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August / September Ausgabe 5/2017

magazin für akustikgitarristen [5] 2017

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C.F. Martin IV
$ Crosby, Stills & Nash
Teach Your Children Thermo-Holz
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Howling at the Moon wissenschaftlich

CHRIS CORNELL
" Foo Fighters veredelt
Everlong
! Tracy Chapman
Fast Car

Promi-Workshops
©2017 Fender Musical Instruments Corporation. Paramount ® is a registered trademark of Jackson/Charvel Manufacturing, Inc. All rights reserved

RAUL MIDÓN
zum neuen Album
Bad Ass and Blind
MIKE DAWES
Metal-Picker ohne
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magazin für akustikgitarristen

Chris Cornell
Song-Suche eines zerrissenen Poeten Zu gewinnen
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05
Porträt: Gitarrenladen Weingarten Acoustic-Dreams: Joe Striebel RS Cutaway
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Antidepressiva mit Saiten
Liebe Leser,
der aktuelle Sommer verläuft nicht gerade
erfreulich. Und damit meine ich nicht nur
das Wetter …
Vor allem werden wir von Todesmel-
dungen nicht verschont, aktuell etwa die
von Gitarrenbauerlegende Bill Collings,
von Linkin Parks Chester Bennington oder
unserem Titelhelden Chris Cornell, der für
mich persönlich immer ein wenig die Anti-
these zu Kurt Cobain war. Cornell und seine
Bands (Soundgarden, Audioslave) waren
immer die besseren Musiker, er erschien mir
smarter und weniger verzweifelt als Kurt.
Wie man sich täuschen kann, muss man im
Foto: Christopher Przybilla
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editorial
Nachhinein leider sagen (S. 22). Ebenfalls
für Diskussion sorgte der Nachruf auf Gun-
ter Gabriel, einem Künstler, der die Redakti-
on beinahe, nun ja, entzweite: für die einen
nur ein Schlagersänger mit Cowboyhut, für
die anderen einer der letzten Aufrechten im
deutschsprachigen Musikbusiness. Wir hof-
fen, all den Facetten Gabriels gerecht ge-
worden zu sein (S. 10).
Und just in diesem traurigen Moment
kommt der Kollege Marcel ums Eck und
legt mir die kleinen Alvarez Delta Delites
ans Herz (S. 94), vielmehr auf den Schoß.
Passend dazu trudelt aus Wolfratshausen
noch eine atemberaubende RS Cutaway
von Joe Striebel in der Redaktion ein (S. 88)
– und schon geht wieder die Sonne auf.
Gitarren sind wahrlich die Antidepressiva Der aktuelle Katalog!
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 inhalt
● workshop-specials
& interviews 22
acoustic-Legends:
22 Acoustic-Legends:
Chris Cornell chris
34 Interview: Mike Oldfield
cornell
36 Promi-Workshop:
Raul Midón
44 Interview: Versengold
48 Promi-Workshop:
Mike Dawes
56 Interview: Drake White
58 Story: Singer-Songwriter
CMA 2017

● workshops
60 Classic Corner
J. S. Bach – Präludium
Cellosuite BWV 1007

64 Ukulele
Henry Thomas – „Bulldoze Blues“

66 Songbegleitung
Ed Sheeran – „Shape of You“

68 Fingerstyle
Blues-Solo à la B. B. King

88
acoustic-
92
test:
96
test: 100 104
dreams: Larrivée Bernhard test: test:
Striebel Guitars L-03 Laurel Kresse Taylor Fender
RS Cutaway Limited Modell A-Typ GS Mini-e Acoustic 100
modern Bass

4
 inhalt
● test & technik
72 Factory-Tour: Martin Guitars
76 Interview:
Christian Friedrich Martin IV
78 Porträt:
Gitarrenladen Weingarten
80 Technik-Special: Rio-Palisander
aus dem Schwarzwald
84 Kolumne: Gitarrenwerkstatt
88 Acoustic-Dreams:
Striebel Guitars RS Cutaway
92 Larrivée L-03 Laurel Limited
94 Alvarez Guitars Delta Delite &
34 Delta Delite E
96 Bernd Kresse
interview: Mike Oldfield
Modell A-Typ modern
98 Artesano Sonata ZS
Limited 2017
100 Taylor GS Mini-e Bass
102 Lanikai FB-CETT & ZR-CET
104 Fender Acoustic 100
106 Dean Markley Blackhawks
Acoustic Strings Pure Bronze &
80/20 Bronze
108 D’Addario Cinchfit

● songs
113 Crosby, Stills & Nash
„Teach Your Children“
117 Milow
56 „Howling at the Moon“
123 Foo Fighters
interview: Drake White
„Everlong“
127 Tracy Chapman
„Fast Car“

● rubriken
3 Editorial
6 Downloads
7 CD-Booklet
10 Acoustic-News
16 Tourdates
17 Leserumfrage
20 Aboanzeige
87 Giveaway: Artesano Sonata ZS
Limited 2017
110 Händlerverzeichnis

76 111 Letzte Saite/Anzeigenindex/

Impressum
interview: christian Friedrich Martin IV

5
 cd-inhalt

songs zum mitspielen auf cD und als Download

crosby, Stills & Nash Milow Foo Fighters tracy chapman

Teach Your Children howling at the moon Creep Fast Car
Déjà Vu (1970) Modern Heart (2016) The Colour and the Shape (1997) Tracy Chapman (1988)
T R AC K 1 T R AC K 2 T R AC K 3 T R AC K 4

Workshops zum mitspielen auf cD und als Download

acoustic legends Promi-Workshop Promi-Workshop

chris cornell raul Midón Mike Dawes
TR ACK 5–9 T R AC K 10 – 17 T R AC K 18 – 21

classic corner ukulele Martin Weiß zählt zu den gefragten

Kölner Gitarristen. Nach dem Jazz-
Johann Sebastian Bach henry Thomas Studium in Arnheim-NL spielte er
Präludium cellosuite Bulldoze Blues mit vielen internationalen Stars wie
BWV 1007 Gloria Gaynor, Percy Sledge und
T R AC K 22 – 23 T R AC K 24 – 28 Chris de Burgh.
Seit 2005 ist er geschätzter Autor
und Transkripteur für guitar und
seit 2010 der Häuptling der guitar-
acoustic-CD. Er arrangiert und
koordiniert alle Noten und TABs
im Heft mit dem Ziel, dass ihr eure
songbegleitung fingerstyle Lieblings-Songs und Workshops auf
Anhieb mit Leichtigkeit und Spaß
ed Sheeran Blues-Solo im Fingerstyle auf der Akustikgitarre nachspielen
Shape of You à la B.B.-king könnt.
T R AC K 29 – 30 T R AC K 31 – 34

6
 booklet

zum download
Richtig gelesen, ab sofort könnt ihr die
Soundfiles der guitar-acoustic-CD auch in 2017
der Download-Sektion unter
www.guitararacoustic.de herunterladen.
Einfach das Download-Feld ausfüllen,
Passwort eingeben und der Download-Link
kommt ins Emailfach – fertig!
Das Passwort für die Ausgabe 5/17 lautet:

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zum Ausschneiden Crosby, Stills & nash

Teach Your Children
Das Booklet der guitar-acoustic-CD milow
Howling at the Moon
könnt ihr auch downloaden
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everlong
Tracy Chapman
Fast Car
cd-Booklet

guitar acoustic 5/17 – Crosby, Stills & Nash • Milow • Foo Fighters • Tracy Chapman
guitar acoustic 5/17 – Crosby, Stills & Nash • Milow • Foo Fighters • Tracy Chapman

SongS Legend-WorkShop WorkShop

Crosby, Stills & Nash – Chris Cornell Classic Corner
Teach Your Children 5. Bsp. 1..........................(140 bpm) 0:19 22. Bsp.1...........................(80 bpm) 2:26
1. Song..............................(78 bpm) 2:56 6. Bsp. 2............................(52 bpm) 0:32 23. Bsp. 2..........................(60 bpm) 1:30
7. Bsp. 3..........................(104 bpm) 0:27
SongS 8. Bsp. 4..........................(124 bpm) 0:52 WorkShop
Milow – Howling at the Moon 9. Bsp. 5..........................(138 bpm) 0:34 Ukulele
2. Song............................(128 bpm) 3:13 24. Intro............................................. 0:46
promi-WorkShop 25. Ansage Bsp. 1 ............................. 0:22
SongS Raul Midón 26. Bsp. 1..........................(90 bpm) 0:38
Foo Fighters – Everlong 10. Bsp. 1............................(57 pm) 0:20 27. Ansage Bsp. 2 ............................. 0:08
3. Song............................(144 bpm) 4:18 11. Bsp. 2..........................(85 bpm) 0:16 28. Bsp. 2..........................(90 bpm) 0:38
12. Bsp. 3........................(120 bpm) 0:24
SongS 13. Bsp. 4........................(100 bpm) 1:06 WorkShop
Tracy Chapman – Fast Car 14. Bsp. 5..........................(80 bpm) 0:30 Songbegleitung
4. Song............................(103 bpm) 5:00 15. Bsp. 6..........................(82 bpm) 1:14 29. Bsp. 1........................(100 bpm) 0:16
16. Bsp. 7..........................(84 bpm) 0:44 30. Bsp. 2........................(100 bpm) 0:17
17. Bsp. 8........................(165 bpm) 1:53
WorkShop
promi-WorkShop Fingerstyle
Mike Dawes 31. Bsp. 1..........................(96 bpm) 0:40
18. Bsp. 1........................(173 bpm) 0:50 32. Bsp. 2..........................(80 bpm) 1:06
19. Bsp. 2........................(155 bpm) 0:19 33. Bsp. 3..........................(80 bpm) 2:46
20. Bsp. 3........................(130 bpm) 0:15 34. Bsp. 4..........................(80 bpm) 0:48
Fotos: Getty Images

21. Bsp. 4........................ (92 sbpm) 0:17

7
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 acoustic-news
Zum Tod von Gunter Gabriel
rebell und rampensau
g
unter Gabriel hatte keinen ein-
fachen Start ins Leben – und trotz
vieler Brüche und Nackenschläge
viel mehr aus seinem Potential
gemacht als so manch anderer. Einen Tag
vor seinem 75. Geburtstag stürzte er schwer
eine Treppe hinunter und verstarb elf Tage
später. Als Typ und Texter, als Songwriter
und Rampensau, als Outlaw und Rebell war
er eine einmalige Figur der deutschspra-
chigen Musiklandschaft. Wenn viele andere
längst vergessen sein werden, wird die Erin-
nerung an ihn lebendig bleiben.
Obwohl er oft unter dem Stempel „Schla-
ger“ wegsortiert wurde, besaß er alles, was
dem deutschen Schlager in all seiner musi-
kalischen und inhaltlichen Seichtheit noch
stets gefehlt hat: Herz, Hirn, Mumm und
Seele. Ohne den lebenslangen Country-Fan,
ohne die kämpferische „Stimme des kleinen
Mannes“, wie der gelernte Schlosser in den
Siebzigern genannt wurde, wären wir um
etliche Songs wie „Hey Boss, ich brauch
mehr Geld“ ärmer, die dank ihrer gewitzten,
direkten Art weit mehr bewegt haben, als
es billig produziertes Tralala der Kategorie
„Atemlos“ oder „Ein bisschen Frieden“ je
könnte.
10
Die Härte, die in Gabriels Leben von Beginn
an eine dominierende Rolle spielt, prägt den
unter der rauhen Schale sensiblen Menschen
schon in jungen Jahren. Er wächst als Gün-
ther Caspelherr im westfälischen Bünde auf.
Als seine Mutter an den Folgen einer unsau-
beren Abtreibung stirbt, ist er gerade mal
vier Jahre alt.
Sein alleinerziehender Vater ist mit seiner
Aufgabe mehr als überfordert. Er schlägt
seinen Sohn regelmäßig und brutal. Mit elf
Jahren kommt Günther nach einem schweren
Verkehrsunfall gerade so mit dem Leben
davon. So etwas wie Normalität gibt es in
Günthers Leben fortan nicht mehr. Als der
Vater seinen pubertierenden Sohn vor An-
wesenden im Kreise der Familie lächerlich
macht, indem er laut aus den Tagebüchern
seines Sohnes vorliest, platzt dem sensiblen
Teenager endgültig der Kragen. Sein Vater
landet windelweich geschlagen in der Wohn-
zimmervitrine mit Meißener Porzellan. Gün-
ther lässt sich fortan von niemandem mehr
etwas vorschreiben.
Seine Stiefmutter schenkt ihm schließlich
seine erste Gitarre. Ein Lichtblick in Gün-
thers Leben. Er lernt, die sechs Saiten zu be-
dienen – nicht außergewöhnlich gut, aber
gut genug, um darauf mit Attitüde schnell zu
überzeugen. Er bricht in der Folge die Volks-
hochschule ab, macht eine Schlosserlehre,
spielt – auch am Arbeitsplatz – in jeder frei-
en Minute Gitarre. Jahre später holt er das
Fachabitur nach, um ein Maschinenbaustu-
dium zu beginnen, das er jedoch zugunsten
seiner großen Musikleidenschaft abbricht.
Elvis Presley und Johnny Cash haben den
jungen Günther in ihren Bann gezogen. Als
er nach diversen DJ-Jobs ein Angebot als
Plattenfirmen-Promoter ergattert, schlägt er
sich zum ersten Mal in seinem Leben richtig
gut. Er hat einen Draht zu Künstlern, die sich
in irgendwelchen Löchern ihren Lebens-
unterhalt verdienen müssen, weil er selbst
einer von ihnen ist.
Im Country findet er derweil das, was er
als sensibler Typ dringend gesucht hat:
simple, geradlinige Strukturen und ein
Männlichkeitsideal der Marke „Einsamer
Wolf“. Jahre später kommentiert er der Berli-
ner Zeitung gegenüber seine früh entflammte
Liebe zur Country-Musik in gewohnt lako-
FOTOS: Getty Images
nischer Manier mit: „… weil ich nicht mehr
drauf hatte. Country ist ja Volksmusik. Gera-
de und einfach, drei Akkorde – simpler geht’s
nicht. Aber das ist auch der Reiz des Genres.

Da muss man dann entweder ein super
Instrumentalist sein oder geile Geschichten
erzählen.“
Günther nennt sich nach der Heirat mit
seiner ersten Frau Gabriele Gunter Gabriel.
Seine ersten Hits sind simpel gestrickt, tref-
fen aber mitten ins Schwarze – mitunter
auch den wunden Punkt seiner eigenen Ju-
gend. Deswegen wundert es nicht, dass „Ich
werd’ gesucht“ stark nach Cashs „Wanted
Man“ klingt und Zeilen wie „Papa trinkt Bier,
Mama hat’s schwer, der Schornstein raucht
nicht mehr“ bei vielen Fans Anklang finden
und zugleich autobiografisch erschreckend
authentisch sind.
Die Siebziger sind für Gabriel beruflich
eine gute Zeit. Er schreibt erfolgreiche Songs,
darunter „Komm unter meine Decke“ oder
„Ohne Moos nix los“. Auch als Songwriter für
andere ist er erfolgreich. Rex Gildo nimmt
seine Dienste ebenso in Anspruch wie Peter
Alexander, Wencke Myhre, Karl Dall, Dieter
Hallervorden oder Juliane Werding, für die er
den Klassiker „Wenn du denkst, du denkst,
dann denkst du nur, du denkst“ verfasst.
Doch Erfolge und Abstürze gehen bald
Hand in Hand. Insgesamt vier gescheiterte
Ehen sind es am Ende. Und so sucht er
besonders in seiner Berliner Zeit am Tresen
der „Paris Bar“ und im Studio nach neuer In-
spiration für künftige Hits. Was er findet, ist
leider oft nur der Boden einer Whiskyflasche.
Ein „Freund“ überredet ihn schließlich
1980, in fragwürdige Immobiliengeschäfte
zu investieren. Gunter wird über den Tisch
gezogen. Fünf bis sechs Millionen Mark soll
er verloren haben. Er zieht von seiner Zehn-
zimmerwohnung in Berlin nach Starnberg in
einen Wohnwagen.
Kurz nach dem gescheiterten Immobilien-
geschäft erwischt er seine damalige Freundin
mit einem anderen im Bett. Er dreht durch,
liefert sich eine Verfolgungsjagd mit dem
Auto, die für seine Freundin mit einem Total-
schaden endet. Für ihn ist der Totalschaden
anderer Art: Er landet in der Psychiatrie. Als
er wieder herauskommt, hat er 500.000 Euro
Steuerschulden und lebt von Sozialhilfe.
Doch Gabriel berappelt sich wieder. Und es
scheint ein Hoffnungsschimmer am Hori-
zont. 1993 erhält er zusammen mit Tom
Astor die Auszeichnung der German Ameri-
can Country Music Federation (GACMF) für
den Song „Sturm und Drang“. 2002 bekommt
er ebenfalls einen Award der GACMF für
sein Album Gunterwegs. 2003 ergibt sich für
ihn die einmalige Chance, ein Album mit
deutschen Versionen seines großen Vorbilds
Johnny Cash in Nashville unter der Schirm-
herrschaft von Cashs Sohn John Carter auf-
zunehmen. Doch der erhoffte kommerzielle
Erfolg bleibt aus.
2004 holen ihn erneut Alkoholprobleme
ein. Es kommt schließlich zum Eklat, als er in
Eisleben sein Publikum, das auf seinen ver-
späteten Auftritt mit Unmut reagiert, von der
Bühne herunter als Arbeitslose beschimpft:
„Ihr habt ja so viel Zeit, sonst wärt ihr ja
nicht am Nachmittag schon hier …“
Aber es geht auch wieder aufwärts. Es
folgen Theaterrollen (in Hello I’m Johnny
Cash), ein Album mit den Ärzten sowie
Großstadtrevier). Als er
Großstadtrevier
Fernsehauftritte (Großstadtrevier).
anlässlich seines 70. Geburtstages 2012 in
der Sonntagsausgabe der FAZ gefragt wird,
ob er Angst vor dem Tod habe, antwortet
Gabriel in gewohnter Manier: „Keinesfalls.
Ich sag dir, warum: weil ich einen Haufen
Zeugs gut gemacht habe in meinem Leben.
acoustic-news
Nicht Kinder zeugen. Das kann jeder. Und als
Vater war ich schließlich ein Totalversager.
Viermal verheiratet, da hab’ ich mich nicht
mit Ruhm bekleckert. Aber ich hab’ ein paar
geile Songs geschrieben.“ Wichtig sei am
Ende nicht er selbst, sondern seine Songs
und deren Philosophie und Geschichten.
Die von ihm selbst gewählte Rolle des
einsamen Wolfs und Außenseiters, der es
versteht, mit der Härte des Lebens alleine
fertig zu werden, bleibt Gabriel bis zu seinem
Tod. So lebt er 20 Jahre lang auf dem alten
DDR-Arbeiterschiff Magdeburg, das er 1995
für 80.000 Mark kauft und im Harburger Ha-
fen vertäut.
Gunter Gabriel stirbt am 22. Juni
2017 an den Folgen eines dreifachen
Bruchs des ersten Halswirbels. Er
hinterlässt vier Kinder, drei Enkel-
kinder – und einen verdammt großen
Stapel zeitloser Songs. ●
Farewell, Gunter!
marcel Thenée/matthias Breusch
FUNKENFLUG TOUR:
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03.11. Osnabrück | 04.11. Bochum
10.11. Berlin | 11.11. Dresden
16.11. Pratteln
17.11. Nürnberg
18.11. Karlsruhe
11
 acoustic-news

bill collings (1948-2017)

Der legendäre Gitarrenbauer Bill Collings ist tot. Er starb am 14.
Juli 2017 nach kurzer, aber schwerer Krankheit an Krebs.
Collings beginnt Mitte der 1970er Jahre Gitarren zu bauen. Seine
Karriere erhält einen ersten Schub, als er 1978 für den texanischen
Countrymusiker Lyle Lovett eine Gitarre baut. Collings betreibt sei-
ne Werkstatt nun mit mehr Nachdruck. In den frühen 1980er Jahren
entscheidet sich Collings, nach San Diego zu gehen. Er schafft es
nur bis Austin und bleibt dort für den Rest seines Lebens.
Bis dahin arbeitet Collings noch alleine, stellt aber bald weitere
Gitarrenbauer an. 1989 ist es der Vintage-Experte George Gruhn
aus Nashville, der ihm eine hohe Reputation bringt: Gruhn bestellt
24 Custom-Gitarren bei ihm.
Seine Firma Collings Guitars fertigt über 3.000 Gitarren im Jahr,
aber Bill Collings schaffte es, die Qualität und den Ruf seiner Instru-
mente auf Boutique-Level zu halten. Er wollte nicht weniger, als die
besten akustischen Instrumente bauen. Zu seinen Fans zählen so
unterschiedliche Musiker wie die Woodstock-Legenden Joan Baez
und John Sebastian, Jazz-Gitarrist Bill Frisell, Ex-Police-Gitarrist
Andy Summers oder die nicht mehr ganz so jungen Wilden von
Mumford & Sons.
Bill Collings genoss den Ruf eines begnadeten Handwerkers, der
die Dicke einer Gitarrendecke nur mit den Fingern auf einen Zehn-
telmillimeter abschätzen konnte. Gleichzeitig wird er bei allen, die
ihn kannten, als humorvoller, warmherziger Mensch in lebhafter
Erinnerung bleiben.
●
Jürgen Richter
Ukulele-kurs im kloster
Wer nach einem Workshop der etwas anderen Art sucht, sollte sich
den 8. Oktober 2017 freihalten. Hier beginnt der Ukulelen-Work-
shop von Dirk Jungblut im Kloster St. Maria in Esthal im Pfälzer
Wald. In sechs Tagen wird eine Sopran-, Konzert- oder Tenor-Uku-
lele entstehen, die die Teilnehmer selbst herstellen werden. Jeder
Teilnehmer kann zwischen drei Holzarten für den Korpus wählen.
Material und Werkzeug werden zur Verfügung gestellt. Gebaut wird
in den Räumlichkeiten des Klosters, welches auch die Unterbrin-
gung in Einzelzimmer mit Vollpension ermöglicht.
Die Teilnehmerzahl ist auf fünf Personen limitiert. Eine lange
Vorplanungszeit ist nötig, um den Termin mit den Veranstaltungen
des Klosters zu koordinieren.
Deshalb werden alle Interessenten geben, sich frühzeitig einen
Platz zu reservieren. Kursgebühr: 480 g zuzüglich ca. 59 g Voll-
pension pro Tag.
www.die-saite.de
Neues

Anzeige Gitarrenmodell
von Furch
Die tschechische Gitarrenfir-
ma Furch hat ein neues, limi-
tiertes Modell auf den Markt
gebracht. Die Limited 2017-LP
besteht am Korpus aus Alpen-
Fichtenholz, Boden und Zargen
sind aus afrikanischem Padouk,
Griffbrett und Kopfstück aus
FOTO: www.collingsguitar.com

Koa und Ziricote. Das Modell

ist auf eine Stückzahl von 90
Gitarren begrenzt, die in den
Korpusformen D, G, S und OM
erhältlich sind.
www.furch.cz

12
 acoustic-news
ne gesponnen und so zu einem Preis unter
sieben Euro angeboten werden können.
Die handgefertigten Produkte aus Eggl-
kofen hatten in Szenekreisen immer einen
hervorragenden Ruf, waren jedoch im obe-
ren Drittel des Preissegments angesiedelt.
Der 500er-Satz in den beiden Spannungen
Medium und Hard Tension bietet klare,
präzisionsrunde Nylonsaiten im Diskant

hannabach sowie Basssaiten, die in puncto Klangqua-

500er-Serie
Der renommierte bayerische Saitenherstel-
ler Hannabach stellt mit der 500er-Serie
eine Schülersaite mit einem erstaunlichen
Preis-Leistungs-Verhältnis vor. Neu ist, dass
diese Hannabach-Saiten von einer Maschi-
lität und Haptik dem beliebten 815er-Satz
aus gleichem Hause sehr nahe kommen.
Die praktische, wiederverschließbare Ver-
packung erübrigt einzelne Tütchen, und die
effektive Markierung macht ein Verwech-
seln beim Aufziehen beinahe unmöglich.
Die Saiten sind für rund 7 Euro im Handel
zu haben.
www.hannabach.com

Neue Ukulelen und

reisegitarren von
fender
Zur Sommer-NAMM hat Fender gleich zwei
Reisegitarren vorgestellt. Eine Variante
wird im Classic-Design erscheinen, ein wei-
teres Modell als Teil der Paramount-Serie.
Die PM-TE besticht mit einem Open-Pore-
Finish, Mahagoni an Korpus und Decke
oder wahlweise mit Fichte als Decke. Das Ergebnis ist
Neben einer Reisegitarre enthält die sensibles Sustain und
Classic-Design-Serie einen Bass sowie zwei trennscharfes Timbre
nylonbesaitete Modelle. Letztere (CN-60s
und CN-140SCE) setzen sich von herkömm-
lichen klassischen Gitarren ab, indem der
breite, klassische Hals durch einen leicht
bespielbaren ersetzt wird.
Die neue California-Coast-Serie bein-
haltet fünf Ukulelenmodelle, benannt nach
kalifornischen Stränden: Venice, Seaside,
Zuma, Rincon und Montecito. Sie sind in Nr. 101
den Formen Sopran, Tenor und Konzert
Meistergitarre
sowie den Farbvariationen Cherry, natural
oder schwarz erhältlich. Laut Hersteller sind Progreso
die neuen Ukulelen leicht bespielbar, klang-
voll und bestechen optisch mit einem Mix
aus Telecaster und traditionellem Look. Erhältlich in
www.fender.com Cedern- oder
Fichtendecke

13
www.hopfguitars.com | www.musikwaren-hellweg.de
 acoustic-news

ortega Eclipse
Ortega Guitars hat drei neue Ukulelen auf den Markt gebracht,
namentlich CC4, TE6 und TE8. Die CC4 ist in Konzertgröße mit
vier Saiten ausgestatt, TE6 und TE8 in Tenorgröße mit sechs und
acht Saiten. Bei der TE6 sind zwei der vier Saiten doppelchörig,
bei der TE8 gilt das für alle Saiten. Alle drei haben ein auffälliges
Äußeres: einen Palisander-Armrest sowie eine Fensterkopfplatte
und aufwendige Hals- und Binding-Inlays. Der Korpus besteht bei
jedem Modell aus massivem Mahagoni, der Hals aus Okoumé. Laut
Hersteller klingen die Instrumente laut und rund. Die Modelle sind
zwischen rund 350 und 380 Euro im Handel erhältlich.
www.ortegaguitars.com
Glen-campbell-Modell
von ovation
Ovation widmen einem ihrer ersten Endorser, dem Country-Musiker
Glen Campbell, ein Signature-Modell. Die Glen Campbell Balladeer
ist Campbells Haus- und Hofgitarre, der Ovation 1771 nachemp-
funden. Sie besteht aus massiver Sitka-Fichte an der Decke, einem
Ahornhals und einem Ebenholzgriffbrett. Die Rosette wurde mit
Ahornblatt-Inlays geschmückt, am Ende des Griffbretts findet sich
die Unterschrift von Glen Campbell. Um dem Sound von Campbell
so nahe wie möglich zu kommen, wurden Mechaniken im Vintage-
Style der ’70er Jahre verwendet. Die Gitarre ist für rund 2.600 Euro
im Handel erhältlich.
www.ovationguitars.com

fender Paramount Songwriter

contest in letzter runde
Mit fast 800 Bewerbungen war die Teilnehmer des Fender Para-
mount Singer/Songwriter-Contests laut Fender fast doppelt so hoch
wie im Vorjahr. Die Finalisten für dieses Jahr heißen: Tim Jaacks,
Petra Vida Stambolija, Jessica Struch (Janda), Marc Water. In der
nächsten Phase werden die Favoriten auf Youtube
präsentiert – die Videos entstehen in der Loca-
tion von Mitpräsentator TV Noir. Zwar kürt
die Jury, bestehend aus dem Fender Artist
Relations Team, Backstage Pro und der
TV-Noir-Redaktion, den Gewinner. Der
Künstler mit den meisten Klicks er-
hanika setzt auf thermoholz hält allerdings einen Sonderpreis
in Form eines Fender Acoustic
Hanika setzt neben anderen Gitarrenherstellern nun ebenfalls auf SFX Amps und eines Fender
alternatives Tonholz. Gemeinsam mit der Technischen Hochschule FXA7 In-Ear-Systems. Dem
Dresden hat die Firma in zweijähriger Forschungsarbeit thermo- endgültigen Gewinner win-
modifizierte heimische Tonhölzer entwickelt. Ziel war es, abge- ken ein Auftritt bei der TV-
stimmte heimische Basishölzer je nach Klanganforderung durch ein Noir-Jahresabschlussshow,
Thermoverfahren zu optimieren. Dieses Thermoholz wird nun, zu eine Paramount-Gitarre
Konzertgitarren verarbeitet, in Serie gehen. Die Gitarren soll es in sowie ein Fender-Endorse-
FOTOS: Getty Images

allen drei Preisklassen geben – preislich ist ein Bereich zwischen ment-Vertrag.
1.200 und 4.800 Euro geplant. Die ersten Modelle sollen laut Hani- www.fender.com
ka Ende Juli in den Fachhandel gelangen.
www.hanika.de

14
 Starke Eiche. Großer Klang.
Die neue M-35 CP & D-35 CP von Lakewood
RenéWeiss
Fotos:©©René
Fotos: Photography
WeissPhotography

Der Klang ist so groß, dass

wir Mühe hatten, die Gitarre
ins Bild zu bekommen...

Modell M-35 CP
www.lakewood-guitars.de

Auf unserer Suche nach neuen heimischen Hölzern sind wir auf einen echten
Holz-Klassiker gestoßen, der im Gitarrenbau bisher recht wenig Beachtung fand.
Nach ausgiebigen Versuchen wurden wir mit schier unglaublichen klanglichen
Ergebnissen belohnt, die zwei ganz eigene Modelle rechtfertigen.
Die neue D-35 CP und M-35 CP. Beide aus feinster französischer Eiche gebaut!
Lakewood Guitars • Zum Bahnhof 6a • 35394 Giessen • Germany
 acoustic-news
PEPPINO D’AGOSTINO
STATUS QUO
guitar acoustic präsentiert
Neue Zwölfsaiter
von taylor
Taylor erweitert seine Palette an 12-saitigen
Instrumenten. Die neue Grand Concert
362ce besteht aus massivem Blackwood
an Boden und Zargen, die Decke ist aus
Mahagoni gefertigt. Optisch fallen die di-
amantförmigen Griffbrett-Inlays sowie das
dreiringige schwarzweiße Binding an der
Rosette ins Auge. Ausgestattet ist das Mo-
dell zudem mit einem Taylor-ES2-System.
Die 352ce hingegen besteht aus Sitka-
Fichte und Sapele an Boden und Zargen.
Ab August sind die beiden Gitarren für je
rund 2.000 Euro im Handel verfügbar.
Taylor setzt zudem künftig bei den Stahl-
seitenmodellen sowie den Grand-Sympho-
nymodellen ab der 500er-Serie auf einen
Florentine-Style-Cutaway. Die Palisander-
modelle der 800er- und 900er-Serie gibt es
nun auch mit Tobacco-Sunburst-Decke.
www.taylorguitars.com
16
CMA SONGWRITER SERIES
mit Levi Hummon, Brandy Clark, Michael Tyler,
Angaleena Presley, Marcus Hummon
12.10.17 Berlin, Columbia Theater
GLÄNZENDE EISZEIT
mit Anna Lux, Bonnie & the Groove Cats,
One Day Remains
21.12.17 Zürich, Ebrietas (CH)
22.12.17 Brugg, Piccadilly (CH)
23.12.17 Chur, Palazzo Bowling (CH)
27.12.17 Lyss, Kufa (CH)
28.12.17 St. Gallen, Birreria (CH)
29.12.17 Luzern, Sedel (CH)
BLACKMORE’S NIGHT
15.08.17 Hanau, Amphitheater
17.08.17 München, Brunnenhof der Residenz
THE DESLONDES
31.08.17 Berlin, Kantine am Berghain
01.09.17 Hamburg, Nochtwache
02.09.17 Erfurt, Franz Mehlhose
THE DESLONDES
SEILER & SPEER
PEPPINO D’AGOSTINO
11.9.17 Pforzheim, Schlaile
12.9.17 Frankfurt, Balalika
13.9.17 Oberursel, Musik Taunus
14.9.17 Fellbach, Soundland
15.9.17 Mertesdorf/Trier, Bürgerhaus
16.9.17 Freudenstadt, Workshop Rudert
16.9.17 Rottenburg, Theater Hammerschmiede
18.9.17 Basel, 8bar (CH)
SEILER & SPEER
22.11.17 Stuttgart, LKA Longhorn
23.11.17 Frankfurt, Batschkapp
24.11.17 Köln, Live Music Hall
25.11.17 Hamburg, Mojo
26.11.17 Berlin, Astra
STATUS QUO
AQUOSTIC LIVE – it rocks!
18.11.17 Regensburg, Donau Arena
21.11.17 Bielefeld, Stadthalle
22.11.17 Hannover, Kuppelsaal
11.12.17 Berlin, Friedrichstadt-Palast
12.12.17 Frankfurt, Jahrhunderthalle
13.12.17 Baden Baden, Festspielhaus
15.12.17 Stuttgart, Liederhalle
16.12.17 Halle/Saale, Friedrich Händel Halle
18.12.17 Düsseldorf, Mitsubishi Electric Halle
19.12.17 Hamburg, Mehr! Theater
21.12.17 Nürnberg, Meistersingerhalle
 2017 leserumfrage

leserumfrage 2017
Es ist mal wieder so weit: Wir machen guitar
acoustic bekanntlich nicht für uns, sondern
für euch, unsere geschätzte Leserschaft.
Dazu brauchen wir eure Rückmeldung.
Um ein Gefühl für euren musikalischen
Interessen zu bekommen, wollen wir
mehr über eure persönliche Hingabe zum
schönsten Hobby der Welt wissen.
Eure Mühen sollen nicht unbelohnt bleiben:
Unter allen Teilnehmern verlosen wir fünf-
mal ein guitar-acoustic-Jahresabo.
Um an der Umfrage teilzunehmen, füllt
einfach unser Formular aus und schickt es
bis zum 8.9.2017 an: Jahr
5x
PPV Medien GmbH, Redaktion guitar acoustic, Oder füllt die Umfrage auf aboe! s-
Postfach 57, 85232 Bergkirchen. www.guitaracoustic.de aus.

Welche Instrumente spielst du? Welche anderen Musikmagazine liest du? Wo suchst du noch nach Noten, wenn du ein
n Westerngitarre n Guitar Stück lernen willst?
n Klassikgitarre n Akustik Gitarre n Über Google
n E-Gitarre n Acoustic Player n Auf speziellen Internet-Plattformen
n Bass n Gitarre & Bass n In Songbooks
n Mandoline n Grand Gts. n In Gitarrenzeitschriften
n Ukulele n Andere: _________________________ n Ich lerne Songs via Videos oder anderen
n Banjo n Keine Medien
n Andere: _________________________
Welche anderen Informationsquellen nutzt du Was ist für dich das Wichtigste an einem
Bist du Rechts- oder Linkshänder? noch, um dich über Musik und Musikindustrie guten Gitarrenmagazin?
n Rechtshänder n Linkshänder zu informieren?
n Kataloge von Herstellern/Händlern _______________________________________________
Welche der folgenden Aussagen trifft zu? n Internetseiten von Herstellern/Händlern
n Ich spiele in keiner Band n Internetseiten von Magazinen/Blogs Planst du, dir in den kommenden 12 Monaten
n Ich spiele in einer Band n Musikerforen eine Akustikgitarre anzuschaffen?
n Ich spiele in mehreren Bands n Social-Media (Facebook, ...) n Ja n Nein
n Ich bin solo unterwegs n Fernsehen
n Musikzeitschriften Wie hoch ist dein geplantes Budget für eine
Welchen Musikstil spielt ihr/spielst du? Akustikgitarre?
n Folk/Folkrock Welcher Heftteil der guitar acoustic sollte n Bis 500 g
n Klassik deiner Meinung nach mehr Platz bekommen? n Bis 1.000 g
n Flamenco n Interviews/Storys n Bis 2.000 g
n Country n Workshop-Specials n Über 2.000 g
n Blues n Workshop-Reihen
n Rock n Gear-Specials Planst du, dir in den kommenden 12 Monaten
n Punk/Folkpunk n Einzeltests einen Akustikverstärker anzuschaffen?
n Indie/Alternative n Songs n Ja n Nein
n Grunge n Andere:_________________________
n Jazz/Fusion Wie hoch ist dein geplantes Budget für einen
n Pop/Schlager Welcher Heftteil der guitar acoustic hat für Akustikverstärker?
n Andere: _________________________ dich den geringsten Nutzen? n Bis 500 g
n Interviews/Storys n Bis 1.000 g
Welchen Spielstil bevorzugst du? n Workshop-Specials n Bis 2.000 g
n Fingerpicking n Workshop-Reihen n Über 2.000 g
n Plektrumspiel n Gear-Specials
n Einzeltests Welches andere Akustikinstrument würdest
Wie häufig kaufst du dir guitar acoustic? n Songs du dir gerne anschaffen?
n Ich bin Abonnent n Andere: _________________________ n Ukulele
n Ich kaufe circa ___ Ausgaben pro Jahr n Mandoline
Wie beurteilst du die Darstellung der Noten n Banjo
Wie viele Personen außer dir lesen die von im Heft? n Cajon
dir gekauften Ausgaben? n Zu knapp n Klavier
n Zu ausführlich n Mundharmonika
_____ n Genau richtig

