Johannes Brahms

Violin Concerto
Double Concerto

Erik Schumann
Mark Schumann
Nürnberger Symphoniker
Alexander Shelley
 Johannes Brahms (1833-1897)

Konzert für Violine und Orchester

D-Dur, op. 77 (1878)
Concerto for Violin and Orchestra in D major

01 1. Allegro non troppo 21:35

02 2. Adagio 08:36
03 3. Allegro giocoso, ma non troppo vivace 07:58

Konzert für Violine, Violoncello und

Orchester a-Moll, op. 102 (1887)
Concerto for Violin, violoncello
and Orchestra in A minor

04 1. Allegro 16:09
05 2. Andante 06:48
06 3. Vivace ma non troppo 08:19

Erik Schumann Violine . violin

Mark Schumann violonCello
Nürnberger Symphoniker
Alexander Shelley

2 2
KONZERTANTE SINFONIEN
W
ie so oft versuchte Johannes Brahms seine unterschiedlichen kompositori-
schen Vorstellungen nach Möglichkeit von mehreren Seiten zu bearbeiten.
Ein einziges, exemplarisches Endprodukt schien ihm offenbar meistens
nicht aussagekräftig genug zu sein. Auch für Musik mit (Solo-)Violine bietet sein
Werk daher direkte Vergleichsmöglichkeiten an. Sein einziges Konzert für Violine
und Orchester D-Dur op. 77 entstand 1878 in unmittelbarer zeitlicher Nachbar-
schaft zur ersten Violinsonate (G-Dur, op. 78), zudem nur ein Jahr nach seiner
zweiten Sinfonie, die ebenfalls in D-Dur geschrieben ist – und dann noch in der
gleichen Tonart wie das (ebenfalls einzige) Violinkonzert des »Riesen« Ludwig van
Beethoven, den Brahms ja auch schon anlässlich seiner ersten Sinfonie Anfang der
1870er Jahre »hinter sich marschieren hört«.
Im August 1878 befand sich Brahms im Kärtener Sommerdomizil Pörtschach,
von wo aus er einen guten Freund, den berühmten Geiger Joseph Joachim (1831-
1907), postalisch bat, eine »Anzahl Violinpassagen« durchzusehen. Joachim, der auf
ein Werk von Brahms für »sein« Instrument bisher nicht zu hoffen gewagt hatte,
antwortete: »Es ist eine große echte Freude für mich, dass Du ein Violinkonzert (in
vier Sätzen sogar!) aufschreibst.« Dass aus den geplanten vier Sätzen später einer
weniger wurde, erklärt sich durch den Umstand, dass Joachim das (natürlich ihm
gewidmete) Stück im traditionellen Neujahrskonzert 1879 im Leipziger Gewand-
haus aufzuführen gedachte, was ihm Brahms zunächst jedoch nicht zusagen
4 5
mochte, weil sein viersätziges Konzept nicht auskomponiert war. Dann heißt es
aber noch im Herbst: »Die Mittelsätze sind gefallen – natürlich waren es die besten!
Ein armes Adagio aber lasse ich dazu schreiben.« Die Musik der »gefallenen Mittel-
sätze« wurde vermutlich für das zweite Klavierkonzert (B-Dur, op. 83 – geschrie-
ben zwischen 1878 und 1881) aufgehoben und dort weiter verwendet.
Die Kunst des Konzertes für ein Soloinstrument und Orchester besteht in der
ständigen Balance zwischen Spannung und Entspannung, dem Wechsel von aus-
gedehnten Solopassagen mit dezenter Begleitung und reinem Tutti voller orchest-
raler Wucht. In seinem Violinkonzert kontrastiert das fast pastoral anmutende
Hauptthema mit einem rhythmisch sperrigen Seitensatz. Die Solovioline setzt
kadenzierend ein, übernimmt dann die beiden Themen und hat erst zu Beginn des
Durchführungsabschnitts eine etwa dreißigtaktige Verschnaufpause. Der weitgrei-
fende Aufbau des ersten Konzertsatzes, auch hierin orientiert sich Brahms an Beet-
hoven, gipfelt nach mehr als 500 Takten in einer frei zu gestaltenden »Cadenz«,
deren erste ursprünglich von Joachim stammte.
Der zweite Satz, das »arme Adagio« mit seinen zauberhaften Klängen, originel-
len Überleitungen und überraschenden Harmonisierungen, wurde zum Zentrum
eines der größten Werke der Violinkonzertliteratur. In doppelter Bläserquintettbe-
setzung erklingt zu Beginn eine wunderschöne lyrische Melodie. Sie wird von der
Solovioline aufgenommen und im weiteren Verlauf ausgiebig variiert.
Noch am ehesten trägt das abschließende Rondo mit seinem im ungarischen
Stil gehaltenen »Kehraus«-Charakter der Tradition des virtuosen Solokonzertes
Rechnung.
Die Uraufführung des Konzertes am Neujahrstag 1879 unter der Leitung des
Komponisten gestaltete sich trotz recht kurzer Probenzeit erfolgreich. Weder das
zweite Violinkonzert von Max Bruch, noch das originelle D-Dur-Violinkonzert
von Peter Tschaikowsky, die beide auch beide 1878 entstanden, hatten ähnlichen
Erfolg. Das Violinkonzert von Brahms galt dagegen sofort als das größte seit Beet-
hoven und Mendelssohn.
Unter Brahms’ großangelegten Orchesterwerken befinden sich vier Sinfonien
und vier Solokonzerte, wobei die Konzerte zweifellos nicht als virtuose Schaustü-
cke, sondern grundsätzlich sinfonisch gedacht sind. Im Vordergrund steht immer
das musikalische Material, das ebenso einzeln (vom Solisten) wie gemeinsam (vom
Orchester) vorgestellt und bearbeitet wird. In seinem letzten dieser acht großen
Orchesterwerke findet Brahms 1887 nun eine neue Lösung zur Gestaltung des
sinfonisch orientierten Grundaufbaus, indem er nicht ein einzelnes, vergleichs-
weise akustisch eher unterlegenes Streichinstrument gegen das Orchester antreten
lässt, sondern deren zwei aufbietet, was die Durchschlagskraft deutlich erhöht – in
seinem Konzert für Violine, Violoncello und Orchester a-Moll op. 102. Damit ent-
steht ein Doppelkonzert, das die eher seltene Gattung, die eigentlich aus barocker
Tradition stammt, in das 19. Jahrhundert überführt. In der Klassik erscheint sie
auch unter der Bezeichnung »Sinfonia concertante«, was den von Brahms beab-
sichtigten Charakter grundsätzlich unterstreicht. Als Vorbilder können jenseits der
italienischen Meister (Antonio Vivaldi etc.) entsprechende Werke von Johann
Sebastian Bach (für zwei Violinen), Wolfgang Amadeus Mozart (vier Beiträge: für
zwei Klaviere, Flöte und Harfe, Violine und Viola, dazu eine Sinfonia concertante
für allerdings gleich vier Bläser), vielleicht auch Beethovens Tripelkonzert (für Kla-
vier, Violine, Violoncello) und Kompositionen von Felix Mendelssohn (zwei Kon-
zerte für zwei Klaviere) aufgezählt werden. Da Brahms 1887 als inzwischen wirt-
schaftlich erfolgreicher Komponist längst nicht mehr auf Kompositionsaufträge

