den Fünfzigern, in dem
ein Altschliffdiamant Unterkunft fand, ar-
beitet Wagner zum Ring um und aktualisiert
ein italienisches Miniaturmosaik-Medaillon
durch einen plastischen Korallenanhänger.
»Man kann alle Kompositionen zerlegen, ver-
kürzen, für wechselnde Gelegenheiten pas-
send machen. Das habe ich vom alten
Schmuck gelernt.« Leichtigkeit ist unerläss-
 Bild: Sigrid Reinichs

25

lich: »Sie macht den Charme aus. Aber die
dünnen Fassungen sind nur mit der Hand zu
machen.«
Den alten Schmuck erörtert er hinge-
bungsvoll, begeistert sich für den Zauber ei-
nes Diadems aus böhmischem Granat, be-
schwört das Nachkriegs-Wien herauf, in
dem die Damen Saisonbroschen mit Veil-
chen-, Maiglöckchen-, Haselnuss- und Berbe-
ritzenmotiven zu ihren Dior-Kostümen tru-
gen, lobt die rückseitig gehämmerte
Ausarbeitung eines venezianischen Girando-
len-Paars und schwärmt von der Schwerelo-
sigkeit des Barock. Immer wieder öffnet sich
die Tür und eine Stammkundin schneit he-
rein, erbittet eine Skizze für die Umarbei-
tung eines Schmuckstücks, probiert ein Ohr-
juwel an oder plaudert nur ein wenig.
»Salzburg hat eine unglaubliche Energie«,
sagt Franz Wagner, der von Individualität
und Euphorie spricht, wenn er sich über sei-
S C H M UC K
ne Schätze beugt. Er ist der eindeutige Lieb-
ling der Salzburger Damenwelt. Zuvorkom-
mend, weltgewandt und frei von jeder
Attitüde, trägt er seine maßgeschneiderten
Gerhard Lährms Entwürfe Loden doch wie ein Dandy und ist ein siche-
rer Favorit für die Diamantanstecknadeln in
erinnern in ihrer seinem Sortiment.
Wucht und dramatischen Am Universitätsplatz um die Ecke, in
der Hausnummer 5, liegt das von blühendem
Pracht an geheimnis- Blauregen gerahmte Hauptgeschäft Gerhard
Lährms. In den Auslagen ziehen die prächti-
volle Tiefseekreaturen. gen Colliers, Armbänder und Broschen den
Blick auf sich, für die der Juwelier berühmt
ist. Nachdem er in Südafrika und Deutsch-
land als Schmuckdesigner debütierte, eröff-
nete der Goldschmiedemeister im Salzburger
Elternhaus sein erstes Geschäft. 1996 und
1998 gewann er den Diamonds – Internatio-
nal Award. »Den 96er-Entwurf habe ich in
einem Flughafen auf einer Serviette kreiert.
Die ganzen Zettel habe ich noch.«
Unter Salzburgs Juwelieren beansprucht
Gerhard Lährm die Mozart-Position: »Wenn
ich entwerfe, dann lege ich all meine Mate-
rialien und Steine zusammen. Ich beginne
wie ein Komponist. Ich habe keinen Einfluss
darauf, es ist auf einmal da. Das ist wie ein
Puzzle und wird sofort fotografiert. Wenn
Sie es erst wegräumen, bekommen Sie es
Bild: Juwelier Lährm
beim zweiten Mal nie mehr so hin. Wenn ich
eine gute Zeit habe, dann mache ich an ei-
nem Vormittag 20 verschiedene Ohrgehänge.«
Doch ganz entfalten kann sich Gerhard
Lährm erst bei Entwürfen von großer Dichte
wie dem siebensträngigen Collier aus oliven-
großen Türkisachaten mit einer imposanten,
von Amethysten und Chalcedonen gekrön-
ten Brillantarabesken-Schließe. Er liebt chro-
matische Farbstudien, durch die dann die
Blitze der Juwelen fahren. Ein raffiniertes Pla-
tincollier aus Brillanten und Aquamarinen
lugt unter einem vielsträngigen Weißgold­
collier mit eingestreuten Brillanten hervor,
dessen Franse ein großer Aquamarin zusam-
menhält. Oder man nehme das vielsträngige
Collier aus Iolithen, Saphiren und Aquama-
rinen, das eine antike Blütenschließe krönt.
Immer geht es um den Eindruck des Über-
flusses, der das Kostbare nicht minutiös aus-
stellt. Der Juwelier spricht von seinem Schaf-
fen auch als von einem »Zusammenschieben«
der Elemente. Und es braucht die jüngste
Computertechnik, um das, was seinen spie-
lerischen Versuchen vorschwebt, am Dekol-
leté zu realisieren: »Man kann phänomenale
Dinge konstruieren, die auf dem Papier un-
möglich sind.« Statt zu skizzieren, verfährt er
wie ein Bildhauer oder Couturier an der Pup-
Gerhard Lährm gehört zu den kreativen
Köpfen der Salzburger Schmuckszene.
Seine Spezialität sind opulente Colliers
26
 pe, in Tuchfühlung mit dem Ergebnis. Fünf
Salzburger Werkstätten realisieren seine Ent-
würfe, die angesichts der Wucht und drama-
tischen Pracht der Broschen, Armbänder
und Ringe an geheimnisvolle Tiefseekreatu-
ren erinnern. »Oder Blumen«, sagt der Juwe-
lier: »Die kann man wundervoll nachkreie-
ren. Alles, was groß ist. Die Natur ist
inspirierend, allein durch die Formen. Neh-
men Sie die Käfer her, die Vögel, Schmetter-
linge, Knospen.«
Daheim hat Gerhard Lährm sich einen
Jugendwunsch erfüllt und einen Park nach
seinen Vorstellungen entworfen. »Ich kann
dort wandeln, und so ein Garten hört nie auf
zu wachsen.« Wie bei seinen Schmuckkrea-
tionen hat er die Terrainformationen intuitiv
vor Ort geschaffen und dafür anstelle eines
Goldschmieds einen Baggerfahrer dirigiert.
Dieser Vergleich gefällt ihm: »Ja, genau. Das
Modellieren der Landschaft, da sage ich, dort
hinauf und da hinunter.« Getreu seiner Lie-
be zum Maximalen hat er erwachsene Bäu-
me gepflanzt: »Das ist die einzige Form, in
der man sich Zeit kaufen kann.«
Doch Zeit lässt sich auch mit Umarbei-
tungen gewinnen. Neben antikem Schmuck
vom Biedermeier bis zum Jugendstil und Art Brosche mit Achatgemme und Zirkonen
déco spielen sie eine Hauptrolle für Gerhard
Bilder: Juwelier Lährm (2)

von Lährm. Unten: Die Ohrklipse aus

Lährm. Eine seiner Spezialitäten sind große
Karrees mit Juwelenpavé, die er wie Bilder-
rahmen mit antiken Kleinoden füllt, Dia-
mantfächern des Empire, Arabesken, Bieder-
meier-Kleeblättern und Emailleveilchen des
Jugendstils. Oder er fügt sieben diamantin-
krustierte Herzen des späten 19. Jahrhun-
derts zu einem Glücksarmband zusammen.
Auch wenn die Exzentrizität des Salzburger
Maestro in der internationalen Haute Joaille-
rie durchaus ihr Echo findet, sieht er sich in
keiner Nachfolge: »Ich habe immer gemacht,
den 1950er-Jahren mit Brillanten und gel-
bem Saphir erhielten bei Gerhard Lährm
einen modernen Rahmen aus Zirkonen
was mir gefallen hat. Die Trends, die ich kre-
iert habe, sind meine Trends.«
Bleibt nur die Frage nach der Trägerin
von so viel Opulenz. »Damit kann sich nicht
jeder identifizieren«, räumt der Juwelier ein:
»Aber ich habe eine außergewöhnliche Klien-
tel. Es gibt etwa eine Kundin, die selbst gera-
de 45 Kilo wiegt und meine Colliers trägt.
Diese Dame kann sich umhängen, was sie
möchte. Das wird niemals ordinär ausschau-
en. Wenn man Persönlichkeit hat, kann man
noch so zart und klein sein, dann er-
schlägt die Kette Sie nicht, dann kön-
nen Sie noch eine draufhängen.«
Über die Salzach, in der
Dreifaltigkeitsgasse 4, liegt die
Galerie von Maria und Eva
Pintar. Auf dieser Seite der Alt-
stadt geht es noch traditioneller und
weniger touristisch zu. Über dem Ge-
schäft klopft ein Gürtelmacher nach altem
Rhythmus sein Leder. Dabei sind die Pintars
wohl die am sichersten in der Moderne ver-
ankerten Juweliere der Stadt. Ihr Repertoire
konzentriert sich aufs 20. Jahrhundert: hoch-
karätiger Schmuck von ersten Adressen wie
Cartier, Tiffany und Van Cleef & Arpels,
eine museumsreife Sammlung von Art-déco-
Panzerarmbändern und dänisches Silber von

27
 den ließ. Man kann sich kaum zwei harmo-
nischere Geschäftspartner denken. Sie leben
ihren Schmuck und bevorzugen in der Klei-
dung dezente Farben, die nicht von ihrem
Gold- und Brillantgeschmeide ablenken:
»Wir haben den gleichen Geschmack, wir
kaufen immer nur zusammen ein.« Mutter
und Tochter haben sich auf ein Gebiet spezia-
lisiert, das oft vernachlässigt wird: geistrei-
chen, tragbaren Tagesschmuck. Hier finden
sich so leise Kleinode wie zwei zu Girlanden
gedrehte Goldohrringe von Tiffany oder ein
Vierzigerjahre-Cartier-Kleiderklip in Zwei-
farbengold. Auch die entzückenden, mit Sa-

Bilder: Sigrid Reinichs; Pintar (2)

phiren und Brillanten besetzten Goldohrrin-
ge in grappengefasster Blütenform nebst
passendem Ring sind eine perfekte Beglei-
tung zu jedem Kostüm. Sie stammen aus den
zu wenig gewürdigten 1970er-Jahren, wie die
mit Türkisen und Brillanten versehenen Ohr-
ringe von Van Cleef & Arpels oder der Gold-
armreif von Pomellato, den Türkis- und La-
pislazuli-Brombeeren schmücken. Und um
Georg Jensen und Hingelberg. Besonders Maria Pintar und ihre Tochter Eva führen jeden Zweifel an der Durchsetzungsfähigkeit
schöne Kannen stammen vom Hingelberg- ihr Geschäft gemeinsam, Schwerpunkt ist Maria Pintars zu zerstören: Jedes Objekt wird
Designer Svend Weihrauch, der seine Tätig- Schmuck des 20. Jahrhunderts. O. goldene mit einem Pass versehen, der neben einem
keit beendete, als sein Arbeitgeber auf Serien- Ohrringe mit Türkisen und Brillanten, Van guten Foto die gemmologischen und histori-
anfertigung umstieg. Seine seltenen, mit Cleef & Arpels, Paris um 1970, u. Pomellato- schen Informationen in der Handschrift von
Elfenbein- oder Ebonitgriff versehenen Gar- Armreif mit Lapislazuli und Türkisen Herrn Pintar senior enthält.  ×
nituren sind schnörkellos und elegant ge-
schwungen. Und damit ist auch die Ästhetik
der Pintars auf den Punkt gebracht. Solange
ihre Kinder klein waren, hat Maria Pintar le-
diglich zum eigenen Vergnügen gesammelt
und sich, learning by doing, eine Expertise er-
worben. Auf Auktionen sei ihre Begeiste-
rung filmreif gewesen: »Ich war gewohnt, die
Leute zu überbieten. Aber wenn mein Mann
dabei war, hat er meine Hand runtergetan,
nur habe ich die andere wieder gehoben.«
Als sich Freundinnen für ihre wachsen-
de Kollektion zu interessieren begannen, er-
öffnete sie ihr eigenes Geschäft – schweren
Herzens: »Aber alles habe ich doch nicht
zum Verkauf gegeben.« Unterstützung er-
hielt sie von ihrer Tochter Eva, die in Wien
Kunstgeschichte studierte und sich danach
in Idar-Oberstein zur Gemmologin ausbil-

28
Festspielausstellung in Salzburg

Roberto Almagno
23.07.–12.09.2015

GALERIE FREY Salzburg

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mo–fr: 11:00 a.m.–6:30 p.m.
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 SOM M E R A K A DE M I E

Wo ist der Sinn?

