Moviemento & City-Kino

September 2018
Nr. 356 – Programmzeitung für Moviemento & City-Kino
www.moviemento.at
 Vorspann
Inhalt
Neue Filme im September

Auguste Rodin......................................... 4
Ballon....................................................... 8
Book Club –
Das Beste kommt noch........................ 3
Bruder Jakob, schläfst du noch?..13
Cops............................................................ 6
Das Prinzip Montessori –
Die Lust am Selber-Lernen................12
Die bauliche MaSSnahme7�������������������� 7 FilmBrunch
Die brillante Mademoiselle Neila... 3 Sonntags im Moviemento & Gelben Krokodil
Grüner wird’s nicht,
sagte der Gärtner
und flog davon...................................... 3 So 16. September SO 30. September
Gundermann........................................... 5 11.00 Mackie Messer – 11.00 Ballon

Mackie Messer – Brechts Dreigroschenfilm 11.00 The Man who killed Don Quixote

Brechts Dreigroschenfilm............... 8 11.15 The Rider 11.00 Die beste aller Welten

Nach dem Urteil..................................... 9 11.15 Book Club – Das beste kommt noch 13.00 Grüner wird‘s nicht,

Offenes Geheimnis................................ 6 13.15 Grüner wird‘s nicht, sagte der gärtner und flog davon
Pettersson und Findus: sagte der gärtner und flog davon 13.15 Sauerkrautkoma

Findus zieht um......................................13 13.15 Gundermann 13.30 Mamma Mia! Here We Go Again

Phaidros..................................................13 13.30 Sauerkrautkoma

Shut Up and Play the Piano...............12 SO 23. September

The Man who killed Don Quixote..... 4 11.00 Auguste Rodin
The Rider................................................... 8 11.15 Ein Dorf zieht blank
Utøya 22. Juli........................................... 9 11.15 Cops
Wackersdorf......................................... 11 13.00 Offenes Geheimnis
Weapon of Choice................................ 10 13.15 The Man who killed Don Quixote Tischreservierung im Gelben Krokodil
Zu ebener Erde..................................... 10 13.15 Wackersdorf dringend empfohlen: 0732/784182

Rearview............................................................... 13
Babykino............................................................... 13
Filmtage 50+........................................................ 13
Südwind im Kino................................................... 14
AK-Kultur.............................................................. 14
Wasser~Filme....................................................... 15

Preise:
Programmheft-Jahresabo: EUR 19,–
Kinometerbank: 10 Karten +
Programmheftabo: EUR 75,–
MovieMember: 1 Jahr ermäßigter Eintritt +
Abo: EUR 30,–, Einzelexemplar: EUR 1,50
Bankverbindung: Hypobank, Linz Landstraße,
IBAN: AT955400000000761858 / BIC: OBLAAT2L
lautend auf »Moviemento Programmkino gemein-
nützige GmbH«
Satz- und Druckfehler vorbehalten.

Hinweis für Kinometerbank Käufer_innen

Per Überweisung bezahlte Kinometerbanken und
MovieMember-Cards liegen an der Moviemento
Kino-Kassa auf und können dort gegen Vorlage der
Zahlungsquittung (=Auftragsbestätigung) zwischen
ca. 17.00 und 21.00 Uhr abgeholt werden. Aus orga-
nisatorischen Gründen ist die Abholung im City-Kino
nicht möglich. Wegen immer häufiger aufretender
Zustellprobleme unserer Programmzeitung durch
die Post möchten wir uns entschuldigen. Diese lie-
gen nicht in unserem Bereich. Gegebenenfalls be-
kommen Sie das Programm gerne an der Kassa.

Impressum
Medieninhaber: Verein zur Förderung kommunikativer
Kinokultur, OK Platz 1, 4020 Linz, Tel: 0732/784090.
Obmann: Wilhelm Schwind. DVR: 0562831/180189.
F. d. I. v.: Wolfgang Steininger. Datenschutz-Information
Gestaltung Heft 356: Sara Köppl, Stefan Messner Gemäß der Datenschutzverordnung möchten wir unsere Programm-Abonenntinnen und -Abonennten über folgendes informie-
Mitarbeit: Angelika Meidhof, Rüdiger Ratzenböck, ren: Das Moviemento verarbeitet Ihre personenbezogenen Daten – Titel, Vorname, Nachname, Adresse - zum postalischen Ver-
Druck: Haider Schönau, Niederndorf 32, 4274 Schö- sand des Kinoprogramms bis auf Widerspruch. Eine Weitergabe an andere Empfänger erfolgt nicht.
nau, Tel: 07261/7232. Gedruckt auf chlorfrei gebleich- Sie haben das Recht auf Auskunft, Berichtigung, Löschung und Einschränkung der Verarbeitung der personenbezogenen Daten.
tem Papier. Mit der Unterstützung von BMUKK, LAND Zudem haben Sie das Recht auf Widerspruch gegen die Verarbeitung Ihrer personenbezogenen Daten zum Zweck der Direktwer-
OÖ, STADT LINZ und zahlreichen Mitgliedern, Förder_ bung. Im Fall des Widerspruchs werden Ihre personenbezogenen Daten nicht mehr zum Zwecke der Direktwerbung verarbeitet.
innen. Offenlegung gem. Mediengesetz § 25(2): Verein Weiters haben Sie das Recht auf Beschwerde bei der Aufsichtsbehörde (Österreichische Datenschutzbehörde, Wickenburggasse
zur Förderung kommunikativer Kinokultur, Unterneh- 8, 1080 Wien, dsb@dsb.gv.at).
mensgegenstand: Präsentation von Filmkunst.
§ 25(4): Vermittlung von Informationen über Film,
Kino-Kultur und Zeitkultur.