6 7
angewiesen war, stellt sich die Frage, was es mit seiner Motivation, ungefragt ein
Doppelkonzert zu schreiben, auf sich hat.
Zum einen knüpft Brahms formal im ersten Satz am bereits erwähnten zweiten
Klavierkonzert an; denn die Solointroduktion wird vorgezogen; die Solisten eröff-
nen das Konzert, zunächst das Violoncello, kurz darauf die Violine. Beide zusam-
men ergeben eine – so der augenzwinkernde Brahms – »achtsaitigen Riesengeige«.
Violine und Violoncello müssen also nahtlos kooperieren, wenn die musikalische
Darbietung ein Erfolg werden soll.
Der Mittelsatz basiert auf einem eingangs vorgestellten, aufwärtsgerichteten
Viertonmotiv (a-d-e-a), das sich, so der Musikwissenschaftler Constantin Floros,
aus Robert Schumanns »Introduction und Allegro« für Klavier und Orchester (op.
92) ableiten lässt und bei Brahms zumindest auch in seinem ersten Klavierkonzert
(d-Moll, op. 15) Verwendung findet. Violine und Violoncello stellen das sich aus
dem Viertonmotiv entwickelnde Thema gemeinsam vor.
Im rhythmisch pointierten Schlusssatz haben die Solisten kaum Zeit zum
Atemholen. Von 340 Takten sind 280 von ihnen zu spielen. Wie im ersten Satz
beginnt das Violoncello, und die Violine übernimmt.
Zum anderen hat Brahms mit seinem Doppelkonzert »gewissermaßen ein Ver-
söhnungswerk« (Clara Schumann) geschaffen. Statt für den befreundeten Joseph
Joachim Partei zu ergreifen, hatte er sich nämlich angesichts des Ehekonfliktes des
Geigers auf die Seite der Ehefrau Amalie gestellt, die Joseph Joachims unbegrün-
dete Eifersucht nicht länger auszuhalten vermochte; die Ehe der Joachims wurde
dann auch 1884 nach 21 Jahren geschieden. Im Holzbläsersatz des Seitenthemas
im Kopfsatz ist nun der Beginn von Giovanni Battista Viottis a.Moll-Violinkon-
zert (Nr. 22) eingraviert. Dieses Werk schätzte nicht nur Brahms, sondern es zählte
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zu den bevorzugten Stücken des Geigers Joachim. Brieflich näherte man sich wie-
der an, und Brahms’ Freundschaftsdienst zeigte Wirkung: Joachim war gern bereit,
sich mit der Einstudierung des Violin-Soloparts zu befassen. Erfreut wird er festge-
stellt haben, dass die drei Anfangsnoten seiner Solostimme in Takt 116, »f-e-a«,
mit denen das erste Thema vom Violoncello übernommen wird, am Anagramm
»f-a-e« (frei, aber einsam) angelehnt sind, dem Wahlspruch Joachims, mit dem er
manche persönliche Notiz unterzeichnete. Am 5. März 1888, man hatte sich end-
gültig wieder vertragen, schrieb Brahms an Joachim: »Für mich ist f.a.e. ein Symbol
geblieben, und darf ich es, trotz allem, wohl segnen.«
Als weitere freundliche Geste wurde das Doppelkonzert auch für Robert Haus-
mann (1852-1909) komponiert, den etwa eine Generation jüngeren Cellisten des
berühmten Joachim-Quartetts, dem Brahms bereits ein Jahr zuvor seine zweite
Violoncellosonate (F-Dur, op. 99) gewidmet und der ihn um ein weiteres Solo-
werk, möglichst mit Orchester, gebeten hatte.
Die drei Künstler, Joachim, Hausmann und Brahms als Dirigent, hoben am
18. Oktober 1887 das Doppelkonzert in Köln mit großem Erfolg aus der Taufe.
Wie üblich hatte Brahms vorab in ironischer Untertreibung seinen zuständigen
Verleger Simrock gewarnt und ihn auf »meine letzte Dummheit« hingewiesen.
Clara Schumann erhielt gar einen Brief mit der Bemerkung: »Von mir kann ich Dir
recht Drolliges erzählen. Ich habe nämlich den lustigen Einfall gehabt, ein Konzert für
Geige und Cello zu schreiben. Wenn es einigermaßen gelungen ist, so könnte es uns
wohl Spaß machen.«
ERIK SCHUMANN
Erik Schumann wurde 1982 als Sohn deutsch/rumänisch-japanischer Eltern in
Köln geboren. Mit Auftritten an der Seite von Orchestern in Europa, Asien und
den USA begeistert er sein Publikum. Darunter
befinden sich Orchester wie das NDR Sinfonie-
orchester Hamburg, WDR Sinfonieorchester
Köln, Gewandhausorchester Leipzig, Bamberger
Symphoniker, Tonhalle-Orchester Zürich, Or-
chestre de Paris, Orchestre National de France,
Sinfonia Varsovia, BBC Philharmonic und Hel-
sinki Philharmonic Orchestra, das NHK Or-
chestra Tokyo sowie National Symphony Or-
chestra Washington D.C. und das Chicago Sym-
phony Orchestra.
Dabei arbeitet er u. a. mit Dirigenten wie
Christoph Eschenbach, Gianandrea Noseda, Jiří
Bělohlávek, Muhai Tang, Vassily Sinaisky, Gün-
ther Herbig, Marin Alsop, Howard Griffiths,
Toshiyuki Kamioka, Juanjo Mena, Michael Sanderling, David Afkham und Leoš
Svárovský zusammen.
Beim Huddersfield Contemporary Music Festival spielte Erik Schumann in
2012 Matthias Pintschers Violinkonzerts »Mar’eh« unter der Leitung des Kompo-
nisten mit dem BBC Scottish Symphony Orchestra. Duo-Recitals mit Henri
Sigfridsson führten ihn u.a. in die Philharmonie Luxembourg, den Kammermu-