name e-Mail

anschrift telefonnummer
17
 cd-rezensionen
eric Andersen
Mingle With the
UniverSe: the WorldS
oF lord Byron
Der Generation Dylan &
Cohen gehört Eric Andersen (74) an, der es trotz
guter Kritiken nie in die Top-Liga schaffte – zu
Unrecht. Im reifen Alter vertont er Texte des
britischen Dichtexzentrikers Lord Byron – seine
sparsam arrangierte Musik und die Worte ver-
schmelzen, meist folkig gehalten, orientalisch
angehaucht, auch mal sperrig, egal, ob Andersen
singt oder wie Cohen eher spricht. Faszinierend
und intensiv. (pro) ✪✪✪✪✪
Sam outlaw
tenderheart
Dieser Country-Künstler hat
mit dem glamourösen Nash-
ville-Sound nichts am Hut.
Das macht seinen Sound allerdings nicht minder
glanzvoll. Klingt komisch, ist aber so. „Bottom-
less Mimosas“ macht Lust auf kaltes Corona und
Sonnentergang, und „Trouble“ ist edler, akusti-
scher Gute-Laune-Breitwand-Country. Der „So-
Cal-Country“ des Kaliforniers ist geprägt von
mexikanischen Sounds, twangigen Breitwand-
Arrangements und großen kalifornischen Re-
frains. (mth) ✪✪✪✪✪
george Thorogood
Party oF one
Bevor George Thorogood mit
seinen Destroyers Mitte der
1970er Jahre loslegte, ver-
diente er sich seine Dollars als Akustikgitarrist auf
den Straßen San Franciscos. Damals wie heute im
Programm: Blues-Klassiker von Robert Johnson,
Elmore James und natürlich John Lee Hooker. Für
sein überwiegend akustisches Solodebüt ergänzt
er diese Palette mit Nummern von Johnny Cash,
Bob Dylan und den Rolling Stones – und belegt
damit, dass er nicht nur im traditionellen Blues zu
Hause ist. (ch) ✪✪✪ ✪
Jason isbell
and the 400 Unit
the naShville SoUnd
Americana-Freunde aufge-
horcht: Wer Jason Isbell und
seine Band nicht kennt, sollte das spätestens mit
diesem Album nachholen. Der 38-jährige belegt
mit The Nashville Sound eindrucksvoll, dass er zu
den talentiertesten Songwritern seiner Generati-
on gehört und in die Fußstapfen von Größen wie
Steve Earle treten kann. Genau genommen ist er
längst dabei, denn dies ist bereits sein sechstes Al-
bum. Mein Tipp des Monats. (ch) ✪ ✪ ✪ ✪
18
mike dawes
era
Nach vier Jahren meldet
sich Mike Dawes mit seinem
zweiten Album zurück. Seine
melodiösen, instrumentalen Songs und der stets
dazu geklopfte Beat sind beeindruckend. Einpräg-
sam sind auch die drei Coverversionen des Briten.
Darunter ist eine dynamische Version von Metalli-
cas „One“ sowie „Scarlet“ von Periphery. Letzteres
gibt er durch gefühlvolles Picking wieder - nur um
es am Ende des Songs durch mächtige Anschläge
wieder aufzulösen. Das gesamte Album hat Mike
komplett live eingespielt. (nm) ✪✪✪✪
Simple minds
acoUStic in concert
Akustik-Shows gehören zum
guten Ton, auch bei den
Simple Minds. Die Grün-
dungsmitglieder Jim Kerr und Charlie Burchill
holten sich für ihre von der BBC dokumentierte
2016er November-Show im Londoner Hackney
Empire unter anderem Gordy Goudie als Zusatz-
gitarristen und bewiesen, dass gute Songs auch
minimalistisch funktionieren. Und so gibt es jetzt
auf CD/DVD die Stadionhymnen intimer, dazu
diverse Coverversionen, etwa von Cockney Rebel
und David Bowie. (pro) ✪✪✪ ✪
Shelby Lynne &
Allison moorer
not dark yet
Wie es klingen kann, wenn
außergewöhnliche Stimmen
Songs querbeet adaptieren und auf ihre Weise
interpretieren, zeigen die beiden in der Country-
Szene hoch angesehenen Schwestern aus Ala-
bama auf ihrem ersten gemeinsamen Album. Zu
Vorlagen wie den Louvin Brothers oder Merle
Haggard gesellen sich Genre-ferne Künstler wie
Nick Cave und die Killers. In weiten Teilen funk-
tioniert das bestens. Nur Nirvanas „Lithium“ will
nicht so recht funzen. (ch) ✪✪✪✪✪
köster | hocker
a’S kla?
Das kölsche Mundartduo be-
singt in entspannten Songs
Themen des gemeinen Wahn-
sinns im Alltag. Kösters pointierte Texte werden
mit einer musikalischen Mischung aus Blues,
Country, Rock und Folk untermalt. Neben Frank
Hocker ist Helmut Krumminga an den akustischen
Gitarren zu hören. Das gesamte Album ist viel-
seitig, äußerst solide und knüpft damit nahtlos
an den Erfolg des 2014 veröffentlichten Kumm
Jangk an. (ww) ✪✪✪✪
Das war nix … ✪ ✪ ✪ ✪ ✪ Netter Versuch ✪ ✪ ✪ ✪ ✪
Durchschnitt ✪ ✪ ✪ ✪ ✪
Bill & Joel plaskett
Solidarity
Joel Plaskett ist einer der
angesagtesten Indie/Folk-
musiker Kanadas – wie sein
Vater Bill eine Generation vorher. Gemeinsam
haben sie für Solidarity Songs geschrieben und
zumeist im Duo eingespielt. Wobei der Junior
auch für die eine oder andere größere Produkti-
on sorgte, während der Senior es sparsamer mag.
Beide wissen als Saitenbearbeiter zu überzeugen,
die Lieder haben Tiefgang – und verhindern durch
die Bandbreite von Folk über Blues bis zu Celtic-
Einsprengseln Langeweile. (pro) ✪✪✪✪✪
Ulf & eric Wakenius
Father and Son
Jazzgitarrist Ulf Wakenius,
der auf zahlreichen Alben
internationaler Größen zu
hören ist, veröffentlicht zusammen mit seinem
Sohn Eric ein lupenreines Gitarrenalbum. Neben
Eigenkompositionen stehen Interpretationen von
Klassikern wie Weather Reports „Birldland“, Mor-
ricones „Once Upon a Time in America“ oder Cat
Stevens’ „Father and Son“ auf dem Programm.
Hier sind zwei Ausnahmetalente am Werk, auch
wenn die Versionen der Songs streckenweise et-
was eigenwillig wirken. (ww) ✪✪✪✪✪
Jeff Tweedy
together at laSt
Wilco-Mastermind Jeff
Tweedy bringt ein Album
mit akustischen Versionen
bekannter Songs auf den Markt. Er nimmt sich da-
bei allerdings ausschließlich seine eigenen Werke
vor, neben Stücken seiner Hauptband kommen
auch Nummern von Nebenprojekten wie Loose
Fur und Golden Smog in den Geschmack einer
Solobehandlung. Dabei schafft Tweedy eine in-
time und intensive Atmosphäre, die seine ganze
Klasse als Interpret zeigen. Weitere Werke dieser
Art sollen folgen. (ch) ✪✪✪✪✪
Sonny Landreth
recorded live in
laFayette
Landreths Gitarrenton ist
einzigartig und unverkenn-
bar und er selbst obendrein laut Eric Clapton „der
unterschätzteste Musiker auf dem Planeten“. Eine
These, die Recorded Live in Lafayette unterstreicht.
Landreth zaubert förmlich auf seinen sechs Sai-
ten – zwischendurch auch akustisch –, und das
absolut songdienlich. Schließlich kann er sich auf
gediegene Stücke im Grenzgebiet zwischen Rock,
Blues und Cajun stützen. (pro) ✪✪✪✪✪
Volltreffer ✪ ✪ ✪ ✪ ✪
Geniestreich ✪ ✪ ✪ ✪ ✪

dead Letter Circus
the endleSS Mile
Seit zehn Jahren ist diese
Band erfolgreich. Auf ihrem
aktuellen Album präsentie-
ren sie neue Versionen der sechs Songs ihrer De-
büt-EP. Zusätzlich werden diese durch gezielt aus-
gewählte und neu aufgenommene Titel der letzten
drei Studio-LPs ergänzt. Die Arrangements der
Akustikgitarren und der Sound des Albums sind
absolut überzeugend. The Endless Mile ist kein
reines Akustikalbum, sondern ein Rockalbum, bei
dem die akustischen Instrumente deutlich in den
Vordergrund treten. (ww) ✪✪✪✪✪
Ukulele dub Society
Uke Pot volUMe one
Die Ukulele Dub Society
covert Klassiker aus über
40 Jahren Rock- und Pop-
geschichte. Dabei wird ein Repertoire von Led
Zeppelin, War und Blondie über Chicago, Talking
Heads und Talk Talk bis hin zu Jimmy Cliff und
Kraftwerk abgedeckt. Zweifellos sind die Songs
von einer kompletten Band perfekt eingespielt
und zeigen vor allem, was an der Ukulele, die sich
in den letzen Jahre als Modeinstrument etabliert
hat, so alles geht. Trotzdem bleibt der fade Beige-
schmack von Fahrstuhlmusik. (ww) ✪ ✪ ✪ ✪
Lucas Laufen
goodBye (eP)
Der australische Singer-
Songwriter absolvierte nach
abgebrochenem Medizinstu-
dium eine Ausbildung zum Toningenieur, bevor er
2016 nach Berlin kam, um einen Neuanfang zu
wagen. Die vier Stücke seiner EP sind vor Antritt
dieser Reise entstanden und befassen sich mit den
Gedanken und Gefühlen jener Zeit des Umbruchs.
Sie sind ruhig, nachdenklich und emotional. Trotz
sparsamer Arrangements (neben Stimme und Gi-
tarre eine Trompete) sind die Songs enorm aus-
drucksstark. (ww) ✪✪✪✪✪
Catherine macLellan
iF it’S alright With yoU
„The Songs of Gene MacLel-
lan“ (Untertitel) hat dessen
Tochter Catherine in redu-
zierter Form eingespielt. Gene MacLellan (1938-
1995) gehörte zu den großen (Folk-)Songschmie-
den Kanadas. Tochter Catherine steht längst auf
eigenen Karrierebeinen; sie hat die väterlichen
Vorlagen mit satter Country-Färbung facetten-
reich und spannend umarrangiert und zu neuem
Leben erweckt. So trägt sie das Familienerbe ein-
drucksvoll weiter. (pro) ✪✪✪✪✪
Philipp Roser (pro), Jens Müller (jm), Chris Hauke (ch), Stephan Hildebrand (sh),
Lukas Lautenbacher (lml), Natalie Meyer (nm), Wolr
cd-rezensionen
guitar & passion
the latin exPerience
Als Opener präsentieren
„Guitar & Passion“ Santanas
Schmachtfetzen „Samba Pa
Ti“ in einer flauschig-leichten Acoustic-Version.
Das Wiener Duo zelebriert die mannigfaltige
Palette lateinamerikanischer Musik: von melan-
cholischen Momenten wie Egberto Gismontis
„Palhaço“ über leidenschaftlichen Tango Nuevo
bis zu spritzigen Sambas und Choros. Sabine Ra-
musch und Michael Langer musizieren virtuos,
„ohne Netz und doppelten Boden“ und mit großer
Klangsinnlichkeit. (jm) ✪✪✪✪✪
Jenny and the
mexicats
oPen Sea Mar aBierto
Stilistisch bewegen sich die
Songs von Jenny und den
Mexikatzen irgendwo zwischen traditioneller
südamerikanischer Musik, Gypsy-Jazz und Reg-
gae. Die Stammbesetzung besteht aus Gitarre, Ca-
jón, Gesang und Kontrabass; gesungen wird auf
Englisch oder Spanisch. Nicht nur der druckvolle
Sound dieses Longplayers überzeugt vollends,
auch die innovativen Kompositionen mit ihrer
musikalischen Vielfalt machen Spaß und Lust auf
mehr. (ww) ✪✪✪✪
keith Christmas
crazy dancing dayS
Mal huschen die Finger von
Keith Christmas rasant über
die Saiten, dann strummt der
englische Singer-Songwriter-Veteran fast hypno-
tisch unter seiner Stimme vor sich hin. Schon seit
den ’60er Jahren mischt der 70-Jährige in der UK-
Folkszene mit, hat einst auf David Bowies Album
Space Oddity gespielt und Kollegen mit Songs
versorgt. Auf Crazy Dancing Days präsentiert er
sich als Storyteller über die Welt von heute, nur
mit Stimme und Saiten, wobei die Songs gelegent-
lich ein wenig langatmig sind. (pro) ✪ ✪ ✪ ✪
kai und Funky von
Ton Steine Scherben
& gymmick
radio Für Millionen
33 Songs ihrer früheren Band
Ton Steine Scherben haben Kai Sichtermann (b)
und Funky Götzner (d, perc) mit dem Nürnberger
Allrounder Gymmick neu aufgenommen. Wäh-
rend bei den 16 Studionummern Begleitmusiker
dabei waren, sind die 17 Livestücke für ein akus-
tisches Trio. Die Songs haben ihre inhaltliche wie
musikalische Relevanz bewahrt – und Rio Reiser
ist zumindest im Geiste dabei. (pro) ✪ ✪ ✪ ✪ ✪
19
 ABO+Prämie
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 track
acoustic-legends chris cornell

5–9

22

Sklave? diener?
entrePreneUr?
alles!
der am 18. Mai dieses Jahres verstorbene chris cornell war mehr als
nur ein begnadeter shouter: in seiner weitverzweigten karriere hat er seit
Veröffentlichung des soundgarden-debüts Ultramega OK vor knapp 30
Jahren als songwriter bald alles ausprobiert, was die moderne folk- und
rockmusik so hergibt – und darüber hinaus.
P
rinzipiell finde ich es ange-
nehm, älter zu werden. Mit
den Jahren wird man gelas-
sener, aufgeräumter, auch
zielgerichteter. Ob ich deshalb
als Musiker traditioneller werde, weiß ich
nicht. Ich denke, dass ich schon immer be-
müht war, etwas Individuelles zu erschaf-
fen. Das darf gern mal auf einer Tradition
beruhen, muss in seinem Wesen aber dann
doch etwas Unverwechselbares und Eigenes
in sich tragen.“
Der als Christopher John Boyle am 20.
Juli 1964 in Seattle geborene Sohn eines
Apothekers und einer Buchhalterin war seit
Beginn seiner musikalischen Laufbahn da-
rum bemüht, etwas Neues und Eigenstän-
diges zu kreieren. Hierfür nahm er in seiner
Laufbahn einige Rückschläge und Umwege
in Kauf und lieferte auch immer wieder Mu-
sik ab, mit der man von ihm nicht gerechnet
hätte – und die genau deshalb manchmal
auch nicht das Feedback erhielt, das sie ver-
dient gehabt hätte. Vor allem aber legte er
stets großen Wert auf künstlerische Freiheit,
und so zeichnete sich bereits rund um seine
frühe Profikarriere ab, dass er lieber den
aufwändigeren Weg ging, als sich künstle-
risch korrumpieren zu lassen. Denn als im
Zuge der großen Grunge-Revolution Ende
FOTOS: Getty Images
der achtziger Jahre plötzlich eine neue
Form von kämpferischer Rockmusik aus
Seattle schallte, bemühten sich auch zahl-
reiche Majorlabels um Cornells Band
chris cornell acoustic-legends
Soundgarden – die aber letztlich trotzdem
beim Indie SST unterschrieb, um keine
Kompromisse in puncto Sound und Härte
eingehen zu müssen.
Trommeln gegen Traditionen
Schon damals zeichnete sich Cornells ambi-
valentes Verhältnis zu Musiktraditionen ab;
sicher, auch er hatte seinen Neil Young ge-
hört, sich mit Heavy Metal beschäftigt und
die Coolness und Souveränität von Song-
writern wie Johnny Cash und Bob Dylan
studiert. Doch selbst als Cornell noch als
Drummer in den zahlreichen Prä-Sound-
garden-Bands agierte, fand er seinen ganz
eigenen Weg, mit Songwriting und Rhyth-
mik umzugehen.
„Das war bereits Anfang der achtziger
Jahre“, sagte er 2015 in einem Interview.
„Damals war ich noch Schlagzeuger und
hatte überhaupt keine Ahnung, wie man
eine Gitarre spielt. Dennoch habe ich mich
schon damals hinter dem Drumkit gegen
alles gewehrt, das zu sehr nach Tradition
roch. Ich wollte diese ollen Standards ein-
fach nicht spielen. So war es nur selbstver-
ständlich, dass ich, als damit begann, eige-
ne Songs zu schreiben, sehr darauf geachtet
habe, dass eine Komposition vor allem erst
mal nach mir klingt. Seither hat sich daran
im Prinzip nichts geändert: Ich nutze alle
möglichen Zutaten als Werkzeug, um zu
einem Ergebnis zu kommen, das meiner
Persönlichkeit gerecht wird.“
23
 acoustic-legends chris cornell
Diese Persönlichkeit war vielschichtig. Be-
ginnend mit den frühen Soundgarden-
Alben sowie der einzigartigen Supergroup
Temple of the Dog, die Cornell 1991 aus
dem einzigen Zweck gründete, auf Album-
länge seinem unlängst verstorbenen Freund
Andrew Wood, dem Frontmann von Mother
Love Bone, ein Denkmal zu setzen: Schon
diese ersten Alben, auf denen Cornell feder-
führend am Songwriting beteiligt war,
zeigten, dass er kompositorische Komplexi-
tät mit extrem druckvoller und in dieser
Form neuer Rockmusik zu vermählen ver-
stand.
klassiker oder nicht?
Bereits damals fand er etwas heraus, das er
viele Jahre später sehr treffend umschrieb:
„Ich kann mich freuen wie ein kleines Kind,
Soundgarden um 1990 (v. l.): Kim Thayil (g), Matt Cameron (d), Chris Cornell (voc, g) und Jason Everman (b)
wenn ich das Gefühl habe, etwas von erha-
bener Qualität entdeckt zu haben, das mehr
ist als nur ein guter Song. Ärgerlicherweise
steht diese Euphorie aber häufig der Objek-
tivität im Wege, was bedeutet: Du glaubst
nur, du hast da etwas gefunden, das zum
Klassiker taugt, weil du selbst so begeistert
bist. Ob diesen Eindruck dann aber auch
andere teilen, steht auf einem ganz anderen
Blatt. Ich war schon häufiger der Ansicht,
dass mir etwas wirklich Besonderes und zu-
gleich Eigenes gelungen ist – aber die Welt
da draußen sah es dann ganz anders.
Wobei man auch da unterscheiden muss:
Schon oft kam es vor, dass die Fans etwas
sehr gemocht haben, die Kritiker aber über-
haupt nicht. Oder umgekehrt. Diese Dyna-
mik ist mir bis heute ein interessantes Rät-
sel. Das einzige, was ich gelernt habe, ist:
Nur wenn beide Gruppen zugleich etwas
genauso mögen wie du selbst, könnte es das

track 05
Bsp. 1 = 98 (à la „Hunger
„Hunger Strike“Strike“)

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0 2 0 2 X X X

24

Cornell im Studio: auf der Suche nach dem Besonderen
Zeug zum Klassiker haben und die Men-
schen nachhaltig begeistern.“
Als Soundgarden im Zuge der Grunge-
Bewegung zu Superstars aufstiegen, verän-
derte sich auch Cornells Songwriting. Auf
die Frage, was er als seine wichtigste Ent-
wicklung als Komponist von guter Rockmu-
sik betrachtet, sagte er: „In der Entdeckung
und Perfektionierung des Einfachen, des
Simplen. Es ist ja keine Neuigkeit, dass die
größten Klassiker gerade deshalb zu solchen
geworden sind, weil sie aus einer schlichten,
brillanten Melodie etwas geformt haben, das
über alle Hörgewohnheiten und Generati-
onen hinweg Bestand hat und geliebt wird.
Dieses Ziel habe ich ebenfalls von An-
fang an verfolgt, auch wenn man es den
frühen Soundgarden vermutlich nicht an-
hört. Erstmals in die Nähe dieser Qualität
chris cornell acoustic-legends
sönliche Ebene der Texte, die er zu diesen
recht reduzierten und häufig fast auf klas-
sischem Folk basierenden Stücken schrieb.
„Auf einer übergeordneten Ebene ist das
sicher das Schwierigste, denn wenn man
meine Solosachen mit den Songs von
Soundgarden vergleicht, stellt man schnell
fest, dass nicht nur die Musik viel intimer
ist, sondern auch die Texte“, berichtete er.
„Ich erlaube dem Hörer dabei, sehr private
Sichtweisen und Emotionen von mir ken-
nenzulernen. Das auch auf der Bühne zuzu-
lassen, im Angesicht der Fans, die letztlich
fremde Menschen sind, erfordert schon ei-
nen gewissen Mut.“
der Autodidakt
Doch es gab noch eine andere Problematik
für Cornell, sich dem klassischen Songwri-
ting zu nähern: Nie hatte er gelernt, so Gi-
tarre zu spielen, wie man dies können sollte,
eines Klassikers bin ich wohl mit ,Black Hole um Songs zu schreiben, die auf Traditionen
Sun‘ gekommen. Nachdem mir das gelun- beruhen. „Ich musste mir Stück für Stück
gen war, brachte ich den Großteil meiner erst mal beibringen, wie man eigentlich
kreativen Zeit damit zu herauszufinden, wie ‚richtig‘ Gitarre spielt“, erzählte er in einem
man simple Melodien so verändert und be- Interview zwei Jahre vor seinem Tod. „Ich
wegt, dass sie das Element das ,Klassischen‘ bin auf diesem Instrument wie letztlich auf
in sich tragen. Manchmal gelingt das, meis- allen, die ich inzwischen mehr schlecht als
tens aber nicht.“ recht beherrsche, ja kompletter Autodidakt!
Und gerade auf der Gitarre habe ich nie so
mut zur intimität gespielt, wie ‚man‘ spielt, sondern so, wie es
Was uns zu seinen Soloarbeiten bringt. Be- mir richtig und nützlich erschien. Dabei
reits sein erstes, 1999 veröffentlichtes, von habe ich ungewollt ein paar neue Akkorde
der Kritik gefeiertes, aber vom Publikum entdeckt, die es so noch nicht gab; dafür
weitgehend ignoriertes Soloalbum Eupho- beherrschte ich lange keinen der offiziellen.
ria Morning trug einen neuen Wert des Als ich mit diesen Akustiksongs begann,
Klassischen in sich, eine Reduktion auf musste ich feststellen, dass ich wieder fast
Songs, die durch Qualität und nicht mehr bei null anfangen muss. Das ist eine krasse
nur durch eine brachiale Soundästhetik Erkenntnis für einen, der zwischenzeitlich
punkten. Ebenfalls neu war die enorm per- zu einem Star in der gitarrenbasierenden

Bsp. 2 = 52 (à la „Black
„Black Hole Sun“)
Hole Sun“ track 06

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25
 acoustic-legends chris cornell
Musik geworden ist“, bemerkte er lachend. Cornell: kompletter Autodidakt auf der Gitarre
Bei aller Tradition: Cornell war ein Musiker,
der stets nach neuen Inspirationen und
klangästhetischen Nuancen Ausschau hielt.
Mit Soundgarden hatte er eine neue Form
von Rockmusik manifestiert – und was ein-
mal gelingen kann, kann auch noch häu-
figer hinhauen.
Hier kam, nach der Soundgarden-Auflö-
sung 1997, ab der Jahrtausendwende die
Band Audioslave ins Spiel. Das Quartett,
das neben Cornell aus den drei Instrumen-
talisten der ebenfalls aufgelösten Rage
Against the Machine bestand, machte zwar
letztlich nichts Neues, sondern warf viel-
mehr die Groove-basierende, mit vielen
Bass-Gitarren-unisono-Licks überzeugende
RAtM-Power mit dem kraftvollen Rock-
gesang Cornells in einen Topf.
Da beide Parteien zwar dem Rock ent-
stammten, innerhalb dieses Kosmos aber
sehr gegensätzlich waren, entstand aus ih-
rer Vermählung etwas tatsächlich Neues,
das man so noch nicht gehört hatte. Was
auf dem selbstbetitelten Audioslave-Debüt
noch unter kreativen und auf dem zweiten
Album Out of Exile auch unter kommer-
ziellen Gesichtspunkten hervorragend

Bsp. 3 = 104 (à lathe

„I’m „I'm The Highway“)
Highway“ track 07

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26
 Celebrity
Series

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 acoustic-legends chris cornell
funktionierte, geriet mit dem dritten Album neue Klarheit brachte den Mut, einmal et-
Revelations vor allem kompositorisch zum was ganz anderes auszuprobieren, sich, sein
Rohrkrepierer; diese Platte sei, so sagte Cor- Songwriting und seine Stimme in anderen
nell selbst, der kreative Tiefpunkt seiner Feldern auszuprobieren. Der erste Finger-
Karriere gewesen: „Das Album taugte nur zeig dafür war „You Know My Name“, der
noch als ‚Cash-Cow‘ für die Plattenfirma“, Titelsong des James-Bond-Films Casino
bemerkte er später. „Unter künstlerischen Royale, in dem sich Cornell von einer pom-
Gesichtspunkten war es kompletter Mist.“ pösen und orchestralen Seite zeigte.
drogen & depressionen Ausflug ins hip-hop-Land
Das alles wird sicher auch damit zusam- Es folgte die größte Überraschung seiner
menhängen, dass dies die Phase war, in der Karriere: das dritte Soloalbum Scream, das
Cornell, mittlerweile einer der größten er zusammen mit dem Hip-Hop-Mogul
Rockstars des Planeten, dem Hedonismus Timbaland aufnahm und produzierte und
brachial anheimfiel, befeuert durch eine in das einen mutigen, wenngleich auch zum
dieser Zeit geradezu ungezügelte Lust am Teil nur bedingt ausgereiften Ausflug in
Konsum verbotener Substanzen. Elektronik- und Popmusik für ihn bedeute-
Sicher, Drogen hatten in seinem Leben te. Mit diesem Album habe er viel gelernt
bereits seit seinem 13. Lebensjahr eine Rolle über die Funktion von Musik, ihren Idolen
gespielt, als Substitut einer auf natürliche – und was jene dürfen und was nicht. Die
Weise nie empfundenen Positivität, nach- Kritiker jedenfalls zerrissen die Platte, wäh-
dem er seit Teenagertagen mit Depressionen rend sie am Markt gleichzeitig zu seinem
und anderen psychischen Defekten zu erfolgreichsten Soloalbum avancierte.
kämpfen hatte; doch durch den Verlust so „Sicher war mir klar, wie weit ich mich
manchen Freundes an die Drogen hatte sich damit aus dem Fenster lehnen würde, aber
Cornell immer noch halbwegs im Zaum ge- ich hatte eigentlich mit dem kompletten
halten. Nun korrumpierte er selbst seine Gegenteil gerechnet: dass sich die Fans von
Kunst für eine Weile, indem er sich – dies mir abwenden und mir die Kritiker den Mut
war auf vielen Konzerten zu beobachten – attestieren, auch mal etwas ganz Neues
schlichtweg für den Größten hielt, dabei auszuprobieren. Hört man sich die Songs
aber eine Gesangsleistung ablieferte, die genau an, könnte man sie, wie bei jedem
den Zuschauer so manches mal die Fremd- anderen meiner Alben, problemlos auf
schamröte ins Gesicht trieb. Gitarre und Gesang herunterstrippen. Was
Die Folge: Cornell machte einen Entzug, passierte? Ich wurde von der Kritik verris-
trennte sich von seiner Ehefrau, der Sound- sen wie der letzte Idiot – und die Fans
garden-Managerin Susan Silver, und heira- haben es geliebt. Bis heute bekomme ich
tete fast umgehend erneut – und war dies- Mails, in denen steht, wie viel diese Platte
mal glücklich bis zu seinem Ende. All das einigen bedeutet. Sogar, dass es ihre Lieb-
veränderte auch den Musiker Cornell. Die lingsplatte von mir ist.“

„Like track 08
Bsp. 4 = 124 (à la a„Like
Stone“
A Stone“)

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1.

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3 3 3 3 3 3

28
 chris cornell acoustic-legends
Als wir ihn vor vielen Jahren fragten, wie
sich das anfühlte, nach zwei Jahrzehnten
konstanter Kritikererfolge plötzlich mit har-
schem Bashing konfrontiert zu sein, sagte
er: „Zunächst war es verletzend, doch spä-
ter war es heilsam. Nach den ersten Kritiken
saß ich noch daheim und dachte: Ihr Idi-
oten, hört doch einfach mal genau hin, wie
visionär und eigenständig das ist! Ich hatte
überhaupt keine Bereitschaft, mich mit der
Kritik auseinanderzusetzen, und empfand
den dann folgenden kommerziellen Erfolg
als Genugtuung, dass meine Fans letztlich
viel mehr Verständnis für meine Arbeit mit-
bringen als diese Feuilletonisten.
Audioslave (v. l.): Tim Commerford (b), Chris Cornell (voc), Brad Wilk (d), Tom Morello (g) Erst nach und nach entdeckte ich, dass
einige der Angriffspunkte so falsch gar
nicht waren. Vor allem aber lernte ich da-
durch, wie sehr man ein Gefangener seines
Trademarks ist und dass man, wenn man
eine gewisse Größe mit einer bestimmten
klanglichen Corporate-Identity erlangt hat,
nicht einfach umschwenken und zu völlig
neuen Ufern aufbrechen darf.“
der musiker als dienstleister
„ich wurde von der kritik verrissen wie der War er daher resigniert? „Nein, es war okay.
Letztlich sind erfolgreiche Musiker heute
letzte idiot – und die fans haben es geliebt“ nichts weiter als Dienstleister für einen be-
stimmten Sound, den sie selbst geprägt ha-
ben. Das muss man akzeptieren. Diese Be-
grenzung öffnet ja auch wieder neue Per-
spektiven, indem man sich sagt: ‚Gut, dann
erfinde ich das Rad eben innerhalb der mir
gesteckten Grenzen neu, statt mutwillig aus
allem auszubrechen.‘“
So geschehen im, wie wir nun leider wis-
sen, letzten Abschnitt seiner einzigartigen
Laufbahn. King Animal, das 2012 veröf-

2.
œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœœ œœœ œœœ œœœ œœœ œœœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœœ œœœ œœœ œœœ œœœ œœœ
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1. 2.
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0 0 0 0 0 0 0
3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3

29
 acoustic-legends chris cornell
fentlichte Comeback-Album von Sound-
garden, trug genau diese Werte in sich: Es
war durch und durch das, was man von die-
ser Band erwartete, und zugleich offenbarte
es viele neue Elemente, Grooves und Song-
strukturen. Ja, es wurde letztlich zu einem
der besten Comeback-Alben einer dieser
vielen Bands, die in den Neunzigern be-
deutsam waren und irgendwann im neuen
Jahrtausend noch einmal einen neuen An-
lauf genommen haben. Auch die Soundgar-
den-Konzerte gehörten zu den besten, die
man je gesehen hat.
nackt und bloß
2015 folgte das letzte Lebenszeichen auf
Albumlänge, und es scheint wie eine self-
fulfilling prophecy gewesen zu sein, dass
Cornell seinem vierten Soloalbum den Titel
The Higher Truth gab. Im Interview zur
Platte bekannte er: „So nackt habe ich mich
noch nie gemacht. Seit wir mit Soundgar-
den begonnen haben, habe ich mich stets
hinter großen Produktionen versteckt. Es ist
nicht schwer, die volle Inbrunst und Ener-
gie rauszulassen, wenn um dich herum eine
irrsinnig gute Rockband tobt. Doch was ist,
wenn all das wegbricht? Dann stehst du da
und hast nichts als deine Stimme, ein paar
Akkorde und einen Song. Dabei ebenso viel
Druck und Dynamik zu erzeugen, war für
mich eine der bislang größten Herausforde-
rungen.“
Als Krönung dieser neuen Klarheit (und
zwar auf vielen verschiedenen Ebenen)
ging Cornell nur Monate vor seinem Tod
erstmals mit seiner „Songbook“ getauften
Konzertreihe auf Welttournee, wo er ganz
allein mit seiner Akustischen ein großes

Bsp. 5 = 138 (à la Know

„You „You My
Know My Name“)
Name“ track 09

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4 4 0 0 2 2 2 X X 4 4 0 0 2 2 2 X
2 2 2 2 2 X X 2 2 2 2 2 X
3 3 0 0 0 X X 3 3 0 0 0 X

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3 3 3 3 3

30
 chris cornell acoustic-legends
Publikum mit eigenen Songs und Coverver-
sionen unterhielt. Es wurden intime Abende,
und Cornell bekannte, dass diese Art von
Auftritt für ihn etwas ganz Besonderes war:
„Es ist für mich eine wunderbare Rück-
kehr zu meinen Anfängen, als ich alleine in
meinem Zimmer saß und auf einem Vier-
spurrekorder meine ersten Songs aufgenom-
men habe. Diese Art von Musik hat mich
mein gesamtes Leben begleitet. Immer wenn
ich weg wollte von dem großen Rocksound
und all der Soundgarden-Hysterie, zog ich
mich zurück und hörte eine Platte, die aus
wenigen akustischen Instrumenten und einer
Stimme bestand. Jeff Buckley, Johnny Cash,
Waylon Jennings, aber auch jüngere Künst-
ler wie Beck, Conor Oberst oder Damien
Rice: Die Intimität, die sie auf ihren Alben
zulassen, imponiert mir.“
Nun kann man endlos traurig sein über
Die letzte Tour: 2016 in der Royal Albert Hall seinen – so wollen es die Indizien – wohl
ungeplanten Selbstmord, der offenbar eine
Folge von Überdosierung eines Psycho-
pharmakons gewesen ist. Oder man konsta-
tiert, dass Cornell durch diesen tragischen
Verlust etwas gelungen ist, das nur den we-
nigsten Musikern gelingt: aufzuhören,
wenn es am schönsten ist, wenn ein Künst-
ler näher bei sich ist als in den ganzen drei-
einhalb Jahrzehnten zuvor. Natürlich kann
man sich fragen, was da noch alles an
Großtaten gekommen wäre. Aber auch so
zählt Chris Cornell zu den bedeutendsten
Komponisten, Sängern und Musikern, die
die Rockmusik je gekannt hat. Sein Œuvre
ist weitreichend, vielschichtig und zeitlos
grandios. Denn seine Songs werden blei-
ben. Für immer. ●
Sascha krüger

## bœœœ œœœ œœœ œœ

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4 4 4 4 4 3 3 3 3 3 0 2 2 2 2 2 0 3 3 3 3 3 3
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3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 2 2 2 2 2 2

31
 acoustic-legends chris cornell

Cornell während seiner letzten „Songbook“-Tour:

intim und völlig bei sich

32
chris cornell acoustic-legends

33
 interview mike oldfield

„Ich brauche
nur selten einen
zweiten Take“

Foto: Mercury

keltische Verzierungen
gegen die Behauptung, er würde sich wiederholen, wehrt sich mike oldfield –
von seinen frühwerken lasse er sich allenfalls inspirieren. derzeit ist er mit Tubular
Bells IV beschäftigt. Mit seinem jüngsten release Return to Ommadawn hat sich
der Multiinstrumentalist auch auf seine akustischen Wurzeln besonnen.

34

r
eturn to Ommadawn ist die zwei-
te Rückkehr zu einem deiner er-
folgreichen Frühwerke – täuscht
der Eindruck, dass du es diesmal
anders angegangen bist?
Bin ich das? Oh! [lacht] Ich denke nicht. Mir
kommt es lediglich entspannter vor.
Außerdem bekommt man den Eindruck, dass
du weniger versucht hast, dem Zeitgeist
gerecht zu werden …
Es war einfacher, das auf jeden Fall. Viel
einfacher, und es hat auch mehr Spaß ge-
macht. Ganz ehrlich, ich kann mich kaum
an die Arbeit erinnern, weil alles so glatt
lief, während ich 1975 mit Ommadawn viel
mehr Probleme hatte – da ging das Tape ka-
putt, und ich musste wieder von vorn an-
fangen. Diesmal war ich gewissermaßen per
Autopilot unterwegs. [lacht]
Wie bist du es angegangen? Der Ausgangs-
punkt waren sicher die Olympischen Spiele
2012 in London, als du für die Eröffnungs-
zeremonie einige Parts orchestriert hast.
Die Olympischen Spiele haben mir die Ge-
wissheit gegeben, dass meine Art von
handgemachter Instrumentalmusik lang-
lebig ist, Gehalt und Substanz hat – sie hat
den Test der Zeit bestanden und wurde als
wichtig genug erachtet, Großbritannien in-
ternational zu repräsentieren. Das gab mir
den Anstoß, mein musikalisches Leben von
neuem unter die Lupe zu nehmen und ähn-
liche Musik wie damals in den ’70er Jahren
zu machen.
Spielten die Akustikgitarre und weitere
akustische Instrumente auf diesem Album
wieder eine wichtige Rolle?
Das ist ein enorm wichtiger Aspekt dieses
Albums. Ich habe meinen Lieblingsgitar-
renbauer kontaktiert, Andy Manson, der in
Westengland sitzt. Er hatte eine wunder-
schöne, handgebaute Gitarre, die ich ge-
kauft habe und mir schicken ließ. Ich habe
auch das genau passende Mikrofon da-
für gefunden – ein ähnliches, wie
ich es damals in den siebziger
Jahren benutzt habe, aller-
dings die moderne Versi-
on: ein Neumann.
Es fühlte sich ganz natürlich an, wieder
akustisch zu spielen – ich habe ja sehr früh
damit begonnen, so mit zehn, elf Jahren.
Mit 13 war ich schon ganz gut – und die
Gitarre ist nun mal meine originale Stimme,
weil ich einfach kein Sänger bin, auch
wenn ich es manchmal versuche [lacht].
Meine Stimme war von Anfang an die
Akustikgitarre, dann die elektrische,
manchmal auch der Bass. Picking und dazu
spielen war für mich schon immer etwas
ganz Natürliches. Wenn ich aufnehme,
passt meist schon der erste Take; ich brau-
che nur selten einen zweiten. Das gilt ei-
gentlich für alle akustischen Saiteninstru-
mente, die ich spiele – es sind einfach nur
unterschiedliche Tunings, egal, ob bei den
Mandolinen, dem Bass oder unterschied-
lichen Gitarrentypen, auch elektrischen.
Und natürlich gilt das auch für die alte Fla-
mencogitarre, die ich liebe und die ich auch
bei den Aufnahmen gespielt habe.
Was ist das Besondere an dieser neuen Gi-
tarre, die du für dieses Album gekauft hast?
Ein Mann hat sie in einer kleinen Werkstatt
mit seinen Händen aus ausgewählten Höl-
zern gebaut! Da steckt ein Leben voller Er-
fahrung drin – Erfahrung ist ungeheuer
wichtig dabei. So entsteht ein ganz spezi-
elles Gefühl, wenn man dieses Instrument
spielt. Das stellt sich bei keiner maschi-
nellen Herstellungsweise ein. Das Einzige,
das nicht händisch entstanden ist, sind die
Mechaniken und ein paar Kleinteile.
Eine handgemachte Akustikgitarre ist
wie ein wunderschönes Gemälde – je mehr
man sich darin vertieft, desto mehr kann
man die menschliche Anstrengung und die
Liebe fühlen, die dort mit eingeflossen sind.
Es spricht den Betrachter direkt an, wie es
eine Lithografie nie könnte – und genauso
ist es bei einer handgebauten Gitarre.
Welches Mikro kam überwiegend zum ein
Einsatz?
Meist nur ein Neumann, die Bezeichnung
fällt mir gerade nicht ein – ich glaube es
war ein KM 184, ich bin mir aber nicht ganz
sicher. Es funktioniert nicht so toll bei Ak-
korden, aber für Solos ist es grandios, bringt
da eine gewisse Schärfe rein. Ich hatte auch
noch ein größeres, ein Neumann U87 für
die gestrummten Akkorde. Es gibt keinen
EQ, keinerlei Kompression oder dergleichen
– es klingt so, wie es aus dem Schallloch
heraus tönte und durch einen Neve-Vorver-
stärker kam. Ich nutze diese Technik auch
bei dem Album, an dem ich gerade arbeite,
nämlich Tubular Bells IV.
Du hast auch Ukulele gespielt?
Ja. Die Ukulele ist sehr einfach zu spielen.
Sie ist gestimmt wie die vier oberen Saiten
mike oldfield interview
der Gitarre – und ich habe eine Ukulele in
meinem Kopf gehört, als ich komponierte.
Ich habe keine Ahnung, ob ich sie irgend-
wann mal wieder benutzen werde. [lacht]
Aber es sind auch jede Menge Mandoli-
nen auf der Platte zu hören – ich habe zwei,
eine Ovation und eine Washburn. Die
Washburn hat einen sehr viel helleren
Sound, der sich mehr für Dinge im Hinter-
grund eignet, und sie war wie eine Geige
gestimmt.
Wie lange hat es gedauert? Du hast ja fast
alles selbst eingespielt ...
Elf Monate. Ich arbeite jeden Tag, lege da-
bei aber immer wieder Pausen ein. Ich will
jeden Tag kleine Fortschritte sehen; das ist
mein Anspruch.
Du hast dir auch eine neue Gibson SG zuge-
legt, und einen Mesa/Boogie …
Stimmt. Da war ein ganz spezieller Sound
auf dem ursprünglichen Ommadawn-Al-
bum, den ich mit einer SG Junior erzeugt
habe, damals allerdings durch einen Fen-
der-Verstärker, in dem irgendwelche beson-
deren Röhren steckten. Diesen Sound habe
ich nie mehr hingekriegt, obwohl ich es in
den vergangenen 30, 40 Jahren immer wie-
der versucht habe. Jetzt habe ich das Ge-
fühl, dass ich ihm ziemlich nahegekommen
bin. Die Einstellungen habe ich quasi in
Stein gemeißelt – ich habe das Setting extra
fotografiert, damit ich es wieder einstellen
kann, falls jemand an den Knöpfen dreht.
Wie würdest du die Bedeutung oder Ge-
wichtung von Melodie und Rhythmus in
deinem Spiel beschreiben?
Nun, mein Stil unterscheidet sich ein biss-
chen von dem anderer Gitarristen. Ich nutze
zum Beispiel ein horizontales Vibrato, wie
es Geiger tun, nicht so sehr das Up-and-
down-Vibrato, das typisch für die Rockmu-
sik ist. Ich setze auch meine Fingernägel
ein, so dass ich mit meinen Fingern die Sai-
ten stoppen kann, die nicht im Einsatz sind,
und kann somit einen richtig cleanen
Sound erzeugen. Und ich habe immer wie-
der sogenannte grace notes als Verzierung
dabei. Diese Vorschlagnoten kennt man
auch vom Dudelsack. Diese Noten sind
nicht zwingend notwendig, machen das
Ganze aber lebendiger. Letztlich muss man
melodisch und rhythmisch spielen; ent-
scheidend sind aber die Melodien, weil das
meine Stimme ist! ●
philipp roser
aktuelles album
Mike Oldfield
Return to Ommadawn
35
 promi-workshop raul midón

36
 tracks
10 – 17
DER BRÜCKENBAUER
sein spiel ist ebenso so originell wie virtuos. raul midón verbindet darin
elemente von flamenco, Jazz, latin und funk zu einer extrovertierten Melange,
die dem blinden sänger und gitarristen viele Bewunderer beschert hat – zuletzt
mit dem album Bad Ass and Blind. im Workshop zeigt er einige Beispiele
seines außergewöhnlichen könnens.
r
aul, man kennt dich für dei-
nen außergewöhnlichen Gi-
tarrenstil. Wer und was hat
dich bei deiner Entwicklung
als Musiker beeinflusst?
Mein Vater stammt aus Argentinien, daher
waren meine ersten Einflüsse Musiker von
dort – etwa Atahualpa Yupanqui oder
Eduardo Falú, zwei sehr intensive Gitarristen
des dort als „Folklore“ bezeichneten Stils.
Als ich aufwuchs, kamen Leute wie Carlos
Santana und José Feliciano hinzu.
Meine ersten Lehrer waren Flamenco-
gitarristen. Im Vordergrund standen dabei
die Technik der rechten Hand und jede
Menge Skalen. Theorie hingegen weni-
ger. Das waren meine ersten Einflüsse.
Von da an habe ich immer wieder Dinge
am Wegesrand aufgenommen. Ich hatte
etwa eine sehr intensive Periode mit der
klassischen Gitarre, dann zog es mich
zum Jazz. Ich würde sagen, dass diese
drei Gitarrentraditionen mich am meisten
FOTOS: Getty Images, Mack Avenue Records, Chris Hauke
beeinflusst haben: Klassik, Flamenco, Jazz.
Flamenco ist sehr rhythmisch. Das ist auch
ein Teil deiner Musik auf Bad Ass and Blind.
Stimmt. Ich nutze einige Elemente, die
ich vom Flamenco gelernt habe. Auf der
neuen Platte gibt es ein paar Songs mit
phrygischen Modi. Auch dieser Ansatz kam
vom Hören von Flamenco.
Du spielst mit den Fingern. Hast du je ein
Pick benutzt?
raul midón
Einmal – als ich mit Shakira gespielt habe.
Allerdings nur für zwei Wochen. Dann
habe ich gelernt, wie ich meine Finger so
einsetze, dass es auch so klingt, wie sie
es haben will. Danach habe ich es wieder
weggelegt. [lacht]
Im Info der Plattenfirma wird auch Paul
Simon als Einfluss erwähnt. Wie passt er in
deine musikalische Vita?
Paul Simon übte stets einen großen Einfluss
auf mich als Songwriter als. Er ist der
wohl erfolgreichste Songwriter, der sich
aus verschiedenen Genres bedient, und hat
immer wieder verschiedene Stile in seine
Kompositionen eingebaut.
Mit „Mother and Child Reunion“ hat er
bereits früh in seiner Solokarriere [1972]
Reggae aufgegriffen; er hat mit Afrikanern
[auf Graceland, 1986] ebenso gespielt wie
mit Brasilianern [auf The Rhythm of the
Saints, 1990]. Und das alles mit exzel-
lentem Songwriting. Ich liebe das.
Einige Kritiker haben ihn damals des Dieb-
stahls bezichtigt …
Das ist ein echter Haufen Mist. Was soll
das? Musik ist Musik. Letztlich geht es
darum, Inspirationen aus dem zu bekom-
men, was die Leute machen. Er hat das
alles in seine Arbeit einfließen lassen. Für
mich ist Paul Simon in der Tat das ultima-
tive Beispiel für einen Songwriter, der sich
für Musik in ihrer Gänze interessiert – und
nicht nur für das Songwriting.
promi-workshop
Wie sieht das bei dir aus? Hast du ein Bei-
spiel, wie du verschiedene Stile in deine
Musik einfließen lässt?
Viele. Das hier ist eine Nummer mit einer
Art Bossa-Feel [Beispiel 1, „Everyone
Deserves a Second Chance“]. Dann gibt es
auch poppigeres Zeug [Beispiel 2, „Next
Generation“, beide auf Synthesis von 2009].
Oder „Sunshine (I Can Fly)“ von State of
Mind [2006] – das ist Latin [Beispiel 3].
Es hat eine Art Latin-Basslinie.
Wollen wir auf das neue Album konkreter
eingehen und uns einige der Songs genauer
anschauen? Wir wäre es zum Einstieg mit
dem Titeltrack?
Hinter Bad Ass and Blind steht folgender
Gedanke: Ich habe in der Vergangenheit
zwei Alben herausgebracht, die ich selbst
produziert und gemischt habe. Alles daran
ist von mir. Das ist verdammt viel Arbeit,
und ich bin sehr stolz darauf. Aber jeder
will nur wissen, wie es war, mit Stevie
Wonder zu arbeiten.
Ich möchte den Leuten jedoch auch
erzählen, was ich sonst so alles mache.
Auf eine Art war Bad Ass and Blind ein
Versuch, danach gefragt zu werden – also
genau das, was du gerade tust. Das war die
erste Inspiration.
Zusätzlich habe ich auf diesem Album
viel mit Modes gearbeitet [Beispiel 4]. Das
ist dorisch. Ich bewege mich in F#-Dur,
nutze aber die dorische Form. Das bein-
haltet natürlich auch sehr jazzige Akkorde.
37
 promi-workshop raul midón
Und dann habe ich auch Rap in der
Nummer [Beispiel 4].