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 Grüner wird’s nicht, ...
Grüner wird’s
nicht, sagte
der Gärtner
und flog davon
DE 2018, 116 min, OdF,
R: Florian Gallenberger,
B: Gernot Gricksch, nach dem gleichnami-
gen Roman von Jockel Tschiersch,
K: Daniela Knapp, S: Sven Budelmann,
D: Elmar Wepper, Emma Bading,
Monika Baumgartner, Dagmar Manzel,
Ulrich Tukur, Sunnyi Melles
ab Freitag, 31. August
Die Komödie erzählt von unerfüllten Träu-
men, mutigen Entscheidungen und der
außergewöhnlichen Kraft des Herzens, die
es erfordert, große Hürden zu überwinden.
Schorsch ist Gärtner in einer bayerischen
Kleinstadt und schuftet täglich in seinem
Betrieb, der kurz vor der Pleite steht. Er re-
det nicht gern und auch nicht viel. Hat er nie.
Die Ehe mit seiner Frau ist längst entzaubert,
und zu allem Überfluss möchte seine Tochter
jetzt auch noch an die Kunstakademie. »Ein
solcher Schmarrn!« ist alles, was Schorsch
dazu einfällt. Nur über den Wolken, in seinem
klapprigen Propellerflugzeug, einer alten Kie-
bitz, fühlt sich Schorsch wirklich frei. Doch
dann missfällt dem Chef des lokalen Golfplat-
zes, den Schorsch angelegt hat, der Grünton
des Rasens, und Schorsch bleibt auf seiner
Rechnung sitzen. Als der Gerichtsvollzieher
kurz darauf sein geliebtes Flugzeug pfänden
will, setzt sich Schorsch in die Kiebitz, packt
den Steuerknüppel und fliegt einfach davon.
Ohne zu wissen, wohin. Es beginnt eine Reise,
die ihn an ungekannte Orte führt, voller skur-
riler und besonderer Begegnungen – und mit
jedem Start und jeder Landung öffnet der
Gärtner ganz langsam sein Herz wieder für
das, was man eine Ahnung von Glück nennt...
Auf seiner ungewöhnlichen Reise begegnet
Schorsch der jungen Philomena, verkörpert
von Nachwuchsentdeckung Emma Bading,
der es gelingt, Schorsch mit ihrer quirligen
Art mitzureißen.
Als großer Coup erweist sich einmal mehr
Elmar Wepper, der als Grantler wider Willen
zu Hochform aufläuft. – Programmkino.de
Book Club – Das Beste kommt noch
Book Club –
Das Beste
kommt noch
Book Club
US 2018, 97 min, Englisch OmU,
R: Bill Holderman, B: Bill Holderman,
Erin Simms, K: Andrew Dunn,
S: Priscilla Nedd-Friendly, D: Diane Keaton,
Jane Fonda, Candice Bergen,
Mary Steenburgen, Don Johnson,
Andy Garcia
ab Freitag, 14. September
Grundsympathische Feelgood-Komödie
über vier Freundinnen, die im hohen Alter
noch einmal Lust auf ein aktives Liebesle-
ben bekommen.
Mit »Mr. Greys« Hilfe zu Mr. Right? Vivian, Di-
ane, Carol und Sharon gehen schon ihr hal-
bes Leben gemeinsam durch dick und dünn,
ihr monatlicher »Book Club« ist für alle ein
Pflichttermin, und bei jeder Menge Wein
sind Männer da meist kein Thema mehr.
Doch dann präsentiert Vivian ihren Freun-
dinnen als neue Buchclub-Lektüre »Fifty
Shades of Grey«, den Roman-Bestseller von
E.L. James. Und prompt stellen die eroti-
schen Fantasien das Leben der Damen auf
den Kopf. Mehr oder weniger freiwillig finden
sie sich in ebenso witzigen wie berührenden
amourösen Verwicklungen verstrickt. Das
Regiedebüt von Bill Holderman erzählt auf
ebenso komische wie berührende Weise,
dass es nie zu spät ist, das nächste Kapitel
im Leben zum besten zu machen…
PRODUKTIONSNOTIZEN
»Wenn du daran glaubst, dass du ein neues
Kapitel aufschlagen kannst, dann musst du
nur deine eigenen Denkmuster überwin-
den.« – Bill Holderman / Regisseur, Ko-Au-
tor und Produzent
Und natürlich musst du auch das Leben der
»Prä-Christian-Grey-Ära« hinter dir lassen.
Das zumindest ist die Grundthese von Hol-
dermans starbesetzter Komödie. Sie ver-
knüpft weibliches Freundschaftsethos mit
einer Attacke auf die Vorurteile, die die Ge-
sellschaft gegenüber dem Älterwerden auf-
recht hält. Lebenslust und Liebe haben eben
kein Ablaufdatum. Ein Film über Frauen in
ihren 60ern – gespielt von Oscar-preisge-
krönten Ikonen –, die selbst gesteckte und
fremdbestimmte Grenzen überschreiten,
ist allerdings nicht unbedingt das, was man
Die brillante Mademoiselle Neila
von einem jüngeren Regisseur erwartet,
der auch als Koautor und Produzent ver-
antwortlich zeichnete. »Es war schon selt-
sam«, so Bill Holderman. »Der Entschluss
(Regie zu führen) kam daher, dass ich sonst
niemanden für diese Aufgabe hatte. Es war
nicht unbedingt so, dass Filmregie mein
alter Traum war. Ich war keiner dieser Acht-
jährigen, die ständig mit dem Camcorder
herumliefen – nach dem Motto ‚Ich will Fil-
memacher sein.’ Ich dachte mir: ‚Wenn das
schiefgeht, dann will ich derjenige sein, der
dafür verantwortlich ist. Bei früheren Pro-
jekten war ich frustriert, weil es immer diese
dazwischengeschalteten Ebenen gab. Wenn
ich eine Idee oder Vision hatte, war ich nicht
imstande, sie umzusetzen, weil das der Film
von jemand anderem war. Bei diesem Pro-
jekt gab es einfach niemand sonst, mit dem
ich es machen wollte.«
Die brillante
Mademoiselle Neila
Le Brio
FR 2017, 97 min, Französisch OmU,
R: Yvan Attal, B: Yvan Attal, Noé Debré,
Yaël Langmann, Victor Saint Macary,
K: Rémy Chevrin, S: Célia Lafitedupont,
D: Camélia Jordana, Daniel Auteuil,
Yasin Houicha, Nozha Khouadra,
Nicolas Vaude, Jean-Baptiste Lafarge
César 2018: Beste Nachwuchsdarstellerin
(Camélia Jordana)
ab Freitag, 7. September
Charmante Gesellschaftsdramödie, die Ras-
sismus und Vorurteile aufs Korn nimmt und
die Kunst der Rhetorik feiert.
Neïla Salah hat es geschafft. Sie wurde
an der renommierten Pariser Assas Law
School angenommen und ist auf dem Weg,
sich endlich ihren großen Traum zu erfüllen
und Anwältin zu werden. Doch schon am
ersten Tag läuft alles schief. Neïla kommt zu
spät. Ausgerechnet zur Vorlesung von Pro-
fessor Pierre Mazard, der für sein provokan-
tes Verhalten und seine verbalen Ausfälle
bekannt ist. In seiner so gar nicht politisch
korrekten Art nimmt er die junge Studen-
tin vor versammeltem Hörsaal sofort aufs
Korn. Doch diese Begegnung bleibt nicht
ohne Folgen. Mazard wird von der Universi-
tätsleitung vor die Wahl gestellt: Entweder
er verlässt die Uni oder er glättet die Wogen,
3
 Grüner wird’s nicht, ...
indem er Neïla hilft, einen prestigeträchtigen
Rhetorikwettbewerb zu gewinnen. Neïla ist
alles andere als begeistert über das unerwar-
tete Engagement – schließlich könnten sie
und der zynische, elitäre Professor nicht un-
terschiedlicher sein. Und doch gelingt es den
beiden mit der Zeit, hinter die spröde Fassade
des anderen zu blicken, und sie entdecken,
dass es einiges voneinander zu lernen gibt.
AUS EINEM INTERVIEW
MIT DEM REGISSEUR
Was war der Ausgangspunkt
für diesen Film?
Das Drehbuch wurde mir angeboten: eine
Komödie über ein junges Mädchen, ein
»Wildfang« aus der Vorstadt. Sie rappt,
spielt Fußball und findet sich mehr zufällig
an der Universität von Assas wieder, um
Jura zu studieren. Mich interessierte eine
Sache besonders: nicht der »Wildfang«,
nicht der Fußball, nicht der Rap in der Vor-
stadt, sondern der Lebensweg einer jungen
Frau, die sich nicht in eine Schublade ste-
cken lässt und auf ihre Weise das Schicksal
in die eigene Hand nimmt. Das war meine
Richtung, dadurch verlor der Film ein wenig
den Komödien-Touch.
Wie haben Sie das Originaldrehbuch ge-
ändert? Was wollten Sie behalten und was
wollten Sie selbst einbringen?
Von Beginn an gab es im Drehbuch von Yaël
Langman und Victor Saint Macary einige
sehr starke Szenen, vor allem beim Rheto-
rikwettbewerb. Was mir gefallen hat, habe
ich behalten, vom Rest habe ich mich be-
freit. Wir haben zu dritt an der Umgestaltung
gearbeitet, die Geschichte angereichert,
uns auf meine Interessen konzentriert, aber
auch einige Figuren zusammengestrichen
oder ganz wegfallen lassen – wie auch die
politisch korrekte Seite, auf die ich null Lust
hatte: Die Einwanderin aus dem Maghreb,
die sich mit allen gut versteht, die einen
jüdischen, homosexuellen Freund hat etc…
Ich habe mich dem Projekt neu genähert
und einen persönlichen Film gemacht. Dann
stieß ein weiterer Drehbuchautor mit einer
neuen Perspektive dazu, Noé Debré, der ei-
nige Szenen aufpeppen sollte. Es macht mir
Spaß, in der Gruppe zu arbeiten, das finde
ich weniger nervenzehrend als alleine.
Sie haben die heitere Grundstimmung des
Originaldrehbuchs erwähnt. Wie würden
Sie DIE BRILLANTE MADEMOISELLE NEÏ-
LA jetzt beschreiben?
Als eine »Dramödie«. Für mich ist DIE BRIL-
4
The Man who killed Don Quixote
LANTE MADEMOISELLE NEÏLA ein Film, bei
dem man lacht, vor allem aufgrund der Dia-
loge, aber der uns auch berührt und Fragen
stellt. Mir gelingt allerdings kein Film ohne
Komödien-Elemente, da würde ich ersticken.
Vielleicht realisiere ich eines Tages ein rich-
tiges Drama, damit man mich ernst nimmt!
Die fünfte Regiearbeit des französischen
Schauspielers Yvan Attal ist ein genau beob-
achtetes, klares, engagiertes und klischee-
freies Plädoyer für das Zusammenleben und
die Ausbildung der Humanität. – filmtabs
Warmherziges Psychotop, das das Stre-
ben nach Humanität und Toleranz mit Sinn
für die Widersprüchlichkeiten der Gegen-
wart feiert. – FilmDienst.de
The Man who
killed Don Quixote
ES/GB/BE/PT 2018, 133 min,
Englisch OmU, R: Terry Gilliam,
B: Terry Gilliam, Tony Grisoni,
K: Nicola Pecorini, D: Adam Driver,
Jonathan Pryce, Stellan Skarsgård,
Olga Kurylenko, Joana Ribeiro, Sergi López
ab Freitag, 28. September
Über 20 Jahre musste Kultregisseur Terry
Gilliam durchhalten, um seinen Traum von
der Verfilmung einer ganz eigenen Version
des weltberühmten Cervantes-Klassikers
»Don Quijote« zu verwirklichen.
Der zynische Werbefilmer Toby trifft auf
einen alten spanischen Schuhmacher, der
sich für Don Quixote hält. Die beiden erle-
ben eine Reihe absurder Abenteuer, in de-
ren Verlauf Toby sich den tragischen Aus-
wirkungen eines Films stellen muss, den er
in seiner Jugend gedreht hat ein Film, der
die Hoffnungen und Träume eines kleinen
spanischen Dorfes für immer verändert hat.
Kann Toby das Getane je wiedergutmachen
und so zu seiner Menschlichkeit zurückfin-
den? Kann Don Quixote seinen Wahn be-
zwingen und seinen nahenden Tod verhin-
dern? Oder wird etwa die Liebe alle Grenzen
überwinden?
Über 20 Jahre musste Kultregisseur Terry
Gilliam durchhalten, um seinen Traum von
der Verfilmung einer ganz eigenen Version
des weltberühmten Cervantes-Klassikers
»Don Quijote« zu verwirklichen: »Wir ha-
Auguste Rodin
ben so lange an dem Projekt gearbeitet,
dass uns die Idee, diesen 'geheimen' Film
tatsächlich fertig zu bekommen, am Ende
ziemlich surreal erschien. Jeder vernünftige
Mensch hätte vor Jahren aufgegeben, aber
manchmal gewinnt am Ende der eigensinni-
ge Träumer.«
Das Problem mit Quixote ist Folgendes:
Sobald dich diese Figur und das, wofür sie
steht, anfixt, wirst du selbst zu Quixote.
Du marschierst in den Wahnsinn, fest ent-
schlossen, die Welt so zu machen, wie du
sie dir vorstellst. Aber natürlich ist sie nicht
so. – Terry Gilliam
Durch und durch Gilliam, also überbor-
dend, oft hysterisch, bisweilen konfus, oft
phantasievoll, ein Film aus einem anderen
Jahrhundert. – Programmkino.de
Auguste Rodin
Rodin
FR 2017, 121 min, Französisch OmU,
R/B: Jacques Doillon,
K: Christophe Beaucarne,
S: Frédéric Fichefet,
D: Vincent Lindon, Izïa Higelin,
Séverine Caneele, Bernard Verley,
Anders Danielsen Lie, Arthur Nauzyciel
ab Freitag, 21. September
Drama um den französischen Bildhauer,
der sich manisch in seine Arbeit und Affä-
ren stürzt.
Paris, 1880. Der ebenso skandalträchtige
wie erfolgreiche Bildhauer Auguste Rodin
wähnt sich am Ziel seiner Träume. Mit 40
Jahren erhält er seinen ersten Staatsauf-
trag: »Das Höllentor« – inspiriert von Dantes
»Göttlicher Komödie« – soll als Bronzepor-
tal den Eingang des neuen Kunstgewerbe-
museums im Pariser Louvre schmücken.
Sechs Meter hoch und vier Meter breit,
setzt sich das gigantische Hochrelief aus
später so berühmten Einzelskulpturen wie
»Der Denker« und »Der Kuss« zusammen
– eine alles verschlingende Arbeit, die zu
Rodins Lebenswerk wird. Eine Phase mani-
schen Schaffens beginnt, die durch Rodins
Begegnung mit der hochtalentierten, 24
Jahre jüngeren Camille Claudel noch inten-
siver wird. Mehr als ein Jahrzehnt lang ist
seine Schülerin auch seine Geliebte, eine
 Book Club – Das Beste kommt noch
Beziehung zwischen zwei Genies, die eben-
so leidenschaftlich wie turbulent verläuft.
Denn Camille ist eine emanzipierte Frau,
Rodin handwerklich absolut ebenbürtig und
– genau wie Rodin – ihrer Zeit weit voraus.
Anerkennung für diese Qualitäten verwehrt
das Genie ihr aber zeit seines Lebens. Dass
sie ihn nicht nur mit seiner Lebensgefähr-
tin, der Bauerntochter Rose Beuret, teilen
muss, sondern auch mit zahlreichen ande-
ren Affären, führt schließlich zum Bruch.
Inspiriert von der Modernität seiner Gelieb-
ten, stürzt sich Rodin mit noch größerer Be-
sessenheit in seine Arbeit, erlebt Triumphe
und Niederlagen – und gilt mit 60 Jahren
schließlich als wohl größter Bildhauer aller
Zeiten, vergleichbar nur mit Michelangelo…
Regisseur Jacques Doillon (PONETTE, LE
JEUNE WERTHER) setzt mit diesem hoch-
emotionalen Porträt ein Denkmal jenseits
des klassischen Biopics. Hervorgegangen
aus den Vorbereitungen zu einem nie ge-
drehten Dokumentarfilm, widmet AUGUS-
TE RODIN dem rastlosen Schaffen des
genialen Bildhauers ebenso viel Raum wie
seinem von dramatischen Widersprüchen
geprägten Privatleben.
AUS EINEM INTERVIEW
MIT DEM REGISSEUR
Gleich zu Beginn wird deutlich, dass für
Rodin Ton in der Hierarchie der Materialien
ganz oben steht. Sagt das nicht auch et-
was über sein Verhältnis zum Materiellen
und zum Leben generell aus?
Ja, denn Ton ist ein lebendiges Material.
Man muss ihn mischen, falten und kne-
ten, um mit ihm arbeiten zu können. Dann
kommt der Punkt, an dem der Ton lebendig
wird. Diesen Moment muss man ausnutzen,
um ihm ein Eigenleben zu geben, denn we-
nig später wird er müde, faul und nutzlos. Es
ist sehr spannend, mit einem Werkstoff zu
arbeiten, der so »lebendig« ist. Ich verstehe,
warum Rodin seine Gehilfen beauftragte,
seine Werke in Marmor und Stein zu repro-