10
siksaal der Berliner Philharmonie sowie in den Pariser Louvre. Festspiele wie die
Salzburger Osterfestspiele, das Lucerne Festival, der Kissinger Sommer, die Fest-
spiele Mecklenburg-Vorpommern, das Pacific Music Festival, das Schleswig-Hol-
stein Musik Festival, Mozartfest Schwetzingen, Rheingau Musik Festival und das
Ravinia Musikfestival Chicago haben Erik Schumann regelmäßig zu Gast. Kam-
mermusikprojekte führten ihn unter anderem mit dem Tokyo String Quartet,
Daniel Müller Schott, Alisa Weilerstein, Anna Vinnitskaya, Martin Fröst, Nils
Mönkemeyer, Danjulo Ishizaka, Nicolas Altstaedt, Reto Bieri, Ralph Manno, José
Gallardo, Viviane Hagner, Daniel Hope und Cyprien Katsaris zusammen. Im
Rahmen der Kronberg Academy musizierte Erik Schumann mit Yuri Bashmet und
Gidon Kremer. Zusammen mit Christoph Eschenbach spielte er ein Duo-Recital
in der Ooji Hall Tokio. Mit seinen Geschwistern Ken und Mark sowie mit Liisa
Randalu bildet er das Schumann Quartett, das unter anderem in 2013 den 1. Preis
beim renommierten Internationalen Streichquartett Wettbewerb Bordeaux errang.
Das Quartett ist »Artist in Residence« im Robert Schumann Saal Düsseldorf. Erik
Schumanns Debüt-CD, auf der er im Duo mit Henri Sigfridsson Sonaten von
Sergei Prokofiev erkundet, wurde von der Presse hoch gelobt. Entscheidend für
seine musikalische Entwicklung war unter anderem sein Lehrer Zakhar Bron. Wei-
tere wichtige Impulse bekam er durch Meisterkurse u. a. bei Pinchas Zuckerman,
Miriam Fried, Shlomo Mintz, Pamela Frank, Hermann Krebbers, Pavel Vernikov
und György Pauk.
Erik Schumann spielt auf einer Violine von G.F. Pressenda aus dem Jahre 1830,
eine freundliche Leihgabe aus privatem Besitz.
11
MARK SCHUMANN
Mark Schumann, Jahrgang 1988, wurde in Dormagen bei Köln geboren. Er erhielt
seinen ersten Cellounterricht mit vier Jahren. Seine Lehrer waren Alwin Bauer,
Hans Christian Schweiker, Emil Klein, Heinrich Schiff und Frans Helmerson. Der-
zeit wird er an der Hochschule für Musik in Köln von Prof. Nicolas Altstaedt unter-
richtet. Zur Vertiefung seines künstlerischen Ausdrucks nahm er an Meisterkursen
von David Geringas, Gary Hoffman, Steven Isserlis und Bernard Greenhouse teil
und 2008 an der International Music Academy Switzerland von Maestro Seiji
Ozawa. Zahlreiche Wettbewerbserfolge bezeugen das Talent des jungen Musikers.
Er hat Rundfunkaufnahmen beim WDR, BR, MDR und NHK Japan gemacht
und spielte bereits mit zahlreichen angesehenen Orchestern, wie etwa dem War-
schauer Symphonie Orchester, Klassische Philharmonie Bonn, Folkwang Kam-
merorchester, Slowakisches Symphonieorchester, MDR Symphonieorchester, Yo-
miuri Symphony Orchestra und das Bran-
denburgisches Staatsorchester und war u. a.
in der Tonhalle Düsseldorf, der Kölner
Philharmonie, Berliner Kammerphilhar-
monie, Konzerthaus Berlin, Die Glocke in
Bremen, Laeiszhalle Hamburg, Rudolf Oe-
tker Halle, Robert Schumann Saal, NHK
Hall, Minato Mirai Hall, (Yokohama),
Victoria Hall(Genf ), und Suntoryhall in
Tokio zu hören. In 2010 nahm Mark
Schumann am Kammermusikkurs »Cham-
12
bermusic connects the world« in Kronberg teil, bei dem er u.a. mit Gidon Kremer
und Yuri Bashmet zusammen spielte.
Im Juni 2010 trat er mit Christoph Eschenbach und Tzimon Barto beim »Kla-
vier-Festival Ruhr« auf. Noch im selben Jahr erhielt er den »Europäischer Kultur-
preis«. 2011 absolvierte er eine Deutschlandtournee mit der »Klassischen Philhar-
monie Bonn«, unter der Leitung Heribert Beissel und bekam das MKK Stipen-
dium 2012 verliehen. In 2014 erhielt er den »Förderpreis des Landes NRW«.
Neben seinen Soloauftritten ist er – zusammen mit seinen Geschwistern – Mit-
glied des Schumann Quartetts, das vom Alban Berg Quartett, Prof. Eberhard
Feltz, Prof. Rainer Schmidt und Prof. Harald Schoneweg (Cherubini Quartett)
betreut wird. Der ehemalige Stipendiat der Deutschen Stiftung Musikleben und
der Studienstiftung des Deutschen Volkes spielt ein Violoncello von »Carlo
Giuseppe Testore« (1710).
ALEXANDER SHELLEY
Von Publikum und Presse überall gefeiert gilt Alexander Shelley als »der aufre-
gendste und begabteste Dirigent seiner Generation«. Seit 2009 ist er Chef der
Nürnberger Symphoniker. Daneben wird er ab September 2015 auch die Leitung
des National Arts Centre Orchestra in Ottawa übernehmen. Im Januar 2015
wurde er zudem zum Ständigen Ersten Gastdirigenten des Royal Philharmonic
Orchestra London ernannt. Shelley, 1979 in London geboren, studierte Cello und
13
 Dirigieren in London und Düsseldorf. Weltweit
hat er ungezählte Orchester dirigiert, u.a. das
City of Birmingham Symphony Orchestra, das
Deutsche Symphonie-Orchester Berlin, das
Leipziger Gewandhaus, das Houston Symphony
Orchestra sowie das Simon Bolivar Orchestra in