Der diesjährige Jahrgang der Internationalen Sommerakademie
versucht grundsätzliche Fragen zu beantworten

D
ie 1953 von dem Maler Oskar
Kokoschka als »Schule des Se-
hens« ins Leben gerufene Inter-
nationale Sommer­akademie in
Salzburg ist eine der ältesten und beliebtes-
ten ihrer Art. Alljährlich versammelt die Ver-
anstaltung, von der mancher Teilnehmer
schwärmt, sie sei das »schönste Atelier« der
Welt, rund 300 Teil­nehmer aus aller Herren

Bilder: Pia Streicher/Summeracademy (2); Tomasz Kowalski/Summeracademy

Länder in ihren Kursen.
Das Motto in diesem Jahr lautet »Be-
deutung herstellen«, in Anlehnung an den
Kurstitel des kanadischen Foto- und Video-
künstlers Jayce Salloum. Dabei wird der Fra-
ge nachgegangen, welche Praxis in unserer
vom Finanzkapitalismus geprägten Gesell-
schaft, in der auch die Kunstwelt zuneh-
mend von Geld- und Kapitalströmen be-
herrscht wird, noch Sinnhaftigkeit erzeugt
und wie Bedeutung mit künstlerischen, kri-
Was früher Staffelei und Pinsel für den
tischen und kuratorischen Mitteln herge-
Künstler waren, ist heute das Notebook:
stellt werden kann. Viele Künstler und Teilnehmerinnen des vorigen Jahrgangs,
Künstlerinnen widmen sich auf sehr ver- vertieft in ihre Aufgaben. Aber auch das
schiedene Weise diesen Themen. Ihr Ansin- Handwerk (u.) ist noch gefragt. Re. ein Bild
nen ist es, ein tieferes Verständnis für die ge- von Tomasz Kowalski aus dem Jahr 2014
genwärtige Welt zu gewinnen und mit ihren
künstlerischen Reaktionen neue Lesarten zu
ermöglichen.
Von den insgesamt 21 Kursen, die vom
20. Juli bis 29. August angeboten werden, fin-
den 18 auf der Festung Hohensalzburg statt,
einer im Kiefer Steinbruch in Fürstenbrunn
sowie zwei in der Stadt Salzburg, davon einer
im öffentlichen Raum. Zu den Novitäten in
diesem Jahr gehört das Angebot des Künst-
lers Bernhard Cella, der sein Atelier als Buch-
handlung betreibt, um zusammen mit den
Kursanten eigene Publikationen von der ers- sche Aspekte verbindet und sich auf den Stra- ist Tobias Zielony, der gerade im deutschen
ten Idee bis zum fertig gedruckten Buch zu ßen und Plätzen Salzburgs entfalten wird. Pavillon in Venedig für Furore sorgt. Er wird
realisieren. Der amerikanische Comiczeich- Gespannt sein darf man auch auf die mit fotografischen Mitteln untersuchen, wel-
ner Ben Katchor verfolgt einen interessanten Kurse von Doug Ashford und Maha Maa- che kulturellen Hintergründe und Erfahrun-
Ansatz: Er nimmt Bildgeschichten zum Aus- moun. Während der Teilnehmer an der do- gen Einwanderer oder Flüchtlinge mit nach
gangspunkt für zu entwickelnde performati- cumenta 13 das »Nicht-Menschliche« zum Salzburg bringen.
ve Projekte, die Sprache oder Gesang und Bil- Thema macht, erkundet die ägyptische Vi- Auch wenn die Akademie 62 Jahre zählt,
der zur Aufführung bringen. Die deokünstlerin unter dem Titel »Sie waren ihrem Programm merkt man das keineswegs
Architektengruppe feld72 leitet einen Kurs wie Tiere« mit ihren Studierenden in ver- an – so wie es mit wachem Interesse unsere
zum Thema Kunst im öffentlichen Raum, schiedenen Medien Formen menschlicher Zeit begleitet.  JEANNETTE RICHTER
der erstmals an der Sommerakademie archi- Gesellschaften, Kulturen und politischer
tektonische, städtebauliche und künstleri- Strukturen. Ein weiterer prominenter Gast Programm unter www.summeracademy.at

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D
ie »Sala terrena« ist einer der
schönsten Räume der Stadt.
Neun Meter misst es bis zur

Bilder: Galerie Salis/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Sigrid Reinichs

prunkvoll freskierten Decke,
die Halle darunter erstreckt sich auf gut
200 Quadratmetern und ist doch selbst vielen
Salzburgern kaum präsent, da sie, als zur
Universität gehörig, nicht so ohne Weiteres
zugänglich ist.
An diesem exklusiven Ort wird es vom
8. bis zum 23. August einen Pilotversuch ge-
ben. Die alte Art Salzburg ist tot, es lebe die
neue! Nachdem die bisherige, von einem
Wiener Veranstalter ausgerichtete Sommer-
messe nie richtig überzeugen konnte und der
Hof Dietrichsruh wegen Baumaßnahmen
für den Aufbau einer Halle nicht mehr zur
Verfügung stand, ergriffen fünf Kunsthänd-
ler beherzt die Chance. Besser als keine Messe
ist eine kleine Messe, sagten sie sich und ent-
wickelten ein Format in konzentrierter
Form. Dabei schwingt auch leise Kritik am
vormaligen Konzept mit, das mehr auf Mas-
se als auf Klasse setzte. Jede Messe ist immer
nur so gut wie ihr schwächster Teilnehmer,
sagt eine alte Händlerregel. Und, Hand aufs
Herz, harmonieren Bauernmöbel und Blue-
Chip-Gemälde wirklich gut miteinander?
Von solch einem »Gemischtwarenla-
den« ist die neue Art Salzburg weit entfernt.
Sie orientiert sich eher an Beispielen wie der
Highlights in München oder der Tefaf in
Maastricht, auch wenn der Weg bis zu deren
Dimensionen und Erfolgen noch sehr weit
ist. Die fünf Teilnehmer bürgen auf jeden
Fall für das angestrebte Qualitätsniveau. Aus
Wien kommen gleich drei. Die Galerie
Johannes Faber hat sich auf internationale
klassische und moderne Fotografie von 1890
bis 1980 spezialisiert, vertritt aber auch be-
kannte zeitgenössische Fotografen. Das
Maurice de Vlaminck malte seine »Paysage
bleu« um 1910, das Bild ist bei Salis zu er-
werben. Unten ein Blick in die »Sala terrena«
der Universität, dem neuen Messeort
Spektrum der Galerie Ruberl reicht von der
Klassischen Moderne bis hin zu den österrei-
chischen Künstlern der Avantgarde nach
1945. Illustre Namen wie Oskar Kokoschka,
Arnulf Rainer oder Franz West zieren ihr
Programm. Wienerroither & Kohlbacher set-
zen hingegen ihren Schwerpunkt auf die
Kunst in Wien um 1900 mit Glanzlichtern
wie Schiele, Klimt oder Kubin.
Einziger Vertreter aus Deutschland in
dem Quintett ist Beck & Eggeling aus Düssel-
dorf, deren Fokus auf dem deutschen Expres-
sionismus, der Klassischen Moderne, aber
auch Nachkriegskunst wie Zero liegt, die ge-
rade eine fulminante Neubewertung erfährt.
Vor Ort in Salzburg hält Thomas Salis als Spi-
ritus Rector die Fäden in der Hand, dessen
Galerie europäische Kunst des 20. Jahrhun-
derts mit besonderer Konzentration auf die
französische und deutsche Moderne präsen-
tiert. Wenn der Auftakt gelingt, soll es im
nächsten Jahr weitergehen. Dann aber mit
mindestens vier- bis fünfmal so vielen Teil-
nehmern.  JEANNETTE RICHTER

32
 AUSSTELLUNG
13 BIS 29 AUGUST 2015

UNIVER SIT ÄTSPLATZ 5

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MUSEEN
Bild: HG Esch/DomQuartier