duzieren, denn diese leblosen Materialien
gaben ihm nicht die Möglichkeit, seine For-
schungen weiter voranzutreiben. Er konnte
sich so immer wieder dem Ton zuwenden
und viele weitere Modelle erschaffen, über
Monate und Jahre hinweg, bis er zufrieden
war. Er sagt es selbst: »Im Ton finde ich mei-
ne Formen.« Ton ist wie eine Haut, die ge-
bürstet und gestreichelt werden kann.
Sie zeigen Rodin als jemanden, der emp-
fänglich ist für die Natur, der es liebt, Bäu-
me zu berühren.
Gundermann
So lange ich denken kann, habe ich es im-
mer gemocht, Bäume zu berühren und mit
ihnen zu spielen. Jedes Jahr pflanze ich
welche. Ich sehe, wie sie wachsen, und ich
bewundere ihre Verzweigungen, ihre Adern,
die Knoten einer Korkenzieherhaselnuss,
die geschuppte Rinde einer Birke – das ist
schon toll! Der Begriff Sinnlichkeit scheint
mir hier nicht übertrieben, und ich kann mir
nicht vorstellen, dass Rodin Bäume nicht
auch berührt hat.
Sechs Berührungen, das Lebendige und
Fleischliche stehen im Zentrum des Films…
Ja, es ist das Leben, das mich fasziniert
und den Ausschlag gibt. Das ist einer der
Gründe, weshalb ich während eines Drehs
überrascht werden muss, damit das Leben
herausbricht. Wenn ich ans Set komme,
habe ich keine vorgefassten Ideen, was
meine Vorgehensweise betrifft. Wir haben
die Szenen und die Dialoge, aber wie sich
die Schauspieler in meinem improvisierten
Umfeld bewegen, möchte ich vorher gar
nicht wissen. Dann wäre es nur noch bloße
Ausführung. Und die Freude am Finden der
passenden Musik und der Glaubwürdigkeit
einer Szene ist wie die Suche nach der Form
im Ton. Dasselbe gilt auch für den Schreib-
prozess: Ich weiß nicht, wohin er führen wird,
ich wandere von Szene zu Szene ohne einen
festen Plan. Man muss auch der Geschichte
und den Charakteren erlauben, lebendig zu
werden und ihre eigene Richtung zu finden.
Gundermann
DE 2018, 128 min, OdF, R: Andreas Dresen,
B: Laila Stieler, K: Andreas Höfer,
S: Jörg Hauschild, D: Alexander Scheer,
Anna Unterberger, Eva Weißenborn,
Axel Prahl, Thorsten Merten,
Benjamin Kramme
ab Freitag, 14. September
Drama um einen Liedermacher mit Idea-
len, der dennoch für die Stasi arbeitet.
GUNDERMANN erzählt von einem Bagger-
fahrer, der Lieder schreibt. Der ein Poet ist, ein
Clown und ein Idealist. Der träumt und hofft
und liebt und kämpft. Ein Spitzel, der bespit-
zelt wird. Ein Weltverbesserer, der es nicht
besser weiß. Ein Zerrissener. GUNDERMANN
ist Liebes- und Musikfilm, Drama über Schuld
und Verstrickung, eine Geschichte vom Ver-
cops
drängen und Sich-Stellen. GUNDERMANN
ist ein Film über Heimat. Er blickt noch einmal
neu auf ein verschwundenes Land. Es ist nicht
zu spät dafür. Es ist an der Zeit.
Mit feinem Gespür, Zärtlichkeit und Humor
wirft Regisseur Andreas Dresen in GUN-
DERMANN einen Blick auf das Leben von
Gerhard »Gundi« Gundermann, einem der
prägendsten Künstler der Nachwendezeit
in Deutschland. Er starb 1998, mit gerade
einmal 43 Jahren. Die Hauptrolle spielt Alex-
ander Scheer, der alle Lieder im Film selbst
eingesungen hat.
DER SOUNDTRACK ZUM FILM
Gerhard Gundermann hat Songs geschrie-
ben. Im Osten als Lebensmittel gebraucht
und erhältlich, sind sie im Westen nur in ei-
nigen »Feinkostabteilungen« zu entdecken.
Manche sind fast schon Volkslieder, einzel-
ne schafften es neuerdings in Schulbücher,
mehrere in Lehrmaterial für den Gesangs-
unterricht an Schauspielschulen. Vor allem
jedoch haben sie einen Weg in die Köpfe
und Herzen von mittlerweile zwei Genera-
tionen gefunden und sind dort nicht mehr
herauszubekommen: erdig, zerbrechlich,
existentiell, manchmal treibend, manchmal
innehaltend, auf singuläre Art kreisend zwi-
schen fröhlicher Anarchie und wenn, dann
tief wirkender Melancholie. Es sind zumeist
Geschichten vom flachen Land, den Bad-
lands. Ein Baggerfahrer aus der Lausitzer
Tagebaulandschaft, der Lieder schrieb. Die-
se führten ihn durchs Land, an ganz unter-
schiedliche Orte: oft Studentenklubs, Tage-
baukonzerte, große Säle, kleine Säle, bis hin
ins Vorprogramm der Deutschland-Tourne-
en von Joan Baez und Bob Dylan 1994 oder
an die Berliner Volksbühne, gewünscht als
deren Neujahrskonzert des Jahres 1995.
Sie führten ihn jedoch immer von der Büh-
ne zurück in die kleine, enge Kabine eines
mächtigen Schaufelradbaggers, auf dem
Zeilen und Refrains entstanden. Anderthalb
Dutzend Lieder von Gundermann hat Alex-
ander Scheer für den Kinofilm komplett neu
eingesungen, unterstützt von jener Band,
die unter anderem Gisbert zu Knyphausen
seit vielen Jahren auf Konzertbühnen und
in Studios musikalisch zur Seite stand. Ge-
meinsam greifen sie Gundermanns poeti-
sche Kraft, seinen Geist, seine Haltung auf,
treffen den Kern und finden klare, heutige
Arrangements und Sounds. Das Ergebnis
ist herzzerreißend wie herzerwärmend in
einem. Man wird es sehen und hören.
GUNDERMANN ist sehr viel mehr als nur
5
 Offenes Geheimnis
die Biografie des Nachwende-Liedermachers.
Es ist ein kluger, einfühlsamer, vielschichtiger
und berührender Beitrag zur deutsch-deut-
schen Geschichte, zu einem differenzierteren
Umgang ganz ohne arrogante Zeigefinger-
Besserwisserei. – edp-Film
Offenes Geheimnis
Todos lo saben
ES/FR/IT 2018, 132 min, Spanisch OmU,
R/B: Asghar Farhadi, K: José Luis Alcaine,
S: Hayedeh Safiyari, D: Penélope Cruz,
Javier Bardem, Ricardo Darín, Eduard
Fernández, Bárbara Lennie, Inma Cuesta
ab Freitag, 28. September
Drama zwischen Thriller und Melodram um
ein ehemaliges Liebespaar, das sich nach
Jahren bei einer Hochzeit wieder trifft.
Laura kommt nach Jahren zurück in ihr Hei-
matdorf, irgendwo außerhalb von Madrid,
wo ihre Schwester heiratet. Sie hat ihre bei-
den Kinder dabei, ihr Mann ist in Argentinien
geblieben. Man begrüßt sich, begegnet sich,
und ob man will oder nicht, werden alte Wun-
den aufgerissen. Laura hatte einst eine heiße
Affäre mit Paco, dem Sohn des Dieners, mit
dem sie groß geworden ist in dem Haus ihrer
Eltern und der es als Weinbauer zu einigem
Ansehen gebracht hat. Er ist glücklich mit
seiner Frau, die er liebt. Jeder weiß davon. Es
ist ein Dorf, die Dinge sprechen sich herum.
Jeder weiß auch, dass Laura Paco verlassen
hat und mit ihrem jetzigen Mann ins Aus-
land gegangen ist. Was nicht weiter schlimm
wäre, wenn während der Hochzeitsfeier nicht
ein Verbrechen passieren würde, eine Ent-
führung. Und auf einmal ist es eben nicht
mehr so einfach, das einstmals Vorgefallene
wegzulächeln. Jetzt geht es um Leben oder
Tod. Und auf einmal wird wichtig, was wer
wann über wen gewusst hat.
AUS EINEM INTERVIEW
MIT DEM REGISSEUR
Wie kam es zu diesem Filmprojekt?
Vor 15 Jahren reiste ich durch den Süden
von Spanien. Die Atmosphäre, die dieses
Land versprühte, und seine Kultur haben
mich fasziniert. Damals sah ich in einer klei-
nen Stadt Bilder eines Kindes, die an Mau-
ern und Wände geklebt waren. Es handelte
sich um ein Kind, das spurlos verschwun-
den war. Ich habe diese Bilder nicht ver-
6
Die brillante Mademoiselle Neila
gessen können und schrieb zunächst eine
Kurzgeschichte über dieses Thema, die ich
dann weiterentwickelte. Das war vor etwa
vier Jahren – ich hatte gerade LE PASSÉ
abgedreht. Anschließend habe ich vier Jah-
re lang am Drehbuch zu Offenes Geheimnis
gearbeitet.
Warum sollte die Geschichte in einer Klein-
stadt spielen und nicht in einer Metropole
wie Madrid?
Ich bin der Meinung, dass sich die Ge-
schichte in dieser Form nur in einem Dorf
abspielen kann. In einer kleinen Gemeinde
stehen sich die Menschen näher, und man
geht anders miteinander um. Dazu kommt
noch, dass es schon lange mein Wunsch
war, einmal in einer Kleinstadt zu drehen,
mitten in der Natur. Ich habe gezielt nach
einer Geschichte gesucht, die weit entfernt
vom Trubel einer Großstadt spielt. Das hat
wohl unterbewusst dazu geführt, dass ich
meine Geschichte an einem Ort in der Natur
angesiedelt habe, wo es einen Bauernhof
gibt, ein Gut, ein Dorf. Das weckt eine gewis-
se Nostalgie in mir. Die Figuren in meinem
Film stammen aus einfachen Verhältnissen
und finden sich in einer komplizierten Situ-
ation wieder.
Haben Sie das Drehbuch in Farsi geschrieben,
bevor es ins Spanische übersetzt wurde?
Ja, und ich habe mir viel Zeit dafür genom-
men, bis alles stimmte. Vor vier Jahren habe
ich angefangen, mich intensiv mit Offenes
Geheimnis zu beschäftigen, und die Über-
setzung wurde parallel zu meiner Arbeit
verfasst. Die Geschichte selbst hat sich im
Lauf der Jahre stark verändert. Ich habe
Spanien mehrfach bereist und mich mit
Freunden unterhalten, die dort leben. Das
hat einen starken Einfluss auf mein Dreh-
buch gehabt. Aber geschrieben habe ich
immer in Farsi. Glücklicherweise kommt
die übersetzte Version dank der Hilfe mei-
nes Kollegen Massoumeh Lahidji, der mit
meinem Schreibstil vertraut ist, dem sehr
nahe, was ich in meiner eigenen Sprache zu
Papier gebracht hatte. Das Ziel war, in Spa-
nisch auszudrücken, was ich in persischen
Worten fühle.
// Filmografie Asghar Farhadi (Auswahl)
2009 Alles über Elly
2011 Nader und Simin –
Eine Trennung
2013 La Passé – Das Vergangene
2016 The Salesman
2018 Offenes Geheimnis
Cops
Cops
AT 2018, 92 min, OdF, R/B: Istvan aka
Stefan A. Lukacs, K: Andreas Thalhammer,
Xiaosu Han, S: Julia Drack,
D: Laurence Rupp, Anton Noori,
Michael Steinocher, Roland Düringer,
Anna Suk, Maria Hofstätter
Premiere: Freitag, 14. September,
18.00, Moviemento – in Anwesenheit
von Roland Düringer, Anton Noori
und Regisseur ISTVAN
Politisches Drama über weltweite gesell-
schaftliche Entwicklungen, herunterge-
brochen auf den Mikrokosmos einer Poli-
zeispezialeinheit in Wien.
Christoph ist Rekrut der Polizeispezialein-
heit WEGA – ein Alltag zwischen Testoste-
ron, Revierkämpfen und Gruppendruck. Als
er während der Ausbildung einen aggressi-
ven Mann niederschießt, wird er von seinen
Kollegen als Held gefeiert. Doch Christoph
hat Zweifel und löst damit eine Spirale der
Gewalt aus, die sein Bild von der makellosen
Eliteeinheit ins Wanken bringt...
REGIESTATEMENT
Der Film handelt von legaler (aber nicht
unbedingt legitimer) Polizeigewalt. Es gibt
keine »schwarzen Schafe« im Film; viel-
mehr ist die Gewalt fixer Bestandteil des
Handlungsrepertoires, um den gesetzlichen
Auftrag zu erfüllen. Denn Christoph Horn ist
ein »Krieger-Polizist«. Er befindet sich im
Krieg gegen das Verbrechen. Und im Krieg
sind alle Mittel erlaubt. Eine Haltung mit fa-
talen Auswirkungen. Laut dem Soziologen
Rafael Behr wollen »Krieger-Polizisten« Si-
cherheit herstellen durch die wortwörtliche
»Bekämpfung« von Verbrechen. In ihrem
Verständnis bedeutet absolute Sicherheit
die absolute Abwesenheit von Verbrechen
– was notgedrungen zu einem Freund-/
Feindschema führt, in dem die BürgerIn-
nen Gefahr laufen, pauschal zum Feindbild
erklärt zu werden. Dieses Selbstverständ-
nis ist auch Erklärungsansatz für das zu-
nehmend martialische und militärische
Auftreten der Exekutive weltweit. In diesem
System sind emotionale und körperliche
Schwächen, Zweifel, Ängste oder Mitgefühl
gegenüber dem »Feind« nicht vorgesehen.
Diese falsch verstandene Männlichkeit und
eine grassierende Kriegermentalität in Tei-
len der Exekutive haben destruktive Auswir-
kungen auf die heutige Polizeikultur – auch
in Österreich. Dem entgegen steht das Kon-
 Die bauliche MaSSnahme
zept des »Community Policing«, welches
versucht, gemeinschaftliche Probleme in
Zusammenarbeit mit der Bevölkerung zu
erkennen und zu lösen. Dieser Ansatz poli-
zeilicher Arbeit setzt aber ein ungetrübtes
Vertrauensverhältnis zwischen der Bevölke-
rung und ihrer Polizei voraus. Genau dieses
Verhältnis scheint aber angeschlagen: nicht
nur auf Seiten der Bevölkerung und der Me-
dien, sondern auch auf Seiten der Polizei,
die seit Jahren von einer stetig steigenden
Gewaltbereitschaft in der Bevölkerung
spricht und sich in der Ausübung ihrer Tä-
tigkeit immer bedrohter fühlt. Dieses Span-
nungsfeld ist die Grundlage für COPS.
Die bauliche
MaSSnahme
AT 2018, 112 min, OdF,
R/B/K: Nikolaus Geyrhalter,
S: Emily Artmann, Gernot Grassl
Diagonale 2018: Großer Preis
für den besten Dokumentarfilm
Premiere: Mi, 5. September, 20.00,
Moviemento – in Anwesenheit deR
RegiE, in Kooperation mit Südwind
Erfrischend unaufgeregt analysiert der
Film die sogenannte »Flüchtlingskrise«
am Fallbeispiel der italienisch-österreichi-
schen Grenze am Brenner.
Seit der entflammten Diskussion um ver-
schärfte Grenzsicherungen in Europa ist auch
der Brenner ins Zentrum politischer Auf-
merksamkeit gerückt. Nikolaus Geyrhalter
beschäftigt sich in diesem Film mit der Grenz-
region Brenner und ihren Bewohner_innen,
während ein politischer Entschluss gefasst
wird, der auf Befürchtungen und Angst ba-
siert und nicht nur auf die Region, sondern auf
ganz Europa Auswirkungen haben wird. Was
bedeutet eine solche Maßnahme für die Be-
wohner_innen? Wie schreibt sich diese Verän-
derung in den Ort und die Lebensgeschichten
ein? Wie verändert der Ruf nach Grenzen das
Denken der Menschen? Ganz im Gegensatz
zur offiziellen Politik, die von Ängsten und
Ressentiments getrieben scheint, äußern sich
die Protagonist_innen des Films großteils so
nachdenklich wie differenziert und mit einem
sehr präzisen Blick auf die Besonderheit der
Brennergrenze; eigenwillige und mündige
Bürger_innen, die oberflächlichen Parolen
nicht auf den Leim gehen.
Gundermann
AUS EINEM INTERVIEW
MIT DEM REGISSEUR
Ist DIE BAULICHE MASSNAHME in erster
Linie ein Essay über das Konzept Grenze
und das Leben an der, mit der Grenze und
ohne die Grenze?
Die Ausgangssituation für den Film war die,
dass an der Brennergrenze ein Zaun auf-
gezogen werden sollte, um ankommende
Flüchtlingsströme aufzuhalten. Für mich
war es unvorstellbar, dass innerhalb Eu-
ropas, wo während eines hart erkämpften
Friedensprozesses nach und nach Grenzen
abgebaut wurden, plötzlich wieder Zäune
aufgestellt werden sollten. Da verspürte
ich die Notwendigkeit, filmisch zu interve-
nieren. Ursprünglich ging ich vom tatsäch-