Venezuela und die Hongkong Philharmonic.
Eng verbunden ist er mit der Deutschen Kam-
merphilharmonie Bremen. Als Operndirigent
erschien er u.a. mit Mozarts »Figaro«, mit Lehárs
»Lustiger Witwe« und Puccinis »La Bohème«.
Alexander Shelley spielte 2014 Korngolds Vio-
linkonzert mit Daniel Hope und der Stockholm
Philharmonic ein sowie eine Britten-Prokofjew-
Dukas-CD mit dem Bundesjugendorchester, das er auf eine Tournee führte. Den
Höhepunkt bildeten Auftritte in der Berliner Philharmonie und im Festspielhaus
Baden-Baden, wo er das Kooperationskonzert mit den Berliner Philharmonikern
gemeinsam mit Simon Rattle leitete. 2015 wird Alexander Shelley bei der Tsche-
chischen Philharmonie, beim Orchestre de la Suisse Romande und bei der Came-
rata Salzburg debütieren.
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NÜRNBERGER SYMPHONIKER
Künstlerische Qualität und stilistische Bandbreite – das sind die Markenzeichen
der Nürnberger Symphoniker. Seit ihrer Gründung 1946 sind sie an allen musika-
lischen Fronten dabei: Oper, Operette, Oratorium, Film und vor allem das Sym-
phoniekonzert – in all diesen Genres machen sie Musik zum Erlebnis. In rund 100
Auftritten pro Saison erfreuen sie als das Konzertorchester der europäischen Met-
ropolregion Nürnberg jedes Jahr an die 200.000 Zuhörer mit musikalischen Ver-
anstaltungen der verschiedensten Art. Während bei den Abonnementkonzerten in
der Nürnberger Meistersingerhalle der Schwerpunkt auf dem klassisch-romanti-
schen Repertoire liegt, widmen sie sich in ihrer Reihe im Musiksaal in der Kon-
gresshalle spannenden genreübergreifenden Projekten aus Pop, Jazz, Film und
Literatur. Im Advent gehören ihre stimmungsvoll-weihnachtlichen Rathaus-Kon-
zerte mit festlicher Barockmusik zum Pflichtprogramm der Besucher des Nürnber-
ger Christkindlesmarktes. Und während der Sommersaison im Serenadenhof oder
bei Europas größtem Klassik Open Air im Luitpoldhain steht die ganze Welt der
Musik auf dem Programm.
In der Vergangenheit agierten die Nürnberger Symphoniker zudem als Gastor-
chester im Nürnberger Staatstheater, als Orchester der Opernfestspiele in Heiden-
heim und als Festspielorchester beim traditionsreichen Festival »Fränkischer Som-
mer«. In Kooperation mit der Staatsphilharmonie Nürnberg führten sie spektaku-
läre Riesenwerke – Mahlers »Symphonie der Tausend« und Schönbergs »Gurrelie-
der« – auf. Weiteres Herzstück ihrer Arbeit sind die altersgerechten und interakti-
ven Kinder- und Jugendkonzerte, mit denen sie einen engagierten Beitrag zur
Förderung des Konzertbesucher-Nachwuchses leisten. Für das Sonderprojekt
15
»Erlebnis Klassische Musik – Kinder spielen für Kinder« im Rahmen von »Sym-
phoniker im Klassenzimmer« wurde das Orchester 2012 mit dem Paula-Maurer-
Preis ausgezeichnet.
Ein Highlight in der Orchestergeschichte brachte das Jahr 1993: Für ihre sen-
sationelle Einspielung des Main Title der Fernsehserie »The Beauty and the Beast«
wurden die Nürnberger Symphoniker in Los Angeles mit einem der begehrten
Grammy Awards ausgezeichnet – Krönung einer »Hollywood-Connection«, die
bis in die 50er Jahre zurückreicht, als das Orchester die Soundtracks von »Ben
Hur« und »Quo Vadis« aufnahm.
Längst bewegen sich die Nürnberger Symphoniker auf internationalem Parkett.
Weltstars wie Cecilia Bartoli, Cheryl Studer und José Carreras haben mit ihnen
musiziert, glanzvolle Namen wie Philippe Entremont, Martin Stadtfeld, Cameron
Carpenter, Daniel Hope, Mischa Maisky, Martin Grubinger oder Christian Lind-
berg begeistern das Nürnberger Publikum. Seit 2009 ist der junge englische
»Shooting-Star« Alexander Shelley Chefdirigent des Orchesters: Ein brillanter,
charismatischer Orchesterleiter, der in der ganzen Welt gefragt ist. In seiner Ära
absolvierten die Nürnberger Symphoniker zahlreiche internationale Gastspiele in
Wien, Prag, Mailand, Japan und zuletzt auch in China. So tragen sie heute ihre
Interpretationen »Made in Nuremberg« vital, inspiriert und selbstbewusst in die
Welt: Nürnberger Symphoniker – Musik erleben!
16
CONCERTANTE SYMPHONIES
J
ohannes Brahms often tried to realize his compositional ideas in several
ways, if possible. A single, exemplary end product rarely seemed meaningful
enough for him. His works for solo violin are cases in point. His only Con-
certo for violin and orchestra in D major op. 77 was composed in 1878, around the
time he wrote his First Violin Sonata in G major, op. 78, and just a year after his
Second Symphony, which is also in D major – the same key as the only violin con-
certo by the “colossus” Ludwig van Beethoven, whom Brahms had “heard marching
behind him” wile he was working on his First Symphony in the early 1870s.