Deine Gitarre ist ein ziemlich außerge-

wöhnliches Instrument ...
Es ist eine der besten Akustikgitarren über-
haupt. Gebaut wurde sie von Jeff Traugott.
Das Instrument ist der Wahnsinn. Ich war
in seinem Laden und habe gesehen, wie er
sein Holz aussucht. Er baut sie sprichwört-
lich von Hand. Dieses Instrument ist wohl
die am besten intonierende Gitarre, die ich
je in Händen gehalten habe – und ich habe
viele gespielt.
Die meisten Gitarren beginnen ab dem
13. oder 14. Bund ein bisschen aus der
Stimmung zu geraten. Nicht so bei dieser,
sie ist vollkommen in tune. Diese Konstanz
ist beeindruckend. Außerdem ist der Ton
grandios. Sie hat eine unglaubliche Tiefe
und klingt dabei sehr gleichmäßig.
Ich nutze lediglich den eingebauten
Fishman-Pickup. Für die PA kommt ein
Roland RV-5 Hall dazu, für meinen eigenen
In-Ear-Mix verwende ich einen Fishman
Aura [Spectrum DI Preamp].

Nutzt du die oberen Lagen regelmäßig?

Das mache ich. Bis zum letzten Bund.

Wie viele Gitarren hast du auf dieser Kon-

zertreise dabei?
Nur diese eine.

Welche Saiten hast du aufgezogen?

John Pearse #600L Phosphor Bronze Wound
Light Gauge [in der Stärke .012-.053].

Zurück zu deinem aktuellen Album. Lass

uns einen weiteren Song auswählen …

Bsp. 1 = 57 track 10

bb j j j j
& b b C n œœœ œœ œœ œœ œœ ‰ œœ œœ œœ œœ œœ œœœ Œ œœ œœ œ œ œœ ‰ œœ
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1 1 1 1 1 1 1 1 1 1 1 1 1 1
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1 1
1 1 1 1 1

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1 1 X 1 1 1 1 1 1
1 1 X 1 1 3 3 3 3 3 3 3 3 1 1 1 1
0 0 X 0 0 3 3 3 2 2 2 2 2 2 2 2 2
1 3 3 3
1 3 3 1 1 1

38
 raul midón promi-workshop
Raul ist überzeugter Endorser Wie wäre es mit „Pedal to the Metal“?
von Jeff Traugott Guitars Die Nummer kombiniert mehrere Dinge.
Generell ist mein Ansatz: Man hört nie auf
zu lernen und sollte immer in Bewegung
bleiben. Darum geht es dabei – um die
Philosophie, jeden Tag besser werden zu
wollen. Dazu muss man hart und lange
arbeiten. Dort verwende ich meine spezielle
Rhythmustechnik.

Wie würdest du diese Technik in drei

Sätzen beschreiben?
Es ist eine Kombination von linker und
rechter Hand. Der Ansatz ist, die Gitarre
als perkussives Instrument einzusetzen. Die
linke Hand ist dabei nicht nur für die
Akkorde zuständig, sondern wird ebenfalls
Teil des Rhythmus.

Wie bist du darauf gekommen? Es ist in-

zwischen ja so etwas wie dein Trademark-
Sound …
Ein Teil davon kam natürlich vom Flamenco,
auch wenn es nicht wirklich Flamenco ist.
Aber es ist davon inspiriert. Richtig begon-
nen hat es in New York. Dort gibt es eine
Million Gitarristen, die sanfte, gefühlvolle
Lieder strummen. Als ich anfing, Solo-Gigs
zu spielen, brauchte ich etwas, um mich
von ihnen abzusetzen.
Ich hatte schon daran gearbeitet, doch
nun legte ich einen höheren Gang ein. So
kam ich auf diesen Weg, mich zu präsen-
tieren. Mein Motto war: „Hier bin ich, gebt
mir Aufmerksamkeit. Ich bin anders.“

Apropos Stevie Wonder. Beim Hören deiner

Sachen kommt einem immer mal wieder
sein Song „Superstition“ mit dem rhyth-
mischen Clavinet-Sound in den Sinn …
Raul schwört auf #600L Phosphor-Wound-Saiten aus dem Hause John Pearse

Bsp. 2 = 85 track 11

#### C œœ œœ œœ œœ œœ œ œ œ œ
& œ œ œ œ
> > > > >œ œ >œ œ >œ œ >œ
P.M.

9 9 9 9 9 9 9 9 9
7 7 7 7 7 7 7 7 6 6 6 6 6 6 6 6

#### œœ Œ œœ œœ Ó
& œœ >œœ œ >œœ œœ œœ œœ œœ œœ
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P.M.

4 4 9
6 6 9 9 9 9 9 9 9 9
4 9 9 9 7 7 7 7 7 7
7 7 5 5 5 5
 promi-workshop raul midón
Rhythmus ist mir sehr wichtig und war das
auch immer. Ich denke, ich bin in erster „Über erfolg im
Linie Schlagzeuger. „Pedal to the Metal“
spiele ich auf dem Album mit Band, aber kommerziellen
ich könnte es auch ohne Probleme solo
aufführen. sinn habe ich
Kannst du unseren Lesern erklären, was
vor langer
genau du da tust? zeit aufgehört
Ich kann es zumindest versuchen: Ich
schlage die Saiten mit dem Zeigefinger und nachzudenken“
der Handfläche an. Dann mache ich einen
downstrum – sagt man das so? Ich emp-
finde es jedenfalls eher als upstrum. Dabei
setze ich die Fingernägel ein, nicht die
Fingerspitzen. Dann dämpfe ich die Gitarre
mit meiner rechten Hand. Anschließend
kommt die linke Hand in Spiel – mit einer
Art Aufschlag, zuerst mit dem Zeigefinger,
dann mit dem Ringfinger.
Außerdem benutze ich den Daumen,
um einen Slap-Effekt zu erzeugen, wie bei
einem Bass. Zum Abschluss kommen die
Flageoletttöne ins Spiel. Ich arbeite auch
gerne mit artificial harmonics, aber das
hier sind normale Obertöne [Beispiel 5].

Bsp. 3 = 120 track 12

(0:09-0:19)

b œœ œ œ
&b b C œ œ œ œ œ œ œ œ Œ bœ bœ bœ œ œ œ bœ bœ œ Œ b œ œ
œ œ œ œ
let ring throughout

8 8 4
7 7 4 4
8 8 8 8 8 4 4 4 4 4 8
6 6 6 6
6 6 4 4 7

b œ œ œ œ œ œ Œ œ œ œ œ œ œ Œ œœ
&b b bœ b œ bœ bœ œ œ bœ œ œœ œ Ó
œ
8
8 8 10 10 7
8 8 8 8 10 10 10 10 10 8 8
9 9 11 11 6
7 9 9 6

Bsp. 4 = 100 ( ) track 13

# ## # œ œ. œœ. œœ ¿¿ œœ œ ≈ œ ≈ ¿ ‚‚
& # # 44 œœ œ ≈ œœœ ≈ ¿¿ ¿¿ ¿¿ œœ œ œ ¿ ¿ œ ≈
œœ ¿ œœ œœ ¿ ¿
œ œ
Harm.
7
6 4 6 7 9 X 6 4 X 7
4 4 X X 4 6 8 X 4 4 X
4 4 X X X 4 6 8 X X 4 4 6 6 X X
4 X 4 6 6
4 4

40
 raul midón promi-workshop
Bsp. 5 = 80 ( ) track 14
(0:02-0:09)

b bœœœ œ ¿¿ nœœ nn‚‚‚

& b 44 œœœœ œœ ¿¿¿
œ
œœ ¿¿¿
œœ œ œ ¿¿ œ œœ
œ œœ
œ œ
T ≥ * T ≥ T ≥ * T Harm.
3 X 3 X 6 X 5 5
3 3 X X X X 3 X X X 6 6 X X 5 X 5 5
3 3 X X X X 3 X X X 5 X X 5 X X 5 5
5 5 X 5 6 6 X 6 5 X 5
3 X X 3
* = Saite anschlagen und auf den Gitarrenhals zurückschnellen lassen = mit der Anschlagshand auf die Saiten beim Schallloch schlagen
= mit der Greifhand auf die Saiten schlagen

Bsp. 6 = 82 ( ) track 15
(0:23-0:35)

### 4 œœœ ¿¿¿ #œœœ œœœ ¿¿¿ œœœ œœ ¿¿ œœœ œœœ ¿¿

& 4 œ
œ œ œ œ œ
4 0 X
2 X 4 X 7 7 X 5 X
4 X 6 X 6 6 X 4
4 X 6 X 0
4
4 5

### œœ ¿¿¿ œœœ ˙˙˙ œœ œœ œ œœ œœœ

& œ œœœ ¿¿¿ ¿¿¿
œ
œ œ œ œ œ
œ ˙
0 0 0
2 X 0 2 X X 5 5 5
4 X 2 4 X X 2 4 4
4 X 4 X X 2
5 4 4
4 2

Ging dein Konzept in New York auf?
Es hat tatsächlich sehr gut funktioniert. Ein
Jahr, nachdem ich dort hingezogen war,
habe ich in der Carnegie Hall mit einer
Show namens „The Movie Music of Spike
Lee“ gespielt. Die New York Times schrieb
über mich.
Ein ziemlich eindrucksvoller Start in einer
Stadt voller Gitarristen …
Mit Sicherheit. Ich hatte Glück, aber ich
war auch bereit. Als ich nach New York
zog, war ich bereits in meinen 30ern und
wusste, was ich wollte und was nicht –
etwa einen Haufen von Hochzeits-Gigs zu
spielen. Ich kam vielmehr nach New York,
um ein Statement zu setzen.
Von dort ging es dann ziemlich steil auf-
wärts …
Die meisten meiner Entscheidungen waren
gut, auch wenn nicht alles toll gewesen
ist. Ich wünschte, ich wäre sogar noch
erfolgreicher geworden. Aber eines ist mir
besonders wichtig: Ich bin sehr stolz auf
die Tatsache, dass ich einen eigenen Sound
kreiert habe – und dazu eine Spieltechnik,
die man wiedererkennen kann.
Meine Musik ist vielleicht ein bisschen
schwierig zu kategorisieren, aber sie ist
meine eigene. Außerdem habe ich mit
einigen meiner Lieblingsmusiker gearbeitet,
darunter Stevie Wonder, Herbie Hancock,
Marcus Miller, Dianne Reeves, Lizz Wright
und Bill Withers.
Macht es deine Vielfalt leichter, sich ein
Publikum zu erspielen – oder schwerer?
Es macht es schwerer. Die hartgesottenen
Jazz-Fans haben immer noch Probleme
damit, mich Jazz zu nennen, die R&B-Leute
finden, ich sei zu Jazz. Das finde ich zwar
vollkommen lächerlich, aber so ist es.
Die spielst heute Abend in der Unterfahrt,
einem renommierten Münchner Jazz-Club.
Was für ein Publikum erwartest du an
einem solchen Ort?
Ich denke, ich habe ein ziemlich breit gefä-
chertes Publikum. Einige Leute kommen,
weil sie auf die Gitarre stehen, andere
sind Jazz-Fans. Und dann gibt es jene, die
ansonsten keinen Jazz hören, aber mich
und meine Songs mögen. So oder so: Ich
nehme die Leute mit auf eine Reise und
hoffe, dass sie mir dabei folgen. Über Erfolg
im kommerziellen Sinn habe ich vor langer
Zeit aufgehört nachzudenken.
Das macht dich zu einem Botschafter der
Musik. Wenn die Leute etwa die jazzige
oder die Flamenco-Seite an dir mögen, öff-
nest du ihnen mit deiner Vielfalt auch Tore
zu anderen Stilen …
Das ist es, wofür ich auf diese Welt gekom-
men bin: um musikalische Brücken zu
bauen. Ich habe auch Songs mit spanischen
Texten. Einen R&B- oder Jazz-Touch
an etwas zu legen, das auf Spanisch

41
 promi-workshop raul midón
The Raul Midón Trio
geschrieben wurde, ist nichts Gängiges.
Ich habe mit Bill Withers eine sehr fun-
kige Nummer namens „Mi Amigo Cubano“
geschrieben. So etwas wird in der Latin-
Musik nicht sehr oft gemacht.

Auch das letzte Lied auf dem Album ist

sehr speziell und ungewöhnlich. Dein Cover
von Steve Millers „Fly Like an Eagle“ ist ein
wunderbares Beispiele dafür, wie man ei-
nen Song für die Akustikgitarre arrangie-
ren und dabei stilistisch umformen kann.
Wie bist du auf diese Idee gekommen?
Ich mag es, Lieder zu reharmonisieren. Das
habe ich auch hier gemacht. Der Song steht
normalerweise in A [Beispiel 6]. Ich habe
einen Haufen Farbe hinzugefügt [Beispiel 6
Ende]. Ich wollte es auf eine Weise umset-
zen, die geschmackvoll ist, und dabei die
Integrität des Songs erhalten.
Der Refrain ist ziemlich unverändert
[Beispiel 7]. Grundsätzlich ist es ein
Pedalton – bei mir ist es ein Es –, und dann
kommen verschiedene Akkorde darüber. So
wie im Original auch, dort ist es jedoch ein
A [Beispiel 7 Ende]. Eines möchte ich noch
sagen zum Thema Akustikgitarren: Es gibt

Bsp. 7 = 84 ( ) track 16
(0:07-0:15)

### 4 #œ œœ ¿¿ #œœ œœ ¿¿ #œœœ ¿¿ #œœ ˙˙

& 4 œœ œ ¿ œ œ ¿ œœœ œœœ ¿¿¿ œœ œœ ¿¿ œ ¿¿ œœ ˙˙
œ ¿ œ œ œ ¿ œ œ œ
4 X
4 4 X 6 X X 4 X 6
4 4 X 6 X 4 4 X 4 X 4 X 6
4 4 X 6 X 6 6 X 4 X 4 X 6
7 7 4
4 X 4 4 X 4 4

Bsp. 8 = 165
track 17
(1:12-1:39)

## 3 œœ œ œ ¿
& 4 œœœ œœœ œœœ ‰ œœœ ¿¿¿ œ ¿ ¿ #œœ ‰ œœ ¿¿
œ œ œ œ J
œ œ œ œ
J œ
0 0 0 0 X 3 2 2 X
0 0 0 0 X 5 X 3 3 X
6 6 6 6 X 4 X 3 3 X
7 0
5 5 5 0 3 0 2

# œœ ‰ œœ ¿¿ j
&# œœ œ œœ œ œ ¿ œœ œ œœ ‰ œœ ¿¿
œ œ J œ œ œ ¿
œ œ œ œ œ œ œ œ
œ
2 2 X
3 3 3 X 3 3 3 X
2 0 0 2 2 X 2 0 2 2 X
4 0 0 4 4 4 X
2 2 0 2 0 2
2 2 0

42
 raul midón promi-workshop

# œœ j œœ ‰ œœ ¿¿
&# nœœ #œœœ ‰ œœœ œœœ œœ œ
œ #œœœ œ œ ¿
œ œ œ œ œ œ J
œ œ œ
3 0 2 2 X
5 3 3 3 3 3 3 3 X
4 3 3 3 2 0 3 2 2 X
3 2 2 2 4
0 2 2
3 3 0 2 2 0

# œ j œœ ‰ œœ ¿¿
&# nœœ #œœœ ‰ œœœ œœœ œœ œ
œ #œœœ œ œ ¿
œ œ œ œ J
œ nœ œ œ œ
0 2 2 X
5 3 3 3 3 3 3 3 X
4 3 3 3 2 0 3 2 2 X
3 2 2 2 4
0 2 2
3 0 1 2 2 0

# œ œ œœ ¿¿ œœ ‰ œœ nœœœœ ¿¿ œœœ ‰ j
&# nœœ œœ œ ¿ œ j œ
œ œ œ #œ œ œ œ ¿ œ œ
0
5 5 5 X 5 7 0 X 5
4 4 4 X 4 6 5 X 5
3 3 4 X 4 5 X 4 4
5 5
3 3 0 4 0 5 5

# œœ œœ œœ
&#œ œ œ œ œ ‰ œJ ¿ b˙˙˙ b˙˙˙˙
œ œ ¿ n˙ n˙
0
5 5 5 3 3
4 4 4 3 3
5 5 5 5 5 X 2 2
4 4 X 3 3
3

wunderbare Dinge, die man mit offenen

Stimmungen machen kann – aber man
kann auch viele Dinge sagen, wenn man
weiß, wie man Akkorde mit allen Saiten
spielt. So bleibt man nicht an bestimmen
Tonarten hängen. Ich kann ebenso in F#
spielen wie in B – in jeder Tonart.
Gitarristen tendieren dazu, in E oder A
zu spielen, oder auch in C oder D. Wegen
der offenen Saiten. Das klingt natürlich
schön, und ich möchte den Gebrauch von
Leersaiten auch keinesfalls herabsetzen.
Dennoch finde ich, dass es sehr wichtig
ist, einen Sinn für sämtliche Tonarten zu
entwickeln.
Setzt du Open-Tunings ein?
Nicht sehr oft.
Als ich Rockabilly-Großmeister Brian Set-
zer gefragt habe, wie man als Gitarrist
„ich Übe immer noch verdammt viel“
weiterkommt, hat er geantwortet: Besorg’
dir ein Buch mit Jazz-Akkorden. Teilst du
seine Meinung?
Schon. Es gibt natürlich mehrere Wege –
ein Buch ist gut, aber man kann sich auch
einfach Platten anhören. Was jeder Musiker
machen kann, um weiterzukommen: Lerne
die Musik kennen. Lerne ihre Sprache.
Lerne die Skalen. Manche sagen: „Ich
brauche keine Skalen, ich will nur Songs
lernen.“ Das ist, als wolle man eine Sprache
lernen, ohne sich mit der Grammatik oder
dem Aufbau von Sätzen zu beschäftigen.
Musik ist eine Sprache.
Hast du noch einen Song für uns?
Wie wäre es damit? [Beispiel 8, „Sound
Shadow“]
Ein paar abschließende Worte …
Nur eins: Wenn du gut Gitarre spielen
willst, musst du üben.
Wie lange übst du? Oder hast du geübt?
Ich übe immer noch verdammt viel.
Paul Dorin, Rauls Tour-Manager, schaltet
sich ein: Wenn wir nicht fliegen oder mit
dem Zug fahren, übt Raul bis zu sechs oder
manchmal auch acht Stunden pro Tag. ●
Chris hauke
aktuelles album
raul Midón
Bad Ass and Blind

43
 interview versengold

maximal folk
irish-folk mit deutschen texten? das funktioniert? sogar auf Metal-
festivals? und wie! Hier kommt eine junge Band aus Bremen, die in
sachen folk-arrangements mit deutschen texten eine erfrischend
neue note setzt. Wir haben uns anlässlich der neuen scheibe
Funkenflug mit daniel gregory von versengold unterhalten.

Fotos: RCA/Andi Geipel, www.versengold.de

44

W
ie kommt man als Band auf die
Idee, Irish-Folk mit deutschen
Texten zu machen?
Im Grunde mache ich seit
Ewigkeiten Folk-Musik. Zusammen mit Flo
[Florian Janoske, Geige & Mandoline] habe
ich schon in Schüler-Ensembles gespielt.
Zu dieser Zeit hatte mein Gitarrenlehrer
einen recht großen Einfluss auf mich,
indem er mir Stilrichtungen wie Balkan-
Folk, Irish-Folk und solche Sachen näher-
gebracht hat.
Folk-Musik transportiert eine wunder-
bare Dynamik. Es ist eine direkte und
handgemachte Musikrichtung, die man zur
Not an jeder Ecke mal eben auf die Beine
stellen kann – vorausgesetzt, man hat die
richtigen Leute am Start.
Hast du als Gitarrist stilistisch zuvor auch in
anderen Bands gespielt?
Versengold (v. l.): Sean Lang (d), Florian Janoske (fiedel),
Eike Otten (b), Malte Hoyer (voc), Thomas Heuer (bouzouki, perc),
Daniel Gregory (g, voc), Alexander Willms (nyckelharpa, violine)
Klar, und natürlich habe ich auch schon
in Rockbands gespielt. Das gehört als
Gitarrist ja irgendwie dazu. Folk hat mich
jedoch immer am meisten fasziniert. Als
ich 2011 zu Versengold stieß, kam noch
die Komponente mit den deutschen Texten
dazu. Das war für mich insofern sehr span-
nend, weil unser Sänger Malte echt klasse
Texte schreibt.
Maltes Lyrics sind in der Tat kitschfrei. Wie
entstehen Songs bei euch?
Es ist tatsächlich so, dass Malte zuerst die
Texte schreibt. Von da aus starten wir mit
dem Songwriting.
Die erste Single „Haut mir kein’ Stein“ ist ein
sehr ernster, wenngleich lebensbejahender
Song. Wie ist die Musik zu einem Song ent-
standen, in dem euer Sänger offensichtlich
die persönlichen Eindrücke seines schweren
versengold interview
Autounfalls verarbeitet? Gab der Text die
musikalische Grundstimmung vor?
In dem Fall komplett. Ich hab’ durch Maltes
Songmappe geblättert und bin bei dem
Text hängengeblieben, hab’ mich direkt ans
Klavier gesetzt, ein paar Akkorde gedrückt,
und die Melodie war einfach sofort da. Da
gab es nix zu tüfteln.
Ich finde Songs immer dann gelungen,
wenn der Text und die Musik am Ende
einfach gut zusammenpassen. Ich denke,
dass uns das bei diesem Song echt gelun-
gen ist. Ich habe mich echt alleine von der
Stimmung des Texts leiten lassen.
Ist das Klavier noch vor der Gitarre entschei-
dend für dich beim Songwriting?
Haha, eigentlich ist das gerade bei diesem
Song eher zufällig passiert. Normalerweise
nehme ich immer zuerst die Gitarre zur
Hand. Tatsächlich hatte ich gerade keine
Gitarre griffbereit. Bei Balladen ist das
meistens etwas leichter. Da kann man die
Akkorde auch am Klavier einfach mal so
legen. Ansonsten ist es immer schön, wenn
man direkt eine Gitarre und bestenfalls
noch einen Geiger dabei hat, der mögli-
cherweise ein schönes irisches Thema dazu
fiedeln kann.
Wie sind die restlichen Songs entstanden?
Nachdem sich jeder von uns im Vorfeld
mit Maltes Texten zu Hause beschäftigt
hat, sind wir alle eine Woche zusammen
nach Portugal gegangen, haben uns in
einem kleinen Häuschen eingemietet,
um uns dann gegenseitig unsere Idee
zu präsentieren.
Dort sind dann die ersten gemein-
samen Demos und rudimentären
Arrangements zu den Songs entstan-
den. Mit denen sind wir anschließend in die
Principal-Studios nach Münster und haben
dort zusammen mit unserem Produzenten
Jörg Umbreit die Songs und besonders die
Chöre arrangiert und aufgenommen.
Ihr macht als Band sehr viel selbst: Ma-
nagement, Booking, Promotion, Kon-
takt zu den Fans halten. Scheint, dass
ihr durchaus wisst, was ihr wollt ...
Wir haben klein angefangen, dann
kamen ein paar größere Bühnen
dazu. Daraus ergaben sich ein paar
Festivals, und inzwischen spielen
wir auch Club-Shows, die ziem-
lich gut besucht sind. Es gab bei uns
nie den ganz großen Schub in Sachen
Besucherzahlen. Das kommt hoffentlich
jetzt bald. Du musst vor allem als Band
liefern. Wir spielen circa 70 Shows im Jahr,
darunter auch das Wacken Open Air, Mera
Luna und das Greenfields in der Schweiz.
Da ist dann auch sehr viel Metalpublikum
bei solchen Festivals, aber das ist das
45
 interview versengold
„Stumpf A-Moll ist das bei mir nicht“
Schöne am Folk: Das funktioniert eben
auch vor unterschiedlichem Publikum.
Was ist das Arbeitsinstrument deiner Wahl?
Generell sollte eine Gitarre für mich viel
Bauch haben. Dreadnought ist gut, Jumbo
muss nicht sein. Ich spiele zwei Gitarren
von Cole Clark, Fat-Lady-Modelle. Die
habe ich live immer dabei. Eine Cole Clark
ist auf Standard-Tuning, die andere offen
gestimmt in D-A-D-Fis-A-D für ein paar
Open-Tuning-Geschichten. Sie haben einen
erstklassigen Hals, verfügen über eine tolle
Saitenlage und haben einen sehr guten
Tonabnehmer. Der Cutaway für die oberen
Lagen ist ebenfalls klasse …
Spielt der Cutaway eine Rolle, obwohl du
nicht wirklich solierst?
Ja, ich gehe schon hier und da mal in die
oberen Lagen, wenn ich ein paar Akkorde
verschiebe. Ich lege mir auch was zurecht,
damit ich auch mal was zu tun habe.
Nur stumpf A-moll ist das bei mir nicht.
Haha! Da ist es prima, die Freiheit mit dem
Cutaway zu haben. Ebenfalls hervorragend
bei diesem Instrument ist der Pickup.
Wie ist der aufgebaut?
Es ist tatsächlich ein eigener Pickup von
Cole Clark. Ein Dreiweg-Pickup. Er besteht
aus einem Piezo, einem Pickup, der direkt
unter dem Steg sitzt, und einem Mikro,
das im Korpus hängt. Das Mikro innen-
drin mache ich allerdings aus, sonst gibt es
live zu viel Feedback-Streuung. Ich stelle
beide Gitarren für die Live-Situation von
den EQ-Einstellungen etwa gleich ein. Um
den Sound dann am Ende noch etwas
anzudicken, verwende ich live zusätzlich
ein GT-100 E-Gitarrenmultieffekt von Boss.
So habe ich live direkt die Option, für jeden
46
Song entsprechend meine Einstellungen
abrufbar zu haben. Ich kann dadurch
hier noch ein wenig Kompression und
da noch ein wenig Reverb hinzufü-
gen – und mit dem GT-100 ein wenig
Amp-Simulation, ähnlich der eines cleanen
Fender-Amps. Ich stehe nicht so auf diesen
ziseligen Piezo-Sound.
Man muss als Akustikgitarrist eben
ein bisschen kreativ werden. Die Lösung
mit dem GT-100 funktioniert für mich
sehr gut. So habe ich auch auf einem
Metal-Festival nach einer Heavy-Band
als Folker die Chance, soundtechnisch
bestehen zu können. Da gibt’s für die
Ballade wie für das Strumming mehr
Kompression im Sound. Irgendwie
sind diesbezüglich ja alle Western-
und Akustikgitarristen erfin-
derisch. Jeder hat da so seine
Lösung für den Live-Einsatz.
Könnt ihr euch vorstellen, in
Zukunft auch mal ein här-
teres Rock-Album zu ma-
chen?
Ich will das grundsätzlich
nicht ausschließen, aber ich
glaube, eher nicht. Das liegt
einfach daran, dass wir mit
den akustischen Instrumenten,
die wir haben, maximal zu rocken
versuchen. Das ist für mich der Reiz an
der ganzen Geschichte. ●
marcel Thenée
aktuelles album
Versengold
Funkenflug
 promi-work tracks

18 – 21

48
 mike dawes promi-workshop

lange der engländer mike dawes sieht

mit Matte und Ziegenbart aus wie

haare,
der typische Metalhead. Wenn er
Hand an eine gitarre legt, klingt das
aber nicht nach powerchords oder

schnelle
shredding. seine finger fliegen in
unglaublicher geschwindigkeit über
das griffbrett, sind dehnbar wie

finger
spinnenbeine und dabei äußerst
präzise. Wir trafen ihn beim gitarren-
zauber-event von andreas cuntz.

d
u grenzt dich nicht nur äu-
ßerlich, sondern auch durch
dein Equipment von anderen
Fingerstyle-Gitarristen ab.
Obwohl du ausschließlich mit
der Akustikgitarre auf der Bühne stehst,
nutzt du mehr Pedale als so mancher
E-Gitarrist ...
Wäre ich im Publikum, würde ich mir bei
meinem Programm etwas Abwechslung
wünschen. Ich finde, sonst wird es schnell
langweilig. Bei der Vielzahl an instru-
FOTOS:Nick Gordon, Larry DiMarzio, Frankie Jazz, Paul Templing, Natalie Meyer
schwerer wird es am Ende, da müsst ihr
eure Hände kurz überkreuzen. Aber mit ein
bisschen Übung geht das schnell und sieht
umso beeindruckender aus.
Dieses Lick am Anfang ist übrigens auch
der erste Teil des Chorus.
Du hast für 2017 ein neues Album geplant.
Nach deinem Debüt What Just Happened?
ist es erst das zweite Studiowerk. Hast du
dir bewusst so viel Zeit gelassen?
Als das erste Album 2013 raus kam, war ich
neuen, technisch verkopften Metal spielen.
Mit Metallica bin ich groß geworden und
wollte schon lange einen Song von ihnen
spielen. Endlich habe ich mich rangetraut,
mit meiner Interpretation von „One“.
Was fasziniert dich so an Coverversionen?
Bei „One“ dachte ich mir einfach, es wird bei
all den anderen Songs, die ich bereits geco-
vert habe, Zeit, mal etwas von Metallica zu
machen. Es ist ein kleines Biest geworden,
und ich bin wahnsinnig gespannt, ob und

mentalen Stücken ist das verständlich.
Mit einem hin und wieder eingesetzten
Looper, einem angezerrten Song und wei-
teren Effekten wird das Programm runder
und unterhaltsamer. Wenn du nur ein
Instrument hast, ist es umso effektiver. Es
kommt auch immer auf das Publikum an –
je nach Stimmung lasse ich die Pedale dann
aus. Ich setze jedes Pedal aber nur gezielt
und nicht verschwenderisch ein. Sonst
wäre der erwünschte Effekt schnell dahin.
Wie funktioniert der Song „Boogie Shred“?
Auf der CD spiele ich ihn in Cis-Moll.
Jetzt und auf der Bühne spiele ich ihn in
D-Moll; das Tuning ist DADGAD. Es ist
sehr viel einfacher, als es sich anhört. Etwas
danach fast jedes Jahr um die zehn Monate
auf der ganzen Welt unterwegs. Unter
anderem war ich mit der britischen Band
Moody Blues auf Tour. Ich kam zeitlich ein-
fach nicht dazu, ins Studio zu gehen. Umso
glücklicher bin ich, dass nun endlich mein
zweites Album Era fertig geworden ist. Ab
Herbst ist es im Handel erhältlich.
Welche Songs befinden sich darauf?
Über die neuen eigenen Songs möchte ich
noch nicht zu viel verraten. Neben den eige-
nen Liedern sind jedoch drei Coversongs
dabei. Ein Song von John Mayer, einer von
Metallica und einer von der Metal-Band
Periphery. Das sind gute Freunde von mir,
und ich mag die Art und Weise, wie sie
wie es bei den Leuten ankommen wird.
Es macht mir Spaß, Songs, die ich gerne
höre, auf meine ganz persönliche Art umzu-
setzen. Deshalb werde ich auch in Zukunft
neue kreative Herausforderungen suchen
und Originalsongs in meinem Picking-Style
umwandeln.
Kannst du uns das an einem bestimmten
Song zeigen?
Ich zeige euch gern das Anfangsriff von
„Somebody That I Used to Know“ von
Gotye in meiner Version. Die Gitarre ist hier
in CADGAD gestimmt. Das Bass-Riff geht
konstant durch, es gibt auch einen Beat.
Er besteht aus Kick und Snare im Wechsel.
So entsteht die unglaubliche Atmosphäre

49
 promi-workshop mike dawes
dieses Songs. Es gibt viele Griffe, die auf
die Snare-Beats gespielt werden. Obendrauf
kommt die Melodie, die sich ein wenig
wie ein Kinderlied anhört. Es ist ein kom-
plizierter Song, aber nach etwas Training
solltet ihr es beherrschen.

Wirst du im Herbst mit dem neuen Album

in Deutschland unterwegs sein?
Ja, ich spiele im September auf dem
Gitarrenfestival in Hamburg und danach auf
dem Festival von Lulo Reinhardt in Koblenz.
Ich bin gerne in Deutschland und habe
eine emotionale Verbindung zu dem Land.
Zwar habe ich inzwischen in vielen Ländern
gespielt, doch Deutschland war der erste
Auftritt im Ausland. Somit hat hier alles
angefangen. Die Unterstützung durch die
Fans und die Stimmung auf den Konzerten
ist immer toll. Das Highlight ist jedes Jahr
der Gitarrenzauber hier bei Andreas Cuntz.

Du hast dir eine optisch auffällige Gitarre

von Andreas bauen lassen. Wie kam es zu
dieser Konstruktion?
Petteri Sariola ist ein sehr guter Freund
von mir; er stellte den Kontakt zwischen
Andreas und mir erstmals her. Dadurch
konnte ich 2013 beim Gitarrenzauber auf-
treten. Natürlich spielt jeder hier eine
Cuntz-Gitarre. Sie waren omnipräsent auf
diesem Festival und auf der Messe, jedes
Mal, wenn ich in Deutschland zu Gast war.
Irgendwann konnte ich nicht mehr wider-
stehen, brauchte ohnehin eine neue Gitarre
– und bin schwach geworden.

Bsp. 1 = 173 track 18

(0:20-0:28)
‚
œ œ œ œ œ œ ‚‚
& 12
8 œ œ œ œ
œ œ œ
œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ
œ œ
T T T T T T T T T T.H.
D * 2 0 * 12
A 8 7 0 8 7 0 12
G 12
D
A 3 5 8 8 7 0 3 5 5 3 5 8 8 7 0 3 5
D 0 0

œ œ œ œ
& œ œ œ Œ Ó
œ œ œ
œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œœ
œ œ œ œ œ
T T T T T T T T T
* 2 0 * * *
8 7 0
0
3 5 8 8 7 0 3 5 5 5 8 5 0 5 8 5 0 0
0 0 3 0 5 0

* = Slap mit dem Daumen der Anschlagshand

50
 promi-workshop mike dawes
Welche Hölzer hat Andreas für deine Gitar-
re verwendet?
Ich wusste, ich will indisches Palisander
und Sitka-Fichte. Für die Decke hat
Andreas Fichtenholz verwendet, das 40
Jahre lang eingelagert war. Der Hals ist
eine exakte Kopie meiner alten Taylor
und meiner Nick-Benjamin-Gitarre. Der ist
mein Gitarrenbauer in der Heimat.
Ich stehe darauf, an jeder Gitarre exakt
das gleiche Halsprofil zu haben, damit
ich mich nicht umgewöhnen muss. Es
ist äußerst lästig, wenn ich bei jedem
Gitarrenwechsel erst wieder mit dem
Instrument warm werden muss, bevor ich
es optimal nutzen und bespielen kann. Der
Sattel fällt mit 44 Millimetern etwas kürzer
aus als bei anderen Modellen von Andreas.
Da mein musikalischer Hintergrund im
Metal liegt und ich in der Vergangenheit
viel E-Gitarre gespielt habe, brauche ich
keine besonders großen Abstände zwischen
den einzelnen Saiten. Im Gegenteil, es stört
mich und verlangsamt mein Spiel.
Die Gitarrensaiten kann man nicht
benden, dadurch halten sie die Stimmung
besser und haben mehr Spannung.
Als Tonabnehmer habe ich den Black- „Ich mag es,
Angel-DiMarzio-Pickup, den ich in
Zusammenarbeit mit dem Hersteller ent- wenn sich der
wickelt habe.
Pickup wie
Was macht diesen Tonabnehmer aus?
Es ist ein passiver, magnetischer Pickup.
eine quakende
Er funktioniert also ohne Batterie und Ente anhört“
beinhaltet eine Phasen-Umschaltung, falls

track 19
Bsp. 2 = 155
(0:04-0:17)

Πj ΠΠj
12 ‚ ‚
œ œ œ œœ œ ¿
& 8 œœ ‰ J Œ œœ œJ œ œ
œ J œ œ œ bœ œ nœ
Harm. T 1/2 T T
D X X X X X X X
A 7 5 0 3 5
G 0 0
D 0 12 0 3 0
A 0 12 3 0
D 0 0 3 5 5

Œ j Œ Œ
& ‚ ‚
œ œ œ œœ œ ¿ œ œ
œ œ œ œ œ
œœ ‰ J Œ
œ J œ œ œJ œ
1/4
Harm. T T
X X X X X X
7 5 0 3 5 8
0 0 7 0 5
0 12 0
0 12
0 0 3 5

52
 mike dawes promi-workshop
benötigt. Der Sound klingt meiner Meinung
nach sehr flach aus dem Schallloch heraus.
Er kann optimal an jedes Pickup-System
angebracht werden.