Traum des Barock: das Domquartier mit der Residenzgalerie

36
Museum der Moderne / Rupertinum
Stadtgalerie Zwergelgartenpavillon

37
Bergbau- und Gotikmuseum Leogang
Stadtgalerie Säulenhalle Rathaus

38
Stadtgalerie Lehen
Traklhaus

T E X T E A N TON GUGG
 M U SE E N
WIRKLICHES LEBEN?/
CHARLOTTE SALOMON / E.A.T.
Museum der Moderne /Rupertinum
Diese Ausstellung geht unter die Haut: Die Bilder von
Charlotte Salomon erinnern wie Anne Franks Tagebuch an
die finstere Seite des 20. Jahrhunderts. Aufgewühlt blickt man
auf das künstlerische Vermächtnis der mit 26 Jahren in ­
Auschwitz ermordeten Berliner Jüdin: Hunderte von über
1000 Blättern, auf denen sich die Sphären von Leben und
Kunst, von Bild, Text und Musik gegenseitig durchdringen.
Ein Ausschnitt aus dem geretteten, hastig vor dem Tod hinge-
worfenen malerischen Schaffen der jungen Künstlerin. Die
Sommerausstellungen im Museum der Moderne/Rupertinum
zielen auf das Herz – und auf die zentralen Nervenstränge der
Nachkriegsavantgarde: E.A.T (Experiments in Art and Tech-
nology) war ein Zusammenschluss von Ingenieuren und
Künstlern im Amerika der Sechzigerjahre, die im gegenseiti-
gen Austausch eine neue Kunst und eine neue Forschung
schaffen wollten. Andy Warhol oder Robert Rauschenberg ge-
hörten zu E.A.T. Ihre Fragestellung ähnelt auch dem Motto
der aktuellen Sammlungsausstellung des Museums: Drehen
sich die eigenen Gedanken immer um das »wirkliche Leben«?
6 7
Charlotte Solomon: Leben? oder Theater?, 11. Juli bis 18. Oktober, ­
Rupertinum; E.A.T., 25. Juli bis 1. November, Mönchsberg;
Wirkliches Leben?, bis 4. Oktober, Mönchsberg
Abb.: Andy Warhol, Silver Clouds, 1966, Polyethylen, Helium
Museum der Moderne, Mönchsberg 32 & Wiener-Philharmoniker-Gasse 9,
A-5020 Salzburg, +43 662 842220403, www.museumdermoderne.at,
Di–So 10–18 Uhr, Mi 10–20 Uhr (während der Festpielzeit auch montags)
36
Bilder: The Andy Warhol Museum/Installationsansicht Galerie Leo Castelli/NY, 1966/2015 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./Licensed by ARS/Bildrecht, Wien, 2015;
Peter Grosz/Stadtgalerie Zwergelgartenpavillon/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
PETER GROSZ
Stadtgalerie Zwergelgartenpavillon
Zur Geschichte der Moderne gehört auch die Entdeckung
von verschiedenen Erzählungen des Materials. Besonders
hellhörig für die Stimmen der Substanzen waren die Künst-
ler nach der Weltkriegskatastrophe, als die Alltagskultur die
glatten, aseptischen Plastikkunststoffe als Merkmal der Wie-
deraufbau- und Wohlstandsphase massenhaft verwendete. Als
Antwort auf diesen Wirtschaftswunder-Minimalismus, der in
die heutige Techniksterilität mündete, könnte man die am
Ruinösen orientierte Ästhetik des in Berlin und München ar-
beitenden Malers Peter Grosz sehen. Seine Bilder sind Sinfo-
nien für geschulte Augen, die Scannern gleich die feinen
Schichtungen, reizvollen Rauheiten und melancholischen
Melodien des brüchigen Liniengespinstes abzutasten und zu
erfühlen verstehen. Das ist exquisite Bildkunst für visuelle
Feinschmecker, gleichsam eine Partitur sensibler künstleri-
scher Poesie. Diese Bilder sind irgendwie nie ganz fertig, sie
zeigen Stationen bildnerischer Fühlprozesse: Teile des Werks
werden collagiert, wieder abgerissen, geklebt oder neu zusam-
mengesetzt. Für Peter Grosz ist das Bild ein klingender Raum,
erfüllt mit frei schwingenden, zart versponnenen Signalen.
4
Peter Grosz: Malerei, 6. August bis 11. September
Abb.: Peter Grosz, Das Sterben der Antilope, 2012,
Acryl auf Papier, 125 x 95 cm
Stadtgalerie Zwergelgartenpavillon, Mirabellgarten, A-5020 Salzburg
+43 (0)662 807 23443, www.stadt-salzburg.at, Di–Fr 14–18 Uhr, Sa 11–15 Uhr
 M U SE E N
Bilder: Bergbau- und Gotikmuseum Leogang/Deutsches Bergbau-Museum Bochum/Achim und Beate Middelschulte-Sammlung; Claudia Henzler | henzlerworks.com
DER BERGBAU UND
DAS »WEISSE GOLD«
Bergbau- und Gotikmuseum Leogang
Wer an Porzellan denkt, hat gedanklich gewiss nichts mit der
dunklen Welt des Bergbaus am Hut. Die zerbrechlichen Kost-
barkeiten aus den großen historischen Manufakturen schei-
nen ganz einfach nicht zur düsteren, gefährlichen »Unter-
welt« der industriellen Revolution zu passen. Und dennoch
– der seit dem Mittelalter sehr oft auf der Salz- und Edelmetall-
schürferei basierende Reichtum absolutistischer Herrscher
spiegelte sich auch in den Themen der Porzellanmacher­
zentren, speziell in Meißen. Johann Joachim Kändler, der gro-
ße Modelleur der Manufaktur, erfand für Sachsens Hof und
für den Export nicht nur höfische Galanterien oder zoologi-
sche Sensationsdarstellungen. Bergleute und Knappen bevöl-
kern üppige Tafelaufsätze und feinstbemaltes Edelgeschirr,
wie man in Leogang mit Erstaunen feststellen kann. Wobei
die gezeigten Exponate sämtlich aus der Sammlung Achim
und Beate Middelschulte im Bergbau-Museum Bochum stam-
men. In Zusammenarbeit mit der Bergakademie Freiberg in
Sachsen wird so im salzburgischen Gotikmuseum ein weit-
hin unbekanntes Kapitel der Porzellankultur aufgeschlagen.
Ein Muss für alle Meissen-Fans!
12
Der Bergbau und das »Weiße Gold« – Die Porzellane der
Achim und Beate Middelschulte-Sammlung, 4. Juni bis 31. Oktober
Abb.: Kanne mit bergmännischer Bemalung, Meissen, um 1740
Bergbau- und Gotikmusem Leogang, Hütten 10, A-5711 Leogang
+43 (0)6583 7105, www.museum-leogang.at, Di–So 10–17 Uhr
37
CLAUDIA HENZLER
Stadtgalerie Säulenhalle Rathaus
Längst ist es akzeptierte Einsicht: Fotos lügen – wenn auch auf
eine aufregende Art. In der Spannung zwischen raffinierter In-
szenierungskunst und knallhartem Dokumentarismus bewegt
sich die deutsche Fotografin Claudia Henzler, die seit 2007 in
Salzburg lebt und arbeitet. Die Arbeiten der Heidelbergerin
finden internationale Beachtung. Sogar der Vatikan hat sie 2011
in einer Ausstellung mit Größen der zeitgenössischen Kunst
präsentiert. Henzler verschließt nicht die Augen vor den gro-
ßen Tragödien unserer krisen- und kriegsreichen Zeit, weder
vor den traumatischen Auswirkungen des Massakers von
Srebrenica noch vor den schlimmen Folgen des Erdbebens für
die Menschen auf Haiti. Wo man gern wegschaut, fokussiert
die Fotografin ihren durchdringenden Blick und hält die meist
unerträgliche Wirklichkeit in eindrucksvollen Kompositionen
fest. Es ist immer ein Grenzgang zwischen Ästhetik und Schre-
cken für jeden Fotografen, der sich auf dieses fordernde und
heikle Terrain wagt. Für viele Kamerajäger endet es in der aus-
beuterischen Kolportage sichtbarer Schmerzen. Henzler hin-
gegen beherrscht das Geschäft des Bildreporters: Menschen-
rechtsengagement und Kunstanspruch sind versöhnt.
5
Claudia Henzler: Menschsein – Fotografien, 24. Juli bis 31. August
Abb.: Claudia Henzler, Srebrenica.
Die alte Hava/Du salbst mein Haupt mit Öl, 2010
Galerie Säulenhalle Rathaus, Kranzlmarkt 1, A-5020 Salzburg
+43 (0)662 80723443, www.stadt-salzburg.at, Mo–Do 8–17 Uhr, Fr 8–14 Uhr
 M U SE E N
BRAUMANN/PUCZYNSKI
Stadtgalerie Lehen
Der eine lebt auf dem Land nördlich von Salzburg, der ande-
re am Stadtrand von Wien. Der eine ist so scheu und zurück-
gezogen, dass er trotz seines Bekanntheitsgrads in den Zir-
keln der Druckgrafikspezialisten kaum jemals ausgestellt hat.
Der andere setzt dagegen im öffentlichen Stadtraum seine im-
posanten skulpturalen Akzente. Bernhard Braumann gehört
seit Jahrzehnten zu den fast unhörbar Stillen in der Kunst-
landschaft Salzburgs. Seine technisch ungemein komplexen
Lithografien sind Monumente der Zurückhaltung. Auf sei-
nen Blättern blühen eigentümlich zeitlose, schemenhafte
Waldlandschaften, Wege führen ins Nichts und Schrottplätze
entwickeln ihre eigene Poesie. Laut- und Raumlosigkeit sind
die Themen des 76-Jährigen, auch in klassischen Stillleben
auf Leinwand. Robert Puczynskis hoch aufragende oder la-
gernde Holzskulpturen bieten zur eingefrorenen Romantik
Braumanns einen reizvollen Kontrast. Man spürt noch den
lebenden Baum in den aus der kubistischen Tradition heraus-
geführten Naturabbildungen. Puczynskis Archaik ist jedoch
eine mit Hintertürchen, denn der Künstler arbeitet auch gern
mit Materialien wie Verpackungskartonagen.
3 11
Bernhard Braumann/Robert Puczynski: Malerei/Grafik/Skulptur,
7. August bis 12. September
Abb.: Robert Puczynski, Snake, Holz, 2011
Stadtgalerie Lehen, Inge-Morath-Platz 31, A-5020 Salzburg
+43 (0) 662 80723450, www.stadt-salzburg.at,
Di–Fr 10–18 Uhr, Sa 11–15 Uhr
38
Bilder: Stadtgalerie Lehen; Galerie im Traklhaus
LÄRM / HERRMANN /
SALZBURGHOMMAGE
Traklhaus
Themenausstellungen haben in diesem besonderen galeristi-
schen Rahmen bereits Tradition. Dieses Jahr nähern sich mu-
sikaffine Künstlerinnen und Künstler dem Phänomen Klang,
der im Ausstellungstitel zum »Lärm« erweitert wird. Multi-
talente wie Attersee oder Gerhard Rühm haben sich nie mit
stummen Bildern begnügt. Als aktive Musikanten und Kom-
ponisten war das Tönende stets Teil ihres Schaffens. Ein Seh-
Hör-Abenteuer besonders im Hof, wo Martin Lerch eine In-
stallation aus mehreren Hundert Lautsprechern und
Audiogeräten zum Vibrieren bringt. Parallel präsentiert das
Traklhaus in Nachbarschaft zum Festungsmuseum über den
Dächern Salzburgs weitgehend unbekannte Körper-Selbst­
inszenierungen des Ex-Staatsoperntänzers, Wiener Ex-­
Secessionspräsidenten und hierzulande Vorreiters einer ho-
mosexuellen Foto-Ästhetik, Matthias Herrmann. »Toscana
Dance« ist eine Huldigung an Männerschönheit, Tanzklassik
und ­Paradieslandschaft, alles appliziert auf Tapeziertische.
Zuvor entbieten 100 Künstler mit Lokalbezügen Stadt und
Land Salzburg ihre bildnerischen Hommagen. Eine breite ­
Salzburg-Parade.
Lärm, 31. Juli bis 5. September; Matthias Herrmann: Toscana Dance,
21. Juli bis 30. November; 100, 27. Juni bis 25. Juli
Abb.: Jonas Geise, Tunnel, 2013, Öl auf Leinen, 50 x 40 cm
Galerie im Traklhaus, Waagplatz 1a, A-5020 Salzburg
+43 (0)662 80422149, traklhaus@salzburg.gv.at, www.traklhaus.at,
Di–Fr 14–18 Uhr, Sa 10–13 Uhr
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Peter Grosz
Malerei
6. August bis 11. September 2015
Di−Fr. 14.00 bis 18.00 Uhr, Sa.11.00 bis 15.00 Uhr
Tel. 0662/8072/3443 ∙ www.stadt-salzburg.at
Peter Grosz ist gehört zu den Poeten einer abstrakten Malauffassung. Seine Bilder gleichen sen-
siblen Partituren, komponiert aus Farbspuren und grafischen Elementen.