lichen Bau des Zaunes aus, und ich wollte
die Entstehung dieser Barriere in all ihren
Etappen dokumentarisch beobachtend
festhalten. Schlussendlich wurde der groß
angekündigte Zaun nie gebaut. Das war
prinzipiell gut, hat den geplanten Film aber
natürlich verändert. Allein die Idee, dass
am Brenner ein Grenzzaun gebaut werden
könnte, hat in den Menschen viel ausgelöst.
Das war Anlass, Ängste, Protest und Zorn zu
formulieren. Der nie gebaute Zaun war ein
Reizthema auf allen Seiten und Gelegenheit,
über eine offene, geschlossene oder halbof-
fene Grenze zu reflektieren.
Sie lassen die mediale Berichterstattung
zur Flüchtlingssituation immer wieder
über Fernsehen oder Radio in Ihre Filmbil-
der einfließen. Wie haben Sie versucht, die
beiden Blickwinkel zu konterkarieren?
Es war von Beginn an klar, dass das in den
Medien transportierte Bild und das reale
Bild vor Ort sehr wenig miteinander zu tun
gehabt haben. Deshalb hielt ich es auch für
interessant, die Medien in unseren Bildern
ankommen zu lassen, dass die Minister in
der Bahnhofskneipe aus dem Fernseher
sprechen, dass im Wohnzimmer unserer
Protagonist_innen die Nachrichten laufen.
Diese verkürzte Realität vor Ort nochmals
zu spiegeln, hat ja vieles absurd erschei-
nen lassen. Man konnte ja gemäß der Be-
richterstattung annehmen, dass sich un-
beschreibliche Menschenmassen vor der
Grenze sammeln, die Tirol und Österreich
unmittelbar bedrohen. Zu beobachten, wie
die Schlagzeilen, wie die massive Angstma-
che am Ort ihres vermeintlichen Ursprungs
einfach verhallt, war mir ein großes Anlie-
gen. Und zu zeigen, dass es dort ein kleines
Dorf gibt, wo alles weitgehend unverändert
ist und das in keinster Weise mit der medial
Mackie Messer – Brechts dreigroschenfilm
konstruierten Hysterie übereinstimmt.
Empathisch, aufregend, zutiefst mensch-
lich: Nikolaus Geyrhalters neuer Dokumen-
tarfilm erzählt die Geschichten vom geplan-
ten Grenzzaun am Brenner. Ein politisches
Zeitdokument. – Kleine Zeitung
Mackie Messer –
Brechts
Dreigroschenfilm
DE/BE 2018, 130 min, OdF,
R/B: Joachim Lang, K: David Slama,
S: Alexander Dittner, D: Lars Eidinger,
Tobias Moretti, Hannah Herzsprung,
Joachim Król, Robert Stadlober,
Claudia Michelsen
ab Freitag, 14. September
Das Drama erweckt Bertolt Brechts und
Kurt Weills »Dreigroschenoper« auf Kino-
leinwand zu neuem Leben – und erzählt
gleichzeitig die Geschichte von Brechts
großem gescheiterten Traum, sein Werk
nach seinen Vorstellungen zu verfilmen.
Nach dem überragenden Welterfolg von »Die
Dreigroschenoper« will das Kino den gefei-
erten Autor des Stücks für sich gewinnen.
Doch Bertolt Brecht ist nicht bereit, nach den
Regeln der Filmindustrie zu spielen. Seine
Vorstellung vom »Dreigroschenfilm« ist ra-
dikal, kompromisslos, politisch, pointiert. Er
will eine völlig neue Art von Film machen und
weiß, dass die Produktionsfirma sich niemals
darauf einlassen wird. Ihr geht es nur um den
Erfolg an der Kasse. Während vor den Augen
des Autors in seiner Filmversion der Dreigro-
schenoper der Kampf des Londoner Gangs-
ters Macheath mit dem Kopf der Bettelmafia,
Peachum, Form anzunehmen beginnt, sucht
Brecht die öffentliche Auseinandersetzung.
Er bringt die Produktionsfirma vor Gericht,
um zu beweisen, dass die Geldinteressen
sich gegen sein Recht als Autor durchset-
zen… Ein Dichter inszeniert die Wirklichkeit
– das hat es noch nie gegeben!
Die Dreigroschenoper ist ein Versuch, der
völligen Verblödung der Oper entgegenzu-
wirken. – Bertolt Brecht
HINTERGRUND
»Die Dreigroschenoper« ist der größte Büh-
7
 offenes geheimnis
nenerfolg der Zeitgeschichte, ein deutsches
Kulturgut und ein »Exportschlager«. Das
Stück zählt zu den bekanntesten über-
haupt, Zitate daraus sind zu festen Begrif-
fen geworden, die Songs zu Welthits. Die
Popularität ist bis heute ungebrochen. Das
liegt einerseits an der Attraktivität der Mu-
sik, die eine Art Sound der 1920er Jahre
darstellt, andererseits an der Aktualität des
Stücks. Trotzdem gibt es nur wenige Verfil-
mungen des Stoffs, die jüngste deutsch-
sprachige ist mehr als 50 Jahre alt und hält
sich wie die anderen sehr eng an das für
die Bühne geschaffene Stück. Dabei wur-
de bisher immer völlig übersehen, dass es
ein Exposé zur Verfilmung des Welterfolgs
gibt, und zwar von keinem Geringeren als
dem Autor selbst: Bertolt Brecht. Die Ur-
aufführung der »Dreigroschenoper« am 31.
August 1928 wurde ein Sensationserfolg,
das Stück bediente den Tanz auf dem Vul-
kan am Ende der Weimarer Republik und
bot als Anti-Oper mit völlig neuer Form und
neuem Inhalt ein überraschendes Potenzial
aus Kunst, Unterhaltung und Gesellschafts-
kritik. Legendär ist nicht nur das Stück,
sondern auch das Chaos im Vorfeld. Die
Ausfälle von Hauptdarstellern, die vielen
Kräche und die total verpatzte Generalpro-
be schienen auf den erwarteten Skandal
hinzudeuten. Die Premiere begann äußerst
nervös, Brecht hatte seinen Schauspielern
Trillerpfeifen gegeben, um auf Buhrufe re-
agieren zu können, doch beim Kanonen-
song begann der Jubel des Publikums, der
bis zum Schluss anhielt. Der Sensationser-
folg und die Schallplattenaufnahmen mit
den Songs, die sofort nach der Urauffüh-
rung erschienen, sorgten für ein Dreigro-
schenfieber in Berlin: Dreigroschenkneipen
eröffneten, die Frauen verkleideten sich als
Prostituierte, die Männer als Zuhälter und
Ganoven. Die Dreigroschenoper lief in Berlin
monatelang vor ausverkauftem Haus und
schon bald in den anderen Großstädten Eu-
ropas und der Welt. Kein Stück erreichte ein
größeres Publikum. Kein anderes hat das
Verbot und die Katastrophe des Nationalso-
zialismus so überdauert, dass es nach dem
Ende des Zweiten Weltkriegs sofort wieder
auf den Bühnen zu sehen war. Im zerstörten
Berlin begann im Hebbel-Theater mit der
Inszenierung des Stücks eine neue Zeit-
rechnung. Brecht nahm den Erfolg der Drei-
groschenoper zwiespältig auf und fasste
den Plan, durch eine Verfilmung des Stoffs
die Gesellschaftskritik konsequenter als im
Stück zu betonen. Er wollte das neue Me-
dium nicht allein der Unterhaltungsindust-
8
The Rider
rie überlassen und die neuen ästhetischen
Gestaltungsmittel auf den Film übertragen,
mit der Haltung, »dass es Unfug wäre, Ele-
mente eines Theaterstücks wenig verändert
zu verfilmen«.
An dieser Verfremdungs-Wundertüte
hätte Brecht wohl sein Vergnügen gehabt.
Ein mutiger großer Wurf, der dem deut-
schen Kino guttut! – Programmkino.de
The Rider
US 2017, 104 min, Englisch OmU,
R/B: Chloé Zhao, K: Joshua James
Richards, S: Alex O'Flinn,
D: Brady Jandreau, Tim Jandreau,
Lilly Jandreau, Cat Clifford, Lane Scott,
Terri Dawn Pourier
Cannes 2017: Art Cinema Award
ab Freitag, 14. September
Eindrucksvolles Drama, das ungeschminkt
den Alltag junger Cowboys schildert.
Brady Blackburn ist ein überaus talentier-
ter Cowboy und Rodeoreiter, doch nach
einem schweren Unfall, bei dem er sich am
Kopf verletzt, muss er sich damit arrangie-
ren, dass er wohl nie wieder reiten können
wird. Nicht nur ist Brady damit von einem
Tag auf den anderen arbeitslos. Als direkter
Nachkomme der Lakota-Sioux hat er auch
eine ganz besondere Verbindung zu Pferden
und definiert sich selbst fast ausschließ-
lich über seine Arbeit mit den Reittieren. In
seiner Kultur ist ein Mann, der nicht reiten
kann, kein echter Mann, und so hat auch
sein Vater für seinen beeinträchtigten Sohn
nur wenig Mitleid übrig, zudem gibt es im
Pine-Ridge-Reservat ansonsten nur wenig
zu tun. Und so sehnt sich Brady weiterhin
nach dem Reiten, obwohl sein Körper sich
dagegen sträubt und ihm sein bester Freund
Lane, der seit einem Rodeo-Unfall sogar
im Rollstuhl sitzt, als mahnendes Beispiel
dient… Regisseurin Chloé Zhao beobachtet
unaufdringlich und mit dokumentarischer
Anmutung ihre Protagonisten, die selbst
Rodeoreiter sind, und ist auch unglaublich
nah an deren Pferden dran. Ihr gelingen
mitreißende Bilder vor atemberaubender
Landschaft. Sie wurde u.a. in Cannes dafür
ausgezeichnet.
In ihrem Neo-Western erzählt Regisseu-
Ballon
rin Chloé Zhao einfühlsam von einem gefei-
erten Rodeo-Star, der nach einem Unfall nie
wieder reiten darf. Es geht um den Verlust
des eigenen Lebenszentrums; zugleich ist
THE RIDER ein leiser Abgesang auf den Wil-
den Westen. – edpFilm
THE RIDER ist eine seltene Perle. – The
Hollywood Reporter
THE RIDER ist ein Film, durch den von
fern der Atem John Hustons und John Fords
weht. – FilmDienst.de
Chloé Zhaos Cowboy-Drama ist eine be-
wegende, lyrische Geschichte von Verlust
und Heilung. – LA Times
Ballon
DE 2018, 120 min, OdF,
R: Michael Bully Herbig, B: Kit Hopkins,
Thilo Röscheisen, K: Torsten Breuer,
S: Alexander Dittner, D: Friedrich Mücke,
Karoline Schuch, David Kross,
Alicia von Rittberg, Thomas Kretschmann,
Jella Haase
ab Freitag, 28. September
Nach wahren Begebenheiten lässt Michael
Bully Herbig zwei Familien die DDR-Flucht
auf dem Luftweg in einem Ballon versuchen.
Die Familien Strelzyk und Wetzel leben in
der DDR, doch das soll sich bald ändern: Im
Sommer 1979 starten sie nach zwei Jahren
harter Arbeit endlich ihren Fluchtversuch
in einem selbstgebauten Heißluftballon.
Doch die Flucht aus ihrer Heimat in Thü-
ringen endet kurz vor der innerdeutschen
Grenze, als der Ballon abstürzt. Die beiden
Familien arbeiten fieberhaft an einem neuen
Ballon, denn mittlerweile ist ihnen die Sta-
si auf die Schliche gekommen, die mit den
Ermittlungen beginnt. Noch kennt die DDR-
Geheimpolizei den Absturzort nicht, doch
die Schlaufe zieht sich immer enger zu. Es
beginnt ein gnadenloser Wettlauf gegen die
Zeit…
Michael Bully Herbig verfilmt in BALLON
die spektakuläre Flucht der Familien Strel-
zyk und Wetzel, denen am 16. September
1979 mit einem selbstgebauten Heißluft-
ballon die Flucht aus der DDR gelang. Ihre
Geschichte wurde bereits in MIT DEM WIND
NACH WESTEN verfilmt.
 Utøya 22. Juli
Utøya 22. Juli
NO 2018, 93 min, Norwegisch OmU,
R: Erik Poppe, B: Anna Bache-Wiig,
Siv Rajendram Eliassen,
K: Martin Otterbeck, S: Einar Egeland,
D: Andrea Berntzen, Aleksander Holmen,
Brede Fristad, Sorosh Sadat, Ada Eide,
Elli Rhiannon Müller Osborne,
ab Freitag, 28. September
Rekonstruktion des Massakers, das aus-
schließlich aus der Sicht der Opfer geschil-
dert ist.
Die 18-jährige Kaja verbringt mit ihrer jün-
geren Schwester Emilie ein paar ausgelas-
sene Ferientage in einem Sommercamp auf
der norwegischen Insel Utøya. Es gibt Streit
zwischen den Schwestern, und Kaja geht
alleine zu dem geplanten Barbecue. Ange-
regt diskutieren die Jugendlichen über ak-
tuelle politische Entwicklungen, als plötzlich
Schüsse fallen. Erschrocken suchen Kaja
und die anderen Schutz im Wald. Rasend
kreisen ihre Gedanken. Was passiert um sie
herum? Wer sollte auf sie schießen? Kein
Versteck scheint sicher. Doch die Hoffnung
auf Rettung bleibt. Und Kaja setzt alles da-
ran, Emilie zu finden. Während die Schüsse
nicht verstummen wollen.
Am 22. Juli 2011 werden 500 Jugendliche in
einem Ferienlager auf der Insel Utøya von
einem schwer bewaffneten Attentäter über-
fallen – ein Trauma, das Norwegen bis heute
tief erschüttert. Um dem Täter die Bühne
zu nehmen, stellt Regisseur Erik Poppe die
Opfer in den Mittelpunkt seines Spielfilms.
Konsequent aus ihrer Sicht inszeniert und
in einer einzigen Einstellung gedreht, gelingt
ihm eine atemlose Rekonstruktion des Ge-
schehens von ergreifender Wucht. UTØYA
22. JULI bleibt ganz nah bei seiner Haupt-
figur Kaja – grandios verkörpert von Nach-
wuchstalent Andrea Berntzen, deren inten-
sives Spiel uns in den Bann zieht und nicht
mehr loslässt. Ein Film gegen das Vergessen
und die Sprachlosigkeit.
Diesen Film kann man nur schwer mit
ästhetischer oder ethischer Kritik von sich
fernhalten, denn hier wird kein Leid spekula-
tiv ausgebeutet, sondern der Vorstellungs-
kraft extrem schmerzvoll nah gebracht. Au-
ßerdem gibt dieser Film an keiner Stelle vor,
Antworten zu haben. Vielmehr überlässt er
es dem Zuschauer, Rückschlüsse ziehen –
und auch sein Verhältnis zwischen Film und
Realität finden. – kino-zeit.de
Nach dem Urteil
Manchmal muss Kino eben auch wehtun,
unangenehm sein und unerbittlich, es muss
einen an Orte mitnehmen, die man im Le-
ben nicht besuchen will. Ein solcher Film ist
UTØYA 22. JULI. Und auch wenn ich ungern
den Begriff "wichtig" für einen Spielfilm ver-
wende – was bedeutet das schon? –, halte
ich es für angemessen, ihn hier anzubrin-
gen. Denn Poppe gelingt etwas Wichtiges
mit seiner Rekonstruktion des Terroran-
schlags vom 22. Juli 2011, bei dem insge-
samt 77 Menschen, 69 davon vornehmlich
Kinder und Jugendliche auf der Insel Utøya,
ums Leben kamen: Er entreißt die Tragödie
der Inszenierung des Täters. Im Film bleibt
er ungenannt und wird auch nur zweimal
kurz und aus der Entfernung gezeigt – auch
hier soll sein Name unerwähnt bleiben. Weil
es darum geht, den Fokus auf die Opfer zu
richten. – Blickpunkt:Film
Nach dem Urteil
Jusqu'à la garde
FR 2017, 94 min, Französisch OmU,
R/B: Xavier Legrand, K: Nathalie Durand,
S: Yorgos Lamprinos, D: Léa Drucker,
Denis Ménochet, Thomas Gioria, Mathilde
Auneveux, Mathieu Saikaly, Florence Janas
Venedig 2017: Silberner Löwe
(beste Regie)
ab Freitag, 7. September
Packendes Drama und intensiver Thriller
um einen Scheidungsstreit, der zum Alp-
traum wird.
Miriam ist fassungslos, als das Gericht ih-
rem unberechenbaren Ex-Mann Antoine
das Besuchsrecht für den gemeinsamen
Sohn Julien zuspricht. Von nun an soll der
11-Jährige jedes zweite Wochenende bei
seinem Vater verbringen. Die Besuche bei
Antoine werden für Julien zur Tortur. Wäh-
rend Miriam daheim krank vor Sorge wartet,
setzt Julien alles daran, seinen um Annähe-
rung bemühten Vater nicht zu provozieren.
Aber ist Antoine wirklich ein Pulverfass?
Mit einer bedrohlichen Intensität zieht Xa-
vier Legrands ergreifender Beziehungsthril-
ler den Zuschauer völlig in seinen Bann. Für
sein Spielfilmdebüt erhielt der Regisseur
eine Oscarnominierung.
AUS EINEM INTERVIEW