Wo positionierst du ihn?
Ich mag es nicht, wenn Pickups unter dem
Sattel befestigt werden. Der Klang wird
dann einfach zu schmal, hört sich nicht
mehr weit und voluminös an, sondern eher
komprimiert. Der KK-Stil unter dem eigent-
lichen Soundbord, also unter der Brücke, ist
für mich die perfekte Position. Das sollte
sich jeder Gitarrist gut überlegen und viel
herumprobieren, bevor er den Pickup ein-
fach irgendwo einbaut. Ich mag es, wenn es
sich wie eine quakende Ente anhört. [lacht]
Trotz akustischer Klänge hat Mike ein beachtliches
Pedalboard
Am Cutaway hat deine Gitarre eine Einla-
gerung. Was genau ist das?
Das nennt sich Scratchpad. Mein anderer
Gitarrenbauer Nick Benjamin hat es in
einem ähnlichen Design für die Musiker
Eric Rush und Thomas Lee entwickelt. Es
ist ein Extrastück der Decke und darauf
platziert. Ohne Lack und unbehandelt. Das
Kratzen kann ich darauf variieren – ent-
weder kratze ich leicht oder hart. Letzteres
finde ich sehr effektiv; es bleiben nur die
rauhen Klänge zurück. Das setze ich in
einigen Songs gern ein, weil es immer
einen gewissen Überraschungseffekt hat.

Du bist erst seit wenigen Jahren im Musik-

geschäft aktiv und hast durch den Kontakt
Den Black Angel hat Mike mit DiMarzio entwickelt zu deinem Idol Petteri viel gelernt. Was

Πj ΠΠj
‚ ‚
œ œ
œ œœ œ ¿
& œœ ‰ J Œ œœ œJ œ œ
œ J œ œ œ bœ œ nœ
Harm. T 1/2 T T
X X X X X X X
7 5 0 3 5
0 0
0 12 0 3 0
0 12 3 0
0 0 3 5 5

Πœ œœ
& œ œJ œ œ J Œ œ œ œœ Ó
œ œJ œJ œ œ
T
X X X 0
5
0
2 3 2 7 5 5 5
3 5
3 5 5 5
= "kickdrum": mit dem Handballen der Anschlagshand auf die Decke schlagen
¿
= "snare": mit der Greifhand an die Zarge beim Hals schlagen
‚ = "snare2": mit der Anschlagshand an die Unterzarge beim Hals schlagen = mit dem Daumen der Anschlagshand auf die tiefe E-Saite schlagen
= "conga": mit dem Daumen der Anschlagshand auf die Decke unterhalb des Schalllochs schlagen
= "snare3": mit der Anschlagshand an die Zarge beim Hals schlagen

53
 promi-workshop mike dawes
empfiehlst du anderen Gitarristen?
Habt keine Angst davor, das zu tun, was ihr
wirklich wollt. Jeder will die nächste große
Nummer sein. Aber du musst deinen eige-
nen Stil finden. Es gibt nur eine Handvoll
Musiker, die irrsinnig berühmt sind.
Ich habe zum Beispiel mit Stimmungen
herumprobiert. So habe ich meinen eige-
nen Sound weiterentwickelt. Mir gefällt
es einfach, etwas Neues in die Musikwelt
einzubringen. Oft sind Musiker auch besorgt
darum, jemanden zu verärgern. Als Gitarrist
muss du dich manche Dinge einfach trauen.
Das Wichtigste ist am Ende des Tages, Spaß
auf der Bühne zu haben. Dann hat auch das
Publikum Spaß und ist zufrieden. ●
natalie meyer

aktuelles album

Mike Dawes
ERA

track 20
Bsp. 3 = 130
(0:06-0:12)
OŒ ‚ j
œ œ œ Œ œ ‚ ‚œ œ ‚j O œ
& 44 Œœ œ œ Œ œ œ œ œœ œ ˙
œ Œœ œ œ
J œ J J ˙ J
j j j
/ 44 a m i
¿ ‰ ¿
a m i
¿ ‰ ¿
a m i
¿ ‰ ¿
*
A.H. T
Harm. T T T T T T A.H. T Harm. T T
D 3 2 3 2 3 3 2
A 12 12 15 12
G 2 2 12 2
D 0 0 2 0 0 2 0 12 2
A 3 3 3 3 3
C
*A.H. mit der Anschlagshand erzeugen
¿ == "kickdrum": mit dem Handballen der Anschlagshand auf die Decke schlagen
mit dem Daumen der Anschlagshand auf die tiefe E-Saite schlagen
= mit den Fingern der Anschlagshand auf die Decke untern Schallloch schlagen

Bsp. 4 = 92 track 21
(0:01-0:08)
. . . . œœ
b œœ œ œœ œ œ ‚ ‚ nœœ
& b 44 œœ œ œ
œ œ œ œ œJ ‚ œ œ
J J J
4 ‰ j ‰ j
/ 4 ¿ ¿ ¿ ¿
≥ ≥ ≥ Harm. ≥
D 3 5 5 7 8 10 2
A 3 3 3 8 12 3
G 2 0 12 0
D 0 0 0 0
A 3 3 3
C 12

¿ == "kickdrum": mit dem Handballen der Anschlagshand auf die Decke schlagen
mit dem Daumen der Anschlagshand auf die tiefe E-Saite schlagen

54
 Das Sonderheft von

Jetzt am Kiosk oder bestellen unter www.ppvmedien.de

 interview drake white

ein smarter rebell

Während der jüngsten cMa songwriters series und des country-to-country-festivals in
london war drake White mit seiner flattop der show stealer des gesamten Wochenendes.
Wir sprachen mit dem gut gelaunten entertainer über seinen perkussiven spielstiel, seine
virale akustiksetkampagne und seine „seltsam“ gealterte gibson lg.

d
rake, bei der CMA Songwriters
Series gab es seitens der Gitarre-
ros im Publikum ein paar ver-
wunderte Blicke, denn du hast
keine Gibson in Händen gehalten. Mit wel-
cher Sechssaitigen bist du fremdgegangen?
Das war meine Breedlove, die im Stil einer
Santa Cruz Smallbody gefertigt ist. Der
Grund für den Umstieg ist schnell erklärt,
denn mir ist der Hals meiner Gibson LG
gebrochen. Mit mir gingen auf der Bühne
die Pferde durch, und da ist es passiert. Zur
Zeit befindet sie sich in der Werkstatt und
wird repariert.
Spielst du auch abseits der Bühne haupt-
sächlich kleine Korpusgrößen?
Ja! Ich suche nach einem bestimmten
Sound, und den erhalte ich ausschließlich
fantastische Songwriter und Künstler. Es
ist immer dieser kleine Funke Glück nötig,
damit man wahrgenommen wird und die
Chance bekommt, in einem tollen Umfeld
mit anderen Komponisten zu arbeiten oder
einfach Leuten, die massives Talent besit-
zen, unter die Arme zu greifen. All das fühlt
sich großartig an.
Dadurch wurde dir auch die große Ehre zu-
teil, bei der diesjährigen Ausgabe der CMA
Songwriters Series einer der Botschafter
Nashvilles zu sein. Wie hast du dich auf den
Mix aus Songs und Storys vorbereitet?
Vor diesem wichtigen Termin habe ich ein
paar Gigs im Vorprogramm von Darius
Rucker [Ex-Hootie-and-the-Blowfish] in
ganz Europa gespielt. Daher konnte ich
schon abwägen, auf was das Publikum auf
Das ist ja genau das Ding! Es ist egal, ob
du vor zehn oder 10.000 Leuten auftrittst.
Jeder Song hat eine Seele und verdient
es, mit voller Inbrunst gespielt zu wer-
den. Diese Leidenschaft spürt jeder im
Zuschauerraum – egal, aus welcher Ecke
sie oder er kommt. Ich könnte gar nicht mit
angezogener Handbremse spielen. Dieser
energetische Vibe steckt einfach in mir.
Was findet sich außer Parlourgitarren in
deinem Rig?
Im Live-Umfeld mit kompletter Band ist
eines der wichtigsten Dinge ein gutes
Drahtlossystem, denn ich bin überall auf
der Bühne unterwegs. Mein Favorit sind die
Wireless-Einheiten von Line 6, mit denen
ich inzwischen auch einen Endorsement-
Deal besitze. Dazu kommt das L. R. Baggs
Fotos: Luke Dyson, Tim Mosenfelder/Getty Images

mit Smallbodys. Alles im Parlour-Stil ist
für mich interessant.
Du bist spätestens seit der Veröffentlichung
deines Major-Debüts Spark 2016 einer der
gefragtesten Songwriter auf der Music Row
in Nashville. Was ist das für ein Gefühl?
Oh, Mann, ich wäre ja alleine schon
froh, wenn man überhaupt Notiz von mir
nähme. Die jetzige Situation ist natürlich
der Idealfall. Es gibt da draußen so viele
dieser Seite des Atlantiks steht. Das soll
jetzt allerdings nicht heißen, dass ich alles
bis ins Detail ausgearbeitet habe – eher im
Gegenteil. Ich bin einfach rausgegangen
und habe das gemacht, was ich immer
mache: den Leuten eine möglichst gute Zeit
zu bescheren.
Wenn man dich während einer Show beob-
achtet, merkt man, dass du viel Herzblut in
deine Songs und deine Performance steckst.
Anthem SL, bei dem ich einen hervor-
ragenden Mix aus dem integrierten
Mikrophon und dem Piezo einstellen kann.
Der einzige Effekt, der es in mein Rig
schafft, ist etwas Reverb aus einem EHX
Holy Grail. Es ist also alles sehr einfach
gehalten. Ich mag den Geist und den Sound
meiner Gitarren nicht verfälschen.
Apropos Endorsement: Du hast auch einen
Vertrag mit Gibson.

56

Ich liebe ihre Gitarren! Dabei geht es mir
aber nicht um den Markennamen, sondern
um das Gefühl, die Bespielbarkeit und den
Sound, den die Gibsons besitzen. Ich glaube,
dass jedes Stück Holz, das zu einer Flattop
wird, Songs und einen gewissen Geist in
sich trägt. Eine Sechsaitige, die für mich
cool ist, muss das noch lange nicht für dich
sein. Es geht immer um den persönlichen
Geschmack und entsprechende Vorlieben.
Die Gibson LG ist für mich nun mal die
erste Wahl, denn sie liefert mir genau den
Klang, das Handling, den Look und ist, wie
bereits erwähnt, eine kleine Gitarre ... die
Kombination ist für mich unschlagbar.
Eine deiner LGs sieht extrem mitgenommen
aus. Was ist mit ihr passiert?
Ich habe ein Stück Schmirgelpapier genom-
men und losgelegt. Die Prozedur hat den
Sound massiv beeinflusst. Sie war so glän-
zend und brandneu – das ist einfach nicht
mein Ding. Ich bin keine Glitzergestalt, und
dazu passt eher eine abgerockte Gibson.
Manche werden das verurteilen, aber das
interessiert mich einen Scheiß!
Welche ist dir die liebste Gitarre in deiner
Sammlung?
Eine alte Martin DC-15. Sie war meine erste
richtige Akustische, die ich mir während
meiner Studentenzeit gekauft habe. Auf ihr
kleben Sticker, es sind Initialen eingeritzt,
und sie besitzt eine stattliche Anzahl an
Schrammen, aber sie hat Seele.
Auf deinem Youtube-Kanal gibt eine Serie
von fantastischen Akustikversionen deiner
Tracks. Was war die Idee dahinter?
Ich wollte meine Stücke in ihrer ursprüng-
lichsten Form präsentieren. Diese aufs
Wesentliche reduzierten Arrangements liebe
ich. Seit meiner frühesten Jugend bin ich
drake white interview
von Akustikalben besessen, und in genau
dieser Tradition sollte diese andere Seite
meiner Musik stehen.
Wenn man dir auf die Finger schaut, fällt
sofort deine ungewöhnliche Anschlagtech-
nik auf.
Das hat sich einfach so eingeschliffen. Seit
jeher trommle ich zu Songs auf Tischen
herum. Ich kann das, was zwischen meiner
Hand, dem Pick und den Saiten passiert,
wohl am besten mit den Worten von
Dave Grohl [Foo Fighters, Nirvana] erklä-
ren, denn er ist ja bekanntlich Drummer.
Wenn du eine Gitarre wie ein Perkussions-
instrument betrachtest, kommt dabei ein
rhythmischeres Spiel heraus, ein noch mit-
reißenderer Groove. Meine rechte Hand
spielt also eigentlich Drums. [lacht]
Dein Major-Debüt Spark von 2016 war
fraglos einer der Knaller in Nashville ...
In diese Scheibe ist viel Zeit, Herzblut,
Zweifel und der Wille geflossen, meine
Vielseitigkeit zu präsentieren. Alleine
die richtige Reihenfolge der Stücke zu
finden, dauerte eine halbe Ewigkeit.
Das grausamste in der gesamten
Produktionsphase als Songwriter war
es, mich auf zwölf Tracks zu beschrän-
ken. Da es sich um mein eigentliches
Erstwerk handelt, standen Songs aus
einer circa 150 bis 200 Kompositionen
starken Sammlung zur Verfügung. Das
war echt die härteste Nuss! [lacht] ●
Chris Franzkowiak
aktuelles album
Drake White
Spark
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 story cma
„Mac“ McAnally Maren Morris

Gastgeber Kristian Bush Drake White

Kristian Bush (l.) mit seinen Songwriter-Talenten

Fotos: CMA/www.CMApress.com

58

— CMa songwriters series 2017—
Pflichtveranstaltung
für komponisten
am 12. oktober feiert die songwriters series der country Music association ihre deutsch-
landpremiere in Berlin. um euch gebührend auf diesen event einzustimmen, hat unser
rasender reporter chris franzkowiak die alljährliche ausgabe im londoner indigo2 besucht,
die am Vorabend des country-to-country-festivals stattfand.
n
ahezu jeder gute Song beginnt
mit ein paar angeschlagenen
Akkorden auf der Akustikgi-
tarre und einer Gesangsmelo-
die. Die sechs Stahlseiten sind
der perfekte Begleiter eines jeden kreativen
Musikers, denn es lassen sich damit besser
als mit jedem anderen Instrument Stim-
mung, Vibe und Dynamik einer Songidee
ohne großen Aufwand realisieren – auf die-
ser Idee basiert die CMA Songwriters Series.
Die Eventreihe lädt dabei zu einer Reise
großer Hits zurück zu ihren Ursprüngen ein.
Dabei werden die Stücke von den Kompo-
nisten höchstselbst vorgetragen. Die Beset-
zung der einzelnen Shows setzt sich stets
aus Countrystars und professionellen Song-
writern zusammen, die man normalerweise
nie auf einer Bühne sieht. Dies gibt den
Veranstaltungen höchsten Seltenheitswert,
denn es werden auch in den USA so gut wie
nie zwei Ausgaben mit gleicher Besetzung
gespielt.
In London präsentiert die CMA jedes
Jahr im März eine hochkarätige Besetzung,
die nicht nur nach den Kriterium Performer/
Komponist, sondern auch immer mit einem
Mix aus etablierten und frischen Künstlern
beider Seiten aufwartet.
Jeder Song besitzt eine geschichte
Egal, ob autobiographisch oder fiktiv – die
Story ist das Kernstück eines Tracks, der
den Hörer in den Bann zieht. Hierin ist die
Abordnung aus Nashville eine Liga für sich,
denn das Spiel mit Worten ist in Music City
die Voraussetzung, um auf der Music Row
Gehör zu finden. Wie es zu diesem oder je-
nen Song kam, wie Fragmente wie Strophe
oder Chorus ihre volle Wirkung entfalten,
wird Workshop-like in kurzen Erzählblö-
cken von den Schreibern vorgetragen und
unterstreicht, welche Magie im richtigen
Moment herrschen muss, um aus einem gu-
ten Song einen Hit zu zaubern.
die unverzichtbare Akustikgitarre
Während der Shows spielen die Protago-
nisten ihre mitgebrachten Kompositions-
instrumente. Die Bandbreite reicht von ed-
len Custom-Shop-Sechssaitern wie etwa
den in Deutschland nur schwer zu bekom-
menden McPhersons (Startpreis bei circa
10.000 Dollar) über rare Martins, Gibsons
und Taylors bis hin zu kultigen Standard-
modellen der drei großen Flattop-Hersteller.
Im intimem Umfeld der CMA Songwri-
ters Series kristallisieren sich die spezi-
fischen Klangaspekte der Akustischen per-
fekt heraus und verdeutlichen, warum zwi-
schen Spieler und Gitarre dieses besondere
Band besteht, das aus Ideen großartige
Tracks werden lässt.
Ist einer der Künstler nicht so sehr von
seinem Spiel vor Publikum überzeugt, ge-
sellet sich wie 2017 im Fall von Liz Rose (sie
schrieb in der Vergangenheit Charterfolge
für Taylor Swift, Tim McGraw, Little Big
Town oder Jewel) kurzerhand ein Studio-
gitarrist hinzu. Dieser Fakt unterstreicht
einmal mehr, dass ein Hit-Songwriter kein
Virtuose sein muss, um großartige Stücke
zu komponieren.
Vertontes gefühl
Neben Rose saßen beziehungsweise standen
in diesem Jahr auf den Brettern des Londo-
ner IndigO2 Gastgeber Kristian Bush (Sugar-
land), Mac McAnally (Alabama, Kenny
Chesney, Toby Keith) sowie die beiden
Majorlabel-Debütanten Maren Morris und
Drake White (siehe Interview Seite 56).
Der Mix aus neuen und bekannten Ge-
sichtern ist bei jeder Ausgabe ein Garant für
einen kurzweiligen Abend, der neben den
Soloeinlagen auch immer den einen oder
cma story
anderen spontanen Jam mit sich bringt. In
der aktuellen Konzertlandschaft, die sich
oftmals nur noch über technisches Wettrüs-
ten definiert, ist die CMA Songwriter Series
eine herrliche Antithese, die den ursprüng-
lichen Kern eines Konzerts in den Fokus des
Zuschauer stellt: leidenschaftliche Musiker,
die ihre Songs mit viel Gefühl vortragen.
Dass dabei wie im Falle von Drake White
trotzdem Sternenstaub fliegt, sollte klar
sein, denn manche Performer hält es ein-
fach nicht auf den Stühlen, und sie trans-
portieren durch ihre Mimik und Gestik die
Kompositionen mitten ins Herz des Publi-
kums. Kristian Bush hingegen verzichtete
von Anfang an auf eine Sitzgelegenheit und
ließ seinen Hocker gleich von einem der
aufmerksamen Stagehands entfernen. Die
gut zweieinhalb Stunden ungestelzten En-
tertainments verfliegen jedesmal viel zu
schnell, denn die manchmal nur aus drei
Cowboy-Chords und einem Geschichten er-
zählenden Text bestehenden Stücke liefern
Gänsehautmomente am laufenden Band.
Berlin Calling
Bei der Premiere in der Bundesrepublik ge-
ben sich im Columbia Theater folgende Mu-
siker die Ehre: Brandy Clarke (Kacey Mus-
graves, Miranda Lambert, The Band Perry),
Michael Tyler (Jason Aldean, Dierks Bent-
ley, Locash), Angaleena Presley (Pistol An-
nies) Marcus Hummon (Tim McGraw, Sara
Evans, Dixie Chicks) sowie dessen Sohn
Levi Hummon (Steven Tyler, Josh Osborne,
Shane McAnally) – eine Pflichtveranstal-
tung für Komponisten und alle Freunde
erstklassigen Songwritings.
Fans, die noch keine Tickets für den
12. Oktober ergattern konnten, sollten sich
sputen, um die Magie der Music Row live
miterleben zu können … ●
Chris Franzkowiak
59
 workshop classic corner track
22 – 23

glücksmusik aus köthen

gäbe es eine „top-ten“ der berühmtesten Stücke J. S. Bachs, das
Präludium aus der ersten cellosuite BWv 1007 befände sich auf
einem der vorderen Plätze. im original steht es in g-dur, einer cello-
freundlichen tonart, da die leersaiten c-g-d-a häufig zum einsatz
kommen. Für die gitarre eignet sich hingegen d-dur mit der tiefer
gestimmten sechsten Saite, um Bachs Wunderwerk bestmöglich zur
geltung zu bringen.

Jens Müller

Jens Müller studierte an der Musikhochschule

Köln bei Hubert Käppel und Ansgar Krause. Er er-
zielte Erfolge bei Wettwerben im In- und Ausland,
tritt bei internationalen Gitarrenfestivals auf und
veröffentlichte zahlreiche CDs. Auf seinem aktu-
ellen Album Sur – Gitarrenmusik des Südens
spannt er einen Bogen von klassischen Tangos
über spanische Gitarrenmusik bis hin zu be-
rühmten Jazzstandards. Es wurde von der Fach-
presse begeistert rezensiert für die „erstklassigen
Interpretationen“, die „exzellente technische Aus-
führung“ sowie das „wunderbare Wechselspiel der
Emotionen“. jm-git.de
Bach-Denkmal in Leipzig
Zeit entstanden. Im Jahr 1717 hatte sich
Bach bereits europaweit einen Namen ge-
macht und wollte gegen den Willen seines
Weimarer Herzogs eine neue Stellung als
Hofkapellmeister in Köthen antreten. Das
„Ablöseverfahren“ gipfelte in einem Arrest-
aufenthalt des Komponisten, schließlich
wurde er jedoch am 2. Dezember in Ungna-
Jahr 1730. Mit dem kunstverständigen Lan-
desheren Leopold von Anhalt-Köthen
scheint ein von gegenseitiger Hochachtung
geprägtes Verhältnis bestanden zu haben.
Bach war bei seinem Dienstantritt 31 Jahre
alt, Fürst Leopold neun Jahre jünger, so
dass in der Tat Hoffnungen auf eine ausge-
dehnte Amtszeit bestanden. Die finanzielle

i
n der 2012er-Aprilausgabe von guitar
acoustic hatten wir bereits einmal das
Vergnügen mit Johann Sebastian Bach,
seinerzeit mit dem nicht minder populären
„Bourrée E-moll“.
Die sechs Cellosuiten des späteren Tho-
maskantors sind während seiner Köthener
de entlassen.
In Köthen erwarteten ihn indes ange-
nehmere Umstände: „Daselbst hatte ich ei-
nen gnädigen und Music so wohl liebenden
als kennenden Fürsten, bey welchem ich
auch vermeinte meine Lebenszeit zu be-
schließen“, schrieb Bach rückblickend im
Situation des Komponisten war überaus zu-
friedenstellend, und er bekleidete einen ho-
hen gesellschaftlichen Rang.
fürst leopold
Bachs Dienstherr hatte seine Vorliebe für
die Tonkunst bereits während seiner Kind-

Prélude D-Dur aus BWV 1007 (Johann Sebastian Bach, arr. Jens Müller) = 80 / 60 track 22-23

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Foto: John Borthwick/Getty Images

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 classic corner workshop

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heit entwickelt, da seine Mutter Gisela besetzte Hofkapelle, so dass Bach bei seinem verzichten zu müssen, wurde er dabei von
Agnes als bekennende Lutheranerin die Dienstantritt 1717 für seine Instrumentalmu- Bach sowie sechs Kammermusikern beglei-
Musik besonders förderte. Ihr Sohn wurde sik ideale Bedingungen vorfand. Konzerte tet. Die Werke, die während seiner Köthener
auf die Berliner Ritterakademie geschickt. leitete er vom Cembalo aus. Der Dirigent, wie Zeit entstanden, belegen, dass Bach für
Zum Abschluss seiner Ausbildung bereiste wir ihn heute kennen, ist eine Erfindung des ausgezeichnete Musiker schrieb: Für viele
er die Niederlande, England, Frankreich 19. Jahrhunderts. Besondere Höhepunkte im Instrumente komponierte er in dieser Zeit
und Italien. Seine musikalische Ausbildung musikalischen Jahr waren immer wieder die Werke, die bis heute zum Standardreper-
begleitete unter anderen der Dresdner Hof- Festlichkeiten rund um den Geburtstag des toire jedes Virtuosen gehören.
kapellmeister J. D. Heinichen, und als 1713 Fürsten am 10. Dezember. Allein bei den Solowerken seien hier die
der wenig kunstsinnige preußische König Sonaten und Partituren für Violine, „Das
Friedrich Wilhelm I. seine Hofkapelle auf- reisen nach karlsbad Wohltemperierte Klavier“ oder die Flöten-
löste, fanden sechs der Musiker in Köthen Da es mit der Gesundheit des Landesherrn sonaten genannt. Dem umfangreichenen
eine neue Anstellung. nicht zum Besten bestellt war, wurde regel- Œuvre dieser Zeit werden wir uns im zwei-
1716 trat Leopold seine Regierung an und mäßig im böhmischen Karlsbad gekurt. Um ten Teil des Workshops widmen. 1720 je-
verfügte über eine kleine, aber bestens nicht auf seine musikalische Unterhaltung doch wurde Bach bei die Rückkehr von

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 workshop classic corner

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 classic corner workshop
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einer Kur mit der Nachricht vom Tode sei-
ner Frau Maria Barbara konfrontiert. Mit
diesem Schicksalsschlag werden die Werke
„Chromatische Fantasie und Fug“ BWV 903
sowie die „Chacon“ aus der Violin-Partita
BWV 1004 in Verbindung gebracht, Musik
von enormer emotionaler Wucht und Dra-
matik. (Anmerkung: „BWV“ ist das thema-
tisch geordnetes Bach-Werke-Verzeichnis
von 1950 des Musikwissenschaftlers Wolf-
gang Schmieder.)
Glücklicherweise fügten sich die Dinge
abermals erfreulich: Im Juni 1721 trat die
Sopranistin Anna Magdalena Wilcke ihren
Dienst in Köthen an, und nach Ablauf des
Trauerjahres wurde sie Bachs zweite Ehe-
frau. Neben ihrem Gesang muss sie auch
eine beachtliche Klavierspielerin gewesen
sein, zumal ihr einige bedeutende Werke
aus dieser Zeit gewidmet sind.
Die Hochzeit von Fürst Leopold mit der
Fürstin von Anhalt-Bernburg, laut Bach
eine „Amusa“, also dem Musizieren wenig
freundlich gesonnene Person, wird hinge-
gen als Anlass gesehen, warum Bach sich
schließlich erfolgreich 1723 um die Anstel-
lung als Thomaskantor in Leipzig bewarb.
cellosuiten
Unser Classic-Corner-Stück ist das Prélude
aus der Cello-Suite Nr. 1, BWV 1007, das in
durchgehender Sechzehntelbewegung und
mit klangvollen Akkordbrechungen ver-
läuft. Besonders reizvoll sind die harmo-
nischen Reibungen, die sich in den soge-
nannten „Orgelpunkt“-Passagen ergeben:
wie zum Beispiel in Takt drei, wo der „ver-
kürzte Dominantseptakkord“ A7 über dem
Basston D erklingt.
Beim Cello klingt dieses Stück durch die
vielen Leersaiten und die Art der Klang-
erzeugung mit einem Bogen sehr wuchtig.
Ich versuche deshalb innerhalb eines Takes
möglichst mit einer Art „Klavierpedal“-
Wirkung zu spielen; Fingerstyler bezeich-
nen diese Spielweise gerne als let ring. In
diesem Sinne sei den „Notenfüchsen“ auch
ein Blick in die Tabulatur empfohlen – da-
mit erschließen sich viele der Fingersätze.
Ich wünsche viel Vergnügen mit Bachs
wunderbarer Musik. Der zweite Teil des
Präludiums folgt im nächsten Heft. ●
Jens müller

Coming soon
Der Blues-Kalender 2018!

In edler Schwarz-Weiß-Optik präsentieren wir die Gi-

ganten des Blues, ausgewählt von der Redaktion der
Zeitschrift guitar acoustic. Die exquisite Serie ausdrucks-
starker Aufnahmen umfasst Stevie Ray Vaughan auf
dem Titelbild sowie weitere Legenden wie
Rory Gallagher, Duane Allman, Eric Clapton,
Sister Rosetta Tharpe, Billy Gibbons und viele mehr!

Ein Muss für jeden Bluesman und Musiker!

ISBN 978-3-95512-165-5
19,95 EUR

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 track
workshop ukulele 24 – 28

henry Thomas –
„Bulldoze Blues“
track 26
Henry Thomas
Bsp. 1 = 90

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Rainer Wöffler track 27

Bsp. 2 = 90
ist Sammler und Fachmann für akustische Saiten-
instrumente aller Art; der Blues fließt durch seine
Adern. Seit einigen Jahren spielt er hauptsächlich
mit Tanja Wirz im Duo RED HOT SERENADERS und 2
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unterrichtet nebenbei für die Mediterranean Music 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0

School. www.redhotserenaders.ch

howdy, liebe Ukefreunde! 1

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eine schöne Blues-nummer, die

sich wunderbar für die Ukulele
eignet. henry thomas hat seine 5 3
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gitarre für diesen Song mit einem

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kapodaster am fünften Bund ge-

spielt, und das ist genau die ton-
lage einer normalen Sopran-Uku-
lele, wenn man sich die beiden
tiefen gitarrensaiten wegdenkt.
zu Jimmie und Stevie Ray Vaughan fort- muss er wohl gestorben sein. Seine Songs
setzen. Bereits als Teenager flüchtete Hen- werden immer noch gespielt und sind die
ry vor der Arbeit auf den Baumwollfeldern ersten Zeugnisse von Blues-Musik, die auf
und schlug sich als Hobo mit der Gitarre auf Platte festgehalten sind.
der Straße durch. Sein bevorzugtes Fortbe- Sein Repertoire hat Thomas schon um
wegungsmittel war die Eisenbahn, die da- 1890 zusammengestellt und beibehalten.
mals in den Kurven noch so langsam fuhr, Darunter sind Perlen wie der „Fishing

h
enry Thomas wurde 1874 im texa-
nischen Big Sandy geboren, und das
macht ihn zum ältesten schwarzen
Blues-Musiker, der in den zwanziger Jah-
ren aufgenommen worden ist. Bei seinen
Aufnahmen 1927 war er also bereits mehr
als fünfzig Jahre alt und mit Sicherheit ein
Vorbild für den ersten großen Gitarrenstar
Blind Lemon Jefferson aus Texas. Der hat
dass man mit einiger Übung dort aufsprin- Blues“, den Taj Mahal berühmt gemacht
gen konnte. In vielen seiner Songs berichtet hat. „Honey, Won’t You Allow Me One More
er über das Herumreisen – und der Mann ist Chance“ wurde auf einem frühen Bob-Dy-
wohl wirklich viel herumgekommen. lan-Album verwurschtet, und „Don’t Ease
Thomas war 1927 und 1929 in Chicago Me In“ war ein Hit für Grateful Dead.
und hat seine 23 Songs aufgenommen, von Den größten Treffer landeten allerdings
denen viele Weltkarriere gemacht haben! Canned Heat, die den „Bull Doze Blues“
Nach diesen Aufnahmen ist er leider kom- 1968 auf einer Platte als „Going up the
plett von der Bildfläche verschwunden. Ein Country“ umarrangiert hatten und auf dem
FOTOS: Archiv

wiederum Lightnin’ Hopkins ausgebildet, Bluesforscher will ihn Anfang der fünfziger Woodstock-Festival damit praktisch den
und so lässt sich die Reihe über T-Bone Jahre beim Musizieren an einer Straßenecke Themensong für eine ganze Generation lie-
Walker, Freddie King und Albert Collins bis in Texas gesehen haben, aber kurz darauf ferten. Der Trend der Hippies, zurück aufs

64

Land zu ziehen, wurde von Al Wilson in
dieser Nummer perfekt umgesetzt. Canned
Heat wurden damit weltberühmt. Dabei
wurde außer dem Text an dem Song eigent-
lich nicht viel verändert. Henry Thomas
spielte im Original neben der Gitarrenbe-
gleitung noch die Quills, eine Art afrika-
nische Panflöte auf einem Gestell um den
Hals, die im Gegensatz zur südamerika-
nischen Version sehr hoch gestimmt war.
Für die Aufnahme von „Going up the
Country“ ließ Al Wilson den Flötisten aus
dem Orchester von Ray Charles, der zufällig
im Studio war, die Melodie der Panflöte ein-
spielen. Das klang ziemlich cool, und die
erste Auflage war innerhalb von zwei Wo-
chen ausverkauft. Als die Plattenfirma nach-
pressen wollte, bestand Al Wilson darauf,
dass der Flötist noch mal antreten musste,
um sein Solo zu perfektionieren. Auf der er-
sten Originalpressung lag er noch ganz leicht
in der Intonation daneben. Aber der Chef
von Canned Heat hatte so ein genaues Ge-
hör, dass er darauf bestand, das noch mal zu
machen. Wie das Leben so spielt, sind die
seltenen Pressungen dieser Platte genau we-
Hörtipp
die kompletten aufnahmen von Henry tho-
mas sind erschienen auf dem Yazoo-label
unter dem titel texas Worried Blues. Hier
gibt es neben Blues auch gospel, ragtime,
Balladen wie „John Henry“ oder popsongs
der guten, alten Zeit. sehr zu empfehlen!
ukulele workshop
henry thomas
Bulldoze Blues
I’m going away, babe, and it won’t be long
I’m going away, and it won’t be long
I’m going away, and it won’t be long.
Just as sure as that train leaves out of that
Mobile yard
Just as sure as that train leaves out of that
Mobile yard
Just as sure as that train leaves out of that
Mobile yard
Come shake your hand, tell your papa good-bye
Come shake your hand, tell your papa good-bye
Come shake your hand, tell your papa good-bye
I’m going back to Tennessee
I’m going back to Memphis, Tennessee
I’m going back to Memphis, Tennessee
I’m going where I’ll never get bull-dozed
I’m going where I’ll never get the bulldoze
I’m going where I’ll never get bull-dozed
If you don’t believe I’m sinkin’
Look what a hole I’m in
If you don’t believe I’m sinkin’
Look what a hole I’m in
If you don’t believe I’m sinkin’
Look what a fool I’ve been.
Oh my babe, take me back
How in the world …
Take me back
gen der leicht schrägen Flöte heute mit die
teuersten LPs, die man für Geld kaufen kann.
In Beispiel 1 hört ihr die Begleitung für
den Gesang, die auf der ersten Stufe halb-
taktig zwischen den Grundakkord G und
dem C7 wechselt. Der Mittelfinger kann bei
diesem Akkordwechsel sitzen bleiben und Dein Einstieg in die Welt der Ukulele mit
als Anker dienen. Das erleichtert den 9 Songs, die Du wirklich brauchst!
schnellen Wechsel sehr! Die langen Ab-
schläge solltet ihr über alle Saiten ganz
durchziehen und die Aufschläge mit dem Ukulele Songs schnell & einfach lernen -
Zeigefinger nach oben nur über die oberen
beiden Saiten schlagen.
Songbook mit DVD
In Beispiel 2 gibt es eine Variation aus ISBN 978-3-95512-172-3
betonten Anschlägen auf der 2 und der 4 12,90 EUR
und allen anderen Tönen, die mit den Fin-
gern gezupft werden. Das ergibt eine ab-
wechslungsreiche Betonung. Die letzte Stro-
phe wechselt das Harmonieschema und star-
tet auf der vierten Stufe, also auf dem C7-
Akkord. Dieser Trick bringt wieder ordent-
lich Spannung und ist auch in Canned Heats
Version genauso umgesetzt. ●
Am Kiosk und auf
Keep ukin’!
euer rainer www.ppvmedien.de
65
 track
workshop songbegleitung XX XX
29 – 30

ed Sheeran –
„Shape of You“
Bsp. 1 = 112 track 29

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Martin Weiß & # ## œ œ œ ¿¿ ¿¿ ¿¿ ¿¿ œ œ ¿¿ ¿¿ ¿¿ ¿¿
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studierte an der Hochschule der Künste in Arnheim. p i m a m m m m p i m a m m m m
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Seit 1996 ist er als Live- und Studio-Gitarrist welt-
4 5
weit unterwegs. Er spielte mit internationalen Künst- 6
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X
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lern wie Gloria Gaynor, Johnny Logan, Chris de 4
4

Burgh. 2002 komponierte und produzierte er das

Acoustic-Latin-Jazz-Album Coming Home der Band
Hermosa. Seit 2005 ist er für guitar und seit 2010 für ##
guitar acoustic in Aktion – dort erfüllt er die Rolle des & # ## œ œ œ ¿¿ ¿¿ ¿¿ ¿¿ œ œ œ ¿¿ ¿¿ ¿¿ ¿¿
CD- und Noten-Chefs. www.martin-weiss.info œ œ
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heute nehmen wir uns den ak- 0

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2
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tuellen Super-hit „Shape of you“

von ed Sheeran vor und zeigen ling) den Pink-Floyd-Klassiker „Wish You und a (anular) = Ringfinger findet ihr den
euch des Meisters Finger-groove Were Here“ als Frontmann zu performen. optimalen Fingeranschlag. Bei den Perkus-
Von seinem aktuellen dritten Studioalbum sivschlägen schlagt ihr im Detail wie folgt
auf der akustikgitarre. ÷ von 2017 stellen wir euch heute die er- an: Zeigefinger und Mittelfinger hauen zu-
folgreiche Nummer-eins-Single „Shape of nächst auf die abgedämpfte D- und G-Saite,

s
eit dem Debütalbum + 2011 hat sich
der britische Singer-Songwriter Ed
Sheeran zu einem der weltweit
erfolgreichsten Pop-Künstler seit der Jahr-
tausendwende entwickelt. Für dieses Album
hat Ed Sheeran mittlerweile über zwanzig-
faches Platin gesammelt – die ersten vier
Single-Auskopplungen stiegen allesamt in
die Top-Ten Großbritanniens. In den USA
stieg sein Debüt auf Platz fünf der Bill-
You“ in einer Akustikversion vor, die Ed anschließend schlagen Zeigefinger und
Sheeran live beim Londoner Sender Capitol Mittelfinger die abgedämpfte D- und G-
FM Anfang 2017 dargeboten hat. Saite an. Dieser Vorgang wiederholt sich zu
insgesamt vier perkussiven 16tel-Schlägen
Perkussiver groove jeweils auf der Zählzeit 2 und 4.
Der Pop-Song „Shape of You“ kommt mit In Beispiel 2 findet ihr eine Chord-
den Akkorden G#m, C#m, E und F# aus. Strumming-Version mit den gleichen Ak-
G#m, C#m und F# greift ihr als Barré- korden, die ebenfalls die perkussiven Back-
akkord in der vierten und zweiten Lage. Die beat-Schläge hervorhebt. Das flotte 16tel-
Nummer geht direkt ins Ohr und groovt Anschlagschema könnt ihr anhand der
Foto: Theo Wargo/Getty Images

board- und auf Platz eins der US-Folk-
Charts. Nahezu alle seiner 300 jährlichen
Konzerte sind regelmäßig ausverkauft.
Bei der Abschlussfeier der Olympischen
2012 Spiele lud man ihn ein, gemeinsam
mit Nick Mason (Pink Floyd), Mike Ruther-
ford (Genesis) und Richard Jones (The Fee-
dank der perkussiven Spielweise von Ed Auf- und Abschlagsymbole oberhalb der
Sheeran. In Beispiel 1 haben wir euch das Tabulatur erkennen. Der eingeschobene
Chord-Picking mit den perkussiven Back- Hammer-on beim C#m-Akkord treibt das
beat-Anschlägen auf den Zählzeiten 2 und Pattern enorm an. ●
4 veranschaulicht. Anhand der Pima-Fin-
gersatzziffern p (pulgar) = Daumen, i (indi- Viel Spaß mit dem Ed Sheeran-Hit,
ce) = Zeigefinger, m (media) = Mittelfinger euer martin

66
 songbegleitung workshop

Kleiner Mann ganz groß: Weltstar Ed Sheeran

Bsp. 2 = 112 track 30

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2 2 2 X 2 X X 4 4 4 X 4 X X
2 2 2 X 2 X X 4 4 4 X 4 X X
0 0 0 X 0 X X 2 2 2 X 2 X X