In August 1878, while Brahms was spending the summer in the Carinthian
town of Pörtschach, he wrote to his good friend the famous violinist Joseph
Joachim (1831-1907), asking him to check a “number of violin passages”. Joachim,
who had never dared to hope for a work by Brahms for his instrument, answered:
“I am truly overjoyed to learn you are writing a violin concerto – and one in four
movements at that!” The planned four movements were later cut down to three
because Brahms was having trouble with his four-movement concept and could
not promise the work would be ready for the traditional New Year’s Concert at the
Gewandhaus in Leipzig in 1879, when Joachim intended to present the piece
(which was naturally dedicated to him). In the autumn Brahms wrote: “The cen-
tral movements have gone – they were naturally the best! But I’m going to write a
poor Adagio.” He presumably re-used the music of the discarded middle move-
ments in his Second Piano Concerto in B flat major op. 83, written between 1878
and 1881.
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 The art of writing concertos for a solo instrument and orchestra consists in
maintaining the balance between tension and relaxation, and in the alternation of
extensive, discreetly accompanied solo passages with the full force of the tutti. In
Brahms’s Violin Concerto, the rather pastoral principal theme contrasts with a
rhythmically unwieldy second theme. The solo violin enters in the manner of a
cadenza, introduces the two themes, then takes a break for about thirty bars at the
beginning of the development section. The structurally complex first movement,
in which Brahms again oriented himself on Beethoven, culminates after more than
500 bars in a section in which a cadenza is to be improvised: the first version came
from Joachim.
With its charm, original transitions and unexpected harmonies, the second
movement – the “poor Adagio” – occupies the centre of one of the greatest violin
concertos in the repertoire. A wonderful, lyrical melody sounds in double wind
quintet at the beginning. It is adopted by the solo violin and subjected to abun-
dant variations.
The concluding Rondo in Hungarian style is in keeping with the tradition of
rousing finales in virtuoso solo concertos.
Despite scant rehearsal, the premiere of the concerto on New Year’s Day 1879
under the composer’s baton was a success. Neither Max Bruch’s Second Violin
Concerto nor Pyotr Tchaikovsky’s wonderful D major Violin Concerto, both like-
wise written in 1878, received so much acclaim. Brahms’s Violin Concerto was
immediately proclaimed the greatest since Beethoven and Mendelssohn.
Brahms’s large-scale orchestral works include four symphonies and four concer-
tos written according to symphonic principles, rather than as virtuosic showpieces.
The musical material, introduced both by the soloist and the orchestra, is con-
18
stantly in the foreground. In 1887, in the last of his eight large-scale orchestral
works, Brahms found a new form of symphonic structure, in which he pitted
against the orchestra not the comparatively low volume of tone of a single stringed
instrument but that of two, thus considerably increasing the tonal impact. The
Concerto for violin, cello and orchestra in A minor op. 102, commonly known as
his “Double Concerto”, belongs to a rather rare genre that originated in the
Baroque era. In the Classical period, a work of this nature was also given the name
sinfonia concertante, which basically underlines the character intended by Brahms.
Models exist from the Italian masters (Antonio Vivaldi etc.), from Johann Sebas-
tian Bach (for two violins), from Wolfgang Amadeus Mozart (four examples: for
two pianos, for flute and harp and for violin and viola, plus a Sinfonia concertante
for four wind instruments), from Beethoven (Triple Concerto for piano, violin,
cello) and from Felix Mendelssohn (two concertos for two pianos). Since by 1887
Brahms had long been a commercially successful composer and was no longer
dependent on commissions, the question arises as to what motivated him to write
his Double Concerto.
In the first movement, Brahms borrows formal ideas from his Second Piano
Concerto; the soloists perform the introduction – first the cello, then the violin.
Together, they form what Brahms humorously called a “giant eight-string fiddle”.
Smooth cooperation between the soloists is essential for a successful performance.
The middle movement is based upon the initial ascending four-note motif
A-D-E-A, which according to musicologist Constantin Floros derives from Robert
Schumann’s Introduction and Allegro for piano and orchestra op. 92, and which
Brahms also used in his First Piano Concerto in D minor, op. 15. The violin and