MIT DEM REGISSEUR
Auguste rodin
Wie bereits in Ihrem Kurzfilm AVANT QUE
DE TOUT PERDRE behandeln Sie in Ihrem
Langfilmdebüt ein soziales Drama – häus-
liche Gewalt – auf eine Weise, die für das
Publikum große Spannung erzeugt.
NACH DEM URTEIL stellt Angst in den Mit-
telpunkt. Die Angst, die von einem Mann
ausgeht, der bereit ist, alles zu tun, um wie-
der mit seiner Frau zusammenzukommen,
die seinem gewalttätigen Verhalten entkom-
men und ihn verlassen will. Antoine, gespielt
von Denis Ménochet, ist eine konstante
Bedrohung für sein Umfeld. In seiner Ge-
genwart sind alle angespannt; dabei sieht er
nur seinen eigenen Schmerz und würde alle
manipulieren, einschließlich seiner Kinder.
Frauen, die Opfer häuslicher Gewalt wur-
den, wie jene, die Léa Drucker darstellt, sind
immer in erhöhter Alarmbereitschaft. Sie
wissen, dass Gefahr überall und jederzeit
lauert, dass niemand sicher ist. In Frank-
reich stirbt alle zweieinhalb Tage eine Frau
infolge häuslicher Gewalt, und auch wenn
die Medien darüber berichten, bleibt das
Thema weitgehend tabu. Betroffene haben
Angst davor, sich zu äußern, Nachbarn und
Familienmitglieder sagen nichts, weil sie
sich nicht in die Beziehung eines Paares ein-
mischen wollen. Es herrscht große Geheim-
haltung. Ich wollte es nicht angehen wie ir-
gendein tagesaktuelles Thema. Wie bereits
in AVANT QUE DE TOUT PERDRE wollte ich
das öffentliche Bewusstsein für diese Krise
durch die Macht des Kinos stärken. Jene
Macht, die mich schon immer fasziniert hat,
die von Hitchcock, Haneke oder Chabrol.
Die Art von Kino, das den Zuschauer einbe-
zieht, in dem mit seiner Intelligenz und sei-
nen Nerven gespielt wird.
Es können auch DIE NACHT DES JÄGERS
von Charles Laughton und SHINING von
Stanley Kubrick als Ihre Hauptinspira-
tionsquellen für die Annäherung an das
Thema genannt werden.
Drei Filme begleiteten mich während des
Schreibens: KRAMER GEGEN KRAMER,
DIE NACHT DES JÄGERS und SHINING. Ich
vergaß sie dann während des Drehens, aber
sie halfen mir, die Themen, die ich angehen
wollte, zu reflektieren und die Stimmung
und Atmosphäre zu finden, durch die sich
meine Charaktere bewegen. KRAMER GE-
GEN KRAMER ist ein Film über Elternrechte,
der eine große Wirkung auf mich hatte. Zum
ersten Mal sieht man eine Frau, die das allei-
nige Sorgerecht für ihr Kind aufgibt. Er zeigt
den Schmerz der Trennung mit furchtbarer
Schärfe. DIE NACHT DES JÄGERS illustriert,
9
 Weapon of Choice
wie kompromisslos eine Person mit Kindern
umgehen kann. SHINING inspirierte mich
zum letzten Teil meines Films in Bezug auf
den Wahnsinn, die Isolation und den Terror.
Häusliche Gewalt kann zu purem Horror
führen, und das wollte ich zeigen.
Legrands Verdienst – seine Integrität,
wenn man so will – besteht darin, dass er es
schafft, zum Kern der Sache vorzudringen
und gleichzeitig auf sensible Weise wieder-
zugeben, wie solche Situationen in der Rea-
lität ablaufen. – Variety
Weapon of Choice
AT 2017, 90 min, Diverse OmU,
R: Fritz Ofner, Eva Hausberger,
B/K: Fritz Ofner, S: Gerhard Daurer,
Karina Ressler
Premiere: Mi 26. September, 20.00,
Moviemento – in Anwesenheit von
Fritz Ofner
Dokumentation über eine halbautomati-
sche Kult-Schnellfeuerwaffe aus Öster-
reich: die Glock.
Egal ob Polizist, Gangster oder Rebell, ob im
amerikanischen Ghetto oder im Irak: Das
Wort »Glock« gilt weltweit als Synonym für
Waffe. In Blockbustern verwenden Holly-
woodstars das Kultobjekt, Hip-Hopper wie
Cypress Hill, Wu Tang Clan oder Li’l Vicious
beschwören in ihren Texten dessen tödliche
Unfehlbarkeit – sie alle tragen zum Mythos
bei. Doch wie erzählt man über einen Hype,
ohne ihn zu verherrlichen? Die Ermittlungen
führen Fritz Ofner und Eva Hausberger vom
kleinen Werk in Deutsch-Wagram, wo unter
strengster Geheimhaltung produziert wird,
quer durch die USA bis in die Kriegsgebie-
te des Irak. Der Österreicher Gaston Glock
hatte die Pistole Ende der 1980er Jahre
erfunden, er vollzog mit diesem leicht zu
bedienenden Modell aus Kunststoff eine
waffentechnische Revolution, die das kleine
Familienunternehmen zum Global Player
machte. Der milliardenschwere Namensge-
ber selbst war zu einem Statement für den
Film nicht bereit. Dennoch gelingt es Fritz
Ofner und Eva Hausberger, sich der legen-
denumwobenen Pistole und ihrem Erfinder
anzunähern: Zu Wort kommen u. a. eine
amerikanische Waffentrainerin, die in der
Glock die Verlängerung ihres Körpers sieht,
10
ballon
ein Exsoldat, der bei der Festnahme Saddam
Husseins zum Sondereinsatzkommando ge-
hörte und die Glock des irakischen Diktators
eroberte, und „Panama-Charly“ alias Charles
Ewert, Ex-Treuhänder der Firma Glock, der
wegen versuchten Auftragsmordes an Gas-
ton Glock in Luxemburg im Gefängnis sitzt.
Entstanden ist eine vielschichtige und pa-
ckende Auseinandersetzung über die Faszi-
nation des Mythos Glock und ihre weltweiten
gesellschaftspolitischen Folgen, die zur Dis-
kussion anregen sollen.
AUS EINEM INTERVIEW
MIT DEM REGIETEAM:
Einen Film über die Glock-Pistole zu ma-
chen, bedeutet wohl, sich mit einer hoch
ambivalenten, um nicht zu sagen zyni-
schen Erfolgsgeschichte auseinanderzu-
setzen und grundsätzliche ethische und
kulturelle Fragen zum Objekt Waffe in den
Raum zu stellen. Wie frappierend war es
für Sie, den unglaublichen Kultstatus die-
ser Waffe quer durch die verschiedensten
Milieus festzustellen?
EVA HAUSBERGER: Es war in der Tat ein
hoch zwiespältiges Unterfangen, die Ge-
schichte eines enormen Erfolges zu erzäh-
len, der einem Objekt, das töten kann, zu
verdanken ist. Wie erzählt man einen Hype,
ohne zu verherrlichen? Wie findet man die
feine Klinge, um das wertfrei darzulegen?
Dieser Anspruch hat den Schnittprozess so
besonders schwierig gemacht, bei dem es
darum ging, auf dem Grat der Wertfreiheit
zu bleiben und nicht ungewollt einen Werbe-
film zu machen.
FRITZ OFNER: »Weapon of Choice« erzählt
die Erfolgsgeschichte eines moralisch hoch
fragwürdigen Objekts. Es ging nicht nur
darum, keinen Werbefilm zu machen, son-
dern auch darum, nicht zu moralisieren. Wir
wollten nicht als Anti-Waffenaktivisten mit
erhobenem Zeigefinger daherkommen. Wir
haben unsere Position zu diesem Thema. Mit
diesem Film wollen wir aber eine Geschichte
erzählen. Wenn es Menschen gibt, die von
dieser Waffe begeistert sind, dann lassen
wir diese Menschen das Wort ergreifen. Die
Montage erzählt unsere vielschichtige Sicht
auf das Thema. Wichtig war uns, eine ganze
Bandbreite an Situationen zu zeigen, wo die
Waffe vorkommt; die moralische Bewertung
des Gesehenen muss bei den Zuschauern
bleiben. Die Menschen wollen von einem Do-
kumentarfilm nicht bevormundet werden.
EVA HAUSBERGER: Es wäre auch zu sim-
pel, auf eine »böse« Firma hinzuweisen, die
Zu ebener Erde
die Welt mit Waffen vergiftet. Es gibt ganz
offensichtlich gesellschaftliche Strukturen,
die eine Notwendigkeit erzeugen, Waffen zu
kaufen und zum Einsatz zu bringen. Diese
beiden Seiten wollten wir zeigen, auch wenn
kein Zweifel darüber bestehen darf, dass ein
Unternehmen auch eine moralische Verant-
wortung hat. Es kann aber auch die Frage
nach der gesellschaftlichen Verantwortung
aufgeworfen werden. Warum bewaffnen
sich Menschen?
Die Dokumentarfilmer haben sich nicht
einschüchtern lassen. Sie reisten an die
Orte, an denen die Waffe ihre Wirkung zeigt,
in die USA, in den Irak, dorthin, wo Men-
schen mit Hilfe einer Glock getötet werden.
Entstanden ist ein gründlich recherchier-
ter, kritischer, unaufgeregter Film, der den
bemerkenswerten Aufstieg einer Firma
nachzeichnet: vom Hersteller von Gardinen-
stangen, Spaten und Messern in Deutsch-
Wagram, vor den Toren Wiens, zu einem
der größten Pistolenhersteller der Welt.
– Der Spiegel
Ein Blick auf die Tragweite eines österrei-
chischen Kapitels, wie man ihn bislang nicht
zu sehen bekommen hat – Die Zeit
Zu ebener Erde
AT 2018, 91 min, OdF, R: Birgit Bergmann,
Steffi Franz, Oliver Werani, B: Steffi Franz,
K: Oliver Werani, S: Birgit Bergmann
Premiere: Fr 28. September,
20.00 – Moviemento
Behutsame Dokumentation über Obdach-
lose in Wien.
Man sieht sie und man sieht sie nicht: Die
Kinodokumentation ZU EBENER ERDE
begleitet Männer und Frauen, die in Wien
ohne Obdach leben und vom Rest der Welt
oft nicht wahrgenommen werden. Zwischen
sensibler Nähe und respektvoller Distanz
erzählen die eindringlichen Porträts von der
Bewältigung des Alltags auf der Straße, von
Freiheit und Abhängigkeit, von Bedürfnissen
und Grenzen, von Krankheit, Tod und letzt-
lich der unteilbaren Würde des Menschen.
REGIESTATEMENT:
Ob auf dem Weg zur Uni, ins Kino oder sonst
wohin, sie sind immer da, unscheinbar,
 the rider
kaum wahrnehmbar, zum Teil sehr kreativ in
Nischen des öffentlichen Raums versteckt,
dann wieder ganz offensichtlich. Immer
wieder dieselben Personen in U-Bahn-Sta-
tionen, auf Bahnhöfen, Parkbänken oder
anderen Plätzen. Plötzlich sind sie ver-
schwunden, tauchen woanders wieder auf
oder werden nie wieder gesehen. Obdachlo-
se. Wer sind diese Menschen? Was denken
sie? Warum leben sie auf der Straße? Das
waren die ersten Fragen, die wir uns stellten,
und es war sehr schnell klar: Ein Film muss
her! Am besten in bewährter Konstellation,
nämlich das Drehbuch, die Kamera und den
Schnitt zur Regie vereint. Nach anfängli-
chen Berührungsängsten waren auch rasch
erste Kontakte zu Obdachlosen hergestellt,
und es öffnete sich eine kleine Parallelwelt
für uns. Bald sollten wir herausfinden, dass
die Gründe für Obdachlosigkeit so vielfäl-
tig sind, wie die Menschen unterschiedlich,
vielmehr ist es oft eine Verkettung unglück-
licher Umstände. Auch lernten wir ein Netz
aus Sozialeinrichtungen kennen, das wir in
dieser Ausprägung nicht vermuteten. Für
uns standen aber immer die Menschen im
Vordergrund, die wir begleiten und porträ-
tieren wollten. So entwickelten sich emotio-
nale Bindungen zu unseren Protagonist_in-
nen, denn wir verbrachten mit ihnen weit
mehr Zeit ohne Kamera. Bereits während
der Recherche starb mit Pepi der erste Pro-
tagonist, natürlich ein Schlag für uns, und
es sollte nicht einfacher werden. Schlechte
Gesundheit und auch der Tod waren und
sind ständige Begleiter dieses Projektes.
Bis zum heutigen Tag – und ziemlich sicher
weit darüber hinaus – sind wir mit unseren
Protagonist_innen ständig in Kontakt und
versuchen zu helfen, wo und wie wir können.
Aber auch das mussten wir lernen: Wir sind
keine Sozialarbeiter_innen, sondern Filme-
macher_innen. Als diese wollten wir jedoch
einen Beitrag leisten und Menschen vom
äußersten Rand aus der Anonymität holen.
Denjenigen eine Stimme geben, die sonst
nicht gehört werden. ZU EBENER ERDE ist
für uns mehr als nur ein Film, vielmehr wur-
de daraus ein Lebensabschnitt, in dem wir
uns seit über vier Jahren befinden.
Politisch oder sozial relevantes Kino …
Kommentarlos begleitet das Regietrio ab-
wechselnd vier Obdachlose durch ihren All-
tag in Wien, greift einzig durch einige Fragen
aus dem Off ein. Dieser Film schaut dorthin,
wo man sonst gerne wegschaut, und die
Not, die sonst vielfach abstrakt bleibt, be-
kommt hier ein konkretes Gesicht … Anders
Wackersdorf
wird man nach diesem Film – zumindest
eine gewisse Zeit – auf Obdachlose blicken.
– kultur-online.net
ZU EBENER ERDE ist eine behutsame
Langzeitbeobachtung über Obdachlose in
Wien, ein Film, der fast zärtliche Porträts
einzelner Menschen zeichnet und dabei
zugleich strukturelle Mechanismen von ge-
sellschaftlich-urbaner Unsichtbarmachung
sichtbar zu machen sucht. – Der Freitag
Ein sachlicher, schonungsloser und be-
eindruckender Dokumentarfilm, der viel-
leicht auch dazu führt, dass man das nächs-
te Mal an einem Obdachlosen nicht achtlos
vorbeigeht. – artechock.de
Wackersdorf
DE 2018, 123 min, OdF, R: Oliver Haffner,
B: Gernot Krää, Oliver Haffner,
K: Kaspar Kaven, S: Anja Pohl,
D: Johannes Zeiler, Anna Maria Sturm,
Peter Jordan, Florian Brückner,
Johannes Herrschmann, Fabian Hinrichs
ab Freitag, 21. September
Die Geschichte über den geplanten Bau
der Wiederaufbereitungsanlage und den
Protest der Bürger dagegen, als packen-
des Polit-Drama inszeniert.
Oberpfalz, 1980er Jahre: Die Arbeitslosen-
zahlen steigen, und der Landrat Hans Schu-
ierer steht unter Druck, Perspektiven für die
Bevölkerung zu schaffen. Da erscheinen
ihm die Pläne der bayerischen Staatsregie-
rung wie ein Geschenk: In der beschaulichen
Gemeinde Wackersdorf soll eine atomare
Wiederaufbereitungsanlage (WAA) gebaut
werden, die wirtschaftlichen Aufschwung
für die ganze Region verspricht. Doch als
der Freistaat ohne rechtliche Grundlage mit
Gewalt gegen Proteste einer Bürgerinitiative
vorgeht, die sich für den Erhalt der Natur in
ihrer Heimat einsetzt, steigen in Schuierer
Zweifel auf. Vielleicht ist die Anlage doch
nicht so harmlos wie behauptet? Er beginnt
nachzuforschen und legt sich mit der mäch-
tigen Strauß-Regierung an.
WACKERSDORF ist ein packendes Polit-
Drama über die Hintergründe, die zu dem le-
gendären Protest gegen den Bau der WAA in
der Oberpfalz führten. Johannes Zeiler spielt
den Lokalpolitiker Hans Schuierer, der seine
nach dem urteil
Karriere und seine Zukunft aufs Spiel setzte,
weil er kompromisslos für Recht und Gerech-
tigkeit kämpfte. An Originalschauplätzen im
Landkreis Schwandorf gedreht, verfolgt der
Film die Geburtsstunde der zivilen Wider-
standsbewegung in der BRD. Ein Plädoyer
für demokratische Werte und Bürgerengage-
ment, heute so aktuell wie damals.
PRODUKTIONSNOTIZEN
Als Oliver Haffner mit der Idee auf mich zu-
kam, einen Film über Wackersdorf zu pla-
nen, rannte er bei mir offene Türen ein. Ein
Film über rebellierende Untertanen, über
die große Geschichte in der vernachlässig-
ten Provinz (aus der ich noch dazu stamme)
– und vor allem über die achtziger Jahre,
heute zu unserer Verwunderung oft verklärt
als Epoche, in der es noch echte Politiker-
Typen gab. Der NATO-Doppelbeschluss, der
ausklingende Radikalen-Erlass, speziell in
Bayern eine Regierung, deren Ministerprä-