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4 4 4 X 4 X X 4 5 5 5 X 5 X X
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X 08.- 10. September 2017
Mannheim
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4 4 4 X 4 X X

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0 0 0 X 0 X X 2 2 2 X 2 X X 4
1 1 1 X 1 X X 3 3 3 X 3 X X 4
2 2 2 X 2 X X 4 4 4 X 4 X X 6
2 2 2 X 2 X X 4 4 4 X 4 X X 6
0 0 0 X 0 X X 2 2 2 X 2 X X 4

67
 track
workshop fingerstyle 31 – 34

Blues-Solo im
Fingerstyle
track 31
Bsp. 1 = 96

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Andi Saitenhieb œ bœ œ œ œ œ bœ œ œ œ œ
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ist Gitarrist, Songschreiber & Geschichtenerzähler.
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Seine große Leidenschaft ist der Blues der alten 1/2 1/2

Schule (vom akustischen Country- & Delta-Blues 13 13 11 11 13 13 11 8 11

12
der ’20er bis zum elektrischen Chicago-Blues der
’50er). Andi ist Autor der Bestseller Garantiert
Bluesgitarre lernen & Garantiert Akustik Bluesgitar-
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re lernen, gibt deutschlandweit Workshops und Un- œ œ œ ˙
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terricht (auch per Skype). Er wurde mit dem „Deut- &b Œ
schen Rock & Pop Preis“ ausgezeichnet und stand
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mit zahlreichen nationalen und internationalen full

13 13
Bluesgrößen auf der Bühne. Außerdem program- 13 13 11 11 11

miert Andi Websites und betreibt ein Projekt-Stu-

dio, in dem er seine Songs und befreundete Musiker
aufnimmt. www.andisaitenhieb.de
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grundsätzlich ist das Solieren im full full full full

Fingerstyle keine hexerei und 8

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funktioniert ganz ähnlich wie

das erstellen eines Fingerstyle- œ
arrangements ... b œ œ œ œ œ œ
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n den vergangenen Workshop-Folgen 6 6 18
haben wir uns nicht nur Fingerstyle- 7
8
6 7
8
6 7
6 8

Arrangements in verschiedenen Gi-

tarrenstimmungen und mit verschie-
denen Daumen-Begleit-Techniken ange-
schaut, sondern auch gelernt, wie man
selbst Schritt für Schritt aus einer gege-
benen Melodie ein eigenes Fingerstyle-
Arrangement erstellen kann.
Ab dieser Ausgabe beschäftigen wir uns
mit einem Aspekt, nach dem ich sowohl
von Lesern als auch von Workshop-Teil-
nehmern immer wieder gefragt werde: „Wie
zockt man in so einem Song eigentlich ein
cooles Solo?“ Schauen wir das doch mal
anhand praktischer Beispiele an und lernen 3. die passenden Akkorde finden,
nebenbei noch ein paar spannende Solos … 4. eine passende Begleitung finden,
In Ausgabe 1/2017 und 2/2017 (im Web- 5. sowie optional ein paar Verzierungen
shop www.ppvmedien.de erhältlich) hatten einbauen.
wir uns anhand zweier praktischer Song-
beispiele einen Fünf-Schritte-Plan erarbei- Da wir normalerweise ein Solo für einen
tet. Um einen beliebigen Song als Finger- Song finden wollen, den wir schon als Fin-
style-Stück zu arrangieren, müssen wir: gerstyle-Stück selbst arrangiert oder von
Noten gelernt haben, sind die Schritte 2 bis
1. die Melodie finden, 4 bereits erledigt: Wir haben eine Tonart
2. die passende Tonart finden, gefunden, in der das Stück gut spielbar ist

68
 fingerstyle workshop
20 Jahre Cuntz Guitars
track 32
Bsp. 2 = 80

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www.cuntz-guitars.de
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œ œ œ œ œ œ œ œ 08.- 10. September 2017
Mannheim
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Das Fachgeschäft im Süden

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Originalverpackt?
## œ œ j œ œ œ Gibts bei uns gar nicht! Egal ob bei
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œ œ œ œ œ œ œ œ uns im Laden oder im Versand: alle
Gitarren die wir verkaufen werden
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5 6
5 7
von uns in unserer Werkstatt best
0 0 0 0 0 0 0 0
möglich eingestellt. Wir nennen es
Gitarrenladen Optimierung.
(Melodie auf den oberen drei Saiten inner- Grundlage für unseren heutigen Workshop. Anschauen könnt Ihr das unter:
halb der ersten vier Bünde), haben die Ak- So könnt ihr das gelernte Solo anschließend www.youtube.com/watch?v=4jlechv-x08
korde selbst herausgehört (oder aus einem bei unzähligen Blues-Klassikern einsetzen.
Songbuch oder zur Not aus dem Internet Zur Inspiration empfehle ich die großartige
herausgesucht) und eine Daumenbegleitung Kolumne „Bluescafé“ meines geschätzten
festgesetzt (Steady-Bass, Wechselbass). Für Kollegen Rainer Wöffler in guitar. Dort be-
unser Solo brauchen wir also nur noch eine kommt ihr jeden Monat ein neues fertiges
Melodie. Die Verzierungen aus Schritt 5 Fingerstyle-Blues-Arrangement mit einem
(zum Beispiel Zusatztöne im Picking oder fertigen Beispielsolo an die Hand (auch als Andreas & Franziska Dill
Bassläufe einbauen) sind optional. Sammelbände im Webshop erhältlich). Gitarrenbaumeister
Die wohl mit Abstand am weitesten ver- Als Begleittechnik nehmen wir den Stea- Waldseerstr.9
breitete Akkordfolge ist das zwölftaktige dy-Bass, da der einfacher ist als der Wech- 88250 Weingarten
0751 / 52347
Blues-Schema, deshalb nehmen wir es als selbass, den wir uns im nächsten Workshop
www.der-gitarrenladen.de
Seit 25 Jahren in Weingarten
69
 workshop fingerstyle
track 33
Bsp. 3 = 80

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Spielt keine Akkorde, dafür umso mehr Soli: B.B. King 0 0 0 0 0 0 0 0

näher anschauen. Ein kompletter Improvi-
sationskurs würde den Umfang dieser
Workshop-Folge sprengen; wir wollen erst
mal schnell ein gutes Ergebnis.
Deshalb halten wir uns an die Weisheit
von Paul McCartney: „Gute Songschreiber
erfinden, großartige Songschreiber klauen.“
Wir nehmen uns daher für den Anfang ein-
fach ein fertiges Solo und arrangieren es für
Fingerstyle.
Beispiel 1 zeigt ein Solo aus meinem
neuen Lehrbuch The Chicago Blues Guitar
Method im Stil von B. B. King. Es steht in
der Tonart Bb – keine sonderlich beliebte
Tonart im Fingerstyle.
Wenn ihr dieses Solo übt, könnt ihr das
Audio-File auch als Playalong nehmen: Die
Sologitarre liegt nur auf einem Kanal und
ist daher ausblendbar.
Als nächstes transponieren wir das Solo
einen Halbton tiefer nach A. In dieser Ton-
art können wir alle drei Grundtöne (A, D
und E) als Steady-Bass mit ungegriffenen
Saiten spielen. So erhalten wir Beispiel 2.
Die Ganzton-Bendings in Takt 9 und 10
greife ich jeweils einen Bund höher, so dass
ich nicht so viel ziehen muss – ein hilf-
reicher Trick bei dicken Saiten auf der
akustischen Gitarre! Außerdem lasse ich
den mittleren Verzierungston der Triole weg nicht spielbar. Takt 2 von Beispiel 3 zeigt
(Takt 10). das Lick der IV. Stufe eine Saite tiefer ge-
Das war ziemlich einfach. Aber natürlich spielt. Das ist machbar, aber nicht wirklich
funktioniert es nicht immer so gut. Wenn bequem zu spielen. Takt 3 zeigt das Lick
wir das Solo in die andere beliebte Blues- noch eine Saite tiefer gespielt. Das Ganz-
Gitarrentonart E übertragen, bekommen wir ton-Bending auf der D-Saite muss in Rich-
in Takt 9 und 10 Schwierigkeiten. Da wir tung der hohen Saiten gezogen werden, da
keine tiefe B-Saite zur Verfügung haben, sonst der Basston auf der A-Saite nicht
müssen wir diesen Ton am zweiten Bund klingen kann. In Takt 4 spiele ich wieder
der A-Saite greifen, und dadurch wird die auf den oberen beiden Saiten, aber eine Ok-
Melodie fast unspielbar. Dieses Problem auf tave höher. Das funktioniert sehr gut!
der V. Stufe B wird uns in der Tonart E häu- Die Halbtonverzierung lassen wir dieses
figer begegnen. Außerdem ist das Bending Mal weg. Da die Licks auf der V. und auf der
am zweiten Bund der B-Saite nur sehr IV. Stufe sehr ähnlich sind, ist auch der
schwer spielbar. große Sprung der Tonhöhe in Ordnung.
Beispiel 3 zeigt in Takt 1 eine Variante, Das letzte Lick auf Stufe I. kann man
bei der der Basston mit dem Daumen am entweder in der ersten Lage (Beispiel 3,
7. Bund der E-Saite gespielt wird. Anstelle Takte 5 bis 6) oder eine Oktave höher (Bei-
des ersten Bendings spiele ich ein Hammer- spiel 3, Takte 7 bis 8) spielen. Nach dem
on, beim zweiten Bend nehme ich den blue- hohen A-Lick auf der IV. Stufe erscheint die
sigeren Vierteltonzieher. Wem die Bass- höhere Oktave reizvoller.
mit-dem-Daumen-greifen-Technik neu ist, Es ist gut zu erkennen, dass man manch-
dem sei gesagt, dass sie etwas Übung erfor- mal etwas suchen muss, um ein Solo-Lick
dert, anschließend aber ganz neue Möglich- mit Bassbegleitung spielbar zu machen.
keiten eröffnet – nicht nur für dieses Solo. Außerdem muss man darauf achten, ob und
Es lohnt sich also, diese Technik zu lernen! wie die Licks am besten hintereinander pas-
Beim A-Lick auf der IV. Stufe ist der sen, sowohl klanglich als auch von den
Startton des Licks jetzt eine ungegriffene Griffwechseln her. In Beispiel 4 ist das
Saite. Das Bending ist daher so überhaupt ganze Solo – mit den besprochenen Variati-

70
 workshop
Das volle
fingerstyle

track 34

Blues-Paket
Bsp. 4 = 80

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14
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onen – in der Tonart E notiert. Versucht, In der nächsten Folge lernen wir, ein Solo
selbst ein Fingerstyle-Solo in eines eurer im Stil von Muddy Waters mit Wechselbass
bestehenden Steady-Bass-Arrangements zu unterlegen. Solltet ihr Kritik, Fragen,
einzubauen. Wählt einen zwölftaktigen Anregungen oder Wünsche haben, dann
Blues und ein einfaches Blues-Solo. Über- findet ihr mich im juke joint nebenan oder
tragt das Solo in die Tonart des Songs und noch einfacher über meine Website www.
fangt langsam an, das Solo mit Steady-Bass andisaitenhieb.de. Dort gibt's wie immer
zu spielen. Anschließend übt man die Über- auch Videos zum Workshop. ●
gänge vom gesungenen Chorus zum Solo
und vom Solo zurück zum gesungenen
Chorus.
Bis zum nächsten Mal,
euer Andi
Bestellen unter
71 www.ppvmedien.de
 test & technik factory-tour

C. F. Martin & Co.

gitarren aus dem

geheimlabor
seit über 180 Jahren stellt chris Martin gitarren her. nicht, weil er unsterblich ist,
sondern vielmehr, weil sein name seit Jahrzehnten in der familie weitergetragen wird.
aktuell ist chris Martin der vierte Vorstandsvorsitzende. Wir haben uns hinter
die kulissen der fabrik in pennsylvania begeben und die deutschen Wurzeln der
us-amerikanischen traditionsmarke erkundet.

Fotos: Natalie Meyer, Martin & Co.

72

Nachbau der Räumlichkeiten in der alten Martin-Produktionsstätte
i
m überschaubaren Städt-
chen Nazareth, Pennsyl-
vania, hat der deutsche
Geigenbauer Christian
Friedrich Martin Mitte des 19.
Jahrhunderts die Gitarrenfirma
C. F. Martin gegründet. 1873
verstarb er im Alter von 77
Jahren – seine Gitarren sind
geblieben. Sogar seine Werk-
statt ist noch erhalten und wird
heute als Anlaufstelle für Re-
paraturen genutzt.
Für uns öffnete die Firma
Martin sogar das sonst für die
Öffentlichkeit nicht zugäng-
liche obere Geschoss – dort, wo
alles begann. Viele alte
Schränke und Werkbänke ste-
hen dort, Familienfotos – und
ein Gitarrenkoffer von John
Lennon. Kaum zu glauben,
dass in diesem etwas größeren
Wohnhaus und dem an ein
größeres Farmhaus erinnernden
Anbau bis in die 1970er Jahre
alle Martin-Gitarren entstan-
den sind. Besonderes Highlight
ist ein Rollbandaufzug, der
verwendet wurde, um die
Gitarren zwischen dem ersten
Stock und dem Erdgeschoss zu
factory-tour test &technik
Die vom Martin-
Urgestein Dick
Boaks gestaltete
Gitarre zeigt das alte
Firmengebäude
transportieren. Die eigentlichen
Schätze befinden sich in der
neuen, sehr viel größeren Fa-
brik, ein paar Straßen weiter.
Hier entstehen jährlich etwa
104.000 Gitarren (Stand 2016),
die von den rund 950 Mitar-
beitern hauptsächlich in Hand-
arbeit gefertigt werden.
Mensch und Maschine arbeiten
hier Hand in Hand: Aufwen-
dige Inlays-Fräsungen über-
nimmt zwar eine Maschine, die
Einlagen werden aber per Hand
eingearbeitet.
roboter im einsatz
Carmen Cortez, der durch die
Produktionsstätten führt und
ansonsten als Direktor für den
internationalen Vertrieb zu-
ständig ist, zeigt gerne einen
der eingesetzten Roboter. „Die-
se Maschine stammt ursprüng-
lich aus der Autoindustrie. Bei
einer Factory-Tour schlug uns
ein Besucher vor, uns diese
Maschinen zunutze zu machen.
Und er hatte recht, es ist äu-
ßerst effektiv.“ Der gelbe Robo-
ter schnappt sich einen Gitar-
renkorpus, fixiert ihn mithilfe
73
 test & technik factory-tour
Einblick in die große Produktionshalle
Verleimen von Boden und Zargen
von Druckknöpfen und hält die
Zargen gegen eine Schleif-
scheibe. „Vor wenigen Jahren
haben wir das noch alles mit
der Hand gemacht. Ich habe
hier schon Gitarren geschliffen,
aber für viele Mitarbeiter war
es eine enorme Belastung für
das Handgelenk.“
Bei dem Rundgang durch
die Fabrikation trifft man auf
einige, die freudig unter Beweis
stellen, dass sie deutsch mit
einem ungewöhnlichen Akzent
sprechen. Kein Wunder, denn
Nazareth wurde 1740 von den
Mitgliedern der deutschen
Herrnhuter Brüdergemeinde
gegründet, was auch den
biblischen Namen erklärt.
Als Christian Friedrich Mar-
tin im Jahr 1833 von Mark-
neukirchen im sächsischen
Vogtland nach New York aus-
wanderte, eröffnete er zunächst
dort ein Gitarrenbaugeschäft.
Wohler hatte er sich jedoch im
nahegelegenen Nazareth unter
seinen Landsleuten gefühlt.
74
Eine der Produktionshallen von oben
In Reih und Glied warten die Korpusse auf die Weiterverarbeitung
Nach nur drei Jahren in New
York zog es ihn deshalb aufs
Land, wo er sich ausdrücklich
auf den Bau hochwertiger Gi-
tarren spezialisierte. Heute
führt sein Nachfahre Chris
Martin IV. das Geschäft auf-
grund seines Alters nur noch
als CEO.
Der seit Jahrzehnten von
Sohn zu Sohn weiter getragene
Name ist allerdings in Gefahr.
Denn Chris hat nur eine Toch- Eine gut erhaltene Martin aus dem Jahr 1865
ter und keinen Sohn. Die Gitar-
ren betrifft das glücklicherwei-
se nicht.
geheimes herzstück
Einen gebürtigen Deutschen
gibt es aber auch. Roman repa-
riert Gitarren aus dem Custom
Shop. „Ich bin seit 13 Jahren
bei Martin Guitars und habe
schon viele Stationen durch-
laufen. Davor habe ich Musik-
wissenschaften in Bonn stu-
diert, aber das meiste habe ich
hier vor Ort gelernt. Es gibt
sehr viele Möglichkeiten, seine Das Anbringen der Deckenbeleistung

Kenntnisse zu erweitern und
an der Gitarre zu lernen.“ Das
ist kein ungewöhnlicher Wer-
degang, denn viele der Martin-
Mitarbeiter sind Allrounder
und kennen sich in den ver-
schiedenen Stationen des Gi-
tarrenbaus aus.
Am Ende der Factory-Tour
geht es dann noch ins Geheim-
labor. Das ist so geheim, dass es
nicht fotografiert werden darf:
zwar nur ein kleiner rechte-
ckiger Kasten, aber in vielerlei
Hinsicht das Herzstück der
Fabrik. Hier werden neue Mo-
delle geprüft, verkabelt, mikro-
foniert und bis ins Detail analy-
siert. Gitarrenbauer und Sound-
designer arbeiten hier Hand in
Hand. Das unvoreingenommene
Gehör der Arbeiter wird genau-
so berücksichtigt wie das ge-
schulte Ohr der Luthier.
neue modelle
Der ganze Stolz von Martin
sind, wer kann es der Traditi-
onsfirma verdenken, die neuen
Modelle. Da wäre zum Beispiel
die Neuauflage der Ed-Shee-
ran-Signature zum neuen Al-
bum Divide. Es hat sich zwar
hauptsächlich optisch etwas
Anbringen der Bindings
Dieser Roboter aus der Autoindustrie schleift nun Gitarren
factory-tour test &technik
verändert, trotzdem ist man bei
Martin froh, ein weiteres
Signature-Modell für den Star
zu liefern.
„Ed war ein absoluter
Glücksgriff für uns. Dabei wa-
ren wir alle zunächst sehr
skeptisch, für einen solch jun-
gen Kerl eine Signature-Gitarre
zu bauen. Dass Ed solchen
Erfolg hat und mit einer Mini-
Martin nun die ganze Welt
betourt, hätte wohl niemand
hier gedacht“, betont Carmen.
Mit der Triple-015M Street-
Master wendet man sich hinge-
gen eher der Ve rgangenheit zu.
Sie besteht hauptsächlich aus Ed setzt sein neues Modell gerne auf der Bühne ein
Mahagoni, ist mit einem Satin-
Finish überzogen und optisch und so in der Krisenphase der stand. Mit ein wenig Recherche
auf alt getrimmt. Aus der Reihe ’80er Jahre geholfen hat, die finden die Mitarbeiter heraus:
fällt die D-Boak. Dabei handelt Marke wieder groß zu machen“, Die Gitarre stammt aus dem
es sich um eine Gitarre, deren erzählt Carmen Cortez. Jahr 1865 – eine Sensation.
Design der langjährige Mitar- Ein absolutes Highlight gibt Die Historie von Martin
beiter und Archivar Dick Boak es am Ende der Tour zu besich- Guitars zieht sich durch die
hergestellt hat. Zu sehen ist die tigen, als ein Mitarbeiter aufge- ganze Firma: Von der Grün-
von Dick per Hand gemalte alte regt auf Carmen zukommt. Er dung über die deutschspra-
Martin-Factory. Um das Schall- habe da noch etwas ganz Be- chigen Mitarbeiter bis zur Be-
loch herum ist sie außerdem sonderes bekommen. Es ist eine geisterung für die eigene Ge-
mit zwei Vogelköpfen verziert. uralte Martin, die vor einigen schichte. Hier wird mit Leiden-
Dick Boak gilt als Legende Tagen zur Reparatur abgegeben schaft, Liebe zum Detail und
unter den Martin-Mitarbeitern. wude. Sie befindet sich seit Präszision das erschaffen, was
„Er ist derjenige, der den Kon- Jahren im Familienbesitz und die Gitarristenwelt erfreut. ●
takt zu vielen Stars herstellte ist in einem sehr guten Zu- natalie meyer
Einlegen edler Inlays ins Griffbrett
eines künftigen Custom-Modell
Die neuen Modelle: 00O-15M Street-Master, D-Boak & Ed Sheeran Divide
75
 test & technik interview

Chris Martin iV

gitarrenlücken
im museum
chris Martin iV ist der ururenkel des ursprünglichen
Martin-unternehmensgründers. der Boss der firma hat
uns erzählt, warum er ohne gitarren aufgewachsen ist –
Fotos: Martin Guitars, Natalie Meyer

und weshalb er dennoch eine große leidenschaft

für den instrumentenbau entwickelt hat.

76
 interview
e
ure Ursprünge liegen in Deutsch-
land. Du warst sicher selbst schon
oft dort…
Ja, ich fliege immer zur
Musikmesse nach Frankfurt – so oft, wie
ich eben kann. Auch wenn die Messe nicht
mehr so groß ist, wie sie es mal war. Als
ich noch jünger war, bin ich allerdings sehr
viel mehr gereist.
Bist du jemals nach Markneukirchen ge-
fahren, wo dein Vorfahr Christian Friedrich
Martin geboren wurde?
Es gab eine Zeit, in der wir durch Europa
gereist sind, Musikläden besuchten und
am Abend Präsentationen abhielten. Einer
meiner damaligen Mitarbeiter schlug eines
Tages vor, nach Markneukirchen zu fahren.
Das war einige Jahre nach der Wende. Wir
fuhren an der ehemaligen innerdeutschen
Grenze vorbei. Und ich dachte mir: Das
war’s schon? Früher, mit den bewaff-
neten Grenztruppen, muss es wohl sehr
viel furchteinflößender gewesen sein. In
Markneukirchen übernachteten wir in
einem Gasthof, der unglaublich viele Betten
hatte. Denn im Osten war das wohl ein
beliebter Urlaubsort, wie wir von der Wirtin
dort erfuhren.
Habt ihr auch das dort ansässige Instrumen-
tenmuseum besucht?
Oh ja, das haben wir! Im ganzen Museum
gab es keine einzige Martin! Ich fragte,
warum es nichts über meinen Ururgroßvater
gibt. Der Museumsleiter wich mir zuerst
aus. Dann erklärte er, dass es von der
sozialistischen Regierung nicht gewünscht
war, die Erinnerung an jemanden zu
bewahren, der in den Westen ausgewandert
ist. Das konnte ich nicht glauben, schließ-
lich war er vor über 160 Jahren ausgewan-
dert. Nun ja, jetzt hängt dort eine Martin,
die ich bei diesem Besuch persönlich über-
geben habe.
Wie ist es, von Gitarren umgeben aufzu-
wachsen?
Eigentlich bin ich nicht damit aufgewach-
sen. Meine Eltern haben sich scheiden
lassen, als ich drei Jahre alt war. Erst zur
Highschool-Zeit, als ich anfing, über meine
berufliche Zukunft nachzudenken, dachte
ich mir: warum nicht?
Wann hast du bewusst angefangen, dich
dafür zu interessieren?
Als Jugendlicher bin ich hierhin zurückge-
kommen und habe für einige Wochen im
Verkauf gearbeitet. Meine Mutter wollte
allerdings, dass ich zu ihr zurückkehre und
studiere, was ich auch gemacht habe. Aber
zu diesem Zeitpunkt hatte ich bereits einiges
test &technik
Jetzt
digital
lesen!
Der Chef persönlich mit guitar-acoustic-Redakteurin
Natalie Meyer
über die Firma gelernt und eine Bindung
aufgebaut. Ich hatte großen Respekt vor
den Menschen, die hier arbeiten und durch-
weg sehr erfahren und professionell sind
in dem, was sie tun – damals wie heute.
Hinzu kommt diese gewisse Mentalität, die
fast jeder hat, der sich mit Instrumenten
beschäftigt. All das hat mich inspiriert.
Gab es Überraschungen für dich, als du fest
eingestiegen bist?
Viele wollen hier arbeiten, weil sie die
romantische Vorstellung haben, selbst eine
Martin-Gitarre bauen zu können. Aber
so ist das nicht. Es ist nie ein einzelner
Mitarbeiter, der eine Gitarre von Anfang
bis Ende bearbeitet. Eine andere Sache, die
ich über meine eigenen Fähigkeiten gelernt
habe, kann ich in einem Vergleich verdeut-
lichen: Wenn diese Firma ein Restaurant
wäre, dann wäre ich der Restaurantleiter
und nicht der Chefkoch. Ich bin besser
darin, den Überblick zu behalten, als etwas
anzubrutzeln … [lacht] ●
natalie meyer
gitarristen-partywissen
Wer nachzählt, der merkt, dass Chris
Martin als Ururenkel eigentlich der
fünfte seines Schlags sein müsste. Die
Lösung: eine Ausnahme in der Namen-
stradition. Frank Henry Martin, Sohn
von Chris Martin Jr. und Vater von Chris
Martin III, hat die chronologische Ket-
te durcheinander gebracht, ohne was
dafür zu können, denn seinen Namen Hier downloaden
kann man sich ja nicht aussuchen.
77
 test & technik porträt

PortrÄt: Gitarrenladen weinGarten

gitarren bis unters dach

ein Web-Blog, regelmäßige konzerte und attraktive sonderaktionen – für die meisten
gitarrenbauer ist das eher ungewöhnlich. Hauptsächlich genießen sie als Holzwürmer das
arbeiten in einer abgeschiedenen atmosphäre. andreas dill und sein bunt gemischtes
team haben es hingegen geschafft, den gitarrenladen in Weingarten bei ravensburg als
modernes geschäft zu etablieren.

i
m Gitarrenladen in Wein-
garten wird auf drei
Stockwerken beraten,
verkauft, repariert und
selbst gebaut. 30 Gitarren ent-
stehen pro Jahr. Andreas Dill
kommt nur noch selten dazu,
Netzwerk zu Musikern und
Vertrieben aufgebaut. Durch
diese Kontakte und seine lang-
jährige Erfahrung kam es dazu,
dass er gemeinsam mit Best
Acoustics Reinhardt, dem Ver-
trieb von Marken wie Baton
akustischen Instrumenten
– auch Verstärker stehen in
einem separaten Raum zum
Test bereit.
sommerschnäppchen
Um im sonst für Musikalien-
nicht, dafür aber zugeschnitten
und gebogen, repariert und
nachjustiert. Das alles passiert
in den Werkstatträumen, die an
die dreistöckigen Verkaufsräu-
me angegliedert sind.
Hier hält sich auch Philipp
Fotos: Natalie Meyer, Tadeus Weiss, Sabine Rosewitzsch

Gitarren zu bauen. Das über-
nehmen seine Frau Franziska
Kössl sowie der Auszubildende
Philipp Reffler. „Wir wollen die
Anzahl an selbstgebauten Gi-
tarren aufgrund der Nachfrage
erhöhen und werden deshalb
eine weitere Gitarrenbauerin
anstellen“, verrät Andreas.
Er kümmert sich derweil um
die Geschäfte. Über die Jahre
hinweg hat er sich ein gutes
Rouge oder Cole Clark, die
Marke La Mancha entwickelt
hat. „Ich habe mit Gunther
Reinhardt eine passende Fabrik
gesucht und gefunden. Wenn
es darum geht, neue Ideen zu
entwickeln oder die Qualität
der Marke zu prüfen, bin ich
noch immer involviert“, erzählt
er. Darüber hinaus bietet Dill
in seinem Gitarrenladen nicht
nur eine große Auswahl an
händler eher ruhigen Sommer
Kunden anzuziehen, betreibt
Dill seit einigen Jahren im
dritten Stock einen Schnäpp-
chenmarkt. Gitarren mit
kleineren Mängeln gibt es hier
zum günstigen Preis – und
dieser Plan geht auf. Ein solch
großes Sortiment an beinahe
neuen Instrumenten muss man
erst einmal finden. Lackiert
wird in den Räumlichkeiten
vorwiegend auf. Alle drei Jahre
bekommt der Gitarrenladen ein
neues junges Gesicht. „Das
macht Spaß, und nicht nur der
Azubi lernt etwas, sondern
auch wir bekommen wichtige
neue Impulse“, erklärt Andreas.
Schade sei nur, dass die Zu-
sammenarbeit meist nach der
Ausbildung ein Ende habe.
Einer von Andreas’ ehemaligen
Auszubildenden besitzt nun

78

Gitarrenbau-Azubi Philipp beim Polieren der Bundstäbchen
eine eigene „Werkstatt für
Gitarrenbau“: Wolfgang Dinter,
den wir in guitar acoustic 3/17
vorgestellt haben, hat sein
Handwerk bei Andreas Dill
erlernt.
Viermal im Jahr finden dort,
wo sich nun im Sommer der
Schnäppchenmarkt befindet,
Konzerte statt. Als der Gitar-
renladen 1997 vergrößert wur-
de und in die aktuellen Räum-
lichkeiten zog, war Jacques
Stotzem, ein belgischer Finger-
picker, gerade in der Nähe. Er
hatte zwar nur einen Workshop
geplant, aber zur Eröffnung
des Ladens bot sich die Gele-
genheit, live zu spielen.
Seitdem finden die Konzerte
regelmäßig statt. „Der Kontakt
zu den Musikern macht viel
Andreas Dill in der Werkstatt
Spaß. Es sind immer gelungene
Abende für alle Beteiligten“,
schwärmt Andreas. Inzwischen
kann Dill eine beachtliche Liste
an bekannten Musikern vor-
weisen – von Peppino
D’Agostino bis Ian Melrose.
hand und fuß
Alles im Gitarrenladen hat
Hand und Fuß: Die Konstellati-
on des Teams, die Sonderange-
bote, die Veranstaltungen –
und der Service. „Jede Gitarre,
die wir verkaufen, kommt in
die Werkstatt und wird perfekt
eingestellt. Das geht bei man-
chen Marken schnell, bei ande-
ren dauert es länger. Es muss
aber immer gemacht werden.“
Selbst die Webpräsenz wird
optimal genutzt– eine Teilzeit-
porträt
Andreas Frau Franziska Kössl beim Einlegen der Bundstäbchen.
angestellte kümmert sich um
das Anlegen neuer Instrumente
und um den Blog. Hier erfährt
man regelmäßig Neues über den
Laden und die Gitarrenwelt, bis
hin zur CITES-Problematik.
Inzwischen hat die Firma sogar
einen eigenen Youtube-Chan-
nel, auf dem der zweite Auszu-
bildende des Hauses, Christoph
Spanner, erklärt, wie man Sai-
ten auf die jeweiligen Gitarren
aufzieht.
Denn neben dem Handwerk
des Gitarrenbauers bildet Dill
zum Musikalienfachhändler
aus. Bei einem dreistöckigen
Laden mit solch einem großen
Sortiment sei eine helfende
Hand unabdingbar.
Ein weiteres Beispiel für die
Geschäftstüchtigkeit des Gitar-
An Holz mangelt es im Gitarrenladen nicht...
test &technik
renladens ist die Entstehungs-
geschichte der hauseigenen
Ukulelen. „Ich erinnere mich
an eine Wintersaison, als ein
Kunde unbedingt eine Ukulele
wollte. Ich hab’ dann herumte-
lefoniert und in ganz Deutsch-
land keine auftreiben können.
Das war die erste Hochphase,
als Stefan Raab bei tv total
regelmäßig Ukulele spielte. Die
zweite Phase kam durch den
hawaiianischen Musiker Iz und
sein Cover von ,Somewhere
over the Rainbow‘.", erinnert
sich Andreas. Das Interesse für
das Instrument war geweckt,
Franziska Kössl begann mit
dem Eigenbau – eine einzige
Ukulele ist aktuell aus dieser
Kollektion übriggeblieben. ●
natalie meyer
79
 test & technik special: thermoholz

thermoholz & Klangholzoptimierung

rio-palisander aus
dem Schwarzwald
es ist ein ehrgeiziges und ambitioniertes projekt: Mit Hilfe von Wärme soll einheimisches Holz so
verändert werden, dass es die eigenschaften von rio-palisander erhält. aber es geht – zumindest
sind die beteiligen Wissenschaftler und gitarrenbauer davon überzeugt.

l
othar Clauder sitzt an
seinem Computer und
klopft mit einem klei-
nen Hämmerchen auf
eine senkrecht aufgehängte
Holzplatte. Es macht „dong“ –
ein schöner, klarer Klang.
„Dieses Signal wird hier abge-
nommen“, erklärt er und deutet
auf ein Kabel am unteren Ende
gehört zur Arbeitsgruppe „Che-
mie und Physik des Holzes“
unter der Leitung von Prof.
Dr.-Ing. Alexander Pfriem,
Spezialist für die Verwendung
von thermomodifiziertem Holz
bei Musikinstrumenten.
cites im brennpunkt
Kleiner Sprung in das Hier und
renwelt ist in Aufruhr ob dieser
unerwarteten Fakten. Container
voller Instrumente stehen in
chinesischen Häfen und kön-
nen mangels Papieren nicht
verschifft werden – die Behör-
den kommen schlicht nicht
hinterher.
Ein langfristiger Ausweg
könnte die Verwendung von
sich aus Weitsicht oder aus
Überzeugung schon länger mit
diesem Thema beschäftigt, ist
nun natürlich im Vorteil.
vorsprung aus
Überzeugung
Gunther Reinhardt von der
Tübinger Firma Best Acoustics
ist ein weitsichtiger Überzeu-
Foto: Jürgen Richter, Stephan Hildebrand

der Probe. „Daraus werden die
physikalischen Eigenschaften
der Probe errechnet und die
akustischen Eigenschaften
abgeleitet.“
Der Computer steht im er-
sten Stock eines Gebäudes der
Hochschule für nachhaltige
Entwicklung Eberswalde und
Jetzt: Seit Anfang 2017 dürfen
sämtliche Palisanderarten nur
noch kontrolliert gehandelt
werden; sie sind auf der CITES-
Liste der geschützten Arten im
Anhang II gelandet. (Rio-Pali-
sander steht bereits seit 1992
im Anhang I, ist also noch
strenger geschützt.) Die Gitar-
Alternativhölzern sein. Es ist
jedoch nicht leicht, solche
Hölzer zu finden, denn zum
einen spiegeln sich die akus-
tischen Eigenschaften einer
Holzart im Klang der Gitarre
wider, zum anderen hat man
sich an die dunkle Optik der
Tropenhölzer gewöhnt. Wer
gungstäter. Er beschäftigt sich
schon seit Jahrzehnten mit
Nachhaltigkeit im Gitarrenbau,
und dementsprechend offen ist
er für neue Wege. Dass man
Holz thermisch verändern
kann, ist bekannt – diese Tech-
nik wird seit Jahren beim
aging von Fichtendecken

80

Herzstück der Anlage: die von Lothar Clauder gebaute Thermokammer
verwendet –, aber dass man die
Eigenschaften vieler Hölzer
„feintunen“ kann, diese Er-
kenntnis ist relativ neu.
Gunther Reinhardt hörte von
den Forschungen von Alexand-
er Pfriem – und nahm sofort
Kontakt auf. „Deckenholz wird
schon länger thermisch verän-
dert, aber mit Boden und Zar-
gen gibt es bisher noch
Schwiergkeiten“, erläutert er
den Ansatz. „Wenn man die
Materialeigenschaften gezielt
verändern kann, sollte man
Tropenhölzer vollwertig erset-
zen können. Wir wollten nichts
weniger als schwäbisches Rio-
Palisander erschaffen.“
Diese Idee überzeugt offen-
bar auch das Bundeswirt-
schaftsministerium, und so
wurden die nun eingeleiteten
Forschungsarbeiten im Rahmen
eines ZIM-Projekts (Zentrales
Innovationsprogramm Mittel-
stand) gefördert. Mitte 2013
erfolgte der erste Kontakt zwi-
schen Gunther Reinhardt und
dem Mitarbeiter von Professor
Pfriem, Lothar Clauder; 2014
startete das Forschungsprojekt
offiziell, und 2017 wurden die
vielversprechenden Ergebnisse
auf der Musikmesse Frankfurt
Vorher und nachher: So dunkel kann Holz in der Kammer werden
vorgestellt. Kurz zusammen-
gefasst, lautet es: „Durch eine
Thermo-Optimierung kann
einheimisches Holz so verän-
dert werden, dass es in seinen
akustischen Eigenschaften sehr
nah an jene von Tropenhölzern
herankommt.“
messen mit dem
hämmerchen
Um die Eigenschaften von
Rio-Palisander und anderen
Hölzern kopieren zu können,
muss man erst einmal wissen,
wie diese Eigenschaften über-
haupt aussehen: Was macht
technisch gesehen den Klang
von Rio aus? Dazu wurden
Probestücke der Holzes genau
vermessen und die akustisch-
physikalischen Eigenschaften
erfasst. Parallel dazu wurden
über zwanzig weitere, auch
einheimische Holzarten unter-
sucht. Diese Hölzer wurden
zusammen mit Reinhardt aus-
gewählt, wobei als Kriterien
nicht nur die erhofften Resul-
tate eine Rolle spielten, son-
dern auch die Verfügbarkeit.
Für diesen Messprozess
wurden Proben aus dem jewei-
ligen Holz zugeschnitten und
in eine Messvorrichtung ein-
special: thermoholz
Computerkontrolliert: Soll- und Ist-Kurven während des Aufheizvorgangs
gebracht. Dort wurden sie mit
einem kleinen Hämmerchen an
verschiedenen, vorher mar-
kierten Positionen angeschla-
gen. Mit einem Piezoabnehmer
am Rand der Probe wurden die
dadurch angeregten Schwin-
gungen wieder abgenommen.
Daraus kann man Daten wie
die dynamische Elastizität
sowie die Dämpfungskenn-
werte erfassen, aus denen sich
wiederum die Schalllaufge-
schwindigkeit sowie die Reso-
nanzgüte ableiten lassen. Diese
Werte geben an, wie schnell
eine mit einem bestimmten
Kongeniale Partner:
Gunther Reinhardt (l.)
und Professor
Alexander Pfriem
mit den ersten
greifbaren
Ergebnissen
test & technik
Pegel angeregte Holzplatte auf
einen vorher bestimmten Wert
abfällt, woraus man beispiels-
weise zu erkennen versucht,
wie gut ein Instrument auf den
Anschlag anspricht und wie
lang das Sustain ausfallen
wird.
erle steht ganz vorne
Für die einheimischen Hölzer
folgte nun ein Thermoprozess,
an den sich wieder der Akus-
tiktest mit dem Hämmerchen
anschloss. Manche Holzarten
reagierten besonders gut auf
die Wärmebehandlung,
81
 test & technik special: thermoholz
Der Messhammer ist verkabelt, um den exakten Zeitpunkt des Schlags zu erfassen
Einfach, aber sehr effektiv: Computer, Hammer, Holz
beispielsweise verschiedene
Obstbaumarten, aber auch
Ahorn, Esche und ganz beson-
ders Erle (das überraschte die
Tester, denn Erle ist ein eher
weiches und leichtes Holz).
Diese wies nach dem Prozess
eine besonders hohe Annähe-
rung der akustischen Eigen-
schaften an die von Rio-Pali-
sander auf, was derart deutlich
ausfiel, dass sich die weiteren
Arbeiten vor allem mit diesem
Holz befassten.
Nach den ersten Versuchen
wurden die besten Holzarten
zu weiteren Tests verwendet.
Dabei wurden unterschiedliche
sogenannte Rezepturen disku-
tiert, ausprobiert, verändert
und verfeinert. Da die Hölzer
für den sensiblen Bereich der
Musikinstrumente verwendet
werden sollen, muss der Pro-
zess besonders schonend ar-
beiten – das Verfahren, mit
dem man Terrassenhölzer
82
behandelt, funktioniert natür-
lich nicht …
Mit „Rezeptur“ ist in diesem
Fall der genaue Ablauf der
Behandlung gemeint. Das bein-
haltet die Dauer des Anstiegs
der Temperatur, die Haltedauer
und die Höhe der Maximaltem-
peratur sowie die Dauer der
Abkühlphase. Mit diesen Stell-
schräubchen sollen die zukünf-
tigen Eigenschaften des Holzes
beeinflusst werden. Das Ganze
findet unter Sauerstoffab-
schluss in einer Stickstoffat-
mosphäre statt.
die rezeptur des
guten tons
Wie sieht nun ein solches Re-
zept aus? „Wir starten mit
trockenem Holz mit etwa zehn
Prozent Feuchte“, erklärt Lo-
thar Clauder. „Es kommt in die
Kammer und wird einem defi-
nierten Temperaturanstieg
ausgesetzt. Hier sind zwei
Pickup an der Holzprobe: Der PU fängt die Schwingungen nach dem Schlag ein
Die Messwerte werden in dreidimensionale Schwingungsmuster umgerechnet
Messgrößen wichtig, nämlich
die Temperaturen im Inneren
des Holzes sowie die in der
Umgebung. Daraus wird die
Aufheizleistung bestimmt,
damit der Temperaturunter-
schied zwischen außen und
innen nicht zu groß wird.
Sonst kann es zu Spannungen
im Holz kommen, die so groß
werden können, dass es
schließlich reißt. Der Anstieg
der Temperatur im Material
wird von der Wärmeleitfähig-
keit des Holzes bestimmt, so
dass die gesamte Prozessdauer
davon abhängt.“ Mit anderen
Worten: Erst wenn’s im Inne-
ren des Holzes warm ist, wird
außen weitergeheizt.
Der gesamte Prozess benöti-
gt Zeit. Schon die Aufheiz-
phase dauert typischerweise
zwischen zehn und 15 Stun-
den. In der Hochtemperatur-
phase, die um 160 Grad liegt,
verbleibt das Holz je nach
gewünschtem Ergebnis zwi-
schen zwei und vier Stunden.
Während dieser Zeit ge-
schieht die eigentliche Materi-
alveränderung, die umso inten-
siver ist, je länger sie dauert.
Die anschließende Abkühlpha-
se hängt wiederum von Holzart
und Querschnitt ab und kann
bis zu 15 Stunden in Anspruch
nehmen. „Wir haben für unsere
bevorzugten Holzarten Rezepte
zur Thermo-Optimierung ent-
wickelt, die sogar auf das je-
weilige Bauteil abgestimmt
sind“, erklärt Alexander
Pfriem.
Inzwischen ist eine Menge
Holz durch die von Lothar
Clauder erbaute Anlage gegan-
gen, und es sind einige Gitar-
ren aus diesem Holz gebaut
worden. Die Klangeigen-
schaften seien im direkten
Vergleich mit baugleichen
Instrumenten aus Tropenhöl-
zern mehr als zufriedenstel-