the cello develop the theme from the four-note motif.
19
 The soloists hardly have time to catch breath in the highly rhythmic last move-
ment, performing 280 of the 340 bars by themselves. As in the first movement, the
cello begins the process.
Clara Schumann called the Double Concerto “something of a conciliatory
work”. Instead of supporting his friend Joseph Joachim in his marital conflict,
Brahms had taken the side of Joseph’s wife Amalie because he was no longer able to
endure the violinist’s unfounded jealousy; the couple divorced in 1884 after
twenty-one years together, and the friendship of the composer and the violinist
went into cold storage. The subsidiary theme in the woodwinds in the opening
movement is taken from the beginning of Giovanni Battista Viotti’s A minor Vio-
lin Concerto no. 22 – a work which Brahms greatly esteemed and which the vio-
linist Joachim often performed. The two men returned to corresponding with one
another again. Brahms’s kind thought soon brought results, for Joachim declared
himself willing to rehearse the violin part. He will have been pleased to note that
F-E-A, the three opening notes of the solo part in bar 116, where the violin takes
over the first theme from the cello, is an anagram of F-A-E (frei, aber einsam – free,
but alone), the slogan with which Joachim signed many a personal note. The two
men were finally reconciled, and on March 5, 1888, Brahms wrote to Joachim:
“F.A.E. remains a symbol for me, and I bless it, in spite of everything.”
The Double Concerto was also composed for Robert Hausmann (1852-1909)
as a gesture of friendship. Hausmann, a generation younger than Brahms, was the
cellist in the famous Joachim Quartet. Brahms had dedicated his Second Cello
Sonata in F major, op. 99 to him the previous year and Hausmann had asked the
composer to write another solo work for him, with orchestra if possible.
The three artists, Joachim, Hausmann and Brahms as conductor, premiered the
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Double Concerto in Cologne to great acclaim on October 18, 1887. With his
usual tendency towards ironical understatement, Brahms had cautioned his pub-
lisher Simrock about the work, referring to his “latest folly”. Even Clara Schu-
mann received a letter with the remark: “I can tell you something really droll about
me. I have had the funny inspiration to write a concerto for violin and cello. If it is
a success to some extent, we may have fun with it.”
ERIK SCHUMANN
Erik Schumann was born in Cologne to German and Romanian-Japanese parents
in 1982. Audiences have enthusiastically received his appearances with orchestras in
Europe, Asia and the USA. The orchestras with which he has performed include the
NDR Symphony Orchestra of Hamburg, WDR Symphony Orchestra of Cologne,
the Leipzig Gewandhaus Orchestra, the Bamberg Symphony Orchestra, the Zurich
Tonhalle Orchestra, the Orchestre de Paris and Orchestre National de France, Sin-
fonia Varsovia, the BBC Philharmonic, the Helsinki Philharmonic, the Jerusalem
Radio Symphony Orchestra, the NHK Orchestra of Tokyo, the National Sym-
phony Orchestra of Washington, D.C. and the Chicago Symphony Orchestra.
He works with conductors like Christoph Eschenbach, Gianandrea Noseda,
Jirí Belohlávek, Muhai Tang, Vasily Sinaisky, Günther Herbig, Marin Alsop, How-
ard Griffiths, Toshiyuki Kamioka, Juanjo Mena, Michael Sanderling, David
Afkham and Leos Svárovský.
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 Erik Schumann performed Matthias Pintscher’s Violin Concerto “Mar’eh” with
the BBC Scottish Symphony Orchestra under the composer’s baton at the Hud-
dersfield Contemporary Music Festival in 2012. Duo recitals with Henri Sigfrids-
son have taken him to the Philharmonie Luxembourg, the Chamber Music Hall at
the Berlin Philharmonie and the Louvre in Paris. Erik Schumann has regularly per-
formed at the Salzburg Easter Festival, the Lucerne Festival, the Bad Kissingen
Summer Festival, the Festival of Mecklenburg-West Pomerania, the Pacific Music
Festival, the Schleswig-Holstein Music Festival, the Schwetzinger Mozartfest, the
Rheingau Music Festival and the Ravinia Music
Festival Chicago. He has worked with the Tokyo
String Quartet, Daniel Müller Schott, Alisa Weil-
erstein, Anna Vinnitskaya, Martin Fröst, Nils
Mönkemeyer, Danjulo Ishizaka, Nicolas Alts-
taedt, Reto Bieri, Ralph Manno, José Gallardo,
Viviane Hagner, Daniel Hope and Cyprien Kat-
saris on various chamber-music projects. Erik
Schumann performed with Yuri Bashmet and
Gidon Kremer at the Kronberg Academy. With
Christoph Eschenbach, he gave a duo recital in
the Ooji Hall in Tokyo. Performing with Liisa