STADTGALERIE IM RATHAUS
Kranzlmarkt 1
CLAUDIA HENZLER
MENSCHSEIN - FOTOGRAFIEN
24. Juli bis 31. August 2015
Mo−Do. 8.00 bis 17.00 Uhr, Fr. 8.00 bis 14.00 Uhr
Tel. 0662/8072/3443 ∙ www.stadt-salzburg.at
Claudia Henzler ist eine engagierte Beobachterin auf ehemaligen Kriegsschauplätzen. Srebrenica ist ein
Hauptthema der Gratwanderung zwischen Ästhetik und Dokumentation.

STADTGALERIE SALZBURG IN LEHEN

Inge Morath-Platz 31
BERNHARD BRAUMANN/ROBERT PUCZYNSKI
Malerei/Grafik/Skulptur

7. August bis 12. September 2015

Di−Fr. 10.00 bis 18.00 Uhr, Sa. 11.00 bis 15.00 Uhr
Tel. 0662/8072/3450 ∙ www.stadt-salzburg.at
Bernhard Braumann gehört den „Stillen im Lande“, zurückgezogen entwickelt er seine diffizilen
Welt-Reduktionen. Robert Puczynski antwortet mit imposanten Skulpturen aus Holz und Karton.

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 S A L Z B U RG

GALERIEN
Bild: Sigrid Reinichs/Courtesy: Mario Mauroner Contemporary Art Salzburg-Vienna

Kunst an jedem Ort: Paolo Grassino, »Cardiaco« (2011), Mario Mauroner Contemporary Art

42 47
Galerie Ruzicska Leica Galerie
Galerie Welz Galerie 2C for Art

43 48
Galerie Thaddaeus Ropac Salzburg – Art Atelier-Gallery
Galerie Seywald Galerie Greyer