Das größte Problem stellt das Biegen der Zargen dar. Hier hat es funktioniert ...
... hier nicht. Aber auch gebrochenen Zagen liefern wertvolle Erkentnisse
lend, so das übereinstimmende
Fazit sowohl aus Eberswalde
als auch aus Tübingen. Aller-
dings klangen die Instrumente
dennoch erkennbar unter-
schiedlich, obgleich die physi-
kalisch-akustischen Eigen-
schaften der verwendeten Erle
nach dem Thermoprozess de-
nen von Riopalisander sehr
ähnlich sind.
Die Klangunterschiede kön-
nen in diesem Fall auch an
Faktoren wie dem Deckenholz
liegen. Im detaillierten Ver-
gleich wurde der Palisander-
gitarre etwas mehr Klangfülle
bescheinigt, dafür war die Pro-
jektion der Thermogitarre bes-
ser. Die meisten Musiker hätten
sich letztlich für die Thermo-
gitarre entschieden.
drei komponenten
Also Erle zu Rio? Irgendetwas
scheint da wohl zu funktionie-
ren. Nur – was geschieht
eigentlich genau im Holz?
Dazu benötigen wir ein paar
Grundlagen. „Holz besteht im
wesentlichen aus drei Kompo-
nenten“, erläutert Alexander
Pfriem. „Das sind Cellulose und
Lignin als Stützstoffe sowie die
Hemicellulose, die beide Kom-
ponenten miteinander verbin-
det. Vor allem die Hemicellulo-
se wird durch den Thermopro-
zess in ihren Eigenschaften
verändert und teilweise ab-
gebaut.“
Dieser Abbau entspricht
übrigens nicht der Verände-
rung, die Holz durch den na-
türlichen Alterungsprozess
durchläuft. Der Thermoprozess
führt zwar zu physikalisch
ähnlichen Ergebnissen, ist
chemisch gesehen jedoch nicht
dasselbe. Die Hemicellulose
wird durch das Altern nicht
abgebaut, sondern sie verän-
dert sich, indem sie „verhornt“
und bestimmte Eigenschaften
special: thermoholz test & technik
verliert, wie beispielsweise die
Möglichkeit, Wasser zu binden.
Der Abbau der Hemicellulo-
se durch den Thermoprozess
führt allerdings dazu, dass das
Holz spröder wird und leichter
bricht. Man hat es letztlich mit
einem Balanceakt zu tun, der
zudem bauteilabhängig ist,
denn ein Hals benötigt eine
gewisse Stabilität, die Decke
dagegen eine ungebremste Lothar Clauder ist der Spezialist
Schwingfreudigkeit. für die Praxis
Hemicellulose wirkt im
Verbund mit Lignin und Cellu- Rio-Palisander („Dalbergia
lose wie ein Dämpfer. Ein Teil Nigra Suebiensis“) gefertigt
dieser dämpfenden Substanz werden? Unsere drei Pioniere
wird abgebaut, was die akus- Gunther Reinhardt, Alexander
tischen Eigenschaften verbes- Pfriem und Lothar Clauder sind
sert. Wird sie jedoch zu stark davon überzeugt, denn das
abgebaut, geht die Festigkeit veränderte Holz habe vor allem
des Holzes verloren. Eines der Vorteile. Lothar Clauder er-
größten Probleme hierbei ist gänzt: „Dazu gehört sogar der
die Fertigung der Zargen, denn umwelttechnische Aspekt, denn
Thermoholz lässt sich nur sehr unser Material wächst direkt
schwer biegen und neigt dabei vor der Haustür, und wir benö-
zum Reißen und Brechen. Ein tigen keine giftigen Zutaten für
versierter Handwerker kann den Prozess.“
mit dem Material umgehen, Wenn sich die akustische
aber für die Serienfertigung ist Eignung bestätigt, steht dem
man noch nicht so weit; hier Siegeszug dieser Hölzer also
wird weiter geforscht werden. nichts im Weg. Ein paar For-
schungsgebiete bleiben hinge-
vorsichtiger gen noch übrig: Wie kann man
optimismus den Prozess weiter verfeinern?
Ebenfalls Gegenstand weiterer Wie erreicht man eine leichtere
Forschungen wird die Lang- Biegefähigkeit der Zargen?
zeitstabilität sein: Bleiben die Welchen Einfluss haben die
positiven Effekte auch auf Schwingungen, denen eine
lange Sicht erhalten? Wie re- Gitarre im Laufe ihres Lebens
agiert eine Gitarre aus diesen ausgesetzt ist? „Uns wird die
Hölzern auf veränderte Luft- Arbeit sicher nicht ausgehen“,
feuchtigkeit? „Hemicellulose bestätigt Alexander Pfriem. ●
nimmt Wasser auf, und wenn Jürgen richter
sie teilweise abgebaut ist, wird
entsprechend weniger Wasser
eingelagert. Dadurch ist ein
Instrument aus diesen Hölzern
weniger durch klimatische
Einflüsse gefährdet“, erklärt
Alexander Pfriem. „Wir haben
in einem Versuch eine Holz-
probe unter Wasser getaucht
und dann bei 103 Grad Celsius
wieder getrocknet – und das
viermal hintereinander. An den
positiven Eigenschaften hat
sich dabei nichts verändert.
Wir sind vorsichtig optimi-
stisch, dass eine Gitarre auch
in zehn Jahren ihren Klang
behalten wird.“
Werden also unsere Gitarren Probezargen werden mit einem
in Zukunft aus schwäbischem „Fox Bender“ gebogen
83
 test & technik gitarrenwerkstatt

1: Flamencogitarre mit Wirbeln

mechanik ist kein hexenwerk

„Nichts dreht mehr! Meine Mechaniken sind kaputt!“ Solch ein Jammern und Klagen
lässt sich vermeiden. Sofern man keine Saitenknödel rollt, Rasselschrauben vermeidet
und für den reibungslosen Lauf der Schnecke stets ein Tröpfchen Öl bereithält.

a
ls Mechaniken bezeichnet man die Grundsätzlich unterscheidet man zwischen haben und eine entsprechende Übersetzung
Vorrichtungen am Kopf der Gitar- Mechaniken für Fensterköpfe (Abb. 2) und aufweisen, damit gefühlvolles Stimmen
re, mit deren Hilfe man die solchen für geschlossene Köpfe (Abb. 3). Für möglich ist.
Saitenspannung verändern und beide Kopfformen gibt es offene und ge- Und wann ist es sinnvoll, Mechaniken zu
somit also die Gitarre stimmen kann. Ur- schlossene Ausführungen. tauschen? Die Mechaniken der Gitarre sind
sprünglich waren keine Mechaniken im Aber was macht eine gute Mechanik durch ständige Benutzung einem gewissen
heutigen Sinne im Einsatz, sondern übli- denn aus? Nun, sie sollte sich dauerhaft Verschleiß unterworfen. So können sich
cherweise konische Holzwirbel (Abb. 1) die leicht und gleichmäßig drehen lassen, mög- Zahnräder und Schnecken abreiben, Flügel
nur durch Reibung im Holz gehalten wur- lichst wenig Spiel beim Richtungswechsel und Wellen brechen oder auch Teile verbie-
den und keine Übersetzung besaßen. Heute
findet man solche Wirbel noch bei man-
chen Flamencogitarren, Lauten (und ihren
Varianten in anderen Ländern) sowie
Streichinstrumenten. Nachteil an Wirbeln
ist, dass sie sich relativ schnell abnutzen,
anfällig gegen Feuchtigkeitsschwankungen
Fotos: Werner Kozlik, Stefan Zirnbauer, Shutterstock

sind und genaues Stimmen durch die feh-

lende Übersetzung nicht ganz einfach ist.
Mechaniken mit Schnecke und Zahnrad
sind zwar beispielsweise bei Kontrabässen
schon relativ lange im Einsatz, die Erfin-
dung hat sich aber bei Gitarren erst vor
ungefähr 150 Jahren durchgesetzt. Heute
gibt es ein großes Angebot an Mechaniken
in den unterschiedlichsten Ausführungen
und Qualitäten, auf die man zugreifen
kann. 2: Offene Mechanik für Fensterkopfplatte 3: Offene Mechanik für massive Kopfplatte

84

4 Abgebrochener Flügel
6 Aufgeklebte (links) und geschraubte Flügel
gen (Abb. 4). Häufig findet man auch seri-
enmäßig montierte Mechaniken geringer
Qualität. Hier ist es meist sinnvoll, Mecha-
niken besserer Qualität zu montieren. Auch
auf manchen Vintage-Gitarren findet man
Mechaniken, die nicht (mehr) so richtig gut
funktionieren oder beispielsweise brüchige
Flügel haben. Hier ist es dann sinnvoll, die
wertvollen Originalmechaniken abzumon-
tieren (und aufzuheben!) und gegen bessere
Repliken zu ersetzen. Natürlich ohne neue
Löcher zu bohren, da dies den Wert des
Instruments herabsetzen würde.
8: Abgenutztes Zahnrad
gitarrenwerkstatt
5 Typische Klassikmechanik
klassikgitarren
Hier sind üblicherweise je drei Mechaniken
auf einer gemeinsamen Platte montiert
(Abb. 5). Die Flügel bestehen oft aus Kunst-
stoff. Sie verspröden häufig nach mehreren
Jahren und können dann brechen. Bricht
hier ein Flügel ab, so folgen meist die ande-
ren kurz danach. In diesem Fall ist es sinn-
voll, alle Mechaniken auszutauschen.
Ist hingegen ein einzelner Flügel durch
einen Stoß abgebrochen, kann man ihn
auch einzeln erneuern. Hier gibt es aufge-
schraubte Flügel und solche, die aufge-
87
9: Schmierung von Zahnrad und Schnecke
test & technik
7 Einzelmechaniken für Klassikgitarre
schmolzen oder aufgeklebt sind (Abb. 6).
Der Abstand von Welle zu Welle beträgt bei
den meisten Klassikgitarrenmechaniken 35
Millimeter. Diesen Abstand haben auch na-
hezu alle erhältlichen Mechaniken, weshalb
ein Austausch zumeist unproblematisch ist.
Bei älteren Instrumenten findet man
allerdings häufig auch andere Abstände.
Hier ist dann die Auswahl an Mechaniken
stark eingeschränkt. Manchmal ist die Ver-
wendung von Einzelmechaniken die einzige
Lösung, da hier die Abstände variabel sind
(Abb. 7). Zeigen die Zahnräder oder Schne-
85
 test & technik gitarrenwerkstatt
10 Mechanik mit Hülse als Gegenlage
13 Verdrehschutzschraube gerade nach
unten angeordnet
cken deutliche Abriebspuren, ist ebenfalls
ein Austausch notwendig (Abb. 8).
Falls der Abrieb zu stark wird, lässt sich
die Mechanik häufig nur noch bis zu einem
bestimmten Punkt drehen oder dreht dann
irgendwann durch. Das passiert leider häu-
fig genau dann, wenn man es am wenigsten
brauchen kann, wie beispielsweise kurz vor
einem Auftritt. Folglich ist es ratsam, gele-
gentlich einen Blick darauf zu werfen. Das
geht natürlich nur bei offenen Mechaniken.
Ein Tipp vom Gitarrenbauer: Hier kann
man auch gleich mit etwas Öl oder Fett die
Zahnräder und Schnecken schmieren. Das
macht die Mechanik häufig wieder spürbar
leichtgängiger (Abb. 9).
Westerngitarren
Hier gibt es offene und geschlossene Aus-
führungen sowie einige sehr gute offene
Mechaniken verschiedener Hersteller. In
Bezug auf Kontrolle und Schmierung gilt
das das Gleiche wie bei Klassikmechaniken.
Eure Rückmeldung ist uns wichtig – und welche Themen euch am Herzen liegen. Wünsche, Anregungen und Kritik sind willkommen. Wir sind über
gitarrenwerkstatt@guitaracoustic.de erreichbar – oder postalisch via PPV Medien, Redaktion guitar acoustic, Postfach 57, 85230 Bergkirchen.
86
11 Geschlossene Mechanik für massiven
Kopf, Schraube im 45 Winkel
14 Saitenknäuel und lockere Hohlschraube
beeinträchtigen die Stimmstabilität
Bei den häufiger verwendeten geschlos-
senen Mechaniken sind Schnecke und
Zahnrad mit einem Gehäuse abgedeckt. Die
Technik ist hier meistens mit einem Fett
dauergeschmiert und muss daher nicht
nachgefettet werden. Bei den geschlossenen
Bautypen wird zwischen den Befestigungs-
arten unterschieden:
1. Mit zwei Schrauben von der Kopf-
rückseite verschraubte Mechaniken, die auf
der Kopfvorderseite mit Mechanikhülsen
geführt werden (Abb. 10).
2. Mit einer Hohlschraube von der Kopf-
vorderseite verschraubte Mechanik. Auf der
Rückseite wird diese zusätzlich mit einer
kleinen Schraube gegen Verdrehen gesi-
chert (Abb. 11). Manchmal gibt es stattdes-
sen auch einen oder zwei Pins am Gehäuse,
die den Verdrehschutz gewährleisten.
Die Hohlschraube sollte übrigens von Zeit
zu Zeit nachgezogen werden (meist mit
einem 10-mm-Gabelschlüssel), da sie sich
12 Nachziehen der Hohlschrauben
durch Bewegung im Holz lockert und dann
mitrasseln kann (Abb. 12).
der Austausch
Will man die eine Bauform gegen die ande-
re austauschen, stellt man schnell fest, dass
diese beiden Bautypen unterschiedlich
große Durchgangslöcher durch die Kopf-
platte haben: Die Mechaniken mit Hohl-
schrauben haben üblicherweise einen
Durchmesser von 10 mm, die Hülsen einen
geringeren. Wechselt man die Bauform, so
muss man entweder aufbohren oder im an-
deren Fall die Löcher verkleinern – also dü-
beln und neu bohren oder Adapterhülsen
verwenden, die einen vergrößerten Außen-
durchmesser von 10 mm haben. Am ein-
fachsten funktioniert natürlich ein Aus-
tausch von Mechaniken gleichen Bautyps,
da man dann weder dübeln noch neue Lö-
cher bohren muss. Das sollte zumindest,
wie bereits erwähnt, bei Vintage-Gitarren
selbstverständlich sein.
Die Position der „Verdrehschutzschrau-
be“ ist nicht einheitlich. Hier gilt es, die
richtige Variante zu wählen, um zusätzliche
Bohrlöcher zu vermeiden (Abb.13).
Tipp: Bei Mechaniken mit ange-
schraubten Flügeln lässt sich die Gängigkeit
mit dem Anziehen der Flügelbefestigungs-
schraube regulieren. Wenn der Flügel zu
locker ist und sich dadurch die Schnecke
gegen das Zahnrad verschiebt, verweigern
manche Typen ihren Dienst. Hier hilft es,
die Flügelbefestigung nachzuziehen. Und
zum Schluss noch ein wichtiger Hinweis:
Auch die allerbeste Mechanik funktioniert
nur, wenn die Saiten entsprechend aufgezo-
gen sind. Wir finden sehr häufig solche
„Saitenknödel“ auf der Gitarre (Abb. 14),
also Obacht, so bitte nicht. ●
Stefan Zirnbauer & Werner kozlik

SONATA ZS LIMITED 2017
Artesano präsentieren der geneigten Gitarristengemeinde alle Jah-
re wieder ein limitiertes Sondermodell. Dieses Jahr hört selbiges auf
den Namen Artesano Sonata ZS Limited 2017. Das Kürzel „ZS“ gibt
Auskunft über die verwendeten Hölzer: Ziricote für Boden und Zar-
An der Verlosung des Giveaways teilnehmen könnt ihr auf unserer
Website www.guitaracoustic.de, oder indem ihr eine Postkarte/
Leserbrief mit vollständiger Anschrift an folgende Adresse schickt:
PPVMEDIEN GmbH, Stichwort „Artesano Limited“
Postfach 57, 85230 Bergkirchen
zu gewinnen giveaway
gen, massive Fichte („Spruce“) für die Decke. Unsere Verlosungsgitarre
hat die Seriennummer 47/50. Die Artesano Sonata ZS Limited 2017
wurde uns freundlicherweise von der Firma Musik Meyer zur Ver-
fügung gestellt.
d
ie Sigma JRC12-40E ist eine zwölfsai-
tige Schönheit, die mit ihrem warmen
Klang und ihrer schlichten Optik, auch
dank der fein gemaserten Sitka-Fichte,
besticht. Durch die zahlreichen Perlmutt-Einlagen
auf dem Griffbrett könnt ihr auch bei schummrigen
Lagerfeuer-Licht die Orientierung kaum verlieren.
Ein Fishman-Presys+-Preamp ermöglicht außerdem
den Anschluss an einen Amp – die Bühne kann also
kommen.
Die Sigma JRC12-40E wurde uns freundlicherweise
von der Firma AMI GmbH zur Verfügung gestellt.
geWi
nn en
zu
Einsendeschluss ist der 5.10.2017 (Datum des Poststempels). Die Taylor Academy 10e aus
Ausgabe 3/16 hat gewonnen:
Mitarbeiter der PPVMEDIEN GmbH und deren Angehörige
dürfen nicht teilnehmen; der Rechtsweg ist ausgeschlossen. Lisa B. aus Sankt Wolfgang
87
 test & technik acoustic-dreams

Joe striebel rS Cutaway

orchestrale obertöne
es gibt immens viele hervorragende gitarrenbauer in deutschland.
Joe striebel gehört zu den akkuratesten Meistern seiner Zunft. er hat
seine Werkstatt in Wolfratshausen. Joes rs-Modell mit cutaway
besticht mit einer außergewöhnlichen Holzkombination: fichte, ahorn,
olive und ebenholz.

88

Mögliche Positionen: entgegen der Rundung des Korpus, was eine kleine Öffnung lässt, oder ganz geöffnet; ganz geschlossen geht natürlich auch
o
b man Joe Heimat-
verbundenheit an-
gesichts der Wahl
von Alpenfichte
andichten mag, kann jeder
selbst entscheiden. Die Quali-
tät heimischer Hölzer ist
aber sicherlich gleichwer-
tig zu dem, was große
Firmen mit mehr Marke-
ting-Budget als den
letzten Schrei verkau-
fen. Denn ob Sitka
oder Engelmann: Jeder
hat seine Vorlieben und
schwört drauf. Letzten
Endes spielt ab einer
Foto: Christopher Przybilla
bestimmten Stückzahl auch die
konstante Verfügbarkeit des
Materials eine wichtigere Rolle
als dessen Klang.
Da Joe alles in kleiner
Stückzahl im Kundenauftrag
fertigt, kann man sich getrost
darauf verlassen, dass nur die
besten Materialien auf seine
Werkbank kommen: Die mas-
sive Decke aus feinjähriger
Alpenfichte, attraktiver Feld-
ahorn für Boden und Zargen,
selbstredend ebenfalls in mas-
siver Bauweise, sprechen Bän-
de. Dass Joe den Ahornhals aus
demselben Stamm wie Boden
acoustic-dreams
und Zargen fertigt, ist hin-
gegen Beweis für seine Detail-
besessenheit.
kontrast und klarheit
Griffbrett, Steg und Kopfplat-
tenfront bestehen aus attraktiv
gemasertem Ebenholz. In de-
zentem Kontrast dazu steht das
Binding rund um Decke und
Zargen respektive Boden und
Zargen. Es besteht neben einer
mehrlagigen Schicht vorrangig
aus Olivenholz. Ich bin zwar
kein Holzwurm, aber wenn ich
mit das verdrehte und knorrige
Holz eines Olivenbaums an-
test &technik
schaue, dann mag ich mir den
Aufwand für dieses Binding
nicht ernsthaft ausmalen ...
In dieselbe Kategorie einsor-
tieren kann man auch die Reif-
chen, die den Boden mit den
Zargen verbinden, denn diese
werden von Joe gebogen und
nicht wie meist üblich einge-
sägt und dann aufgeleimt.
Dank der Einschnitte sind die
Reifchen flexibel; die gebo-
genen Reifchen sind verwin-
dungssteifer und stabiler, aber
auch ungleich aufwendiger.
Auch der Blick ins Innere
fördert an jeder beliebigen
89
 test & technik acoustic-dreams
Offene Waverly-Mechaniken sorgen für gute Stimmung
Stelle nichts als perfekte Hand-
werksarbeit. Nahtlos fort setzt
sich dieser Eindruck beim Griff
an den formvollendeten Hals,
der eine ordentliche Sattelbrei-
te von 46 Millimetern aufweist
– breit genug für Finger-
picking-Spielereien, aber den-
noch schmal genug für ent-
spanntes Akkordgreifen, gerne
auch bei ausdauernden Sessi-
ons. Ein interessantes Detail:
Joe verwendet Glockenbronze
als Material für die Bundstäb-
chen, was vor allem Allergiker
freuen dürfte, denn sie sind
dadurch nickelfrei.
Hat man die RS auf dem
Schoß, fällt ein weiteres Detail
auf: das Monitor-Soundhole im
oberen Zargen, verschließbar
durch ein mit Filz gepolstertes
90
passendes Gegenstück. Dieses
wird durch Magnete in Position
gehalten – in Positionen, bes-
ser gesagt, denn man kann das
Soundhole in verschiedenen
Positionen verschließen.
Über dem soundhole
Interessant ist die Veränderung
des Klangs durch das Öffnen
und Schließen dieser Klangöff-
nung, denn der Effekt tritt
– erwartungsgemäß – stark
beim Gitarristen auf, sitzt dieser
doch direkt über dem Sound-
hole. Der Klang geht in die
Breite, wird weniger straff, eher
warm und samtig; er ist von
einer Fülle und Güte, die
man in dieser Quali-
tät nur ver-
dammt sel-
ten zu Gehör bekommt. Zudem langen wohlfühlen und nahezu
besteht die RS aus Ahorn und frei bewegen.
straft somit alle jene Lügen, die
nicht müde werden zu behaup- das bleibt hängen
ten, dass Ahorn prinzipiell hell Formvollendet, handwerklich
und höhenreich klingt. Joe perfekt, klanglich von der Qua-
Striebel und Andy Powers, der lität eines Konzertflügels: groß,
bei Taylor für die Ahornserie weitreichend, dynamisch und
verantwortlich zeichnet, dürf- schlicht sensationell. Joe Strie-
ten sich hervorragend verste- bel ist ganz zweifellos einer der
hen. Denn beide wissen, wie besten deutschen Gitarrenbauer
man eine Konstruktion aufzie- – und das ist seine Gitarre. ●
hen muss, damit das gewünsch- Stephan hildebrand
te Ergebnis herauskommt. Und
dieses überzeugt in meister-
licher Weise, wobei die RS
durchaus kein Tausendsassa ist.
Wer also eine knurrige Blues-
Gitarre sucht, der findet bei Joe
passendere Modelle.
Die RS ist eine Studiogitarre
im besten Sinne: perfekt, um
große, orchestrale Klänge zu
erzeugen. Sie ist nicht zuletzt
auch dank des Cutaways, der
slanted ausgeführt wird, eine
ergonomische Meisterleistung.
Dank der in sich gedrehten,
geschwungene Formge-
bung kann sich die
linke Hand in
allen Be-
Ein großes Stück Gitarrenbaukunst:
Striebel RS Cutaway
Modell Joe Striebel RS Cutaway
Herkunft Wolfratshausen, Deutschland
Boden/Zargen Feldahorn, massiv
decke Alpenfichte
Hals Feldahorn (derselbe Stamm wie Boden & Zargen)
griffBrett Ebenholz
steg Ebenholz
sattelBreite 46 mm
Bünde cc aus Glockenbronze, nickelfrei
Mensur 64,3 cm
MecHaniken Waverly, offen
linksHänder auf Anfrage
internet www.striebelguitars.com
eMpf. Vk-preis 5.400,- g inklusive Hiscox-Koffer
 acoustic-dreams test &technik

HI-GLOSS SERIES
FNHG - NEPTUNE
Baby Jumbo, vollmassiv,
Palisanderkorpus,
Fichtendecke, 650 mm
Mensur, inkl. Faith
Deluxe Koffer

NOMAD SERIE
FDS - MINI-SATURN
Vollmassiv, Mahagoni-
korpus, Fichtendecke,
Faith PU-System, 590 mm
Mensur, inkl. Gigbag

MAHOGANY SERIES
FRMG - MARS DROP
Vollmassiv Mahagoni,
650 mm Mensur,
inkl. Faith Deluxe Koffer

Schlicht und ergreifend schön

Musik Wein GmbH | Exklusiver Vertrieb für Deutschland und Österreich
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91 www.musikwein.de | www.facebook.com/MusikWeinGuitars
 test & technik western
● larriVÉe l-03 laurel liMited

keine
keine
langeweile
mit laurel
larrivée guitars und damit auch namensgeber und
firmengründer Jean larrivée sind dem geneigten
gitarristen unter garantie ein Begriff, steht der name
doch seit 1967, als Jean larrivée begann, gitarren zu
bauen, für instrumente mit gediegenem aussehen
und von höchster Qualität. die vorliegende auf 20
stück limitierte l-03 laurel limited macht da keine
ausnahme.

u
nter den Vorzeichen
der allgegenwärtigen
CITES-Problematik ist
die L-03 Laurel eine
Gitarre,
G itarre, die zwar auf Palisan-
der, nicht aber auf Tropenholz
verzichtet. Stattdessen kommen
Ebenholz und Laurel zum Ein-
satz. Letzteres als gängiges
Holz im Gitarrenbau zu be-
zeichnen, wäre angesichts der
noch immer überwiegenden
Verwendung von Palisander,
Mahagoni und auch Ahorn ein
wenig übertrieben, wenngleich
dieses mittelamerikanische
Holz aus der Familie der Bora-
ginaceae durchaus eine Alter-
native darstellt.
Zumindest einen Verwand-
ten kennt man auch als Nicht-
Holzwurm: Ziricote. Optisch
und klanglich geht das hier
durchaus in Richtung Pali-
sander, ein wenig Walnuss
spielt auch mit rein.
handschmeichler
Langer Rede kurzer
Sinn: Um die gewohnte,
weil dunkle Optik muss
man sich hier keine
Sorgen machen; wie
immer kommt es drauf
an, was man aus den
Hölzern macht, und das ist
bei dieser Gitarre einiges, so
viel sei verraten.
Der erste Kontakt mit dem
Korpus, dessen Boden und
Zargen aus besagtem massiven
Laurel gefertigt sind, ist vor
allem eines: weich und glatt,
dabei stets griffig. Wer wissen
will, wie sich ein erstklassiges
Satin-Finish anfühlt, der greife
zu dieser Gitarre. Selten ver-
mittelt ein Finish ein derart
holziges Gefühl voll natür-
licher Griffigkeit – schlichtweg
ein echter Handschmeichler.
Dieses angenehme Greif-
gefühl bezieht sich erfreuli-
cherweise auch auf die mas-
sive, fein gemaserte Sitka-
Fichtendecke sowie den kom-
pletten Hals (übrigens aus
einteiligem Mahagoni) und
dessen fein gemasertes Ahorn-
binding, das sich entlang des
Ebenholzgriffbretts in Richtung
Kopfplatte findet.
Edles Detail am Rande ist
das Inlay auf der Kopfplatte,
das ein Laurel-Blatt darstellt.
15 einzelne Teile werden benö-
tigt, um das Inlay herzustellen,
allesamt von Hand gefertigt.
Angesichts dieses Auf-
wandes passen das Ahorn-
Binding rund um die Übergän-
ge zwischen Decke und Zargen,
respektive zwischen Boden und
Zargen sowie das altmodisch
anmutende Herringbone-Purf-
ling wie die Faust aufs Auge.
Die gesamte Gitarre ist in ihrer
optischen Wirkung ein State-
ment: Sie wirkt edel, aber
nicht überkandidelt, hoch-
wertig und dabei gleichzeitig
bodenständig.

92
 test &
&technik
technik

alles andere als alltag

Bodenständig ist immer gut,
denn diese an die 000 von
Martin erinnernde Korpusform
löst – zumindest beim Verfas-
ser, der in dieser Hinsicht zu-
gegebenermaßen ein wenig
eindimensional gepolt ist –
stante pede den Wunsch nach
einem satten thumb bass und
bluesigen Läufen aus. Und
wenig überraschend spielt die
L-03 Laurel hier alle ihre
Trümpfe aus: Sie ist laut, sie
kommt schnell in die Hufe, die
Töne perlen nur so vom Griff-
brett. Und da reden wir nur
von der Ansprache, quasi der
Reaktion des Instruments auf
den Gitarristen.
Erfeulicherweise kann über
die Qualität der Klänge kaum Plek und finger weiß. Das Zusammenspiel der
mit weniger Begeisterung ge- Strumming mit dem Plektrum Komponenten Sitka-Fichtende-
sprochen werden, denn die bietet, auch unter Zuhilfenah- cke und dem Korpus aus mas-
Bässe sind knackig, ohne Ge- me verschiedener Stärken des sivem Laurel präsentiert sich
fahr zu laufen, ihren Bauch zu Pleks, eine beachtliche Band- erstklassig und könnte, dürfte,
verlieren (das behauptet auch breite mit einer selten so emp- nein, sollte dringend öfters in
die Frau des Verfassers über fundenen Dynamik. Allzu har- Betracht gezogen werden, denn
selbigen …), die Mitten präsent, ten Anschlag quittiert die L-03 es präsentiert sich als stilsi-
ohne aufdringlich zu wirken, dann letztlich doch mit einem chere Kombination mit Dyna-
während die Höhen genügend leichten Hang zum Aufschau- mik, satter Ansprache und viel
Spritzigkeit bieten, dabei aber keln; das sei ihr verziehen, Spielspaß.
nur mit Mühe direkt am Steg bietet sie doch vom zarten
in unangenehme Bereiche ge- Anschlag mit bauchig-warmen das bleibt hängen
bracht werden können. Flächen am Griffbrettende bis Sauber! Anders kann man
zu knackig-perkussiven Single- kaum beschreiben, was Lar-
note-Linien kurz vor dem Steg rivée hier abliefern. Die Verar-
eine ganze Palette anspre- beitung der L-03 Laurel Limi-
chender Sounds. ted ist top, die Haptik dank des
Wechselt man zum Finger- Satin-Finishs schlicht ein
picking, kann man diese Band- Traum, und auch klanglich gibt
breite ähnlich adäquat umset- es dank toller Dynamik und
zen, wobei die L-03 Laurel sehr ausgewogener Wiedergabe
dankenswert und freudig auch außer sattem Spielspaß und
zackige Wechselbässe in Kom- exzellenten Klängen wenig zu
bination mit kleinen Spiele- vermelden. Ein tolles Instru-
reien auf den Diskantsaiten ment zum fairen Kurs. ●
ansprechend wiederzugeben Stephan hildebrand

Modell Larrivée L-03 Laurel Limited

Herkunft Kanada
Boden/Zargen Laurel, massiv
decke Sitka-Fiche, massiv
Hals Mahagoni, einteilig
griffBrett Ebenholz
steg Ebenholz
sattelBreite 44,45 mm
Bünde 20 Medium-Jumbo
Mensur 64,8 cm
MecHaniken gekapselte Mechaniken, verchromt
internet www.larivee.com & www.musikwein.de
eMpf. Vk-preis 2.175,- g

93
 test & technik western
● alVareZ delta delite & delta delite e
nackte
tatsachen
die sommersonne brutzelt auf die Murmel und am
strand warten nackte tatsachen auf die musikalische
Begleitung. so stellt sich mancher die quälende frage
nach einer gitarre für lagerfeuer und Baggersee ...
a
lvarez schickt mit der
Delta Delite und der
Delta Delite E zwei
echte Roadstars in
S achen Travel-Gitarren ins
Sachen
Rennen. Welch beachtliche
Sounds die Delta Delite abseits
ihrer Road-Tauglichkeit liefert
und warum nicht nur einge-
fleischte Blueser und Folker
Gefallen an ihr finden werden,
erfahrt ihr aus erster Hand von
uns …
Die Delta Delite ist kaum
größer als eine Bariton-Ukulele
und etwas kleiner als eine Par-
lor. Hat man sie jedoch erst
mal aus ihrem Gigbag gezogen,
wird schnell klar, dass es sich
hierbei um eine vollwertige
Akustikgitarre mit einem be-
achtlichem Klangpotential
handelt.
auch für kids
Die Verarbeitung ist erstklas-
sig. Sie verfügt über eine mas-
sive Decke aus Fichte, Boden
und Zargen bestehen aus ge-
sperrtem Mahagoni. Zusätzlich
hat man den Boden gewölbt,
was ihn stabil und somit das
Weglassen einer Beleistung
möglich macht. Der
schlanke Hals ist aus
Mahagoni (bis zum Hals-
Korpus-Übergang am
14. Bund kann man
sich hier problemlos
austoben).
Das Satin-Finish
der Delta Delite und
die angenehm flache
Saitenlage ermöglichen
es nicht nur einem Er-
wachsenen, auf Anhieb
problemlos in die Saiten zu
hauen. Auch saiteninteressierte
Kids dürften an diesem Instru-
94
ment schnell ihre Freude fin-
den, denn die Bespielbarkeit
und der angenehm schlanke
Korpus sollte es besonders
Kindern leicht machen, sich für
die Gitarre zu interessieren –
oder zumindest die Rückgabe
des Instruments an Papa oder
Mama schwerer.
roadtrip-blues mit
mitten-boost
Egal, ob Finger-Pickings oder
Folk, Singer-Songwriter oder
Blues: Die Delta Delite liefert
– gemessen an ihren doch
recht überschaubaren Dimensi-
onen – ein erstaunliches
Klangbild. Akkorde, Mitten
und Höhen ertönen druckvoll
und brillant. Schlägt man ei-
nen offenen Gadd9 an, liefert
der kleine Korpus einen er-
staunlich lang schwingendes
Klangbild. Einzelne Saiten
schwingen lange nach.
Natürlich kann man hier
keine breiten und pfundigen
Bässe wie bei einer Dread-
nought erwarten, aber die mas-
sive Fichtendecke und die sau-
bere Verarbeitung sorgen für
überraschend viel Tondruck.
Das ist mit Sicherheit nicht
zuletzt den hochwertigen Kom-
ponenten zu verdanken, auf
die Alvarez hier neben den
Haupttonhölzern zurück-
gegriffen hat.
ab zum lagerfeuer
Im Duo-Zusammenspiel mit
einer Dreadnought weiß die
Delta Delite problemlos zu
überzeugen. Hier kommen ihr
die straffen Mitten und die
brillanten Höhen zugute. Auf
diese Weise fügt sie sich mühe-
los in das Klangbild zwischen
 western test &technik

lich die Option, das Travel- das bleibt hängen

Gitarrensound-Paket auch
verstärkt zu spielen. Der einge-
baute hauseigene SYS100-
Pickup gibt ihren Klang adä-
quat wieder. Die Einstellung ist
zudem mit nur einem „Tone“-
und einem „Volume“-Regler
unauffällig direkt im Schall-
loch platziert defintiv über-
sichtlich und effektiv.
Die Delta Delite überzeugt
durch ihren herrlich druck-
vollen Sound und springt einen
mit ihren knackigen Mitten
und Höhen förmlich an. Für
Eltern, die eine kleinere Gitarre
für ihren Nachwuchs suchen,
sie ebenfalls ein echter Kauf-
kandidat sein. ●
marcel Thenée

Modell Alvarez Delta Delite & Delta Delite E

Dreadnoughts oder Jumbos ein.
Dem Lagerfeuer-Jam steht also
nichts im Wege. Der Steg ist
aus Palisander, der Sattel aus
Knochen. Das Griffbrett aus
Palisander überzeugt nebst
erstklassiger Bundierung der
insgesamt 20 Bünde nicht
zuletzt durch sein schlicht
schönes Inlay aus Abalone am
Herkunft China
Boden/Zargen Mahagoni, gesperrt
decke Sitka-Fichte
Hals Mahagoni
griffBrett Palisander
steg Palisander
zwölften Bund. Ein weiterer
sattelBreite 44 mm
Pluspunkt ist der sauber ab
Mensur 58 cm
Werk installierte zweite Gurt-
MecHaniken geschlossen
pin am Hals-Korpus-Übergang.
pickup SYS100
Hier muss man sich also nicht
extra die Mühe machen zu regler Volume, Tone
bohren, um die Delite auch mit linksHänder nein
Gurt im Stehen spielen zu internet www.alvarezguitars.com
können. Mit dem Model Delta eMpf. Vk-preis Delta Delite 349,- g
Delite E bietet Alvarez zusätz- Delta Delite E 399,- g

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erhöhen den Spaßfaktor,
sorgen für den nötigen
Motivationsschub
und wecken die Neugier
auf kommende Buchsei-
ten und Lerninhalte. Das
Resultat: Der Schüler wird
auf allen sinnlichen Ebenen
angesprochen und der
Lernerfolg vertieft.