sident Künstler und Intellektuelle als »Rat-
ten und Schmeißfliegen« bezeichnete und
deren Parteigänger Aidskranke kasernieren
lassen wollten – war da nicht was? Aber wie
diesen großen Stoff angehen? Viele haben
ihr Wackersdorf-Erlebnis im Kopf und man-
che in den Knochen. Wer Wackersdorf hört,
denkt an Schlachtenbilder mit Wasserwer-
fern, Autonomen und Hundertschaften Poli-
zei. Das erachteten wir weder als herstellbar
noch als abendfüllend. Deswegen war die
Frage: Wie kam es zu so einer Wut auf die
Politik (und die von ihr instrumentalisierte
Polizei)? Dazu mussten wir tiefer bohren.
Filmische Vorbilder waren kaum greifbar.
Zeitgeschichtliche Stoffe kommen im Kino
jenseits von Nazis, Stasi und RAF praktisch
nicht vor, schon gar nicht im bayerischen.
»Eine Liebe am Bauzaun« – erfolgreiches
Strickmuster manches Event-TV-Films
– kam nicht in Frage. Wir erinnerten uns
an den unbeugsamen Landrat Schuierer,
nach dem sogar ein Gesetz benannt wur-
de. Anders als mit der Entmachtung des
gewählten Landrats wusste sich die baye-
rische Staatsregierung nicht zu helfen. Aus
der Fülle des epischen Stoffes – immerhin
reicht die wahre Geschichte vom Anfang
der achtziger Jahre bis 1989 – musste eine
fokussierte und eben gar nicht chronikhafte
Story kondensiert werden. Keine Rekonst-
ruktion, sondern Fiktion, die das Politische
im Alltäglichen findet und dabei konkret und
genau ist. Gernot Krää und Oliver Haffner
haben hier Großes geleistet – und es ist kein
Wunder, dass die Stoffentwicklung mehrere
Jahre dauerte.
11
 Shut Up and Play the Piano
Shut Up and
Play the Piano
US/GB 2018, 83 min, Diverse OmU,
R/B: Philipp Jedicke,
K: Marcus Winterbauer, Marcel Kolven-
bach, S: Henk Drees, Carina Mergens,
mit: Chilly Gonzales, Peaches, Leslie Feist,
Jarvis Cocker, Sibylle Berg
Fr 21. & Sa 22. September, 22.00 //
Di 25. September, 21.00 –
Moviemento
Drei Jahre begleitete der Dokumentar-
filmer Philipp Jedicke den Komponisten,
Entertainer und Klavierspieler Jason Beck,
genannt Chilly Gonzales.
»One of these days I will shut up and play the
piano« heißt es im Refrain des Songs, der zum
Titel des Porträts des eklektischen Musikers
Chilly Gonzales wurde. Und tatsächlich erfand
sich der Kanadier, bürgerlich Jason Charles
Beck, mit ruhigen Klängen am Klavier neu,
nachdem er als schnoddriger Elektro-Rapper
Karriere gemacht hatte. 2003 erklärte sich
der selbsterwählte Außenseiter lautstark zum
Präsidenten des Berliner Undergrounds, um
wenig später mit seinem leisen Album »Solo
Piano« auch die bürgerlichen Konzertsäle zu
erobern. Ein langes Gespräch mit Schriftstel-
lerin Sibylle Berg zieht sich als roter Faden
durch den Film. Zwischen den beiden geht es
ans Eingemachte, in ihren Fragen und Antwor-
ten stehen sie einander in nichts nach. Philipp
Jedicke verbindet in seinem Regiedebüt mit
leichter Hand Archivmaterial mit spielerisch
inszenierten Szenen und Interviews mit Weg-
gefährt_innen wie Peaches, Leslie Feist und
Jarvis Cocker. Kombiniert mit den energiege-
ladenen Auftritten von Gonzales, gibt es einen
hart arbeitenden Entertainer zu entdecken,
der immer aufs Neue zu überraschen weiß.
AUS EINEM INTERVIEW
MIT DEM REGISSEUR:
Was für einem Typus Musiker sind Sie
während dieser langen Drehzeit und auch
bei den Konzerten begegnet?
Er hat eigentlich eine klassische musikali-
sche Ausbildung: Er hat Klassik, Jazz und
Komposition studiert. Als er dann nach
Berlin kam, hat er das Ganze Richtung En-
tertainment weiterentwickelt und sich recht
weit von seinen Wurzeln als klassischer
Pianist entfernt – und dann aber wieder
zurückgefunden. Er lebte eine Zeit lang in
Paris und hat dann das Album »Solo Piano«
12
Das Prinzip Montessori
aufgenommen. Das war sein Wiedereinstieg
in die Klassik – zurück zu seinen Wurzeln.
Inzwischen trainiert er wieder jeden Tag
am Piano, was er jahrelang gar nicht mehr
gemacht hat. Und seitdem arbeitet er viel
mit klassischen Musikern und Orchestern
zusammen.
Es gibt ein erstaunliches Statement in Ih-
rem Film, da sagt Cornelius Meister, der
Leiter des ORF Radio-Symphonieorches-
ters Wien: Ob Chilly Gonzales die Aufnah-
meprüfung an einer Musikhochschule in
Deutschland oder Österreich heute beste-
hen würde, da sei er sich nicht sicher. Was
erzählt das über Gonzales?
Chilly hat diese Stelle in der Rohschnittfas-
sung des Films schon gesehen. Ich habe
sie ihm auch bewusst gezeigt, weil ich so
gespannt war, wie er auf diese Aussage re-
agieren würde. Und er hat nur genickt und
gesagt: »He is right!« Er hat da überhaupt
keine Allüren, dass er denkt, er sei der große
klassische Musiker. Er ist mehr so ein Tau-
sendsassa. So sieht er sich auch: vor allem
als Entertainer – auch bei Klassik-Konzerten.
Der Mann im Morgenmantel, musikali-
sches Genie, Weltrekordhalter im Dauer-
klavierspiel – Chilly Gonzales ist seit vielen
Jahren ein Musikphänomen, das spielerisch
verschiedenste Facetten vereint. SHUT UP
AND PLAY THE PIANO spürt dieser Faszina-
tion nach. – Kino-Zeit.de
Das Spiel mit Illusionen und Authentizität
kann tückisch sein, im Fall dieses Films ist
es für das Publikum aber ein ganz großer
Genuss. – taz
Das Prinzip
Montessori –
Die Lust am
Selber-Lernen
Le Maître est l'enfant
FR 2017, 92 min, Französisch OmU,
R/B/K: Alexandre Mourot,
S: Catherine Mamecier
ab Freitag, 7. September
Dokumentation, die in die magische Welt
der geistigen Autonomie des Menschen
eintaucht, die Maria Montessori vor 100
zu ebener erde
Jahren erstmals ausformulierte.
Als der Filmemacher Alexandre Mourot zum
ersten Mal Vater wird, kommen eine ganze
Menge neuer Fragen auf ihn zu. Sobald sie
laufen kann, möchte seine Tochter alles ent-
decken und vor allem – auf eigene Faust und
ohne Hilfe. Dabei gibt es allerlei Gefahren,
die jedem Erwachsenen den Angstschweiß
auf die Stirn treiben: an der Kante kann man
stolpern, von der Leiter lässt es sich gut fal-
len oder von der Treppe schön herunterpur-
zeln. Alexandre Mourot fragt sich: Was treibt
meine Tochter eigentlich an und wie soll ich
mich dazu verhalten? Als er feststellt, wie
groß die Fortschritte seiner Tochter sind,
wenn er sie einfach gewähren lässt und ihre
eigenen Energien respektiert, beginnt er
sich für die Montessori-Pädagogik zu inte-
ressieren. Ausgerüstet mit seiner Kamera,
besucht er Frankreichs älteste Montessori-
Schule. Hier trifft er auf glückliche Kinder, die
die Vorteile ihrer Freiheit genießen und doch
sehr diszipliniert ihren »Aufgaben« nachge-
hen. Ob lesen, Brot backen, rechnen lernen,
schlafen oder spielen – die Erzieher bleiben
sehr diskret und im Hintergrund. Es sind die
Kinder, die dem Regisseur durch ihre Ent-
wicklung eine ganz eigene Dramaturgie vor-
geben und so zu den eigentlichen Erzählern
ihrer Geschichte werden. Alexandre Mourots
Dokumentarfilm ist ein ehrlicher und intimer
Einblick in die bezaubernde Magie des Ler-
nens. Auf den Spuren der Montessori-Päd-
agogik zeigt der Film in so bewegenden wie
charmanten Beobachtungen, welch Schatz
sich in unseren Kindern verbergen kann.
AUS EINEM INTERVIEW
MIT DEM REGISSEUR:
Warum haben Sie den ganzen Film aus der
Kinderperspektive inszeniert?
Als ich nach der Geburt meiner Tochter be-
gann, sie zu filmen, tat ich das mit der ty-
pischen Begeisterung eines jungen Vaters.
Ich habe ihre Entwicklung beobachtet, sie
gefilmt und dabei versucht, so wenig wie
möglich einzugreifen. Meine Rolle als Beob-
achter war schon ein Hinweis auf meine Er-
ziehungseinstellung. Diese Einstellung fin-
det sich auch im Film wieder, den ich gerne
durch den Kontakt der Kinder in der Klasse
machen wollte.
Die kinematografische Intention hat sich
danach präzisiert. Ich wollte mit dem Publi-
kum das Klassenleben der Kinder zwischen
drei und sechs Jahren teilen. Es eintauchen
lassen in den Alltag einer Klasse, die nach
Maria Montessoris Empfehlungen funkti-
oniert. Und dieses bestimmte Alter nahe-
 Bruder Jakob, schläfst du noch?
bringen, diese magische Phase, in der das
Kind ein sensorischer Entdecker ist, immer
aktiv dabei, seine Selbstständigkeit weiter-
zuentwickeln. Man musste den Kindern also
bei der Forschungsarbeit folgen. Abwarten
wie ein Montessori-Pädagoge. Die Kame-
ra mitten unter ihnen positionieren, sie sie
vergessen lassen und sie weder stören noch
eingreifen. Ich musste natürlich auf Augen-
höhe mit ihnen sein, unter ihnen sein. Für
Maria Montessori sollte das Kind unser Füh-
rer sein, unser Meister. Denn Erziehung be-
steht daraus, das Kind zu kennen und seine
Wünsche zu verstehen; von ihm zu lernen,
um es in seiner Entwicklung besser beglei-
ten zu können. Maria Montessori lädt uns
ein, demütig zu sein, ohne Vorurteile zu be-
obachten… Ich konnte also gar nichts ande-
res tun, als auf Augenhöhe mit den Kindern
zu filmen, anstatt von oben auf sie herab zu
schauen. Diese Einstellung findet sich auch
in der Montage wieder. Ich habe versucht,
die Verirrungen der Kinder zu zeigen, aber
auch ihren Enthusiasmus, wenn sie plötz-
lich gefunden hatten, was ihren inneren Be-
dürfnissen entsprach.
Bruder Jakob,
schläfst du noch?
AT 2018, 80 min, OdF, R: Stefan Bohun,
B: Stefan, Johannes, David Bohun,
K: Klemens Hufnagl, S: Marek Kralovsky
Premiere: Mi 12. September, 18.00,
Moviemento –
in Anwesenheit der Regie
Der einfühlsame Dokumentarfilm über vier
Brüder, die nach dem Suizid des fünften
Bruders in die Vergangenheit reisen, erzählt
von Trauer, Heiterkeit und Ankommen.
Jakob nahm sich das Leben. Er war nach
Portugal ausgewandert, doch erfüllt von
Heimweh und Sehnsucht. In BRUDER JA-
KOB, SCHLÄFST DU NOCH? machen sich
zwei Jahre später seine vier Brüder, da-
runter der Regisseur Stefan Bohun, auf
eine Spurensuche in die Vergangenheit:
Langsam formen ihre unterschiedlichen
Erinnerungen an den Verstorbenen dabei
ein Familienbild, in dem jeder – auch als Er-
wachsener – seinen Platz erst finden muss-
te. BRUDER JAKOB, SCHLÄFST DU NOCH?
ist ein behutsamer, sehr persönlicher Film
über einen langsamen Abschied, zugleich
Phaidros
aber auch einer über das Wiedersehen. Die
über den Film verstreuten Archivaufnahmen,
auf denen man die Brüder als Kinder und Ju-
gendliche sieht – ein Gipfelsieg im Sommer,
beim gemeinsamen Baden und ausgelasse-
nen Toben und Tanzen –, verleihen diesem
Film eine ungeahnte und bemerkenswerte
Leichtigkeit. Die Suche, die im Tiroler Larein-
tal beginnt, endet schließlich in einem Ho-
telzimmer in Porto. Und mit der Erkenntnis,
dass dies kein Film der Traurigkeit ist, son-
dern einer über die Notwendigkeit der Trauer.
Und über das Wiederfinden jener, die einen
als Familie durchs Leben begleiten.
REGIESTATEMENT
Für mich ist der Film die gemeinsame Be-
gehung eines Trauerweges nach dem Suizid
meines Bruders. Eine Annäherung an Jakob
wird zu einer Reise durch Raum und Zeit mit
meinen drei verbliebenen Brüdern. Die Ge-
meinsamkeit unserer Kindheit wird brüchig.
Ein Familienbild setzt sich erst durch die Kon-
flikte und die unterschiedlichen Sichtweisen
der Brüder auf die Vergangenheit zusammen.
Neben der Notwendigkeit der Trauer steht für
mich auch die Suche nach Momenten der
Leichtigkeit, denn Jakob hatte Humor. Der
Film gab mir die Möglichkeit, Erinnerungen an
Erlebtes zu ordnen sowie Emotionen Raum
und letztendlich ein Ventil zu geben. BRUDER
JAKOB, SCHLÄFST DU NOCH? ist gleichzeitig
Abschied und Wiedersehen.
Phaidros
AT 2018, 98 min, OdF,
R/B/S: Mara Mattuschka,
K: Sepp Nermuth, D: Julian Sharp,
May Teodosio, Tamara Mascara,
Nicola Filippelli, Alexander E. Fennon
Sa 15. & Di 18. September, 21.00 –
Moviemento
Platons gleichnamigem Dialog nachemp-
funden, spielt der Film in einer Großstadt
der Gegenwart.
Platonische Freundschaft im LBQT+-Mili-
eu? Nicht ganz. Der Schauspieler Emil soll
im Wortgefecht mit Werner Maria, der in
die Rolle des Sokrates schlüpft, die Figur
des Dichters Phaedros verkörpern. Als die
Grenzen zwischen Freundschaft und sexu-
eller Anbahnung bald auch abseits des Büh-
nengeschehens verschwimmen, überschlägt
Pettersson und Findus
sich das karnevalesk-schrille Szenario in gro-
tesken Dreiecks- und Vielecksgeschichten,
die zuletzt sogar ein Todesopfer fordern.
Ein Wirbelwind von einem Genre-Hybrid,
in dem nichts straight, sondern alles quer
gedacht und gemacht ist. Der gleichna-
mige platonische Dialog über die Vorzüge
und Nachteile der (homo)erotischen Liebe
wird zum Backstage-Drama an der Sprech-
bühne, zur beklemmenden Faustiade und
schließlich als Krimi-whodunnit neu ima-
giniert. Dazu glänzende set pieces eines
queeren, ins Traumhaft-Surreale verscho-
benen Wien der Bars, Cafés und Nacht-
clubs, bevölkert von einem Ensemble artifi-
zieller, tragikomischer Figuren.
Schauspiel ist Macht! In PHAIDROS ist
alles Schauspiel, und alles ist Macht, ob auf
der Bühne oder jenseits dieser. – Diagonale
Pettersson
und Findus:
Findus zieht um
DE 2018, 81 min, OdF, R: Ali Samadi Ahadi,
B: Thomas Springer, nach den Büchern
von Sven Nordqvist, K: Mathias Neumann,
S: Andrea Mertens, D: Stefan Kurt, Max
Herbrechter, Marianne Sägebrecht,
Roxana Samadi (Stimme von Findus)
ab Freitag, 14. September
Abschluss der hinreißenden Realfilm-Tri-
logie nach Sven Nordqvists Büchern »Pet-
tersson zeltet« und »Findus zieht um«.
Findus hüpft Tag und Nacht auf seiner neu-
en Matratze herum, der genervte Petters-
son aber möchte seine Ruhe haben. Die Lö-
sung: ein eigenes Spiel- und Hüpf-Haus für
Findus, das Pettersson ihm gleich nebenan
baut. Der Kater aber findet solchen Gefal-
len daran, selbständig zu sein und alleine
zu wohnen, dass er nicht nur zum Spielen,
sondern gleich ganz und gar ins Häuschen
umzieht. So hat Pettersson sich das aller-
dings nicht vorgestellt! Muss er sein Leben
jetzt etwa ohne seinen kleinen fröhlichen
Gefährten führen? Findus muss sich etwas
einfallen lassen, um den alten Pettersson
wieder aufzumuntern. Und als dann eines
Nachts ein Fuchs unheilvoll um Findus‘
neue Wohnung streift, fängt auch der Kater
an, die Sache noch einmal zu überdenken...
13