44 49
Galerie Frey Galerie Toplev
Thomas Salis Art & Design Galerie Gerlich

45 50
MAM Mario Mauroner Galerie Matombo
Contemporary Art Art Gallery 91

46 51
Galerie Trapp Galerie Sandhofer
Galerie M. Ferner Fotohof

T E X T E A N TON GUGG
 GA LER IEN
THE SHADOW OF YOUR SMILE
Galerie Ruzicska
Der Titel – ein sinnlicher Evergreen. Der Inhalt – eine Unter-
suchung von Sinn und Sinnlichkeit. Sieben Stammkünstler
und fünf Gastkünstler setzen sich in der Faistauergasse mit den
Kernthemen der avancierten Moderne auseinander – mit­
Abstraktion, Geometrie, Monochromatik, Konzept, Realisie-
rung, materieller Konsistenz, Licht, Oberfläche und Tiefe. Die
Vaterfigur dieser stark konzeptiven zeitgenössischen Ausrich-
tung ist fast 90. François Morellet hat zu dieser Ausstellung
zwei neue Arbeiten beigesteuert. Die nächste Generation ver-
treten Olivier Mosset und Imi Knoebel – ebenfalls Ikonen ei-
ner minimalistischen und konstruktivistischen Werkauffas-
sung, die das Klischee vom maskulinen Intellekt zu bestätigen
scheint. Ruth Root und Katja Strunz durchlöchern diese be-
liebte Vorstellung. Bei den jungen Schweizer Gastkünstlern
Francis Baudevin, Stéphane Dafflon und Philippe Decrauzat
verwischen die Grenzen Kunst/Design. Der New Yorker Künst-
ler Peter Halley wird zwei Novitäten aus den Serien »Cells«
und »Prisons« zeigen. Erstmals zu sehen: Henrik Eibens skulp-
turale Wandobjekte.
18
The Shadow of Your Smile, 18. Juli bis 29. August
Abb.: Philippe Decrauzat, Sl, 2014, Acryl auf Leinwand, 100 x 100 cm
Galerie Nikolaus Ruzicska, Faistauergasse 12, A-5020 Salzburg
+43 (0)662 630 360, salzburg@ruzicska.com, www.ruzicska.com
42
Bilder: Galerie Nikolaus Ruzicska & Galerie Francesca Pia; Galerie Welz/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
MARC CHAGALL
Galerie Welz
Dunkle Seiten der Moderne ? Schatten über den Paradiesen be-
freiter Farben und Formen? Marc Chagall firmiert in der Er-
wartungshaltung des großen Publikums als Lichtgestalt des
20. Jahrhunderts. Eine anmutige Kunst der Bezauberung durch
das Erotische im antiken Sinn. Eros ist das Bewegende in der
Welt und in diesem Sinn ist Chagall sogar hocherotisch – ein
erzählerisch überbordender Visionär lodernder Bild-Poesie.
Die Bibel, die Frau, Blüten und Blumen, der Zirkus, der unter-
gegangene Kontinent östlichen Judentums – das waren Cha-
galls Quellen eines scheinbar krisenlosen Dauerschaffens zum
permanenten Betrachterglück. Ausgeschüttet hat Chagall sein
Füllhorn des Fantastischen in den damals aufstrebenden Me-
dien der Druckgrafik. Radierungen und Lithografien aus der
Hand Chagalls und seiner Druckmeister gehörten stets zu den
begehrten und hochgehandelten Zeugen einer als unproble-
matisch empfundenen Moderne. Chagall der Märchenerzähler.
Im Oberstock sind wie immer die jeweils ergänzenden Seiten
der Klassischen Moderne präsent. Besonders die Schroffheiten
des deutschen Expressionismus.
26
Marc Chagall, 17. Juli bis 30. August
Abb.: Marc Chagall, Die roten Blumen, 1973, Farblithografie,
75,8 x 55,7 cm, signiert, Exemplar: 45/50, Mourlot Nr. 705
Galerie Welz, Sigmund-Haffner-Gasse 16, A-5020 Salzburg
+43 (0)662 841771, office@galerie-welz.at, www.galerie-welz.at
Bilder: Antony Gormley/Courtesy Galerie Thaddaeus Ropac, Paris/Salzburg; Galerie Seywald
GA LER IEN
YAN PEI-MING /
ANTONY GORMLEY
Galerie Thaddaeus Ropac
Obama, Prince Charles, Mick Jagger, Mao: Die großformati-
gen, virtuos gemalten Porträts der Stars der Politik- und Pop-
Szene haben den aus Schanghai stammenden Maler Yan Pei-
Ming berühmt gemacht. Wild ausgespielter Realismus,
frappierende Lichtwirkungen, zurückgenommene Farbigkeit
und virtuoses Mal-Feuerwerk brennen auch in den Gemälden
unter dem Generaltitel »Aggressive Beauty« – wie ein State-
ment gegen alle immer wieder auftauchenden Zweifel an der
klassischen Malerei. Ebenfalls in der Villa Kast gastiert der
Düsseldorfer Fotograf Elger Esser – diesmal mit »Irides«, also
Iris-Darstellungen, Sonnenuntergängen und Blicken in den
Harmas, den wüsten Garten des legendären Insektenfor-
schers Jean-Henri Fabre, dessen Name in der Kunst- und
Theaterwelt weiterlebt. Schon lange mit dem britischen Bild-
hauer Antony Gormley verbunden, zeigt die Galerie in ihrer
Halle unter dem Titel »Space out« überlebensgroße Skulptu-
ren aus Cortenstahl, die die Beziehung zwischen Körper und
Raum erforschen.
17
Yan Pei-Ming: Aggressive Beauty, 25. Juli bis 28. August;
Antony Gormley: Space out, 30. Juli bis 31. Oktober
Abb.: Antony Gormley, Expansion Field – Group 11, 2014,
4 mm Cortenstahl
Galerie Thaddaeus Ropac, Mirabellplatz 2, A-5020 Salzburg
+43 (0)662 8813930, thaddaeus.ropac@ropac.at, www.ropac.net
43
EZEQUIEL
Galerie Seywald
Spaniens Menschenbilder sind selten angenehm. Das Misstrau-
en gegenüber gesellschaftlich normierten Gesichtsfassaden
und Lebensrollen wird seit Velázquez intensiv gepflegt, bis zu
den heutigen cineastischen Überspitzungen eines Almodóvar.
Goya und Buñuel fallen einem noch ein, wenn es um finstere
Analysen an der Grenze zum Teuflischen geht. In diese Phalanx
der Entlarver reiht sich der 1940 in Cádiz geborene, seit den
späten Fünfzigern in Madrid lebende Ezequiel ein, ein Maler
der seltsamen Einzelerscheinungen und bedrückenden Zusam-
menkünfte – alles eingebettet in düstere Farbbrechungen. Sym-
pathisch sind Ezequiels Gruppierungen in nächtlicher Atmo-
sphäre nicht. Aber sie sind ein kräftiges Lebenszeichen
traditioneller Malkultur und starker künstlerischer Zielvorstel-
lungen in einer oberflächlichen Welt digital geglätteter Bilder.
Ezequiel Lopez Garcia mutet mit seiner realistischen Schwer-
mut wie ein Künstler einer lange vergangenen Epoche an, aber
gerade diese Außenseiter-Position macht ihn aufregend und
interessant.
21
Ezequiel: Ein Augenzwinkern und eine Umarmung – eine Retrospektive,
1. Juli bis 26. September
Abb.: Ezequiel Lopez Garcia, Man kann sagen, wir sind verbunden, 2009,
Öl auf Leinwand, 50 x 62 cm
Galerie Seywald, Rainbergstraße 3c, A-5020 Salzburg
+43 (0)662 840426, office@galerie-seywald.at, www.galerie-seywald.at
 GA LER IEN
ROBERTO ALMAGNO
Galerie Frey
Holz und Skulptur? Man denkt sofort ans Mittelalter bei dieser
»altmodischen« Kombination – aber weit gefehlt. Der 1954 in
der Nähe von Rom geborene Plastiker Roberto Almagno de-
monstriert seit vielen Jahren, was aus diesem als bieder, gesund
und nachhaltig geltenden Material entsteht, wenn innovative
Technik und hochästhetische Formambitionen auf den dump-
fen Waldstoff treffen. Im Fall des genialischen Römers entsteht
federleicht an Wänden entlangschwebende, Räume durchzie-
hende visuelle Poesie – jenseits aller hölzerner Starre und Ge-
mütshaftigkeit. In Österreich weiß man seit mehr als 100 Jah-
ren, wie hitzebehandeltes Holz sich in elegante, legendäre
Massennutzmöbel verwandelt. Die Firma Thonet wurde be-
rühmt dafür. Aber deren ehrwürdige Gründer würden vor
Neid erblassen angesichts der Ent-Schwerungen eines Roberto
Almagno. Wenn er Hand anlegt mit Feuer und Wasser, ver-
schwindet jegliche Erinnerung an Bastelei, Brennwert, Nütz-
lichkeit und Naturnähe. Holz wird zur freien, grafischen ­
Materie, gleichsam zu sichtbarer Rhythmik und Musik.
Anmutiger kann Skulptur nicht sein.
7 19
Roberto Almagno, 23. Juli bis 12. September
Abb.: Roberto Almagno, Frontiera, 2011, Holz, 110 x 65 x 25 cm
Galerie Frey Salzburg, Erhard-Platz 3, A-5020 Salzburg
+43 (0)662 840200, art@galerie-frey.com, www.galerie-frey.com
44
Bilder: Galerie Frey; Thomas Salis Art & Design/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
GOTTHARD GRAUBNER
Thomas Salis Art & Design
Alte Türen schließen sich, neue Tore öffnen sich: Nach 20 Jah-
ren Firmenpartnerschaft geht Thomas von Salis neue Wege,
ohne vertrautes Terrain zu verlassen. Die Klassische Moderne
vor allem Frankreichs und Deutschlands bleibt die Kernkom-
petenz des von Salzburg aus agierenden Spitzengaleristen, was
jährlich auf den nobelsten Messeplätzen überprüft werden
kann. Neue Seiten schlägt Salis mit Design, Fotografie und in
Österreich bisher weniger wahrgenommenen Kunstgeschichts-
kapiteln auf. Ein Beispiel ist in diesem Jahr der Blick auf radika-
le Positionen deutscher Nachkriegsabstraktion, für die der vor
zwei Jahren verstorbene Düsseldorfer Reduktionsmeister Gott-
hard Graubner prominent steht. In den erweiterten Räumen
am Salzburger Mozartplatz wird die Galerie ab 1. August auf
Papier ausgegossene Experimente des ehemaligen DDR-Malers
vorstellen – Ausstrahlungen des Künstlerwillens nach absoluter
Farbentfesselung. Der für seine objekthaften »Kissenbilder«
und andere Farbraumgebilde berühmt gewordene Graubner
hat das Eigenleben des koloristischen Körpers eben auch auf­
Papier zum Blühen gebracht. Eine echte Salzburg-Novität.
Gotthard Graubner, 1. August bis 12. September
Abb.: Gotthard Graubner, Blaue Zone, 1960, 21,5 x 15,4 cm
Thomas Salis Art & Design, Mozartplatz 4, A-5020 Salzburg
+43 (0)662 844523, mail@thomassalis.com, www.thomassalis.com
 GA LER IEN
Bilder: Courtesy Mario Mauroner Contemporary Art Salzburg - Vienna/VG Bild-Kunst, Bonn 2015; Courtesy Mario Mauroner Contemporary Art Salzburg-Vienna
PARCOURS D’ART (I)
MAM Mario Mauroner Contemporary Art
Gleich zwei Schauplätze – nämlich ihre stimmungsvollen, in-
timen Gewölberäume in der bischöflichen Residenz und die
cool-sachlichen Kubaturen ihres solitären Bauhauses an der
Salzach mit einem Skulpturengarten – bespielt Mario Mauro-
ner mit einer Ausstellung von 22 im Programm der Galerie seit
langem beheimateten Künstlern. Das Wechselspiel von inti-
men Patios und freien Flächen eröffnet dem Besucher neue Er-
fahrungen des Zusammenspiels von Architektur, Kunst und
Natur. Besonders aufregend inszeniert sich hier auch das Span-
nungsfeld der Materialien – etwa von Kerto, einem auch im
Yachtbau genutzten artifiziellen Material aus Holz, das der
Bildhauer Tony Cragg seit 2001 verwendet (so auch beim aus-
gestellten musealen Format »Wooden Crystal«), bis zum ton-
nenschweren, klassischen Marmor aus Carrara, den der belgi-