ISBN 978-3-95512-153-2
22,90 EUR

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 test & technik klassik
● bernharD Kresse
MOdell a-tyP MOdern

sanft &
knackig
Bernd kresse ist ein gefragter experte zur geschichte
des gitarrenbaus im 19. Jahrhunderts und ein
erfahrener, weltweit geschätzter gitarrenbauer. seine
historischen instrumente werden von renommierten
Virtuosen wie pavel steidl, franz Halász oder rapha-
ella smits gespielt. Wir haben diesmal jedoch eines
seiner modernen instrumente mit einem korpus aus
rio-palisander unter die lupe genommen.

a
uch seine modernen
Konzertgitarren stat-
tet Bernd Kresse mit
einem verstellbaren
H als aus, der nach dem Wiener
Hals
Patent von Staufer & Ertl aus
dem Jahr 1822 angefertigt
wird. Dies ist recht ungewöhn-
lich für eine moderne Konzert-
gitarre, wobei auch der Austra-
lier Greg Smallman Instru-
mente mit verstellbarem Hals
baut, jedoch nach einem ande-
ren Konstruktionsprinzip.
Im 19. Jahrhundert war
diese Bauweise nötig, weil
die Hälse deutlich dünner
und schmaler waren. Ohne
die nachträgliche Justier-
möglichkeit wäre die Sai-
tenlage im Laufe der Zeit
deutlich zu hoch oder zu tief
geworden. Als Vorteil sieht der
Luthier zudem, dass die Sai-
tenlage sogar von Stück zu
Stück den spieltechnischen
und musikalischen Erfor-
dernissen angepasst
werden kann.
Außerdem können
„Winter- und Som-
merbespielbarkeit“
einer Gitarre auf
diese Art leichter
einzustellen sein;
viele Gitarrenbauer
liefern dafür zwei
unterschiedlich
hohe Stegeinlagen
mit. Diese Art von
Hals-Korpus-Verbindung
erlaubt sogar die Demonta-
ge des Halses. Dafür bedarf es
jedoch einer gründlichen Ein-
weisung. Als „Travel-Guitar“
will Bernd Kresse sein Instru-
ment nicht verstanden wissen.
Ferner zog er Ahorn als
Holz für den Hals dem üb-
lichen Cedro vor, weil es ein
höheres spezifisches Gewicht
hat. Das Ende des freischwe-
benden Ebenholzgriffbretts mit
20 Bünden ist im Übrigen sehr
geschmeidig abgerundet. An
seiner Kante befinden sich am
siebten und zwölften Bund
elegante Perlmutt-Inlays.
Die Bespielbarkeit ist nicht
zuletzt dank des eher runden
C-Halsprofils ausgesprochen
komfortabel.
schmuckes
erscheinungsbild
Bei einem Instrument dieser
Güte dürfen auch die Details
gerne vom Feinsten sein: Die
Mechaniken des italienischen
Herstellers Nicolò Alessi sind
von edlem und hochwertigem
Erscheinungsbild und laufen
tadellos. Das kleine Unterneh-
men ist am Lago Maggiore
ansässig und nicht zu ver-
wechseln mit der berühmten
Designfirma.
Die Einlage des Stegs aus
Palisander wurde aus Knochen
gefertigt und ist leicht ange-
schrägt, so dass e1 etwas kür-
zer ist als E6; eine kleine Ab-
weichung zur Bauweise der
großen spanischen Vorbilder.
Die gesamte Gitarre wurde
tadellos mit Schellack poliert,

96

inklusive der Halsrückseite, die
noch ein sogenannter „Kopfan-
schäfter“ ziert.
Hierbei werden Hals und
Kopf mit einem spitzen ko-
nischen Zapfen verbunden. Bei
den Saiten wird auf die altbe-
währten D’Addario
J 46 gesetzt, um einen fixen
klanglichen Referenzpunkt zu
haben; was nicht heißt, dass
später nicht auch andere Saiten
zum Einsatz kommen können
– je nach Gusto des Gitarristen.
korpus und decke
Die feingemaserte Fichtendecke
ist mit einem Lattice-Bracing
versehen. Bernd Kresse ver-
wendet eine All-wood-Lösung
mit Streben aus leichter Fichte
und verzichtet auf eine Kar-
bonverstärkung. Dank dieser
Lattice-Konstruktion kann der
Luthier die Decke deutlich
dünner ausarbeiten als bei
einer traditionellen Fächer-
beleistung. Die genaue Stärke
bleibt jedoch Betriebsgeheim-
nis.
Bindings aus Ahorn und
Zwetschge finden sich am
Übergang zu Boden und Zarge
aus Rio-Palisander. Der Kölner
Gitarrenbauer verfügt über
zertifizierte Altbestände, die er
1991 vor dem Stichtag erwor-
ben hat und mit denen er sehr
gerne arbeitet. Wie viele ande-
re Gitarrenbauer hält er die
neuen CITES-Regelungen von
Lowden, Mcilroy, Avalon, Collings, Santa Cruz, Rozawood, Trevor Kronbauer, C.F. Martin, Bernabé, BSG, Paul Reed Smith Acoustics
klassik test &technik
2017, die alle Dalbergia-Arten
einschließt, für überzogen und
beklagt den enormen bürokra-
tischen Aufwand, den sie ver-
ursachen. Ändern kann auch
Kresse freilich nichts.
klang
Vor drei Jahren hatte ich be-
reits einmal das Vergnügen,
eine Gitarre von Bernd Kresse
zu testen, seinerzeit jedoch mit
einem Ahornkorpus. Im Kopf-
hörervergleich liefert das Ins-
trument mit Rio-Palisander für
meine Ohren über das gesamte
Frequenzspektrum hinweg das
ausgewogenere Klangbild: mit
sehr sanften, wohlklingenden
Mitten und – bedingt durch die
Fichtendecke – knackigen,
präsenten Höhen. Auch der
Bassbereich ist wohlproportio-
niert. Hier wummert nichts,
aber man kann dem Instrument Modell Bernhard Kresse Modell A-Typ modern (2016)
durchaus ein kerniges „Cello- Herkunft Köln, Deutschland
Register“ entlocken. Boden/Zargen Rio-Palisander
decke Alpenfichte
das bleibt hängen
Hals Ahorn
Bernd Kresse ist zurecht ein griffBrett Ebenholz
geschätzter Meister seines
steg Palisander
Fachs. Neben seinen histo-
sattelBreite 52 mm
rischen Instrumenten überzeu-
Bünde 20
gen auch seine modernen mit
Mensur 65 cm
ihrer individuellen Ausprägung.
MecHaniken Nicolò Alessi
Und angesichts dieses Instru-
ments wundert man sich auch saiten D’Addario J 46
nicht, dass die Kombination linksHänder auf Anfrage
Fichte/Rio-Palisander als ideal internet www.kresse-gitarren.de
für den Gitarrenbau gilt. ● eMpf. Vk-preis 8.400,- g (mit Rio-Palisander),
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97
 test & technik klassik
● artesano SOnata ZS liMited 2017
Wildern
Wildern mit
der tanzmaus
artesano guitars legen alljährlich eine limitierte Version
ihrer sonata-serie vor – bislang waren das stets tolle
instrumente. das 2017er-Modell setzt auf Ziricote als
Holz für Boden und Zargen. rein optisch schon mal
ein kluger schachzug …
s
chält man die Artesa-
no-Lieferung aus dem
Karton, kommt als
erstes ein schicker
brauner Echtholzkoffer mit
Textilbezug und vergoldeten
Schließen ans Tageslicht. Ein
schicker erster Eindruck (für
den es ja bekanntlich keine
zweite Chance gibt), der sich
beim Öffnen des Koffers naht-
los fortsetzt.
Die ZS 2017 zeichnet sich
auf den ersten Blick durch eine
feingemaserte Fichtendecke
aus, die selbstredend in mas-
siver Bauweise ausgeführt ist.
Angesichts des empfohlenen
Verkaufspreises von knapp
580 Euro darf man das
durchaus auch erwarten.
Optisch beeindru-
ckender, wenngleich akus-
tisch nicht von der gleichen
Gewichtung wie die massive
Fichtendecke, sind Boden und
Zargen aus Ziricote. Aufgrund
deren gesperrter Bauweise
würde ich diesen Bestandtei-
len keine grundlegend
andere klangliche Aus-
richtung zusprechen als
etwa einem gesperrten
Palisanderkorpus. Bei
massiver Bauweise
sähe das freilich
anders aus.
Aber auch hier
sollte man den
Preis im Auge be-
halten, denn in die-
ser Klasse gibt es
kaum vollmassive
Gitarren, die dann in der
restlichen Verarbeitung mit
der Artesano mithalten kön-
nen. Gerade in der Preisregion
98
für Anfänger bis Fortgeschrit-
tene halte ich persönlich eine
vortreffliche Verarbeitung für
wesentlich wichtiger als das
letzte Quäntchen Klang. Es
nützt niemandem etwas, wenn
die Gitarre zwar gut klingt, sie
aber niemand spielt, weil kein
Mensch sie anpacken mag.
sonata sorglos
Bei der Verarbeitung muss man
sich keine Sorgen machen; sie
bewegt sich deutlich im grünen
Bereich und mitunter deutlich
über der Preisklasse. Das be-
ginnt bei den sauber polierten
und verrundeten Bundstäb-
chen, geht über den attraktiv
gemaserten Boden, der auf
attraktive Weise bookmatched
geteilt wurde, bis hin zum
dreigeteilten und mit einem
mittigen Palisanderstreifen
verstärkten Mahagonihals.
Zudem läuft dem Connais-
seur beim Blick auf die attrak-
tive Schalllochrosette und die
vollendet geschwungene Kopf-
platte das Wasser im Munde
zusammen. Nicht vergessen
sollte man auch das äußerst
dezente und gerade deshalb
stimmige Palisander-Binding.
Klassische Mechaniken ver-
richten in gewohnter Weise ihr
Werk. Erwähnenswert ist auch
der Palisandersteg mit Doppel-
lochbohrung, der erfahrungs-
gemäß für gleichmäßigen
Druck sorgt. So weit, so erst-
klassig.
klang en masse
Eine Menge Vorschusslorbee-
ren, aber kann die ZS auch
klanglich mithalten? Durchaus:
 klassik test &technik

Sie schwingt schnell und aus- auch keiner erwartet. Nicht

geglichen ein, reagiert dyna-
misch auf die Spielweise des
Gitarristen. Dabei ist es ihr
ganz gleich, ob dieser einen
Kuppen- oder Nagelanschlag
bevorzugt. Wer abseits ihres
angestammten Reviers – allen
Spielarten klassischer Gitarren-
musik – mit ihr wildern möch-
te, findet in der Sonata ZS
2017 eine dankenswerte Tanz-
partnerin, denn auch Akkord-
arbeit und Plektrumspiel quit-
tiert sie mit Wohlklang.
carlos oder beppe
Fairerweise muss man sagen,
dass die Nylonsaiten nicht das
knallige Attack einer Western-
gitarre liefern können. Daher
sollte man sein Spiel entspre-
chend ausrichten. Flatpicking
tönt durch die Bank eher
smooth-jazzig und santana-
esk, nicht unbedingt nach
Beppe Gambetta oder Tommy
Emmanuel. Aber gut, das hat
erwartet hätte der Verfasser
dieses Textes hingegen die
Wärme, die den Klang quer
durch alle Spielarten prägt. Ob
dies dem gesperrten Ziricote-
Korpus zuzuschreiben ist, wage
ich ehrlich gesagt zu bezwei-
feln; viel eher scheint mir die
in sich stimmige und sauber
ausgeführte Gesamtkonstruk-
tion in dieser Hinsicht der
entscheidende Punkt zu sein.
das bleibt hängen
Schade, dass die Artesano
Sonata ZS Limited 2017, nun
ja, eben limitiert ist, denn sie
ist eine tolle Gitarre, die neben
ihren klanglichen Vorzügen
auch mit ihrer ansprechenden
Optik punkten kann. Verarbei-
tung, Bespielbarkeit und
Klanggüte stehen in einem
mehr als günstigen Verhältnis
zum Preis. Also Beeilung: Es
sind nur 50 Stück da. ●
Stephan hildebrand

Modell Artesano Sonata ZS Limited 2017

Herkunft China
Boden/Zargen Ziricote, gesperrt
decke Fiche, massiv
Hals Mahagoni, dreiteilig, mit Palisanderstreifen gesperrt
griffBrett Palisander
steg Palisander, Doppellochbohrung
sattelBreite 50 Millimeter
Bünde 19 Medium
Mensur 65 cm
MecHaniken Klassik-Mechaniken, vergoldet
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99
170923232816HR-01 am 23.09.2017 über http://www.united-kiosk.de
 test & technik bass
● taYlor GS Mini-e BaSS
akubass für
gitarristen
Mit ukulelensaiten habe er herumgespielt, so andy
powers, seines Zeichens chefentwickler bei taylor.
und dabei sei er auf die idee gekommen, eine gs
Mini mit Basssaiten auszustatten. Verrückt? ganz im
gegenteil!
b
ässe kennen wir alle
als Instrumente mit
langen Hälsen für
große Hände, aber
schon vor dreißig Jahren gab
es einen E-Bass von Ashbury
mit Silikonsaiten und einer
Mensur von 18 Zoll. Später
kamen Ukulelenbässe auf den
Markt, ausgestattet mit Poly-
urethansaiten und einer nicht
wesentlich längeren Mensur.
Solche waren es wohl auch,
die Andy Powers für die ersten
Versuche benutzte, eine GS
Mini zu einem Bass umzubau-
en. Da eine Bassukulele typi-
scherweise eine Mensur von
um die 20 Zoll aufweisen
kann, die der GS Mini je-
doch 23,5 Zoll beträgt, ka-
men diese Saiten schnell an
die Belastungsgrenze und
gaben ihre Seele auf.
Nach vielen Versuchen mit
normalen Stahlsaiten kam
Powers schließlich auf die
Idee, die Konstruktion einer
Klassikbasssaite zu über-
nehmen. (Man sieht dar-
an, dass gute Ideen
häufig mehrfach auf-
tauchen – siehe die
Bassukulele von
Stevens.) Der ent-
sprechende Saiten-
satz wurde von
D’Addario entwi-
ckelt, und vorgeb-
lich funktioniert
der GS Mini-e Bass
nur mit genau die-
sen. Das stimmt in
dieser Ausschließlich-
keit zwar nicht, denn
jede Saitenmanufaktur ist
imstande, passende Saiten auf
Bestellung zu wickeln. Aller-
100
dings müssen die inneren Wer-
te stimmen: Die Seele sei klas-
sisch! Sie besteht aus vielen
Nylonfasern als Kern, die mit
einem Draht umwickelt werden
– wie die Basssaite einer Klas-
sikgitarre.
Der einzige Unterschied ist,
dass D’Addario als Wickeldraht
Phosphor-Bronze benutzt, so
dass wir es hier mit einem
Hybriden zwischen Klassik und
Steelstring zu tun haben. Und
nur bei diesem Aufbau ist die
Saite flexibel genug, auch
Obertöne sauber abzubilden.
geschlitzte Pins
Damit diese dicken Saiten auch
ordentlich im Steg verankert
werden können, hat Powers die
Bridge-Pins weiterentwickelt
und sie mit einem Schlitz ver-
sehen, so dass die eigentliche
Saite einmal quer durch diesen
Pin läuft. Der Vorteil ist vor
allem der Winkel, mit dem die
Saite hinter der Stegeinlage
nach unten gezwängt wird.
Der ist hier nämlich wesentlich
flacher und lässt auch ein
natürlicheres Schwingen der
Saite zu.
Rein optisch entspricht der
GS Mini-e Bass exakt den
sechssaitigen Brüdern und
Schwestern, so dass sogar die
Gigbags passen. Der Korpus
besteht aus laminiertem Sapeli,
wobei der Boden in eine ge-
wölbte Form gepresst ist. Das
macht ihn sehr stabil, so dass
keine Querleisten nötig sind.
Die Decke besteht aus massiver
Sitka-Fichte und ist mit einem
herkömmlichen X-Bracing
versehen, das gegenüber dem
Standard-Bracing nur gering-

fügig modifiziert werden muss-
te, wie Powers erklärt. Die
Decke ist mit einer Randeinlage
verziert, ein Binding ist aller-
dings nicht vorzufinden. Das
ganze Instrument ist mit einem
dünn aufgetragenen, offen-
porigen und matten Lack
überzogen.
Der Hals besteht wie auch
der Korpus aus Sapeli und ist
mit diesem verschraubt. Er
folgt dabei der Konstruktion
der größeren Modelle, was
bedeutet, dass der Halswinkel
mit den entsprechenden Unter-
lagen eingestellt werden kann.
Das Griffbrett und auch der
Steg bestehen wie bei allen
Taylor-Gitarren aus Ebenholz,
welches aus dem hauseigenen
Sägewerk in Kamerun stammt.
Allerdings ist nicht alles
Ebenholz, was schwarz ist: Die
Kopfplattenauflage besteht aus
Kunststoff, der ziemlich scharf-
kantig ausgefallen ist. Hier
hilft zur Not ein wenig 320er
Schleifpapier. Die Stimmung
der speziellen Spezialsaiten
übernehmen vier Mechaniken,
die zwar mit dicken Wickelach-
sen, jedoch mit normalen Grif-
fen ausgestattet sind. Alles
andere hätte nicht nur albern
ausgesehen, sondern vor allem
für Kopflastigkeit gesorgt.
novum bei der
elektronik
Vernünftigerweise hat Taylor
ein Tonabnehmersystem ein-
gesetzt. Es handelt sich um den
Pickup des Expression System
2, bestehend aus drei Piezo-
Modell Taylor GS Mini-e Bass
Herkunft Mexiko
Boden/Zargen Sapeli, gesperrt
decke Sitka-Fichte, massiv
Hals Sapeli, eingeschraubt
Halsprofil D-Profil
griffBrett Ebenholz
steg Ebenholz
sattelBreite 42,8 mm
Bünde 20 Medium
Mensur 59,7 cm
pickupsYsteM Taylor ES-B
HardWare Taylor-Mechaniken, geschlossen
geWicHt 1,7 kg
linksHänder ja
internet www.taylorguitars.com
eMpf. Vk-preis 951,- g inklusive Gigbag
Elementen, die hinter (nicht
unter) der Stegeinlage platziert
sind und mit einer kleinen
Schraube im Pegel justiert
werden können. Sie sind mit
einer neuen Elektronik, der
ES-B, kombiniert. Zwar steht
hier neben einem Volume-
Regler lediglich eine Tone-
Blende zur Verfügung, dafür ist
sie mit einem Stimmgerät aus-
gestattet – Taylor-Novum.
Die GS-Mini-Instrumente
sind schon für Gitarristen au-
ßerordentlich handlich; umso
mehr ist es der GS Mini-e Bass
für einen Bassisten, der noch
wesentlich größere Instrumente
gewohnt ist (der Verfasser
dieses Textes ist gelernter Kon-
trabassist ...). Fast wirkt er wie
ein Spielzeug, liegt aber trotz-
dem gut und sicher in der
Hand, denn zumindest Hals-
bass
abmessungen und Saitenstärke
fühlen sich vertraut an. Tat-
sächlich klingt der Winzling
wie ein echter Bass, wobei man
keine Wunder in Sachen Laut-
stärke oder Tiefenprojektion
erwarten darf. Der akustische
Sound ähnelt sogar eher dem
eines E-Basses als dem eines
Akustikbass, der häufig mit
übermäßiger Brillanz zu glän-
zen versucht.
für gitarristen
gemacht
Die speziellen Saiten spielen
sich sehr gut, wenngleich sie
den meisten hauptamtlichen
Bassisten zu weich sein dürf-
ten. Dickere Saiten wären ein
Wunsch für die Zukunft, der
aber natürlich nicht an Taylor,
sondern an D’Addario (oder
den Saitenwickler eures Ver-
trauens) geht. Solche Saiten
werden vermutlich noch ein
wenig druckvoller und weicher
klingen und vor allem eine
größere Dynamik ermöglichen.
Hier muss man hingegen
aufpassen, dass man nicht zu
kräftig anschlägt, sonst handelt
man sich unerwünschte Neben-
geräusche ein. Allerdings hat
Powers auch zugegeben, dass
er diesen Bass ursprünglich für
Gitarristen entwickelt hat, und
in dieser Hinsicht dürfte er in
der vorliegenden Abstimmung
ideal sein.
Für die schnelle Session
oder die Fingerübungen auf
dem Sofa ist das kleine Teil
test &technik
& technik
ideal, aber es kann noch mehr
– wozu ist der Bass schließlich
mit einem Tonabnehmer aus-
gerüstet worden? Hiermit kann
er über jeden Verstärker ge-
spielt werden, wobei ein
Bassamp sicherlich die erste
Wahl darstellt.
Der GS Mini-e Bass liefert
ein druckvolles, recht tiefmittig
abgestimmtes Signal. Es lohnt
sich, am Verstärker die typische
Slapper-Badewanne einzustel-
len, also die Mitten abzusen-
ken. Damit erreichen wir einen
erwachsenen Ton, der auch in
lauteren Bands ein gutes
Durchsetzungspotential besitzt.
Ob das kleine Instrument dabei
optisch passt, müsst ihr schon
selbst entscheiden.
das bleibt hängen
Das ist er also, der erste Tay-
lor-Bass seit vielleicht fünf-
zehn Jahren*. Und schon die
ersten Töne zeigen: Er ist zwar
mini, aber klein ist er nicht.
Hat Taylor es geschafft, mit
dem GS Mini-e Bass die Physik
zu überlisten? Nein, natürlich
nicht, denn fette, laute Bässe
gibt es hier keine, es sei denn,
man jagt ihn durch einen
Verstärker. Aber es hat selten
so viel Spaß gemacht, es
trotzdem und immer wieder
zu versuchen. ●
Jürgen richter
* Der erste Taylor-Bass AB 1
wurde im Jahr 2000 von
Steve Klein konstruiert.
101
 test & technik ukulele
● laniKai FB-Cett & Zr-Cet
J
Jetzt wird’s
exotisch!
die ukulele bleibt eines der gefragtesten instrumente
bei denjenigen, die eine neue klangfarbe suchen.
lanikai spendiert dem spieler außerdem mit der
Holzvariante Bocote einen spannenden look.
d
laniKai ie kleine Gitarre
Zr-Zet
sieht echt cool aus!“
ist ein Satz, den sich
Ukulelespieler
h äufig anhören dürfen. Kein
häufig
Wunder, schließlich hat der
Ukulele-Boom verschiedenste
Größen des Instruments ins
Rampenlicht befördert. Die
ursprünglich geläufigste Form,
die Sopran-Ukulele, ist für
viele das Eintauchen in neue
Klangwelten. Versierte Ukulele-
spieler und Gitarristen greifen
hingegen gern zu größeren
Ukulelen, die meist eine tiefere
klangliche Fülle aufweisen. Die
Lanikai ZR-CET und die FB-
CETT dürften perfekt in deren
Beuteschema passen.
Insbesondere die Form der
FB-CETT erinnert an eine kleine
Stage-Gitarre: Der flache Kor-
pus mit gewölbtem Boden und
der sanfte Cutaway verschaffen
ihr einen coolen Look. Die we-
sentlich dickere ZR-CET sieht
hingegen wie eine Konzertgitar-
re im Miniformat aus. Beide
einen die exotischen Hölzer, die
für den Korpus verwendet wur-
den. Hierzu unternehmen wir
einen kleinen Ausflug Richtung
Mittel- und Südamerika.
Der Korpus der FB-CETT ist
aus gesperrtem Figured-
Bocote-Holz gefertigt, wie
es der Hersteller auf seiner
Homepage angibt. Dahinter
verbirgt sich eine Holzart,
die in Brasilien und Argen-
tinien sowie der Karibik
beheimatet ist.
Bocote wird auch unter
dem Namen Mexico- oder
Rio-Grande-Palisander gehan-
delt, hat mit dem dunklen Holz
aber lediglich die Farbe und
Marmorierung gemein.
102
Boden, Zargen und Decke der
ZR-CET wiederum sind aus
gesperrtem Ziricote gefertigt.
Dieses kann aus Mexiko, Belize
Guatemala oder Südamerika
stammen und sticht durch
seine ungewöhnlich abgesetz-
ten Farbzonen heraus.
Bei beiden Ukulelen sind
Boden, Zargen und Decke
durch ein Ahorn-Binding ver-
bunden, wodurch die dunklen
Hölzer noch besser zur Geltung
kommen. An den Korpus
schließt ein Hals aus Mahagoni
an, der ein Griffbrett aus Pali-
sander trägt. Das Ende des
Griffbretts läuft in einer
sanften Spitze aus. Die Nylon-
saiten laufen vom Palisander-
Steg über einen synthetischen
Nu-Bone-Sattel in Mechaniken
von Grover.
seidenmatt & griffig
Ein wesentlicher Unterschied
zwischen beiden Modellen ist
die angesprochene Form: Zwar
handelt es sich bei beiden um
Tenor-Ukulelen, die FB-CETT
ist aber wesentlich schmaler.
Gut in der Hand liegen beide,
denn die seidenmatte Lackie-
rung macht sie besonders grif-
fig. Der gewölbte Boden der
FB-CETT schmiegt sich gut an
den Körper an. Die Grover-
Mechaniken funktionieren
zuverlässig und stimmstabil.
Die ZR-CET verfügt über
einen Tuner. Zwar handelt es
sich bei diesem um die einfache
Ausführung von Fishman, die
an dieser Stelle aber ihren Job
hervorragend verrichtet. Über
17 Bünde bietet sich ein großer
Spielraum. Beide Instrumente
sind nicht nur für die Akkord-
arbeit gemacht.
 ukulele test &technik

knackig & voll ein Ausflug in die hohen Lagen

Akkorde sind bei einer Ukulele
ein guter Gradmesser für den
Sound. Knackig sollten sie
sein, aber dennoch Fülle besit-
zen, und genau das ist bei
beiden Modellen der Fall.
Erwartungsgemäß klingt die
„dicke“ ZR-CET runder, wärmer
und nicht ganz so knackig wie
die FB-CETT. Das größere Volu-
men des Korpus bringt jedoch
eine höhere Lautstärke mit sich.
Dadurch ergeben sich un-
plugged verschiedene Einsatz-
gebiete: Die schlanke FB-CETT
bringt Akkorde zackig rüber,
während die ZR-CET bereits
unverstärkt als Melodieinstru-
ment überzeugt.
Am Verstärker ist dies nicht
umgekehrt. Die FB-CETT bleibt
der Akkordarbeiter, der den
Rhythmus angibt. Die Möglich-
keiten des Preamps, der sich an
Bord befindet, lassen nicht
allzu viele verschiedene
Sounds zu. Werden die Höhen
ein wenig gedämpft, ist aber
möglich, ohne dass es in den
Ohren klirrt.
Die ZR-CET bleibt am Ver-
stärker ein klassisches Zupf-
instrument. Der Preamp fällt
mit einem Dreiband-Equalizer
etwas größer aus, wodurch
variable Sounds möglich sind.
Wer sich dem Fingerstyle wid-
met oder seine Songs auf der
Ukulele arrangiert, wird mit
dem vollen, warmen Sound
am Amp sehr zufrieden sein.
das bleibt hängen laniKai
Zwei schöne Instrumente, die FB-Cett
Lanikai versierten Spielern ans
Herz legt. Die FB-CETT liefert
einen knackigen Sound, die
kräftigere ZR-CET klingt wei-
cher. Beide sind top verarbeitet.
Die Hölzer tun ihr Übriges: Hier
dürften Augen und Ohren
überzeugt werden. Übrigens: Es
gibt weitere neue Modelle aus
der Kohala-, Spruce-Top-, oder
Mahagoni-Serie. ●
Jens prüwer

Modell Lanikai FB-CETT

Herkunft China
Boden/Zargen Bocote, gesperrrt
decke Bocote, gesperrrt
Hals Mahagoni
griffBrett Palisander
steg Palisander
sattelBreite 37 mm
Bünde 17
Mensur 43 cm
pickups B-Band U1.2
regler Tone, Volume
HardWare Graphtech Nu-Bone-Sattel, offene Grover-Mechaniken
linksHänder nein
preis 419,- g

Modell Lanikai ZR-CET

Herkunft China
Boden/Zargen Ziricote, gesperrrt
decke Ziricote, gesperrrt
Hals Mahagoni
griffBrett Palisander
steg Palisander
sattelBreite 37 mm
Bünde 17
Mensur 43 cm
pickups Fishman Kula
regler Dreiband-EQ, Volume, Tuner
HardWare Graphtech Nu-Bone-Sattel, offene Grover-Mechaniken
linksHänder nein
internet www.lanikai-ukulelen.de
eMpf. Vk-preis 359,- g

103
 test & technik verstärker

● FenDer aCOuStiC 100

nachwuchs für die Profis

Profis
Von einer großen akustikoffensive zu sprechen, ist möglicherweise übertrieben, aber auffallend ist es
schon, dass fender, bekannt als garant perliger surf- und crunchiger Blues-sounds, schon wieder ein paar
akustikamps auf den Markt bringt. aber wenn man sich schon mal so ein schickes design hat einfallen lassen,
sollte man es auch unter die leute bringen.

d
as Innenleben des
Fender Acoustic 100
ist in ein hellbraunes
Multiplexgehäuse
verpackt, wie man es so ähn-
lich schon von den älteren und
stärkeren Brüdern SFX und Pro
kennt. Auch die braune Stoff-
bespannung vor dem Lautspre-
cher haben wir dort bereits
gesehen, ebenso wie auch das
Design des Tragegriffs – bei
welchem anderen Amp kann
man schon Picks, Schlüssel,
Handy, Kondome und Slides
verliersicher unterbringen?
Allerdings ist der Acoustic
100 viel kleiner, leichter und
nicht mal halb so teuer wie
diese beiden. Er bietet auch nur
eine Leistung von 100 Watt, die
er über einen einzelnen, acht
Zoll durchmessenden Breit-
bandlautsprecher mit Hochton-
kalotte abgibt – was aber auf
der anderen Seite in vielen
Fällen völlig ausreichend ist.
Und wenn nicht: Es gibt den buchse, die auch eine Phan- abteilung an, die mit Delay,
Amp auch in einer Version mit tomspeisung für eventuell Hall und Chorus für Räumlich-
der doppelten Leistung und angeschlossene Kondensator- keit im Sound sorgt. Praktisch:
zwei Speakern. mikros abgibt. Es folgen ein Der Effekt kann pro Kanal
Volume-Regler sowie die separat eingestellt werden.
identische kanäle dreibandige Klangregelung. Der Unpraktisch: Die LEDs, die den
Wie die übrigen Mitglieder der „Phase“-Schalter dreht die Pha- gewählten Effekt anzeigen,
„Fender Acoustic“-Serie bietet se des Signals, was in der einen leuchten so hell, dass man im
auch der Acoustic 100 zwei oder anderen Situation für schummrigen Bühnen- oder
völlig identisch aufgebaute weniger Feedback sorgen kann. Kneipenlicht die Beschriftung
Kanäle, jedoch keine Master- Daran schließt sich die Effekt- nicht mehr erkennen kann.
sektion.
Die Potis der Kanäle sind
weitgehend spiegelsymmetrisch
platziert, was ein tolles Design-
element darstellt, aber in der
Praxis etwas unpraktisch er-
scheint: Ganz links, wo im
Kanal 1 der Volume-Regler zu
finden ist, greift man im Kanal
2 in den FX Select. Glück-
licherweise sind zumindest die
drei Potis der Klangregelung
bei beiden Kanälen in dersel-
ben Reihenfolge angeordnet.
Hinein geht es über eine
Klinke-XLR-Kombinations-

104

Zwei Features lassen auf ein
gänzlich digitales Innenleben
des Amps schließen: Zum ei-
nen kann man einen Zuspieler,
beispielsweise ein Smartphone,
nicht nur per Miniklinke, son-
dern auch per Bluetooth an
den Amp koppeln, zum ande-
ren lässt sich der Acoustic 100
über die USB-Buchse an einen
Rechner anschließen, wo er als
Audio-Interface erkannt wird
– allerdings nur als „Input
Device“. Nach einem Blick ins
Innenleben liegt daher auch die
Vermutung nahe, dass unter
der wohlgerundeten Haube ein
digitales Herz schlägt.
Ein Blick auf die Rückseite
zeigt neben dem USB-An-
schluss zwei XLR-Buchsen, die
das Signal an eine PA weiter-
leiten können. Es handelt sich
dabei um das Summensignal
inklusive Stereoeffekte; die
beiden Kanäle lassen sich (lei-
der) nicht einzeln übertragen.
Ebenfalls hier untergebracht ist
Modell Fender Acoustic 100
Herkunft China
leistung 100 Watt
speaker 8“-Breitband
kanäle 2
regler Channel 1: Volume, Low, Mid, High, FX Level,
FX Select; Channel 2: Volume, Low, Mid, High,
FX Level, FX Select
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anscHlüsse Channel 1, Channel 2, Aux In, Phones, Footswitch,
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ein Fußschalteranschluss, der
allerdings nach einem der Fen-
der-eigenen Schalter MS4 oder
MGT-4 verlangt. Damit kann
man die Effekte pro Kanal akti-
vieren und sogar unterschied-
liche Delay- oder Chorus-
Zeiten programmieren. Außer-
dem steht zusätzlich ein
Stimmgerät zur Verfügung.
abgesenkte mitten
Der Grundsound des Amps
erscheint ohne Eingreifen der
Klangregelung etwas auf der
Hi-Fi-Seite mit leicht abge-
senkten Mitten zu sein. Speziell
die Höhen sind überraschend
stark im Klangbild vertreten –
immerhin haben wir es nur mit
einem Breitbandlautsprecher
ohne zusätzlichen Tweeter zu
tun. Auch die Bässe sind gut
vertreten, was aber nicht be-
deutet, dass man dem Gerät
einen Bass zumuten sollte.
Dafür ist der Achtzöller dann
doch nicht geeignet. Auch
TM
6
Strings Made in Germany
No.
C L A S S I C A L G U I TA R
S T R I N G S
sollte man es mit dem Zu-
mischen der Effekte nicht über-
treiben; hier liegen die emp-
fohlenen Einstellungen des
FX-Level-Reglers deutlich links
der Mittelstellung.
In der Praxis empfiehlt sich
der Fender als Mini-PA für alle
Gelegenheiten. Gitarre in den
einen Kanal, Mikro in den
anderen, einen mp3-Player als You deserve
Zuspieler fürs Playback, und
der Kneipen- oder Partygig the optimum
kann laufen.
Was dabei sehr gut und auf
Anhieb funktioniert hat, ist die
Koppelung über Bluetooth.
Hier gilt die Besonderheit, dass
man den Pegel am Zuspieler
selbst einstellen muss, denn der
Amp stellt dafür kein Volume-
Poti zur Verfügung. Das gilt
übrigens auch dann, wenn man
den Miniklinkenanschluss
verwendet.
das bleibt hängen
Der Fender Acoustic 100 ist ein 100 % handmade
gelungener Abkömmling des in Germany
SFX und speziell des Pro. Er
bietet einen guten Sound, pas-
sende Effekte, und vor allem ist
er sowohl in Sachen Transport
als auch Bedienung leicht zu
handhaben. Ein Schrägsteller
oder eine Hochständerbuchse
TM
wären natürlich fein gewesen,
aber andererseits kann man ihn
ohne Aufwand auch einfach
aufs Kneipeneckregal stellen
– dort, wo sonst die Pokale
oder die geschmackvollen Va- OPTIMA Musiksaiten GmbH
sen verstauben. ● 82538 Geretsried
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● Dean MarKleY BlaCKHawKS aCOuStiC StrinGS Pure BrOnZe & 80/20 BrOnZe

nackt im Wald
der us-amerikanische traditionshersteller dean Markley hat mit den Blackhawk strings still und heimlich
eine neue beschichtete saitenlinie auf den Markt gebracht, sowohl für die akustische fraktion als auch für die
kollegen aus der elektrikabteilung. als ob saiten für die stromlosen nicht wesentlich wichtiger wären ...

W
elche Aufregung herrschte
auf der NAMM 2017, als so-
wohl Ernie Ball als auch Elixir
ihre neuen Saiten präsen-
tierten, die einen quasi unkaputtbar, die
anderen gefühlsmäßig nicht von einer
unbeschichteten Saite zu unterscheiden.
Der Stahlsaitenakustiker schaut dem regen
Treiben der elektrischen Kollegen ent-
spannt zu und wundert sich, warum die so
viel Bohei um ihre Saiten machen. Klar,
auch die Kollegen mit den dicken Verstär-
kern müssen zuerst mal haptisch mit der
Saite klarkommen, aber dann stehen ihnen
doch bei Bedarf unzählige Effekte, EQs und
weiß der Teufel was alles zur Verfügung.
Warum reden die Kollegen denn dann auf
einmal ständig vom Sound einer Saite?
Zugegeben, es ist auch bei der elek-
trischen Gitarre ein Unterschied zwischen
Pure Nickel und Stainless Steel, aber die
Auswirkungen sind auf einer Akustischen,
die im Vergleich ja nackt im Wald steht, un-
gleich schwerwiegender. Daher erfreut uns
bei den Blackhawks, dass sie in den gän-
gigen Materialkombinationen erhältlich
sind: Pure Bronze (auch Phosphor Bronze
genannt) und 80/20 Bronze (80 Prozent
Kupfer/20 Prozent Zink).
Kleiner Ausflug am Rande: Wenn der
Kupferanteil 60 Prozent und mehr beträgt,
dann wird die Legierung den Bronzen zuge-
rechnet, überwiegt der Zinkanteil, dann re-
den wir von Messing.
Weg vom schmelzofen
Verlassen wir die Vorlesung „Metallurgie
für Anfänger“, lassen unsere Schmelzöfen
auskühlen, holen stattdessen ein kühles Ge-
tränk (wahlweise gerne ein Gehopftes oder
einen Eiskaffee) und widmen uns den
Blackhawks. Beide Varianten setzen bei ih-
ren Grundlagen auf dasselbe Pferd: Ein
hochlegierter Kohlenstoffstahl trägt die
Wicklungen der Saite, eben je nach Varian-
te. Da es sich bei beiden Varianten um be-
schichtete Saiten handelt, erfreuen sie sich
langer klanglicher Haltbarkeit und einer ge-
wissen Beständigkeit gegen Handschweiß,
Staub, Schmutz und die ungewaschenen
Pratzen des Schlagzeugers, der „coolerwei-
se“ eine „echt geile Nummer“ geschrieben
hat. Bitteschön, aber nicht auf meiner
Gitarre. Doch ich schweife ab …
Die Blackhawks sind in Windeseile aufge-
zogen. Startsatz ist das Pure-Bronze-Set,
die Stärke mit .012-.054 eine gängige. Da
verkraftet die kleine Palisander-Fichten-
Parlor auch ein Standard-Tuning, ohne dass
die Decke gen Himmel abzuheben versucht.
Saiten drauf, die Wicklungen festgezo-
gen, die Pins sicherheitshalber noch mal
reingedrückt und einen satten E-Dur-Ak-
kord angeschlagen – und da geht die Sonne
auf! Warm und dennoch brillant, mit kna-
ckigen Höhen und ebensolchen Bässen,
letztere dabei keinesfalls blutleer, sondern
präzise artikuliert.
Und trotzdem wird das Gehörte stets be-
gleitet von einer – ich entschuldige mich
jetzt schon für die Wortwahl – samtigen
Modell Dean Markley
Blackhawk Acoustic
Varianten Pure Bronze, 80/20 Bronze
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106
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ihre Stärken. Eine wummernde, frequenz-

mäßig breit und eher zu warm veranlagte
Dreadnought, die zwar Durchschlagskraft
besitzt, vielleicht aber keine 1A-Register-
trennung, profitiert vom bissig-brillanten
Klangbild der 80/20- Legierung.
Es bleibt anzufügen, dass wir hier nicht
um Unterschiede wie Tag und Nacht reden.
Es handelt sich um Nuancen – aber eben
um wahrnehmbare. Ein Wechsel der Legie-
rung und Experimente mit verschiedenen
Saitenstärken führen an der Akustischen
oftmals zu interessanten Ergebnissen.
Pedale ham wir ja keine …

das bleibt hängen

Zwei feine Sechserpacks der anderen Art
Wärme. Wohl findet sich eine spitze Höhe,
die muss aber auf Teufel komm’ raus ge-
sucht werden. Das Klangbild im Gesamten
ist eher warm und gutmütig. Kaum eine
Frequenz des Instruments wird in überzo-
gener Manier nach vorne gedrückt.
Ein wenig anders verhält sich unsere
Parlor mit den 80/20-Saiten. Hier sind
deutlich knackigere und höhenlastigere
Klänge zu vernehmen, die unserer Palisan-
der-Fichten-Parlor eine Portion mehr Biss
und Angriffslust bescheren.
Mir persönlich sind die Bässe zu bissig,
die Mitten ein wenig zu kühl, aber ein
Wechsel zur Dreadnought verwandelt die
vermeintlichen Schwächen der 80/20er in
Heimlich, still und leise hauen Dean Mark-
ley mit den Blackhawks ein erstklassiges
Produkt auf die Bühne. Haptik und Klang
sind top, um die Haltbarkeit machen wir
uns angesichts der bisherigen Dean-Mark-
ley-Saiten erst mal keine Sorgen. Der Preis
ist obendrein heiß, und wer seine Gitarre in
die eine oder andere klangliche Ausrich-
tung verschieben will – hier ist eine bezahl-
bare Möglichkeit. Dank der Beschichtung
kann dann auch der Drummer seinen Song
vorspielen. Geht ja nix durch ... ●
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● D’aDDario aCOuStiC CinCHFit
da hält die buchse
kleine Helfer teilen alle dasselbe los: sie funktionieren, aber lob und
anerkennung bekommen andere. anders soll das zur abwechslung bei
d’addarios cinchfit sein.
u
nscheinbar ist der Cinchfit, und
auch ziemlich klein. Der erste
Blick des Testers war demzufolge
eher fragend nach dem Motto:
„Und was soll man da jetzt schreiben?“ Oft
ist der zweite Blick interessanter und vor
allen Dingen aufschlussreicher als der erste,
der meist flüchtig ist.
D’Addarios Cinchfit bietet eine komfor-
table Lösung für ein Problem an, das man
bisher schlicht hingenommen hat. Der Ver-
such, einen Standardgitarrengurt über eine
Endpin-Buchse zu stülpen, ist kein Spaß,
denn meist ist die Buchse zu groß für den
Einschnitt im Lederende eines Gurtes. Hat
man den dann doch drübergezwängt, dann
hält der Gurt an keinem normalen Gurtpin
mehr …
Was also tun?
Die Lösung ist recht einfach, zumindest für
D’Addario, denn der Cinchfit ist ein Halter,
der einfach mittels Ankerstichs (fragt ein-
fach den Bergführer eures Vertrauens)
durch den Gurtschlitz gefädelt wird und
dann mittels eines zu öffnenden Halters an
der Endpinbuchse angebracht wird. Dies
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genau schließt. Unter Belastung, also wenn Besuchen Sie unseren Shop
die Gitarre am Gurt hängt, kann er sich un- www.gitarren-atelier.com
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für sorgt das Gewicht der Gitarre. Eine zu-
sätzliche Schiebesicherung aus Gummi auf
dem Kunststoffseil sorgt für das letzte
Quäntchen Sicherheit.
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D’Addarios Cinchfit ist in der Tat ein toller
kleiner Helfer, der den Lieblingsgurt in
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Thorsten Sven Lietz ………………………………… 109
06.10.2017
111
 noten
Sonderzeichentabelle für Gitarre
Damit ihr euch nicht tausend
unterschiedliche Zeichen und Schreibweisen
reinziehen müsst, halten wir bei den
Transkriptionen einen internationalen
Standard ein. Also, bevor ihr euch gleich
vor lauter Übermut auf die Noten stürzt,
lest euch erst einmal in Ruhe die folgenden
Erklärungen durch. Keine Panik – das sieht
schlimmer aus, als es ist, und hilft euch, die
Flinte (Gitarre) nicht gleich ins Korn (den
Gitarrenkoffer) zu werfen. Viel Spaß!