rearview
Fundstücke des populären Kinos
im Originalton
Freitag & samstag 22.00 im city-kino
Nahtlos anknüpfend an David Leitchs Ac-
tion-Extravaganzen ATOMIC BLONDE und
DEADPOOL 2, schließt Tom Cruise mit sei-
nem Opus Magnum MISSION: IMPOSSIBLE
– FALLOUT im September-REARVIEW die
Schnittstelle zwischen Akteur und »Auteur«.
Die Karriere von Cruise ist seit über drei-
ßig Jahren eng mit einigen der wirkmäch-
tigsten und prägendsten US-Regisseuren
(Kubrick, Spielberg, Levinson, Mann) und
Autoren (Aaron Sorkin, Robert Towne) ver-
zahnt. Im letzten Jahrzehnt, in dem Cruise
mit steigender Intensität eine symbiotische
Arbeitsbeziehung mit Drehbuchautor und
Regisseur Christopher McQuarrie einge-
gangen ist, wurde sein Name zusehends
Synonym dessen, was vielen als »Spekta-
kelkino« und »Hochkommerz« im Großkino
schon immer Dorn im Auge gewesen sein
will. Dabei kann man aber leicht übersehen,
dass Cruise – bei aller Ironiebefreitheit –
niemals die Kriterien für hochwertiges nar-
ratives Kino außer Acht lässt. In einer nie
da gewesenen Größenordnung befindet er
den Traum vom eskapistischen Massen-
Unterhaltungskino durch eigenhändige
Schwerstarbeit für noch nicht ausgeträumt.
Keine kleine Unerhörtheit, solange Filmstu-
dios wie Börsenunternehmungen agieren
und kleinteilige Risikominimierung auf ihre
Tagesordnung schreiben. Filmgeschichtlich
ist Tom Cruise als Superstar, Produzent und
Stuntman am ehesten wohl mit Buster Ke-
aton vergleichbar. Es ist bezeichnend, dass
Cruise just am Kulminationspunkt der MIS-
SION: IMPOSSIBLE-Reihe, inmitten irrer
Stunt-Superlative (Halo-Sprung, selbst ge-
flogene Hubschrauber-Manöver, die sogar
im Kinosessel Schwindel erregen), unver-
mutet und understated, einen nuancierten
Schauspieler in sich zum Vorschein kom-
men lässt, der Superagent Ethan Hunt in
subtiler Manier allzu schmerzlich-mensch-
liche Facetten abringt und Sterblichkeit auf
einmal ganz lebensnah verhandelt.
Eine beschaulichere Spielart des persönli-
chen Gebrauchskinos lässt ein Held unserer
Kindheit wieder aufflackern – Terence Hill
legt nach 20 Jahren und im stolzen Alter
von 79 Jahren einen neuen Kinofilm vor:
Nach eigenem Drehbuch hat er als Regis-
seur und Hauptdarsteller mit MEIN NAME
IST SOMEBODY einen sentimentalen (und
nicht zu wehmütigen) Abgesang auf jenes
Kino, das schon immer einen kleinen Traum
von großer Freiheit in sich getragen hat, re-
alisiert. In der Wüste von Almeria (Drehort
vieler Spaghetti-Western und Stätte der
Erstbegegnung von Mario Girotti und Car-
lo Pedersoli aka Hill und Spencer) spürt er
gleichsam seiner eigenen Wandlung zur po-
pulären Ikone nach. Bei REARVIEW exklusiv
im deutschen Sprachraum im italienischen
(!) Originalton mit deutschen Untertiteln.
Termine auf www.moviemento.at
14
Mission:
Impossible –
Fallout
US 2018, 148 min, Englisch OF,
R/B: Christopher McQuarrie, K: Rob Hardy,
S: Eddie Hamilton, D: Tom Cruise,
Rebecca Ferguson, Vanessa Kirby,
Henry Cavill, Michelle Monaghan,
Angela Bassett
Im sechsten Teil des Agenten-Spektakels
muss Geheimagent Ethan Hunt mit sei-
nem Team eine nukleare Bedrohung von
der Welt abwenden.
Nach einer missglückten Mission wird Ge-
heimagent Ethan Hunt mehr denn je mit
den Konsequenzen seiner vergangenen Ta-
ten konfrontiert. Während ihn seine Vergan-
genheit heimsucht, sieht sich die Welt einer
schweren nuklearen Bedrohung ausgesetzt.
Unter der Führung des neuen IMF-Chefs
Alan Hunley müssen Ethan, seine Kollegen
Benji Dunn und Luther Stickell sowie MI6-
Agentin Ilsa Faust in einem Wettlauf gegen
die Zeit einmal mehr eine Katastrophe ver-
hindern...
Mein Name ist
Somebody –
Zwei Fäuste
kehren zurück
Il mio nome è Thomas
IT 2018, 96 min, Italienisch OmU,
R: Terence Hill, B: Terence Hill, Luisa Tonon,
K: Roberta Allegrini, S: Luca Benedetti,
D: Terence Hill, Veronica Bitto, Andy Luotto,
Guia Jelo, Francesca Beggio, Matt Patresi
In MEIN NAME IST SOMEBODY ist der Star
des Italowesterns Terence Hill als Easy Ri-
der zu sehen, der die Einsamkeit der Wüs-
te sucht.
Auf seiner spirituell inspirierten Reise nach
Almeria in Andalusien kommt Aussteiger
Thomas durch Zufall der jungen Frau Lucia
zu Hilfe, die in die Hände zweier Verbrecher
geraten ist. Nach ihrer Rettung ist es mit
der von Thomas ersehnten Einsamkeit fürs
Erste vorbei, denn die junge Frau weigert
sich alleine zurückzubleiben. Trotz einiger
Unweg-samkeit entlang der Reise, erkennt
Thomas durch sie schließlich etwas Ent-
scheidendes: Die Erfüllung des Lebens, die
er sucht, findet er nicht in der Einsamkeit
der Wüste. Es sind Lucias Mut und Freigeist,
die ihn inspirieren...
Terence Hill hat zehn Jahre an seinem Her-
zensprojekt gearbeitet, nach seiner Fertigs-
tel-lung hat er MEIN NAME IST SOMEBODY
seinem erst unlängst verstorbenen, kon-
genialen Schauspielpartner Bud Spencer
gewidmet. Produziert wurde das Roadmo-
vie von seinem Sohn Jess Hill, der schon in
vielen Filmen seines Vaters mitgewirkt hat.
babykino
jeden ersten Mittwoch im Monat – City-Kino
Am Mi 5. September zeigen wir
Geniale Göttin (9.30)
Deine Juliet (10.00)
Aktuelle Filmhighlights bei freiem Eintritt in
speziellen Vorführungen, bei denen Sie Ihr
Kleinkind getrost in den Kinosaal mitnehmen
können. Eintritt frei – für Eltern mit Babys!
FilmTage 50+
Mi 27. – Fr 29. September,
Moviemento
Gezeigt werden Filme, die viele unterschied-
liche Aspekte des Alters thematisieren.
Programm: www.seniorinnen.gruene.at
Südwind im Kino
die bauliche maSSnahme
Mi 5. September, 20.00, Moviemento
Grenzpass Brenner: Im Frühjahr 2016 wer-
den seitens der Politik Maßnahmen ergriffen,
um Österreich vor einem neuerlichen Flücht-
lingsansturm zu schützen. Ein Zaun ist auch
am Brenner im Gespräch. Die Einheimischen
sind hin- und hergerissen. Viele fürchten die
„bauliche Maßnahme“ ebenso wie die ver-
meintlich drohende Überfremdung der Hei-
mat Tirol. Der Regisseur Nikolaus Geyrhalter
hat für seinen Dokumentarfilm zwei Jahre
lang die Region um den Brenner beobachtet
und ein Porträt einer Grenzregion gezeich-
net, die nicht zur Ruhe kommen kann. Im An-
schluss an den Film ist Nikolaus Geyrhalter
für ein Filmgespräch zu Gast.
Mehr zum entwicklungspolitischen
Engagement von Südwind auf:
www.suedwind.at/ooe
AK-Kultur
AK-Kultur & Moviemento haben für Film-
freund_innen eine Kooperation vereinbart.
Inhalt dieser Zusammenarbeit ist, dass ein-
mal monatlich gemeinsam ein Film vorge-
schlagen wird, für den AK-Mitglieder mit der
Leistungskarte oder der AK-plus-Card einen
ermäßigten Eintrittspreis von 6 Euro zahlen.
Das Einführungsreferat für den September-
Film IN DEN GÄNGEN hält der Linzer Film-
wissenschafter Markus Vorauer, am Freitag,
22. September, 21.00, Moviemento.
Das gesamte Kulturangebot der Arbeiter-
kammer finden Sie unter: www.ak-kultur.at
 wasser
Filme
˜Zum Höhenrausch 2018
Das andere Ufer
˜
im sommerkino
Die Brücke am kwai
Sa 1. September, 20.15