sche Universalkünstler Jan Fabre für seine vorgestellte Skulptur
bearbeitete. Sein »Atlas on the roof of the world« erstrahlt in
jungfräulichem Weiß im eigens konstruierten, spektakulären
Kristallkubus. Mit »Parcours d’Art« liefert Mario Mauroner
Contemporary einen Beleg für die nun bereits 44 Jahre wäh-
rende, von kontinuierlicher Qualität geprägte Arbeit, der es zu-
gleich gelingt, immer wieder faszinierend Neues aufzuspüren.
2 2
Parcours d’Art, 18. Juli bis 30. August
Abb.: Tony Cragg, Wooden Crystal, 2001, Kerto und Chinalack,
220 cm hoch, 90 cm Durchmesser
Mario Mauroner Contemporary Art, Residenzplatz 1, A-5020 Salzburg
+43 (0)662 845185, office@galerie-mam.com, www.galerie-mam.com
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PARCOURS D’ART (II)
MAM Mario Mauroner Contemporary Art
Eine in Anspruch und Umfang außergewöhnliche Schau mit
Skulpturen, Objekten und Bildern an gleich zwei Orten, die
auch in großen Metropolen Aufsehen erregen würde, präsen-
tiert in diesem Sommer Mario Mauroner Contemporary. Die
inhaltliche Klammer bildet eine Referenz an die »Serenissima«
– an Venedig, die »Mutter aller Biennalen«. Jeder der 22 Künst-
ler hat in seinem Schaffen die Auszeichnung erfahren auf der
wichtigsten Kunstausstellung der Welt in einem Länderpavil-
lon oder einer Ausstellung vertreten gewesen zu sein: Herbert
Brandl (Österreich, 2007), Yane Calovski (Mazedonien, 2015),
Carmen Calvo (Spanien, 1997), Tony Cragg (Großbritannien,
1988), Jan Fabre (Belgien, 1984), Paolo Grassino (2009), Joan Her-
nández Pijuan (Italien, 2005), Tadashi Kawamata (Japan, 1982),
Tatsuo Miyajima (1988/Japan 1999), Isamu Noguchi (USA, 1986),
Dennis Oppenheim (1997), Javier Pérez (Spanien, 2001), Walter
Pichler (Österreich, 1982), Jaume Plensa (»Together«, San Gior-
gio, 2015), Fabrizio Plessi (Italien, 1986) Karl Prantl (Österreich,
1986), Antoni Tàpies (Spanien, 1993), Barthélémy Toguo (2015),
Joana Vasconcelos (Portugal, 2013), Juan Uslé (Italien, 2005),­
Bernar Venet (1978) und Vadim Zakharov (Russland, 2013).
Parcours d’Art, 18. Juli bis 30. August
Abb.: Fabrizio Plessi, Traum (Il sogno), 2004, Marmor-Monolith, ­
Videoinstallation, Cortenstahl, 200 x 100 x 12 cm
Mario Mauroner Contemporary Art, Residenzplatz 1, A-5020 Salzburg
+43 (0)662 845185, office@galerie-mam.com, www.galerie-mam.com
 GA LER IEN
NIEDERTSCHEIDER /MOSBACHER
Galerie Trapp
Moderne, gar zeitgenössische Künstlerinnen und Künstler be-
freiten die Kunst vom fragwürdig gewordenen Faktor des Kön-
nens – so das gängigste Argument der skeptischen Front. Man
sollte diese Fraktion einmal für diesen Sommer in die erwei-
terten Räume der Galerie Trapp schicken und mit den Arbei-
ten von Peter Niedertscheider konfrontieren. Es bleibt einem
der Mund offen stehen angesichts der virtuosen Flachreliefs,
die sogar einen Donatello begeistert hätten. Dessen Florentiner
Heiligenlegenden haben den jungen Osttiroler offenbar zu sei-
nen Meisterarbeiten inspiriert. Niedertscheider hat sich schon
immer mit musealen Positionen auseinandergesetzt, auch in
hochreflexiven Videos. Die »Marmorträume« scheinen alle Re-
naissancekünste überholen zu wollen – mit raffinierten Licht-
Schatten-Spielen und Masseninszenierungen in fantastisch
imaginierten Bildräumen. Kunstgeschichte und Natur sind
auch für den Steirer Alois Mosbacher stete Herausforderungen.
Aus den Fünfzigern gewachsen und somit eine Generation ­
jünger als der Bildhauer, frappiert Mosbacher bis heute mit iro-
nischer Figuration, Meisterschaft und Bildwitz.
23
Peter Niedertscheider/Alois Mosbacher, 16. Juli bis 29. August
Abb.: Alois Mosbacher, Frühe Lust, Öl auf Leinwand
und Mischtechnik auf Papier
Galerie Trapp, Griesgasse 6/1. Stock, A-5020 Salzburg
+43 (0)662 844362, galerie@trapp.cc, www.trapp.cc
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Bilder: Galerie Trapp; Galerie M. Ferner
WELTENATLAS
Galerie M. Ferner
In Salzburg gehört ein Aspekt seines Schaffens mittlerweile
zum Stadtbild, einige Garnituren der Verkehrsbetriebe wer-
den durch humoristische Vogelwesen aus seiner überaus spit-
zen und zarten Feder belebt. Michael Ferner ist ein Sohn der
Stadt, der Kabarettist, Zeichner und Illustrator mit dem Ge-
spür für grazilen grafischen Witz auf Alltagsgegenständen hat
seine eigene Galerie bezogen – ein kühler moderner Kubus,
geschmackvoll kontrastierend zu den hübschen historischen
Fassaden der Bergstraße inmitten der rechten Altstadt. Ferner
ist ein Meister des feinen Strichs auf zartem Japanpapier, er
führt die Tradition der geistreichen, dekorativen Bildmittei-
lung, des ironischen österreichischen Weltenkommentars
weiter, die bei Kubin begonnen hat und deren gewichtiger
Brückenpfeiler Paul Flora war. Weltenatlas nennt sich das gro-
ße Opus, das vom Künstler jetzt aufgeblättert wird. Der Bo-
gen reicht von West nach Ost, von bösen Mädchen zu frechen
Raben, von stillen Wassern zu ungeahnten Tiefen – das alles
erzählt als zart gesponnenes Liniennetz voller Anmut, belebt
von kräftigen Farbeinwürfen.
Sommerausstellung
Abb.: M. Ferner, Tatjanuschka, 2015, Mischtechnik
auf Arches 375 g, 150 x 50 cm
Galerie M. Ferner, Bergstraße 11a, A-5020 Salzburg
+43 (0)664 3500899, galerie@michael-ferner.at, www.michael-ferner.at
 GA LER IEN
Bilder: Jim Rakete/Leica Galerie Salzburg; Gallery 2CforART
BADULESCU /SACHS/RAKETE
Leica Galerie
Schloss Arenberg, etwas abseits vom historischen Herz Salz-
burgs gelegen, entwickelt sich immer mehr zur exklusiven ­
Nische außergewöhnlicher Leica-Fotokunst. Seit 2008 serviert
die Leica Galerie und Boutique einschlägige Gustostückerl aus
der Küche hoher klassischer Kameraschule. Diesen Sommer
glänzt von Juli bis September in leichter Zeitversetzung das in-
ternational klangvolle Trio Enrique Badulescu, Rolf Sachs und
Jim Rakete. Der Reihe nach: Der gebürtige Mexikaner mit
Münchner Ausbildungshintergrund ist Spezialist für die exqui-
sitesten Modelschönheiten des Planeten, ein knisterndes Ter-
rain, das auch dem Sohn von Gunter Sachs, seinerzeit auch an-
erkannter Fotokünstler, nicht unbekannt ist. »Camera in
Motion« schlägt ein ganz neues Kapitel avancierter Farbfoto-
grafie auf – mit dem beschleunigten Kamerablick als Sensati-
onshauptdarsteller. Jim Rakete ist ein legendärer Tausendsassa
in der deutschen Pop- und Fotoszene. Er managte unbekannte
Talente zu großem Starruhm und besitzt die Fähigkeit, Men-
schen vor der Linse zu dramatisieren. Seine 77 Porträts von
Burgtheatermimen ­haben bereits Kultstatus.
13
Jim Rakete, bis 19. September (Schloss Arenberg);
Enrique Badulescu, 3. Juli bis 8. August (Gaisbergstraße 12);
Rolf Sachs, 14. August bis 17. Oktober (Gaisbergstraße 12)
Abb.: Jim Rakete, Sarah Viktoria Frick, 2014, Pigmentdruck auf Baryt
Leica Galerie, Gaisbergstraße 12, A-5020 Salzburg, +43 (0)662 875254,
salzburg@leica-galerie.com, www.leica-galerie-salzburg.at
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CHRISTO/SEO/SCHLEIME
Galerie 2C for Art
Sichtbarmachen durch Verstecken, Zeigen durch Verhüllen.
Das ist die Devise des Bulgaren Christo, der seit dem Tod sei-
ner künstlerischen Mitkämpferin Jeanne-Claude 2009 nun al-
lein seine aufwendigen Projekte umsetzt. Die beiden waren
über viele Jahrzehnte die vielleicht perfekteste Schaffensge-
meinschaft der zeitgenössischen Kunstszene. Lang ist die Liste
ihrer grandiosen Kreativeingriffe in Landschaften und Städte
auf der ganzen Welt, erinnert sei nur an die Berliner Reichs-
tagsverhüllung 1995. Für die temporär begrenzte Kunst der­
Aktion lebte dieses visionäre Duo – davon zeugen noch heute
die vielen Nebenprodukte (Drucke, Skizzen, Fotos etc.), die ihr
radikales Schaffen begleiteten. Die koreanisch-deutsche Base-
litz-Schülerin SEO ist für ihre außergewöhnlichen Reispapier-
Collagen und Raum/Klanginstallationen bekannt. Dritte im
Ausstellungsbunde ist die aus der DDR stammende Cornelia
Schleime, eine die Macht der M ­ aterialsprache beschwörende
Hyper-Gestalterin. Man gratuliert zum 60. Geburtstag.
1
Christo, 17. Juli bis 13 August; SEO/Cornelia Schleime,
14. August bis 26. September
Abb.: Christo, Wrapped Snoopy House, 2004, Collage/Grafik,
61 x 55 cm, Auflage 250
Galerie 2C for Art, Rainerstraße 4, A-5020 Salzburg
+43 (0)662  243491, gallery@2cforart.at, www.2cforart.at
 GA LER IEN
SASHA SURIKOV/
MARINA HUBER
Salzburg – Art Atelier-Gallery
Gediegene Malkultur kommt nie aus der Mode und wird im-
mer ihre Liebhaber finden. Ein russischer Name ist in diesem
Zusammenhang sicher nicht von Nachteil, hat sich doch in die-
sen Breiten die Wertschätzung für historische Techniken und
Sujets besonders erhalten. Sasha Surikov ist der Urgroßneffe
von Vasily Surikov, der als der bedeutendste Meister großfor-
matiger historischer Szenen gilt und nach dem die Moskauer
Kunstakademie benannt ist. Sein jüngerer Familiensproß lebte
und arbeitete längere Zeit in Paris – man erkennt es an seiner
impressionistischen Prägung. Trifft diese das Licht feiernde,
farbig schimmernde Malereitradition auf Salzburger Motive,
kann das nur einnehmende Bildfrüchte hervorbringen. Unter
den zahllosen Salzburg-Vedutisten sticht Surikov mit besonde-
ren Stimmungen heraus. Präsentiert werden großformatige Öl-
bilder mit Stadtmotiven und expressive Landschaften im XL-
Format. Begleitet wird dieser Schwerpunkt von den Arbeiten
der akademischen Malerin Marina Huber. Man erkennt die
technische Virtuosin in geschmackvollen Aquarell- und Öl-­
Kabinettstücken. Kleine Kostbarkeiten in edlen Rahmen.
Dauerausstellung
Abb.: Alexander Surikov, Salzburg. Am Abend, 2014, Öl auf Leinwand
Salzburg – Art Atelier-Gallery, Kaigasse 18, A-5020 Salzburg
+43 (0)650 6114638, salzburg.art@gmail.com, www.salzburg-art.jimdo.com
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Bilder: Salzburg ART Atelier-Gallery; Galerie Greyer
LANDSCHAFTSLUST
Galerie Greyer
Eine Gegend mit dauerhaften magischen Qualitäten. Gute 200
Jahre hält diese sehr spezielle Anziehungskraft des salzburgi-
schen Gasteinertals nun schon an – mit besonders starken Wir-