Randalu and his brothers Ken and Mark, he leads
the Schumann Quartet, which won first prize at
the prestigious Bordeaux International String
Quartet Competition in 2013. The quartet is Artist in Residence at the Robert
Schumann Hall in Düsseldorf. Erik Schumann’s debut CD, on which he explored
22
sonatas by Sergey Prokofiev together with pianist Henri Sigfridsson, was highly
praised by the press. Decisive influence on Erik Schumann’s musical development
was exerted by his teacher Zakhar Bron. Other important stages in his development
were master classes with Pinchas Zukerman, Miriam Fried, Shlomo Mintz, Pamela
Frank, Hermann Krebbers, Pavel Vernikov and György Pauk.
Erik Schumann performs on a violin built by Giovanni Francesco Pressenda in
1830, kindly loaned by a private owner.
MARK SCHUMANN
Mark Schumann was born in Dormagen near Cologne in 1988, and began learn-
ing the cello at the age of four. His teachers were Alwin Bauer, Hans Christian
Schweiker, Emil Klein, Heinrich Schiff and Frans Helmerson. At present, he is
studying with Prof. Nicolas Altstaedt at the Cologne College of Music. He has
attended the master classes of David Geringas, Gary Hoffman, Steven Isserlis and
Bernard Greenhouse and, in 2008, that of Seiji Ozawa at the International Music
Academy Switzerland. The young musician’s talent is shown by his success at
numerous competitions.
Schumann has made radio recordings with WDR, BR and MDR and with
NHK Japan, and the numerous respected orchestras he has performed with
include the Warsaw Symphony Orchestra, the Klassische Philharmonie Bonn, the
Folkwang Chamber Orchestra, the Slovak Symphony Orchestra, the MDR Sym-
phony Orchestra, the Yomiuri Nippon Symphony Orchestra and the Brandenburg
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State Orchestra, at venues like the Düsseldorf Tonhalle, the Cologne Philharmo-
nie, the Berlin Kammerphilharmonie and Konzerthaus, Die Glocke in Bremen,
the Laeiszhalle in Hamburg, the Rudolf Oetker Hall, the Robert Schumann Hall,
the NHK Hall, the Minato Mirai Hall in Yokohama, the Victoria Hall in Geneva,
and the Suntory Hall in Tokyo.
In 2010 Mark Schumann attended the Chamber Music Connects the World
course in Kronberg, where he played with Gidon Kremer and Yuri Bashmet among
others.
He performed with Christoph Eschen-
bach and Tzimon Barto at the Ruhr Piano
Festival in June 2010, receiving the Euro-
pean Arts Prize that same year. He toured
Germany with the Klassische Philharmonie
Bonn under the direction of Heribert Beis-
sel in 2011 and was awarded the MKK
Scholarship in 2012. In 2014 he received
the North Rhine-Westphalia Scholarship.
In addition to his solo appearances, he
performs together with his brothers in the
Schumann Quartet, which is supervised by
the Alban Berg Quartet, Prof. Eberhard
Feltz, Prof. Rainer Schmidt and Prof.
Harald Schoneweg (Cherubini Quartet). The former holder of scholarships from
the Deutsche Stiftung Musikleben and the Studienstiftung des deutschen Volkes
plays a cello built by Carlo Giuseppe Testore in 1710.
ALEXANDER SHELLEY
Universally acclaimed by press and public alike, Alexander Shelley is regarded as
“the most exciting and most talented conductor of his generation“. He has headed
the Nürnberg Symphony Orchestra since 2009, and from September 2015 he will
also assume direction of the National Arts Centre Orchestra in Ottawa, Canada.
In addition, he was appointed Principal Associate Conductor of London’s Royal
Philharmonic Orchestra in January 2015. Born in London in 1979, Shelley stu-
died cello and conducting in London and Düsseldorf. He has conducted countless
orchestras around the world, among them the City of Birmingham Symphony
Orchestra, Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, the Leipzig Gewandhaus
Orchestra, the Houston Symphony Orchestra, the Simon Bolivar Orchestra in
Venezuela and the Hongkong Philharmonic. He maintains a close association with
the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen. His achievements as an opera con-
ductor include Mozart’s Figaro, Lehár’s Merry Widow and Puccini’s La Bohème.
Alexander Shelley recorded Korngold’s Violin Concerto with Daniel Hope and the
Stockholm Philharmonic in 2014, also a Britten-Prokofiev-Dukas CD with the
Bundesjugendorchester, which he took on tour. The highlight of the German
youth orchestra tour came with performances in the Berlin Philharmonie and the
Festspielhaus in Baden-Baden, where he directed the joint concert with the Berlin
Philharmonic together with Simon Rattle. 2015 will see Alexander Shelley make
his debuts with the Czech Philharmonic, Orchestre de la Suisse Romande and
Camerata Salzburg.
Translation; J & M Berridge