1. Bend (Ziehen) 2. Bend and Release 3. Pre-Bend/Gracenote-Bend 4. Pre-Bend and Release 5. Unison-Bend

bzw.

8. Legato-Slide/Shift-Slide
6. Vibrato 7. Wide Vibrato 9. Hammer-on 10. Pull-off

bzw.

11. Trill (Triller) 12. Tapping 13. Natural-/Pinch-Harmonic 14. Palm-Mute (Abdämpfen) 15. Muffled-Strings

bzw.

16. Tremolo-Picking 17. Pick-Scrape 18. Rhythm 19. Arpeggio 20. Rake

21. Vibrato-Hebel

112
 teach your children crosby, stills & nash song

track 1

crosby, stills & nash

− Teach Your Children −
d
ie US-amerikanisch-britische Folk-
Rock-Band Crosby, Stills & Nash
mit den Mitgliedern David Crosby,
Stephen Stills und Graham Nash hatte in
den ’70er Jahren einen enormen Einfluss
sowohl auf die amerikanische Musik als
auch auf die Kultur: auf die Musik wegen
ihrer fantastischen Gesangsharmonien und
kulturell wegen ihrer politischen Aktivi-
täten und Statements, die den Geist der
„Gegenkultur“ Ende der ’60er/Anfang der
’70er perfekt widerspiegelten.
Das zeigt sich an Songtexten wie Gra-
ham Nashs „Chicago“ oder Stephen Stills’
„Find the Cost of Freedom“. Das Trio veröf-
fentlichte insgesamt acht Studioalben. Der
kanadische Singer-Songwriter Neil Young
erweiterte phasenweise die Formation zur
„Supergroup“ Crosby, Stills, Nash & Young
und beteiligte sich mit Songs wie „Southern
Man“ und „Ohio“ an drei Studioalben der
Band. Die Beziehungen der vier Individua-
listen untereinander waren aber alles ande-
re als problemlos. Anfang 2016 verkündete
Graham Nash das Ende der Woodstock-
Legenden. Heute stellen wir euch Graham
Nashs Song „Teach Your Children“ vom
Kultalbum Déjà Vu von 1970 vor.
„Teach Your Children“ ist ein Folk-Song
mit schwungvoller Strumming-Begleitung.
Wir haben euch eine kompakte Version mit
Drop-D-Tuning arrangiert. Intro, Strophe
und Refrain werden von einer achttaktigen
Rhythmusfigur mit den Akkorden D, G und
A getragen. Die nach D gestimmte E-Saite
verleiht dem D-Dur-Akkord Kraft und Tiefe.
Der Grundton des G-Dur-Akkords ver-
schiebt sich allerdings dadurch auf den
fünften Bund. Das folkige Anschlag-Pattern
haben wir euch in Beispiel 1 verdeutlicht: In
Takt 1 schlagt ihr zunächst den Akkord-
grundton D einzeln an, anschließend den
vollen Akkord, danach die Quinte A einzeln
und schließlich wieder den ganzen Akkord.
Den zweiten Takt füllen überwiegend
Achtelanschläge des vollen Akkords. Das
Pattern setzt sich durch den ganzen Song
fort und treibt die Nummer mit zwei ele-
mentaren Details an: Bei dem Pattern be-
tont ihr die Backbeat-Schläge auf den Zähl-
zeiten 2 und 4. Die Achtelschläge führt ihr
mit leichtem Shuffle-Feel aus.
„Teach Your Children“ ist schnell einstu-
diert und profitiert vom mehrstimmigen
Gesang. Folk-Anhänger sind mit diesem
Klassiker bestens bedient. ●
teach Your children
ist auf dem album:
Déjà Vu
1970

Bsp. 1

# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
& #C œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
œ œ œ
≥ ≥2 ≥ ≥2 ≥ ≥ ≤ ≤ ≥2 ≤
E 2 2 2 2
B 3 3 3 3 3 3 3
G 2 2 2 2 2 2 2
D 0 0 0 0 0 0 0
A 0
D 0 0

# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
&# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
Foto: chris Walter/Wireimage

œ œ œ
≥ ≥ ≥ ≥ ≥ ≥3 ≤ ≤ ≥3 ≤
3 3 3 3 3
3 3 3 3 3 3 3
0 0 0 0 0 0 0
0 0 0 0 0 0 0
5 5 5

113
 song crosby, stills & nash teach your children

teach Your children

Leadsheet

Intro
fi
#
& #C

#
&#

Verse
#
&#

##
&

Chorus
#
&#

#
&#

#
&#

#
&#
D.C.
D.C. al Coda
Outro fi
#
&#

114
 teach your children crosby, stills & nash song

teach Your children

rhythm-Guitar
Musik: Graham
Musik: GrahamNash
Nash

= 78
Intro
fi
# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
& #C œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
œ œ œ œ
œ œ
E 2 2 2 2 2 2 2 3 3 3 3 3 3 3
B 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3
G 2 2 2 2 2 2 2 0 0 0 0 0 0 0
D 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0
A 0
D 0 0 5 5 5

# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœœ œœœ œœœ œœœ œœœ œœœ œœœ œœœ

&# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
œ œ œ
œ œ œ œ œ œ œ
œ œ œ œ
2 2 2 2 2 2 2 0 0 0 0 0 0 0
3 3 3 3 3 3 3 2 2 2 2 2 2 2
2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2
0 0 0 0 0 0 0 2 2 2 2 2 2 2
0 0 0 0
0 0

Verse

# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
&# œ
œ œ
œ
œ
œ
œ
œ
œ
œ
œ
œ
œ
œ
œ
œ
œ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
œ œ œ œ œ
2 2 2 2 2 2 2 3 3 3 3 3 3 3
3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3
2 2 2 2 2 2 2 0 0 0 0 0 0 0
0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0
0
0 0 5 5 5

# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
&# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
œ œ œ œ œ
œ œ
2 2 2 2 2 2 2 0 0 0 0 0 0 0
3 3 3 3 3 3 3 2 2 2 2 2 2 2
2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2
0 0 0 0 0 0 0 2 2 2 2 2 2 2
0 0 0 0
0 0

115
 song crosby, stills & nash teach your children
Chorus

# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
&# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
œ œ œ œ œ œ
2 2 2 2 2 2 2 3 3 3 3 3 3 3
3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3
2 2 2 2 2 2 2 0 0 0 0 0 0 0
0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0
0
0 0 5 5 5

# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
&# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
œ œ œ œ œ œ
2 2 2 2 2 2 2 0 0 0 0 0 0 0
3 3 3 3 3 3 3 2 2 2 2 2 2 2
2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2
0 0 0 0 0 0 0 2 2 2 2 2 2 2
0 0 0 0
0 0

# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
&# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
œ œ œ œ œ œ œ œ
2 2 2 2 2 2 2 3 3 3 3 3 3 3 2 2
3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3
2 2 2 2 2 2 2 0 0 0 0 0 0 0 2 2
0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0
0 0
0 0 5 5 5 0

# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœœ œœœ œœœ œœœ œœœ œœœ œœœ œœœ œœœ œ œœ œœ œœ œœ w

&# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œœ œœ œœ œœ œœ œœ w
w
w
œ œ œ w
œ
2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 3 3 3 0
3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 3 0 3 3 3 2
2 2 2 2 2 4 4 4 4 4 4 4 0 0 0 0 0 2
0 0 0 0 0 4 4 4 4 4 4 4 0 0 0 0 0 2
2 2 0
0 5
D.C.
D.C. al Coda
Outro fi
U
# œœ œœ œœ œœ œœœ œœœ œœœ œœœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ. œœœ ˙˙
&# œœ œœ œœ œœ œ œ œ œ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œ ˙˙
œ œ œ œ. ˙
˙
2 2 2 0 0 0 2 2 2 2 2 0 2
3 3 3 2 2 2 3 3 3 3 3 2 3
2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2
0 0 0 2 2 2 0 0 0 0 0 2 0
0 0 0
0 0 0

116
 howling at the moon milow song

milow
− howling at the moon − track 2

d
er belgische Singer-Songwriter
Milow ist ein echter Do-it-yourself-
Künstler mit internationalen Chart-
erfolgen, mehrfachen Auszeichnungen und
ausverkauften Konzerten. Über eine Million
verkaufte Alben, mehr als 1,5 Millionen
verkaufte Singles. Über 60 Millionen Auf-
rufe seines Videos zum Durchbruch-Song
„Ayo Technology“ auf Youtube. Über 340
Wochen Chart-Notierungen in 14 verschie-
denen Ländern für ebendiesen Song. All das
sind Zahlen, die man für gewöhnlich nur
von Künstlern kennt, die schon seit Äonen
die Popmusik beherrschen.
Seine sechs Studioalben produzierte
Milow zwischen 2006 und 2016 überwie-
gend in Eigenregie mit eigenem Label und
Musikverlag. „Kein Label wollte mich. Jetzt
bin ich froh um diese Freiheit und hundert-
prozentige Kontrolle“, bekräftigte Milow
einst im Interview. Ein weiteres Erfolgs-
rezept: Alle Songs entstehen zuerst auf der
akustischen Gitarre. Erst wenn sie auf der
Gitarre funktionieren, landen sie auf einem
Album. „Howling at the Moon“ stammt
vom aktuellen Album Modern Heart und
schaffte es bereits in die europäischen Top
20-Charts.
„Howling at the Moon“ ist ein flotter
Pop-Song mit leichter Strumming- und Pi-
cking-Begleitung. Wir haben euch ein Ar-
rangement mit Gitarre 1 als Hauptrhyth-
musgitarre und Gitarre 2 für die zweistim-
migen Sololinien erstellt. Der Song kommt
mit nur vier Akkorden aus: Fmaj7/C, Am, C
und G. Um das Stück dynamischer zu ge-
stalten, werden diese Akkorde aber mit un-
terschiedlichen Anschlag-Patterns gespielt.
Bereits im viertaktigen Intro machen die
perkussiven Schläge auf den Zählzeiten 2
und 4 den Backbeat-Groove klar. Darüber
legt sich eine melodische Sololinie von Gi-
tarre 2, die direkt ins Ohr geht. Diese haben
wir als Rhythmusfigur 1a und 1b auch im
Zwischenspiel und im Refrain als Unter-
stützung platziert. Im Pre-Chorus zerlegt
ihr die Akkorde Fmaj7, Am, C und G mit
einem flüssigen Achtel-Picking.
Im Chorus kommt die Rhythmusgitarre 1
richtig in Schwung und füllt die Achtel-
Strumming-Begleitung mit flotten 16tel-
Einwürfen. In Beispiel 1 haben wir euch
das passende Anschlagschema veranschau-
licht. Anhand der Auf- und Abschlagsym-
bole oberhalb der Tabulatur habt ihr den
optimalen Plektrumschlag schnell raus.
Wichtig sind die akzentuierten Perkussiv-
schläge auf den Zählzeiten 2 und 4. Damit
ihr nicht aus dem Spielfluss kommt, sollte
eure Anschlaghand eine konstante 16tel-
Rhythmusbewegung einhalten. Viel Spaß
mit dem Milow-Hit! ●
howling at the moon
ist auf dem album:
Modern Heart
2016

Bsp. 1

œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ
& œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œ
œ ¿ œ œ œ ¿ œ ¿ œ œ œ ¿
≥ ≥ ≤ ≥ ≤ ≥ ≤ ≥ ≥ ≤ ≥ ≤ ≥ ≤
0 X 0 0 0 X 0 X 0 0 0 X
1 X 1 1 1 X 0 1 X 1 1 1 X 0
2 X 2 2 2 X 0 2 X 2 2 2 X 0
3 X 3 3 3 X 0 2 X 2 2 2 X 0
3 X 3 3 3 X 0 X 0 0 0 X

œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ
Foto: Manfred schmid/getty images

& œœœ œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ œœœ ¿¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ

œ œ œ ¿ œ œ œ ¿ œ
≥ ≤ ≥ ≤ ≥ ≤ ≥ ≤ ≥ ≤ ≥ ≤ ≥ ≤ ≥ ≤
0 0 X 0 0 0 X 3 3 X 3 3 3 X 3
1 1 X 1 1 1 X 0 3 3 X 3 3 3 X 3
0 0 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0
2 2 X 2 2 2 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0
3 3 X 3 3 3 X
3 3 X 3 3 3 X 3

117
 song milow howling at the moon

howling at the moon

Intro
Leadsheet

& 44
Verse

&
Interlude

&
Pre-Chorus
play 4 times

&
Chorus

&
Verse

&
Interlude

&
Pre-Chorus
play 3 times

&

&

&
Chorus
play 4 times
&

118
 howling at the moon milow song

howling at the moon

rhythm-Guitar
Musik: Tammy Infusino, Gianluca Presti,
Musik: Milow
Jonathan Ivo Gilles Vandenbroeck
Moderately fast = 128
Intro
Gtr. 1

4 œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œ œ ¿ œ œ ¿
&4 œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ
œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œ ¿ œ œ ¿ œœ œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ ¿¿¿ œœ œ ¿ œ œ ¿ œ
œ ¿ œ œ ¿ œ ¿ œ œ ¿
0 X 0 X 0 X 0 X 0 X 0 X 3 X 3 X
1 X 1 X 0 1 X 1 X 0 1 X 1 X 0 0 X 1 X 0
2 X 2 X 0 2 X 2 X 0 0 X 0 X 0 0 X 0 X 0
3 X 3 X 0 2 X 2 X 0 2 X 2 X 0 0 X 0 X 0
3 X 3 X 0 X 0 X 3 X 3 X
3 X 3 X

Gtr. 2
œœ œœ œœ œ ˙˙ œœ œœ ‰ œœ ˙˙ œ
& 44 Œ J ‰ ‰ œJ ‰ J œ œ w
J
Rhy.Fig. 1a End Rhy.Fig. 1a
5 5 3 0 0 0 0 0 3 0
6 6 5 1 1 1 3 1 1 3 3
4

Verse
Gtr. 2 tacet

Gtr. 1
œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œ œ ¿ œœ œœ ¿¿
& œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ ¿¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœœ
œ ¿ œ œ ¿ œ ¿ œ œ ¿ œ ¿
œ ¿ œ œ ¿
0 X 0 X 0 X 0 X 0 X 0 X 3 X 3 X
1 X 1 X 0 1 X 1 X 0 1 X 1 X 0 0 X 1 X 0
2 X 2 X 0 2 X 2 X 0 0 X 0 X 0 0 X 0 X 0
3 X 3 X 0 2 X 2 X 0 2 X 2 X 0 0 X 0 X 0
3 X 3 X 0 X 0 X 3 X 3 X
3 X 3 X

œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œ œ ¿ œœ œœ ¿¿
& ¿¿ œœ œœ ¿¿ ¿¿ œœœ
œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ ¿¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œœ
œ œ ¿
0 X 0 X 0 X 0 X 0 X 0 X 3 X 3 X
1 X 1 X 0 1 X 1 X 0 1 X 1 X 0 0 X 1 X 0
2 X 2 X 0 2 X 2 X 0 0 X 0 X 0 0 X 0 X 0
3 X 3 X 0 2 X 2 X 0 2 X 2 X 0 0 X 0 X 0
3 X 3 X 0 X 0 X 3 X 3 X
3 X 3 X

119
 song milow howling at the moon

Interlude

Gtr. 1
œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œ œ ¿ œœ œœ ¿¿
& œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ ¿¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœœ
œ ¿
œ ¿ œ œ ¿
0 X 0 X 0 X 0 X 0 X 0 X 3 X 3 X
1 X 1 X 0 1 X 1 X 0 1 X 1 X 0 0 X 1 X 0
2 X 2 X 0 2 X 2 X 0 0 X 0 X 0 0 X 0 X 0
3 X 3 X 0 2 X 2 X 0 2 X 2 X 0 0 X 0 X 0
3 X 3 X 0 X 0 X 3 X 3 X
3 X 3 X

Gtr. 2
œœ œœ œœ œ ˙˙ œœ œœ ‰ œœ ˙˙ œ
& Œ J ‰ ‰ œJ J ‰ J œ œ ˙ œ œ œ œ

Rhy.Fig. 1b
5 5 3 0 0 0 0 0 3 0 0
6 6 5 1 1 1 3 1 1 3 3 3 1
4 2

œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿
& œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ ¿¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœœ
œ ¿ œ œ ¿
0 X 0 X 0 X 0 X 0 X 0 X 3 X 3 X
1 X 1 X 0 1 X 1 X 0 1 X 1 X 0 0 X 1 X 0
2 X 2 X 0 2 X 2 X 0 0 X 0 X 0 0 X 0 X 0
3 X 3 X 0 2 X 2 X 0 2 X 2 X 0 0 X 0 X 0
3 X 3 X 0 X 0 X 3 X 3 X
3 X 3 X

œœ œœ œœ œ ˙˙ œœ œœ ‰ œœ ˙˙ œ
& Œ J ‰ ‰ œ ‰ J œ œ w
J J
End Rhy.Fig. 1b
5 5 3 0 0 0 0 0 3 0
6 6 5 1 1 1 3 1 1 3 3
4

120
 howling at the moon milow song

Pre-Chorus
Gtr. 2 tacet
Gtr. 1

œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ
& œ œ œ œ œ œ œ
œ œ œ
let ring throughout
0 0 0 3
1 1 1 1 1 1 0 0 0
2 2 0 2 2 0 0 0 0 0 0
3
0 3
3

œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ
& œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ
œœ œ œ¿ œ œ œ¿ œ œ ¿ œ œ œ¿ œ
0 X 0 0 0 X 0 X 0 0 0 X 0 0 X 0 0 0 X 3 3 X 3 3 3 X 3
1 X 1 1 1 X 0 1 X 1 1 1 X 0 1 1 X 1 1 1 X 0 3 3 X 3 3 3 X 3
2 X 2 2 2 X 0 2 X 2 2 2 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0
3 X 3 3 3 X 0 2 X 2 2 2 X 0 2 2 X 2 2 2 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0
3 X 3 3 3 X 0 X 0 0 0 X 3 3 X 3 3 3 X
3 3 X 3 3 3 X 3

Chorus Gtr. 2 w/ Rhy.Fig. 1b

Gtr. 1
œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ
& œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ
œ œ¿ œ œ œ¿ œ œ¿ œ œ œ¿ œ
0 X 0 0 0 X 0 X 0 0 0 X 0 0 X 0 0 0 X 3 3 X 3 3 3 X 3
1 X 1 1 1 X 0 1 X 1 1 1 X 0 1 1 X 1 1 1 X 0 3 3 X 3 3 3 X 3
2 X 2 2 2 X 0 2 X 2 2 2 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0
3 X 3 3 3 X 0 2 X 2 2 2 X 0 2 2 X 2 2 2 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0
3 X 3 3 3 X 0 X 0 0 0 X 3 3 X 3 3 3 X
3 3 X 3 3 3 X 3

Verse Gtr. 2 tacet

Gtr. 1
œ œ œ œ œ œ
& œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ
œ œ œ
let ring throughout
0 0 0 3
1 1 1 1 1 1 0 0 0
2 2 0 2 2 0 0 0 0 0 0
3
0 3
3

Interlude
Gtr. 2 w/ Rhy.Fig. 1a

Gtr. 1
œ ¿¿¿ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœ ¿¿ œœ œœ ¿¿ œ œ ¿ œ œ ¿
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¿¿ œœ
¿¿ œ
œ œ ¿ œ œ ¿
0 X 0 X 0 X 0 X 0 X 0 X 3 X 3 X
1 X 1 X 0 1 X 1 X 0 1 X 1 X 0 0 X 1 X 0
2 X 2 X 0 2 X 2 X 0 0 X 0 X 0 0 X 0 X 0
3 X 3 X 0 2 X 2 X 0 2 X 2 X 0 0 X 0 X 0
3 X 3 X 0 X 0 X 3 X 3 X
3 X 3 X

121
 song milow howling at the moon

Pre-Chorus
Gtr. 2 tacet
Gtr. 1
œ œ
œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ
& œ œ œ
œ œ
let ring throughout
0 0 0 3
1 1 1 1 1 1 0 0 0
2 2 0 2 2 0 0 0 0 0 0
3
0 3
3

œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ
& œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ œ ¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ œœœ œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ œœœ ¿¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ
œ ¿ œ œ¿ œ œ œ ¿ œ
0 X 0 0 0 X 0 X 0 0 0 X 0 0 X 0 0 0 X 3 3 X 3 3 3 X 3
1 X 1 1 1 X 0 1 X 1 1 1 X 0 1 1 X 1 1 1 X 0 3 3 X 3 3 3 X 3
2 X 2 2 2 X 0 2 X 2 2 2 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0
3 X 3 3 3 X 0 2 X 2 2 2 X 0 2 2 X 2 2 2 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0
3 X 3 3 3 X 0 X 0 0 0 X 3 3 X 3 3 3 X
3 3 X 3 3 3 X 3

œ ¿¿¿ œœœ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œ w w
¿¿¿ œœ w
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w w
w
œ w w
0 X 0 0 0 X 0 X 0 0 0 X 0 0 X 0 0 0 X 3 3
1 X 1 1 1 X 0 1 X 1 1 1 X 0 1 1 X 1 1 1 X 0 3 3
2 X 2 2 2 X 0 2 X 2 2 2 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0 0 0
3 X 3 3 3 X 0 2 X 2 2 2 X 0 2 2 X 2 2 2 X 0 0 0
3 X 3 3 3 X 0 X 0 0 0 X 3 3 X 3 3 3 X
3 3

œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ
& œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ œ ¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ œœœ œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ œœœ ¿¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ
œ ¿ œ œ¿ œ œ œ¿ œ
0 X 0 0 0 X 0 X 0 0 0 X 0 0 X 0 0 0 X 3 3 X 3 3 3 X 3
1 X 1 1 1 X 0 1 X 1 1 1 X 0 1 1 X 1 1 1 X 0 3 3 X 3 3 3 X 3
2 X 2 2 2 X 0 2 X 2 2 2 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0
3 X 3 3 3 X 0 2 X 2 2 2 X 0 2 2 X 2 2 2 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0
3 X 3 3 3 X 0 X 0 0 0 X 3 3 X 3 3 3 X
3 3 X 3 3 3 X 3

Chorus
Gtr. 2 w/ Rhy.Fig. 1b, 2 times
play 4 times
Gtr. 1
œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœœ ¿¿¿ œœœ œœœ œœœ ¿¿¿ œ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œ œœ œœ ¿¿ œœ œœ œœ ¿¿ œœ
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œ ¿ œ œ œ¿ œ œ œ¿ œ
0 X 0 0 0 X 0 X 0 0 0 X 0 0 X 0 0 0 X 3 3 X 3 3 3 X 3
1 X 1 1 1 X 0 1 X 1 1 1 X 0 1 1 X 1 1 1 X 0 3 3 X 3 3 3 X 3
2 X 2 2 2 X 0 2 X 2 2 2 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0
3 X 3 3 3 X 0 2 X 2 2 2 X 0 2 2 X 2 2 2 X 0 0 0 X 0 0 0 X 0
3 X 3 3 3 X 0 X 0 0 0 X 3 3 X 3 3 3 X
3 3 X 3 3 3 X 3

122
 everlong foo fighters song

foo fighters
− everlong (Acoustic) − track 3

d
ie US-amerikanische Rock-Band
Foo Fighters um den ehemaligen
Nirvana-Schlagzeuger Dave Grohl
schaffte mit ihrem dritten Album There Is
Nothing Left to Lose 2002 mit den Hit-
Singles „Learn to Fly“ und „Breakout“ ihren
Durchbruch; das Album erlangte 2001 so-
gar eine Grammy-Auszeichnung für „das
beste Rock-Album“. Auf die Veröffentli-
chung von There Is Nothing Left to Lose
folgten ausgiebige Konzerttourneen. Die
Produktion für das folgende vierte Album
One by One nahm viele Monate in Anspruch
und verschlang über eine Million Dollar an
Produktionskosten.
Von ihrem zweiten Album The Colour
and the Shape von 1997 veröffentlichten
Foo Fighters die Hit-Single „Everlong“; das
Musikvideo wurde für das „Beste Rock-
Video“ bei den MTV Video Music Awards
1998 nominiert. Dave Grohls Soloakustik-
version machte den Song noch populärer,
und schließlich erschien er auf den Live-
Alben Skin and Bones (2006) und Greatest
Hits (2009).
„Everlong“ ist ein schwungvoller Song
mit Drop-D-Tuning. Bei der siebentaktigen
Hauptrhythmusfigur aus Intro und Strophe
greift ihr die coolen Akkorde Dmaj7, Bsus2
und Gsus2 auf den drei Basssaiten. Dank
der nach D gestimmten tiefen E-Saite könnt
ihr die Akkorde bequem als Barré greifen.
Den rockigen Achtelanschlag meistert ihr
am besten mit konstanten Plektrumab-
schlägen. Im achttaktigen Pre-Chorus greift
ihr Oktavakkorde auf der A-Saite und G-
Saite. Dabei arbeitet ihr euch vom vierten
bis in den zehnten Takt aufwärts.
Die Akkordbewegung treibt den Song
massiv an und steigert sich bis zum Refrain.
Wie schon erwähnt, spielt ihr den Song
durchgehend mit Plektrumabschlägen, wo-
durch er den meisten Drive bekommt.
Als Alternative haben wir euch in Bei-
spiel 1 die Refrainbegleitung mit einem
Wechselschlag-Pattern abgebildet. Anhand
der Auf- und Abschlagsymbole oberhalb
der Tabulatur könnt ihr das Pattern leicht
nachspielen. Wichtig ist die durchgehende
Achtelbewegung der Anschlaghand. Die
vorgezogenen Akkorde werden dabei mit
einem Plektrumaufschlag ausgeführt. Viel
Spaß mit dem Foo-Fighters-Hit! ●
everlong
ist auf dem album:
The Colour and the Shape
1997

Bsp. 1
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B 12 12 12 12 12 12
G 11 11 11 11 11 11 7 7 7 7
D 9 9 9 9 9 9 5 5 5 5 5 5 7
A 9 9 9 9 9 9 0 5 5 5 5 5 5 0 5
D 9 9 9 9 9 9 0 5 5 5 5 5 5 0 0

# œœ
&# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
œ œœ œ
Foto: John shearer/Wireimage

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12
7 11
7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 0 9
5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 0 9
0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 9

123
 song foo fighters everlong

everlong
rhythm-Guitar

= 144 Musik: David Grohl

Musik: David Grohl
Intro

#
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œ
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œ œ œ œ
œ œ œ œ
œ œ œ œ
œœ œœ œœ œ œœ œœ œ œœ
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E
B
G
D 11 11 11 11 11 11 11 11 11 11 11 11 11
A 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9
D 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 9 9 9 9 9 9 9 9

To Coda
#
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œœœœœœœœ

11 11 11 11 7 7 7 11 11 11 11 11
9 9 9 9 9 9 9 9 5 5 5 5 5 5 5 5 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9
9 9 9 9 9 9 9 9 5 5 5 5 5 5 5 5 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9
repeat first time only

Verse

#
&# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœœ œ œœœ œœœ œ œœœ
œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ

11 11 11 11 11 11 11 11 11 11 11 11 11
9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9
0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 9 9 9 9 9 9 9 9

#
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œ œ œ œ œ œ œ œ

11 11 11 11 7 7 7 11 11 11
9 9 9 9 9 9 9 9 5 5 5 5 5 5 5 5 9 9 9 9 9
9 9 9 9 9 9 9 9 5 5 5 5 5 5 5 5 9 9 9 9 9 9 9 9

124
 everlong foo fighters song
1.3.5. 2. 4.6.
#
&# œœ œ œœœ œœ œ œ œœœ œœ œœ œ œœœ œœ œ œ œœœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
œ œ œ œ œ œ œ œœ
œ
11 11 11 11 11 11 11 11 11 11 11 0
9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 0
9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 9 0

D.C.

Pre-Chorus

## œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ
& œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œœ œœ œœ œœ œœœ œœœ œœœ œ œ œ œ œœ œœ œœ œœ œœ
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œ œ œ œ œ œ œ œœ œ
6 6 6 7 7 7 9 9 9 11 11 11 11 12 9 9 9 6 6 6 7 7 7 9 9
0 7 7 7 7 7 7 7 0
4 4 4 5 5 5 7 7 7 9 9 9 9 10 0 7 7 7 7 7 7 7 0 4 4 4 5 5 5 7 7
0 0 0 0 0 0 0 0 7 7 7 7 7 7 0 0 0 0 0

## œ œ œ œ œ œ œ
& œ œ œ œ œ œ œ œœ œœ œœ œœ
œœ œœ œœ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œœ œœ œœ œœ œœ œœœ
œœ œ œœ œœ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œœ œ
œ œ œ œœ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ
12
9 11 11 11 11 12 9 9 9 6 6 6 7 7 7 9 9 9 11 11 11 11 12 11
0 7 7 7 7 7 7 7 0 0 9
7 9 9 9 9 10 0 7 7 7 7 7 7 7 0 4 4 4 5 5 5 7 7 7 9 9 9 9 10 0 9
0 0 0 0 7 7 7 7 7 7 0 0 0 0 0 0 0 0 0 9

Chorus

# œœ œœ œœ œœ œœ œœ
&# œœ œœ œœ œœ œœ œ œ œœ œœ œ œœ œœ œœ œ œ œ œ œ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œ œœ
œ œ œ œ œ œ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œ œ œ œ œ œ œ œ œ
œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œœ
12 12 12 12 12 12
11 11 11 11 11 7 7 7 7 7 11
9 9 9 9 9 5 5 5 5 5 5 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 0 9
9 9 9 9 9 0 5 5 5 5 5 5 0 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 0 9
9 9 9 9 9 0 5 5 5 5 5 5 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 9

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&# œœ œœ œœ œœ œœ œ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œ œ œ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
œ œ œ œ œ œ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œœ œœ
œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ
12 12 12 12
11 11 11 11 11 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 11
9 9 9 9 9 5 5 5 5 5 5 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 0 9
9 9 9 9 9 0 5 5 5 5 5 5 0 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 0 9
9 9 9 9 9 0 5 5 5 5 5 5 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 9

125
 song foo fighters everlong

# œœ œœ œœ œœ œœ œ
œ œœ œ œ
&# œœ œœ œœ œ œ œ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œ œœ œ œ œ œœ œœ œ œœ
œ œ œ œ œ œ œ œ œ œœ œ
œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ
12 12 12
11 11 11 11 11 7 7 9
9 9 9 9 9 0 5 5 5 5 5 5 0 7 7 7 7 7 7 0 7
9 9 9 9 9 0 5 5 5 5 5 5 0 5 5 5 5 5 5 0 7
9 9 9 9 9 0 5 5 5 5 5 5 0 0 0 0 0 0 0 7

To Coda
1. 2.

# œ œ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
& # œœ œœ œœ œœ œœ œœ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ
œ œ œ œ œ œ œœ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ

9 9 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7
7 7 7 7 7 7 0 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5
7 7 7 7 7 7 0 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5
7 7 7 7 7 7 0 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5

D.C. D.C. al Coda

Bridge
1. - 4. 5.

# œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ
& # œœ œœ œœ œœ œœ œœ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œœ
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9
4 4 4 5 5 5 7 7 7 9 9 9 9 10 7 9 9 9 9 10 9
0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 9

D.S. al Coda

Outro

# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
&# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
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w
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7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7 7
5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 0 11
5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 0 9
5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 5 0 0

126
 fast car tracy chapman song

tracy chapman
− Fast Car − track 4

d
ie US-amerikanische Sängerin und
Songschreiberin Tracy Chapman
setzte mit ihrem Debütalbum und
ihrem legendären ersten großen Soloauftritt
beim Nelson-Mandela-Tribute–Konzert im
Wembley-Stadion in London 1988 einen
Meilenstein ihrer mit vier Grammys ausge-
zeichneten Karriere. Ihre schlicht arrangier-
ten Songs über die Kehrseite des American
Dreams, Armut und soziale Probleme haben
Millionen Zuhörer berührt. So schildert ihr
berühmter Song „Fast Car“ von der Trostlo-
sigkeit des Alltags in einer Armenregion.
„Fast Car“ ist wie die meisten Songs von
Tracy Chapman einfach gehalten. Nur we-
nige Akkorde und Melodiemotive reichen
als Untermalung ihrer Texte. Gleich im
Intro ertönt die Erkennungsmelodie des
Songs. Das leichte Melodie-Picking zu den
Akkorden C, G, E-Moll ist Grundlage der
Strophen und der Zwischenspiele. Mit Ka-
podaster im zweiten Bund haben die Ak-
korde auf Anhieb eine andere Wirkung als
in Standardstimmung.
In Beispiel 1 seht ihr, wie man die
Rhythmusfigur 1 richtig zupft. Daumen,
Zeigefinger und Mittelfinger teilen sich das
Picking auf. Die schöne Hammer-on- und
Pull-off-Einlage im ersten Takt macht das
Motiv zu einem Unikat und geht direkt ins
Ohr. In der Rhythmusfigur 2 spielt ihr eine
Variation der Figur. Die Strophen werden
immer mit dem viertaktigen Zwischenspiel
abgerundet. Im Refrain geht es mit mehr
Dynamik zur Sache; für die Rhythmusfigur
3 könnt ihr zum Plektrum greifen und die
Akkorde C, G, E-Moll kräftig anschlagen.
Das Achtelanschlagmuster könnt ihr nach
Belieben ändern. Zu den Strophen wechselt
ihr wieder zum einfachen Picking der
Rhythmusfigur 1.
„Fast Car“ ist ein bewegender Song,
dessen schlichte Begleitung leicht zu lernen
ist und der mit Gesang eine tolle Wirkung
erzielt. Die Singer-Songwriter unter den
Gitarristen sind mit diesem Song bestens
bedient. ●
fast car
ist auf dem album:
Tracy Chapman
1988

Bsp. 1

# œ œ œ œ
& 44 œœ œ œ œœ œœ œ œ œœ œœ œœ œ w
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œ œ œ J w
Foto: John shearer/Wireimage

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0 1 0 3 3 8 7 7 3
0 0 0 0 0 0 0
3 7 5
3 3

127
 song tracy chapman fast car

fast car
Leadsheet

Intro
Rhy.Fig. 1 &

Rhy.Fig. 2 &

Verse
%
Rhy.Fig. 1 &

&

play 4 times
Interlude
Rhy.Fig. 1 &
last time half verse

Chorus
Rhy.Fig. 3 &

&

Interlude
Rhy.Fig. 1 &
D.S. senza rep. 2 times

Verse
Rhy.Fig. 1 &

Outro
Rhy.Fig. 4 &

128
 fast car tracy chapman song

fast car
rhythm-Guitar
Capo 2nd fret
Musik: Tracy
Musik: L. Chapman
Tracy Chapman
Moderately = 103
Rhy. Fig. 1

# œ œ œ œ
& 44 œœ
œ
œ œ œœ œœ œ œ œœ œœ œœ œ
œ œ J
let ring throughout

0 1 0 3 3 8 7 7
0 0 0 0 0 0
3 7 5
3

# œ œœ œœ œ œ œ œ œ
& œœ œ œ œœ œœ œœ œ
œ œ œ J
0 1 0 3 3 8 7 7
0 0 0 0 0 0
3 7 5
3

Rhy. Fig. 2

# œ œ œ œ œ œ œ œ œ
& œœœ œ œ œ œ œ œœ œœ
œ œ
0 1 0 3 3 8 10 8 7 8 7
0 0 0 0 0
3 7 5
3

# œ œœ œœ œ œ œ œ œ
& œœ œ œ œœ œœ œœ œ
œ œ œ J
0 1 0 3 3 8 7 7
0 0 0 0 0 0
3 7 5
3

129
 song tracy chapman fast car

Rhy. Fig. 3

# œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
& œœœ œœ œ œ œœœ œœ œœ œœ œœ œœ œ œœ œœ
œ œœ œ œ
0 0 0 0 0 3 3 3 3 3
1 1 1 1 1 0 3 3 3 3 3 0
0 0 0 0 0 0 0 0 0 0 0
2 2 2 0 0 0 0 0 0
3 3 2 2
3

# œ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ
& œœœ œœ œœ œœ œ œœ œ œœ œ œ œœ œœ
œœ œœ œ œ
0 0 0 0 0 0 2 2 2 2 2
0 0 0 0 0 0 3 3 3 3 3 0
0 0 0 0 0 0 2 2 2 2 0
2 2 2 2 0 0 0
2 2 2
0 0

# œœ œœ œœœ œœœ œœœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ

& œœœ œœ œœ œœ œœ œ œ œœ œœ
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0 0 0 2 2 2 2 2
1 1 0 0 0 0 3 3 3 3 3 0
0 0 0 0 0 0 2 2 2 2 0
2 2 2 2 2 0 0 0
3 2 2 2
0 0

# œœ œœ œœœ œœœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœ œœœ

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œœ œœ œ œœ œ œ œ œ
0 0 0 0 2 2 2 2 2 0 0 2 2
1 1 0 0 0 0 3 3 3 3 3 0 1 1 3 3 3
0 0 0 0 0 0 2 2 2 2 0 0 0 2 2 2
2 2 2 2 2 0 0 0 2 2 0 0
3 2 2 2 3 0
0 0

Rhy. Fig. 4

# œ œœ œœ œ œ œ œ œ w
& œœ œ œ œœ œœ œœ œ w
œ œ œ J w
0 1 0 3 3 8 7 7 3
0 0 0 0 0 0 0
3 7 5
3 3

130
 MAGOME
LTD 2017 – Legend Of The Road
Seit 30 Jahren demonstriert Takamine
jährlich mit einem Limited Model, was höchste
Gitarrenbaukunst und einzigartiges Design ist.
Dieses Jubiläums-Modell widmet Takamine
der historischen Stadt Magome an der
traditionsreichen Handelsstraße namens
Kiso-ji, die am Berg Takamine vorbeiführt.
Die Elemente des Weges finden
finden sich als
Griffbrettinlay
Griff brettinlay „Legend Of The Road“ wieder.
Ab August im Fachhandel erhältlich.

takamineguitars.de
170923232816HR-01 am 23.09.2017 über http://www.united-kiosk.de Vertrieb für Deutschland und Österreich: MUSIK MEYER GmbH, Postfach 1729, D-35007 Marburg, www.musik-meyer.de
Vertrieb Schweiz: MUSIK MEYER AG, Spitalstraße 74, CH-8952 Schlieren, Schweiz, www.musikmeyer.ch
 D: F 6,90 A: F 7,90 BeNeLux: F 8,10 CH: SFR 12,00 I: F 9,50 ESP: F 9,50

August / September Ausgabe 5/2017

magazin für akustikgitarristen [5] 2017

www.guitaracoustic .de
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Test & Technik: Bernhard Kresse Modell A Typ Modern + Artesano Sonata ZS Limited 2017
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