kungen auf Maler und Musiker der Romantik und die Society
des überreifen Habsburgerreiches. Ragende Berge und stürzen-
de Wasser – diese hochdramatische Mischung stachelte die
Landschaftslust der Künstler ebenso an wie Entspannungs-
und Abenteuerlaune allerhöchster Herrschaften im Dunstkreis
von Monarchen und Kunst-Berühmtheiten. Den Blick auf den
heute energiepolitisch stark gezähmten Wasserfall und die bis
heute wilden Gebirge hat kein anderer so suggestiv festgehal-
ten wie Emil Löhr, aber auch andere Persönlichkeiten, die zum
Repertoire der alteingesessenen Galerie Greyer gehören. Sehr
bekannte Namen bis herauf in die Gegenwart sind darunter
und solche, die nur noch Spezialisten geläufig sind. Aber es ist
ja nicht immer so, dass die besten Bilder immer von den popu-
lären Künstlern kommen müssen. Gefeiert haben alle Gastei-
ner Schönheiten. Ein Chor der Begeisterten.
27
Sommerausstellung, 1. Juli bis 30. September
Abb.: Emil Löhr, Blick auf Gastein, 1809–1876, Öl auf Leinwand, 38,5 x 53 cm
Galerie Greyer, Bismarckstraße 14/Kirchplatz, A-5640 Bad Gastein
+43 (0)664 3211714, info@galerie-greyer.com
www.galerie-ferienwohnungen-greyer.at/de/galerie/
 GA LER IEN
Bilder: Galerie Toplev; Galerie Gerlich/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
DSCHUNGEL DES LEBENS
Galerie Toplev
Wohin segelt das Schiff, wenn der Steuermann das Schiff ver-
lassen musste? In dieser existenziell herausfordernden Situati-
on befindet sich die Malerin Monika Toplev mit ihrer Galerie
in der Kaigasse. Ihr Mann Nikola Toplev, ebenfalls Maler und
Geschäftsleiter, verstarb im Herbst 2013. Der Härte dieser Fak-
ten begegnet die nunmehrige Alleinkämpferin mit mobilisier-
ter Kreativität. Das Ziel: Selber professionell malen und einen
eigenen Stil entwickeln, der den Rahmen der Klassischen Mo-
derne bewahrt und den Geschmacksvorgaben der Galerietra-
dition entspricht. Dieser Spagat gelingt Monika Toplev über-
zeugend. Die neuen Bilder knüpfen an die spezifische
Malkultur ihres Lebensmenschen an, ertasten und erobern
sich das Grundthema »Natur« mit eigener malerischer Stimme.
»Dschungel des Lebens« erzählt von Undurchdringlichkeit und
Überraschung, von Chaos und hellen, schönen Momenten. Iri-
sierende Farbflächen, durchscheinende Strukturen, wilde Bal-
lungen und lyrische Inseln – alles sind Elemente eines beein-
druckenden künstlerischen Selbstfindungsprozesses, der
neugierig macht.
22
Dschungel des Lebens, 25. Juli bis 5. September
Abb.: Monika Toplev, Im Dschungel, 2015,
Acryl auf Leinwand, 77 x 122 cm
Galerie Toplev, Kaigasse 40, A-5020 Salzburg
+43 (0)662 846389, toplev.monika@aon.at, www.gallerytoplev.com
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EVI FERSTERER
Galerie Gerlich
Starke Künstlerpersönlichkeiten bringen ohne Rücksicht auf
Nachbarschaften den Wirkungsraum mit, den sie brauchen.
Sie sind nicht darauf angewiesen, dass ihnen jemand höflich
Platz macht und für sie um Aufmerksamkeit bittet. Zu diesen
»Kraftzentren« gehört zweifelsfrei die Saalbacher Malerin und
Bildhauerin Evi Fersterer, eine markante Außenseiterin im
Salzburger Kunstbetrieb. Die resolute Herrscherin in ihrer
ganz eigenen, realistisch-surrealen Bilder- und Skulpturenwelt
hat mit beachtlichem Echo in New York und besonders in
St. Petersburg ausgestellt. Fersterer hat sich ihr handwerkliches
Rüstzeug bei diversen Kursen geholt, künstlerisch entzündet
hat sie aber die sprichwörtliche russische Seele, speziell die von
ihr illustrierte Welt des Dichters Wladimir Solowjow. Signifi-
kantes Markenzeichen der Künstlerin sind typisierte Men-
schengestalten mit klotzartigen Köpfen, ein Echo der fantasti-
schen Moderne und gewisser Erscheinungen der Pop-Art. Für
ein Kind der Salzburger Bergwelt war und ist natürlich – lange
vor der Gebirgsmodemalerei – die heroische Gipfellandschaft
der Heimat ein permanentes Thema.
9
Evi Fersterer: Nach innen sehen, 18. Juli bis 29. August
Abb.: Evi Fersterer, Schwanger mit Bildern, 2005,
Öl auf Leinwand, 100 x 70 cm
Galerie Gerlich, Sigmund-Haffner-Gasse 6, A-5020 Salzburg
+43 (0)662 651000, galerie-gerlich@aon.at, www.galerie-gerlich.at
 GA LER IEN
DIE MAGIE DER
AFRIKANISCHEN STÜHLE
Galerie Matombo
In Stühlen steckt immer auch etwas von einem Thron. Mit
dieser Machtsymbolik in einem scheinbar harmlosen Möbel
haben sich die verschiedensten Kulturen auseinandergesetzt.
Besonders in Westafrika spielt die Gestaltung des Stuhls, der
oft aus einem Stück Holz gefertigt wird, eine besondere Rol-
le. Vierbeinige Exemplare, aber auch Hockerformen mit
menschlichen und animalischen Karyatiden finden sich hier,
die bei Sammlern Begehrlichkeiten wecken. Die Magie des
Stuhls im Kontext von Königs- und Häuptlingskult, aber
auch im alltäglichen Gebrauch steht im Zentrum der Som-
merausstellung bei Matombo – flankiert von Terrakotten und
geschnitzten Holztüren der nigerianischen Nupe. Ergänzt
wird die Schau mit Arbeiten der Yoruba, Igbo, Lumbo, Ba-
mum, Baule, Lobi, We und Kuba sowie zeitgenössischen
Steinskulpturen der Shona aus Simbabwe. Geschäftsführer
Nick Monu, seines Zeichens Theatermann der Berliner
Schaubühne und des Burgtheaters, rezitiert zur Festspieleröff-
nung aus Wole Soyinkas Brecht-Adaption »Opera Woyonski«.
15
Die Magie der afrikanischen Stühle, 18. Juli bis 30. September
Abb.: Tabouret Ewe, Schreinobjekt, Togo, Länge 26 cm
Galerie Matombo, Pfeifergasse 9a, A-5020 Salzburg
+43 (0)676 6614205, matombo@monuandmonu.com, www.matombo.at
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Bilder: Galerie Matombo; Art Gallery 91/VG Bild-Kunst, Bonn 2015
LIBERTY
Art Gallery 91
Freiheit ist sicherlich das zentralste Wort, der fundamentalste
Begriff im Gesamtkomplex »Moderne«. Wann und wo immer
dieses Hauptwort des 20. Jahrhunderts fällt, folgt die »Befrei-
ungsproklamation«. Weg mit den Traditionen, her mit der all-
umfassenden, rabiaten Wegsprengung von allen belastenden
Relikten der Vergangenheit. Ohne dieses Pathos kommt die
Legitimation der Moderne nicht aus, und meistens sind es ex-
pressive Tendenzen, die »Liberty« zum künstlerischen Schlacht-
ruf erhoben. Auch Eva Kaiser, Salzburgs einzelkämpferische
Expressionistin, verteidigt in ihrer eigenen Galerie seit vielen
Jahren die Leitprinzipien der frühen Moderne. Die bildlichen
Ergebnisse sind freilich ganz und gar Gegenwart. Fast im Sin-
ne des Kriegerischen. Denn ihre aktuellsten Arbeiten haben
etwas sehr Aggressives, Rücksichtsloses an sich. Eva Kaiser
impft gleichsam jeden Pinselhieb mit subversiver Freiheitsre-
volte, pflügt jede Bildfläche wie ein Schlachtfeld um. Figuren
explodieren, Farbgarben zischen wie mit Düsenantrieb. Kurz-
um alles, was das Herz des Liebhabers von figurativer Aus-
druckskunst begehrt.
11
Eva Kaiser: Liberty, 10. Juli bis 5. September
Abb.: Eva Kaiser, Liberty, 2014, Acryl auf Leinwand, 120 x 120 cm
Art Gallery 91, Kaigasse 31, A-5020 Salzburg
+43 (0)664 5235866, painting@evakaiser.com, www.evakaiser.com
Bilder: Galerie Sandhofer; Beni Bischof
ALEKSANDRA HONKO
Galerie Sandhofer
Der Mensch im Wasser. Das ist zumindest in der Kunst eine
»Wohlfühlsituation«, gelegentlich aufgeladen mit deftiger
Erotik. Hockney versprühte sexuelle Versprechungen aus
dem Miteinander von jungenhaften Körpern und türkisem
Wogenglitzern, aber auch in der Fotografie war der sonnige
Swimmingpool gerne ein einschlägiges Motiv. Die polnische
Malerin Aleksandra Honko geht mit ihren Modellen eben-
falls gern ins Wasser, aber die schlüpfrigen Konnotationen
der Wasserspiele interessieren sie überhaupt nicht. »H2O« lau-
tet der nüchterne Übertitel ihrer Körperstudien, die manch-
mal wie Sportreportagen über Schwimmwettbewerbe ausse-
hen. Die Unterwasser-Perspektive ist jedoch die beinahe
wissenschaftliche Basis, von der die Künstlerin aus wie bei
exakten Versuchsanordnungen operiert. Weggeblendet wer-
den Kopf und Gesicht, die Individualität der Schwimmer, es
geht allein um den Dialog des Körpers mit dem grenzen- und
zeitlosen Medium. Selten wird das an sich lustvolle Thema so
sachlich kühl, so technisch virtuos protokolliert wie bei die-
sem speziellen Abtauchen in die Wellen der Zeit.
20
Aleksandra Honko: H2O, 19. Juni bis 12. August
Abb.: Aleksandra Honko, Schwimmbad, 2014,
Acryl auf Leinwand, 150 x 100 cm
Galerie Sandhofer, Dietrichsteinstraße 6a, A-5020 Salzburg, +43 (0)650  Galerie Fotohof, Inge-Morath-Platz 1–3, A-5020 Salzburg
7283828, info@galerie-sandhofer.com, www.facebook.com/galerie.sandhofer
GA LER IEN
BENI BISCHOF
Fotohof
Flambierte fünfäugige Kätzchen und andere charmante Net-
tigkeiten – damit verblüfft der Schweizer Künstler Beni Bischof
seit geraumer Zeit nicht nur die heimatliche St. Gallener
Kunstwelt. Der Fotohof macht aufmerksam auf einen wie wild
malenden, modellierenden, collagierenden und fotografieren-
den, knapp vierzigjährigen Kunst-Anarcho, der die stillen Was-
ser des etwas langweiligen kantonalen Kunstbetriebs mit
schwarzhumorigen Witz-Torpedos durchsiebt. Die Fotoserie
»Cats on Fire« ist eine ebensolche Attacke auf den gestalteri-
schen Mainstream und den inhaltlichen Anstand in der Kunst.
Bischof führt sie vom abgelegensten Winkel eines Landes he-
raus, das für ganz andere Dinge steht, auch für den spitzenprei-
sigen Kunstmarkt. Damit will der Künstler, ein geistiger Nach-
fahre der Schweizer Dadaisten, natürlich nichts zu tun haben.
In der Autarkie der wütend witzigen, antikonsumistischen
Bild-Tiraden liegt genau der Reiz seiner Arbeiten: Sie demons-
trieren nicht nur Widerstandsgeist gegen alles Genormte. Sie
zeigen auch, was unbekümmerte Medienvermanschung und
gekonnte Materialverwertung heute hervorbringen können:
eine Sauerstoffbombe gegen die Ermüdung!
8
Beni Bischof, 7. August bis 19. September
Abb.: Werk von Beni Bischof aus der Serie »Cats on Fire«,
nicht datiert, Laserkopie, Größe variabel
+43 (0)662 849296, fotohof@fotohof.at, www.fotohof.at
51
 AM PULS
DER KUNS
T
HAMBURG :
VON
KIEZ BIS
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LE