aguirre,
Der Zorn gottes
So 2. September, 20.15

wilDer strom
Mo 3. September, 20.15,

Der weisse Hai

Di 4. September, 20.15

Fluss oHne wieDerkeHr

Mi 5. September, 20.15

im moviemento
swimming witH men
Do 6. September, 18.30

leviatHan
Fr 7. September, 18.30

sHape oF water
Sa 8. September, 18.30

vor uns Das meer

So 9. September, 18.30

Der eFFekt Des wassers

Mo 10. September, 18.30

mancHester By tHe sea

Di 11. September, 18.30

auF allen meeren

Mi 12. September, 18.30

15
 Moviemento & City-Kino
Die Spielzeiten und -orte entnehmen Sie bitte
unserem Wochenprogramm, unserer Home-
page sowie der Tagespresse

September 2018
Filmstarts
ab Fr 7. september ab Fr 21. september FilmBrunch
OmU Sonntags im Moviemento & Gelben Krokodil
das prInZIp montessorI – auGuste rodIn
so 16. september
dIe lust am Rodin
11.00 Mackie Messer
FR 2017, 121 min, R: Jacques Doillon
selBer-lernen OmU Laufzeit: mindestens 3 Wochen 11.15 the riDer
Le Maître est l‘enfant 11.15 Book cluB
FR 2017, 92 min, R: Alexandre Mourot grüner wirD‘s nicht, ...
Laufzeit: mindestens 3 Wochen wackersdorF OdF 13.15
13.15 gunDerMann
DE 2018, 123 min, R: Oliver Haffner
Laufzeit: mindestens 2 Wochen
13.30 sauerkrautkoMa
dIe BaulIche so 23. september
massnahme OdF ab Fr 28. september 11.00 auguste roDin
AT 2018, 112 min, R: Nikolaus Geyrhalter 11.15 ein Dorf zieht Blank
Laufzeit: mindestens 2 Wochen Ballon OdF 11.15 cops
DE 2018, 120 min, R: Michael Bully Herbig 13.00 offenes geheiMnis
13.15 the Man who killeD ...
dIe BrIllante Laufzeit: mindestens 3 Wochen
13.15 wackersDorf
mademoIselle neIla OmU
Le Brio the man who kIlled so 30. september
11.00 Ballon
FR 2017, 97 min, R: yvan Attal don QuIxote OmU 11.00 the Man who killeD ...
Laufzeit: mindestens 3 Wochen ES/GB/BE/PT 2018, 133 min,
11.00 Die Beste aller welten
R: Terry Gilliam
13.00 grüner wirD‘s nicht, ...
nach dem urteIl OmU Laufzeit: mindestens 3 Wochen
13.15 sauerkrautkoMa
Jusqu‘à la garde 13.30 MaMMa Mia! here we go again
FR 2017, 94 min, R: xavier Legrand oFFenes GeheImnIs OmU
Laufzeit: mindestens 2 Wochen Todos lo saben
ES/FR/IT 2018, 132 min, R: Asghar Farhadi
Laufzeit: mindestens 3 Wochen
specials
ab Fr 14. september im Moviemento
OmU
Book cluB – utøya 22. JulI sa 1. – mI 12. september
wasserfilMe
das Beste kommt noch OmU NO 2018, 93 min, R: Erik Poppe
in Kooperation mit dem Höhenrausch
Book Club Laufzeit: mindestens 3 Wochen
US 2018, 97 min, R: Bill Holderman mI 5. september, 20.00
Laufzeit: mindestens 3 Wochen weapon oF choIce OmU preMiere: Die Bauliche MassnahMe
AT 2017, 90 min,
in Anwesenheit des Regisseurs
R: Fritz Ofner, Eva Hausberger
Bruder JakoB, Laufzeit: mindestens 3 Wochen mI 12. september, 18.00
schläFst du noch? OdF preMiere: BruDer JakoB, schläfst...
AT 2018, 80 min, R: Stefan Bohun OdF
Zu eBener erde in Anwesenheit des Regisseurs
Laufzeit: mindestens 1 Woche AT 2018, 91 min, R: Birgit Bergmann
Laufzeit: mindestens 3 Wochen Fr 14. september, 18.00
cops OdF preMiere: cops
AT 2018, 92 min, FIXtermIne Im moVIemento mit R. Düringer, A. Noori und Regie
R: Istvan aka Stefan A. Lukacs
Laufzeit: mindestens 3 Wochen phaIdros OdF mI 26. – 28. september, 20.00
AT 2018, 98 min, R: Mara Mattuschka filMtage 50+
Gundermann OdF sa 15. & DI 18. september, 21.00 in Kooperation mit den Grünen Seniorinnen
DE 2018, 128 min, R: Andreas Dresen
mI 26. september, 20.00
Laufzeit: mindestens 2 Wochen shut up preMiere: weapon of choice
OmU
and play the pIano in Anwesenheit von Fritz Offner
mackIe messer – Brechts US/GB 2018, 83 min, R: Philipp Jedicke
dreIGroschenFIlm OdF Fr 21., sa 22. september, 22.00 // Fr 28. september, 20.00
DE/BE 2018, 130 min, R: Joachim Lang DI 25. september, 21.00 preMiere: zu eBener erDe
Laufzeit: mindestens 3 Wochen in Anwesenheit der Regisseur_innen

the rIder OmU Filmgespräche Babykino

US 2017, 104 min, R: Chloé Zhao mit Markus Vorauer im City-Kino
Laufzeit: mindestens 2 Wochen
Fr 28. september, 21.00, moVIemento mI 5. september
weapon of choice 9.30 geniale gÖttin
kinderkino mit der Arbeiterkammer 10.00 Deine Juliet
im City-Kino
ab Fr 14. september Moviemento OK Platz 1, 4020 Linz, 0732/78 40 90
pettersson unD finDus: City-Kino Graben 30, 4020 Linz, 0732/77 60 81
finDus zieht uM
www.moviemento.at
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