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NUREMBERG SYMPHONY
Artistic quality and stylistic flexibility – these features represent the trademark of
the Nuremberg Symphony. Since its foundation in 1946 the orchestra has been
active in all kinds of musical fields: opera, operetta, oratorio, film and in particular
the symphonic concert. No matter which genre – it makes music an adventure.
Acting as the concert orchestra of
the European metropolitan area of
Nuremberg, the Nuremberg Sym-
phony brings the joy of classical
music to an audience of almost
200,000 people every year perform-
ing some 100 concerts every season.
While focusing on the classical and
romantic repertoire in its sub-scrip-
tion concerts at the Nuremberg Meis-
tersinger Hall, it is devoted to excit-
ing projects across different genres
like pop, jazz, film and literature in its
series at the Music Hall. In Advent the city-hall concerts brimming with Christ-
massy atmosphere and focusing on festive baroque music are a must for the visitors
of the Nuremberg “Christkindlesmarkt”. And the entire world of mu-sic is covered
in its programmes when performing at the Serenade Court during the summer
season or at Europe’s biggest Classic Open Air in the Luitpoldhain.
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Moreover, the Nuremberg Symphony was acting in the past as guest orchestra at
the Nuremberg Theatre, as orchestra of the Opera Festival Heidenheim and as fes-
tival orchestra of the “Franconian Summer” which is enjoying a long tradition.
Cooperating with the Philharmonic Orchestra in Nuremberg it performed spec-
tacular gigantic works – Mahler’s “Symphonie der Tausend” and Schönberg’s
“Gurrelieder”. A further centrepiece of its work is formed by the age-appropriate
and interactive children’s and youth concerts with which it committedly partici-
pates in supporting the new blood of concert goers. For a special children’s project
the orchestra was awarded the Paula-Maurer-Prize in 2012.
The year 1993 represented a highlight in the orchestra’s history: the Nurem-
berg Symphony won one of the coveted Grammy Awards in Los Angeles for its
sensational recording of the main title music for the TV series “Beauty and the
Beast” – the peak of a “Hollywood connection” reaching far back into the 1950’s,
when the orchestra recorded the film scores for “Ben Hur” and “Quo Vadis”.
For a long time the Nuremberg Symphony has performed well on the interna-
tional stage. World class artists such as Cecilia Bartoli, Cheryl Studer and José Car-
reras made music with it and splendid names like Philippe Entremont, Martin
Stadtfeld, Cameron Carpenter, Daniel Hope, Mischa Maisky, Martin Grubinger
or Christian Lindberg fascinated the Nuremberg audience. Since 2009 the young
British “shooting star” Alexander Shelley has been appointed Chief Conductor: a
brilliant, charismatic conductor sought after in the whole world. During his era
the orchestra completed a number of international guest performances in Vienna,
Prague, Milan, Japan and in China. Inspired and self-confident, the Nuremberg
Symphony carries out its interpretations “made in Nuremberg” into the whole
world. Nuremberg Symphony – experience music!
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 P & C 2015 Edel Germany GmbH
Coproduction with Bayerischer Rundfunk – Studio Franken
Recording: 30.05.-02.06.2014, Nürnberg,
Musiksaal in der Kongresshalle
Executive Producer: Dr. Andreas Grabner (BR), Bernd Kussin (Edel)
Recording Producer: Johannes Müller

Balance Engineer: Peter Collmann
Sound Technician: Andreas Haeuber
Photos: Torsten Hönig
Design: Gerd Schröder / www.groothuis.de

www.erikschumann.com markschumann.de www.nuernbergersymphoniker.de www.alexandershelley.com