WIR ZEIGEN KUNST.

Die Hansestadt zeigt sich von ihrer kunstbegeisternden Seite: Das große WELTKUNST-Sonderheft lädt in die pulsierende
Kunstszene an der Elbe ein. Entdecken Sie die schönsten und bedeutendsten Werke der Stadt, plaudern Sie mit der
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KUNSTHANDEL
Bilder: Sigrid Reinichs

Antiquitäten- und Schmuckmekka: das historische Stadtzentrum

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Hartwig Thurner
Madero Collectorsroom

55
Antiquitäten Prinz
Englich Wagner

56
Pintar
Untersberger Kerschbaumer

57
Kommissionshaus St. Andrä

T E X T E A N TON GUGG
 K U N ST H A N DE L
HARTWIG THURNER
»Typen« wie er sind absolute Mangelware im Bekanntenkreis
eines Sammlers: Alleskönner in ihrem Metier gelten für ge-
wöhnlich als rare Exemplare ihrer Gattung, und sie sind nicht
mit Gold aufzuwiegen – weil sie sich dort in ihrem Element
wissen, wo die meisten anderen längst kapitulieren. Folgendes
Szenario: Ein Schmuckliebhaber nennt ein seltenes histori-
sches Stück sein Eigen und benötigt eine kleine Ergänzung
hier, eine sanfte Restaurierung dort. Für solche heiklen Pro-
blemfälle ist Hartwig Thurner der richtige Mann und das neue
Geschäft in der Theatergasse 2 die richtige Adresse. Hier findet
man auch charmante Goldschmiedearbeiten, die sonst nir-
gendwo auftauchen. Etwa die bekannten Salzburger Herzerln
aus Silber mit Halbedelsteinen oder Schmuck für rustikale und
jagdliche Anlässe, bestens geeignet, das Trachtenoutfit entspre-
chend aufzuputzen. Für derlei spielerisch-luxuriöse Gardero-
benergänzungen sind Thurners Kreationen weltweit beliebt –
von Australien und Amerika bis Japan. Überall finden diese
fantasievollen und stilistisch mit alten Vorbildern spielenden
Schöpfungen ihre Liebhaber. Salzburg hat eben seine besonde-
ren Botschafter, Könner ihres Faches.
Abb.: Halscollier aus den 1930ger-Jahren, Österreich, Perlen mit
Almandinen-Granaten, in Gold und Silber
Thurner Schmuckmanufaktur, Theatergasse 2, A-5020 Salzburg
+43 (0)662 431161, hartwig.thurner@gmx.at, www.thurnerschmuck.at
54
Bilder: Thurner Schmuckmanufaktur; Raphael Lechner/Madero Collectorsroom
MADERO COLLECTORSROOM
Anspruchsvolles Design gehört nicht gerade zum Kunstseg-
ment, das man von Salzburg erwartet. Aber seit wenigen Jah-
ren gibt es im Stadtteil Nonntal eine Oase für alle, die ihr
Wohnambiente mit klassischen Entwürfen der Zwischen- und
Nachkriegszeit aufwerten wollen. Alejandro Madero, Weltbür-
ger mit mexikanisch-schwedischen Wurzeln, hat es sich in den
Sinn gesetzt, mit besonderen Ausstattungsstücken aus dem
Vintage-Möbel-Bereich in Salzburg Pionierarbeit zu leisten.­
Bekannte Namen wie Herend oder Lobmeyr gehören zum
Markenrepertoire, aber auch hierzulande wenig Bekanntes
setzt interessante Akzente. Hedwig Bollhagen (1907–2001)­
gehörte zu den »starken Frauen« der deutschen Keramikszene.
1934 gründete sie ihre von Werkbund und Bauhaus beein­
flusste M
­ anufaktur im brandenburgischen Marwitz, die für
Alltagsgeschirr jenseits des Alltäglichen steht. Zeitlose ­
Schönheit strahlen die handgefertigten Stücke gerade in un­
serer durchindustrialisierten Umgebung aus. Vis-à-vis des ­
Collectorsroom zeigt Jürgen Reichert seine Silikon-Licht-
­wesen »Flowers & Beasts«.
26
Abb.: Josef Frank, Cabinet, 1960, aus Eiche, Walnuss, Mahagoni
Madero Collectorsroom, Nonntaler Hauptstraße 10/1, A-5020 Salzburg
+43 (0)662 844008, shop@madero.at, www.madero.at
Bilder: Antiquitäten Prinz; Englich & Wagner K U N ST H A N DE L
ANTIQUITÄTEN PRINZ
Alle Welt führt die »Nachhaltigkeit« im Munde, wann immer
es die stets geforderte sprachliche Korrektheit gebietet. Wenn
es um Möbel geht, spielt diese Wertkategorie freilich keine Rol-
le mehr. Dabei ist nichts »nachhaltiger« im Handwerklichen
und Materiellen als der alte, historische Tisch, das Sofa oder
die Kredenz. Vollholzbau oder Furnier – das Meiste kommt
ohne Kunststoff und Chemiekleber aus. Und schön sind die
Einzelstücke, wie sie von Dr. Thomas Prinz angeboten werden,
allemal. Alles atmet hier die besondere Aura des Wohnlichen,
des Zeitlosen, möge es aus dem Barock, dem Biedermeier oder
aus regionalen Rustikalzonen stammen. Konservierung geht
hier vor Rekonstruktion und Über-Restaurierung, die so oft
auf dem Ausstattungssektor anzutreffen ist. Behutsame Pflege
und rücksichtsvolle Komplettierung sind die Garanten für jene
Ausstrahlung, die echte Antiquitätenfreunde so schätzen. Gute
Stücke aus der Vergangenheit haben auch die Eigenschaft, dass
sie bestens kombinierbar sind – sogar mit modischen Zeit­
genossen. Ein ganz besonderes Angebot in Zeiten des gerad­
linigen Ledersofadiktats.
34
Abb.: Barockkommode, Österreich, Mitte 18. Jh., stark geschwungen, mit
Nussholz und verschiedenen Edelhölzern reichlich intarsiert
Antiquitäten Prinz, Almgasse 3, A-5020 Salzburg-Nonntal
+43 (0)650 7901279, prinz@antike-moebel.at, www.antike-moebel.at
55
ENGLICH WAGNER
Schmuck scheint in letzter Zeit wieder ein sichtbarer Teil des
öffentlichen Kulturlebens zu sein. Ein interessantes, vielleicht
sogar signifikantes Phänomen in Zeiten allgemeiner Verunsi-
cherung. Mit ökonomischen Überlegungen hat das nur be-
dingt zu tun. Angesichts einer zunehmenden Komplexität der
Welt zieht man sich eben besonders gern auf Wohlbekanntes
zurück – und wenn es der eigene Körper ist. So lässt sich der
aktuelle Trend erklären, die Haut zum direkten Bildträger, aber
auch zur Präsentationsfläche für Kostbares zu machen. Für das
Ausschmücken des eigenen Ichs sind Englich Wagner in Salz-
burg kompetent begleitende Experten. Nach wie vor bestechen
die Kreationen aus der angeschlossenen Werkstatt mit der Ba-
lance zwischen Extravaganz und Gediegenheit. Im Firmenver-
ständnis geht es immer darum, die formalen Evolutionen der
Schmuckgeschichte erweiternd fortzuführen, die Vorgaben
der Vergangenheit auszureizen. Die Auswahl an handverlese-
nen originalen historischen Stücken findet ihr stilsicheres Echo
in selbstbewussten Neuschöpfungen. Angesichts medialer Auf-
regung über vermeintlich sensationelle »Bling-Bling«-Kreatio-
nen fallen diese Objekte angenehm aus der Reihe.
9
Abb.: Jade-Korallenohrringe, geschnittene Burma-Jade, Koralle,
Rubine und Diamanten, goldmontiert, 6,5 cm, Entwurf und Ausführung
von Franz Wagner
Englich Wagner, Getreidegasse 3 und Universitätsplatz 16,
A-5020 Salzburg, +43 (0)662 843339
 K U N ST H A N DE L
PINTAR
Schönheit und vor allem Frohsinn müssen heutzutage unbe-
dingt verteidigt werden, und sei es durch einen Rückgriff auf
die deutsche Klassik: »Ernst ist das Leben, heiter die Kunst«,
meint man bei Pintar und beruft sich auf Schillers Prolog zur
Eröffnung des Weimarer Theaters kurz vor 1800. Klingende
Zeilen, die sich besonders gut der Welt des feinen Schmucks
aus den Häusern Cartier, Tiffany, Van Cleef & Arpels, Bou-
cheron, Bulgari und anderer Edelmanufakturen applizieren
lassen. Aber auch exquisites Tafelsilber der dänischen Hofju-
weliere Jensen und Hingelberg oder leichthändig-elegant de-
signte Glaskunst aus Murano von Gino Cenedese oder Vitto-
rio Ferro verkörpern die Kunst unbeschwerter Heiterkeit, die
in diesem Jahr ganz besonders gefeiert wird. Unbestrittene
Stimmungsaufheller bei Pintar sind ein brillantbesetztes
Art-déco-Platinarmband oder eine ausgefallene Blütenbro-
sche aus weißen und gelben Diamanten aus den Fünfziger-
jahren. Der Geist der Swinging Sixties wird von einem wun-
dervollen aquamarinblauen Set beschworen. Genau auf
solche eindrücklichen Schmuckstücke hat man sich in der
Dreifaltigkeitsgasse spezialisiert.
33
Abb.: Blütenbrosche, Frankreich, 50er-Jahre, 18 ct Gold/Platin, geziert mit
Brillanten und gelben Diamanten in Fantasieschliffen (Diamantgew. 9,20 ct)
Pintar, Dreifaltigkeitsgasse 4, A-5020 Salzburg
+43 (0)662 874410, www.schmuck-pintar.at
56
Bilder: Pintar; Untersberger/Kerschbaumer
UNTERSBERGER KERSCHBAUMER
Die ästhetische Ehe zwischen Volkskunst und Avantgarde
wurde schon öfters vollzogen, nicht nur von Kandinsky und
Konsorten, die in bunten Zeugnissen bayerischer Frömmig-
keit seelenverwandtes Material entdeckten. Immer wieder gab
es diese leidenschaftlichen Affären zwischen vorgeschrittener
Kunstübung und dem sogenannten Primitiven. Aktuelles Bei-
spiel für solche entdeckten Liebesbeziehungen sind Ausstel-
lungen über nordafrikanische Teppichkunst und Moderne.
Anlass genug für Salzburgs rührigste Textilgalerie, die unver-
gleichliche Knüpfkunst Marokkos in den Fokus zu nehmen.
Man ist immer wieder erneut überwältigt vom schöpferischen
Feeling des Atlasgebietes, dessen Erzeugnisse die Grenzen zwi-
schen Kunsthandwerk und purem Bild aufheben. Kein Wun-
der, dass Klee, Le Corbusier und andere Heroen der Moderne
von den einzigartig kühnen Kreationen der Berber fasziniert
und inspiriert waren. In keiner anderen Region ist der Sinn
für das Spiel mit abstrakten Elementen und Farbflächen deut-
licher ausgeprägt. Archaik und Minimalismus in textiler Rein-
kultur, zu erleben in einer ganzen Teppichsammlung.
38
Abb.: Teppich aus der Region Azilal, Hoher Atlas, Marokko, 295 x 156 cm
Untersberger Kerschbaumer, Wolf-Dietrich-Straße 4a, A-5020 Salzburg
+43 (0)662 874745, info@untersberger-kerschbaumer.at,
www. untersberger-kerschbaumer.at
 K U N ST H A N DE L
I M PR ESSUM

REDAKTION
Redaktion Weltkunst
Dorotheenstr. 33
10117 Berlin
Tel. 030/590048-340
Fax 030/590048-334

CHEFREDAKTEURIN
Dr. Lisa Zeitz
lisa.zeitz@weltkunst.de

STELLV. CHEFREDAKTEUR
& MANAGING EDITOR
Matthias Ehlert
matthias.ehlert@weltkunst.de

GESTALTUNG
Katharina Weiß

REDAKTION
Tim Ackermann, Christiane Meixner,
Simone Sondermann

BILDREDAKTION
Nora Ströbel, Nils Stelte

AUTOREN UND
Bild: Kommissionshaus St. Andrä

FOTOGRAFEN
Ulrich Clewing, Dr. Anton Gugg,
Ingeborg Harms, Sigrid Reinichs,
KOMMISSIONSHAUS Jeannette Richter

ST. ANDRÄ SCHLUSSREDAKTION

Ludger Booms
Ein Haus wie geschaffen für jagdbereite Liebhaber schöner­
VERLAG
Dinge – edler Schränke, feiner Keramik oder blumenförmiger­
ZEIT Kunstverlag
Broschen: Vis-à-vis des Salzburger Dorotheums führt Wolf-
GmbH & Co KG
gang König seit vielen Jahren sein Kommissionshaus
Buceriusstr.,
St. Andrä. Die Vorlieben und Möglichkeiten der lokalen Kund- Eingang Speersort 1
schaft kennt er gut, und er hat ein Gespür für attraktive, auf den 20095 Hamburg
Standort abgestimmte Angebote auf vielerlei Sektoren entwi-
ckelt. Bei König findet man das passende Objekt, das im eige- GESCHÄFTSFÜHRUNG
nen Wohnzimmer noch fehlt, aber auch Un­erwartetes taucht Stefanie Hauer,
auf: Prachtexemplare aus der »­ ornithologischen« Produktion Nathalie Senden
des deutschen Edelstein­zentrums Idar-Oberstein etwa. Die pa-
radiesischen Vögel, bestückt mit fein geschnittenen Edelmate- VERLAGSLEITER
rialien – naturalistische Wunderwerke der Tierbetrachtung und Jan Henrik Groß
perfekter handwerklicher Umsetzung –, verzaubern den Be- Tel. 040/3280-3464
trachter. Jugendstil-Möbel bieten sich an, Silbergegenstände,
Porzellan, attraktive Malereien und Grafiken und ausgefallene ANZEIGENLEITUNG
Michael Menzer
Beleuchtungskörper, etwa ein bunter, aber eleganter Glasluster
Tel. 040/3280-3463
aus Murano, aus den 50er-Jahren bewahrt. Und selbstverständ-
lich gibt es ausgesuchten Schmuck für jede Brieftasche.
MARKETING UND
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Tel. 040/3280-3461

Abb.: Brosche (um 1840), von einem Juwelier in London in Gold HERSTELLUNG
gearbeitet, besetzt mit Smaragden und einem Opal Jan Menssen
Kommissionshaus St. Andrä Wolfgang König E.U.,
Schrannengasse 8, A-5020 Salzburg, +43 (0)662 875380, DRUCK
st.andrae@aon.at, www.antiquitaeten-koenig.at Neef + Stumme

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Di–Fr 11–18 Uhr, Sa 10–16 Uhr www.dorotheum.com/sbg
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Goldgasse 16 Viniusstraße 13 5164 SEEHAM Tel. 0662 877683
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Di-Fr 10-18 Uhr, Sa 10-14 Uhr 29 O TMAR WIMMER Mobil 0664 4304420
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Tel. 0662 80463204 www.trocadero.com www.domquartier@salzburg.gv.at

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 SALZBURG
3 8 29 1 49 59 58 60

6
1 45

24 53

55
12
11 56
7 10 3
20
6
4 13
17 46 38
16
16
44
18
3

42 25
31 43
47
33
25

6 17
10
13 23 12
48
14
41 22 9
39 5 24
14 15
4 29
23 40 21
12 11 19
7 9
4 36 9
5 5 8 15
26 2 2 8
1

12 21 11 10
22
20

18

30
7
32

35

57 19
27
62 34

 GALERIEN   KUNSTHANDEL    MUSEEN  25 27 28 26 37 50 51 52 54 61

Die weltkunst kooperiert bei »Kunst in Salzburg« auch

in diesem Jahr wieder mit dem Medienduo ARTMAPP.
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der Schweiz. Sie bietet dem Kulturreisenden aktuelle
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